Correos - Platero y Tú #MesPlateroyTú

Correos - Platero y Tú artista del mes #MesPlateroyTu 

Vamos con un álbum de la banda bilbaína Platero y Tú, que para mí ha escrito una de las páginas más memorables en la historia del rock vasco y español, alcanzado tres discos de oro y un legado que perdurará por siempre. 

Como su álbum Correos, publicado en octubre de 2000, que supuso el capítulo final de esa gran trayectoria de Platero y Tú.

“Dos y dos son cuatro, y cuatro los Platero” dice la canción Cigarrito, la canción que abría el álbum Correos, el último álbum de la banda, y tan esperado por sus seguidores tras casi tres años sin nuevos lanzamientos. 

Esos cuatro de los que hablaba Cigarrito no podían ser otros que la voz de Adolfo Cabrales (Fito), la guitarra de Iñaki Antón, con Juantxu Olano al bajo y Jesús García con la batería. 

Se trataba del octavo trabajo del grupo en apenas diez años. 

Este álbum con su portada emulando a un paquete de envío y con los cuatro integrantes de la banda como sello, Correos no fue distinto a sus otros álbumes, después de su lanzamiento en el mes de octubre del año 2000, la acogida de sus fans, cada vez más numerosos, llevó a Platero y Tú con su álbum Correos a ser  Disco de Oro de la mano de canciones que se convirtieron en éxitos como Cigarrito, Entre dos mares (que  Fito con los Fitipaldis, la incluiría en su álbum “Fitografía") y Humo de mis pies. Este álbum fue grabado en el estudio La Casa de Iñaki que era propiedad del guitarrista de la banda, contaba entre sus canciones con la colaboración de músicos de la talla de Robe Iniesta de Extremoduro o José Alberto Batiz. 

Si bien es cierto que el disco mantiene la línea rockera que definía al grupo, tuvo algunos detractores que no reconocían en este álbum a los Platero y Tú de principios de los noventa, especialmente en los versos de canciones como Caminar cuesta arriba o Qué demonios!, más introspectivos y, quizá, algo menos provocadores. 

La gira de presentación de Correos, que terminaría siendo la última, ya que Fito anunciara que abandonaba el grupo para continuar su carrera en solitario y le siguiera Iñaki Antón para ingresar por completo en Extremoduro donde ya había trabajado de forma esporádica durante los últimos años. 

Sería, por tanto, la última gira de Platero y Tú y para la posteridad sólo quedaría su legado y varios recopilatorios. Platero y Tú, de las calles de Bilbao a iconos del rock. 

Platero y Tú han marcado a fuego ese rock español que ya hemos mencionado por ello se merecían estar entres las banda del mes #MesPlateroyTu. 

Daniel 

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El disco de la semana 293: Causa Sui - Summer Sessions Vol.1

Sin duda todos disfrutamos de las cualidades evocadoras del rock de los 60-70 y la base interlineales la columna vertebral de la que la mayoría de las bandas de rock/progresivo disfrutan de largas fusiones de sonido que impactan en el subconsciente, una superposición de intervalos armónicos y simplemente ritmos que inducen sentimientos de euforia y exaltación. Causa Sui, banda de rock psicodélico Danesa, reúne sin esfuerzo los adornos principales de casi todos los elementos que el rock tiene para ofrecer y nos regala una sensación similar y totalmente novedosa. Sin duda su obra magna es un tríptico titulado Summer Sessions, estos tres discos originalmente estaban destinados a ser escuchados por separado, ya que todos fueron lanzados en diferentes momentos pero tengo que decir que, en conjunto, los tres volúmenes diferentes de Summer Sessions se complementan bastante bien. Olas que rompen en el fondo lejano, voces que recorren el valle mientras la música crece y crece a lo largo de la orilla del lago. Los atascos nocturnos se elevan hacia el cielo ennegrecido a medida que las sinapsis explotan y chisporrotean. Summer Sessions de Causa Sui vol. 1-3 se siente como un microcosmos musical de la muerte del Verano del Amor y el nacimiento de la era más oscura conocida como la década de 1970. La música trataba más de satisfacer al artista que al oyente. Si al oyente le gustó, genial, si no, daba igual, ese era su problema. ¿Sería prudente recomendar al oyente no iniciado un disco de tres volúmenes como primera incursión en el mundo musical de Causa Sui? Asi que refiero ser cauto y antes de profundizar en Summer Sessions Vol. 1-3, vamos a ofrecerte solo el primer volumen.

Sesiones de verano vol. 1 abre con una trituradora de psique llamada "Visions Of Summer", es como los primeros Santana, The Doors "Riders On The Storm" y Miles' Bitches Brewtodo envuelto en esta exquisita y sabrosa delicia, los ritmos con sabor latino se entrelazan con teclas de ensueño, elegantes guitarras con grandes riffs y un bajo contundente. Fluye y refluye entre momentos fuertes y horizontes atmosféricos, fluye entre el idealismo de finales de los 60 y el machismo de principios de los 70 con un efecto sorprendente. Si buscas hacer una declaración, "Visions Of Summer" es una gran manera de saludar a la gente. Y en casi 25 minutos, tienes tiempo de alejarte para fumar (o hacer una tortilla) y regresar antes de que te pierdas algo bueno, atrae al oyente con algunos efectos de onda de viento de sintetizador y percusiones espaciadas antes de una línea de bajo pegadiza, te va a enganchar, es casi imposible no disfrutar/apreciar las maravillosas líneas de bajo de jazz-rock de Jess Kahr, los interminables estilos de jazz expresivos del baterista Jakob Skott y, lo que es más importante, el extravagante trabajo de guitarra y teclado de Jonas Munk. Mis limitaciones imperfectas de ser humano me están haciendo salivar mientras escribo esto. Desde percusiones de gotas de lluvia, patrones interminables de redoble de tambores, sintetizadores espontáneos bien ajustados, patrones rítmicos inspirados en Jimmy Hendrix, hasta acumulaciones de amplificación lenta, "Vision of Summer" es una peregrinación de stoner-space rock que no vale la pena dejar pasar. 

