1890.- Hey! - Julio Iglesias

1980 fue el momento en el que Julio Iglesias dejó de ser simplemente una estrella de la música latina para convertirse en un fenómeno global imparable. Si 1970 fue el año de su nacimiento artístico con "Gwendolyne", 1980 fue el año en el que conquistó los mercados que se le resistían, especialmente el anglosajón y el asiático, Julio no se conformaba con España y Latinoamérica para ello desarrollo una estrategia agresiva y muy inteligente, grabó y promocionó versiones de sus éxitos en japonés, logrando vender millones de copias en el país del sol naciente. Y en EE. UU. aunque su gran explosión en inglés llegaría un par de años después con 1100 Bel Air Place, en 1980 ya era una figura habitual en los programas de máxima audiencia de Estados Unidos, preparando el terreno para ser el artista "crossover" definitivo. Pero en lo personal no iba bien, hacía apenas un par de años (1978) que se había divorciado oficialmente de Isabel Preysler, Julio vivía plenamente su etapa de soltero codiciado, pero con una melancolía que él mismo confesaba en sus entrevistas. Se instaló definitivamente en Miami, buscando un centro de operaciones para conquistar el mundo, alejándose físicamente de sus raíces en España pero su vida transcurría en aviones, hoteles de lujo y su mansión de Indian Creek, un ritmo que alimentaba su fama de conquistador pero que lo mantenía lejos de su familia.

Hey! se publicó en 1980, es considerado por muchos críticos como su obra maestra, no solo fue un éxito masivo en ventas, sino que definió su sonido característico: baladas elegantes, orquestaciones impecables y esa voz susurrada que se convirtió en su sello personal, gracias a este disco, fue nominado al Grammy en la categoría de "Best Latin Recording", no es solo un disco de canciones románticas, es la culminación del sonido "Julio": elegante, mediterráneo y con una producción de un nivel técnico asombroso para la época. Mucha culpa la tuvo Ramon Arcusa, fue una produccion muy dura buscando unos magníficos arreglos orquestales grabados con los mejores músicos de estudio de la época, perfecciono la voz susurrada, Julio canta muy cerca del micrófono, creando una sensación de intimidad, como si te estuviera hablando al oído y sobre todo el perfeccionismo, Julio podía pasar días enteros repitiendo una sola frase hasta que la emoción fuera la exacta. La carátula, con Julio posando de perfil, bronceado, con una camisa blanca impecable y ese aire de melancolía serena, se convirtió en el estándar de la estética masculina de los años 80, representaba el lujo accesible: el hombre que ha triunfado pero que sigue sufriendo por amor.

El tema homónimo, "Hey!", se convirtió en un himno en países de habla hispana, pero también triunfó en versiones en otros idiomas, es, sin lugar a dudas, la canción que definió la identidad de Julio Iglesias ante el mundo, no es solo una balada, es un monólogo dramático vestido de consejo amoroso, una pequeña obra maestra de la psicología inversa y la vulnerabilidad masculina. La letra es fascinante porque Julio no le canta a la mujer para pedirle que vuelva (al menos no directamente), sino que adopta una postura de "mentor", él le dice qué hacer, cómo vivir y cómo evitar el sufrimiento, pero en realidad está hablando de sí mismo. Musicalmente la estructura musical es un crescendo emocional, está diseñada para ir subiendo de intensidad: Empieza casi como un susurro, muy cerca del micrófono. Es íntimo, casi parece una confidencia grabada en una habitación vacía y hacia el final, la orquestación crece y la voz de Julio se vuelve más desgarrada. Es una técnica clásica para enganchar al oyente en la radio: empieza bajo para obligarte a prestar atención y termina en un estallido emocional que te deja conmovido.

