La música en el cine: Jailhouse Rock, Elvis Presley

Jailhouse Rock

     Quien no ha movido los pies al ritmo del Rock de la cárcel, y quien no ha visto ya no toda la película pero sí la escena donde Elvis Presley interpreta este tema realizando un más que marchoso baile.

     En 1957 se estrenaba la película Jailhouse Rock (El Rock de la Cárcel), película dirigida por Richard Thorpe tenía como protagonista a Elvis Presley interpretando la figura de Vince Everett, un hombre que es condenado a un año de prisión por haber matado accidentalmente a un hombre en una pelea en un bar. Una vez en prisión será su compañero de celda quien haga que vince se interese por el R & R. Una vez fuera de prisión se convierte en una estrella, se le sube a la cabeza, sus amigos rehuyen de él, etc., lo que viene a ser un guión de este tipo de películas.

     Elvis estuvo acompañado por la actriz Judy Tyler, que encarna la figura de una promotora musical que le ayuda, Mickey Shaughnessy en la figura de su compañero de celda, Vaughn Taylor como el abogado que lleva los asuntos de Elvis, Jennifer Holden como la coestrella de los estudios que tienen fichado a Elvis, y Dean Jones, como la persona que difunde la grabación que hace famoso a Elvis. Esta fue la primera película filmada por Elvis para los estudios MGM, y rodada antes de que éste realizara el servicio militar.

     Para la retina queda ya la famosa escena donde suena en la prisión el tema Jailhouse Rock, un tema que Elvis canta además de realizar un elaborado número de baile. Para la realización del baile los coreógrafos se inspiraron en movimientos de baile de Fred Astaire y Gene Kelly. En cuanto al tema de la escena, Jailhouse rock fue una canción compuesta por Jerry Leiber y Mike Stoller. El tema fue lanzado primero como sencillo por la discográfica RCA en septiembre de 1957, y le seguiría el estreno de la película en noviembre de 1957.

     El tema se convirtió rápidamente en un éxito, siendo incluida por la revista Rolling Stone en el puesto número 67 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. También fue incluida entre las 500 canciones que conformaron el Salón de la fama del Rock and Roll. En el año 2004 se realizó una encuesta para decidir las 100 mejores canciones del cine estadounidense y Jailhouse Rock alcanzó el puesto número 21, y en 2016 fue incluida en el Salón de la Fama de los Grammy.

The warden threw a party in the county jail

The prison band was there and they began to wail

The band was jumpin' and the joint began to swing

You should've heard them knocked-out jailbirds sing

Let's rock everybody, let's rock

Everybody in the whole cell block

Was dancin' to the Jailhouse Rock

Spider Murphy played the tenor saxophone

Little Joe was blowin' on the slide trombone

The drummer boy from Illinois went crash, boom, bang

The whole rhythm section was the Purple Gang

Let's rock everybody, let's rock

Everybody in the whole cell block

Was dancin' to the Jailhouse Rock

Number forty-seven said to number three

"You're the cutest jailbird I ever did see

I sure would be delighted with your company

Come on and do the Jailhouse Rock with me"

Let's rock everybody, let's rock

Everybody in the whole cell block

Was dancin' to the Jailhouse Rock

Sad sack was sittin' on a block of stone

Way over in the corner weepin' all alone

The warden said, "hey, buddy, don't you be no square

If you can't find a partner, use a wooden chair"

Let's rock everybody, let's rock

Everybody in the whole cell block

Was dancin' to the Jailhouse Rock

Shifty Henry said to Bugs, "For Heaven's sake

No one's lookin' now's our chance to make a break"

Bugsy turned to Shifty and he said, "Nix, Nix

I want to stick around a while and get my kicks"

Let's rock everybody, let's rock

Everybody in the whole cell block

Was dancin' to the Jailhouse Rock

Dancin' to the Jailhouse Rock

Dancin' to the Jailhouse Rock

Dancin' to the Jailhouse Rock

Dancin' to the Jailhouse Rock

Dancin' to the Jailhouse Rock

Iron Maiden - Live after death (Mes Iron Maiden)

"Que no está muerto lo que yace eternamente, y con el paso de los eones aún la muerte puede morir..."