“Red Sun In June” tiene una agradable sensación de jazz en la batería de buen gusto de Jakob Skott, mientras que Jonas Munk se apoya en una guitarra pesada y desfasada. Esta pista se siente como una pieza complementaria a un zumbido de verano. Los ojos entrecerrados e inyectados en sangre miran más allá de un sol abrasador que se abre camino hacia el océano mientras te derrites en la arena de verano. Sin darte cuenta has disfrutado de una canción llena de rock que encaja perfectamente después de que sus pistas anteriores se acumularan inmensamente.  Las tendencias apacibles de esta transición invitan y tranquilizan, y actúan como un apoyo para atrapar el aturdimiento esperado que uno debería haber experimentado hasta este momento. “Portixeddu” es un exploración espaciada en el corazón del sol. Ruidos zumbantes y algunos ritmos serios, vuelan más allá de tus oídos mientras el equipo de Causa Sui extrae un vudú de rock. Salta de nuevo a los estilos de rock que empujan hacia adelante y, oh, nunca antes había escuchado cencerros tan apropiadamente en una canción. Los toques de campana de Skott avergonzarían a Will Ferrell cualquier día, de hecho, su habilidad para manejarlo con tanta eficacia sobre todas sus otras responsabilidades deja a uno con la duda de si el tipo tiene un brazo extra. “Soledad” suena como algo embriagador, como la neblina de Pink Floyd. También creo que esta pista sugiere futuros esfuerzos y vibraciones que Causa Sui explorarán con sus Pewt'r Sessions, una pista pura de stoner-rock que dibuja similitudes extremas con el uso que hace Kyuss de las integraciones de blues-rock.

Summer Sessions vol. 1 es, con diferencia, el mejor de la trilogia  de Summer Sessions y posiblemente el mejor trabajo que Causa Sui haya ofrecido, además de que sus contrapartes también son grandes piezas musicales. Estas obras de arte perdurables deben ser contempladas por entusiastas del rock y/o cualquiera que desee buscar lo que el rock psicodélico tiene para ofrecer, un álbum moderno de psicodélico/jazz-fusión/jam rock, realmente esencial.

La música en historias: Nigor Mortis - #MesSanandaMaitreya

 

Nigor Mortis, Sananda Maitreya

     Nigor Mortis (marcado como el séptimo álbum de estudio aunque en realidad es el octavo) es un álbum de un artista que anteriormente respondía al nombre de Terence Trent D'Arby y ahora lo hace como Sananda Maitreya. El título del disco es un juego de palabras que representa el estado entre "Rigor Mortis" y "Vigor Mortis", entre la rigidez y la vitalidad del cadaver, como un nuevo despertar y vuelta a la vida. Todo un juego de palabras con el que Sananda se revelaba contra todos aquellos que le daban por muerto artísticamente, y con este nuevo trabajo con muchos temas a la altura de sus mejores momentos se iba a reivindicar.

Sananda, como ya hiciera con todos sus trabajos desde su cambio de nombre y rumbo, se encarga de autoproducir él mismo el disco, el cual contiene 23 temas que en su momento fue concebidos para descargas por internet, y en formato CD. La edición de CD se presentaba en un estuche con un DVD y un folleto adjunto de fotos de 8 paǵinas. También se edito una versión instrumental del álbum únicamente disponible en formato MP3.

Nigor Mortis es grabado en Milán, lugar donde Sananda había fijado su residencia allá por el año 2002, y publicado a finales de 2008. El disco, con 23 temas, puede resultar bastante largo, es lo que tiene autoproducir un disco y no tener que rendir cuentas a nadie, que era lo que Sananda se había propuesto algunos años atrás. Sin embargo el resultado es un buen disco, con un sonido muy negro donde se entremezclan rock y soul con mucho gusto, aunque también se atreve con otros ritmos como el funky o el R&B. El disco es compuesto y auotoproducido por  Sananda, y también se encarga de todos los instrumentos, contando con la gran colaboración de Lucio Fabbri al violín y banjo. En cuanto al sonido, predominan los sonidos de piano y teclados, y también una línea de bajo muy buena y destacable durante todo el álbum.

Dentro de los 23 temas Sananda juega con el soul, sonido que le sienta como un guante, en temas como O Lovely Gwenita, que además de abrir del disco lo hace de una forma muy prometedora, uno de los grandes momentos del disco; At the Crossroads, otro de los mejores temas de álbum; A wife Knows y Because You've Change, con una buena línea línea de bajo y donde Sananda realiza un exquisito trabajo vocal; Has It Been Too Quiet? Unos de esos temas con Sananda sentado al piano que tan bien sientan al artista; This Town, tema con unos giros vocales brutales; o What Would You Like?, donde el artista nos vuelve a demostrar que poco más necesita además de su piano y su voz. 

También encontramos temas de corte más roquero, como With a Girl Like You, tema más rápido y rítmico con un toque country que hace de éste tema sin duda otro de los mejores del álbum; Free Me, con un rollo muy a lo Hendrix y un aire muy setentero; I Don't Give Fuck About You, otro de los grandes momentos del disco donde el comienzo ya aventura algo más grande. La línea de bajo y la voz de Sananda doblada con guitarra que va creciendo hasta desatarse, brillante; Never How Much, canción que junto a Mr. Gupta contiene unos contundentes y pesados riffs de guitarra con aires de los años 70; o Angel (Not a Saint),  otro tema con un aire country y un gran trabajo al violín de Lucio Fabbri. Sananda también se atreve con sonidos más funkys, como en la brillante Superstar. Y mención aparte para la genial Priscilla, otro momento álgido del disco, donde acompañado de una guitarra acústica se marca esta pedazo de balada. Su voz y poquito más hace falta para que Sananda sea capaz de emocionarnos. 

Sananda avisaba a los que le daban por muerto artísticamente y se revelaba con este disco, Nigor Mortis, trabajo con el que nos presentaba su nuevo estado de vitalidad artística.

La musica en historias: Angels & Vampires #MesSanandaMaitreya

 

Iniciamos el mes de Agosto y no cambiamos de artista, ¿O quizás sí?... después de recorrer en julio la discografía de Terence Trent D´Arby, es el momento de evolucionar e ir un paso más allá, desafiar los límites de nuestro interés y detenernos en cuatro estaciones en la discografía de Sananda Maitreya…. El mismo genio que el mes anterior que con dos cambios radicales, el primero lógicamente el nombre… mismo artista distinta forma de conocerle, el segundo y básicamente por lo que hemos decidido iniciar este recorrido, la música…… y la libertad creativa que supuso romper con su pasado e iniciar su nuevo camino.