1732.- Desde mi libertad - Ana Belen

 

En 1979, Ana Belén se encontraba en un momento de gran actividad en su carrera, tanto en la música como en su faceta de actriz, protagonizó la aclamada serie de televisión Fortunata y Jacinta, una adaptación de la obra de Benito Pérez Galdós dirigida por Mario Camus. En la serie, compartió pantalla con actores de la talla de Maribel Martín, Manuel Alexandre, Paco Rabal y Fernando Fernán Gómez, entre otros. Este papel consolidó aún más su reputación como una de las actrices más importantes de España, además protagonizó la película Jaque a la dama, dirigida por Francisco Rodríguez, donde compartió cartel con actores como Carlos Larrañaga y Antonio Resines. En su carrera musical ese año lanzó uno de los discos que mayor repercusión tuvo a nivel nacional, titulado simplemente Ana, fue un punto de inflexión en su carrera musical. Marcó una evolución notable en su estilo, consolidándola como una de las voces más importantes y versátiles de la música española de la época. Producido por Oscar Gómez y con arreglos de Danilo Vaona, el disco se caracterizó por un sonido sofisticado, con influencias pop y baladas románticas, se alejaba de su anterior etapa más cercana a la canción de autor para adentrarse en un sonido más comercial y popular, lo que resultó en un gran éxito de ventas. El tema más emblemático del álbum y que se convirtió en un himno fue "Agapimú", una adaptación al español de una canción griega. Su melodía pegadiza y el carisma de Ana Belén en la interpretación la catapultaron a las listas de éxito También "Vuelo blanco de gaviota", una emotiva versión de "Days of Pearly Spencer" de David McWilliams o en la que nos vamos a detener, "Desde mi libertad", co-escrita por su marido, Víctor Manuel, y que se convirtió en otro de sus temas más conocidos.

 

Si por algo destaca Desde mi liberta es por la letra, poética y profundamente simbólica, en ella se relata el viaje de una mujer que decide dejar atrás una vida de dependencia para emprender su propio camino. El verso inicial "Sentada en el andén, mi cuerpo tiembla y puedo ver, que a lo lejos silba el viejo tren" evoca una sensación de cambio, de un punto de inflexión donde se abandona el pasado. La protagonista se enfrenta al miedo y a la incertidumbre, pero su deseo de independencia es más fuerte que cualquier atadura. La frase "me iré desnuda igual que nací" simboliza la necesidad de despojarse de todas las viejas pieles y redescubrirse desde cero. El clímax de la canción llega con el estribillo, una declaración de fuerza y autodeterminación: "Desde mi libertad, soy fuerte porque soy volcán, nunca me enseñaron a volar, pero el vuelo debo alzar". La metáfora del volcán es poderosa, representando una energía interna y una pasión que ha estado latente y que finalmente irrumpe. Ana Belén, con su voz emotiva y poderosa, transmite la valentía de esa mujer que, a pesar de no haber sido preparada para la independencia, asume la responsabilidad de su destino. Más allá de su calidad musical, "Desde mi libertad" se convirtió en un himno generacional. Su mensaje de emancipación y de búsqueda de la propia identidad conectó con miles de mujeres que, al igual que la protagonista de la canción, estaban redefiniendo sus roles en una sociedad en plena transformación. Sin duda nos parece una de las canciones más importantes en la carrera de Ana Belén, un testimonio de su compromiso artístico y personal con las causas sociales que ha desarrollado durante toda su carrera.

El disco de la semana 158: Ana Belen - Lorquiana

Hoy nos toca reseñar un disco muy especial, un disco donde la poesía del gran poeta del Siglo XX, Federico Garcia Lorca, toma el protagonismo sobre la lírica creada por diversos autores y donde Ana Belén le pone voz. Un disco que vio la luz en el año 1998, justo cuando se cumplían los 100 años del nacimiento del poeta granadino.

El disco está estructurado en dos álbumes completamente distintos y con dos nexos de unión, la voz de la artista Madrileña y la obra de Federico. En el primero de ellos y al que vamos a dedicar este articulo, distintos artistas han compuesto la música que acompañan a los poemas de Lorca, cada uno de ellos dejando su sello personal y Ana Belén pone voz a los poema del poeta. En el segundo, y que próximamente verá la luz en el blog, esta dedicado a las canciones tradicionales que rescató Federico Garcia Lorca y con las que él al piano y La Argentinita a la voz recorrieron diversos escenarios a lo largo de España, estas cancioens populares estan adaptadas por el pianista Chano Domínguez en formato de jazz clásico.

