domingo, 7 de julio de 2019

Grupos Emergentes: Tangerine Flavour



Grupos Emergentes: Tangerine Flavour 

La sala El Sol a tope, luego de bajar las escaleras unas 300 almas a la espera de Tangerine Flavour, nosotros nos apresuramos en buscar un lugar privilegiado en primera fila.


Son las 21.30 hs y como el té de las 5 en Londres, el escenario se puebla de 7 integrantes de una banda, Tangerine Flavour sale a escena, puedo ver 3 guitarras, un bajo, un teclado, el batería y una corista, y todo estalla con un tema de country, debo decir que me sorprendió esta banda de primer momento, nunca antes había tenido la oportunidad de ver una banda de country rock delante mío, y la sensación se sintió agradable.

Se sentía que iba a ser una buena noche, porque conocería una nueva banda de rock, de la cual no había escuchado nada aún, y creo que eso fue lo mejor, estaba todo por descubrir.

Desde 7dias7notas apostamos al descubrimiento de nuevos grupos de rock, quizás hoy un vicio cada vez menos frecuente, las grandes cadenas digitales, la música comercial, no ayudan a encontrar nuevos grupos, como lo que descubrimos este viernes por la noche en la sala El Sol en Madrid.

Tangerine Flavour una banda de aquí de Madrid, conformada por 4 integrantes, Pablo Martín (voz y guitarra), Fernando Lima (voz y bajo), Miguel Polonio (voz y guitarra) y Pablo García (batería), entre ellos se ve muy buena química en el escenario, presentan un show con una estética impecable, que hace creer (con perdón) que no fueran de aquí, sino una banda americana de gira por Madrid, y por ser yo un madrileño de adopción, da orgullo saber que Tangerine Flavour han nacido en Madrid y los podemos disfrutar.

Volviendo a la noche del viernes en la sala El Sol, presentaban su disco "No Hard Feelings", un disco de estudio que contiene 11 canciones, que te invito a escuchar, la banda se ha atrevido a un formato de vinilo, con muy buena "pinta" con una tapa muy bien producida y en su interior un LP al menos curioso de color naranja, te dejo debajo para que vayas entrando en calor uno de los temas del disco, que debo decir que me encantó.

Tangerine Flavour - Argentinian Accent
https://youtu.be/2hQmttOWyqg


Y la noche fue pasando muy rápido, eso no es ni más ni menos que sabemos que la estamos pasando muy bien, la banda se fue con un clásico de ellos Crazy Rachel.

Tangerine Flavour - Crazy Rachel

Pero no dejaron con ganas a sus fans, que a esa altura satisfechos pero con ganas de más, Tangerine Flavour se despidió con un bis muy arriba y clásico "Hey Jude" de los Beatles.

Tangerine Flavour han conseguido tener a los integrantes de 7dias7notas como sus nuevos fans, y esperamos volver a verlos, a nuestros seguidores invitarlos a conocer a esta banda que vale la pena y mucho.

Nos queda agradecer como siempre a nuestra amiga Davinia (@davmpinto) que nos enseña que no todo está perdido en la música y lo demuestran estos grandes artistas.

Daniel
Instagram Storyboy

sábado, 6 de julio de 2019

La música en historias: Searching for Sugar Man

Sixto Rodríguez



     Searching for Sugar Man es el título de un fantástico documental producido entre Suecia y Reino Unido y publicado en 2012 que fue premiado con multitud de galardones, entre ellos el Oscar al mejor documental largo ó premio BAFTA entre otros. Hace tiempo Nevermind me adviritió que debía ver este documental pues trataba de un curioso caso real y que no se suele dar mucho, ¿Cómo puede ser que un músico intente abrirse paso en el mundo de la música, no lo consiga (o eso cree) y años después se entere de que ha tenido un rotundo éxito en la otra punta del mundo?

     Sixto Díaz Rodríguez nace en Detroit, Michigan (Estados Unidos) en 1942, de ascendencia mexicana pues sus padres habían emigrado en los años 20 desde México a Estados Unidos.
Su actividad musical comienza en 1967 cuando bajo el nombre de Rod Riguez saca bajo el modesto sello discográfico Impact el sencillo I'll Slip Away. Tras la publicación de este sencillo no aparecería actividad musical suya hasta tres años después, 1970, cuando ficha por la discográfica Sussex Records, cambia su nombre profesional pasando a llamarse Rodríguez y publica dos discos con dicha discográfica, Cold Fact (1970) y Comming from Reality (1971). Debido a la escasa repercusión en ventas y críticas no muy favorables Sixto es despedido de Sussex Records. Este hecho unido al hecho de que consideraba que había fracasado en el intento de triunfar en Estados Unidos hace que renuncie por completo a su carrera musical.

     Sin embargo, curiosamente, lo que sixto no sabía es que sus discos empezaron a venderse y tener éxito a mediados de los 70 en Sudáfrica, Zimbabue, Nueva Zelanda y Australia. Viendo el éxito de Sixto en estos lugares, el sello australiano Blue Goose Music compra los derechos de su catálogo musical para Australia y reedita sus dos álbumes allí más un recopilatorio llamado At His Best, el cuál contenía también grabaciones inéditas de Sixto. En Sudáfrica también crece su popularidad y consigue el disco de platino, todo esto sin el enterarse, convirtiéndose rápidamente allí en músico de culto.

     Todo esto generó que Sixto en 1979 hiciera una gira con conciertos en Australia. De la gira en Australia se edito sólo para ese país un lp en directo llamado Alive (Vivo), un juego de palabras, pues se llegó a extender el rumor anteriormente mientras sin el saberlo y su popularidad crecía de que él había muerto.
En 1991 en Sudáfrica se editan por primera vez sus discos en CD siendo un rotundo éxito en ventas y en 1998 realiza su primera gira por tierras Sudafricanas.

