En 1969 BB King lanza Publica Live & Well, un álbum de blues donde cinco de las 10 pistas que lo componen fueron grabadas en vivo en Village Gate, en la ciudad de Nueva York, y las otras 5 fueron grabadas en estudio. El disco fue grabado bajo la producción de Bill Szymczyck y publicado bajo el sello discográfico Buesaway. Según el productor Szymcyck, Live & Well fue el resultado de juntar algunos de los mejores músicos jóvenes de blues del país junto a BB King en los famosos estudios The Hit Factory de Nueva York durante un par de noches para los temas de estudio. Los músicos que acompañaron en las sesiones en directo de este disco a BB King (guitarra y voz) fueron Sonny Freeman (batería), Lee Gatlin (saxofón), Val Patillo (bajo), Patrick Williams (trompeta) y Charlie Boles (organo); y los músicos que acompañaron en las sesiones de estudio Paul "Harry" Harris (piano), Hugh McCracken (guitarra), Gerald Jemmott (bajo), Herb Lovelle (batería) y Al Kooper (piano).
Aunque Live & Well no puede compararse al histórico directo Live At The Regal (1965), si supuso un gran avance en el aspecto comercial para BB King, convirtiéndose en su primer disco en alcanzar el Top 100 en las listas de ventas de Estados unidos. La cara A está formada por 5 temas de una presentación en vivo en Village Gate, Nueva York, mientras que la cara B está formada por 5 grabaciones de estudio grabadas en directo. Incluido en la cara B se encuetra el tema Why I Sing The Blues, escrito por BB king junto al promotor discográfico afroamericano Dave Clark, el tema más destacado de los temas grabados en el estudio y que se convirtió en un tema imprescindible y esencial en las presentaciones en vivo de BB King durante los siguientes años. En 1983 el sello MCA Records lanzaría Why I Sing The Blues, un recopilatorio de grandes éxitos de BB King de finales de los 60 y principios de los años 70 y donde el tema que da título al disco sería la canción principal del álbum. Este recopilatorio sería lanzado en formato CD en 1992.
Beginnings es una canción escrita por Robert Lamm para la banda de rock Chicago Transit Authority y grabada para su álbum debut Chicago Transit Authority, lanzado en 1969. La canción es el segundo sencillo de la banda, después de "Questions 67 and 68", pero falló para trazar en su lanzamiento inicial.
Después del éxito de la banda con sencillos posteriores, Beginnings fue relanzado en junio de 1971, respaldado por Colour My World. Ambos lados se convirtieron en éxitos de radio de EE. UU., y el sencillo combinado subió al número siete en la lista de sencillos Billboard Hot 100 de EE. UU. Beginnings alcanzó el número uno en la lista de fácil escucha de EE. UU.
Escribiendo para Ultimate Classic Rock, Dave Swanson califica a Beginnings como el número dos en su lista de las diez mejores canciones de Chicago. Ha sido versionada por muchas bandas, incluida la banda tributo Leonid and Friends.
Robert Lamm dijo que Beginnings se inspiró en una actuación de Richie Havens a la que asistió en el club de música Ash Grove en Los Ángeles cuando el grupo se mudó a esa zona. En una entrevista de 2013, dijo que la compuso con una guitarra de doce cuerdas a la que le faltaban las dos cuerdas E graves.
En 1967 el grupo británico de blues rock y hard rock compuesto por Alvin Lee (guitarra y voz), Leo Lyons (bajo), Chick Churchill (teclados) y Ric Lee (batería), publican su álbum debut, de título homónimo, Ten Years After. Con dicho disco consiguen tener éxito en Reino Unido, lo que les vale realizar una gira por los países escandinavos y Estados Unidos.En mayo de 1967 el grupo lanza su primer disco en vivo, Live Undead, el cual contiene una más que notable versión del tema I'm Going Home, uno de sus mayores éxitos de siempre.
La confirmación y consagración de la banda llega con su segundo álbum de estudio, Stonedhenge. Este disco es grabado entre el 3 y el 15 de septiembre de 1968 en los estudios Decca, ubicados en el área londinense de West Hampstead, bajo la producción de Mike Vernon y publicado en enero de 1969 en Estados Unidos y en febrero de 1969 en Reino Unido por Deram Records, sello discográfico subsidiario de Decca Records.
Alvin Lee y compañía tenían una amplia experiencia con el boogie rock, y en Stonedhenge, con la ayuda de Mike Vernon, el grupo entra en una etapa más experimental y se orientan hacia otros sonidos como el blues y el jazz. mezclados, con mucho acierto, con la fuerza del rock and roll. En definitiva, en este disco se mezclan el potencial creativo con ese sonido explosivo de la banda para regalarnos un disco lleno de virtuosismo por parte de estos cuatro músicos. A lo largo de la escucha del disco descubriremos que todos los integrantes del grupo tienen su momento para lucir sus grandes habilidades instrumentales. Stonendhenge es un disco que contiene temas donde se producen grandes momentos de improvisación, algo que a día de hoy se echa mucho en falta.
Abre este disco Going To Try, la voz de Alvin Lee en conjunción con los teclados y el toque rockero mezclado con unas magníficas percusiones tribales hacen que este tema sea la apertura perfecta para engancharnos. I Cant't Live Without Lydia es un corto tema de apenas minuto y medio que sirve para que el tecladista Chick Churchill nos de una muestra de todo su potencial. Woman Trouble ,donde la voz y la guitarra de Alvin, el swing de la batería de Lee, el bajo de Lyons y el sonido del hammond de Churchill se combinan a la perfección para reglarnos un majestuoso blues de doce compases. Skoobly-Oobly-Doobob, es el prefecto ejemplo de la calidad técnica de Alvin Lee con la voz y la guitarra, pues es capaz de unirlas y crear una única melodía. Cierra la cara A Hear Me Calling,uno de los mejores temas del disco, un blues donde los músicos vuelven a demostrar la compenetración que tienen. La cara B comienza con la trepidante A Sad song, la cual precede a la tradicional canción infantil Three Blind Mice, tema de apenas un minuto de duración y que cuenta con arreglos de Ric Lee. No Title, con sus más de ocho minutos de duración es otro de los grandes momentos del álbum, pues el tema va creciendo a base de improvisar y donde encontraremos secciones para la improvisación de los cuatro músicos. Faro, canción instrumental de poco más de un minuto de duración y que sirve para lucimiento del gran bajista que es Leo Lyons. cierra la el disco Speed Kills, el tema emula una locomotora en marcha y la banda se desenfrena con un ritmo salvaje, lo que convierte a este tema en el cierre perfecto y nos deja con ganas de más.
Ten Years After es mucho más que aquel grupo que se hizo famoso por la interpretación de I'm Going Home en el Festival de Woodstoock 69, y su disco Stonedhenge es una buena forma de empezar a conocer su discografía.
Chicago comenzó como una banda de jazz llamada "The Big Thing" en 1967, tuvieron un gran debut, al punto de que Janis Joplin y Jimi Hendrix describieron su sección de metales como "un par de pulmones" y al guitarrista Terry Kath como "El mejor guitarrista en el universo" y teniendo en cuenta que es Jimi quien dice eso, es uno de los mayores elogios que puede recibir un guitarrista. Una vez que consiguieron un contrato discográfico en 1969 y cambiaron su nombre a "The Chicago Transit Authority" se pusieron a trabajar en su debut, sin falta de ambicion planificaron un álbum doble que enfureció a la compañía discográfica por temor a que no se vendiera, nadie los conocia. La banda creía en su trabajo y finalmente decidio renunciar a parte de los derechos a cambio de que dejaran la obra intacta tal y como ellos lo habían…. el resultado fue excepcional, la idea de grabar canciones extendidas con arreglos complejos en un proyecto introductorio ahora es desconocida, y probablemente también estaba mal visto en 1969.
