jueves, 18 de julio de 2019

Historia del rock and roll: 6.- Elvis Presley (parte I)




Elvis Aaron Presley  conocido también por el sobrenombre de Rey del Rock, fue un artista que se convirtió en el icono de la música popular del siglo XX.  La singularidad de su nombre, permite que usualmente se le llame Elvis, aunque sus simpatizantes lo denominan simplemente como El Rey. Hijo de Vernon Elvis Presley y Gladys Presley, fue fruto de un embarazo de mellizos, aunque su hermano, Jesse Aaron Presley, murió al nacer. Como hijo único, Presley creció muy cercano a sus padres, formando un gran vínculo con su madre. La familia asistía a la iglesia Assembly of God, donde encontró su inspiración musical inicial.

Tuvo una infancia dura y difícil en su pueblo natal, Tupelo, ya que su padre cambiaba continuamente de trabajo, a menudo, la familia dependía de la ayuda de los vecinos y la asistencia alimentaria del gobierno. En septiembre de 1941, Presley entró en el primer grado en East Tupelo, donde sus profesores lo consideraban como "normal".
En el concurso, celebrado en el Mississippi-Alabama Fair and Dairy Show, el 3 de octubre de 1945, se vio su primera actuación en público: vestido de cowboy, a sus diez años de edad, apenas alcanzaba el micrófono sentado, cantó "Old Shep". Meses después, su padre le compró su primera guitarra como regalo de cumpleaños. Él deseaba una bicicleta considerablemente más cara. Durante el año siguiente, recibió clases de guitarra básica de dos de sus tíos y el nuevo párroco de la iglesia de la familia. Aunque un año después empezó a llevar su guitarra a todas partes y dar hasta un recital al aire libre.



El 18 de Julio de 1954 realizaría su primara grabación autofinanciada, titulada "My hapinness" el personal de los estudios queda encantado con la canción y y le ofrece un contrato discográfico a pesar que el tema no era mas que una especie de regalo que le hizo a su madre con la que estaba muy unido. Elvis pago 4 dolares. Pero un año después grabó "That's all right mama", y esta canción si consiguió dar a conocer a Elvis Presley, esta es quizás una de sus mejores canciones. Después de intentar que le contratara la discográfica Sun Records, pero el repertorio elegido no era del gusto de la discográfica hasta toco la canción antes mencionada, junto con el tema "Blue Moon". El disjockey de una emisora local quedo encantado con el disco y decidio emitirlo en su programa una y otra vez creando un entusiasmo inusual entre los oyentes, provocando que se multiplicaran las ventas del disco. Otro de los temas que triunfaron en su primera época fue "You're a Heartbreaker".

Pero quizas el tema que le puso en boca de toda la población de Estados Unidos fue lanzado el 20 de Agosto de 1955 y llevaba por titulo "Mistery Train" donde Elvis versionaba la cancion de Junior Parker y llegó al número 11 en el Billboard Country Chart nacional.

En 1956 Elvis ya era un fenómeno de masas en los estados del sur, y el siguiente paso fue el cambio a una gran compañía y fue Tom Parker fue quien le llevó a RCA Records. Introdujo un nuevo look en el cantante, adquiriendo una nueva forma de cantar y sobre presentando un estilo de moverse que amenazaba con ser un escándalo en la puritana America de la época. Las primeras grabaciones fueron en Enero de 1956 lanzando las canciones "I got a woman" y "Heartbreak Hotel" otra de las grandes canciones del comienzo del artista.
En Abril de 1956 publicaría su primer Lp, que llevaria por titulo Elvis Presley, donde recopilaba canciones grabadas en Sun y nuevo material grabado para la RCA, incluyendo el "Tutti Frutti" de Little Richard o  "Blue Suede Shoes" de Carl Perkins en el primer mes grabaron 360.000 copias, un autentico hito en la época y el triple de lo que vendían las estrellas de la época.
Fue en esta epoca cuando se lanzo a Hollywood, donde realizaría diversas películas, la primera de ellas fue "Love me tender", y fue la excusa perfecta para poner la maquinaria de Elvis en marcha y sacar la canción del mismo titulo, una tremenda balada, genero que enriqueció la voz de Elvis con su particular estilo de recitar. La canción está basada en una pieza clásica de 1861 llamada "Aura Lee". Ese mismo año lanzo "Don't Be Cruel" es una canción escrita por Otis Blackwell, considerada actualmente la 92ª mejor canción de todos los tiempos. También lanzo "Hound Dog" que ha permanecido como una de las iconicas canciones del artista.



En 1957 y ya subido en la cresta del éxito de la música y del cine otra de sus canciones tendría correspondencia en el cine, fue "Jailhouse Rock", una canción pop muy pegadiza con elementos de blues. La película es considerada una de las mejores obras y es famosa por la escena en la que Elvis interpreta esta canción en un elaborado número de baile que tiene lugar en la cárcel. En febrero de 1957 fue numero uno con el tema "Too Much" y en Marzo de 1957 volvería al top con "All Shook Up" otro brillante éxito que apuntarse, realmente estaba viviendo una época plagada de éxito, truncado ligeramente porque tuvo que incorporarse al servicio militar y destinado a una base Americana en Alemania, si bien su música seguía sonando y en Marzo 1958 lanzó "A Fool Such As I", temas que había dejado previamente grabados a su incorporación militar.



miércoles, 17 de julio de 2019

Canciones que nos emocionan: Since I've Been Loving You, Led Zeppelin


Led Zeppelin


   
     No podía faltar en esta sección un tema de una banda como Led Zeppelin, una de las más grandes en la historia del rock. Para ello nos vamos a centrar en su tercer álbum de estudio, llamado Led Zeppelin III.