     Durante los siguientes años irían apareciendo más reediciones y presentaciones en conciertos de Sixto en varios países, y en 2012 se estrena el documental sobre la vida y su curioso caso y tardío éxito llamado Searching for the Sugar Man, una producción sueco-británica. Searching for the Sugar Man es un fantástico documental que narra cómo cómo dos fans sudafricanos al escuchar la obra de Sixto Rodríguez y quedar fascinados con ésta se empeñan en averiguar que ha sido de él. Un documental más que recomendable que cuenta con la esperanza, la fe y el poder de la música como hilo conductor.

Searching for the Sugar Man
     

viernes, 5 de julio de 2019

El disco de la semana 134: The Good, the Bad and the Queen




Un artista es su obra. Y el público es soberano. Nunca dos frases hechas tuvieron juntas tanto sentido, como al referirnos a este disco. Ambas son la razón por la que el grupo "The Good the Bad and the Queen" se llama así, aunque realmente ese fuera simplemente el nombre del disco y de la brillante canción que lo cierra, y la banda se creara originariamente sin un nombre.



Ocurrió entonces que, entre todos, decidimos llenar el vacío y la extrañeza que nos producía seguir a una banda sin nombre, y asumimos fácilmente que ellos eran su disco. Un músico es, al fin y al cabo, su obra, así que no se hable más, el público es soberano y Damon Albarn (líder de Blur y Gorillaz), Paul Simonon (bajista de The Clash), Simon Tong (guitarrista de The Verve) y Tony Allen (batería de Africa 70) son "The Good, the Bad and the Queen" desde que en 2007 publicaron su obra maestra histórico - conceptual sobre la vida en un Londres apocalíptico.

Todo el disco gira en torno a la vida de la gente común y corriente en las calles de Londres, viviendo su humilde día a día mientras los políticos les meten en guerras que no han pedido y les niegan las pocas oportunidades de mejora. Las canciones reflejan la melacolía, la desilusión y la añoranza de un futuro mejor que van creciendo poco a poco en las calles. Estamos ante un disco de atardeceres otoñales en los canales y las fábricas de la ciudad, de hastío y desesperación bañados en pintas al calor del pub de la esquina, en el marco de una bella ciudad que se ha visto afeada por el clima, la inundación de drogas en los barrios pobres y la bajeza de sus políticos.

El disco arranca con la sencillez de la repetitiva guitarra y los sonidos de organillos de "History Song", a la que le sigue la nostálgica "80s life", mirada melancólica al pasado por el miedo a la guerra y a un futuro incierto. Musicalmente, tiene un tono más alegre y luminoso marcado por el piano de Damon Albarn y los efectos de sonido que salpican el tema. Ya empieza a dibujarse en nuestra mente el tipo de mundo apocalíptico que nos están presentando, pero es en "Northern Whale" dónde esa imagen se vuelve aún más nítida y potente gracias a la historia de una ballena del Norte que ha quedado varada en las aguas del Támesis. 

Para describir este paisaje sonoro y lírico, nada mejor que las letras de las canciones del disco, lo vemos en "Herculean", la canción que fue single de adelanto de esta espectacular obra:

"Sobre el oscuro canal,
junto a la refinería de gas,
celebrando la marcha de los fantasmas
que aparecen cuando el amor duele
Y el camello pasa por aquí,
todos los días, todas las semanas (...)
Por la mañana, nos lavamos la cara para ir al trabajo,
No hay peligro alguno.
Y todo se vuelve mejor cuando la vida continúa,
es algo más grande que tú, es el estado de bienestar
Seguiremos cantando que no es demasiado tarde para tí"

Ese estado de bienestar impuesto por los medios de comunicación, esas voces apagadas a base de inundar de drogas los barrios en los que pudieran surgir las protestas, se reflejan en lo más profundo de la desesperación del personaje que da voz al "reino de la desesperación" (Kingdom of Doom):



Viernes por la noche, en el reino de la desesperación
los cuervos vuelan a través de la habitación
Sobre todo ahora, hay un sonido en el cielo:
sigue todas las reglas y no preguntes por qué
Y cuando el atardecer del mundo comienza,
convirtiéndose en la noche,
veo todo en blanco y negro y entonces...
Bebo todo el día, porque el país está en guerra.




El disco entra entonces en una zona más sosegada con temas como "Behind the Sun", con cierto toque a Beach Boys pero manteniendo el tono taciturno y melancólico. "The Bunting Song" recupera el halo de misterio y el sabor a canción tradicional, mientras "Nature Springs" vuelve a la línea de guitarras leves y agradables, para romper al final en un amasijo de silbidos, violines y chirriantes efectos. La sencillez y los arreglos de cuerdas de "A soldier's tale" nos traen la esperanza y la defensa de un modo de vida en contacto con la Naturaleza, pero en el fondo ese tipo de vida nunca estará al alcance de los habitantes del reino de la desesperación.

Nadie escapa a la trampa de la rutina de cada día, le ocurre al bueno, al malo y a la reina por igual. Es precisamente en "The good, the bad and the queen" dónde el título de la obra cobra sentido. El sentimiento que intentan transmitir estas canciones puede ser aplicable a cualquier hijo de vecino, y al reconocernos en alguno de sus versos empezamos a vislumbrar la realidad en la que estamos atrapados, la rutina controlada por un gobierno al que le conviene que las drogas mantengan a la masa social suavemente adormecida:

Voy caminando hacia la parte alta de la ciudad,
 pero sé que es el lugar en el que debo estar.
Las calles están en silencio
y nadie dice nada en ellas
El sol sale entre las nubes y recarga los satélites
Recuperamos nuestra energía y comenzamos a hablar de nuevo
Es la bendita rutina para el bueno, el malo y la reina
Saliendo de los sueños sin daño físico alguno.
No echéis fuera a los camellos, son parte del partido político.
Los niños nunca se cansarán, porque todo se ha calmado lentamente...