Inicia el disco con “Son de negros de Cuba”, en esta ocasión, Michel Camilo es el encargado de poner música al poema perteneciente a Poeta a Nueva York. El pianista dominicano le da a este poema ese ritmo que en las islas del caribe suenan sin cesar, con unos coros acompañando la música que tiene claros toques de Jazz. En este poema el autor expresa la alegría y la liberación que sintió al llegar a Cuba después de su paso por la decadente, triste Nueva York. Michel Camilo es capaz de transmitir con sus toques la alegría la liberación que el poema expresa. Es un buen tema para empezar. “Romance de la pena negra” es una de las obras cumbres de su poemario Romancero Gitano y la protagonista del poema, Soledad Montoya, es una de las mayores reivindicaciones de la igualdad y los derechos de la mujer que se produjeron en la España de aquellos años. Las figuras que aparecen en el Romancero gitano son seres al margen de un mundo convencional y hostil, y –por eso– marcadas por la frustración o abocados a la muerte: Antoñito el Camborio, el «Emplazado», Juan Antonio el de Montilla, Soledad Montoya… En realidad, según Lorca, en el libro «hay un solo personaje real, que es la pena que se filtra». El encargado de poner música a este poema es el Argentino Fito Paez, que meses antes había publicado un disco junto a Joaquín Sabina y estaba adquiriendo una fama y prestigio totalmente merecido en nuestro pais. Es un tema de una calidad indudable, un absoluto vaivén a través de cada una de sus estrofas….

Pregunte por quien pregunte,

dime: ¿a ti qué se te importa?

Vengo a buscar lo que busco,

mi alegría y mi persona.

Soledad de mis pesares,

caballo que se desboca,

al fin encuentra la mar

y se lo tragan las olas.

El tercer tema es, para quien escribe esto, una de las cumbres del disco, se trata de “Herido de amor”, unos versos extraídos de su obra teatral breve titulada “Amor de don Perlimplin con Belisa en su jardín”, en ella el protagonista, un hombre anciano que no conocía el amor, se enamora de la joven con la que se casó por fuerza. Sin embargo, esta se enamora de otro hombre. Y es que el encargado de poner música a este fragmento es Joan Manuel Serrat, y como podréis sospechar la sensibilidad y la belleza que rezuma la música creada hace de este pequeño y corto tema uno de los más intensos del disco, es casi imposible no descubrir con esta música la fatalidad y el dolor que ha caracterizado siempre la obra de Garcia Lorca. Una canción en mayúsculas, un paseo por la excelencia en el disco. El cuarto corte del disco no necesita presentación, no es una creación musical exclusiva para este disco, nos estamos refiriendo a “Pequeño Vals Vienes” que en 1986 y con el título “Take this waltz” publicó Leonard Cohen, gran admirador del poeta (de hecho una de sus hijas se llama Lorca en homenaje al mismo). En esta ocasión para el disco Lorquiana se ha dejado la misma base musical, pero el poema se canta en castellano, he de decir que la calidad vocal que hace gala Ana Belén es de una gran altura, aunque no superior a los escalofríos que produce la voz de Leonard Cohen. Una canción deliciosa, un recoveco lleno de laberintos que se expresa en el poema, un poema de amor, de amor profundo y de amor desesperado, un poema que se mueve a ritmo de vals según lo vamos leyendo y una música que resuena en nuestros oídos con la pronunciación de cada palabra, la plasmación de un sueño misterioso en el que van apareciendo elementos contrarios que nos hablan de amor, de belleza y de vida, pero también de muerte y de dolor. Deléitense.

Inicia la segunda parte del disco con “Nocturno en la ventana” a la que pone música el gran Pedro Guerra, el poema esta extraído de una de sus primeras obras, “Canciones (1921)” y en ella podemos ver el dramatismo que iba a impregnar la obra del autor, la música a veces festiva a veces dramática con un toque de música cubana realmente bueno eleva la canción. 

Al estanque se le ha muerto

Hoy una niña de agua.

Está fuera del estanque,

Sobre el suelo amortajada.

De la cabeza a sus muslos

Un pez la cruza, llamándola.