Ciudad sin nombre, H.P. Lovecraft

  

Esa es la inquietante frase que puede leerse en la lápida de la tumba de la que Eddie, la mascota del grupo, sale en la portada de Live After Death, en una especie de renacimiento de entre los muertos. Esta enérgica y visual vuelta a la vida, obra de Derek Riggs, su creador y diseñador habitual hasta 1992, nos transmite que el poderío musical de la banda está de vuelta, en forma de trepidante disco en directo, grabado en el Long Beach Arena de Los Ángeles. Esta "falsa resurrección" era en realidad una confirmación de un estado de gracia, ya que la banda atravesaba uno de sus mejores momentos, con el reciente disco Powerslave (1984) que promocionaban en la gira “World Slavery tour” de la que saldría este "directo después de la muerte", en el que despacharon con increíble calidad y fuerza algunos de los mejores temas de su carrera hasta el momento. Estamos ante uno de los mejores discos en directo de la historia, y probablemente uno de los pocos que, además, mejoran los originales en algunos de los temas. Si esto es lo que nos traen los Maiden después de la muerte, pido de antemano disculpas por la referencia a una irreverente y olvidable película, pero yo solo puedo decirles que, definitivamente, "La muerte os sienta tan bien".

LIVE AFTER DEATH (1985)

El álbum comienza con Aces High, que arranca tras el discurso de Winston Churchill al pueblo británico en 1940 desde la Cámara de los Comunes, ante el inminente bombardeo de Londres por parte de la aviación nazi en la Segunda Guerra Mundial:

"… Iremos hasta el final, pelearemos en Francia, pelearemos en los mares y océanos, pelearemos con creciente confianza y creciente fuerza en el aire, defenderemos nuestra isla, cueste lo que cueste, pelearemos en las playas, pelearemos en las pistas de aterrizaje, pelearemos en el campo y las calles, pelearemos en las colinas, nunca nos rendiremos…"
 

A la altura del "nunca nos rendiremos", o incluso desde las primeras palabras de la famosa arenga, un cosquilleo nos recorre el cuerpo, ante lo que sabemos es la eminente llegada de la batería y la guitarra de apertura de uno de los temas míticos de la banda. En una de las mejores aperturas de concierto de la historia de la música, tras este enérgico y patriótico tema, llega la no menos mítica 2 minutes to midnight y, sin posibilidad de respiro, atacan después la irrepetible The Trooper. Como si fueran conscientes de que semejante shock podía desbordar las consultas de los cardiólogos de Los Ángeles, bajan algo el ritmo, que no la calidad, con el tema Revelations,  y tras una buena revisión del tema Flight of Icarus, el disco vuelve a la senda del excelso nivel, y de la épica de alto voltaje, con Rime of the Ancient Mariner, una maravilla irreprochable a lo largo y ancho de sus 13 minutos.

A partir de ahí, y como ya nos había avisado Winston Churchill, "no nos rendiremos nunca". El pistón ya no bajará, y los rotundos temas irán cayendo uno a uno como fichas de domino. Empezando con Powerslave, de cuyo impacto no llegas a salir porque al instante suenan los memorables acordes del inicio de The Number of the Beast, y cuando piensas que no es posible superar lo insuperable, compruebas que aún se puede volar más alto, porque suenan las fúnebres campanas de esa joya absoluta que es Hallowed be thy Name. Simplemente no hay palabras para definir una de las mejores canciones de la historia del rock.

El increíble derroche de calidad y decibelios no podía quedar en el anonimato, por lo que, a continuación, sacan pecho con la homónima Iron Maiden, antes de huir desesperadamente hacia las colinas en Run to the Hills, para llegar al lugar en el que, por fin, poder correr en libertad al ritmo de Running Free, el gran final de este impresionante cuento épico, presentado bajo la forma de tremendo disco en directo, y del no menos impactante documental de promoción.