En “I'm A Man”, todos son absolutamente imprescindibles, comenzando con el bajo de Peter Cetera y la percusión al estilo de Elvin Jones de Danny Seraphine, Robert Lamm, para no quedarse atrás, interviene con una parte ardiente del órgano Hammond que recuerda el arreglo original de Steve Winwood, pero de ninguna manera intenta copiarlo. Las contribuciones del guitarrista Terry Kath no pueden subestimarse, su trabajo y las líneas de guitarra sostenidas son adictivas, aunque casi quedan eclipsadas por su voz principal gruñona en el primer verso. Kath (y, para el caso, Cetera y Lamm) se desenvuelve bien al lado de una voz muy al estilo de la proporcionada por un joven Steve Winwood. La letra, cantada por Kath, Cetera y Lamm, se murmura y se escupe con un entusiasmo auténtico, tanto que uno olvida cuál era la letra original. La versión que realizan se extiende a ambos lados del single que publicaron, con la Parte 1 en el ritmo del lado A, mientras que los más de cuatro minutos restantes, simplemente anunciados como la Parte 2, se muestran a través la cara B del lanzamiento de vinilo de siete pulgadas puesto en el mercado. Y asi fue como Chicago le dio una nueva vida a la canción de Spencer Davis Group con un atasco a toda velocidad.
" Dedicado a Guillermo Navarro, con el que tanto disfruto y tanto me aporta desde que lo conozco, desde el corazon, este pequeño texto va por ti"
Cerebrum fue un grupo madrileño formado en 1969 y estuvo formado por Javier Esteve (guitarra), Luis Navarro (cantante y armónica), Chema Pellico (bajo) y Fernando Artalejo, que sería sustituido por Pedro Moreno cuando marchó al servicio militar, a la batería. Cuatro jóvenes con muchas ganas de hacerse un lugar en el panorama musical nacional que estaba empezando a salir de los sonidos tradicionales y que se abria a nuevos sonidos y propuestas del tipo que fueran, en un momento que creadores musicales con muchas ideas, mucho talento y sobre todo ganas y sacrificio podía hacerse un lugar en el mundo de la música, y ellos fueron un paso más allá, fiel a sus ideas, a sus gustos a su talento nos sirvieron en bandeja una música de muy alto nivel que quizás no fue valorada en su momento en su justa medida. En sus comienzos en un local de ensayo en un sótano de la calle Arturo Soria, no lejos de Ciudad Lineal, consistían en larguísimas improvisaciones a partir de algún tema, sobre todo hacían versiones de grupos extranjeros, sobre todo Cream y Ten Years After, pero pronto comienzan a componer sus propios temas, estaban encaminados a un sonido único en España hasta el momento, lo suyo era el rock progresivo con ciertas connotaciones heavy y la verdad que les salió muy bien, convirtiéndose en los verdaderos pioneros del rock progresivo y el hard rock español. Aturden al oyente e impresionan a generaciones enteras que acusan con recelo a un pasado, donde quizá no se trató del todo bien a sus ídolos. Son pioneros, y aunque en las líneas de la causalidad se pierda su legado "rockero", conservan siempre ese espíritu virginal del joven eterno.
El material que nos dejaron editado consiste en dos singles bajo el sello Dimension/Ekipo, grabados en los estudios GMA de Barcelona, utilizando un ocho pistas y técnicas arcaicas para conseguir ciertos efectos sonoros. El primero de ellos, «Eagle’s Death /Read a Book» se grabó en 1969 y tuvo un muy buen recibimiento y se vendio razonablemente bien, pero el grupo nunca llegó a grabar un LP, aunque sí tenían planeado hacerlo. Según cuenta Luis Navarro, se estaba trabajando en un álbum conceptual que acabaría de consolidar al grupo, pero probablemente la distancia que los separaba de la discográfica en Barcelona supuso que esta dejase de prestarles interés al poder contar con otros grupos que estaban apareciendo allí mismo en la ciudad condal. Eagle’s death ocupaba la Cara A del single y se inicia con una explosión seguida de una fuerte entrada de punteo de guitarra y armónica a la que se une la personal voz de Luis, que siempre parecía que cantaba desde el fondo de una cueva, todo discurre siguiendo más o menos las ortodoxas reglas del blues hasta que poco a poco se percibe un piano ajeno a toda esta descarga guitarrera que interpreta en un tono distinto a los demás músicos un Nocturno de Chopin. El piano poco a poco va aumentando su volumen, comiéndose a la dislocada guitarra, mientras el bajo y la batería mantienen un ritmo monótono. Ambos desaparecen para dejar sola a la batería que enlazará con la segunda estrofa de la canción cantada sobre un insistente riff de guitarra y armónica. Tras lo que parece un final convencional, el piano desgrana de nuevo sus últimas notas. Un tema experimental donde los haya que nos revela el desparpajo de esta gente, totalmente ajena a modas y gustos, que hacía una música de fusión, no en el sentido que ahora la entendemos sino en el auténtico sentido de fundir estilos y sonidos absolutamente dispares. En fin, uno de esos temas, que uno aplaude a rabiar o abuchea encolerizado, pero ante el que no caben términos medios.
It's Your Thing es un influyente sencillo funk de los Isley Brothers. Lanzado en 1969, el himno funk (y feminista) fue una respuesta artística al exigente control del jefe de Motown, Berry Gordy, sobre sus artistas después de que los Isley abandonaran el sello a fines de 1968.
La letra del coro, que también sirve como primer verso, dice: "Es lo tuyo / Haz lo que quieras hacer / No puedo decirte / A quién pegarle".
La canción ocupa el puesto 420 en la lista de la revista Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.
Otros éxito popular que la banda logrará editar con el sello, fue con la canción "This Old Heart of Mine (Is Weak for You)", The Isley Brothers se sintieron encasillados en el papel como un acto de segundo nivel, mientras que los bien establecidos Detroit actúan como The Temptations, The Miracles y los Four Tops obtuvieron más promoción del sello Motown.
La decisión de los hermanos de dejar Motown se produjo después de una exitosa gira británica, donde tenían una base de fans más grande que en Estados Unidos. Un relanzamiento de This Old Heart había alcanzado el número tres en la lista de singles del Reino Unido. Un éxito similar llegó con dos sencillos más de su catálogo de Motown que fueron éxitos mucho después de su salida de Motown.
Berry Gordy permitió que los hermanos dejaran el sello y los Isley reactivaron su propio sello, T-Neck Records, que originalmente habían fundado unos años antes de firmar con Motown. Para Buddah Records, los Isley grabaron It's Your Thing, que Ronald escribió al llegar a casa después de llevar a su hija Tawana a la escuela. El cantante principal dijo que pensó en la melodía y algunas de las letras en su cabeza. Sus hermanos mayores O'Kelly y Rudolph ayudaron a componer más letras.
La canción se reproduce en la película de 1999 Muppets from Space cuando sus parientes alienígenas sacan a Gonzo de un cañón, celebrando su enfoque único de la vida.
Frank Zappa y sus Mothers of Invention publican en abril de 1969 su quinto álbum de estudio, Uncle Meat, un disco desarrollado como parte del llamado No Commercial Potential, un poyecto que generó tres álbumes más que comparten una conexión conceptual: We're Only en It for the Money, Lumpy Gravy y Crusing with Ruben & the Jets. Zappa quería que el disco sirviera como disco de la banda sonora de una película de ciencia ficción que no se llegaría a completar. posteriormente Zappa lanzaría en 1987 una película que contiene imágenes de prueba del proyecto. En este doble álbum Zappa se mueve por infinidad de estilos, rock experimental, música orquestal, jazz, blues, rock y doo wop entre otos. Uncle Meat, un doble álbum que se convirtió en un éxito comercial desde su lanzamiento y ha sido muy aclamado por sus innovadoras técnicas de grabación y edición, incluidos los experimentos en la manipulación de la velocidad de la cinta y el doblaje, y su grabación.
Frank Zappa ya había mostrado su gran interés en el cine desde la escuela secundaria, y decidió desarrollar un vehículo para los Mothers of Invention, titulado Uncle Meat. La película combinaría elementos de ciencia ficción e historias de carretera inspiradas en las escapadas sexuales de la banda. Finalmente este álbum quedaría englobado dentro del proyecto que empezaría posteriormente, No Commercial Potential, donde todo el material de los discos del proyecto esta relacionado.
