Metallica - Master of Puppets (Mes Metallica)

 

Master of Puppets, Metallica

     El álbum Master of Puppets de la banda estadounidense Metallica está considerado como uno de los mejores espectáculos de heavy metal de toda la historia. Este álbum demuestra un equilibrio perfecto entre un tempo alto y toques de guitarra moderados con potentes y perturbardores ritmos. Estamos ante una de las bandas de heavy metal de mayor éxito comercial en el mundo. Se estima que ha vendido 120 millones de copias de álbumes, además de haber obtenido varios premios Grammy.

Master of Puppets es su tercer álbum de estudio. Fue grabado entre el 1 de septiembre y el 27 de diciembre de 1985, en los Sweet Silence Studios de Copenhague, Dinamarca, bajo la producción de Flemming Rasmussen y del propio grupo, y publicado el 2 de marzo de 1986 por el sello discográfico Elektra Records. Este fue el útlimo aparecería el bajista Cliff Burton, pues fallecería, mientras se encontraba de gira de apoyo del disco, el 27 de septiembre de 1986 después de que el autobús de gira de la banda se viera involucrado en un accidente en la localidad de Dörarp, Suecia. 

Master of Puppets alcanzó el puesto número 29 en el Billboard 200 y recibió elogios generalizados de los críticos, que elogiaron su música y sus letras comprometidas politicamente. Está considerado como uno de los mejores y más influyentes álbumes de metal de todos los tiempos, y se le considera fundamental para la consolidación de la escena del thrash metal estadounidense . En el año 2003 Fue certificado seis veces platino por la Recording Industry Association of America (RIAA) por vender seis millones de copias en los Estados Unidos, y más tarde fue certificado seis veces platino por Music Canada y platino por la British Phonographic Industry (BPI). En 2015, Master of Puppets se convirtió en la primera grabación de metal en ser seleccionada por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos para su preservación en el Registro Nacional de Grabaciones por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa". 

En el proceso de creación del álbum, La banda no estaba satisfecha con la acústica de los estudios estadounidenses que estaban sondeando para grabar, y decidieron hacerlo en la Dinamarca natal de Ulrich. Ulrich se puso en contacto con el bajista y vocalista de Rush, Geddy Lee, para producir el álbum, pero la colaboración nunca se materializó debido a la problematica de poder cuadrar las agendas.  Metallica al final se decantó para grabar el álbum por el productor Flemming Rasmussen. La escritura de todas las canciones excepto Orion y The Thing That Should Not Be fue completada antes de la llegada de la banda a los estudios de Copenhague. El productor Rasmussen comentó que la banda había traído las demos de las canciones bien preparadas y solo se tuvieron que hacer ligeros cambios a las composiciones en el estudio. La evolución y sentido de mejorar de la banda quedó patente en este disco, que tardó bastante más tiempo que su disco anterior en grabarse, pues habían desarrollado un gran sentido de perfeccionismo. Sus ambiciones musicales habían crecido, y buen ejemplo de ello fue que Ulrich tomara lecciones de batería y Hammett se pusiera a trabajar con Joe Satriani para aprender a grabar de manera más eficiente.

El grupo quiso evitar la producción pulida y los sintetizadores de los álbumes contemporáneos de hard rock y glam metal, y sus componentes, que tenían reputación de bebedores, decidieron mantenerse sobrios los días de grabación. Hammett recordaba al respecto: "simplemente estaba haciendo otro álbum en ese momento y no tenía idea de que el disco tendría una gama de influencias tan amplia como la que tuvo". También dijo que el grupo estaba "definitivamente en su apogeo" en ese momento y que el álbum tenía "el sonido de una banda que realmente se estaba consolidando, que realmente estaba aprendiendo a trabajar bien en conjunto". 

El diseño de la portada fue obra de Metallica y del mánager musical estadounidense Peter Mensch,  y pintado por Don Brautigam. Dicha portada muestra un cementerio con cruces blancas atadas a cuerdas, manipuladas por un par de manos en un cielo nublado y rojo sangre, con un resplandor naranja intenso en el horizonte. En lugar de lanzar un sencillo o un video antes del lanzamiento del álbum, el grupo se embarcó en una gira estadounidense de cinco meses en apoyo de Ozzy Osbourne. La etapa europea se canceló después de la muerte de Burton en septiembre de 1986, y la banda regresó a casa para audicionar a un nuevo bajista. La banda decidió burlarse de las pegatinas de advertencia promocionadas por el PMRC (Centro de Recursos Musicales para Padres), colocando una burlona etiqueta que rezaba: "La única canción que probablemente no querrás reproducir es 'Damage, Inc.'" "debido al uso repetido de la infame palabra "F". Por lo demás, no hay " mierdas", "jode", "mea", "coño", "hijo de puta" ni "chupapollas" en ningún lugar de este disco".

Master of Puppets presenta un enfoque y una interpretación más refinados en comparación con los dos álbumes anteriores, con canciones con múltiples capas y dotadas de una gran destreza técnica. Aunque hay una gran similitud en la secuencia de las pistas con su álbum anterior, Ride the Lightning (ambos abren con una canción de ritmo rápido con una introducción acústica, seguida de una larga canción principal y una cuarta pista con cualidades de balada), la musicalidad en Master of Puppets es más poderosa y épica en alcance, con ritmos ajustados y delicados solos de guitarra, introduciendo un nuevo nivel de pesadez y complejidad en el thrash metal, mostrando canciones atmosféricas y ejecutadas con gran precisión. La voz de Hetfield había madurado desde el grito ronco de los primeros dos álbumes a un estilo más profundo y controlado, pero agresivo.

Las canciones exploran temas como el control y el abuso de poder, y sus letras describen las consecuencias de la alienación, la opresión y los sentimientos de iimpotencia. Comienza el álbum con Battery, que hace referencia a la violencia furiosa. Algunos críticos sostuvieron que el título en realidad se refiere a una batería de artillería, y lo interpretaron como "Hetfield [cantando] una táctica de guerra como el agresor" personificando la destrucción. La canción comienza con guitarras acústicas con un bajo muy pesado que se construyen sobre capas multipistas hasta que se unen a una pared sónica de guitarras eléctricas distorsionadas, para luego romper con riffs rápidos y agresivos . Hetfield improvisó el riff mientras se encontrab de relax en Londres. Master of Puppets es la canción que da título al disco y consta consta de varios riffs con compases irregulares y una sección central bien elegida con un solo melódico. La canción es una clara alusión a las drogas, "el Maestro está moviendo tu hilos, retorciendo tu mente y destrozando tus sueños". Las drogas son el Maestro mientras que el consumidor es el títere. The Thing That Should Not Be está inspirada en el Mito de Cthulhu creado por el famoso escritor de terror HP Lovecraft, con notables referencias directas a La sombra sobre Innsmouth y al propio Cthulhu, que es el tema del estribillo de la canción. Se considera la pista más pesada del álbum, con el riff principal emulando a una bestia arrastrándose hacia el mar. Se perciben las influencias de Black Sabbath en las guitarras, que están afinadas hacia abajo, creando un ambiente lento y melancólico. Cierra la cara B Welcome Home (Sanitarium). La canción se basa en la novela One Flew Over the Cuckoo's Nest de Ken Kesey y transmite los pensamientos de un paciente injustamente enjaulado en una institución mental. La canción está estructurada con guitarras sombrías y limpias alternadas en los versos y riffs pesados ​​y distorsionados en los coros, que se desarrollan en un final agresivo.