Iniciamos con su primer álbum titulado Angels & Vampires, y empezamos fuerte, de primeras nos damos de bruces con 40 canciones, si bien editado el cd físicamente contenía 20, teníamos otras 20 solo accesibles desde Interne para regalo de nuestro oído, así a lo bruto y sin ningún filtro, el poderío creativo de Sananda era de sobre sabido, que su discográfica no estaba muy contento con lo que presentaba, también, así que de primeras decide desnudarse por completo y en un ejercicio de sinceridad nos entrega muchas de aquellas canciones que le habían rechazado y otras nuevas creadas para la ocasión. Sin duda y a menudo que avanza el álbum, el oyente podrá encontrar muchos estilos y sobre todo temas que te dejan totalmente indiferentes, pero también muchos otros que te dejan clavado en la silla preguntándote como podían haber encadenado a tal bestia creativa.

Lo cierto es que además de su faceta creativa Sananda Maitreya es un cantante maravilloso y bastante peculiar con los títulos de sus canciones, Angels & Vampires no se siente como un álbum oscuro ni un álbum con tintes de religiosos. Es un disco alegre con poca guitarra, mucho piano y bajo. Maitreya nos regala un álbum con mucho material para escuchar. Es difícil elegir una canción favorita de todas estas canciones, cada una tiene su encanto, me voy a detener en varias de las 20 primeras que salieron editadas, sin duda la que más me ha hecho disfrutar ha sido We are the living, donde podemos encontrar algunos ramalazos del gran Terence Trent D´Arby pero sin duda alguna con el sello de Sananda, me gustaría destacar un estribillo que te deja extasiado, pero no solo es el estribillo, detenerse en los coros mientras los instrumentos se dispersan a su alrededor y como no, en esa guitarra que en el minuto 2:45 de la canción toma un protagonismo de oro. I´m your Daddy es otra de las grandes, tiene momentos brillantes pero quizás tanta pausa desarbola un poco el tema…¿o es que realmente estaba jugando a eso?. Dolphin es puro soul, y de nuevo encontramos cambios de ritmo que adornan la canción y la eleva de nivel. Destaco también Take a Time, son dos minutos muy bien aprovechados convirtiéndola en otra de las joyas de la corona, o la indescriptible Share Your Paints, donde esa guitarra que ya hemos conocido coge protagonismo a partir del minuto y cincuenta segundos y la eleva por encima de lo esperado.

La música en el cine: I Disappear (Metallica) - Misión Imposible 2

 

I Disappear, Metallica

     En el año 2000 se estrena la segunda parte de la saga de películas Misión Imposible, dirigida por John Woo y protagonizada por Tom Cruise, Dougray Scott, Thandie Newton, Ving Rhames, Richard Roxbourgh, John Polson, Brendan Gleeson, Rede Serbedzija y Anthony Hopkins. La película, a pesar de obtener una buena aceptación por parte de la crítica y de obtener gran reconocimiento para el director, no la obtuvo por parte un público que se mostró bastante decepcionado con el resultado.

La trama de la misma se desenvuelve en torno al personaje de Ethan Hunt, interpretado por Tom Cruise, quien esta vez tiene que luchar por hacerse con el control de un virus llamado Quimera, y de su cura, Bellorphon, que han caído en manos de los malos de la película.

Incluido en la banda sonara de la película se encuentra el tema I Disappear, escrito y grabado por Metallica. El tema fue publicado incluido en el disco de la BSO de la película Misión imposible 2 el 9 de mayo de 2000, y lanzado como sencillo el 2 de junio de 2000, ambos por el sello discográfico Hollywood. El tema fue escrito por James Hetfield y Lars Ulrich, y producido por el ingeniero de sonido y productor canadiense Bob Rock. 

En cuanto a la temática de la canción, le iba como anillo al dedo a la película, pues trata de un hombre que desaparece sin dejar rastro antes de que podamos conocerlo. La canción había sido escrita un tiempo antes por Hetfield y Ulrich, pues la intención de la banda era publicarla con sus álbumes Load (1996) o Reload (1997), y además fue una de las últimas canciones que fueron grabadas por el bajista Jason Newsted antes de abandonar Metallica. 

Este tema fue además el que supuso el comienzo del final para la poderosa compañía de distribución de archivos de música en formato MP3 Napster. La compañía lanzó en línea una versión de demostración pirateada de I disappear sin la aprobación de Metallica, lo que causó la ira de la banda que presentó el 13 de abril de 2000 una demanda contra la la compañía por extorsión y violación de los derechos de autor. Metallica ganó el juicio y Napster se vió obligada a prohibir el tema a más de 300.000 usuarios y a pagar por los consiguientes daños y perjuicios a a la banda. Varios artistas siguieron el ejemplo de grupo y demandaron a Napster, lo que acabó provocando que la compañía se declarara en quiebra y cerrara por completo.

La música en historias: Veo, veo... mamoneo!! #MesRosendo

 

Veo, veo... mamoneo!!, Rosendo

     Si buscamos la palabra Picaporte en el diccionario, éste nos da dos definiciones, la primera nos dice que se trata de un dispositivo que se utiliza para abrir o cerrar una puerta o una ventana, que consiste en una pieza larga de hierro sujeta a la puerta o ventana, con una palanca para accionarla, que encaja en otra pieza que hay en el marco. La segunda definición nos dice que se trata de una palanca para abrir este dispositivo. ¿Por qué empiezo esta reseña hablando de esta palabra?, pues porque no es nada usual ni frecuente encontrarla insertada en la letra de una canción, y menos todavía si esta es la primera palabra que escuchas al poner el álbum. Pues Rosendo lo tuvo claro en su momento, y Picaporte no sólo es la primera palabra que abre la canción Masculino singular, también es la primera palabra que sale de su boca en éste disco. Sólo un genio como Rosendo es capaz de usar esta palabra tan poco usual, colocarla en un sitio tan estratégico, y además darle sentido.

      Para la grabación de su decimocuarto álbum de estudio en solitario, Veo, veo... mamoneo!!, Rosendo se marcha acompañado de Rafa J. Vegas (bajo) y Mariano Montero (batería y percusión)  a los estudios Du Manoir, situado en la pintoresca región de Las Landas en Francia. El disco es producido por Eugenio Muñoz, el integrante del grupo a la sombra, masterizado en Londres y publicado en 2002 bajo el sello discográfico DRO East West. El resultado de tanto empeño tanto de la productora como del artista es un disco impecable en cuanto a sonido y producción, con unas guitarras afiladas, y donde el formato de power trío consigue un sonido más crudo y directo, algo que se será de agradecer en directo.

 En este disco Rosendo, vuelve a mostrarse crítico y a denunciar temas del devenir diario de la gente normal, como el malestar de ver como se van deteriorando el medio y las relaciones humanas. y es que Rosendo es sinónimo de inconformismo, no en vano el mismo es la viva imagen de una generación desencantada, hecho que ha forjado su espíritu crítico.