Para las sesiones de grabación Zappa utilizó la tecnología de grabación de 12 pistas así como una variedad de técnicas que hicieron realidad su genial y particular visión, incluida una gran cantidad de sobregrabaciones, tocando instrumentos no convencionales a través de efectos de estudio y acelerando o ralentizando dichas grabaciones para lograr un efecto artístico. Zappa quería desafiar la complacencia de los fanáticos de la música contemporánea, ya que sentía que su base de fans estaba acostumbrada a aceptar todo lo que se les daba, ya fuera política, social o musical. Quería sacar a los fans de la zona de confort y complacencia y que se empezaran a cuestionar las cosas.
Un claro ejemplo de todas las innovaciones técnicas de grabación es el tema Dog Breath, In The Year Of The Plague, canción que está concebida como una canción de rock and roll y que se repite posteriormente en el álbum como un instrumental de poco más de minuto y medio de duración, interpretado por teclados, percusión y guitarra acústica. La versión rock and roll presenta tres versos con el primer coro a cargo del cantante de ópera Nelcy Walker, y el segundo coro presenta las voces aceleradas. Acabado el tercer verso, la canción se convierte en una pieza de vanguardia, una pieza orquestal interpretada por percusión, teclados y varios instrumentos. La sección central de la canción tiene nada menos que cuarenta pistas integradas, y contiene rarezas como la trompetas que suenan, que en realidad son clarinetes tocados a través de un dispositivo eléctrico, o varios sonidos peculiares hechos con un órgano eléctrico Kalamazoo. Dog Breath, In The year Of The Plague es una clara muestra de la maestría, visión y destreza compositiva de Frank Zappa.
La canción Lay Lady Lay, escrita por Bob Dylan e incluida en su disco Nashville Skyline (1969), tiene la particularidad, como algunos otros temas del álbum, de estar grabada en un tono vocal bajo y en clave crooner, muy alejado del habitual estilo nasal del cantante de Minnesotta. Escrita originalmente para la banda sonora de la película Midnight Cowboy, Dylan la terminó in extremis y no pudo enviarla a tiempo de ser finalmente incluida en la película.
Como ocurre con casi todas las canciones de Dylan, hay cierta controversia sobre su significado, o en este caso, sobre quién es la mujer a la que van destinados los versos de índole romántica y sexual en los que el cantante ruega a una hipotética amante que pase la noche con él. Parece que pudieran estar dedicados a su novia Sara Lownds, a la que dedicó otros temas como "Sad eyed lady of the lowlands" o "Sara". Sin embargo, el propio Dylan, jugando siempre al despiste, dijo en una ocasión que Lay lady lay fue escrita para Barbra Streisand. Fuera quien fuera la destinataria de las palabras de amor y deseo de Dylan, la calidad de la canción la predestinaba inevitablemente al éxito. El single de Lay lady day fue publicado en Julio de 1969, alcanzando el puesto 7 del Billboard Hot 100 estadounidense, y el quinto puesto en las listas del Reino Unido, convirtiéndose rápidamente en uno de los temas imprescindibles del cancionero de Dylan.
Cuesta pensar que este mítico tema a punto estuvo de caer en otras manos, pero en palabras de Don Everly de los Everly Brothers, Dylan les interpretó algunas partes de la canción a finales de los sesenta, cuando andaban buscando nuevas canciones. El encuentro fue bastante curioso por ambas partes, ya que los Everly Brothers le escucharon admirados, pero no interpretaron que Dylan pudiera estar ofreciéndoles un tema tan bueno, y Dylan por su parte se acabó guardando su canción cuando vio que no se la pedían. Curiosamente, los Everly Brothers acabaron grabando una versión de la canción, 15 años después de la grabación de Dylan.
Leonard Cohen realizó en 1969 una versión adaptada de "The Partisan" o "The lament of the Partisan", himno antifascista que ensalzaba a la Resistencia francesa durante la Segunda Guerra Mundial. La canción original, titulada "La Complainte du partisan" fue compuesta en 1943 por la rusa Anna Marly. Su interpretación fue difundida por la BBC, e inspiró la letra escrita por Emmanuel d'Astier de la Vigerie, líder de la resistencia francesa.
Cohen se basó en la adaptación al inglés realizada por Hy Zaret, conocido por ser también el letrista del tema "Unchained Melody" para la película de 1955 Unchained, que se convertiría en una de las canciones más versionadas de la historia de la música, logrando su mayor éxito en la versión de The Righteous Brothers. La versión de Cohen llevó el título de The Partisan, y fue incluida en su álbum de 1969 Songs from a Room, y publicada como sencillo en Europa.
En la voz del músico y poeta canadiense, The Partisan volvió a alcanzar la popularidad perdida, y fue de nuevo inspiración para otros artistas, que grabaron también sus propias versiones. Entre ellas, cabe destacar también la de Joan Baez, que la publicó bajo el título de "Song of the French Partisan".
Bird on the Wire es una de las canciones emblemáticas del artista Leonard Cohen. que fue grabado el 26 de septiembre de 1968 en Nashville e incluido en su álbum de 1969 Songs from a Room.
Existe otra grabación de mayo de 1968 producida por David Crosby, titulada Like a Bird, se agregó al CD remasterizado de 2007. Judy Collins fue la primera en lanzar la canción en su álbum de 1968 Who Knows Where the Time Goes. Joe Cocker también hizo una versión de la canción en su segundo álbum de estudio al año siguiente a este.
En la década de 1960, Leonard Cohen vivía en la isla griega Hydra con su novia Marianne Ihlen, la mujer representada en la contraportada de Songs from a Room. Ella relató cómo lo ayudó a salir de una depresión entregándole su guitarra, después de lo cual comenzó a componer Bird on the Wire, inspirado en un pájaro posado en uno de los cables telefónicos recientemente instalados de Hydra, seguido de recuerdos de noches húmedas en la isla. Lo terminó en un motel de Hollywood.
Leonard Cohen ha descrito Bird on the Wire como una simple canción country, y la primera grabación, de Judy Collins, se hizo en un ambiente country. Más tarde realizó varios cambios menores, como las modificaciones presentes en Cohen Live. Se incluyen diferentes versiones en todos sus álbumes en vivo. En ocasiones también interpretó en concierto la versión francesa de Serge Lama, "Vivre tout seul".
En las notas de portada de un relanzamiento de 2007 de Songs From A Room, la canción se describió como "simultáneamente una oración y un himno, una especie de 'My Way' bohemio".
En las notas de la compilación de 1975 The Best of Leonard Cohen, Cohen escribió sobre la canción:
"Siempre comienzo mi concierto con esta canción. Parece que me devuelve a mis deberes. Se comenzó en Grecia y se terminó en un motel de Hollywood alrededor de 1969 junto con todo lo demás. Algunas líneas se cambiaron en Oregón. Parece que no puedo hacerlo perfecto. Kris Kristofferson me informó que le había robado parte de la melodía a otro escritor de Nashville. También dijo que pondrá las primeras dos líneas en su lápida, y me dolerá si no lo hace."
Se ha sugerido que la canción a la que se refería Kristofferson es "Turn Me On", escrita por el compositor de Nashville John D. Loudermilk, que fue grabada originalmente por Mark Dinning en 1961 y luego versionada por muchos otros artistas, incluida Nina Simone, y que comparte una melodía similar y algunos patrones líricos con la canción de Cohen.
The Colour of spring es un álbum de transición en todos los
sentidos, no esta situado perfectamente en el medio de la carrera de cinco
álbumes de la banda, sino también en cómo se mueve entre las pistas de apertura
más pop como "Happiness Is Easy" y el sencillo "Life's What You
Make It" a las más experimentales, "Chameleon Day" y "Time
It's Time", que pronosticaron el próximo movimiento de la banda hacia un
futuro más ambiental. Fue un salto altamente que trascendió con gracia más allá
del mundo del synthpop y evolucionó no solo hacia la próxima versión de la
industria de la música pop, sino que creó un sonido extraordinariamente
idiosincrático que hasta el día de hoy todavía suena como ningún otro. Con el
cambio de estilo, quedó más claro que el elemento central de la banda era el
estilo vocal de Mark Hollis, si bien la música que apoyaba su destreza vocal
cambió a su alrededor, sus distintas texturas auditivas se ven acentuadas por
los nuevos acompañamientos instrumentales que ofrecen un tapiz más sutil y
frágil de una amalgama de instrumentación en constante expansión que prepararía
el escenario para el overdrive artístico post-rock. del siguiente “Spirit of
Eden”.