Abre la cara B Disposable Heroes, una canción contra la guerra sobre un joven soldado cuyo destino está controlado por sus superiores. Con secciones interpretadas a 220 pulsaciones por minuto, es una de las pistas más intensas del disco. El pasaje de guitarra al final de cada verso era la imitación que hacía la guitarra de Hammett del tipo de música que encontraba en las películas de guerra. El riff sincopado de Leper Messiah desafía la hipocresía del teleevangelismo que surgió en la década de 1980. La canción describe cómo las personas se convierten voluntariamente en seguidores religiosos ciegos que hacen sin pensar lo que se les dice. Orion es una pieza instrumental de varias partes donde destaca sobremanera el bajo de Burton. Comienza con una sección de bajo con fundido de entrada, muy procesada para parecerse a una orquesta. Continúa con un riff de medio tiempo, seguido de un riff de bajo a medio tiempo. El tempo se acelera durante la última parte y termina con la música desvaneciéndose. Burton arregló la sección central, que presenta su línea de bajo melancólica y armonías de guitarra de varias partes. Cierra este gran álbum Damage, Inc., que se dedica a despotricar sobre la violencia sin sentido. Comienza con una serie de acordes de bajo invertidos basados ​​en el preludio coral de "Come, Sweet Death" de Bach. La canción luego salta a un ritmo rápido con un riff de pedal en E tocado por Hammet. Para dicho riff Hammet fue influenciado y se basó en el grupo Deep Purple.

Aunque Master of Puppets no supuso un paso tan gigantesco como Ride the Lightning (1984), fue el mayor logro de la banda, siendo aclamado como una obra maestra hasta por críticos muy alejados del público principal del heavy metal. También fue un éxito sustancial, llegando al Top 30 y vendiendo tres millones de copias a pesar de una difusión absolutamente inexistente. Es posible que no nos resulte su escucha tan sorprendente como Ride the Lightning, pero Master of Puppets se siente más unificado, tanto temática como musicalmente. Todo en el álbum parece llevado a proporciones épicas (de hecho, las canciones son mucho más largas en promedio), y la banda demuestra tener más control en la dirección del álbum y una gran progresión en su evolución musical.

1501.- Warszawa - David Bowie

Antes de grabar "Warszawa" (Varsovia), Bowie había estado en la ciudad una vez en su vida, durante unas horas. Había pasado por Polonia en mayo de 1973, viajando de Moscú a Berlín Occidental, pero no había bajado del tren. En abril de 1976, Bowie e Iggy Pop tomaron un tren de Zúrich a Moscú, de nuevo vía Polonia. Según la biografía de Iggy Pop escrita por Paul Trynka: Vieron pueblos todavía marcados por agujeros de bala y un paisaje marcado por cráteres de bombas sin reparar; al acercarse a un tren de mercancías en Varsovia, presenciaron a un trabajador descargando carbón pieza por pieza en el aguanieve gris y gélido. En Varsovia, el tren se quedó detenido durante unas horas en Dworzec Gdański (estación de trenes de Gdansk), por lo que Bowie salió a dar un paseo por el distrito Żoliborz de Varsovia, en lo que entonces se llamaba Plac Komuny Paryskiej (Plaza de la Comuna de París) (desde entonces ha sido rebautizada con su nombre original, Plac Wilsona). Años más tarde, los fans polacos de Bowie contarían su paseo, casi paso a paso. Bowie se detuvo en una tienda de discos y compró algunos LP del conjunto de canto y danza folk Śląsk , uno de los cuales incluía la composición de Stanisław Hadyna "Helokanie". De estas escasas impresiones Bowie hizo un mundo, o al menos una ciudad. El himno melancólico de más de seis minutos que abre la parte “nocturna” de Low no le puso el nombre de Moscú, una ciudad de la que había tenido alguna experiencia, ni de Berlín, su futuro hogar, sino de Varsovia, una ciudad que sólo había vislumbrado. Tal vez Varsovia fuera sólo un lienzo más vacío, o tal vez algo en la ciudad resonó en Bowie durante su breve paseo. Acababa de salir de Los Ángeles, una ciudad de sueños profesionales; había crecido en un Londres que experimentaba una breve segunda infancia; había hecho su arte a partir de invenciones: cantantes de rock imaginarios, distopías de cómic alegremente violentas. Varsovia tenía poco de esto. Lo que Varsovia tenía era el residuo férreo de la historia: fue casi arrasada durante la guerra, una gran parte de su población asesinada en campos de exterminio, en levantamientos fallidos, en represalias. Para Bowie, era una ciudad caída, una ciudad conquistada, una ciudad abandonada a los espías y al invierno.

La canción que Bowie bautizó con el nombre de Varsovia comienza con un sonido lento, el sonido de una campana fúnebre tocada por un niño al piano.  Los instrumentos eran principalmente el pequeño grupo de sintetizadores que Bowie y Eno habían traído a las sesiones (EMS y Minimoog de Eno, Chamberlin de Bowie) junto con la pequeña colección de ARP del estudio (y posiblemente alguna guitarra tratada). Tanto los sintetizadores como el piano tocan las octavas A o C que suenan continuamente por debajo de gran parte de la pieza; el Chamberlin hace las veces de sección de viento. Como la música de “Warszawa” es obra de una orquesta sintética, un puñado de máquinas que hacen las veces de docenas de instrumentos, sus voces son un coro de la voz manipulada de un solo hombre. Bowie canta las primeras líneas con su habitual voz de barítono. Luego, comenzando con “cheli venco”, Bowie cantó en una cinta que Visconti había ralentizado dos semitonos: reproducida a velocidad normal, la voz de Bowie se había convertido en la de un niño. El punto culminante creativo de Low , “Warszawa” es una de las obras más sublimes de Bowie, y su influencia se sentiría durante años. Ian Curtis estaba tan obsesionado con la canción que le puso su nombre a su grupo de punk. “The Electrician” de Scott Walker parece inspirada en el inicio sonoro de “Warszawa” (la mayoría de las contribuciones de Walker a Nite Flights , un disco de los Walker Brothers de 1978, son reacciones a Low y “Heroes” ).

1500.- Dreams - Fleetwood Mac

 

"Dreams" es uno de los platos fuertes del icónico disco de la banda británica Fleetwood Mac "Rumours" (Warner Records, 1977), y el segundo single que se lanzó para su promoción tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido. Como sencillo, fue el único de la banda que logró alcanzar el primer puesto del Billboard Hot 100 estadounidense.

Escrita por la vocalista Stevie Nicks en 1976 mientras estaban grabando temas en los estudios Record Plant de California, es una de las canciones más famosas y reconocidas del grupo. La inspiración le llegó a Stevie en aquel momento, y de una manera tan clara que tuvo una primera versión de la letra en tan solo diez minutos. El grupo vio en "Dreams" un filón dorado, y al día siguiente ya grabaron en el estudio una versión con batería y sintetizadores, que completaron días después con el bajo y las guitarras.

Muchos años después, y tras ser versionada por diversos grupos de generaciones posteriores (es especialmente destacable la versión que The Coors realizó en 1998), en 2020 tuvo un gran repunte de popularidad gracias a su utilización en publicaciones de TikTok, lo que provocó que volviera a entrar en las listas de ventas de muchos países, y en plataformas más actuales como Spotify o Apple Music. Y desde hoy, para los que formamos 7dias7notas.net, "Dreams" tendrá para ya para siempre un lugar especial en nuestros corazones, ya que es la canción 1500 que reseñamos en esta sección de "Historia de la Música en Canciones"​.