Y cómo no podía ser de otra manera, el disco culmina en un apocalíptico final de sonido enloquecido y ascendente, en el que los cuatro músicos llevan sus instrumentos hasta el límite de lo físico y lo posible, transmitiendo al oyente la angustia y la rabia a través también de la música, y bajando magistramente el telón de la historia de un disco espectacular y fallidamente anónimo por decisión soberana.

jueves, 4 de julio de 2019

Historia del rock and roll: 4.- Nace el rock and roll


Si hay un instrumento caracteristico del rock and roll ese es la guitarra electrica, creada como necesidad para las bandas de jazz, rapidamente fue adoptada por el rock and roll siendo el sonido caracteristico de este tipo de musica, y es este sonido el que predominara en la musica de los artistas de los que a continuacion hablaremos, los que son considerados los pioneros del puro rock and roll.
Primero vamos a detenernos en el nombre, se dice que Alan Freed fue el encargado de nombrar de
Alna Freed
esta manera a este estilo de musica. Alan Freed fue un disc-jockey estadounidense que pasó a ser reconocido internacionalmente por promocionar música rhythm & blues afroamericana en radios de los Estados Unidos, en junio de 1951, un programa cuyo título era "Moondog's rock'n'roll party", rebautizando así al rhythm and blues para evitar la connotación racial que el nombre llevaba consigo. La expresión rock'n'roll, usada a menudo como alusión a las relaciones sexuales, definía la música que Freed ponía en las ondas.


Fats Domino



Uno de los candidatos a ese honor recae en Fats Domino y en el tema The Fat Man que es considerada por muchos expertos como la primera cancion de rock and roll, grabado por Domino el 10 de diciembre de 1949, en J&M Studio. Co-escrito con el director de orquesta y colaborador habitual Dave Bartholomew, tiene una duracion aproximada de 2 minutos y 39 segundos, y es en parte autobiográfico, con una explicación para su apodo. Domino tocó el piano además de ser la voz, y fue acompañado por una orquesta, Ernest McLean en guitarra, Herb Hardesty en saxo y Earl Palmer en batería.




Otro de los primeros en realizar este tipo de musica fue Ike Turner, su tema Rocket 88 compite con el de Fast Domino por el supuesto titulo de primera cancion de rock and roll, la canción surgió cuando Turner y su banda tocaban en clubes negros en el sur de Estados Unidos y BB King organizó una sesión de grabación para ellos en Memphis con Sam Phillips. Escribieron la mayor parte de "Rocket 88" en el camino a la sesión. En ese viaje, el amplificador de la banda se cayó del coche y rompió el woofer. Turner metió papel en el estudio para cubrir el problema, lo que terminó por proporcionar un sonido más distintivo. Los sonidos que provenían del amplificador dañado resultaron convertirse en una de las primeras canciones con distorsión de guitarra.



Bill Haley & His Comets es considerada la primera banda blanca de rock and roll y su exito Crazy Man, fue la primera cancion de rock and roll que entro en las listas del billboard. Con solo 2 minutos y siete segundos fue la primera cancion de rock and roll que fue televisada a nivel nacional. Otro de sus grandes exitos fue Rock around the clock. Otra de las canciones que sonaron a principio de los 50 que se convirtieron en un leyenda fue Maybellene de Chuck Berry que tenía 29 años cuando la grabó, sabía que su audiencia eran adolescentes, por lo que escribió la canción para atraer a esa multitud, fascinada con los autos y con el amor joven. Berry también se encargó de cantarlo lo más claramente posible para que tuviera un mayor atractivo.
Bill Haley & His Comets

Howlin ´Wolf


Howlin 'Wolf se había establecido dentro de la comunidad de Memphis como una especie de celebridad local. El bluesman de Chicago tenía un programa de radio de 15 minutos para ayudar a anunciar sus apariciones locales y comenzó a grabar en 1951, lanzo How many moore years con la particularidad que llevó el bajo y la batería a todo volumen. En aquellos días, el bajo y la batería eran instrumentos de fondo y Sam trajo esos instrumentos de ritmo justo al frente, y eso se convirtió en rock 'n' roll. El tema seria versionado por Led Zeppeling





El primer registro en usar las sílabas “doo-wop" fué en 1955 con When You Dance de Turbans que se oye en éste video aunque la imagen no coincide con el sonido. . En 1954, los grupos doo-wop llevaron a cabo un papel importante en el nacimiento de la era del rock cuando dos grandes éxitos del R&B interpretados por grupos de armonía vocal (como se llamaba a los de doo wop), "Gee" de The Crows y "Sh-Boom" de The Chords cruzaron a las listas de música pop. Earth Angel, es una de las más afamadas y representativas canciones de estilo de armonía vocal estadounidense. Interpretada originariamente por The Penguins en 1954 y que seguramente todos recordareis cuando suena en la pelicula Regreso al futuro, pero la que realmente ha quedado para la historia es el Only You de Los Platters.

Las mejoras técnicas se iban notando ya en 1952 Gibson presento su guitarra electrica de cuerpo  solido y en 1953 Leo Fender introdujo la guitarra stratocaster.