     Cuando Robert Plant (vocalista), Jimmy Page (guitarra), John Paul Jones (bajo) y John Bonham (batería) publican bajo la compañía Atlantic Records el disco Led Zeppelin III, lo hacen presentándolo como una evolución de su sonido, apostando por sonidos folk y acústicos que si bien ya estaban presentes en sus dos anteriores discos ahora intensifican perdiendo peso en el disco ese sonido rockero que les caracterizaba y que tanto gustaba a los fans. Este hecho no pasó desapercibido en un principio, pues tanto fans como la crítica mostraron bastante indiferencia y desinterés por este disco.
Pero con este disco los chicos de Led Zeppelin dejaron algo muy claro, que no eran una banda convencional y que eran capaces de moverse entre géneros y estilos completamente diferentes al rock y además hacerlo de forma magistral. De hecho con el tiempo este disco pasó a tener el merecido reconocimiento por este hecho.



     El hecho de que Led Zeppelin fuera tan criticado no sentó muy bien en el seno del grupo, y por eso su siguiente álbum de estudio, en su edición original deciden publicarlo sin título y en la portada aparecen cuatro extraños símbolos, de los cuáles cada uno identifica a un miembro del grupo. Este disco en un principio se conocía como Untitled, pero la gente por defecto acabaría llamándolo Led Zeppelin IV.

     Pero volvamos al disco Led Zeppelin III, un disco que con el tiempo obtuvo el reconocimiento que se merece, y que contiene un material exquisito. Hace muchos años ya que me hice con una copia de este disco y que conservo con gran cariño. Recuerdo que recién adquirido fui corriendo a casa a ponerlo inmediatamente, y al llegar al cuarto corte de la cara A me quedé helado, sin respiración, sonaba Sincé I've Been Loving You, Esos primeros acordes de Page acompañados por el bombo de Bonham me dejaron marcado, aquel tema me pareció maravilloso, de hecho a día de hoy cada vez que lo escucho me viene a la mente la primera vez que lo escuché.

Workin' from seven to eleven every night
It really makes life a drag
I don't think that's right
I've really been the best of fools
I did what I could, yeah
'Cause I love you, baby
How I love you, darling
How I love you, baby
My beloved little girl, little girl
But baby, since I've been loving you, yeah
I'm about to lose my worried mind, oh yeah
Everybody trying to tell me
That you didn't mean me no good
I've been trying, Lord, let me tell you
Let me tell you I really did the best I could
I've been working from seven to eleven every night
I said it kinda makes my life a drag
Lord, that ain't right, no no
Since I've been loving you
I'm about to lose my worried mind
Watch out
Said I've been crying, yeah
Oh, my tears they fell like rain
Don't you
Said I've been crying, yeah
Oh, my tears they fell like rain
Don't you hear, don't you hear them falling
Don't you hear, don't you hear them falling
Do you remember, mama, when I knocked upon your door?
I said you had the nerve to tell me
You didn't want me no more, yeah
I open my front door, hear my back door slam
You know, you must have one of them new fangled
New fangled back door man
I've been working from seven, seven, seven to eleven every night
It kinda makes my life a drag, a drag, drag
Ah, yeah, it makes a drag
Baby, since I've been loving you
I'm about to lose
I'm about to lose, lose my worried mind
Just one more, just one more, oh yeah
Since I've been loving you, I'm about to lose my worried mind


     Since I've Bee Loving You fue un tema compuesto un año antes, en 1969, y fue concebido para formar parte del álbum Led Zeppelin II, pero al final éste se quedó fuera y ocupó su lugar Whole Lotta Love. El tema en cuestión había sido tocado por el grupo en sus actuaciones en directo, pero según Jimmy Page éste era un tema muy difícil de grabar, pues les supuso bastantes problemas tanto en la parte vocal como en la musical.


     El tema se grabó en vivo en los Island Estudios de Londres (excepto la parte vocal de Robert Plant), y en dicha grabación John Paul Jones se encargó de tocar el órgano hammond y los llamados bass pedals para el bajo. Otra curiosidad es como podemos escuchar durante el tema el chirrido del pedal de la batería de Bonham
A pesar de ser un tema que ya habían tocado previamente, a la hora de grabar en el estudio a Jimmy Page se le atragantaba el sólo de guitarra, y después de varios intentos fallidos decidió parar y tomarse un descanso, pues no le salía lo que estaba buscando, y se sentó en el estudio pero ya fuera de la zona de grabación, y fue entonces cuando vio un viejo amplificador desenchufado por allí tirado, entonces lo tuvo claro, ese fue el amplificador que uso para la grabación y el resultado fue ese maravilloso sólo de guitarra con el que nos deleita en este pedazo de blues.




lunes, 15 de julio de 2019

Canciones que no soporto: My Sharona, The Knack

My Sharona, The Knack (1979)




     The Knack y su tema My Sharona, dejando la calidad del tema a parte que lo tiene y mucho, es otro claro ejemplo de cómo las emisoras de radio consciente o inconscientemente, a base de fusilar indiscriminadamente un tema a todas horas, pueden llegar a generarnos una sensación de hastío, repulsa y cansancio hacia éste.