Disco de la semana 416 - This is Gracious! - Gracious

Esta semana nos ilusiona traer al disco de la semana de 7dias7notas.net un álbum de Gracious, una banda británica de rock progresivo relativa e injustamente desconocida para el gran público, que en sus comienzos llegó a telonear a The Who, y que en solo llegó a sacar tres discos de estudio: Gracious! (1970), This Is...Gracious! (1971) y Echo (1996), y nos vamos a detener a comentar el segundo de ellos, que para nosotros es el mejor de su breve pero intensa trayectoria. This Is...Gracious! salió a la venta con el grupo ya separado tras su breve primera etapa (estuvieron juntos de 1967 a 1971, y el tercer disco "Echo" es una obra mucho más reciente y tras décadas de separación), y la falta de interés de los medios en promocionar una oba de una banda ya disuelta repercutió en que se haya convertido en un disco casi desconocido y, al mismo tiempo, de culto en el mundillo del rock progresivo.

Calidad no le falta, especialmente si hablamos del tema "Supernova", que abre el disco y es la pieza central del mismo, y que de hecho iba a ser originalmente la que le diera título. Hablamos de un tema que destaca por sus 25 minutos de rock progresivo y cambiante, una larga suite dividida en cuatro partes diferenciadas: El tramo instrumental de Arrival of the Traveller da paso a la sombría Blood Red Sun, una historia distópica y fantasmagórica de ritmo marcial, mellotron y tambores que recuerda por momentos a King Crimson, que desemboca en Say Goodbye to Love, un tramo de balada de guitarras acústicas y melodías pop, antes de llegar a un último tramo (Prepare to meet thy maker), en el que vuelven a terrenos progresivos, con un marcado órgano y unos grandilocuentes coros que le dan a "Supernova" un final épico y trascendente. 

C.B.S. vuelve a un minutaje más tradicional, si se le puede llamar así a sus más de siete minutos de duración, un buen tema basado en ritmos más animados y un típico riff de blues rock de los años setenta, todo ello aderezado por cambios de ritmo en los que el mellotron y los solos de guitarra cobran gran protagonismo. Le sigue Once on a Windy Day, intensa balada de aires pop setenteros y grandes coros, en uno de los momentos más destacados y armoniosos del disco, que de nuevo contrasta con el arranque instrumental y progresivo de Blue Skies And Alibis, que alterna tramos de instrumentación intensa con partes vocales más pausadas, con un tramo central en el que las guitarras eléctricas se desatan en una nueva vuelta de tuerca progresiva. Es uno de los temas más "generosos" del álbum, plagado de idas y venidas sonoras y en el que no falta tampoco un buen solo de batería para completar el conjunto. 

Hold Me Down es el tema que cierra el álbum, y lo hace con un nuevo riff afilado y un tratamiento rítmico más animado y el mismo gusto por los coros intensos y grandilocuentes. A mitad de tema hay un corte abrupto, y el teclado comanda una nueva sesión de desarrollo progresivo, en el que dan rienda suelta de nuevo a la guitarra eléctrica y al mellotron, antes de volver a la estructura sonora del primer tramo de la canción, y cerrar después This Is...Gracious! de la peor manera posible, porque en un disco así era de esperar un final grandioso y épico, y en su lugar optan por un fade out tan inoportuno como a destiempo.

Y no es que nos apetezca especialmente terminar en negativo la reseña de un disco tan bueno, pero la realidad es que no se explica muy bien por qué no se curraron un final a la altura del resto del álbum. Quizá tuviera que ser así, y This Is...Gracious! sea, literalmente y como su nombre indica, una descripción de lo que fue el grupo, y por tanto sea un final abrupto y sin sentido lo que la obra de una banda ya separada mereciera. Y entonces no habría mucho más que decir, porque tras el fade out solo queda el silencio, y el silencio es la mejor de las metáforas con las que definir el final de una banda de rock. Esto es lo que hay. Esto es... Gracious!

1499- Fleetwood Mac - Don't Stop

1502- Fleetwood Mac - Don't Stop

Fleetwood Mac, una banda conocida por su capacidad para fusionar estilos y emociones, nos entregó en 1977 una canción que ha dejado una huella imborrable en la música: "Don't Stop". Este tema, incluido en su álbum Rumours, no solo destaca por su calidad musical, sino también por el contexto emocional en el que fue creado. Escrita principalmente por Christine McVie, la canción es un mensaje de esperanza y un llamado a mirar hacia adelante, incluso cuando el pasado parece querer retenernos.

Desde sus primeros compases, "Don't Stop"* atrapa al oyente con un ritmo vibrante y una melodía que irradia positividad. La voz de Christine McVie, cálida y llena de convicción, se combina con los arreglos de guitarra de Lindsey Buckingham y la base rítmica sólida de Mick Fleetwood y John McVie. La producción, característica del sonido pulido y equilibrado de Rumours, permite que cada elemento musical tenga su espacio, creando una atmósfera que es a la vez energizante y reconfortante.

La letra de la canción es un reflejo de la resiliencia. Frases como "Don't stop thinking about tomorrow, don't stop, it'll soon be here" resuenan como un recordatorio de que, por más difíciles que sean los momentos, siempre hay un futuro por delante. En el caso de Fleetwood Mac, este mensaje adquiere un significado especial. Durante la grabación de Rumours, la banda enfrentaba tensiones internas: rupturas amorosas, desacuerdos creativos y egos en conflicto. Sin embargo, "Don't Stop" emerge como un destello de luz, una invitación a dejar atrás lo negativo y abrazar lo que está por venir.

Años después, la canción trascendió el ámbito musical para convertirse en un símbolo de cambio. En 1992, Bill Clinton la adoptó como parte de su campaña presidencial, asociando su mensaje de renovación con su visión política. Este hecho no solo revitalizó la popularidad de la canción, sino que también demostró su capacidad para inspirar a personas en distintos contextos.

Musicalmente, "Don't Stop" es un ejemplo destacado del soft rock de los 70. Su coro pegajoso, el puente que eleva la energía y las armonías vocales entre McVie y Buckingham son elementos que la hacen memorable. La interpretación de McVie transmite una autenticidad que conecta directamente con el oyente, mientras que la colaboración entre los miembros de la banda refleja, a pesar de las dificultades, un espíritu de unidad.

"Don't Stop" es una canción que trasciende el tiempo, no solo por su calidad musical, sino por su mensaje universal. En un mundo donde las adversidades son inevitables, su llamado a pensar en el mañana sigue siendo tan relevante como lo fue en 1977. Fleetwood Mac logró capturar en esta canción un sentimiento que resuena con cualquiera que haya enfrentado desafíos, recordándonos que siempre hay motivos para seguir adelante.