Comienza el álbum con Happiness
is Easy e instantáneamente vemos el cambio que ha tenido la banda, ni
rastro de esos riffs de sintetizador, y te queda cara de póker, pero después de
unos treinta segundos te han convencido que deshacerse de esos sintetizadores
fue una buena idea. Quizás hay demasiada sinceridad ya que este coro, que se canta
junto con algunos niños, es un poco demasiado dulce, pero están dispuestos a
asaltar la banca y no se van a detener en excesos e innovaciones. I Don't Believe in You nos mete en una y
nos presenta a Hollis en su versión más conmovedora y quejumbrosa. Un ritmo
lento y lánguido aprovecha una progresión de acordes simple para darnos los
momentos más brillantes de la canción, el bajista Paul Webb siempre fue una
característica integral del sonido de Talk Talk, creando fuertes líneas melódicas
que gobernarían muchas canciones e inspirarían distintos ritmos, aquí tenemos
un ejemplo claro y el guitarrista Robbie McIntosh desata algunas notas
sostenidas y abrasadoras que llevan la pista a nuevas alturas.
Life's What You Make It nos sorprende
con su riff de guitarra bastante agresivo y la voz de Mark llena de grandilocuencia,
Hollis sigue sonando más o menos igual, pero la atmósfera de esta canción es
totalmente diferente; más pesado en el lado de la música con la adición de
algunos teclados reales. Fue lanzada como sencillo en 1985 para alimentar el
interés en el álbum a pesar de que fue la última en escribirse tras la de la discográfica
por la falta de un sencillo obvio, al principio Hollis y Friese-Greene se resistieron,
pero más tarde lo abordaron como un desafío. “Siempre quisimos hacer una
canción que se basara en un riff de piano muy simple y una parte de batería muy
fuerte posterior”, dijo Mark Hollis, hablando en 1986 sobre esta canción.
“April 5th”
comienza muy tenue y permanece así durante sus 6 minutos de duración, llenando
los puentes entre los coros con una modesta improvisación instrumental que
acentúa aún más la atmósfera tranquila, sin duda estamos ante la balada más
inquietante de la carrera de la banda, ampliando el sonido malhumorado que se
toca en la segunda pista y multiplicándolo por diez. La incorporación de una
gama más amplia de instrumentos (incluido un saxofón, un variofón, un dobro y
un órgano), una estructura de canción más creativa y algunas de las voces más
emotivas de Mark Hollis hacen de esta la pista más singular hasta ahora en la
carrera de la banda, fue su primer gran paso en la dirección de su futuro
sonido y una declaración importante de la banda. Pero si tú, como yo, tienes
hambre de la voz de Mark, encontrarás que Living
In Another World es la mejor canción del álbum, el comienzo es bastante
discreto, la pista inspira suavidad desde el principio, con el bajo de Paul
Webb solo entrando en la canción y a partir del minuto 0:52 la pista se elevaron
su fuerte línea melódica y su sensación impecable, te sumerge en un torbellino
de emociones, que alcanzan su punto máximo durante el frenético estribillo. Sí,
esta es una canción que fue escrita por nuevos tipos románticos, pero fue
interpretada por una banda madura que realmente sabe lo que hace. Y esta
también es una fuerte candidata a la mejor canción donde la armónica es uno de
los instrumentos más importantes. En Give
It Up, Hollis se inspiró en el jazz modal de Miles Davis, y es una clara influencia
que se puede escuchar durante toda la pista. Friese-Greene proporciona la parte
prevaleciente del órgano Hammond y, una vez más, la línea de bajo de Paul Webb
trae una melodía cargada de gancho que apuntala la línea superior mientras
impulsa la canción hacia adelante. David Rhodes contribuye con gruñidos y
guturales barridos de guitarra en el minuto 3:22, mientras que Hollis entrega
la letra con total convicción. “Desde el lugar en el que me paro/ A la tierra
que es abiertamente libre/ Mirando los ríos correr negros/ Por los árboles que
están vacíos por la codicia”.
Chameleon
Day seguramente sea la canción más experimental del álbum, esta pieza no
estaría fuera de lugar en ninguno de sus siguientes álbumes, que consisten en
nada más que una atmósfera de jazz extremadamente escasa y la música de Hollis con
canturreos evocadores. Cierra el álbum con Time
It's Time, más de ocho minutos para constatar como todos los rastros del
pasado synth-pop de Talk Talk desaparecieron, reemplazados por fuertes
influencias de Traffic, Debussy y Satie. Predomina la calidez del órgano
Hammond, el piano acústico, la guitarra acústica y toda una gama de
instrumentos peculiares como el Mellotron y la melódica, la letra de Hollis,
como siempre profundamente conmovedora y enigmática. “Nadie sabe cuánto tiempo/
El susurro deja sin rima/ La brisa de la canción de cuna no se canta/ Babel de
los sueños”.
Un disco que es ejemplo perfecto de los grandes que fueron
los ochenta, una década que nos venden como el colmo de lo superficial, lo
plastificado y la pose, cuando en realidad contiene algunos de los mejores
momentos de la historia de la música grabada. Lo que pasa es que estas glorias
no son las que te van a poner en la tele ni en las revistas de tendencias. Para
llegar a esto hay que mancharse, meterse de lleno en el fango y rebuscar con
las dos manos. Eso sí, la recompensa hará que todo ese esfuerzo merezca la
pena.
Esta historia va sobre la magia. ¿Existe realmente? Yo creo que sí, y voy a defender con hechos la existencia de, al menos, dos tipos de magia. En primer lugar, creo que hay personas que tienen magia, y la irradian a todos los que tienen la suerte de entrar en su círculo de confianza. En segundo lugar, la magia de la música, la cual da aún más sentido a este artículo dentro del blog de 7días7notas.
Sergio Aznárez es la persona más cargada de magia que he conocido en la vida. Nació con una microftalmia severa, sus ojos eran del tamaño de una cabeza de alfiler. Se los extirparon poco antes de dejar el hospital tras su nacimiento. Durante su infancia, a los 6 años se le diagnóstico autismo.
Un profesor de magisterio le enseñó piano, y eso conectó a Sergio con la vida y le dibujó su característica sonrisa.
Conocí a Sergio a través de mi pareja, que también fue su terapeuta en
el pasado, y que guarda con su familia y con el propio Sergio una
relación de amistad de la que quiso hacerme partícipe. Recuerdo que
todos mis nervios se disiparon al momento de conocerle, tal vez a causa
de esa magia que pretendo demostrar con estas líneas, y lo que más me
impresionó fue la cordialidad y el buen humor que toda su familia
desprendía.
A partir de ahí, hemos tenido la suerte de ser partícipes de muchos momentos en la vida de Sergio. En el primer cumpleaños suyo al que asistí, le regalé un CD con canciones de Prince al piano, la mayor parte de ellas sacadas del disco "One night alone" en las que, salvo pequeños arreglos de percusión y efectos, el piano y la voz son la base de todas las canciones. Su madre, Mari Ros, siempre me dice que es uno de sus CDs favoritos y que lo pone constantemente, y yo al oírlo me hincho orgulloso como un pájaro al inflar el buche.
El piano es sólo un ejemplo de las muchas actividades que ha
desarrollado en su vida, aunque quizá sea la más emocionante. Escucharle
es un placer y una satisfacción increíbles. No dudé en "ficharle" para
que tocara en mi boda. Aceptó tocar una
pieza clásica en la intro y el final de la ceremonia, pero a condición
de que en el medio pudiera tocar su canción favorita, "Singing in the rain". Por supuesto no le negué ese privilegio y la tocó de principio a fin en un momento, como no, mágico.