     The Knack fue un grupo fundado en Los Ángeles, California (Estados Unidos) a finales de los años 70, formado en sus inicios por Doug Fieger (vocalista), Berton Averre (guitarra), Prescott Niles (bajo) y Bruce Gary (percusión), sus estilos musicales fueron desde el New Wave, pop, power pop hasta el pop rock, aunque también tantearon más estilos cómo el punk, el hip hop y el heavy metal.
En 1979 publicaron su primer álbum, de título Get the Knack, un disco con el que alcanzaron la fama de forma inmediata, ocupando el puesto número 1 en las listas de ventas durante 6 semanas y consiguiendo doble disco de platino en ventas. 

     Y gran parte de culpa del éxito de éste disco la tiene uno de los temas que contiene éste, My Sharona, el cuál como sencillo alcanzó el puesto número uno en la famosa lista de Billboard Hot 100, y además alcanzó el disco de oro tan sólo 8 semanas después de su publicación.

Ooh, my little pretty one, my pretty one

When you gonna give me some time, Sharona

Ooh, you make my motor run, my motor run

Got it coming off o' the line, Sharona
Never gonna stop, give it up, such a dirty mind

I always get it up, for the touch of the younger kind

My, my, my, aye-aye, whoa!

M-m-m-my Sharona
Come a little closer, huh, a-will ya, huh?

Close enough to look in my eyes, Sharona

Keeping it a mystery, it gets to me

Running down the length of my thigh, Sharona
Never gonna stop, give it up, such a dirty mind

I always get it up, for the touch of the younger kind

My, my, my, aye-aye, whoa!

M-m-m-my Sharona
M-m-m-my Sharona
When you gonna give to me, a gift to me

Is it just a matter of time, Sharona?

Is it d-d-destiny, d-destiny

Or is it just a game in my mind, Sharona?
Never gonna stop, give it up, such a dirty mind

I always get it up, for the touch of the younger kind

My, my, my, aye-aye, whoa!

M-m-m-m-m-m-m-my, my, my, aye-aye, whoa!
M-m-m-my Sharona
M-m-m-my Sharona
M-m-m-my Sharona
M-m-m-my Sharona
Ooooooo-ohhh, my Sharona

Ooooooo-ohhh, my Sharona

Ooooooo-ohhh, my Sharona

    El tema está compuesto por Doug Fieger y Berton Averre. Berton se encargó de componer la música, la cuál que incluye ese famoso y mítico riff de guitarra, y de la letra se encargó Doug
Para la composición de la letra Doug se inspiró en una chica a la que vió por primera vez en una tienda de ropa. Doug entró en dicha tienda de ropa con su novia con la que por entonces mantenía por entonces una seria relación, entonces se fijó en una chica que trabajaba allí y de la cuál quedó prendado al instante. Esa chica se llamaba Sharona Alperin y por entonces estudiaba secundaria, y Doug no perdió la ocasión, y aunque estaba su novia delante se acercó  Sharona y la invitó a un concierto de su grupo The knack, Sharona aceptó y se presentó a aquel concierto con su novio. 
Poco después de aquello Doug dejó su relación con su novia, y a pesar de que él tenía ocho años más que ella consiguió que Sharona saliera con él, manteniendo ambos una relación que duró unos cuatro años, justo cuando la vida de Doug estaba entrando en una espiral de rock, drogas y alcohol. No obstante Sharona y Doug mantuvieron su amistad hasta la muerte de este en 2010 a causa de un cancer de pulmón. 
Es la propia Sharona la que posa en la portada del sencillo My Sharona, aunque por entonces todavía no estaban saliendo con Doug.

     En un momento dado me llegue a plantear la posibilidad de que My Sharona fuera el único tema que The Knack habían publicado en su historia, pues no, este grupo de Los ángeles tienen unos cuantos discos más aparte del ya famoso sencillo incluido en su álbum debut Get the knack, algo de lo que las emisoras de radio parecen no haberse dado cuenta...........


sábado, 13 de julio de 2019

La música en historias: Los Rolling Stones en Jacksonville

The Rolling Stones en concierto (1965)



     Corría el año 1965, y a Ronnie, que por entonces ya contaba con 17 años, ya se le había pasado por la cabeza en numerosas ocasiones la posibilidad de no sólo dedicarse por entero a la música, sino también a vivir de ella. Por eso cuando se enteró que los Rolling Stones, dentro de su primera gira americana que se encontraban realizando por tierras canadienses y estadounidenses, iban a tocar en el estadio Coliseum de su Jacksonville natal (Florida, Estados Unidos) no se lo pensó dos veces. 

     El 8 de mayo de 1965 Ronnie se acercó al Coliseum de jacksonville junto con un amigo para ver a los Rolling Stones. Meses atrás, concretamente el 11 de septiembre de 1964 ya habían tocado los mismísimos Beatles en el Gator Bowl (estadio de fútbol americano de la ciudad) ante nada menos que unos 20.000 espectadores enloquecidos.