Daniel 

Instagram storyboy

1498.- The Chain - Fleetwood Mac

 

The Chain, Fleetwood Mac

     El 4 de febrero de 1977 la banda de rock británica Fleetwood Mac publica su undécimo álbum de estudio, Rumors. Fue grabdo entre febrero y agosto de 1976 en los Criteria Studios de Miami, los Record Plant Studios de Los Angeles, En el Zellerbach Auditorium de Berkeley y en Wally Heider's Studio 3 de Hollywood. El disco fue producido por el grupo y por Ken Caillat y Richard Dashut, y publicado bajo el sello discográfico Warner Bros. Records. Las sesiones de grabación se llevaron a cabo mientras los miembros de la banda lidiaban con rupturas amorosas y luchaban contra el consumo excesivo de drogas, los cuales dieron forma a la dirección y las letras del álbum. La idea era hacer "un álbum pop" que ampliara el éxito comercial del álbum Fleetwood Mac de 1975. Rumours contiene una mezcla de instrumentación eléctrica y acústica, así como ritmos acentuados, guitarras y teclados. Sus letras tratan sobre relaciones personales y a menudo problemáticas. Su lanzamiento se pospuso por demoras en el proceso de mezcla del material del disco. El álbum se convirtió en el primer álbum número uno de la banda en la lista de álbumes del Reino Unido y también encabezó el Billboard 200 de Estados Unidos. Recibió certificaciones multiplatino en Australia, Canadá, Dinamarca, Nueva Zelanda, el Reino Unido y los Estados Unidos.

Fruto de estos problemas y tensipones en el seno de la banda nace The Chain, que además es la única canción del disco en la que todos los miembros, colaboraron y aprecen acreditados, Stevie Nicks, Lindsey Buckingham, Christine McVie, John McVie y Mick Fleetwood. La canción tiene una estructura básica de rock, aunque tiene dos partes distintas: la estrofa principal y el estribillo. También podmeos apreciar influencias del hard rock , el folk y el country. Stevie Nicks escribió la letra sobre Lindsey Buckingham cuando su relación se estaba desmoronando. Buckingham y Nicks comparten la voz principal en la canción. Se juntaron fragmentos de distintas tomas de estudio para formar la canción. La línea de bajo que suena aproximadamente a los 3 minutos de la canción fue escrita de forma independiente por John McVie, quien originalmente planeaba usarla en una canción diferente. Originalmente esta canción comenzó como una canción completamente diferente de Christine McVie llamada Butter Cookie (Keep Me There)", que está disponible en la edición ampliada de Rumours . El comienzo de la canción no funcionaba, pero a la banda le encantó el final de Mick Fleetwood y John McVie, que ahora estaba grabado. Entonces, contaron hacia atrás desde la línea de bajo, usaron el bombo como metrónomo, Nicks accedió a dar las letras de los versos, Buckinghan y Christine McVie escribieron la música y la letra del estribillo y Lindsey agregó la guitarra sobre el final. Así nació The Chain como la conocemos.

Ride the Lightning de Metallica (1984): Un hito en la historia del thrash metal (Mes Metallica)

Álbum Ride the Lightning de Metallica (1984): Un hito en la historia del thrash metal #mesMetallica

Este mes, dedicado a explorar los álbumes más icónicos, nos sumergimos en el segundo trabajo de estudio de una de las bandas más influyentes del metal: Metallica. Su álbum Ride the Lightning, lanzado en 1984, no solo consolidó a la banda como pioneros del thrash metal, sino que también marcó un punto de inflexión en el género, combinando agresividad, técnica y profundidad lírica en un disco que sigue siendo relevante casi cuatro décadas después.

Metallica, formada en 1981, ya había demostrado su potencial con su debut Kill 'Em All (1983), pero fue con Ride the Lightning que la banda elevó su propuesta a un nivel completamente nuevo. Este álbum no solo es más maduro en términos musicales, sino que también explora temas más oscuros y complejos, desde la pena de muerte hasta la depresión y la destrucción nuclear. Con una duración de aproximadamente 47 minutos, Ride the Lightning es un viaje emocional y musical que todo amante del metal debería experimentar.

El álbum comienza con una introducción engañosa: una suave melodía acústica que pronto da paso a un estallido de riffs rápidos y agresivos. "Fight Fire with Fire" es una declaración de intenciones, una canción que aborda temas apocalípticos y la destrucción nuclear. La letra refleja el miedo y la paranoia de la Guerra Fría, con un mensaje contundente: la humanidad está al borde de su propia destrucción. La velocidad y precisión de James Hetfield y Kirk Hammett en las guitarras, junto con la batería implacable de Lars Ulrich, establecen el tono para lo que será un álbum lleno de energía y crudeza.

La canción que da título al álbum es una obra maestra del thrash metal. Con un riff icónico y un ritmo implacable, "Ride the Lightning" aborda el tema de la pena de muerte, específicamente la silla eléctrica. La letra, escrita desde la perspectiva de un condenado, es desgarradora y reflexiva, mostrando la capacidad de Metallica para combinar agresividad musical con profundidad temática. El solo de Kirk Hammett es uno de los más memorables del álbum, lleno de emoción y técnica.

Una de las canciones más reconocibles de Metallica, "For Whom the Bell Tolls" es un himno del metal que destaca por su pesado riff de bajo, interpretado por Cliff Burton. Inspirada en la novela homónima de Ernest Hemingway, la canción explora temas de guerra, muerte y sacrificio. El ritmo lento pero poderoso, combinado con la voz grave de Hetfield, crea una atmósfera oscura y épica. El uso del bajo como instrumento principal en esta canción demuestra la influencia de Burton en la banda y su capacidad para innovar dentro del género.

"Fade to Black" es una balada oscura y emotiva que marca un punto de inflexión en la carrera de Metallica. La canción aborda temas de depresión, desesperación y suicidio, con una letra profundamente personal y melancólica. Comienza con una suave introducción acústica que gradualmente se transforma en un poderoso crescendo de guitarras eléctricas. Este tema muestra una faceta más introspectiva de la banda, demostrando que el thrash metal no está limitado a la velocidad y la agresividad, sino que también puede ser profundamente emocional y reflexivo.

Con un ritmo frenético y riffs cortantes, "Trapped Under Ice" es una canción que refleja la angustia y el miedo de estar atrapado en una situación de la que no se puede escapar. La letra describe a alguien que se despierta bajo el hielo, incapaz de moverse o respirar, lo que crea una sensación de claustrofobia y desesperación. La energía de la canción es contagiosa, con un solo de guitarra que destaca por su velocidad y precisión. Es una muestra más de la capacidad de Metallica para crear thrash metal intenso y técnico.

A menudo considerada la canción más "comercial" del álbum, "Escape" tiene un enfoque más melódico y accesible en comparación con el resto de las canciones. Sin embargo, esto no significa que carezca de fuerza. La letra habla de la lucha por liberarse de las expectativas y presiones externas, con un mensaje de resistencia y determinación. Aunque no es tan agresiva como otras canciones del álbum, "Escape" demuestra la versatilidad de Metallica y su capacidad para experimentar con diferentes estilos dentro del metal.

"Creeping Death" es una de las canciones más icónicas de Metallica y un clásico en sus conciertos en vivo. Inspirada en la historia bíblica de las plagas de Egipto, la canción combina un riff poderoso con una letra épica y visual. El coro, con su grito de "¡Die!", es uno de los más memorables de la banda. La energía y la intensidad de "Creeping Death" la convierten en un punto culminante del álbum, y su impacto en el thrash metal es incuestionable.

El álbum cierra con "The Call of Ktulu", una instrumental que muestra el lado más experimental y progresivo de Metallica. Inspirada en la obra de H.P. Lovecraft, la canción crea una atmósfera oscura y misteriosa, con cambios dinámicos y un uso magistral de las guitarras y el bajo. Cliff Burton brilla en esta canción, con un solo de bajo que añade profundidad y complejidad a la composición. "The Call of Ktulu" es una prueba más de que Metallica no solo era una banda de thrash metal, sino también un grupo con una visión artística ambiciosa.