Una radio a transistores es un pequeño receptor de radio portátil que utiliza circuitos electrónicos a base de transistores. Luego del desarrollo en 1954, de la invención del transistor en 1947, las radios a transistores se convirtieron en el dispositivo de comunicación más popular de su tiempo, cuya producción alcanzó cientos de millones​ durante las décadas de 1960 y 1970. Su reducido tamaño disparó un cambio en los hábitos de las personas al permitirles escuchar música y noticias donde quiera que fueran.

Elvis Presley graba Elvis Presley.... That´s Alright (Mama) su primer tema de una larga carrera a la que dedicaremos un articulo

lunes, 1 de julio de 2019

Canciones que nos emocionan: Temple of the King, Rainbow

Ritchie Blackmore's Rainbow


     Corría el año 1974, y Ritchie Balckmore que estaba en Deep Purple por entonces no estaba nada contento con la dirección que el grupo estaba tomando, pues desde la llegada de David Coverdale y Glenn Hughes el grupo estaba derivando hacia un sonido influenciado por el funk rock. Por este motivo a principios de 1975 Blackmore decide abandonar Deep Purple y decide crear su propia formación. Para ello decide recurrir al grupo Elf, el cual solía tenlonear asiduamente a Deep Purple y ficha a todos menos al guitarrista (Steve Edwards), quedando el grupo conformado por el mismo Ritchie como lider y guitarrista, Ronnie James Dio como vocalista, Mickey Lee Souley a los teclados, Craig Gruber al bajo y Gary Driscoll a la batería. 

     Una vez conformado el personal del grupo, Ritchie decide ponerle el nombre de Ritchie Blackmore's Rainbow, pues en un principio la idea del mismo Ritchie sobre el grupo y en concreto este álbum es que sea concebido como un disco en solitario de él.  posteriormente a éste lp Ritchie despediría a todo el personal del grupo menos a Dio, ficharía a otros músicos y acortaría el nombre de la formación pasando a llamarse Rainbow.
Pero volvamos al momento en el que ya tiene Ritchie Blackmore's Rainbow conformado, en febrero de 1975 se van a Munich (Alemania) y se meten en los Musicland Studios, donde en apenas un mes graban el material de éste álbum debut, siendo publicado en agosto de 1975  por la discográfica Polydor para Gran Bretaña, Estados Unidos, Canada, Alemania y Japón, y por la discográfica Oyster para el resto de Europa.

     En éste álbum se encuentra otro de esos temas que a mí me emocionan, Temple of the King, el cuál había sido compuesto por Dio y Balckmore. El tema en cuestión habla de un hombre que buscando respuestas emprende un viaje espiritual al misterioso templo del rey, donde acaba encontrándolas. La idea de la composición del tema se le ocurrió a Blackmore, el cuál ya practicaba yoga mucho antes de que se pusiera de moda, y encontrándose viendo un programa de yoga para la salud se le ocurrió hacerlo. 
En cuanto a la parte musical del tema, para su grabación se utilizaron dos guitarras clásicas y una guitarra eléctrica, aunque la eléctrica se escucha muy en el fondo y se percibe a duras penas. Para la melodía usaron una progresión medieval. En un principio, Blackmore quería que el tema comenzara diciendo One day in the year of the badger (un día en el año del tejón), pero debido a la dificultad para cantar esa estrofa se acabó decantando por One day in the year of the fox (un día en el año del zorro).

One day in the year of the fox
Came the time remembered well

When a strong young man of the rising

sun with the tolling of the great bell

One day in the year of the fox when the bell began to ring

When the time had come of one to go to the temple of the king

There in the middle of the circle he stands searching seeking

With just one touch of his trembling hand the answer will be found

Daylight waits while the oldman sings heaven help me

And then like a rush of a thousand wing it shine upon the one

And the day had just begun

One day in the year of the fox came the time remembered well

When the strong man of the rising sun

of the tolling of the great black bell

One day in the year of the fox when the bell began to sing

It when the time had come for one to go to the temple of the king
There in the middle of people he stands seeing feeling
With just the wave of his strong right
hand he's gone... to the temple of the king
Far from the circle of the edge of the world he's hoping wondering
Thinking back of the story he's heard of what he's going to see
There in the middle of circle it lies heaven help me
But all could see by the shining of his eyes the answer has been found
Back to the people in the circle he stands hearing feeling
With just one touch of his strong right hand they know...
Of the temple and the king


     Este tema no fue tocado por el grupo hasta mediados de los años 90, y tiene su explicación, según Blackmore el tema contenía unas armonías vocales bastante extrañas en la parte central de la canción y no creía que fuera un tema adecuado para tocarlo en directo. 
    Temple of the King es uno de esos primeros temazos que Blackmore y Dio nos regalarían y que auguraba lo que todavía estaba por llegar y de lo que eran capaces de hacer juntos.

domingo, 30 de junio de 2019

La música en historias: Malik Yaqub, una estrella en la Gran Vía


Malik Yakub, una estrella en la Gran Vía


En los primeros años de la década de los 2000 yo estaba trabajando en plena Gran Vía madrileña, un lugar que ahora es un templo al consumismo y un hormiguero de tiendas de ropa de primeras marcas, pero que por aquel entonces todavía tenía una aureola artística, fomentada no solo a través de los teatros y los grandes estrenos cinematográficos en cines de otro tiempo, sino también por las viejas tiendas de discos de segunda mano de sus alrededores, como pequeños afluentes que confluían en el mítico y ya desaparecido Madrid Rock, dónde casi a cualquier hora podías encontrar en su puerta a los hermanos Alcázar, los eternos "heavies de la Gran Vía". Apostados en la barandilla, frente al lugar en el que estuvo la tienda de discos, siguen resistiendo al sistema y siempre dispuestos a mantener una buena conversación sobre rock o sobre la vida en general.