La historia de su vida ha quedado plasmada en el documental "La sonrisa verdadera",
proyecto familiar que narra la aventura de Sergio y su hermano Juan Manuel al
recorrer en tándem la distancia que separa Cuenca de Tineriz, un
pequeño pueblo de las montañas Atlas de Marruecos, para que Sergio se
reencontrara con Mati, su antigua profesora, una persona que para él sin duda
está cargada de magia.
El comienzo del documental es el mejor ejemplo de lo que su familia ha supuesto para él. La manera en la que su hermano diseña el mapa, señalando con chinchetas cada alto en el camino, y uniendo las chinchetas con una cuerda para que Sergio entienda la magnitud del viaje y de las distancias, es la manera elaborada y cariñosa con la que han diseñado y cuidado cada momento vital de su vida, y que le ha permitido llegar a cotas inimaginables de superación de las barreras con las que se ha encontrado.
Acudimos al estreno del documental en la Cineteca del antiguo Matadero de Madrid, con la ilusión de ver su enésimo ejemplo de superación y de actitud ante la vida, y en mi caso para ser testigo de la existencia de la magia de la música. Viendo el documental, me embargó un sentimiento de "envidia sana" por no haber sido parte más activa de aquella aventura, yo quería estar ahí con Sergio y con Juanma de alguna manera, y lo que no sabía era que la magia estaba a punto de darme una gran satisfacción.
Aproximadamente en el minuto 45 de la cinta, hacen una de las paradas del camino en un alojamiento de un pueblo de Marruecos. La cámara fija enfoca a Sergio, que sentado en la cama empieza a hablar en alto, en un ejercicio muy típico suyo en el que, repitiendo frases, recuerda momentos y aprendizajes de su vida. Tras unos minutos hablando, se recuesta sobre la cama y empieza a golpear rítmicamente una de las patas traseras, y exactamente en el 49:14 dice claramente: ¡Prince!
Mi sorpresa fue mayúscula, y ese momento es desde entonces mi tesoro particular. De hecho, lo he comentado en reuniones posteriores con la familia, y nadie me ha creído ni se ha percatado del detalle, así que uno de los objetivos de este artículo es sacar a la luz el 49:14 para, egoístamente, volver a sacar pecho como un gorrión. Por eso esta historia va sobre la magia. Porque existe realmente. La magia de la sonrisa de Sergio, verdadera y pura porque nunca ha visto sonreír, y la magia de la música, que hizo posible que, finalmente, sí que hubiera un granito de arena con el que pude ser partícipe de un proyecto tan emocionante. La Sonrisa Verdadera.
Podéis ver el documental completo en el siguiente enlace de Youtube:
Vamos que una canción del año 1969 que fue escrita por Jesse Colin Young, cuyo título es Darkness, Darkness, que ha sido cubierto por muchos artistas, ya hablarnos de sus tantos covers.
La banda que interpreta esta canción es la banda The Youngbloods, quienes fueron los encargados de lanzar una primera versión en su álbum de 1969 Elefante Montaña. Lanzaron una versión de la canción como una sola dos veces: en 1969, que alcanzó el número 124 en la tabla de carteleras, y en 1970, que alcanzó el número 86 en la planta.
Otras de las versiones fue la de Robert Plant que lanzó una versión de la canción como single en 2002 que alcanzó el número 27 en la tabla de rock..Fue presentado en su álbum de 2002 Dreamland.
Pero como unas de las tantas canciones versionada de la historia Darkness, Darkness, lleva muchísimas versiones producida por diferentes artistas entre ellas la versión de Robert Plant, pero desde su lanzamiento en 1969, alrededor de 15 artistas ha hecho si propia versión, no alcanzará los primeros puestos pero queda claro que no será por oportunidad.
En 1969 el dúo de folk-rock y pop-rock Zager and Evans, formado por Denny Zager y Rick Evans, publica su primer álbum de estudio, 2525 (Exordium & Terminus). El dúo graba el material de su disco debut en los RCA Studios de Chicago y en unos estudios de Odessa, Texas, bajo la producción del propio dúo y de Ted daryll, y es publicado en julio de 1969 por el sello discográfico RCA Victor. Este disco llegó a alcanzar el puesto 30 en la lista estadounidense Billboard Top LPs.
Incluido en este disco se encuentra el que se convertiría en el único éxito en la carrera del dúo estadounidense, In the Year 2525 (Exordium & Terminus). Este tema, por su temática, fue un tanto raro para la época pues reflejaba la aprensión de los tiempos a la vez que se hacía eco de las maravillas de la tecnología. Comienza la canción con un verso introductorio que explica que si la humanidad ha sobrevivido hasta ese punto será testigo de los eventos posteriores en la canción. Los siguientes versos relatan la historia en intervalos de 1010 años desde el año 3535 hasta el año 6565. Según vamos avanzando por milenios la vida se va volviendo más sedentaria y automatizada, con pensamientos ya programados en píldoras para que las personas los consuman. Durante los siguientes tres milenios la canción se vuelve más apocalíptica, hasta llegar al año 9595, donde la en la Tierra se han agotado ya todos los recursos y se especula con la muerte de la humanidad. La canción termina después de 10.000 años con la extinción de los humanos y dejando la puerta abierta a que quizás esto no haya sucedido en un universo alternativo. La temática de un mundo condenado por su aquiescencia pasiva y dependencia excesiva de sus propias tecnologías exageradas tocó una fibra sensible en millones de personas en todo el mundo a finales de la década de los 60. En la grabación de la canción participó la Sinfónica de Odessa, Texas, y el tema fue grabado en un estudio en un pastizal de vacas de dicha localidad.
La canción alcanzó el puesto número 1 en las listas de éxitos de Estados Unidos y de Reino Unido, alcanzando también buenos resultados en las listas canadienses. Curiosamente esta canción fue número 1 en la lista estadounidense Billboard Hot 100 durante el alunizaje del Apolo XI.
Vamos un clásico de Joan Manuel Serrat, que está inspirada en la mitología griega, en 1969 se presentó en el IV Festival Internacional da Canção Popular de Río de Janeiro, de ahi en más se convertiría en una de las favoritas del público de Serrat, en especial en la Argentina.
Pero hace cincuenta o sesenta años era común que grandes hechos de la historia o mitología se convirtieran una camcio.
Hace medio siglo se leía de otra manera, se pensaba de otra manera, se escribía de otra manera. Penelope es uno de los mejores ejemplos de cómo un tema universal que atraviesa de manera tangencial una obra cumbre de la literatura antigua se convierte en una canción popular.
Cuenta una historia oculta detrás de los versos que aún hoy resuenan en nuestros oídos, por la voz Joan Manuel Serrat. En las palabras de Serrat, en la música de Augusto Alguero y en los arreglos de Ricard Miralles está el secreto.
Para quien no conozca la historia relatada por Homero en la Odisea, Penelope será, simplemente, una canción editada como single en 1969, en la cara B del disco aparecía Tiempo de lluvia a la que le debemos la llegada de Serrat a Sudamérica.
Sin dudas por peso propio Joan Manuel habría llegado de cualquier modo y con cualquier otra canción. Pero lo cierto es que el catalán desembarcó en Brasil aquel año. Participó con el tema Penélope en el IV Festival Internacional da Canção Popular de Río de Janeiro y siguió viaje por estas tierras.
La canción ganó en las categorías de mejor letra, música e interpretación, lo que propició su llegada a otros países, como Chile, Uruguay y la Argentina.
Penélope habla de fidelidad y espera, en el contexto de aquellos años, con la música que se escribía y se escuchaba en aquellos años, eso de finales de la década del sesenta. Penélope era aquella mujer que se sentaba a esperar en el banco del andén de una estación de tren el regreso de su amado. O al menos eso es lo que “dicen en el pueblo”, esto es lo que expresa Joan Manuel Serrat pero palabras más, palabras menos esa fue la voz de Odiseo cuando se despidió de Penélope y se fue a pelear la Guerra de Troya.