Ride the Lightning es un álbum que define no solo a Metallica, sino también al thrash metal como género. Con una combinación perfecta de agresividad, técnica y profundidad lírica, este trabajo demostró que el metal podía ser tanto intelectual como visceral. Desde la furia de "Fight Fire with Fire" hasta la introspección de "Fade to Black" y la épica instrumentalidad de "The Call of Ktulu", cada canción en este álbum es una pieza esencial en la historia del metal. Ride the Lightning no solo consolidó a Metallica como una de las bandas más importantes de su generación, sino que también sentó las bases para su futuro éxito y evolución. Es, sin duda, un álbum que sigue resonando con fuerza casi cuatro décadas después de su lanzamiento.

Si aún no has escuchado Ride the Lightning, este es el momento perfecto para hacerlo. Y si ya lo conoces, ¿por qué no volver a él y redescubrir su poder? ¡Déjanos tus impresiones en los comentarios y cuéntanos cuál es tu canción favorita de este álbum!

Daniel 

Instagram storyboy 

1497- Spinetta - Cancion para los dias de la vida

1498- Spinetta - Cancion para los dias de la vida

Luis Alberto Spinetta, uno de los pilares fundamentales del rock argentino y latinoamericano, nos regaló a lo largo de su carrera una obra vasta y profunda, llena de poesía, introspección y una conexión única con la vida y el universo. "Canción para los días de la vida", incluida en el álbum "a 18 de sol", es una de esas piezas que encapsula la esencia de su genialidad. Este tema no solo es una canción, sino un viaje emocional y filosófico que invita a reflexionar sobre el paso del tiempo, la existencia y la búsqueda de sentido.

Desde el primer acorde, la canción envuelve al oyente en una atmósfera melancólica pero esperanzadora. La guitarra de Luis Alberto Spinetta, delicada y expresiva, teje un paisaje sonoro que fluye entre la tristeza y la belleza. La letra, como es habitual en su obra, es poesía pura. Spinetta habla de los días que se van, de la fugacidad de la vida, pero también de la posibilidad de encontrar luz en medio de la oscuridad. Versos como "Y hoy busco en mi alma, una canción para los días de la vida" resuenan con una profundidad que trasciende lo musical, convirtiéndose en una meditación sobre la propia existencia.

La estructura de la canción es un reflejo de su mensaje. No sigue un formato convencional, sino que se desarrolla de manera orgánica, como si fuera un río que fluye sin prisa pero con determinación. Los cambios de tempo y los matices en la instrumentación añaden capas de significado, creando una experiencia auditiva que es tanto íntima como universal. Luis Alberto Spinetta no solo canta, sino que parece susurrar al oído del oyente, invitándolo a acompañarlo en este viaje introspectivo.

Uno de los aspectos más destacados de "Canción para los días de la vida" es su capacidad para evocar emociones contradictorias. Por un lado, hay una sensación de pérdida, de nostalgia por lo que ya no está; por otro, hay una celebración de la vida, de la posibilidad de seguir adelante y encontrar belleza en lo cotidiano. Esta dualidad es una constante en la obra de Spinetta, quien siempre supo equilibrar lo oscuro y lo luminoso con una maestría incomparable.

El legado de Luis Alberto Spinetta y de canciones como esta trasciende lo musical. "Canción para los días de la vida" es un recordatorio de que, a pesar de las dificultades y la fugacidad de la existencia, siempre hay espacio para la creación, la esperanza y el amor. Es una canción que no solo se escucha, sino que se siente y se vive. En un mundo cada vez más acelerado y superficial, temas como este nos recuerdan la importancia de detenernos, reflexionar y conectar con lo esencial.

"Canción para los días de la vida" es una obra maestra que resume la esencia de Luis Alberto Spinetta: un artista que supo transformar sus inquietudes y sueños en música que toca el alma. Es un regalo para quienes buscan algo más que entretenimiento, una canción que, como los días de la vida, permanece en la memoria y el corazón.

Daniel 

Instagram storyboy 

1496.- Pigs (Three Different Ones) - Pink Floyd

 

"Pigs (Three Different Ones)" es junto a "Dogs" y "Sheep", uno de los temas centrales del disco conceptual "Animals" (1977), la fábula sonora de Roger Waters inspirada en la obra "Rebelión en la granja" de George Orwell, y el álbum que será siempre recordado por la mítica portada en la que "Algie", el globo con forma de cerdo, sobrevuela las icónicas chimeneas de la Central Eléctrica de Battersea, en Londres.

Cada canción de "Animals" representa a un colectivo de una imaginaria sociedad, en la que los "Pigs" ("cerdos") serían los que gobiernan y están en lo más alto de la escala social. Son seres poderosos y ambiciosos, dispuestos a todo por saciar su codicia, y cuentan con un ejército de "Dogs" ("perros") para imponer sus decisiones y reprimir cualquier protesta por parte de las "Sheeps" ("ovejas") que representarían a la sometida y desfavorecida clase trabajadora.

"Pigs (Three Different Ones)" se divide a su vez en tres partes diferenciadas, con una primera parte dedicada al "pig man" ("hombre cerdo") que representaría a un codicioso y desalmado hombre de negocios, y una segunda parte que critica a la clase política conservadora, y en concreto la figura de Margaret Thatcher, futura "dama de hierro" y la cabeza visible de la oposición en la época en la que se grabó el disco. Y para no dejar títere con cabeza, la tercera parte dispara contra Mary Whitehouse, la responsable de comunicación de su campaña, descrita como una "rata casera y orgullosa".

Musicalmente, "Pigs" es una gran oda oscura y plagada de curiosos detalles, como la manera en la que David Gilmour utiliza el "talk box" y procesa su voz a través de la guitarra para imitar el sonido de los cerdos, sobre una atmósfera de música oscura y angustiosa, o por el hecho de que fuera Gilmour y no Waters el que tocó el bajo, siendo este último el que se encargó de interpretar la estructura de guitarra rítmica en la que se basa la opresiva atmósfera de la canción.

1495- Pink Floyd - Sheep

1497- Pink Floyd - Sheep

Pink Floyd, una de las bandas más influyentes en la historia del rock progresivo, siempre ha sido conocida por su capacidad para combinar letras profundas y críticas sociales con una música innovadora y atmosférica. "Sheep", la tercera pista del icónico álbum Animals (1977), es un ejemplo perfecto de esta fusión. La canción no solo destaca por su complejidad musical, sino también por su mordaz crítica a la sociedad, específicamente a las masas que son manipuladas por aquellos en el poder.

Desde el inicio, "Sheep" sumerge al oyente en un ambiente inquietante y oscuro. La línea de bajo de Roger Waters, repetitiva y pulsante, establece un ritmo hipnótico que evoca una sensación de inevitabilidad, como si el destino de las "ovejas" estuviera sellado. Los teclados de Richard Wright añaden capas de textura, creando un paisaje sonoro que es a la vez futurista y ominoso. La guitarra de David Gilmour, aunque menos protagonista que en otras canciones de Pink Floyd, aparece en momentos clave para enfatizar la tensión y la rebelión latente en la narrativa de la canción.