Pero nosotros queremos más, y como en la edición de 1998 se incluyeron cinco temas adicionales, grabados en la misma gira en un concierto anterior en el Hammersmith Odeon de Londres, hemos decidido que iremos hasta el final, como el chico airado de Wrathchild, para seguir peleando en las calles, incluyendo una breve parada en el 22 de Acacia Avenue. Pelearemos en los mares y océanos, defendiendo a los hijos de los condenados (Children of the Damned), defenderemos nuestra isla, cueste lo que cueste, hasta morir con las botas puestas (Die with your boots on), y nunca nos rendiremos… aunque todo se acabe, incluyendo este enorme disco, que se apagará inevitablemente con los últimos compases de Phantom of the Opera, otro de los grandes temas de la banda, que nos lleva en volandas hasta el final, con creciente confianza y fuerza en el aire, a bordo del bombardero en el que nos devolvieron a la vida después de la muerte.

Canciones que nos emocionan: Californication, Red Hot Chili Peppers

Californication, RHCP

     Principios de 1998, Red Hot Chili Peppers se encuentran sin guitarrista tras la salida de la misma de Dave Navarro al ser despedido por la banda. En ese momento Flea se empieza a cuestionar el futuro del grupo y si merece la pena seguir en la brecha, y aunque piensa en la separación decide hacer un último intento por mantener vivo el proyecto. Para ello decide volver a llamar a John Frusciante quien ya había completado un programa de rehabilitación por su adicción a la heroína y se encontraba limpio. John, emocionado acepta la llamada de inmediato pues su adicción le ha dejado literalmente en la ruina. Así se gestaba la vuelta de John Frusciante a la banda en abril de 1998.

     una vez juntos otra vez Anthony Kiedis (voz), John Frusciante (guitarra y coros), Flea (bajo y coros) y Chad Smith (batería), comienzan a trabajar en lo que será su próximo álbum, Californication, que supondrá el séptimo trabajo en estudio de la banda. El disco es concebido en las casas de los miembros del grupo, donde Kiedis y Frusciante como antaño, cogen la batuta compositora del disco.

     Con el material ya preparado, en diciembre de 1998 se meten en los Estudios Cello de Los Ángeles, California, donde graban el material de su nuevo disco, acabando el proceso de grabación en marzo de 1999. El resultado es Californication, publicado en junio de 1999, disco que contiene 15 temas donde en la temática del grupo además de las habituales insinuaciones sexuales también tienen cabida la muerte, la lujuria, el suicido ó las drogas.

     Incluido en el álbum nos encontramos con el tema que da título al mismo, Californication, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan. Acreditada la composición a los cuatro componentes de la banda, es un tema donde se habla de la parte oscura de Hollywood, del deterioro de la sociedad y como las drogas hacen mella en ésta, donde la pornografía y la cirugía plástica están a la orden del día. También tienen menciones hacia Kurt Cobain, hacia iconos de la cultura pop como el álbum Station To station de David Bowie ó la revista Celebrity Skin, y también hacen referencia al planeta Alderaan, el ficticio planeta del que es originaria la princesa Leia de Stars Wars, planeta que fue destruido por El Imperio, al igual que el nuestro que está siendo abocado a la destrucción. En definitiva es un tema donde el grupo quiso dejar patente el deterioro de la sociedad, el cual se está volviendo superficial al igual que California que no iba a ser menos, lugar que ellos conocen muy bien.

Psychic spies from China try to steal your mind's elation

And little girls from Sweden dream of silver screen quotation

And if you want these kind of dreams it's Californication

It's the edge of the world and all of western civilization

The sun may rise in the East at least it's settled in a final location

It's understood that Hollywood sells Californication

Pay your surgeon very well to break the spell of aging

Celebrity skin is this your chin or is that war you're waging?

Firstborn unicorn

Hardcore soft porn

Dream of Californication

Dream of Californication

Dream of Californication

Dream of Californication

Marry me girl, be my fairy to the world, be my very own constellation

A teenage bride with a baby inside getting high on information

And buy me a star on the boulevard, it's Californication

Space may be the final frontier but it's made in a Hollywood basement

And Cobain can you hear the spheres singing songs off Station To Station?

And Alderaan's not far away, it's Californication

Born and raised by those who praise, control of population

Everybody's been there and I don't mean on vacation

Firstborn unicorn

Hardcore soft porn

Dream of Californication

Dream of Californication

Dream of Californication

Dream of Californication

Destruction leads to a very rough road but it also breeds creation

And earthquakes are to a girl's guitar, they're just another good vibration

And tidal waves couldn't save the world from Californication

Pay your surgeon very well to break the spell of aging

Sicker than the rest, there is no test but this is what you're craving?