     Aquella tarde de mayo se habían congregado unas 8.000 personas para ver a Jagger y compañía, y de aquella experiencia Ronnie sacó varias conclusiones, aquellos chicos no vestían uniforme ni parecían señoritos como los Beatles, y no llevaban el pelo corto, lo tenían más bien largo, también le causó impresión la forma de moverse de los Stones, esa pasión y ese desenfreno que aplicaban en el escenario. El sonido de aquellos chicos también le impresionó sobremanera, ese rock directo de los chicos de Londres le dejó maravillado.

     Aquel concierto marcó un antes y un después tanto en Ronnie como en banda, siendo los Rolling Stones una de las influencias de las que se nutrirían. Y como la vida da muchas vueltas, poco podía imaginar que Ronnie Van Zant y sus amigos, con su grupo Lynyrd Skynyrd acabarían tocando unos años después, concretamente en 1975 en el mismísimo Gator Bowl de su ciudad natal siendo teloneados por 38 Special (banda de Donnie Van Zant, hermano de Ronnie) y por los mismísimos Rolling Stones, esos que años atrás, en 1965 había descubierto y que tanto le marcarían. 
Y por si fuera poco, dicha experiencia volverían a repetirla en 1976 cuándo serían ellos esta vez los que telonearían a los Rolling Stones, pero esta vez en Inglaterra y ante nada menos que unas 250.000 personas.

Cartel Rolling Stones y Lynyrd Skynyrd

viernes, 12 de julio de 2019

El disco de la semana 135: Radio futura.- La cancion de Juan Perro








En un baile de perros

Empieza como un rock and roll pero rápidamente se mezcla con Blues los instrumentos de viento y el teclado aletea durante los tres minutos, en un tema ideal para bailar, que nos da un calesdocopio que nos vamos a encontrar durante las 10 canciones. Un comienzo de gran calidad.

El hombre de papel

Un tema de apariencia sencilla, aunque de indudable calidad, en tan solo 2 minutos y medio y con una cadencia entre cansina y lamentosa nos desgrana la historia de un pobre hombre que trata de sobrevivir en sus circunstancias acompañada de unas cálidas notas de guitarra.

Era un hombre de papel
Era un juguete del viento
Que en el cielo de la ilusión hallo su propio infierno.
Y al llegar la madrugada laberinto de intensidad
En la esquina morada de la mano de soledad.



A cara o cruz

Dos temas cortos con un estilo completamente rockero clásico que gira en este tema de más de cinco minutos, donde Radio Futura da rienda suelta al estilo que marcara a este álbum, el denominado Rock latino con historias corrientes en lugares comunes dentro del marco de la España profunda e interior. Acompaña a este tema falsetes mágicos, una letra entre filosófica, callejera y burlona, una acertada mezcla de estilos, y sobre todo esa pegadiza melodía.

Esta noche hay rock and roll vecino
pero ha empezado a llover
los del grupo ya están en camino y
y no sabemos que hacer vamos a ver
Pues vamos a ver dijo Don Rufio Datura
porque tenéis que perder la razón
pues sin esfuerzo consigue Natura 
lo que ansía vuestro corazón
No esperes hoy la tormenta de ayer
no duran siempre las penas de este infierno
y aunque el azul del cielo no es eterno
hasta mañana no vuelve a llover

La canción surgió cuando el grupo fue a actuar a la plaza de toros de Molina de Aragón: “Llovía muchísimo, pero un paisano con la boina hasta las cejas y un pito en los labios insistía en que no llovería más. Es el personaje al que llamamos Don Rufio Datura en la letra, que, curiosamente, está escrita con la estética de carretera de la literatura estadounidense”.

La lluvia del porvenir


Tema inspirado en la obra de Juan Rulfo, «Pedro Páramo», en ella se relata la historia del pueblo de Comala poblado de fantasmas que envenan el aire, es uno de los temas más conocidos de Radio Futura, y su letra está plagado de un lirismo grandioso, suponen un homenaje al Realismo Mágico latinoamericano. Suma de rock y poesía, Lluvia del porvenir es un bello canto de esperanza para los que quieren empezar de nuevo.

Ella entiende lo que yo no sé decir
y ahora renace mi orgullo guerrero.
Su pureza me conmueve tanto
como la extraña libertad de sus costumbres.
Y sale del agua con un cuerpo nuevo
sin memoria para los dos.

La negra flor

Historia de amor y prostitución con tintes de reggae jamaicano mezclado con pop, uno de los iconos de Radio Futura que tuvo si continuación con Paseo con la negra flor. Pero además de esa historia de amor es una declaración de amor a la ciudad con la que siempre se han sentido muy unidos e identificados.

Y al final de la Rambla
Me encontré con la negra flor
Que creció tan hermosa
De su tallo enfermizo

Y al final de la Rambla
Me encontré con la negra flor
¯ ¿Dónde vas negra rosa
me regalas tu amor?

37 grados

Fue el primer sencillo extraído del álbum, una canción de rock latino fronterizo, con una poderosa letra y onírica que te lleva directo a encontrarte en medio de una historia que te hace volar la cabeza.