     Nos encontramos con temas 10 temas marca de la casa, con unas letras que, como siempre, juegan a despistarnos con sus dobles sentidos. Abre el disco Masculino singular, donde la palabra picaporte cobra un inusual sentido. Estamos, en mi opinión, ante uno de los mejores temas que podemos encontrar en la carrera en solitario del Maestro de Carabanchel; En Que te acompañe la suerte, Rosendo hasta se atreve a con el Reggae, música por la que siente un profundo respeto; Quincalla, o no!, tema donde podemos disfrutar del excelente trabajo al bajo de Rafa J.Vegas; Para nada, otro de los momentos culminantes del disco, un tema lleno de energía y fuerza. Y es que Rosendo en este tema le da un toque más duro con con la guitarra al tema, lo que le da un plus de energía y fuerza a un tema que interpretado en directo gana más si cabe; Sufrido, tema que cierra la cara A y que es uno de los temas que más suele repetir el músico en los directos.

 

   Empieza la cara B con Para cuando desatino, una de las dos baladas del disco. Rosendo se atreve nada meno que con dos. Con el paso de los años ha empezado a sentirse a gusto con su voz y ha perdido el miedo a mostrarla sin el habitual acompañamiento de la potente instrumentación y guitarras afiladas; Veo, veo... mamoneo!!, tema que da título al disco; Entre dientes, donde los instrumentos van entrando uno por uno, primero la batería, luego el bajo y por último la guitarra; Ven y ve, muy destacable el cambio de ritmo cuando entra el repetitivo estribillo con un pesado y repetitivo también riff de guitarra; Todo lo que sigue, segunda balada y tema que sirve para cerrar un álbum que se vio recompensado en su momento con un disco de oro. 

     Rosendo repite en este disco la fórmula de trabajos anteriores, unas letras inconformistas que juegan al despiste con rimas curiosas y dobles sentidos, y donde cada cual, al escuchar, interpretará a su manera el sentido de las mismas. En cuanto al sonido, Rosendo rescata la fórmula del power trío, prescindiendo de lo teclados de discos anteriores. Un sonido más duro para unas letras más críticas si cabe que en trabajos anteriores.

Disco de la semana 231: A Rush of Blood to the Head - Coldplay

¿Alguna vez has pensado por qué odiamos a Coldplay? Mucha gente desprecia a la banda ... a pesar de que han hecho una música increíble, repasar sus primeros cuatro álbumes y dime que al menos son buenos. Hoy vamos a repasar a uno de estos cuatro: A Rush of Blood to the Head, uno de mis favoritos. Después de haber creado un disco íntimo con un sonido cálido e introspectivo, el cual los puso en el mapa musical, Coldplay regresó al estudio, desempolvó sus discos de Radiohead y de Pink Floyd, bucearon en ellos y crearon un disco con un sonido monumental y grandilocuente. Y de paso, empezaron el dominio mundial en su estilo musical. En términos generales, A Rush of Blood to the Head, podría describir como un álbum de rock alternativo que juta estilos tan dispares como el britpop y el rock progresivo, creando una atmósfera sumamente melódica que a veces es etérea y otras veces es fría y un poco oscura.

 

Abrimos con una de mis intros favoritas de un álbum con “Politik”. Es explosivo y crea el ambiente instantáneamente, este álbum va a ser muy diferente a Parachutes y estoy totalmente de acuerdo. Esos golpes de guitarra que abren la canción, te despiertan y te ponen la espalda al borde, suenan increíbles y lo consideraría la declaración principal de Martin, que nos dice que nos despertemos y miremos a nuestro alrededor y comprobemos el estado en el que se encuentra el mundo. Esta canción fue escrita poco después de los ataques del 11 de septiembre, esta es una canción sobre esos ataques y sobre cómo nosotros, como sociedad, podemos avanzar y reconstruir después, cómo podemos abrir los ojos y ver el mundo por lo que es, un desastre. La canción en sí misma es absolutamente hermosa y grandiosa después de la intro sigue una parte bastante deprimente y baja, pero termina en este grandioso solo de piano y guitarra similar a cómo comenzó la canción, pero ahora se siente mucho más positivo, mucho más edificante, se ha restaurado la esperanza. "In My Place" es simplemente hermosa o, maravillosamente simple, funciona en ambos sentidos. Si bien no hay una sola nota inesperada, no falta nada en esta canción, aparentemente la culminación de los esfuerzos de los discos anteriores de Coldplay, el sencillo y hermoso toque de guitarra de Jonny Buckland gira en torno a la rica y distintiva voz de Chris Martin, una voz que combina la duda y la dominación del mundo. Se respira la esperanza en la mayoría de las canciones de este álbum, aparte de un par, a las que llegaré. 

Canciones como "God Put a Smile Upon Your Face" son canciones que comienzan de forma poco esperanzadora, pero terminan con una nota positiva, me encanta el flujo y reflujo de la música, ese ritmo contundente, el riff de guitarra de cuatro notas invertido y luego la duplicación de las guitarras que disfrutamos más adelante en la canción… y la voz, otro de los fuertes de este tema. "The Scientist" es otra de las canciones que justifican un álbum, una canción que estoy seguro de que la mayoría de vosotros ya habéis escuchado, de hecho, es uno de los mayores éxitos de Coldplay, pero el tema de la canción es realmente increíblemente deprimente. Es una canción sobre un científico y su esposa, donde ella se sentía abandonada por él debido a su trabajo, al final su esposa muere y el científico se queda cantando sobre ella, y lo que debería y podría haber con ella durante su vida. "Clocks" es una prueba de cómo un buen riff no hace una canción clásica. Es una gran canción, pero ... desafortunadamente exagerada, no puede igualar la intensidad emocional de "The Scientist" y en cambio en la sabiduría popular es quizás la canción que más gusta del álbum. Este es el tema que tocaran en todos sus conciertos durante el resto de su carrera, y dentro de 20 años, si le preguntas a alguien sobre Coldplay, es probable que lo primero que le venga a la cabeza sea Clocks. Debo confesar que cuando escuché por primera vez la introducción al piano de esta canción quedé absolutamente deslumbrado. Tan simple, casi como palillos, pero mucho más profundos a medida que las notas se vuelven más intrincadas y concéntricas.