Firstborn unicorn

Hardcore soft porn

Dream of Californication

Dream of Californication

Dream of Californication

Dream of Californication

Iron Maiden - Powerslave (Mes Iron Maiden)

Descubrí a Iron Maiden casi como todo el mundo, a través de la recomendación de un amigo ("¿Que no has escuchado a los Maiden?") y, sobre todo, gracias a la tienda de fotocopias que tenían mis padres cuando yo era pequeño. Ya comenté en un artículo de este blog sobre el Nevermind the bollocks de los Sex Pistols llamado "La Zona Punk" que, cuando los adolescentes acudían a la tienda para fotocopiar las portadas de las cassettes de música, yo  hacía dos copias de aquellas que más me impresionaban, para quedarme con una y entretenerme con las ilustraciones, imaginando como sonarían aquellas canciones sin todavía conocerlas. Prácticamente el 100% de las caratulas de cassette que pasaban por allí eran de heavy metal, y Iron Maiden eran mis favoritos por sacar en todas las portadas al famoso monstruo Eddie, en situaciones diferentes en cada disco. Uno de aquellos impactantes discos era Powerslave, en el que para la ocasión Eddie aparecía transformado en una monumental estatua esculpida en la entrada de una enorme pirámide, escoltado por dos grandes chacales a los lados y dos esfinges que reposan majestuosas a sus pies. Como curiosidad, la portada del disco incluye además muchos detalles escondidos, como el logotipo de su creador (Derek Riggs), referencias a Indiana Jones y hasta una ilustración de Mickey Mouse.​

Dicen que no hay que juzgar a un libro por su portada, y eso aplica también a los discos, pero he de reconocer que es una práctica habitual cuando me lanzo a la búsqueda de discos y artistas que no conozco. Incluso diría que, en los raros casos en los que portada y contenido coinciden en calidad, la satisfacción es doble. Powerslave es uno de esos casos. Un disco a la altura de The number of the beast por el nivel de calidad del contenido, pero muy por encima en cuanto a portada, que además refleja a la perfección la propuesta lírica de las canciones, que contienen la carga épica habitual y se inspiran en algunos momentos en la simbología del Antiguo Egipto y en la figura del faraón y el culto/miedo a la muerte. No en vano, la idea del disco surgió tras una visita del grupo a las Pirámides y al templo de Abu Simbel, en un cuya famosa entrada esculpida en la montaña se basa la portada de Powerslave.

POWERSLAVE

El famoso discurso de Churchill en el que arengaba a sus conciudadanos a luchar en las calles y en todos los sitios posibles contra la amenaza nazi en la Segunda Guerra Mundial ha quedado como intro perfecta de Aces High, uno de los clásicos de la banda y un homenaje a los cazas británicos que defendieron Londres de los bombardeos de los cazas del III Reich. Del patriotismo al antibelicismo, nos llevan al filo de la medianoche en 2 minutes to midnight, otro de los temas bandera del grupo. Entre las dos hacen del arranque del disco uno de los momentos más potentes del conjunto.

Es cuestionable la decisión de colocar Losfer words en tercera posición, quizá es demasiado pronto para un tema instrumental, que aunque no desmerece en calidad ni en fuerza, parte de alguna manera el disco y separa el brillante comienzo del núcleo central de la obra. Tras este paréntesis, con Flash Of The Blade regresan al terreno de las historias épicas que tan bien le sientan al grupo y, en concreto, a este disco. La épica y el enfoque histórico-medieval llega incluso a cotas mayores en The Duellists, en la que, apoyada en una brillante y vigorosa instrumentación, se relata uno de esos duelos con espadas en el que uno de los participantes recuperaba el honor, mientras que el otro encontraba la muerte como premio de consolación por la derrota.

Back In The Village arranca con un riff marca de la casa, y en líneas generales mantiene el tipo, pero palidece ante las brillantes joyas del disco, y el problema es que tiene una justo a continuación para que las comparaciones sean odiosas. El tema que da título al disco, Powerslave, con sus guiños de sonido arabesco y su temática faraónica, es una pieza memorable de principio a fin. Habría sido el final perfecto para el disco, si no fuera porque el final perfecto para el disco estaba por venir.