Annabel Lee

El álbum oscurece y se vuelve misterioso con este magnífico tema, una canción inspirada en el poema homónimo de Edgard Allan Poe, el amor adolescente toma el control de la canción
acompañado de fantasmas, espíritus y dolor. Es la canción que menos tiene que ver con el conjunto del disco, un proyecto ambicioso y apoyado en un videoclip que el grupo grabó dentro de las producciones del programa de TVE “La Bola De Cristal”, con Santiago Auserón comportándose como un noble que reside en su mansión y con Kike Sierra y Luis Auserón convertidos en “ángel del cielo y demonio del mar”, jugando una peculiar partida de ajedrez. El sonido de la canción es rotundo, con algunas notas de guitarra afiladas en las partes instrumentales sencillamente increíble, que también se apoya en una orquestación de teclados fabulosa.

Luna de Agosto

Volvemos al comienzo del disco y aquí se marcan una parte instrumental que se convierte en es uno de los grandes momentos del álbum.

Luna de agosto
perla madura del cielo
vengo a buscar tu consuelo
luna de agosto.
En otros ojos de agua más clara
quería mirarme
mas siempre vuelvo a buscar tu sonrisa
de sorna cruel.


La mala hora

Con este tema nos movemos en un blues de manual, con un protagonismo absoluto del piano que arranca los mejores momentos de la canción


El canto del gallo

Y llegamos al fina y es imposible no terminarla con una gran sonrisa, porque de canción hemos pasado a una micro-novela costumbrista, donde nos cuenta, con ciertos aires Lorquianos una historia de fatalidad y enfrentamiento en un pueblo perdido en la meseta. El canto del gallo trata sobre un pobre músico bohemio que va interpretando sus canciones en las fiestas de cada pueblo, animando así a la gente. Esta canción muestra un claro cuadro rural, con esos sonidos medio charangueros y pueblerinos, que solamente Radio Futura supo llevar a ejecución sin la obviedad de caer en el sonrojo o en la vergüenza ajena.

El músico ambulante se agarró del vaso
y sintió que flotaba en la luz artificial
apuró el trago de madrugada
un borracho imitaba el canto del gallo.
Se deslizó por una callejuela
antes de que empezase a clarear
y al pasar por la ventana enrejada
suavecito empezó a silbar.Pero nadie conocía la tonada
que era inventada para la ocasión
y se fue por el camino a contemplar
los desvelos de las ultimas sombras.

jueves, 11 de julio de 2019

Historia del rock and roll: 5.- Chuck Berry y Little Richard

El rock and roll acaba de nacer y vamos a dedicar este articulo a dos de los grandes de este inicio, dos autores que han quedado como referente para las siguientes generaciones


En 1955 comenzó Chuck Berry su carrera al estrellato, en 1956 lanzaría su archiconocida canción "Roll over Beethoven", y trata sobre la locura del rock 'n' roll que se estaba apoderando de América. Beethoven y Tchikovsky eran compositores clásicos que estaban siendo apartados por el rock. En ese momento, muchos críticos descartaron la música rock como una moda pasajera.
En 1957 lanza "School Day", la canción habla de la vida de la escuela secundaria en los años 50. Los adolescentes fueron el público objetivo de la mayoría de la música rock en esa época, y Berry, de 30 años cuando escribió la canción, sabía que podía vender muchos discos al atraer a esta multitud. Los días escolares no habían cambiado mucho desde que estuvo allí, por lo que su historia sobre cómo superar el agitado día mientras pensaba en bailar y estar con su chica aún era relevante.
Tambien en ese año lanza "Rock And Roll Music", versionada posteriormente por grupos como The Beach Boys o The Beatles, el tema habla sobre un chico que solo bailará al rock and roll. Es una de varias de las canciones de Berry donde expresa fidelidad al género, que ayudó a crear. El distintivo riff de guitarra que creó en la pista influyó en muchas de las pistas de rock posteriores. En Enero de 1958 publica la canción habla de una chica que le encanta el rock and roll y cuando cumple 16 años pide a sus padres que la dejen ir a un concierto. Los Beach Boys usaron la melodía de esta canción en su éxito de 1963 " Surfin 'USA ". Berry obtuvo el crédito de composición en la canción de Beach Boys a mediados de la década de 1970 como resultado de una demanda amenazada.