En aquel hervidero artístico, día sí y día también, encontrabas artistas y grupos de música tocando en las calles o en el metro, poniendo banda sonora al variopinto collage de tendencias y tribus urbanas que pululaban por la gran arteria madrileña. Y en ese mundo colorido, protegido del frío en el pasillo de la estación de metro de Gran Vía o en la fachada de la FNAC de la calle Preciados, un viejo saxofonista de color deleitaba a los transeuntes con versiones de clásicos del Jazz como John Coltrane o Charlie Parker.

Como el músico frustrado que soy, he tenido momentos en los que he intentado aprender a tocar con mayor o menor empeño, y en aquella época mi novia me regaló por mi cumpleaños un teclado de piano eléctrico, que nunca he llegado a saber tocar pero que en aquel momento fue el comienzo de una idea loca, por la que cada día al salir del trabajo grababa en un rudimentario mp3 a los músicos ambulantes que me encontraba, para después crear mezclas en las que añadía mis partes de piano u otros instrumentos a través de efectos de sonido que descargaba por internet. Y así fue como conocí a Malik Yaqub, en una fría noche en la que me acerqué para pedirle que tocara algún tema de Jazz, a lo que me contestó con una sonrisa y un "¡I will play Charlie Parker, old style!" (tocaré algo de Charlie Parker, al estilo antiguo). Aquel día le pregunté su nombre, y comencé a buscar información sobre su pasado y su trayectoria musical:

Nacido en Kansas City (Estados Unidos), su nombre original era Mack Spears, y había sido un reconocido saxofonista de jazz con varios discos publicados y colaboraciones con otros artistas relevantes del género. De Kansas City se trasladó a San Francisco, dónde empezó a darse a conocer y a tocar con músicos de la talla de John Coltrane o Miles Davis. Al parecer fue Davis quién le recomendó que se trasladara a Nueva York, lo cuál hizo en 1956.

En la Gran Manzana vivió las dos caras del mundo de la música, el reconocimiento de importantes músicos que quisieron contratarle, pero también la cara oscura del mundillo y las drogas que lo rodeaban. Su negativa a alistarse para la guerra le llevó a una cárcel cerca de la frontera de Canadá, donde su talento quedó tres años encerrado. Allí dedicó el tiempo a aprender árabe y formar una big band con otros reclusos.

Tras su etapa entre rejas, viajó a Egipto con una beca de estudios, y siguió formando bandas con las que incluso llegó a tocar ante la familia del Presidente Nasser. En 1967, ante el inminente conflicto bélico, abandona Egipto hacia destinos tan variopintos como Sudán o Etiopía. En este último destino, según las historias que el propio Malik contaba, su majestad imperial Haile Selassie le otorgó el título de "Rey del Jazz"

De vuelta a Estados Unidos, fundó "House of Yaqub", su propio sello discográfico, con el que graba varios discos de jazz. Desde 1988 encontró en Madrid su residencia fija. En mi segunda y última visita al pasillo del metro de Gran Vía, tenía varias copias disponibles de algunos de aquellos discos, y no pude evitar comprarle un par de ellos, que ahora son tesoros de mi colección. Aquel día estaba ya recogiendo cuando llegué, le brillaban los ojos mientras explicaba que uno de los discos estaba grabado en un concierto en Alejandría, mientras el otro era un disco de estudio en el que en la portada aparecía junto a su mujer de entonces, una bella afroamericana a la que dedicaba un tórrido tema (Music for the four in one) sobre una noche en la que les dio tiempo a cuatro...
Sin duda eran otros tiempos para el gran Malik. Mi dinero y sus discos cambiaron rápidamente de manos para convertirse en su dinero y mis discos. Con más parsimonia, recogió su saxofón y su silla plegable e inició su camino hacia la noche para, en palabras del maestro Sabina, "perderse en el trajín de la Gran Vía".

Fue la última vez que le ví. En 2006 trasladaron mi centro de trabajo a las afueras de Madrid. Mi gran idea de grabar a músicos ambulantes nunca llegó a buen puerto, y años después se me adelantó Mark Johnson con el proyecto musical de "Playing for Change". Una éxitosa iniciativa de grabar a músicos callejeros de distintos países y culturas, pero marcada por un gran fallo imperdonable. No contó con Malik Yaqub para la grabación de aquel disco. Lo siento Mark, por muy bien que te quedara "Stand by me", tú no tienes a Malik Yaqub grabado en mp3 tocando en la Gran Vía, ni los dos discos que le compré en el metro. A pesar de no ser copias originales, son un recuerdo inborrable de aquellas dos breves interacciones con el "Rey del Jazz".

Malik nos dejó en 2012 en un hospital madrileño a causa de un enfisema pulmonar, pero ya por entonces todo estaba perdido. Los hermanos Alcázar ya habían experimentado el duro cambio de pasar del Madrid Rock del que emanaban sonidos de los Zeppelin o los Doors, a tener que escuchar la música del Bershka en el mismo nº 25 de la Gran Vía, a pocos pasos de la parada de metro en la que un hombre que tocó ante reyes acabó tocando para los transeuntes que pasaban cada día por su lado sin detenerse. Miles de almas yendo y viniendo a alguna parte, sin percatarse de tener a una leyenda viva del jazz delante de sus ojos. Plantado delante de la fachada del Primark, yo también comprendí que ya era tarde. El Rey ha muerto, larga vida al Rey.

viernes, 28 de junio de 2019

El disco de la semana 133: Junior Wells - Hoodo Man Blues

Hoodoo man Blues


     
     Salvaje y rebelde, así es como se le recuerda, pero con demasiado talento con una armónica  como para no aprovecharlo, y eso lo sabía todo el mundo en la escena de Chicago y por eso sus servicios eran muy demandados. Un talento que dejaría plasmado con la publicación de su primer disco, un disco que es catalogado como uno de los mejores álbumes de blues jamás editados, el álbum en cuestíon es Hoodoo Man Blues, grabado en 1965 por Junior Wells.