 

"Daylight", empieza muy bien y suena demasiado a "Dios puso una sonrisa en tu cara", acelera el tempo y trae uno de los motivos instrumentales favoritos en el álbum con su melodía ascendente de guitarra eléctrica / orquestal doblada. “Green Eyes” es una balada muy simple pero innegablemente buena. Sí, la letra puede parecer cursi para algunos, pero ¿alguna vez has escrito una canción de amor? ¿tan buena como esta? No, así que muestra algo de respeto y piensa antes de hablar. “Warning Sign” tiene una agradable sensación suave y una melodía memorable. "A Whisper" tiene la introducción más difícil del álbum y aporta algo de oscuridad al álbum, pero a la canción le falta algo, no es para nada redonda. “A Rush Of Blood To The Head” comienza lenta, pero se convierte en una gran melodía. Gran sentimiento y una guitarra muy agradable que agrega atmósfera. "Amsterdam" es una balada de piano arrastrando las palabras para mí la mejor canción de la segunda mitad del álbum, pero tampoco brilla a gran altura aunque es el final perfecto para un gran álbum. El amor nos libera, si es otra persona o simplemente nos amamos a nosotros mismos, podemos escapar de nuestros dolores y, en última instancia, finalmente escapar de nuestros dolores y ser felices, estar contentos.

La música en historias: Bananas - #MesDeepPurple

 

Bananas deep Purple

     Corre el año 2001 y John Lord se ha sometido a una operación de rodilla para solucionar una vieja lesión que lleva arrastrando. Sin embargo el hecho de no recuperar todo lo rápido que él quisiera, sumado al fallecimiento a causa del cáncer del pianista, productor y compositor Tony Ashton, quien es amigo personal desde hace muchos años de John Lord, dejan muy tocado al músico, quien pasado el verano de 2001 decide comunicar a Deep Purple que lo deja. Antes de abandonar la formación cumple con los compromisos que el grupo tenía realizando una gira por el Reino Unido. Don Airey, quien le ha estado sustituyendo mientras se encuentra de baja, pasa a formar parte del grupo como miembro oficial en marzo de 2002.

Sin embargo, parte de la gira británica, que debía ser la última del grupo, ha de suspenderse debido a que tanto el grupo como el personal de apoyo contraen la gripe. La banda decide realizar una serie de once conciertos que comienza en verano de 2002 para que John Lord pueda despedirse en condiciones de la banda. Una gira donde Airey y Lord comparten teclados, normalmente iniciaba el concierto Airey, quien tras ocho canciones, cedía el puesto a Lord que finalizaba el concierto.

Steve Morse, Roger Glover, Ian Paice, Ian Gillan y Don Airey graban entre enero y febrero de 2003 el material que comprende el decimoséptimo álbum de estudio de la banda en los Royaltone Studios de Burbank, California. El disco es producido por Michael Bradford, conocido bajista y productor musical estadounidense, quien además colabora tocando la guitarra en un tema, Walk On. Michael Bradford también contribuye en este disco en la composición de material del álbum, al igual que John Lord, quien ha dejado recientemente la formación. El resultado es Bananas, editado en agosto de 2003 por el sello discográfico EMI, y Sanctuary sólo para Estados Unidos. En Reino Unido el disco alcanzó únicamente el puesto 85 en las listas, mientras que en Estados Unidos pasó desapercibido, sin embargo registró muy buenos números en países como Alemania, Finlandia y República checa, además de, para sorpresa del grupo, registrar unas muy buenas cifras en Sudamérica, con Argentina a la cabeza, donde alcanzó el puesto número 10 en las listas de ventas.

Si nos dejamos llevar por la portada, donde aparecen dos hombres sentados encima de una inmensidad de plátanos que ocupan toda la portada, automáticamente perderemos el interés por escuchar el disco, por lo que, como muy bien dice el dicho, no hay que dejarse guiar por el envoltorio del producto, y en este caso, el envoltorio, es decir, la portada, es horrorosa. El resultado es un muy buen trabajo, en la línea que se espera de Deep Purple, con sonidos que van desde el rock, al blues y al funk, con un Steve Morse, que desde su llegada ha aportado frescura al grupo, y con un Don Airey, músico excepcional curtido en mil batallas, que aporta su personal toque a los teclados. El disco contiene temas muy rockeros y con mucha fuerza, como House of Pain, Razzle Dazzle y Silver Tongue, y temas de corte más blusero, como Walk On y Bananas. También encontraremos temas con base muy funky como House of Innocence. Nos encontraremos con una preciosa balada, Haunted, que además tiene una curiosidad, los coros están hechos por la magnífica Beth Hart. También hay espacio para un tema instrumental, Contac Lose, compuesto por Steve Morse tras el accidente del Transbordador Columbia que se desintegró el 1 de febrero de 2003 en su regreso a la tierra-

Bananas es un buen disco, hecho desde una tranquilidad y un sosiego que el grupo alcanzó hace ya unos años, y los seis meses que la banda estuvo parada sin realizar eventos y giras para centrarse en hacer el álbum, dan buena muestra de ello. 

El disco de la semana 166: Vista Alegre, Transportes Henández y Sanjurjo

Vista Alegre

     En 1999 Julián Hernández, el líder y fundador de la mítica agrupación viguesa Siniestro Total se junta con Rómulo Sanjurjo, acordeonista del grupo Os diplomáticos de Monte Alto, formación que cantaba en gallego y que tenía influencias de las orquestas típicas de las fiestas de los pueblos, pero también ska, punk o folk, y juntos forman un grupo con un singular nombre, Transportes Hernández y Sanjurjo.

     La formación se gesta cuando Julián participa en las llamadas Jornadas de Lírica y Burla, unas jornadas colectivas musicales que fueron organizadas por el sello discográfico independiente 18 Chulos, un sello discográfico que tiene entre sus fundadores a Javier Krahe, El Gran Wyoming, Santiago Segura, Faemino ó Pablo Carbonell entre otros.
En esas jornadas Julián es invitado a compartir escenario con artistas como los mismos Javier Krahe, Pablo Carbonell, El Gran Wyoming ó Kiko Veneno.



     Para dicha gira Julián se pone en contacto con Rómulo Sanjurjo, por entonces acordeonista de Os diplomáticos de Monte Alto, y le pide que le acompañe en sus actuaciones en dicha gira. El feeling se hace evidente entre ambos, pues empiezan a desarrollar los dos su propio repertorio, empiezan a realizar sus propias actuaciones, y en 2002 publican su primer disco en estudio, Privilegios de tener una vida inútil.