Otro artista que interpreto este éxito de Joan Manuel Serrat fue Diego Torres la grabó en el tercero de sus discos, Luna nueva, de 1996 como último track, incluyó su versión de Penélope. Si bien no fue el primer corte de difusión, terminó imponiéndose como uno de los favoritos, especialmente desde el lanzamiento de su video, el poder de esta canción de Joan Manuel Serrat es imposible que no termine en éxito.
Tu nombre me sabe a yerba fue el penúltimo single extraído del disco “La Paloma” (1969) de Joan Manuel Serrat, y es para mí algo parecido al fenómeno del ying y el yang en mi colección de discos, a la que llegó un buen día en el que mi padre me envió a casa a recoger la suya, porque iba a dejársela a un amigo. A mí aquello me sonó a tragedia, porque algo me decía que aquellos discos nunca iban a volver, y aunque obedientemente fui a casa a buscarlos, dediqué unos minutos a seleccionar aquellos discos que, desde mi perspectiva generacional, merecieran ser salvados de la quema como los libros de caballería de Don Quijote.
Aún conservo aquel puñado de discos que decidí rescatar de lo que, como sospechaba, fue un camino sin retorno. Y uno de ellos era el single de Tu nombre me sabe a yerba. ¿Y por qué me recuerda tanto al ying y el yang? En primer lugar, porque sigue siendo para mí un disco de mi padre, adoptado bajo mi custodia, pero al mismo tiempo, es un disco que siento como mío y que me encanta escuchar. No encuentro en esta canción ninguno de los rasgos que me alejan de los cantautores de la época, proclives a ese minimalismo musical y esa cadencia triste que tan poco me atrae. La letra es alegre y vitalista, y el ritmo de la canción va también en consonancia con la vitalidad de las palabras.
En segundo lugar, porque es un single con dos caras muy diferenciadas, y podría decirse que, nunca mejor dicho, totalmente contrapuestas. La vitalidad de Tu nombre me sabe a yerba contrasta sobremanera con la desgarradora y descorazonadora Balada de otoño de la segunda cara, otro de los grandes temas del cancionero de Joan Manuel Serrat y que complementaba perfectamente un disco que, gracias a aquella decisión, me permite al escucharlo que venga a mi cabeza el olor puro de la naturaleza, y el sabor de la yerba, de la que nace en el valle, a golpes de sol y de agua...
En 1969, bajo el sello discográfico Zafiro/Novola, Joan Manuel Serrat publica su cuarto álbum de estudio, con la particularidad de que éste será su primer trabajo en castellano, pues los tres anteriores habían sido lanzados en catalán. El álbum, titulado La paloma, de género cantautor, contó con los arreglos y dirección musical de Ricard Miralles, excepto en tres temas del disco, El Titiritero, Poema de Amor y Mis Gaviotas, que contaron con arreglos de Juan Carlos Calderón. El disco alcanzó el puesto número uno en las listas de ventas españolas, ayudando a Serrat a consolidar su fama tanto dentro del país como en el extranjero. El disco fue grabado en los estudios Fonit-Cetra de Milán, Italia. El hecho de grabar su primer álbum en lengua castellana, le convirtió en un principio en blanco de las críticas por parte de algunos componentes del llamado movimiento "Els Setze Jutge", que le echaron en cara el abandono de la lengua catalana en la canción para abarcar un mercado de ventas más amplio.
El disco se compone de canciones que ya habían sido publicadas en los meses anteriores, y de temas inéditos. Incluido en este disco se encuentra Poema de Amor, tema que al igual que el resto, excepto La Paloma, cuenta con letra y música del cantautor catalán. Poema al Amor, al igual que su demás compañeros de viaje del álbum, es una canto al amor, a la poesía, a la esperanza o a la emoción. En este tema, y al igual que en todo este magnífico álbum, Joan Manuel Serrat, hace gala, con apenas 25 años, de extraordinario dominio literario y del lenguaje a la hora de escribir, impropio de alguien con su edad.
Despues de publicar 3 discos en Catalan, su idioma natal (Ara que tinc vint anys, Cançons tradicionals y Com ho fa el vent) y de haber cosechado cierto exito a nivel local, Joan Manuel Serrat se lanza al mercado nacional publicando un album cantado enteramente en castellano. Según parece Serrat tenía una vocación musical y literaria bilingüe, no en vano en su casa se funden ambas lenguas al ser hijo de un catalán y una aragonesa, y lo cierto es que el paso al castellano se hace con naturalidad, sin que sus rimas se vean especialmente afectadas por la nueva gramática utilizada para construirlas. En este primer trabajo, grabado en Milán en los estudios Fonit-Cetra, se incluyen varios de los singles que ya habían sido publicados en los meses anteriores, a los que se les sumaron algunos temas más totalmente inéditos, se puede decir, por tanto, que estamos ante un disco en parte recopilatorio Joan Manuel Serrat decide lanzarse y expandir su mercado publicando un album en castellano que incluia. Una de las canciones inéditas que incluye en el disco es La paloma, una curiosa canción de la que Serrat es responsable sin casi haber creado nada, no ha hecho falta hacer magia de nuevo con su poesía en forma de canción, tampoco ha sido necesario crear música, ya que el tema musical es original del compositor argentino Carlos Gustavino que al convertirlo en canción le agregó como estribillo el segundo verso del poema, intercalándolo cuatro veces, una después de cada punto. Esta canción formó parte de un espectáculo que Ginastera llamó Suite Argentina.
Según parece no estaba prevista la incursión de esta canción en el disco, pero tras escucharla Serrat en un bar de Milán, decidió incluirla en su primer disco en castellano, y cantarla lógicamente, en el idioma natal de Alberti. La paloma del poeta español Rafael Alberti esta incluido en su libro Entre el clavel y la espada, publicado en 1941 en Buenos Aires, por la editorial Losada, y dedicado al poeta chileno Pablo Neruda. Alberti, un artista comprometido con las ideas comunistas, había escapado del franquismo vencedor en la Guerra Civil Española (1936-1939) y se había ido a vivir a Argentina el año anterior, donde permanecería hasta 1963. Ese fue su primer libro en el exilio y sobre el exilio. En su poema, la paloma parece perdida y confusa quizá como consecuencia de la situación política o bien como síntoma de enamoramiento. Alberti escribió este poema en París, primera etapa de su exilio, la desorientación de la paloma, similar a la del propio poeta en aquellos días de destierro tras la pérdida de la guerra, se intensifica con el juego de antónimos: norte-sur, noche-mañana, etc.
El álbum en el que podemos encontrar el tema, como ocurre con otros elepés de Serrat de aquella época, no tiene título al margen de su propio nombre impreso en la portada, pero fue tal el éxito de la canción que rápidamente fue conocido como "La Paloma".
Reconocido como el artista latino que mas discos ha vendido en el mundo, Julio Iglesias se ha hecho un sitio en la historia de la música por derecho propio, podrá gustarte mas o menos su estilo, sus canciones y también porque no su persona y su figura, pero lo que no cabe duda es que ha sido capaz de crear un buen puñado de canciones que mas o menos todos conocemos y que hemos cantado alguna vez, y aunque solo sea por estas razones merece tener su espacio en nuestro repaso a las mejores canciones de la historia.
Julio José Iglesias de la Cueva vivía una vida feliz, con su esfuerzo y trabajo iba para estrella de la portería del Real Madrid pero sin embargo un accidente de tráfico en la carretera de Majadahonda después de una noche de fiesta con unos amigos segó para siempre sus sueños futbolísticos, un grave accidente con un pronóstico desalentador, no volvería a andar, sin embargo no se rindió y tras mucho trabajo y rehabilitación consiguió andar, su esfuerzo y teson se sumó a los esfuerzos que realizó su enfermero Eladio Magdaleno no sólo consiguió que volviera a andar sino que lo alentó para que probara suerte con el mundo de la canción y le regaló una guitarra. En ese periodo Julio Iglesias compuso varias canciones, entre ella la protagonista de nuestro articulo, La vida sigue igual, una de las muchas composiciones que hizo postrado en una cama con la única intención que otros artistas las interpretaran, sin embargo una vez recuperada parte de la movilidad decidió visitar algunas discográficas con esos temas, pero se presenta como autor, ni se le había pasado por la cabeza cantar. Enrique Martín Garea, ejecutivo de Columbia, le convence para presentarse como cantante en el Festival de Benidorm con “La Vida Sigue Igual”, cuya primera versión haría otro grupo debutante, Los Gritos, pero la discográfica le animó a que la defendiera él mismo en el Festival de Benidorm, no era el favorito, pero Julio se alzó con la victoria y comenzó una impresionante carrera internacional.