En Rime Of The Ancient Mariner, sin duda una de las tres canciones que compondrían el podio de obras maestras de los Maiden (junto a Hallowed be the name y The Trooper, en mi humilde opinión), despliegan a lo largo de sus 13 minutos de duración una cantidad de cambios de ritmo y de texturas melódicas ante los que sólo podemos hincar la rodilla en el suelo y rendir pleitesía. El nivel lírico es, de nuevo, apabullante, con una letra basada en el poema de Samuel Taylor Coleridge sobre la maldición que sufren unos marineros de camino a la Antártida, cuando uno de ellos mata accidentalmente a un albatross. Ese signo de mal fario les acompañará durante el viaje y les condenará a la muerte en vida. Y con este épico e impactante cuento tétrico se despiden de nosotros.

En aquellos tiempos, el silencio que dejaba el cassette al final del disco era la antesala de una larga espera hasta la publicación del siguiente disco. Hoy en día, como buenos esclavos del poder, podemos encontrar alivio instantáneo en la escucha on line de cualquier disco de su discografía. Puede que algunos suenen hoy diferentes, descoloridos en parte por el paso del tiempo, pero otros como Iron Maiden, Killers, The Number of the Beast y este Powerslave, parecen haber firmado el mismo pacto de inmortalidad con el diablo que en su día firmó Eddie, y que le permitió ser la icónica imagen de muerte y destrucción de todos esos álbumes. Yo hacía dos copias para preservarlo, porque sabía que, cuando todo fallara, cuando las tropas enemigas bombardearan, saquearan y destrozaran todo cuanto encontraran a su paso, un monstruo cadavérico se erguiría entre las cenizas para sostener amenazante y con puño de hierro la raída bandera de la resistencia humana.

Canciones que nos emocionan: Stranglehold, Ted Nugent

Ted Nugent

     Hace ya mucho tiempo que descubrí este tema en una de esas jornadas en la que suelo perder el tiempo a la búsqueda de temas y artistas nuevos nuevas para mí. El sólo inicial del tema me pareció absolutamente brutal, potente, demoledor, de esos que te enganchan tras los primeros 3 segundos de escucha. Por eso no podía faltar en la sección este tema de Ted Nugent.

     Ted Nugent nace en Redford, Michigan (Estados Unidos) en 1948, y es criado bajo una estricta educación religiosa, de hecho provenía de una familia con raíces militares y su padre era sargento militar de carrera.
Los primero pinitos de Ted los realiza a mediados de los años 60 en un grupo llamado The Amboy Dukes mientras cursa sus estudios de secundaria. La banda va creciendo y asentándose poco a poco, consiguiendo en 1973 un contrato con la discográfica DiscReet Records propiedad de Frank Zappa, con la que publican el álbum Call OfThe Win, y al año siguiente Tooth Fang & Claw. Sin embargo la banda es un constante ir y devenir de músicos que entran y salen constántemente, lo que provoca que ante la falta de estabilidad de la misma Ted Nugent decida salir de la misma y emprender su carrera en solitario.

     Ted consigue en 1975 un contrato con Epic Records, grabando con ésta discográfica su primer álbum en solitario. Los músicos que forman la primera agrupación de Ted son el rpopio Ted Nugent (guitarra y voz), Derek St. Holmes (guitarra y voz), Rob Grange (bajo) y Clifford Davies (batería). El resultado es el disco titulado Ted Nugent que sale a la venta en septiembre de 1975. El debut en solitario le sienta más que bien, consiguiendo con este disco posicionarse en la famosa lista estadounidense Billboard Top 30 y consiguiendo además la certificación de disco multiplatino.