Líricamente, "Sheep" es una sátira mordaz. Waters utiliza la metáfora de las ovejas para representar a la sociedad conformista, que sigue ciegamente a sus líderes sin cuestionar su autoridad. La letra está llena de ironía y sarcasmo, como cuando las ovejas, en un momento de lucidez, se rebelan contra sus opresores: "Bleating and babbling we fell on his neck with a scream / Wave upon wave of demented avengers march cheerfully out of obscurity into the dream". Este pasaje sugiere que, aunque la rebelión es posible, está condenada al fracaso o a ser absorbida por el mismo sistema que critica.

Uno de los momentos más memorables de la canción es la reinterpretación del Salmo 23 ("El Señor es mi pastor"), que Waters altera para reflejar la manipulación religiosa y política: "The Lord is my shepherd, I shall not want / He makes me down to lie / Through pastures green He leadeth me the silent waters by". Esta distorsión de un texto bíblico tan conocido refuerza la idea de que las instituciones, ya sean religiosas o políticas, son herramientas de control.

En términos de producción, "Sheep" es una obra maestra. La mezcla de sonidos orgánicos y sintéticos, junto con los efectos de sonido que imitan balidos de ovejas, crea una experiencia auditiva inmersiva. La canción también muestra la habilidad de la banda para construir climas emocionales, desde la desesperación hasta la furia contenida.

"Sheep" es una pieza fundamental en el catálogo de Pink Floyd. No solo es una crítica incisiva a la sociedad y sus estructuras de poder, sino también una demostración del genio musical de la banda. Con su combinación de letras provocativas, arreglos complejos y una atmósfera inquietante, "Sheep" sigue siendo relevante hoy en día, invitando a los oyentes a reflexionar sobre su papel en el rebaño.

Daniel 

Instagram storyboy 

Metallica - Kill 'Em All (Mes Metallica)

Comencemos la historia de la gran (y realmente lo creo) banda de metal con el danés Lars Ulrich. De niño soñaba con ser tenista como su padre, pero a los 9 años asistió a un concierto de Deep Purple y, como dicen se le encendió la bombilla y cambio su destino. En 1980, Lars se mudó con su familia a California, durante mucho tiempo estuvo fascinado por la Nueva Ola del Heavy Metal Británico (NWOBHM), y decidió formar una banda, buscaba gente con ideas afines aunque en aquella época, en Estados Unidos, a diferencia de Gran Bretaña, había un silencio sobre el heavy metal y poca gente conocía a las bandas inglesas. A esa llamada acudió James Allan Hetfield, un guitarrista y vocalista que ya había tocado en varias bandas, como la banda de glam rock Leather Charm, la columna vertebral de la futura leyenda estaba lista. Según Hetfield, aunque crecieron en entornos diferentes, surgió entre ellos una conexión casi telepática, y podían entenderse sin palabras. El impulso para hacerse realidad lo dio Brian Slagel, quien decidió lanzar una colección de bandas de metal jóvenes e incluso fundó la compañía Metal Blade Records para este propósito, Lars inmediatamente se sintió ansioso por entrar de alguna manera en los anales de la historia de la música y se le contó a James, ya había una idea de grupo, sólo faltaba componer una canción: Hit the Lights. Este tema está basado en una versión reelaborada de "Leather Charm", con nueva letra, pero necesitaban un guitarrista para el solo. Un hombre negro, Lloyd Grant, llegó en respuesta a otro anuncio, junto con él, los chicos agregaron un par de covers y le entregaron la grabación a Brian, quien dijo que esto era lo mejor que tenía para la futura colección. Ron Quintana, un amigo de Ulrich, sin saberlo ayudó con el nombre del grupo, quería publicar una revista musical, pero no podía decidirse entre dos nombres: "Metallica" y "Metal Mania". El astuto zorro danés lo convenció de que la segunda sonaba mejor, así, se eligió un nombre que indicaba inmediatamente qué tipo de música iban a tocar, y a Hetfield se le ocurrió el ahora famoso logotipo con las primeras y últimas letras puntiagudas. Era diciembre de 1981. La formación la completó el bajista Ron McGovney, con quien James fue a la escuela y tocó en Leather Charm, pero Grant decidió marcharse, tras colocar el anuncio habitual en el periódico, un par de meses más tarde se encontró un sustituto en la persona de Dave Mustaine, a quien no solo le encantaba el heavy rock, sino también Yes y Pink Floyd. Con esta formación, los chicos regrabaron “Hit the Lights” para el recopilatorio “Metal Massacre”, que finalmente se lanzó en junio de 1982. Gracias a él, el grupo se hizo conocido en Estados Unidos, poco a poco, a las versiones que los chicos tocaban en los clubes se fueron añadiendo sus propias canciones. Sin embargo, los oyentes que no estaban muy familiarizados con el metal europeo también percibieron las versiones como composiciones de Metallica. Lo único que estropeó todo fue que el glam rock estaba ganando popularidad en Estados Unidos y los conciertos de metal eran menos rentables.

En julio, la banda lanzó un demo no oficial, "No Life 'Til Leather", que presenta solo sus propias composiciones. La grabación causó sensación en Estados Unidos y llegó incluso a los Países Bajos, aunque estaba lejos de ser ideal, especialmente para una persona moderna mimada por la tecnología digital. El título, tomado de la primera línea de "Hit the Lights", la banda continuó actuando con éxito en Los Ángeles y en el más hospitalario San Francisco, donde incluso una vez llegaron a ser cabezas de cartel. Mientras tanto buscaban un nuevo bajista. Ron cada vez les resultaba más insatisfactorio, no le gustaba el ruido ni la bebida, aunque, a decir verdad, él era quien pagaba todo, pero como respuesta no hubo agradecimiento, solo regaños y bromas estúpidas. Siguiendo el consejo de Slagel, James y Lars fueron al Whisky A Go Go para ver a la banda Trauma. Clifford Lee Burton, su bajista, le parecio ideal, y al día siguiente los chicos lo invitaron y le pidieron que se uniera a ellos. Sabía tocar el piano, le gustaba música completamente distinta (clásica, blues, psicodelia, hard, punk) y las composiciones de Metallica se volvieron más complejas. Mientras tanto gracias al influyente mecenas John Zazula, ya estaban actuando en Nueva York. Aquí es donde empezaron los problemas con Mustaine. James y Dave, quienes competían por la posición de liderazgo, no podían permanecer en el mismo grupo, discutieron varias veces y luego Mustaine empezó a beber cada vez más (incluso cuando conducía) y a causar problemas. James asumió la difícil misión de decirle a Dave que lo iban a despedir. El sustituto de Dave, Kirk Lee Hammett, guitarrista de Exodus, una banda de thrash que alguna vez toco con Metallica, provenía de una familia disfuncional como James, pero también amaba una amplia variedad de música y tenía una personalidad muy tranquila.

En mayo de 1983, los chicos, se instalaron en un estudio en Rochester, Nueva York, para grabar su álbum debut. El título provisional "Metallus Maximus" fue cambiado al más atrevido "Metal Up Your Ass" y se planeó que la portada mostrara una mano con un cuchillo de carnicero saliendo de un inodoro, los chicos se quejaron de que no les permitieron participar en la mezcla, por lo que el álbum no suena como les gustaría. Cambiaron el titulo por la frase sanguinaria "Kill 'em all" reflejaba la actitud de los chicos y el nuevo título encajaba perfectamente con el álbum, cuyos temas principales eran la muerte y la destrucción. Rechazo juvenil al mundo y agresividad ¿qué se puede pedir mas? Si no te entienden, ¿qué más puedes hacer sino golpear a todo el mundo en la cabeza? Por cierto, la portada con el martillo ensangrentado me recuerda a los carteles soviéticos de los años 20. Todas las composiciones del álbum ya eran conocidas por los oyentes de los conciertos, riffs potentes y duros, velocidad, agresividad, pero también melodía, de la que, por cierto, carecían muchos metaleros: estas son las características de este álbum. Era thrash mezclado con velocidad, con un sabor NWOBHM, pero lejos de ser simple y directo. Posteriormente, muchos grupos estadounidenses y alemanes se centraron en este trabajo.