Pero el pelotazo absoluto fue "Johnny B. Good", a todos os sonara ya que es muy celebre su aparición en la película de 1985 Regreso al futuro . El personaje de Michael J. Fox se remonta en el tiempo y lo reproduce ante una multitud aturdida mientras Marvin Berry observa. Marvin llama a su primo, Chuck, diciendo que cree que ha encontrado el nuevo estilo que está buscando, luego apunta el teléfono para que capte la mayor parte de la música que proviene de Marty McFly. Esta escena produjo una línea clásica cuando McFly aparece en el escenario y le dice a la banda: "Es un riff de blues en B, mírame los cambios y trata de seguir el ritmo". En 1977, la NASA envió una copia de esto en la sonda espacial Voyager como parte de un paquete destinado a representar lo mejor de la cultura estadounidense. Algún día, los alienígenas podrían encontrarlo y descubrir a Chuck Berry. La canción está basada en la vida de Berry. Cuenta la historia de un niño con comienzos humildes con talento para la guitarra.
En 1959 lanza "Back in the U.S.A." de nuevo un riff al comienzo de la canción, muy similar a otra canción de Berry, " Roll Over Beethoven ". La canción habla de la felicidad que le produce estar de vuelta en casa en América. Las ciudades de Nueva York, Los Ángeles, Detroit, Chicago, Chattanooga y Baton Rouge reciben una mención, pero lo que mas feliz le hace es ver su "hogar en el viejo St. Louis". Berry estaba de gira en Australia antes de grabar la canción. Paul McCartney se inspiró en este tema para escribir su "Back in U.R.S.S."
En 1964 con "You Never Can Tell" vuelve Berry al éxito absoluto después de ser liberado de la prisión en 1963 tras cumplir 20 meses por "transportar a una mujer menor de edad a través de las fronteras estatales con propósitos inmorales". Berry había conocido a una niña de 14 años en México, a quien trajo de regreso a St. Louis para trabajar en su club nocturno. Una de las características de esta cancion es que el control lo toma el piano y el saxofón, siendo casi anecdotico el sonido de guitarra. En 1994 suena en la película de Quentin Tarantino, Pulp Fiction, ya que esta canción fue utilizada en la escena donde Uma Thurman y John Travolta bailan en el concurso de giros en Jack Rabbit Slim's siendo una de las escenas mas míticas de la película.







Otro de los grandes de aquella época es Little Richard, natural del Nueva Orleans, en 1953 formo un grupo, The Upsetters pero no encontraban la formula del éxito y viendo que su carrera está estancada, decide en 1955 enviar una maqueta a Specialty Records. Seis meses más tarde llega la respuesta de Specialty para una sesión de grabación en Nueva Orleans, con la condición de que acepte dejar a su grupo para ser acompañado por músicos de prestigio, fue allí donde improviso la canción de "Tutti Frutti", con uno de los estribillos mas famosos del rock and roll .
Era una canción de fuerte contenido sexual y se consideraba demasiado sugerente para las audiencias blancas, por lo que se arregló considerablemente cuando la grabó para Specialty Records. Esta canción introdujo el famoso "Whooooo" de Little Richard, y también un gran grito "Aaaaaaahhh" que canta justo antes del tenor saxo solo de Lee Allen. El grito de Richard tenía un propósito práctico: hacerle saber a Allen cuándo empezar a jugar. También puedes escuchar la frase mítica de Richard en esta canción, el "A wop bop a lu bop, a wop bam boom!" Que la creo porque sentía que podía expresar sus emociones sin cantar palabras reales. Esta canción fue una gran influencia para muchas estrellas de rock aspirantes, pero tuvo un significado especial para David Bowie, ya que fue la primera canción de rock que escuchó. El padre de Bowie, quien dirigía una sala de conciertos de Londres, trajo el disco a casa cuando David tenía 9 años. "Mi corazón casi estalla de emoción", dijo Bowie. "Había oído a Dios".
Otro de sus exitos fue "Rip It Up", escrita por Robert Blackwell y John Marascalco. Fue lanzado por primera vez por Bill Haley & His comets y Little Richard a la vez en 1956, pero fue la versión de Little Richard, con ese toque tan particular la que alcanzó el número uno en las listas de R&B Best Sellers, duro en ella dos semanas y alcanzó el número diecisiete en la lista pop.
"Long Tall Sally" fue otro de sus éxitos en 1957, la canción fue escrita según los recuerdos del propio Richard, explicó que Sally era una amiga de la familia que siempre estaba bebiendo whisky; ella afirmaba que tenía un resfriado y bebía bebidas calientes todo el día. Él la describió como alta y fea, con solo dos dientes y desvergonzada. Es quizás el gran éxito de publico de Little Richard.
En marzo de 1957 publica "Lucille", la letra nos habla del desconsuelo por la marcha de su “amada” y como clama porque vuelva aunque ya esté casada y feliz como una perdiz. La música arranca con un ritmo acelerado de piano, sección de viento, bajo, guitarras y batería con esa voz frenética, ronca con gritos agudos del solista. El interludio musical lo realiza el saxo.












miércoles, 10 de julio de 2019

Canciones que nos emocionan: T.N.T., AC/DC

Portada álbum T.N.T (editado sólo en Australia)




     Para esta ocasión traigo un tema de una de mis bandas fetiches, AC/DC, el tema en cuestión es T.N.T un verdadero petardazo de esos que nos suben la adrenalina y hace que el pulso se nos acelere como si el mismísimo demonio hubiera venido a visitarnos.

     AC/DC se crea en 1973 de la mano de los hermanos Young, y ya en en 1975 publican su primer disco de larga duración, de título High Voltage, un disco que graban en tan sólo diez días y que básicamente se trata de diez temas dónde la composición de la letra corrió a cargo de Angus y Malcolm Young, y la letra a cargo de Bon Scott.
A finales de 1975, la formación, que está compuesta por Malcolm y Angus young a las guitarras, Bon Scott como vocalista, Mark Evans al bajo y Phil Rudd a la batería, publican el que sería su segundo lp publicado también sólo en Australia. Más tarde, a comienzos de 1976 y bajo el sello Atlantic Records publican el álbum High Voltage para el resto del mundo, dicho disco eran temas escogidos de sus dos primeros discos editados sólo en Australia.