     Incluido en el álbum encontramos el tema Stranglehold, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan. Tema de más de 8 minutos de duración con una introducción brutal de guitarra de Ted. El sólo del tema que se marca Ted fue catalogado por la revista Guitar Wolrd en el puesto número 31 de los mejores solos de todos los tiempos.
En cuanto a la composición de tema está acreditado a Ted Nugent y Rob Grange. Ted comentaba que la canción no sólo tenía connotaciones sensuales y sexuales, también era una canción de desafío pues ese es el tipo de música que a la gente le encantaba y durante los más de 300 conciertos anuales que solía dar, el público la vivía enfervorecida y las chicas la bailaban como si no hubiera un mañana. El tema era interpretado en un principio por Derek St. Holmes, pero Ted Nugent consideraba que esto hacía que su estatus en el escenario se resintiera, por lo que decidió cantar él mismo ya no sólo este tema sino todos sus éxitos. Para Ted Nugent sólo podía haber una lobo alfa en el escenario y ese era él, todo genio y figura. Cierto es que Ted Nugent es un personaje controvertido, pero en 7dias7notas nos centramos siempre en el aspecto musical, del resto dejamos que saqueis conclusiones vosotros mismos.

Here I come again now baby

Like a dog in heat

Tell it's me by the clamor now baby

I like to tap the streets

Now I've been smoking for so long

You know I'm here to stay

Got you in a stranglehold baby

You best get out of the way

The road I cruise is a bitch now baby

You know you can't turn me 'round

And if a house gets in my way baby

You know I'll burn it down

You remember the night that you left me

You put me in my place

Got you in a stranglehold baby

You're gone, I crushed your face

Yeah, sometimes you want to get higher

A sometimes you gotta start low

Some people think they gonna die someday

I got news you never got to go old

Come on, come on up

Come on, come on up

Come on, come on up

Come on, come on up

Come on, come on baby

Come on, come on, come on, come on up

Come on, come on, come on, come on baby

Come on, come on, come on

The road I cruise is a bitch now baby

You know you can't turn me 'round

Yeah and if a house gets in my way

You know I'll burn it down

You remember the night that you left me

You put me in my place

I got you in a stranglehold baby

Last night I crushed your face

El disco de la semana 180: Lucifer's Friend, Lucifer's Friend

Lucifer's Friend

 Black Sabbath, Deep Purple, Led Zeppelin, UFO, Blue Cheer, Budgie, Blue Öyster Cult, Wishbone Ash, Humble Pie, ¿Qué tienen en común todas estas bandas? Una cosa, todas son citadas por diferentes medios, libros y críticos cómo bandas pioneras y precursoras del nacimiento del heavy metal. Pero hay una banda alemana, concretamente de Hamburgo que se ganó el derecho a estar en ese elenco de bandas que ayudaron al nacimiento del género, Lucifer's Friend. Una banda que no suele aparecer nunca y de la que poco se habla, pero ¿Quienes son Lucifer's Friend?

     Corre el año 1969, y el vocalista John Slawton se encuentra de gira por Alemania como vocalista de la banda Stonewall. Al finalizar dicha gira John decide quedarse a vivir en tierras germanas. Producto de moverse por la escena musical germana John Slawton conoce a Peter Hesslein (guitarra), Dieter Horns (bajo), Joachim "Addi" Rietenbach (batería) y Peter Hecht (teclados), todos integrantes de un grupo llamado The German Bonds. John Slawton se junta a estos cuatro músicos y bajo el nombre Asterix publican un álbum de título homónimo en 1970. Un álbum con influencias del hard rock con tintes progresivos y psicodélicos. Poco después el grupo se cambia el nombre y se llama Lucifer's Friend. El nombre del grupo viene inspirado en el movimiento musical que por aquella época estaban impulsando bandas como Deep Purple, Black Sabbath ó Led Zeppelin entre otras.

     A finales de 1970 el grupo publica su álbum debut bajo el sello Phillips Records, el título: Lucifer's Friend. Aunque es considerado el álbum debut la formación, como ya comenté anteriormente ésta ya había lanzado otro a principios de ese año bajo el nombre de Asterix. Estamos en 1970 y la banda se sitúa como uno de los primeros exponentes del rock pesado, y es raro y curioso que una banda alemana se convierta en aquella época en una de la pioneras, pues por aquél entonces en aquel país se basaban casi exclusivamente en el Krautrock, que es una corriente musical en forma de rock experimental que surge a finales de los años 60 en la República Federal de Alemania, ó lo que es lo mismo, como se conocen a las bandas de Rock progresivo surgidas en Alemania.