 

Hit the Lights es la primera canción de Metallica, con la que dieron inicio sus primeros conciertos, no es de extrañar que la hayan puesto como la primera canción del album, un fuerte ruido de todos los instrumentos llega a los oídos, luego entra un riff de guitarra, la batería golpea de vez en cuando, y con un grito de “¡Woah!” comienza el metal de alta velocidad, la voz ronca y poco preparada de James puede resultar pesada, siguiendo un ritmo increíblemente rápido suelta palabras, tragándose sonidos, sílabas y palabras enteras. El tema de la canción es simple: “Tocamos metal y lo disfrutamos”, y hay varias composiciones de este tipo en el álbum. Puedes añadir: “¡Y si a alguien no le gusta, entonces mátenlos a todos!” Sin embargo, a los que acudieron al concierto les gustó: los fans se volvieron locos y gritaron, y nuestros jóvenes metaleros hicieron sonar la música aún más fuerte. Todo termina con un instrumental de un minuto y medio: primero los chicos calientan y luego van a todo trote, terminando en un caos general. En The Four Horsemen los chicos demuestran que la velocidad y el volumen no son lo más importante para ellos, la bateria suena con fuerza, dando paso periódicamente a una guitarra, que suena primero en un altavoz, y luego en ambos, sigue una potente sección rítmica y pronto aparecen las voces. La base de la composición fue la composición de Mustaine "The Mechanix", en lugar de una historia sobre un mecánico de automóviles que tenía sexo en el trabajo, James escribió un nuevo texto sobre el capítulo 6 del libro bíblico de Apocalipsis. Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis se acercan y es hora de luchar por tu vida, sus nombres (según la canción) son Tiempo, Hambre, Peste y Muerte, aunque tradicionalmente el primer jinete se llama Guerra. Sea como fuere, la propia Biblia sólo menciona la Muerte. En la sección solista, el ritmo se ralentiza y las guitarras ofrecen pasajes desgarradores llenos de simpatía por la humanidad. En el último verso, Hetfield dice que el fin del mundo sólo vendrá para los pecadores que serán castigados. Por supuesto, la letra puede verse como una metáfora: los cuatro miembros de Metallica planean conquistar el mundo. En Motorbreath la batería suena fuerte y luego la guitarra comienza a tocar riffs potentes, se suma toda la sección rítmica, seguida por las voces. En la letra, la vida se compara con un coche veloz, en el que el héroe avanza a toda velocidad, sin intención de detenerse ni de dar marcha atrás, sólo hay una vida y hay que aprovecharla al máximo, sin escuchar lo que dicen los demás. Por cierto, esta es la única canción con un solo autor (Hetfield) y su tema más corto (unos 3 minutos). Jump in the Fire es el tema más comercial del álbum, la sección rítmica suena brillantemente con excelentes riffs densos. Una vez más, las estúpidas letras de Mustaine tuvieron que ser reescritas para tener un tema sexual, y James cantó desde la perspectiva del diablo, que ve a la gente matándose entre sí y se siente satisfecho al verlo, porque está seguro de que todos terminarán en infierno - por su propia voluntad o la de él. El solo vuelve a ser magnifico y nuevamente los chicos hacen un instrumental al final, esta vez terminando en un diminuendo, como si estuvieran yendo a la clandestinidad. Fue lanzado como sencillo, en su portada mostraba a un demonio risueño rodeado por el fuego del infierno. (Anesthesia) Pulling Teeth es un instrumental original de Burton, el nombre está escrito, de hecho, entre corchetes y guiones, probablemente también para facilitar su memorización. Después de las palabras "Bass solo, take one" (Solo de bajo, toma uno), Cliff comienza a tocar, y no es una exhibición sin sentido, sino una interpretación genuinamente melódica del bajo, que suena como una guitarra principal. Resulta muy interesante y puedes imaginarte tan vívidamente que estas en la silla de un dentista que parece como si estuvieran a punto de comenzar a sacarte los dientes. Lars se une a Burton a mitad de camino, y todo termina con un aullido de bajo.

Whiplash, la batería suena fuerte, pero bajo el aullido repetido de la guitarra golpean más suavemente. Entra el riff y luego viene el ritmo rápido, la letra habla sobre el grupo y sus fans. Nos describen un concierto: se escucha una música potente y alta, los fans mueven la cabeza como si tuvieran un ataque. El nombre hace referencia al trauma que suponen esos movimientos repentinos, algo que puede suceder muy bien, sobre todo cuando se escucha un solo rápido. En el último verso, James dice que después del concierto irán a otra ciudad y "nunca dejarán" de tocar su música porque son Metallica. En Phantom Lord empiezan a sonar los teclados y luego entra lentamente la sección rítmica, un sonido potente golpea al oyente. El protagonista de la letra es el Señor de los Fantasmas, quien, al son del heavy metal, va a conquistar el mundo con la ayuda de sus ejércitos vestidos con chaquetas de cuero. De nuevo, una metáfora bastante transparente. Al final de la canción, Hetfield grita una última vez: "Caed de rodillas e inclinaos ante el Señor de los Fantasmas". Por cierto, Phantom Lord era el nombre de una de las antiguas bandas de James, por lo que es posible que haya decidido inmortalizarla de esta manera. No Remorse comienza fuerte, riffs potentes, solo y luego volvemos a los riffs. Después de un poco de misticismo, volvemos a la realidad. La canción está basada en "Let's Go Rock'n'Roll" de Leather Charm. En la nueva letra, Hetfield canta desde la perspectiva de uno de los soldados que disfruta luchar y no siente remordimientos por ello. El coro es especialmente memorable. El grito "¡Ataque!" En el medio suena simplemente aterrador, mientras los instrumentos aceleran el ritmo. Esta canción esencialmente antibélica termina con un caos instrumental, que muestra muy vívidamente lo que está sucediendo en el campo de batalla, y un breve pasaje de guitarras y batería, como si se estuvieran clavando clavos en los ataúdes de los muertos. Seek and Destroy es brillante, los riffs de guitarra suenan maravillosamente y toda la sección rítmica se va sumando poco a poco. Es memorable cómo el riff primero se escucha solo en un canal estéreo, y luego en el segundo. James tuvo la idea de la composición de la canción de Diamond Head "Dead Reckoning", también influyó mucho su trabajo en una fábrica de papel, donde una vez casi le cortan la mano con un cuchillo, por lo que decidió abandonarlo rápidamente. El texto de esta pieza recuerda a la anterior: nuevamente algunas personas tienen sed de asesinato, pero esta vez no en el campo de batalla, sino en la ciudad de noche, donde buscan a un enemigo. Una vez más, memorable el estribillo: “¡Buscamos para encontrar y destruir!” La sección instrumental central aumenta el ritmo y luego presenta un genial solo de guitarra. El final es Metal Militia, la guitarra aúlla, luego suenan riffs y se suman otros instrumentos. Potente y rápido. Después de algunos cambios de ritmo, Hetfield comienza a cantar. Esta es quizás una de sus peores interpretaciones vocales, con un timbre tan insoportable que apenas lo reconoces. En términos de texto, terminamos con lo mismo con lo que empezamos: cantando las alabanzas de nuestro grupo. James llama a todos los fanáticos a unirse en una especie de "milicia de metal" y lanzarse a conquistar el mundo. El solo inicialmente muestra el speed thrash tal como es, pero hay un par de cambios de tempo aquí también. Es natural que la composición termine con un diminuendo, con el repiqueteo medido de las botas de los soldados y los sonidos de la batalla, con el silbido de las balas y las explosiones. Por cierto, el primer club de fans oficial del grupo recibió posteriormente el nombre de “Metal Militia”.