     En 2006 Julián y Rómulo publican su segundo álbum de estudio, Vista Alegre, el disco recomendado para semana 166 de la aventura de 7dias7notas. Un trabajo que al igual que el primer disco, se aleja del típico sonido que caracteriza a la agrupación Siniestro Total y sabrazan estilos como el folk y el blues acústico. Para grabar este disco, Julián y Rómulo se aíslan de todo lo que les rodea y lo graban los dos solos prescindiendo de medios técnicos y musicales, siendo producido por ellos mismos y publicado por la discográfica Discos de Freno. El nombre del disco, si los Beatles publicaron Abbey Road en los estudios de la esa misma calle, Transportes Hernández y sanjurjo graban este trabajo en una calle llamada Vista Alegre, guiño a los de Liverpool? Quizaś.

     Vista Alegre es un disco apoyado principalmente en el acordeón de Rómulo, la voz y la guitarra acústica y la mandolina de Julián, con unas letras que contienen toques de ironía, humor y compromiso social a partes iguales.

     Comienza el disco con A tí te gustaría hacer el indio, Margarita, donde en un tono alegre no dejan de realizar una defensa en pro de los hábitos de las tribus indias como los Sioux o los Cheyennes. Madre Fango, donde nos evocan un blues de raíces acústico, donde la armónica nos traslada desde el principio a la típica mecedora de porche de la tierra del blues. Sentadito y Callado, una crítica política y social a los autoritarismos, y donde es imposible no acordarse del genial Javier Krahe. Hagan Juego es una anecdótica introducción de apenas de 30 segundos que sirve de introducción para La soledad del francotirador, Un emotivo poema que un hombre recita a su rifle. Consumo infantil, Tema con toques bluegrass donde nos hablan de la preocupante escalada de violencia infantil. Llevadme a un bar, tema que con un tono humorístico nos relatan los desesperados lamentos de un ebrio para que le lleven a un bar. Tras la breve pieza recitada La fuerza del amor le llega el turno a Encenderé mi vela, típica canción para corear en una taberna a la que sigue Ámame, soy un liberal, tema cargado de connotaciones políticas.

     El final se va acercando con Palmo de narices, que es la antesala de el último tema, donde el duo se corona, La luz al final del tunel, un tema de casi catorce minutos relatado a modo de historia y dividido en 14 movimientos, donde nos relata las desventuras de un hombre, que arrepentido ante el hecho de morir decide regresar a la vida, maravilloso. Magnífico tema para cerrar un disco más que recomendable, un disco sutíl e irónico, donde el humor se entremezcla brillantemente con la sátira y el compromiso político y social. En definitiva un disco magnífico.

Canciones que nos emocionan: While Your Lips Are Still Red, Tuomas Holopainen

Lieksa! (2007)

     Con esta publicación estrenamos una sección nueva en 7dias7notas. Si bien tenemos una sección en la que hablamos de canciones que por uno u otro motivo no soportamos, todos tenemos temas que producen en nosotros el efecto contrario, nos ponen los pelos de punta, nos emocionan, nos hacen llorar, etc. En esta sección que arrancamos hoy vamos a hablar de esos temas que precisamente nos producen ese efecto, emocionarnos.


     Corría el año 2007 y Tuomas Holopainen (Teclista, compositor y líder del grupo Nightwish) y Marco Hietala (Bajo del grupo Nightwish) coescriben y componen un tema que se convierte en el tema principal de la banda sonora de la película finlandesa llamada Lieksa!, escrita y dirigida por el director de cine también finlandés Markku Pölönen. Película que tiene como hilo conductor a la familia Koppelo, una familia que vive de forma ambulante, y que tiene una forma de ganarse la vida un tanto peculiar. Un día intentando robar un vehículo a un hombre la cosa se tuerce y acaban secuestrándole. Película de la que no cuento más para no estropearos el argumento por si os apetece verla.


     El caso es que el tema principal de la banda sonora, como comenté anteriormente es un tema que Tuomas y Marko, ambos del grupo Nightwish escribieron para esta película. El tema está interpretado por estos dos músicos y por Jukka Nevalainen, batería también de Nightwish. Este tema está incluido en la discografía de Nightwish por deseo de Tuomas, que comentaba que no se sentía a gusto atribuyéndose la autoría personal del tema, de hecho es tocado por la banda habitualmente en sus conciertos.

Sweet little words made for silence
Not talk
Young heart for love
Not heartache
Dark hair for catching the wind
Not to veil the sight of a cold world

Kiss while your lips are still red
While he`s still silent
Rest while bosom is still untouched, unveiled
Hold another hand while the hand`s still without a tool
Drown into eyes while they`re still blind
Love while the night still hides the withering dawn

First day of love never comes back
A passionate hour`s never a wasted one
The violin, the poet`s hand,
Every thawing heart plays your theme with care

Kiss while your lips are still red
While he`s still silent
Rest while bosom is still untouched, unveiled
Hold another hand while the hand`s still without a tool
Drown into eyes while they`re still blind
Love while the night
still hides the withering dawn.





     El tema comienza con una introducción de teclado que ya desde el comienzo aventura que algo grande va a pasar, y entonces Marco Hietala empieza a susurrarnos el tema mientras se suceden imágenes de la película alternadas con imágenes de Marco cantando acompañado por detrás de Tuomas y actores de la película. Tema que va poco a poco creciendo para acabar atrapándonos y que va acompañado de un violín que le da al tema un toque espectacular.


     Para mí es un tema maravilloso, lo he escuchado miles de veces y siempre que lo vuelvo a escuchar me sigue produciendo las mismas sensaciones que me produjo la primera vez que lo escuche. Un tema además que desde la primera vez que se lo descubrí a mi mujer lo hizo suyo, su tema favorito. Buen momento para volver a escucharlo si ya lo conocéis, y si no para descubrirlo....

Canciones que no soporto: Viva la vida, Coldplay

Viva la Vida (Coldplay)

     Corría el año 2008 y el grupo Coldplay saca a la luz su cuarto álbum de estudio titulado Viva la Vida or Death and All His Friends, Producido por el famoso productor Brian Eno (Conocido por sus trabajos con U2 y Ultravox entre otros). Este disco se convirtió en el disco más vendido en el campo de las ventas digitales de pago, llegando a vender cerca de 1.300.000 copias sólo en Estados Unidos.

Este disco también se convirtió en el disco más vendido de ese año, estando también entre los más vendidos también al año siguiente, 2009. como se puede apreciar, éste disco fue un auténtico pelotazo para Coldplay.