     La portada del álbum hace que quizás desconfiemos de su contenido, pues muestra a una tipo que posa con un siniestro enano en un triste callejón, los dos posan bajo lo que parece ser un tejido sangriento de color rojo, y en la pared escrito en rojo también el nombre del grupo y debajo una mano haciendo la señal de la victoria. Destacan el nombre y el tejido en rojo del resto de la portada que es monocromática.

     Sobre una base rítmica demoledora y a base de potentes rifss de guitarras y unos teclados y hammond sobresalientes el grupo nos regala unos instrumentales geniales acompañados por la gran y melódica voz de Slawton. Casi todos los temas van más allá de los 4 minutos, lo que hace que el grupo se pueda explayar y regalarnos continuos instrumentales de gran calidad, difrutando de temazos como Everybody's Clow, Toxic Shadows ó In Time Of Job When Mammon Was A Yippie por destacar algunas, aunque el disco está muy bien cohesionado y todos los temas rebosan calidad. Es Lucifer's Friend un disco que hay que escuchar al menos una vez en la vida para comprender y entender un poquito mejor el resurgimiento del género heavy metal.
   

1. Ride The Sky
2. Everybody's Clown
3. Keep Goin'
4. Toxic Shadows
5. Free Baby
6. Baby You're A Liar
7. In Time Of Job When Mammon Was A Yippie
8. Lucifer's Friend

Canciones que nos emocionan: I don't Need No Doctor, Humble Pîe

Perfomance Rockin' The  Filmore
 Humble Pie

     En noviembre de 1971 se publicaba el primer disco en directo del grupo Humble Pie, el famoso grupo británico de rock y uno de los precursores del hard rock. El álbum fue lanzado en formato doble y comprendía temas de la actuación del grupo en el famoso Fillmore East de la ciudad de Nueva York (Estados Unidos) los días 28 y 29 de mayo de 1971. La formación que graba este mítico y más que recomendable directo estaba compuesta por Steve Marriot (guitarra y voz), Peter Framptom (guitarra y voz), Greg Ridley (bajo) y Jerry Shirley (batería). El álbum fue grabado en directo por los Fedco Audio Labs, con Eddie Kramer como ingeniero de sonido y mezclado y rematado en los Electric Lady Studios de Nueva York.

     Si juntamos a la superbanda británica y le añadimos el equipo de producción que se hizo cargo de la grabación del doble álbum en directo el resultado no podía ser otro que un éxito garantizado, contando con una gran recepción por parte de la audiencia y la crítica. El álbum alcanzó el puesto número 21 en la lista americana Billboard 200, el puesto número 32 en Canadá y consiguió meterse en el Top 40 en las listas del Reino Unido.

     Este álbum sería el último en el que podemos disfrutar de Steve Marriot y Peter Framptom juntos, pues debido a las tensiones entre ambos y justo antes del lanzamiento de este directo Peter decide abandonar la formación. Para el recuerdo y la memoria nos quedará este directo, que en su parte final y como cierre del disco contiene el tema I Don't Need No Doctor, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan, que además se convirtió rápidamente en el mayor éxito del disco, llegando a alcanzar el puesto número 73 en la lista americana Billboard Hor 100.

     El tema en cuestión es una versión del tema que escribieron Nick Ashford y Valerie Simpson, que eran pareja y formaban un famoso equipo de composición y producción, junto con Jo Armstead, famosa cantante y compositora de soul. La primera vez que el tema aparece publicado es en agosto de 1966, siendo el propio Nick Ashford el que la graba. A ésta le seguirá en octubre de 1966 la versión de Ray Charles.

     Habría que esperar tres años, concretamente 1969 para que la banda de garaje rock The Chocolate Watchband la la grabe. Dos años depués sería rescatada por Humble Pie, con la particularidad que su versión es en directo. Luego la versionaran bandas de estilos tan dispares como Newu Riders Of The Purple Sage, WASP, The Nomads, Styx, Beth Hart, The Sonics, Robben Ford ó Vixen entre otros. La que más exito ha logrado alcanzar hasta la fecha es la que nuestros amigos de Humble Pie se marcaron, no es para menos, pues la versión que Marriot, Framptom, Ridley y Shirley nos regalaron es brutal y forma parte de la historia del rock.

