Grupos emergentes: Entrevista y presentación de Faceless, el nuevo disco de A Thing From The South

Faceless, A Thing From The South

     La primera vez que conocimos de la existencia de A Thing From The South fue a finales del años 2018, y nos encantó tanto su música y su estilo que en enero de 2019 reseñamos dos temas en los que estaban trabajando por entonces y que forman parte de este nuevo trabajo, Nobody y Nation, dos temas donde se entremezclaban con gran exquisitez el rock sureño, rock progresivo, blues rock y el stoner entre otros.

El 10 de julio de 2020 A Thing From The South publicaban su segundo álbum de estudio y lo ponían a partir de ese mismo día a disposición de todo el mundo en todas las plataformas de música digital disponibles. El título: Faceless, un disco que tuvimos la suerte de escuchar en primicia unos días antes gracias a Alberto García Maroto (guitarra, slide, bajo) y Jaime Gil (piano, teclados, programación de batería), los componentes del grupo, y que tuvieron a bien compartir con 7dias7notas.

Faceless es el resultado de un laborioso trabajo donde Alberto y Jaime se han tomado todo el tiempo necesario y han cuidado hasta el más mínimo detalle, desde la composición hasta la producción para regalarnos 9 temas donde juegan con gran habilidad con sonidos de rock sureño, del rock progresivo de los 70 y el rock alternativo de los 90 entre otros.
El siguiente paso después de la escucha de este más que recomendable trabajo era hacer una entrevista a Alberto y Jaime, una entrevista donde nos hablaron de su nuevo disco y nos contaron cosas muy interesantes...

¿De dónde sois?

Los dos somos de Las Rozas (Madrid).

Hablemos de los comienzos ¿Cómo os conocéis, Alberto y Jaime?

Somos amigos desde que eramos unos niños, fuimos al colegio juntos. Allí nos conocimos y la música ha sido desde siempre la piedra angular de nuestra amistad.

¿De dónde viene vuestra pasión por la música y por qué decidís dedicaros a éste complicado mundo?

En ambos casos viene muy de lejos, de cuando sólo éramos unos críos, no teníamos decidido dedicarnos a la música como tal, de hecho no vivimos de ella y tenemos trabajos que nada tienen que ver con este mundo, nos basta con ser capaces de sacar adelante de una manera totalmente autónoma (lo que llaman ahora "Do it Yourself") proyectos musicales que saquen a relucir fehacientemente nuestra forma de entender la música.

Los comienzos son duros pero se suelen recordar con afecto, ¿alguna anécdota divertida ó curiosa que queráis compartir y se pueda contar?

En realidad no recordamos ninguna anécdota en especial, quizás que jaime y yo (Alberto) nos reencontramos en las redes sociales después de unos cuántos años sin vernos.

Entramos en materia, hablemos del disco ¿Por qué Faceless?

Tiene que ver con la temática del disco, trata sobre como nos hemos ido convirtiendo en una sociedad en la que las personas quedamos diluidas en los nacionalismos, las recetas fáciles para problemas complejos, la manipulación mediática, la rutina y la desesperación resultando un individuo sin identidad, sin rostro (Faceless). La portada del disco ha sido creacda y elaborada por Javier Galdona e intenta reflejar esa idea inspirándose en las pinturas sin rostro de Kazimir Malévich.

A principios de 2019 ya estabáis trabajando en este proyecto,de hecho ya dedicamos espacio en 7dias7notas reseñando dos temas que están incluidos en este nuevo disco, Nobody y Nation. Se nota que habéis cocinado el álbum con mucho esmero y mimo, a fuego lento. Ha pasado algo más de un año desde que empezásteis a trabajar en Faceless, contarnos como ha sido el proceso 

Las canciones del disco ya estaban compuestas en 2018, lo realmente laborioso ha sido trabajar en el sonido y la producción que le queríamos dar a Faceless. Queríamos salirnos un poco del sonido blusero y sureño de nuestro primer álbum That Old Church, para incorporar otras influencias como el rock progresivo de los años 70 ó el rock alternativo de los 90. Ha sido en esa búsqueda, la de intentar incorporar esas texturas sonoras a nuestros orígenes lo que nos ha llevado más tiempo. Esperemos que haya merecido la pena.

Hablemos de la producción, ¿En qué estudios habéis grabado y con que productor habéis trabajado?

El disco se ha grabado en nuestro propio estudio, A Thing From The South Studio, y ha sido producido por nosotros mismos.