Oi, oi, oi

Oi, oi, oi

Oi, oi, oi

Oi, oi, oi
Oi, oi, oi
See me ride out of the sunset

On your color TV screen

Out for all that I can get

If you know what I mean
Women to the left of me
And women to the right
Ain't got no gun
Ain't got no knife
Don't you start no fight
'Cause I'm T.N.T. I'm dynamite

T.N.T. and I'll win the fight

T.N.T. I'm a power load

T.N.T. watch me explode
I'm dirty, mean and mighty unclean

I'm a wanted man

Public enemy number one

Understand
So lock up your daughter
Lock up your wife
Lock up your back door
And run for your life
The man is back in town
Don't you mess me 'round
'Cause I'm T.N.T. I'm dynamite

T.N.T. and I'll win the fight

T.N.T. I'm a power load

T.N.T. watch me explode
T.N.T. (oi, oi, oi)

T.N.T. (oi, oi, oi)

T.N.T. (oi, oi, oi)

T.N.T. (oi, oi, oi)
T.N.T. (oi, oi, oi)
I'm dynamite (oi, oi)
T.N.T. (oi, oi, oi)
And I'll win the fight (oi, oi, oi)

T.N.T. (oi, oi, oi)

I'm a power load (oi, oi, oi)

T.N.T.
Watch me explode

     Tanto en la edición australiana del álbum T.N.T cómo en la edición internacional del disco High Voltage aparece el tema T.N.T, un tema que fue compuesto por los hermanos Young y por Bon Scott, y la letra hace alusión al típico chico malo, el cuál es puro T.N.T (trinitrotolueno), el terror de todos los hombres e irresistible para todas las mujeres. 
La edición internacional de High Voltage tuvo muy buena acogida en Europa, pero no tanto en Estados Unidos donde se encontró con más dificultades, la revista Rolling Stone llegó a realizar una voraz crítica de éste álbum, algo que en ese momento mucho no ayudó.
La grabación del disco es AC/DC en estado puro, con un sonido muy crudo, directo y enérgico, el cuál fue suavizado en la producción por el famoso productor Harry Vanda y George Young (hermano de Angus y Malcolm) los cuáles eran en ese momento miembros del famoso grupo The Easybeats
T.N.T es uno de los temas que más me gustan de ellos precisamente porque define perfectamente lo que es AC/DC y su identidad, con ese sonido rock crudo y salvaje y esas letras de chicos malos. 

Edición internacional de High Voltage (1976)

lunes, 8 de julio de 2019

Canciones que nos emocionan: Las 5 de los Rolling Stones



La portada del disco "Love you live" (1977) de los Rolling Stones siempre me ha cautivado desde muy pequeño. Así como no hay que juzgar a un libro por su cubierta, siempre me he dejado llevar por las buenas portadas, aunque no siempre detrás se ocultara un gran disco. En ésta en concreto, aparece Mick Jagger mordiendo enérgicamente la mano de alguien. La postura de la mano es extraña, recuerda al gesto de la realeza de acercar la mano para que sus súbditos la besen, pero en ese caso no esperan encontrarse con un mordisco de semejante magnitud.

¿Estaba Mick mordiendo la mano que le daba de comer, en un gesto de rabia y rebeldía acorde con su título de Satánica Majestad? No pude asegurarlo, así que lo aparté de mi mente y me centré durante años en otras preocupaciones más mundanas. Siendo ya menos pequeño, por fin el vinilo de "Love you live" cayó en mis manos y, para mi asombro, descubrí que en la parte interior el resto de miembros de los Rolling Stones aparecían también mordiendo otras partes del cuerpo de alguien, en una especie de collage "pseudo caníbal".

De nuevo ante la falta de una explicación coherente a lo que esas imágenes me evocaban, dejé de preocuparme al respecto hasta hace tan solo una semana, cuando en @7dias7notas decidimos lanzar de nuevo la votación de @las5canciones. En el preciso momento en que, tras una breve deliberación, decidimos que los elegidos serían The Rolling Stones, tuve la necesidad imperiosa de ser yo quién escribiera esta reseña, sometido a una especie de ansia enfermiza y descontrolada por hincarles el diente a estas canciones:

Las cinco canciones de The Rolling Stones

Puesto nº 5, con 54 votos: (I can't get no) Satisfaction

Publicada como sencillo en 1965, e incluida en la versión estadounidense del álbum Out of our heads del mismo año, es uno de los himnos imperecederos de la banda y contiene uno de los riffs más famosos de la historia del rock, pese a que a Keith Richards no terminaba de convencerle y se opuso sin éxito a que fuera single. Fue grabada en los estudios RCA de Hollywood, ya que su composición les pilló en mitad de una gira por Estados Unidos. La letra de Mick Jagger refleja la frustración de un adolescente de los 60 y los temas que preocupaban a su generación, desde la sexualidad al rechazo al sistema capitalista y el orden establecido. Ha sido versionada por muchos grupos, aquí recomiendo especialmente las versiones de Otis Redding y Devo.