     Dentro de éste álbum  podemos encontrar el sencillo titulado Viva la Vida, tema que desde el primer momento que salió alcanzó el puesto nº 1 en la lista iTunes top 100,consiguiendo además colarse en tre los diez primeros puestos de la famosa lista americana Billboard 100.
En el año 2009 Viva la Vida se alza con el premio Grammy a la canción del año.

    

     Todo iba sobre ruedas para el grupo Coldplay, con un disco que estaba generando un sinfín de ingresos y un sencillo que además de resultar un auténtico pelotazo consiguió el tan ansiado premio Grammy para cualquier músico que se precie. Pero hubo un hecho que rodeó de cierta polémica el citado tema.


     A finales del año 2008, coincidiendo con la presentación de los nominados a los premios Grammy de ese año (Premio que alcanzó Coldplay posteriormente), en la corte Federal de Los Ángeles, Joe Satriani presenta una demanda por supuesto plagio, argumentando que el tema Viva la Vida era un plagio des su tema 'If I Could Fly, integrado dentro del álbum Is There Love In Space, del año 2008

'If  I Could Fly, (Joe Satriani)

     Evidentemente el grupo Coldplay negó estas acusaciones y se defendió diciendo que su canción la habían escrito mucho antes del año 2004, año en el que Satriani lanza al mercado 'If I Could Fly. La otra parte, Joe Satriani manifestaba que había intentado mantener un diálogo con la otra parte, y ante la negativa a dialogar de Coldplay se había visto forzado a presentar dicha demanda y que decidiera un juez sobre la supuesta coincidencia.


     Al final la sangre no llegó al río, poco después Coldplay y Joe Satriani llegarían a un acuerdo extrajudicial, dándose amabas partes por satisfechas .


    Dentro de todo el proceso, como es lógico salieron vertientes en defensa tanto de una parte como de la otra, que si el ritmo es tan común y  característico que ha sido usado en más ocasiones por otros artistas, que si es una copia un tema del otro, etc......; Podemos seguir especulando sobre la verdad de todo esto, una verdad que morirá con los implicados. Yo os recomiendo que escuchéis ambos temas y saquéis vuestras propias conclusiones, pues yo así lo hice. Simplemente por la polémica que rodeó al tema ya no me gusta, no soy capaz de escucharlo ni verlo con buenos ojos. También es cierto que la polémica surgió con uno de mis guitarristas fetiches, lo que hace que yo tampoco sea imparcial en todo éste asunto, supongo.











El disco de la semana 106: Loquillo - Feo, fuerte y formal.

40 años lo contemplan. 40 años al pie del cañón, pero no ha sido nada fácil llegar hasta aquí. Del Loco y su trayectoria podemos decir que hay 3 etapas claras: la etapa con Sabino Méndez, donde se forman las bandas Intocables y Trogloditas, la etapa donde se gesta todo lo que vendría después y donde se cosecha gran éxito. Aquí el directo "A por ellos..." marcaría el final de la misma, con la salida de Sabino y donde el Loco llega  a lo más alto de su carrera.

Una segunda etapa más oscura donde empieza a probar otros sonidos, estilos, y donde crece el personaje. Es la etapa oscura de los 90 y principios de los 2000. Aqui, los Trogloditas originales fueron saliendo hasta quedar sólo el bajista Simón- Y podemos decir que, al igual que la anterior, esta etapa se cierra con otro disco en directo "Hermanos de Sangre".

Parón y cuenta nueva para la tercera etapa de Loquillo, ya sin la marca de Trogloditas y sin ningún miembro de sus inicios. El Loco se vuelve a reinventar en cada disco que saca, desde un disco en directo en un teatro a otro con Sabino Méndez (sí, han vuelto a trabajar juntos) u otro de rockabilly. Qué nos tendrá preparado en un futuro???

Pues bien, el disco elegido "Feo , fuerte y formal" es de la segunda etapa y para mí uno de los mejores de Loquillo en su carrera. El sonido está muy cuidado, gracias al trabajo del productor Jaime Stinus (ExMondragón, ExRebelde…). Además de Stinus como productor (también es el autor de la música de "La edad de oro"), intervienen como autores de las canciones, junto al Loco en la letra, los habituales de esa época como Gabriel Sopeña y Carlos Segarra (Rebeldes) y donde empieza a colaborar no sólo como compositor sino como parte integrante de la banda el gran Igor Paskual (Ex Babylon Chat), mano derecha habitual en la actualidad del Loco. Por último, destacar además dos joyas en el disco, una la versión de Lone Star "Mi calle"; y una nueva versión de "Barcelona ciudad"
El título del disco hace referencia al epitafio que durante años puedo leerse en español en la lápida de la tumba anónima del actor John Wayne, "Feo, fuerte y formal", ya que su esposa decidió suprimir su nombre por temor a una profanación.*

*Agradecer a Luis Almohalla el gran texto que nos ha dejado

Y ahora pasaré a desgranar los temas del disco


Deportivo 7:

Empieza con un gran protagonismo de la guitarra, llegando a una mezcla de rock-heavy que hace que prometa, cuando irrumpe la voz de Jose Maria Sanz con su mensaje callejero pandillero, "Nunchacos y cadenas, hebillas y correas, no evites la pelea, no trates de huír en el Venus 2000"  mientras la guitarra sigue pidiendo su sitio. Un buen comienzo para un disco que promete rock bueno y del que se hacia en los años 80.... mucha melancolía.

Las chicas del Roxy:

Tema absolutamente Loquillo... que si, que es una obviedad, pero aquí esta su estilo, sus temas, su voz condensada en menos de 3 minutos de una forma magistral, ese estilo rockero cargado de guitarra, vuelve a la calle, los malotes, las mujeres fatales y como no ese tono que solo su voz puede dar para acompañar la instrumentación...

Al abrigo de la madrugada

sin nada que decir

En las noches cansadas

no tienen prisa por partir

Las chicas del Roxy

fuman, beben

y hablan con los hombres

Las chicas del Roxy

Qué barbaridad...