     Amos Welss Blakemore Jr "Junior Wells" nace en 1934 en Memphis, Tennessee (Estados Unidos), y comienza a tocar la armónica a la edad de siete años con su primo Junior parker, posteriormente pasaría a recibir las enseñanzas del mismísimo Sonny boy Williamsom II. En 1948 y justo tras el divorcio de sus padres, Junior se traslada con su madre a vivir a Chicago, donde se empezaría a  mimetizar con el entorno del blues de Chicago y empezaría a tocar con músicos de allí y en fiestas y locales. la primera banda de la que forma parte es The Aces, grupo que desarrolla un blues más moderno y evolucionado. En 1950 intenta entrar en la mismísima banda de Muddy Waters, pero es rechazado no por su innegable talento, es rechazado porque no llega al micrófono. Perseverante él, consigue entrar dos años más tarde en sustitución de Little Walker.
      Después de sus servicios con Muddy Waters, Junior durante los años 60 pone su armónica al servicio de Buddy Guy, esa estrecha relación musical nos deja aportaciones de indudable valor, uno de ellos es el primer disco que graba en solitario Junior. En 1965 y fruto de esa relación con Buddy, Junior le pide que aporte su guitarra en la grabación de su primer disco, algo a lo que Buddy acepta.

     Hoodoo Man Blues es grabado y publicado por la discográfica Delmark Records. Bob Koester, el fundador de Delmark Records y uno de los descubridores de Junior, a pesar de la preocupación por la respuesta comercial que pudiera tener el disco debut de un todavía desconocido Junior Wells, sabía que tenía tanta calidad y le gustaba tanto que tuvo los arrestos de darle la libertad suficiente para elegir sobre los temas y la grabación del disco. Esta apuesta se tradujo en que Hoodoo Man Blues se convirtió en el disco estrella en ventas de Delmark Records y sentó las bases de la increíble carrera de Junior Wells. Además ha sido reconocido por la crítica especializada como uno de los mejores álbumes de blues jamás grabados, tanto es así que una copia original se guarda en el Registro Nacional de Grabación de Estados Unidos (Serie de grabaciones que se consideran  cultural o históricamente importantes y que reflejan la vida y la historia de Estados Unidos).

     En la grabción participó Buddy Guy. Buddy tenía contrato con la discográfica Chess Records, y esta al final accedió a que participara pero no permitió que su nombre apareciera en los créditos del disco, Buddy aparece acreditado en el disco con el nombre de Friendly Chap. Otra curiosidad de la grabación del disco es que el amplificador de Buddy Guy no funcionaba correctamente, así que ingeniaron una solución, conectaron la guitarra al altavoz Leslie del órgano hammond que había en el estudio.

     Hoodoo Man Blues es un disco que capta excelentemente toda la esencia del Chicago Blues (sonido blues de Chicago).  Algunos de los temas que nos podemos encontrar son:
Good Morning Schoolgirl, un blues tradiconal del que se desconoce la autoría y que fue grabado por primera vez en 1937 por Sonny Boy Williamson I en 1937.
Houng Dog, una eléctrica pieza llena de ritmo escrita por Jerry Leiber y Mike stoller y grabado por primera vez por Big Mama Thornton. Aunque la versión que más se recuerda de este tema es la realizada por Elvis Presley en 1956, versión que está catalogada en el puesto número 19 de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos hecha por la revista Rolling Stone.
In the Wee Hours, donde Junior nos demuestra que además de meter ritmazo a sus temas también sabe hacer temas lentos llenos de sensibilidad que llegan al corazón.
Early in the Morning , otro blues tradicional que fue grabado por primera vez por Sonny Boy Williamson I.
You Don't Love Me baby, con una genial melodía de guitarra de Buddy que hace que se nos despeguen los pies del suelo y nos pongamos inmediatamente a bailar.
Chitlin con Carne, fantaśtico tema compuesto por Kenny Burrell en 1963 y donde el dueto guitarra de Buddy y Junior es sensacional.
Hoodoo Man Blues, un fantástico tema que había sido grabado por Junior años atrás en un disco de 78 rpm, y que una vez fue presentado a cierta emisora de radio, y se cuenta que este tema fue rechazado y de malas formas la tiraron al suelo y la pisotearon. Un tema que Junior no iba a incluir debido a aquella desagradable experiencia y el mal trago que pasó con este tema, pero al final se decidió a incluirlo gracias a Bob Koester que le animó a ello.

     En la contraportada del disco aparece además una historia de cómo Junior se hizo en su juventud con una armónica y además evito ir a la carcel por ello, una historia que ya contamos aquí en 7dias7notas, "La armónica de Junior"



     Si cogemos una coctelera y mezclamos a Junior Wells, uno de los mejores armonicistas de blues, a Buddy Guy y a Bob Koester que tuvo los arrestos de dejarle libertad para la creación de su primer disco, nos da como resultado Hoodoo Man Blues, uno de los mejores discos de blues que nos podemos encontrar.

jueves, 27 de junio de 2019

Historia del rock and roll: 3.- Años 40


Continuamos la historia del rock and roll y nos detenemos en los años 40, el blues y el Country se habian establecido en nuestras vidas como una música de éxito acompañando a las orquestas que por aquel entonces llevaban ventaja y tenían un merecido prestigio, bandas como Grand Terrace de Chicago, La big band de Benny Goodman o La orquesta de Artie Shaw inundaban la radio y los locales musicales.