El álbum debut, aunque se convirtió en un fenómeno en el mundo de la música pesada, se hizo apresuradamente, el sonido resultó ser crudo y sucio, el bajo fue empujado a alguna parte, la rabia del joven Hetfield y sus camaradas se desborda. Desde todas partes, sus letras no brillan por su originalidad, y debido a la terrible ronquera vocal, que puede asustar a algunas personas, generalmente son difíciles de entender. Pero no os preocupéis: el segundo álbum cambiará muchas cosas. Sin embargo, incluso aquí ya se pueden ver destellos de la gloria futura: el tecnicismo, la falta de voluntad para seguir el camino estándar, la capacidad de componer composiciones de varias partes. En general, fue un comienzo decente para los jóvenes de 20 años, que aún tenían mucho por delante, aunque hubo algunos debuts más fuertes en el proceso.

1494.- Dogs - Pink Floyd

Dogs, Pink Floyd

 

     En 1977 el grupo británico Pink Floyd publica su décimo álbum de estudio, Animals. El disco fue grabado entre abril y diciembre de 1976 en los estudios Britannia Row de Londres, bajo la producción del grupo, y publicado el 21 de enero de 1977 por los sellos discográficos Harvest Records y Columbia Records. El álbum continuó las composiciones de larga duración que compusieron trabajos anteriores como Meddle (1971) y Wish You Were Here (1975). Animals es un álbum conceptual que se centra en las condiciones sociopolíticas de la Gran Bretaña de mediados de la década de 1970. La tensión dentro de la banda durante la producción culminó con el despido del tecladista, Richard Wright, dos años después del lanzamiento del álbum. La portada, concebida por el bajista y compositor principal, Roger Waters, y diseñada por su colaborador de toda la vida Storm Thorgerson, muestra un cerdo inflable flotando entre dos chimeneas de la central eléctrica de Battersea.

Incluido en este álbum se encuentra Dogs. La música fue escrita en 1974 por David Gilmour y Roger Waters, con letra de Waters, fue originalmente titulada You've Got to Be Crazy y era parte del setlist de Wish You Were Here. Waters modificó la letra en algunas partes, transpuso la tonalidad para que se adaptara tanto a la voz de Gilmour como a la suya, y la retituló Dogs. La versión en Animals dura 17 minutos y es la única canción del álbum en la que Gilmour canta una parte principal o recibe un crédito de co-escritura. También fue la última contribución vocal de Wright antes de dejar la banda en 1979.

Encajando en el concepto orwelliano del álbum de comparar el comportamiento humano con varios animales, Dogs se concentra en el mundo agresivo y despiadadamente competitivo de los negocios, describiendo a un hombre de negocios de alto poder. Los dos primeros versos detallan su naturaleza depredadora, exteriormente encantadora y respetable con su "corbata de club y un firme apretón de manos, una cierta mirada a los ojos y una sonrisa fácil", mientras que detrás de esta fachada se encuentra esperando "para elegir la carne fácil... para golpear cuando sea el momento adecuado", y para apuñalar por la espalda a los que confían en él. Los versos siguientes retratan el vacío de su existencia que lo alcanza a medida que envejece, se retira al sur rico pero no amado: "solo otro viejo triste, solo y muriendo de cáncer", y se ahoga bajo el peso de una piedra metafórica. Por último, el verso final explora una serie de aspectos de la vida empresarial y cómo se compara con los perros, por ejemplo, arriesgarse y ser "entrenados para no escupir en el abanico", perder su individualidad  ("domado por personal capacitado"), obedecer a sus superiores  ("equipado con collar y cadena"), ser recompensado por buen comportamiento ("dar una palmadita en la espalda"), trabajar más duro que los demás trabajadores ("separarse de la manada")  y conocer a todos pero pasar menos tiempo con la familia ("sólo un extraño en casa"). Resumiendo, los Perros (Dogs) son hombre de engocios que utilizan su poder para hacerse más ricos y poderosos a costa de los demás, y al final acaban envejeciendo y engordando antes de morir de cáncer. 

1493.- Always Crashing in the Same Car - David Bowie

 

"Always Crashing in the Same Car" ("Siempre chocando contra el mismo coche"), del disco Low (1977) de la mítica trilogía berlinesa de David Bowie, es un claro ejemplo del surrealismo y la metáfora llevados de manera brillante a la letra de una canción. En un tono de voz que transmite el hastío y la frustración del atribulado protagonista, Bowie relata en primera persona la historia de un hombre atrapado en un surrealista círculo vicioso, conduciendo un coche a alta velocidad alrededor del garaje de un hotel, y por más que lo intente, termina "siempre chocando contra el mismo coche".

La metáfora tiene una carga "visual" potente, y es casi imposible no imaginarse el garaje, con Bowie girando en círculos en el interior del coche, haciéndonos ver lo frustrante de esa sensación que todos hemos experimentado alguna vez, cuando por más que te esfuerzas, acabas cayendo una y otra vez en los mismos errores. Es particularmente curiosa e inquietante la mención a una chica llamada "Jasmine", que observa atentamente la escena, como si a la frustración de tropezar continuamente en la misma piedra, se le uniera el hecho de estar todo el tiempo bajo la atenta mirada del ojo público, una sensación que Bowie había vivido muchas veces y que fue una de las razones de su retiro berlinés.

Hay quién dice que Bowie se basó en un episodio real, ocurrido en lo más alto de su adicción a la cocaína, cuando conduciendo su coche, vio a un traficante de drogas que le había estafado, y como venganza, embistió en repetidas ocasiones al coche del camello. En esta teoría, Jasmine sería en realidad su amigo Iggy Pop, que al parecer viajaba en el asiento del acompañante, y la canción podría estar relacionada de alguna manera con "The Passenger", el pasajero que observa a través del cristal de la ventana del coche en el disco de Iggy de ese mismo período berlinés.

Musicalmente, "Always Crashing in the Same Car" es una de las piezas más trabajadas de Low. El productor Brian Eno tenía un órgano Farfisa como el que Pink Floyd había usado en "Matilda Mother", y lo utilizó para la canción, entrelazado con varios sintetizadores y con el añadido de un solo de guitarra eléctrica distorsionada, creando una pieza intensa y futurista en la que destaca el contraste y a la vez el encaje con la voz decaída y pausada del Delgado Duque Blanco, lamentando que hiciera lo que hiciera, todo acababa en un mismo e inevitable final. Quizá por eso Bowie nunca dejó de inventarse, y dando vueltas y más vueltas alrededor de un garaje imaginario, tratando de huir de un ineludible destino, acabó regalándonos tantas y tan buenas canciones.