El viento le dice “niña”

Mas no puede despertarla.

El estanque tiene suelta

Su cabellera de algas

Y al aire sus grises tetas

Estremecidas de ranas.

Dios te salve, rezaremos

A nuestra señora de agua

Por la niña del estanque

Muerta bajo las manzanas.

Yo luego pondré a su lado

Dos pequeñas calabazas

Para que se tenga a flote,

¡ay! sobre la mar salada.

El siguiente tema esta compuesto por Antonio Garcia de Diego, quizás el nombre no nos dice mucho, pero si escavas un poco vemos que formó parte de bandas como Franklin y Los Canarios, participó con los compañeros de ese grupo en la obra Jesucristo Superstar y tocó la guitarra eléctrica para grabaciones del grupo Triana. Además ha compuesto muchas canciones para Joaquín Sabina. Él es el encargado de poner música al poema “Siete corazones” basado en el poema Canción del muchacho de siete corazones y creando un tema lleno de melancolía y sensibilidad, es uno de mis favoritos, quizás por desconocido o quizás por el dramatismo de desamor que se relata. El séptimo tema lo firma “Chano Dominguez” que en los años 70 ya creo un grupo de Rock Andaluz, se ha movido siempre entre el Jazz y el rock sinfónico. Tiene mucho prestigio ya que en sus obras han sido capaz de mezclar Jazz y flamenco. En esta ocasión volvemos al Romancero Gitano con el poema “Romance de la luna”. El último tema de esta parte lo firma Kiko Veneno y es quizás uno de los elementos mas extraño de obra, “Cancion Tonta”, es casi un tema acapella, únicamente acompañado de un piano.

La tercera parte del disco comienza con “Muerto de amor” compuesta por los integrantes de Ketama, una canción con ecos de flamenco festivo que pone la alegría dentro de tantas penas, una canción redonda llena de ritmo que relaja el tono del disco. Sigue “Por tu amor me duele el alma” en esta ocasión la música corre a cargo de Javier Ruibal, y sin duda es otra de las grandes canciones del disco, donde Ana Belén realiza un grandísimo trabajo vocal. Para el penúltimo tema vuelve Kiko Veneno, más en su estilo con esta “Canción del gitano apaleado”, es para mí una de las más flojas, quizás porque rompe totalmente la dinámica del disco. Cierra el disco otra de las canciones más delicadas, compuesta por Víctor Manuel, en “Alma ausente” encontramos el poema fúnebre que el poeta dedico al torero Ignacio Sanchez Mejias, que murió en la plaza de toros. Se trata de una de las cimas poéticas de Lorca, en la que se aúnan muchos de los elementos creativos presentes en toda su trayectoria. Si bien como dijimos esta dedicado al torero, bien se podría trasladar a su persona

Tardará mucho tiempo en nacer, si es que nace,

un andaluz tan claro, tan rico de aventura.

Yo canto su elegancia con palabras que gimen

y recuerdo una brisa triste por los olivos.

Disco de la semana 69.- Ana Belen - Lorquiana, canciones populares.

Ya analizamos en su momento la primera parte de este doble trabajo que la cantante Ana Belen realizo en 1998 sobre Federico Garcia Lorca, coincidiendo con el centenario del nacimiento del poeta, Ana Belen sacó dos discos, el primero poniendo música a poemas del autor Granadino, en el segundo esta dedicado a las canciones tradicionales que rescató Federico Garcia Lorca y con las que él al piano y La Argentinita a la voz recorrieron diversos escenarios a lo largo de España, estas canciones populares están adaptadas por el pianista Chano Domínguez en formato de jazz clásico.