La vida sigue igual es también el título de una película estrenada en el año 1969, dirigida por Eugenio Martín y cuyo responsable de la música fue el gran Waldo de los Ríos. En realidad, se trata de lo que actualmente conocemos como «biopic», es decir, un guión que prácticamente glosa y reproduce la vida del propio Julio desde su etapa en el Real Madrid hasta que triunfa en el mundo de la música. Todo ello, acompañado por intérpretes como Florinda Chico, Andrés Pajares o Micky, de Los Tonys, cuyas apariciones, observadas desde la óptica del paso de los años, no dejan de resultar un poco «kitsch» ante la evidencia de la glamourosa vida que ha terminado llevando este prolífico cantante.
El disco de la semana 282: Parts of the Process - Morcheeba
Estimado amigo, hace unos días publicamos una nota de la banda británica Morcheeba, una banda de trip-hop, y para ser honesto me ha encantado uno de sus recopilatorios, que tiene las mejores canciones de la banda. Y es un disco si quisieras hacer un resumen de su discografía, no puede faltar.
Estamos hablando de Parts of the Process un álbum que tras cinco álbumes y siete años para el grupo londinense de trip-hop Morcheeba, produjo diferentes álbumes, a dado con una buena recopilación.
Este impresionante conjunto de 18 canciones no está ordenado cronológicamente, pero todos los éxitos y temas básicos están aquí.
Los fans de Morcheeba pueden estar un poco decepcionados o enojados, por la exclusión de algún canción, pero en general, Parts of the Process captura las mejores canciones de Morcheeba.
Sobre todo Big Calm parece ser el álbum con mayor canciones, en este compilado, que incluye "The Sea", "Over and Over", "Let Me See" y la canción que da nombre a este álbum, "Parts of the Process". Otras pistas increíbles del primer lanzamiento de la banda, Who Can You Trust? -- "Tape Loop" y el melancólico escalofrío de "Trigger Hippie" hacen que este álbum sea más completo.
Pero otros cortes selectos tienen el mismo estilo y siguen siendo atractivos. Los cortes del álbum Charango menos popular agregan un poco de estilo al sofisticado catálogo de Morcheeba, especialmente "What New York Couples Fight About". Incluso la tormentosa narración "Rome Wasn't Built in a Day", de Fragments of Freedom.
No es el único álbum recopilatorio la banda tiene a Back to Mine de 2001 de Morcheeba pero para mí no supera la producción de este disco, ese álbum realmente no encaja con la lista de canciones, En cambio, el trío invita a los oyentes a dos pistas nuevas. Big Daddy Kane se une a Morcheeba para el ritmo funkadelic y hip-hop "What's Your Name", mientras que "Can't Stand It" es el intento de la banda de pop de cámara.
Pero si debo elegir Parts of the Process es el álbum que me quedaría.
Si bien Morcheeba no es uno de los grupos más exclusivos de la música electrónica británica, han demostrado su poder como artistas. Parts of the Process es adecuado para aquellos que no están familiarizados con la banda, aunque también está diseñado para sus fieles seguidores.
En 1969, los Bee Gees eran Barry Gibb: voz principal, armonía y coros y guitarra rítmica. Robin Gibb: voz principal, armonía y coros y órgano Hammond, melotrón y piano. Maurice Gibb: armonía y coros y bajo, piano, mellotron, guitarra principal y rítmica y voz principal en dos de las pistas de "Odessa". Colin Petersen tocaba la batería. El guitarrista principal de Bee Gees (y atractivo adolescente): Vince Melouney tocó en seis de las canciones de "Odessa", pero renunció amistosamente durante la grabación de "Odessa". Después de dos años de sólido éxito mundial y grandes éxitos, los hermanos Gibb no se llevaban bien durante las sesiones de grabación de este álbum y la huida en mitad de la grabación del álbum del guitarrista, dejó a los cuatro miembros restantes de la banda para completar el álbum, por lo que Barry, Maurice, Robin y el baterista Colin Petersen se encargaron de la tarea e hicieron exactamente eso. Lo que se les ocurrió fue una obra maestra. Curiosamente, casi se tituló Masterpeace en un momento. Lo mismo puede decirse de su primer álbum esencial de los Bee Gees en el '67. Odessa ha sido llamado un álbum conceptual, pero Barry Gibb disipó esa noción cuando fue lanzado en el '69…. “Puedes establecer una conexión con un par de canciones del álbum, pero más allá de esto no hay nada más,”. La idea de hacer un álbum doble no fue elección de la banda, sino de su manager, Robert Stigwood. "Robert quería un álbum doble, no sabíamos por qué", recordó Barry Gibb, "Creo que básicamente fue un asunto económico, si hacemos un álbum doble, todos ganan más dinero…. excepto el grupo". A Barry nunca le convenció la idea del álbum doble, y dijo sin rodeos: "Un solo álbum hubiera sido perfecto." Así que “Odessa” es bastante corto para un álbum doble (63:49) y se describe mejor como pop progresivo sinfónico.
La canción principal, "Odessa (City On The Black Sea)" establece el tono de todo el álbum, y es muy dramática, las magníficas florituras de la guitarra flamenca de Maurice Gibb se encuentran entre los aspectos más destacados de la canción, junto con el creciente océano orquestal de Bill Shepherd, las voces llegan como si descendieran del cielo. El estilo dramático siempre fue uno de sus puntos más fuertes en sus primeros años y aquí estamos ante una canción sobre la superviviente del ficticio barco británico 'Veronica', que flota sobre un iceberg en el Mar Báltico, se nos cuenta que 'el Capitán Richardson se dejó una esposa en Hull' y que ella encuentra consuelo en las oraciones del vicario. Sin embargo, las referencias a 'navegar por el Atlántico Norte', mudarse a Finlandia y, de hecho, a la propia Odessa, a primera vista, oscurecen una historia coherente, pero lo importante es que trata esencialmente de una soledad desconsolada que parece prolongarse para siempre. La historia se cuenta ostensiblemente desde el punto de vista del Capitán, pero a veces es como si de alguna manera casi pudiera ver o, al menos, imaginar, la vida que ahora lleva su esposa en casa.
Entra en escena una de las bandas de San Francisco que alcanzó gran popularidad en e área de la Bahía de San Francisco, que ese momento estaba en auge, el grupo de rock psicodélico Quicksilver Messenger Service.
El 29 de marzo de 1969 el grupo de San Francisco publica su segundo álbum de estudio, Happy Trails. Este disco tiene la particularidad de ser grabado a partir de dos presentaciones en vivo en los míticos Filmore East y Filmore West en 1968. El material del disco fue arreglado y mezclado en los Golden State Recorders de San Francisco, y publicado por el sello discográfico Capitol Records.
Incluido en el álbum se encuentra Who Do You Love Suite, una suite de seis partes de unos 25 minutos de duración que ocupa toda la cara A y que era básicamente un cover en directo del tema de Bo DiddleyWho Do You Love?. El tema fue compuesto por el mismo Bo Diddley bajo su nombre real, Ellas McDaniel, y publicado por el mismo en 1956, convirtiéndose en uno de sus temas más populares y perdurables. Diddley utiliza un juego de palabras con la palabra Hoodoo, que era una religión similar al vudú y muy popular en el sur de Estados Unidos. Era habitual que los artistas de blues de la época utilizaran el término Hoodoo en sus canciones. El distintivo riff de guitarra usado por Diddley en este tema fue llamado "The Bo Diddley Beat". Diddley se inspiró para componer este tema en el éxito de Muddy Waters"I'm Your Hoochie Coochie Man", quería superar la arrogancia lírica de su compositor Willie Dixon, y la arrogancia interpretativa el propio Waters.