Inevitable hablar también de la maldita pandemia que nos ha afectado a todos. Imaginamos que esto habrá trastocado vuestro planes y retrasado vuestro proyecto

Así es, Faceless estaba prácticamente terminado antes de que empezara la pandemia y dar los últimos pasos para rematarlo ha sido muy complicado por las situaciones personales de cada uno de los dos. Ha sido difícil pero al final lo hemos conseguido.

En la escucha notamos inmediatamente toques de rock sureño y rock progresivo ente otros, pero hablarnos vosotros sobre las influencias de vuestro nuevo disco

En gran medida han sido el rock progresivo de los 70, el rock sureño y el rock alternativo de los 90. También creemos que hay detalles y que hemos querido plasmar de músicos que hemos estado escuchando mucho durante el proceso de grabación del disco, gente como Lana del Rey, Cat Power, Radiohead...

Alberto, ¿Cuáles son tus influencias como músico?

Como guitarrista han tenido mucha influencia sobre mi forma de tocar actual David Gilmour, Derek Trucks, Duane Allman, Dickey Betts, Peter Green, Jimmy Page, Warren Haynes y Kurt Cobain. Por otro lado, en cuanto a la composición y los arreglos Pink Floyd, The Allman Brothers Band, Nirvana, Alice in Chains, Soundgarden, Lana del Rey y Radiohead.

¿Y tus influencias Jaime?

Así en general Led Zeppelin, Pink Floyd, John Mayer, Radiohead, Nirvana, Pearl Jam, Audioslave, Rage Against The Machine, Queens Of The Stone Age, Arctic Mokeys, Mutemath, Tame Impala, Billie Ellish...

¿La batuta compositora del grupo quién la lleva, cómo trabajáis durante el proceso de composición de un tema?

Alberto suele traer una versión básica del tema y de la letra al estudio, y allí trabajamos, la damos forma y la rematamos entre los dos.

Para las veces en varios temas habéis contado con la colaboración de tres artistas. El cantante compositor y multiinstrumentista Matt Greco pone las voces en Nation, Sedation y Somebody. ¿Qué os ha aportado Matt?

Matt es muy profesional y suele sacar el trabajo muy rápido y tal y cómo lo queremos. Haber trabajado con el previamente en nuestro anterior disco That Old Church y su pasión por el rock han hecho que todo haya sido muy fácil y nos hayamos entendido muy bien.

Para el tema Run elegisteis la voz de Hugh McDonald, ¿Cómo le conocísteis?

A través de una plataforma online de músicos. Buscábamos una voz masculina con una sonoridad diferente a la de Matt, más delicada quizás. Creemos que hizo un grandísimo trabajo en Run. 

¿Y a Funny Face, que ha puesto el toque femenino con su voz en los temas Back And Forth, Remember y The End Of The Bottle?

De la misma manera que a Hugh. Funny es un diamante en bruto, en un principio buscábamos una voz femenina con un registro tipo Lana del Rey o Cat Power para cantar Back and Forth y The End of the Bottle. Y lo hizo tan bien que compusimos Remember expresamente para que lo cantara ella. 

¿algún tema del que estéis espcialmente satisfechos y queráis destacar?

Alberto: Mis favoritos son Remember y Run, son dos canciones muy personales y particularmente estoy muy contento con el resultado final.
Jaime: Si tuviese que escoger una me quedaría con Remember, la voz de Funny Face quedó perfecta en esta canción

Como ya sabréis, en 7dias7notas tenemos una sección llamada "Canciones que nos emocionan" ¿Cuál es ese tema que a vosotros os emociona siempre que lo escucháis?

Alberto: Echoes de Pink Floyd. Me parece la canción perfecta.
Jaime: Nothingman de Pearl Jam. Me pone la piel de gallina siempre que la escucho.

Y también tenemos la antagónica sección, siempre desde el respeto, llamada "Canciones que no soporto". Hay que mojarse, ¿Cuál es ese tema que por una ú otra razón no soportáis?

Alberto: Más que un tema que no soporto creo que es mejor ir a la raíz del problema. Espero no ofender a nadie, pero no puedo ni con U2 ni con Carlos Santana.
Jaime: En general Bunbury no es mi artista favorito, pero Entre dos Tierras de Héroes del Silencio... no puedo ni con la guitarra ni con el delay del principio.

Se nota que os gusta y disfrutáis mucho trabajando en el estudio, a la vista está por el tiempo que le habéis dedicado a Faceless y por la calidad final de los temas, pero ¿Qué preferís, estudio o directo?