El disco en si es una delicia, actualizar de manera brillante estos clásicos que están en la mente del colectivo, alejarlas de lo que eran, sin tener porque perder su esencia es un trabajo solo ha altura de mentes brillantes. En el disco podemos encontrar los siguientes clásicos

Los cuatro muleros es una de las mas populares canciones tradicionales Andaluzas, una cancion de arriero de las serranías, cuya melodía esta asociada a las canciones de la Guerra Civil Española ya que su melodía eran utilizada por los milicianos en la defensa de Madrid. Es una cancion declarada patrimonio Inmaterial del Andalucia. Del Zorongo gitano, coge su nombre de un baile muy usado en la época de la tonadilla del Siglo XVIII de la que formó parte, derivado quizás de la zarabanda y el zarandillo, y su nombre se debe a que en una de sus letras más populares aparece a modo de estribillo la palabra zorongo, fué uno de los bailes originales de las agrupaciones zámbricas del Sacromonte de Granada. La Tarara es quizás la más famosa canción tradicional de todas, originalmente se trataba de una “canción de corro” que los niños bailaban en círculos, cogidos de la mano y cuya letra podía variar de una región a otra. Algunos especialistas apuntan que su origen estaría en una copla de origen sefardí, aunque las primeras versiones conocidas datan del siglo XIX. Se hizo muy popular durante nuestra guerra civil con una versión diferente de la letra, incluso las tropas “moras” que ayudaron a Franco en su rebelión, aprendieron esta canción en el campo de batalla y siguieron transmitiéndola como algo suyo a sus hijos y nietos, convirtiendo esta canción popular española en otra canción marroquí. Anda jaleo, toma su nombre de los jaleos, a pesar de ser un género que ya no se cultiva como tal en el mundo flamenco, salvo excepciones, fue en sus orígenes un generoso aportador de elementos musicales al universo de las bulerías y de la soleá. Los bailes de jaleos fueron protagonistas, a mediados el siglo XIX, del ambiente musical de los cafés cantantes y de los teatros en donde se ofrecía espectáculos de aroma andaluz. Parece ser originario de Jerez de la Frontera, hecho que corrobora su parentesco con la bulerías. Durante la guerra civil española y cogiendo de base esta canción en el bando republicano se cantaba El tren blindado: también como conocida como El pino verde o Anda, jaleo.

Los pelegrinitos una desenfadada historia de amores ingenuos, con el Papa por medio. No consta ninguna versión escrita ni impresa de los textos de estos cantares, por lo que cada crítico ha incorporado o no los apoyos rítmicos que, en forma de estribillo o repetición de versos. Los mozos de Monléon, basado en un hecho real acaecido a mediados del siglo XIX durante la corrida de toros que tuvo lugar en la fiesta de algún lugar cercano, se ha hablado de Monsergal, ermita próxima al pueblo, y que se difundió, al principio, como un romance o cantar de ciego. El Romance de Don Boyso es uno de los legados orales más representativo de la Edad Media Leonesa que ha pasado por diferentes modificaciones a lo largo de la historia. En este romance han quedado recogidas diferentes versiones, muchas de ellas tomadas en Tradiciones Orales Leonesas II, Romancero General de León II, aquí encontramos la influencia de la música sefardí y las fronteras de moros y cristianos en la tradición oral. Las morillas de Jaén, cuya primera documentación escrita se localiza en el Oriente árabe en el siglo IX, cuando también llegaría a al-Andalus, desde donde pasó a un registro escrito en castellano, con sus muy significativas adaptaciones, a principios del siglo XVI. 

En el Café de Chinitas coge el nombre de un teatrillo o café cantante que existió en la ciudad de Málaga entre 1857 y 1937. Era un local de pequeñas dimensiones con un pequeño escenario famoso por sus espectáculos flamencos. En esta canción Lorca recogen un hecho del famoso torero gaditano Francisco Montes, “Paquiro”, (1805-1851) en pleno Siglo XIX en el Café de Chinitas de Málaga, aunque al propio Federico García Lorca ya le llegaron algo “adulterados” por la tradición oral que acaba modificando las palabras. Parece ser que el “hermano” al que Paquiro decide enfrentarse bien podría ser un “germano” (pequeño delincuente) lo desafía a pelear. El Café de Chinitas estaba muy frecuentado por extranjeros y especialmente alemanes (germano), además Paquiro no tenía hermanos. El torero cita al “germano” en la calle para pelear; pero el rival no se presenta, Paquiro sale airoso como torero de renombre. Otros temas que podemos escuchar son Nana de Sevilla, Las tres hojas o Sevillanas del Siglo XVIII