Louis Jordan
Pero otro grupo de músicos seguían aflorando en esta ocasión era el momento de la presentación de Louis Jordan acompañado del guitarrista Carl Hogan y su tema "Ain't That Just Like a Woman (They'll Do It Every Time)" que años mas tarde Chuck Berry lo llevo a una dimensión superior, ya que el sonoro riff de guitarra que se escucha en la apertura de “Johnny B. Goode”considerados como uno de los más famosos de la historia de rock and roll, es similar al de esta canción.
Otro gran maestro de esa época fue T-Bone Walker, discipulo de Blind Lemon Jefferson (del que hablamos en el episodio anterior, llevo los acordes del jazz al blues y creo lo que se denomino el  el blues eléctrico moderno, es conocido que B.B. King lo ha citado como una de sus primeras influencias; son famosos sus temas "I Got A Break, Baby"  y "Call it stormy morning".

Sonny Boy Williamson
Otro de los grandes artistas de Blues de esta época es Sonny Boy Williamson, de acuerdo con algunos documentos, nació en la plantación de Sara Jones en Glendora, Mississippi, y de su infancia se sabe que trabajó al lado de su padrastro Jim Miller y su madre Millie Ford. Hacia mediados de la década de 1930 viajó por el Delta bajo el alias de Little Boy Blue, tocando al lado de Robert Johnson, Robert Nighthawk, Ronert Jr. Loockwood y Elmore James en los juke joints, fiestas y bazares de la zona.
En 1940 fue la estrella de King Biscuit Time, el primer programa de blues en la radio, en directo se caracterizaba por tocar solos de armónica y al final tocar sin las manos, únicamente colocando la armónica entre sus labios mientras chasqueaba los dedos y luego aplaudía, algo impresionante. Son famosos sus temas "Don´t stormy to taking" , "Your Funeral… My Trial" que años mas tardes fue  versionada por Nick Cave.

Muddy Waters
Es también en estos años 40 cuando hace su aparicion en escena Muddy Waters, considerado el padre del Chicago blues, disfrutaría de éxitos que se convertirían en clásicos del blues como “Rollin’ Stone”, “Hoochie Coochie Man”, “Rollin’ and Tumblin” o “Mannish Boy”. Sexualizó el blues de una forma que luego sería explotada por las estrellas del rock and roll. Su música y puesta en escena poseían un magnetismo animal pocas veces visto anteriormente y en las letras de sus canciones el
lamento del blues pasó a ser una proclama sexual; todo esto, junto con la electrificación de su sonido, llevó al blues a una nueva era que contribuiría de forma decisiva en el nacimiento del rock and roll.
B.B. King le dedico estas palabras  “Muddy puede haber sido el más magnífico de todos los bluesmen en salir de Mississippi (…) ninguno tenía la autoridad de Muddy. Él era el jefe de Chicago y la razón por la cual algunos llaman a Chicago el hogar del blues”.

Pete Seeger
Alejado de la influencia del Blues y el Country aparece el folk, y en esta decada es cuando destaca Pete Seeger, que instaura la cancion protesta izquierdista,  en marzo de 1940, en un concierto
benéfico por los trabajadores inmigrantes, Seeger conoció a Woody Guthrie. Ambos pusieron en común su necesidad de transformar la realidad social a través del folk, al que añadieron nuevas texturas y una vena muy combativa en todas sus letras y mensajes. 



Nos encontramos ya en Estados Unidos deprimido tras la Segunda Guerra Mundial y las familias se refugian en la musica, es en esta época donde un hubo un enorme auge de las ventas de discos, para la historia quedara Bing Crosby y su cancion White Chrismast que no podía faltar en cada hogar, esta considerado el sencillo más vendido de todos los tiempos, con ventas estimadas en más de 50 millones de copias en todo el mundo. Es también cuando aparece una figura que hoy esta mas en boga que nunca, se crea la figura del disc jockey, y tanto auge en el mercado musical trae consigo la aparición de firmas como Capitol, fundada en Hollywood y Mercury en 1945. Fue en 1948 cuando nace el disco de doce pulgadas y que gira a 33 RPM, el vinilo clásico que tanto hemos disfrutado los amantes de la música





miércoles, 26 de junio de 2019

La música en historias: Zombie's party, la mejor crítica sobre Prince


El 21 de Junio de 2019, tres años y dos meses después de la muerte de Prince, y como parte de la cantidad de material inédito que tenía en su famosa cámara acorazada de Paisley Park, salió a la venta "Originals", recopilación de 15 de las canciones que escribió para otros artistas, pero en las versiones previas que Prince interpretó y que habían visto la luz al convertirse finalmente en regalos para otros. No faltan en esta entrega, entre otros, temas míticos como "Manic Monday" para The Bangles, "Love thy will be done" para Martika y, por supuesto, "Nothing compares 2U" inicialmente para The Family y popularizada en la versión de Sinead O'Connor.

"Originals" es la segunda entrega de la encomiable labor arqueológica de rebuscar entre los cientos de temas enterrados en "La bóveda" y publicarlos de manera ordenada y asegurando unos altos estándares de calidad. La primera fue "Piano and microphone 1983", que contenía nueve temas (dos de ellos inéditos) grabados por Prince al piano en su estudio casero, y que aparecieron grabados en una cassette en la cámara acorazada.