 

Puesto nº 4, con 62 votos: You can't always get what you want

Casi en respuesta al "No puedo conseguir satisfacción", habéis votado por el "No siempre puedes conseguir lo que quieres" del disco Let it bleed de 1969. Surgió inicialmente como un tema sencillo y acústico compuesto por Jagger con la guitarra, y acabó convirtiéndose en el himno de cierre del disco, engalanada por la colaboración del London Bach Choir que le dió el tono gospel / épico que la hizo memorable. La letra es un compendio de amor, drogas y menciones políticas que describe la desilusión del final de la década de los 60:
"No puedes conseguir siempre lo que quieres, pero si lo intentas, a veces, tienes lo que necesitas"




Puesto nº 3, con 112 votos: Paint it black

Alegato de la desolación y la depresión, que sirvió como himno contra la guerra de Vietnam y que basa su letra en los sentimientos de una persona en lo que parece ser un funeral, con claras influencias del libro Ulysses de James Joyce. Al sonido tan especial de esta canción contribuyeron principalmente Bill Wyman y Brian Jones. Wyman buscó experimentar con sus líneas de bajo, dándole un tono mucho más pesado que en grabaciones anteriores. Brian Jones estaba en aquella época muy influenciado por músicas orientales e instrumentos étnicos, y en concreto su utilización del sitar le da a la canción el toque de sonido diferencial que la hace tan especial. La canción está incluida en el disco Aftermath de 1966, pero solo en su versión estadounidense, en la versión inglesa fue sustituida por Mother's little helper, otro buen tema de la banda pero sin el calado de Paint it black.


Puesto nº 2, con 139 votos: Gimme Shelter

Otro temazo de ese gran disco que es Let it Bleed (1969), que combina la música creada por Keith Richards con la apocalíptica letra compuesta por Mick Jagger sobre guerras, asesinatos y violaciones "a tan solo un disparo de distancia".
La idea de la canción le vino a Keith Richards mirando por la ventana del apartamento de su amigo Robert Fraser en Mount Street (Londres), dónde estaba practicando con la guitarra acústica. El cielo se oscureció y comenzó a llover fuerte, y la gente empezó a correr de un lado a otro "buscando refugio" para no mojarse.
Un tema crudo y brillante, de nuevo con posibles referencias a la guerra de Vietnam, que alcanza su climax con la excelsa contribución vocal de la cantante de gospel y soul Merry Clayton.






Y en el nº 1, con 141 votos, la canción que les bautizó como "Sus Satánicas Majestades"... ¡SYMPATHY FOR THE DEVIL!


Incluida en el disco Beggars Banquet de 1968, e inspirada en la novela "El Maestro y Margarita" de Mijail Bulgakov y en la obra "The Devil and Daniel Webster" de Stephen Vincent Benet, es una carta de presentación del diablo en el momento de descubrirse ante la humanidad, reconociendo todos los crímenes y sucesos históricos que llevaron su firma, desde la crucifixión de Jesucristo o el asesinato de J.F. Kennedy, hasta sus vivencias devastando a su paso al mando de un tanque en la II Guerra Mundial o asesinando a los Romanov mientras Anastasia gritaba en vano.
En el tramo final, en el que son más marcados los ritmos tribales y los coros parecen emular una locomotora sin control, participaron con sus voces Marianne Faithfull y Anita Pallenberg, las novias de Jagger y Richards cuya influencia fue grande en la inspiración y rumbo de muchas de las canciones de la banda.

Cinco grandes canciones, las más votadas, entre las que curiosamente se encuentran solo dos de las canciones que se incluyeron en el directo "Love you live" que acabé comprando. Será otro ejemplo más de lo desacertado de mi tendencia a elegir los discos por su portada, porque el criterio de los votantes está fuera de toda duda, son todas canciones míticas de un grupo tan grande que hasta puede presumir de tener dos nombres... "Sabemos que es solo rock and roll", pero nos encantan "Los Rolling" y disfrutamos con "Los Stones".


Otras de las casi 100 canciones que habéis votado:

6. Wild horses 53 votos
7. Honky tonk woman 52
8. Angie, Brown sugar 50
9. She's a rainbow 49
10. Jumpin Jack Flash 44
11. Tumblin Dice 39
12. Start me up 38
13. Beast of burden, Street fighting man, Under my thumb 36
14. Miss you 35
15. Dead flowers, Sweet Virginia 34
16. Ruby Tuesday 23
17. Mixed emotions 12
18. Anybody seen my baby, Out of control, Rocks off 11
19. It's only rock and roll, Monkey man, Shattered 10
20. Can't you hear me knocking, Let it bleed, Midnight rumbler, Shine a light, Sister morphine 9
21. Let it loose, Memory motel 8
22. 20000 lights year from home, Fool to cry, Get out of my cloud, Let's spend the night together, Out of time, Route 66, Sway 7
23. Love is strong, Stray cat blues, Waiting on a friend, Mother's little helper, Plundered my soul 6
24. All down the line, Emotional rescue, If you can't rock me, Little by little, Thru and thru, Torn and frayed, You gotta move 5
25. Child of the moon, It's all over now, Love in vain, No expectations, Now I've got a witness, Rip this joint, Rock and a hard place, She's so cool, The girl with far away eyes 4...

...Y no seguimos más porque con 3, 2, y 1 voto hay 30 canciones más. Grandes los Rolling Stones y grandes vosotros por enviarnos vuestros votos a @las5canciones