Feo, fuerte y formal: 

Nos encontramos ante el buque insignia del álbum, una canción que ha sonado multitud de veces y es quizás de las mas conocidas de la etapa de Loquillo en el Siglo XXI. Aquí se relaja la instrumentación y la melodía esta mas marcada. El tema se puede tomar como una autobiografía y una declaración de intenciones del autor, donde sin prejuicio ninguno desnuda lo que ha sido su "....Y como el duque: Feo, fuerte y formal...". Este es sin duda un tema que esta dentro de la mitología del colectivo que durante nuestra juventud escuchábamos a Loquillo, ¿quien no ha espetado en la cara de alguien con una copa en la mano eso de...
pasado. Personalmente como cinefilo me encanta esa referencia y esa reivindicación a uno de los actores mas grande que ha dado Hollywood, John Wayne, apodado el Duque 

No vine aquí para hacer amigos
Pero sabes que siempre puedes contar conmigo
Dicen de mí que soy un tanto animal
Pero en el fondo soy un sentimental

Disfruten de uno de los grandes temas del rock en castellano.


El manager:

Ahora nos encontramos una canción totalmente directa, sin metáforas, sin esconder nada bajo la manga, un tiro de gracia contra los managers que tratan de chupar todo lo que puede de sus artistas, y es que según he leído Loquillo tuvo bastante problemas con sus managers hasta que dio con Gay Mercader, que es todo lo que un músico necesita, en el fondo la canción retrata justamente lo que debió sucederle hasta que en los años noventa tomó Mercader el rumbo de su carrera.

Mi calle:

Es una versión del clásico del grupo Lone Star, una formación pionera del rock formada en Barcelona a comienzos de los años sesenta y que no disfruto del éxito que se merecían. En esta ocasión Loquillo actualiza una de sus canciones y homenajea a uno de los primeros que empezó a recorrer el camino que él tan bien ha sabido llevar, y es que Mi calle se amolda perfectamente a lo que es Loquillo un texto de marginalidad. Inspirada en la Calle del Trovador de Barcelona, viviendas demacradas, niños descalzos, bares de mala reputación, violencia…

La edad de oro:

Brillante tema donde cambia radicalmente el estilo, se suaviza, y con una voz mistica y adormecida nos cuenta una bellisima historia de amor residual, de admiración absoluta a pesar de los años a una figura que siempre fue admirada, canción plagada de poesía

Turbia mirada de complicidad

Fuego cruzado en la oscuridad

En la lujuria de aquellos días

entre disparos de cocaína

viciosa y terminal

no tenía rival

Acostumbrada al amanecer

a fiestas con Charme y placer

El Mundo siempre a sus pies

Sueños en plata de ley

Chica mal de casa bien

Lo dice el viejo tango de Gardel

La elegancia en la guitarra de Jaime Stinus le da un aire al Heroes de David Bowie que te envuelve... una verdadera joya...

Soltando lastre:

Sigue el tono suave en el disco, pero en esta ocasión sumida en una melancolía brutal y una mirada al pasado como en la canción La edad de oro, pero en esta ocasión, Loquillo dirige la mirada a su persona, y se da cuenta de lo que ha sido y de lo que es, y lo que le gustaba y lo que le sigue gustando  y como él, sigue teniendo que ser él, sin mas porque se lo pide el cuerpo y la mente..."Ya no tocan la música de antes, No tengo amigos, No tengo amantes, pero guardo en mis bolsillos un par de diamantes, Aquí me tienes soltando lastre.....". En esta ocasión Gabriel Sopeña pone su granito de arena para crear esta joya.

Territorios libres:

Aquí se nos ha puesto subversivo, una declaración de rebeldia personal y de que no lo encasillen en ningún lado, su barco es su persona y su objetivo el que él mismo crea conveniente. Grande Loquillo en esta faceta

Charnego (a la manera de Gato):

Cantada en dos idiomas, Catalán y Castellano, Loquillo reivindica a todos aquellos que llegaron a Cataluña en los años sesenta en busca de un futuro mejor y le hace un homenaje a ritmo de rock-rumba magnifico, de nuevo acompañado de Gabriel Sopeña, crea una canción pegadiza e incluso bailable demostrando que para reivindicar no hay que ponerse aburrido y trascendental.

Barcelona ciudad:

Cancion emblematica de Loquillo que luego se convirtio en el titulo del libro de sus memorias de juventud cuando corria por la ciudad en busca de labrarse un futuro y con ganas de comerse el mundo, un homenaje crudo a su ciudad en esta cancion que no entiendo como no ha conseguido mas relevancia.

Aquí en Barcelona ciudad 
tu sueño no se hará realidad. 
Ardiendo en tu habitación, 
sentado en cualquier rincón, 
esperando con pasión 
tus dos de Rock'n Roll. 

Aquí en Barcelona ciudad 
harto ya de esperar 
a una chica irreal 
en Barcelona ciudad. 
Amor es una palabra casual 
y el sexo un juego más 
en Barcelona ciudad.

Canciones que no soporto: It's My Life, Bon Jovi

Crush, Bon Jovi

     Bon Jovi fue creada en 1983 en la ciudad de New Jersey, Estados unidos, por Jon Bon Jovi . La componen actualmente además de Jon Bon Jovi (Vocalista), David Bryan (Teclista), Tico Torres (Batería), Hugh McDonald (Bajista), y Phil X (Guitarrista). En su momento también formaron parte de la misma Alec John Such, que fue bajista de la banda hasta el año 1994, y el mítico Richie Sambora (guitarrista) que abandonó la formación en 2013.

Bon Jovi (1987)

     En el año 2000, Bon Jovi lanza su séptimo álbum de estudio, Crush, vendiendo la nada despreciable cantidad de 8 millones de copias en todo el mundo, ocupando el nº 9 en la lista Billborad de Estados Unidos. En este disco se encuentra el tema It's My Life, que fue el single más exitoso de la banda.



Bon Jovi (2016)

     Y me voy a centrar en este tema, It's My Life, por lo que para mí representa. Bon Jovi es una banda a la que tengo un respeto absoluto, pues sus primeros cuatro trabajos, Bon Jovi, 7800º Fahrenheit, Slippery When Wet y New Jersey, son muy buenos. Con Crush entremezclan ese sonido rockero que les caracterizaba con un sonido más pop, con lo que su estilo lo catalogaría de Pop-Rock, confirmándose lo que ya se intuía en su anterior disco These Days (1995), en el cuál ya dejaban constancia de ese sonido más pop en el disco. Aunque en discos posteriores han hecho cosas muy interesantes, siempre ha estado rodeado en mayor o menor medida por ese aire Pop-Rock.


     No es por el tema en sí, es por lo que significa el mismo, ese cambio de sonido, donde ese sonido rockero de ellos que tanto me gusta perdió protagonismo por un sonido más Pop.


     Bon Jovi es una buena banda, pero a mí me gustaban más Rockeros. Llamarme sentimental.........