Quicksilver Messenger Service empezó a realizar asiduamente en vivo este tema de Bo Diddley entre 1966 y 1967 con su primer cantante y armonicista, Jim Murray. La canción tenía un arreglo de blues rock muy al estilo y ritmo de la original de Diddley. En 1967 intentaron grabarla para su primer álbum de estudio, pero la grabación quedó aparcada hasta que finalmente vió la luz en 1999 en el álbum Unreleased Quicksilver Messenger Service - Lost Gold and Silver. El tema, muy representativo de sus primeras actuaciones, tenía una duración de poco menos de seis minutos. Sería en 1968 cuando el grupo hizo con el tema un arreglo diferente, dividiendo su duración de unos 25 minutos en una suite de seis partes. En esta suite la melodía original de Bo Diddley desaparece casi por completo, y donde es más apreciable es Who Dou you Love Pt. 1 y Pt. 2, precisamente el inicio y el final de la suite de seis partes, la segunda sección, When You Love, tiene un sólo de guitarra interpretado por el gran John Cipollina y que está influenciado por el artista de jazz Gary Duncan, la tercera sección, Where You Love, contiene básicamente efectos de guitarra y la interacción de la audiencia, la cuarta sección, How You Love, regresa al tema de Diddley con la guitarra de Cipollina como protagonista, y la quinta sección, Which Do You Love, presenta unas magníficas líneas de bajo de David Freiberg.
Este mes de Junio paso por 7días7notas, una de las mujeres de la música más destacadas, no solo por el poder de su voz, sino por su presencia en los escenarios, y su influencia, que habría sido de la Música sin la influencia de una Tina Turner nos preguntamos, una inspiración para otras artistas.
Así que con el cierre del mes de junio, queremos despedir a esta maravillosa cantante con uno de sus últimos álbumes de estudio, hablamos de Wildest Dreams, un noveno álbum que la artista edito.
Wildest Dreams es su noveno álbum de estudio en solitario de Tina Turner, lanzado el 22 de abril de 1996 por Parlophone. Este éxito ha obtenido certificaciones de doble platino en el Reino Unido y en Europa.
El álbum incluye la canción GoldenEye, el tema de la película de James Bond del mismo nombre. Fue escrita por Bono y The Edge de la banda irlandesa U2 y fue grabada y lanzada como single en 1995.
La canción Confidential fue escrita y coproducida para Turner por el grupo británico Pet Shop Boys. El cantante y letrista de la banda, Neil Tennant, canta coros en la pista. La demostración original de Pet Shop Boys (con Tennant en la voz) se puede encontrar en el relanzamiento de 2 discos de 2001 de su álbum Very.
Unfinished Sympathy es una versión de la canción de Massive Attack. La canción All Kinds of People fue coescrita por Sheryl Crow. Más tarde, In Your Wildest Dreams se volvió a grabar a dúo con Barry White y se lanzó como sencillo, alcanzando el puesto 32 en la lista de sencillos del Reino Unido. La versión a dúo está incluida en la versión estadounidense del álbum, que tiene una lista de canciones diferente, se lanzó unos seis meses después de que se publicó por primera vez en Europa y en la mayoría de las otras partes del mundo, y presenta una portada alternativa.
El álbum también cuenta con la voz invitada de Sting en la canción On Silent Wings, que alcanzó el puesto número 13 en el Reino Unido. Wildest Dreams incluye un total de seis lanzamientos de sencillos europeos; GoldenEye, Whatever You Want, coescrita por Taylor Dayne, On Silent Wings, la versión de Turner de Missing You de John Waite, Something Beautiful Remains y la canción principal In Your Wildest Dreams.
En 1997, el álbum se lanzó como un paquete especial de edición limitada en Europa con un disco extra que incluye remixes, pistas que no pertenecen al álbum y grabaciones en vivo del concierto de Turner en Ámsterdam en el Wildest Dreams Tour. La edición de dos discos se lanzó con la misma imagen de portada que el álbum estadounidense.
Tina Turner una diosa de la música, junto a una carrera artística repleta de éxitos a pasado en este mes de Junio por 7días7notas.
My Way es en realidad una versión de la canción francesa "Comme d'habitude" compuesta por Jacques Revaux, Gilles Thibaut y Claude François, interpretada por este último por primera vez en 1967. La primera versión de la letra en inglés corrió a cargo de Paul Anka, que tras escuchar la versión francesa decidió comprar los derechos de la canción, y la reescribió para que Frank Sinatra la convirtiera en un éxito mundial, pasando a formar parte de ese reducido grupo de canciones eternas y legendarias.
Frank Sinatra grabó su versión en una sola toma en diciembre de 1968, siendo publicada en el disco del mismo nombre a principios de 1969. En la discográfica de Paul Anka estaban muy decepcionados con la decisión del músico de no quedarse la canción para él mismo, y pese a que siempre insistió en que la canción estaba hecha a medida de FrankSinatra, Anka finalmente cedió y grabó su propia versión poco después de que la canción de Sinatra estuviera publicada. Por el contrario, y a pesar de convertirse en uno de sus himnos atemporales, a Sinatra nunca llegó a convencerle demasiado la canción, por considerarla demasiado egocéntrica.
No fue Paul Anka el único que se animó a reescribirla o versionarla, y es particularmente curioso que un joven David Bowie fuera el primero en adaptar la letra de la canción original, siendo su versión rechazada en favor de la de Anka. La versión de Bowie nunca llegó a publicarse, y supuestamente hay partes de la letra de la canción Life on Mars que provienen de aquel My Way en versión Bowie. Posteriormente, Elvis Presley registró también su versión del tema, pasando a ser una de las canciones interpretadas por las dos grandes voces masculinas de la música estadounidense. Por último, la versión más pintoresca quizá sea la de Sid Vicious para la película y álbum The Great Rock 'n' Roll Swindle en 1978. El controvertido bajista de The Sex Pistols grabó la canción en clave punk, alterando las letras y acelerando el ritmo para que, siendo fiel al título, la canción sonara "a su manera".
Completely Well, editado en 1969, es el decimoséptimo álbum de estudio queB B King. El disco fue grabado entre el 24 y el 25 de junio de 1969 en los estudios The Hill Factory de Nueva York, bajo la producción de Bill Szymczyk, y publicado el 5 de diciembre de 1969 bajo el sello discográfico Bluesway. En un principio el disco fue lanzado únicamente en formato Lp para el mercado estadounidense, siendo relanzado en 1987 en formato CD en Estados Unidos y en formato LP en Reino Unido.
Incluido en este disco fundamental dentro de género blues se encuentra la maravillosa The Thrill Is Gone, tema escrito por el bluesman estadounidense Roy Hawkins y por Rick Darnell en 1951, siendo grabada por primera vez por el propio Roy Hawkins en 1951, llegando a alcanzar el puesto número 6 en la lista estadounidense Billboard R&B de 1951.
Por aquel entonces B B King trabajaba como DJ para una emisora de radio de Memphis, y uno de los temas que solía tocar en directo era The Thrill Is Gone. La versión grabada por B B era un blues lento de doce compases tocado en una tonalidad de si menor y en un tiempo de 4/4. El tema, donde el artista nos habla de una relación sentimental que no sale bien, fue grabado varias veces por el bluesman hasta que le convenció finalmente el resultado.
La grabción de B B King supuso su primer gran éxito y uno de los mayores de su carrera, además de convertirse en una de sus canciones más emblemáticas, llegando a alcanzar el puesto número 3 en la lista Billboard Best Selling soul Singles y el puesto 15 en la lista Billboard Hot 100. El tema además le valió a B B King obtener un premio Grammy a la Mejor Interpretación Vocal masculina de R&B en 1970, y posteriormente un premio Grammy Hall of Fame en 1998. La revista Rolling Stone llegó a colocar la versión de King en el puesto 183 en su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.
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