Como hice con cada una de sus publicaciones en vida, desde que le descubrí en 1988, he esperado con avidez esta nueva entrega, y tras escucharla fui de nuevo, como tantas y tantas veces, a buscar información en internet para regocijarme en las buenas críticas y discrepar con las malas. Estando en mitad de este proceso, un pensamiento me vino a la cabeza:
Después de haber leído tantas críticas sobre Prince y sus discos... ¿Cuál sería la mejor crítica que se ha hecho sobre la genialidad de este músico y su vasta obra?


La respuesta no la encontré en las sesudas disertaciones de críticos musicales, ni en las generosas alabanzas de otros artistas rendidos ante la calidad de las entregas del genio de Minneapolis. Tampoco entre los sentidos homenajes y comentarios de sus fans más enfervorecidos. La respuesta, amigos míos, la encontré en la película Zombie's Party. Y os aseguro que no me he fumado nada parecido a lo que pudieran haberse fumado los guionistas de esta irreverente y genial película, en la que los zombies vagan libremente por Londres. El caos consecuente pilla al protagonista y su amigo en casa, escuchando por el noticiario que la única manera de matar a los zombies es "arrancarles la cabeza o destruirles el cerebro".


Asustados por lo que está ocurriendo, salen al patio trasero. Un par de zombies se les acercan caminando lentamente, a lo que responden lanzándoles sin éxito todo tipo de objetos. En un momento de desesperación, el amigo les arroja un disco de vinilo que estaba tirado en el suelo, entre el desorden de los objetos desperdigados. El protagonista intenta evitarlo: "¡No, no, es el segundo disco que me compré!", pero al ver que un trozo del disco se clava en la cabeza de uno de los zombies, van a la casa y vuelven con la colección de vinilos. Mientras los zombies siguen acercándose, buscan nerviosos en la colección de discos:

-"Ahhh... ¿Purple Rain? - pregunta el amigo.
-"¡Noooo!" responde el protagonista.
-"¿Sign of the times?
-"¡Ni se te ocurra!"
-"¿La banda sonora de Batman?"
-"¡Tíralo!"



No se me ocurre otra crítica tan directa, concisa, divertida, irreverente y, por qué no decirlo, acertada. Después de una década facturando obras maestras como si los discos le crecieran en el jardín de Paisley Park como setas, el encargo para la banda sonora del murciélago de Tim Burton era una colección de temas muy desiguales. Temas como "The Future", "Electric Chair", "Partyman", "Vicky Waiting", "Scandalous" y "Batdance" plasman bien la atmósfera de la película y cumplen con lo exigible a un artista de su altura, pero el resto son temas que no pasan de ser mero material de relleno.

Si aplicamos la escena de Zombie's Party a la reciente entrega de "Originals" o a la anterior "Piano and microphone 1983", ¿habrían sido preservadas por su calidad o arrojadas sin piedad a los zombies? Según Michael Howe, la persona designada por los herederos y la discográfica Warner para la labor de arqueología y selección del material contenido en la bóveda, solo saldrá a la luz material que esté a un nivel de calidad muy alto, para preservar y respetar su enorme legado artístico.

Salvamos entonces estas dos publicaciones por su valor histórico y su nivel artístico, pero echamos de menos que, después de tanto tiempo, aún no hayan podido regalarnos un disco completo de canciones inéditas nuevas. Uno que podamos mantener, junto a Purple Rain y Sign of the times, en nuestra colección de vinilos, incluso ante la amenaza de unos zombies sedientos de nuestra sangre. Tres años y dos meses después de la muerte de Prince, quizá haya llegado el momento de ponerse en pié para pedir esto, al igual que "llega un momento en la vida de todo hombre en el que ha de levantarse del sillón y matar unos zombies"

Escena completa de Zombie's Party y los vinilos:
https://www.youtube.com/watch?v=LakThNl4eIc

domingo, 23 de junio de 2019

La música en historias: Muddy Waters y Los Rolling Stones

Rolling Stones



     Rollin' Stone fue el primer tema de éxito que grabó Muddy Waters allá por el año 1948 con el sello Aristocrat, un sello que en 1950 es adquirida por los estudios Chess Records ubicados en chicago, compañía que ese mismo año lanza el tema y lo convierte en todo un éxito. El tema fue compuesto por Muddy Waters el cuál hizo su propia versión de un tema del bluesman de Mississippi Robert Petway llamado Catfish Blues. Una de las novedades que introdujo en el tema fue que a diferencia de Robert, Muddy lo grabó con guitarra eléctrica. 

     El título del tema fue cogido de un antiguo proverbio que dice algo así como "una piedra rodante no coge musgo", y en el tema Muddy nos cuenta que sueña con ser un pez gato y con bellas mujeres que intentan atraparlo, y en vez de sentar la cabeza, la piedra de Muddy va deambulando por el barrio llamando y visitando a las vecinas cuando sus maridos no están en casa.
El éxito de éste tema supuso el incio de la carrera de Muddy, uno de los músicos más influyentes del Blues y unos de los padres del llamado Blues de Chicago.

      ¿Y que relación puede tener Muddy Waters con los míticos Rolling Stones, y en concreto con éste tema en cuestión?
Muy sencillo, allá por el año 1962 el grupo de Jagger, Richards, Jones y compañía habían conseguido su primer concierto, y resulta que no tenían todavía un nombre para el grupo. Por cosas del destino observaron que en el suelo había un disco en el suelo titulado The Best Of Muddy Waters, al coger esa copia y darle la vuelta observaron que en el listado de canciones había una titulada Rollin' Stone. Al momento de ver el título de este tema lo tuvieron claro, su grupo se llamaría The Rolling Stones. A partir de aquí iniciaría el vuelo una de las bandas de rock más exitosas del planeta.