I don't need no doctor

'Cause I know what's ailing me

I don't need no doctor, no, no

'Cause I know what's ailing me

I've been too long

Away from my baby, ah

I'm coming down with a misery

(I don't need no doctor)

(I don't need no doctor)

I don't need no doctor

For my prescription to be filled

(I don't need no doctor)

(I don't need no doctor)

I don't need no doctor

I tell you now

For my prescription to be filled

(I don't need no doctor)

(I don't need no doctor)

Only my baby's arms, ah

Could ever take away this chill

(I don't need no doctor)

(I don't need no doctor)

Now the doctor say I need rest

(Hey, hey)

But all I need

Is her tenderness

Put me on the critical list

(Hey, hey)

When all I need

Is her sweet kiss

He gave me a medicated lotion

But it didn't soothe

(It didn't soothe)

My emotion

I don't need no doctor

I don't need no doctor

I don't need no doctor

For my hope to live is gone

(I don't need no doctor)

(I don't need no doctor)

I don't need no doctor, no, no

Whoa, my hope to live is gone

(I don't need no doctor)

(I don't need no doctor)

All I need is my baby

Baby, please

Won't you please come on home

Log on to kill this message

You know what I'm talking 'bout

(I don't need no doctor)

I don't need no aspirins

(I don't need no doctor)

I don't need no lotion

(I don't need no doctor)

I say, "I don't need no vitamin pills"

(I don't need no doctor)

I don't need

La música en historias: Los Rolling Stones y la gasolinera

Sticky Fingers, Rolling Stones

El 23 de abril de 1971 nuestros queridos Rolling Stones publicaban el álbum Sticky Fingers. Un álbum que empezaron a grabar de forma intermitente en diciembre de 1969, y que terminaron en enero de 1971. La portada del álbum fue diseñada a partir de un diseño del artista pop art Andy Warhol, que ilustraba unos pantalones vaqueros con una cremallera de verdad que se abría. En España esta caratula trajo cola, pues fue censurada por el régimen de Franco y sustituida por otra.

El álbum fue catalogado por la crítica como uno de los mejores discos de la carrera de los Rolling Stones. Un disco que alcanzó el puesto número 1 en las listas de ventas británicas durante semanas, puesto que alcanzó también en países como estados Unidos, Alemania, australia, Canadá, Francia, Italia, Japón, Suecia, Noruega y España.

La formación que grabó Sticky Fingers estaba compuesta por Mick Jagger (voz), Keith Rickards (guitarra), Bill Wyman (bajo), Charlie Watts (batería) y el recién incorporado Mick Taylor (guitarra).
Incluido en el álbum nos econtramos con el tema You Gotta Move, un tema blues basado en una canción tradicional afroamericana con temática espiritual.

 Jagger, Richards y compañía grabaron este tema en los míticos Muscle Shoals Sound estudios de Alabama (Estados Unidos) en diciembre de 1969, empleando tres día para hacerlo. Jagger interpreta el tema utilizando un acentuado dialecto sureño mientras es acompañado por la guitarra slide que interpreta Mick Taylor.

Los Rolling Stones se basaron para grabar You Gotta Move en la versión de Mississippi Fred McDowell, que fue el primero que grabó este tema, un tema lento, un country blues con guitarra slide allá por 1965. Los Stones habían adquirido la costumbre de grabar en sus álbumes un tema blues, y Sticky Fingers era el tercer disco consecutivo donde lo hacían.

Si bien, el tema alcanzó la popularidad del tema con la versión de los Rolling Stones, fue ese éxito el que acabaría reportando unos suculentos beneficios a Mississippi Fred McDowell por los derechos de autor del tema, unos beneficios que utilizaría para abrir una gasolinera y así poder establecerse cómodamente, pues Fred había estado toda su vida alternando su carrera musical con su trabajo en el campo. Desgraciadamente Fred pudo disfrutar de su retiro en su gasolinera poco tiempo, pues en julio de 1972 fallecía a causa de un cáncer.

You gotta move

You gotta move

You gotta move, child

You gotta move

Oh, when the Lord get ready

You gotta move

You may be high

You may be low

You may be rich, child

You may be poor

But when the Lord get ready

You gotta move

You see that woman

Who walks the street

You see that police

Upon his beat

But then the Lord get ready

You gotta move

You gotta move