El directo es el directo pero A Thing From The South es un grupo de estudio y lo componen músicos de estudio.

¿Cuáles son vuestros planes a corto ó medio plazo?

Pues empezar a preparar el próximo disco. Ya estamos trabajando en él y aunque vamos con calma la idea es intentar expandir nuestro horizontes musicales para hacer algo distinto a Faceless y That Old Churh.

Alberto y Jaime no paran, apenas han acabado de terminar su último disco y ya están trabajando en su próximo proyecto, un trabajo al que si le dedican el mismo cuidado y esmero que Faceless dará como resultado otro excelente disco, y en 7dias7notas lo sabemos y estaremos muy pendientes...

A Thing From The South

El disco de las semana 183: Ariel Rot - Hablando solo

Hoy os traemos un trotamundos de la música, nacido en Argentina desde muy joven tuvo claro que la música era su destino, nacido en una familia de artistas, su madre era una cantante de  donde destaca su hermana Cecilia, una gran actriz, el pequeño Ariel emigró a España a causa de dictadura Argentina, y allí contacta con Spoonful Blues Band convirtiéndose en su cantante-guitarrista y en lo que fue el antecedente de Tequila, grupo con el que disfrutaría las mieles del triunfo junto a Alejo Stivel, Manolo Iglesias a la batería, Julián Infante a la guitarra y Felipe Lipe al bajo. Después de 5 años de éxitos y excesos, Ariel inicia su carrera en solitario en Argentina con los albums “Debajo del puente” y “Vertigo” hasta que conoce a Andres Calamaro que colabora con él en su tercer disco. Pero regresa a España donde con Andres funda “Los Rodriguez” una de los grupos con mayor éxito en la década de los 90, fueron 7 años de llenar estadios y sonar a todas horas en la radio, pero el proyecto termino y Ariel decidió retomar su carrera en solitario, es el momento que publica este álbum titulado “Hablando solo” seguramente el mejor trabajo en solitario, disco que vamos a comentar en este artículo.

 Empieza el disco con un auténtico temazo, estoy refiriendo a la canción “Baile de Ilusiones” una especie de rock, un tema que separándose del estilo de Los Rodriguez, conserva muchos puntos en común, pero de una calidad musical a mi entender superior, y es que solo el comienzo con esa guitarra desgarrándose nos pone en alerta y nos encontramos con un rock and roll de los buenos, da para disfrutar escuchándolo y sobre todo para bailarlo…. “Te busque” suena a Argentina, suena a desolación, a fracaso, con una lánguida voz y la voz de Rot apesadumbrada por el desamor y nos retrotrae en parte a esos temas de los 70 de bajo y voz que tanto proliferaron. Buen tema. Con “Al amanecer” vuelve al rock and roll puro, y unas letras acidas, empezando por ese momento que nos dice que “… "mi amor se fue, y los gatos de la calle se juntaron a cantar un blues, justo cuando conseguí dormir...” Magnifico tema donde la guitarra de nuevo nos hace disfrutar a tope. “Colgado de la luna” es otro tema con el espíritu de Los Rodriguez en ella, y de nuevo me parece que la calidad musical esta muy por encima de sus trabajos en el grupo con esos toques Sureños que reparte por todo el tema, a veces el destino es caprichoso y no lo mejor tiene el éxito merecido. “Bruma en la Castellana” es un homenaje a la ciudad que le acogió, una poesía macarra y descarnada a ese Madrid que tanto nos apetece con ayuda de Moris, el Sinatra rockero, el galán guitarrero con sus botas de cuero que desparrama su poesía y su rock and roll argentino por nuestro país. En “Mil mentiras y una verdad” se hace acompañar de otro argentino ilustre, Fito Paez, que terminaría convirtiéndose en su cuñado, un tema que, para el propio autor, es una de las piezas de las que más orgulloso se siente por los mil matices que podemos encontrar en él.

Con “Desordenada” nos mete de cabeza en los ritmos latinos, en el recital de historias que tantas alegrías ha dado a la música latinoamericana, y sale airoso de eso, con un acompañamiento musical excelso. “Vicios caros” es una pieza dedicada a los perdedores, como muchas veces incomprensiblemente se ha sentido él con un tono de melancolía tremendo. “Confesiones de un comedor de pizza” es una auténtica delicatesen y es que aquí como si fuera un blues o un rock o una pachanga o quizás imaginándonos en un circo o en una película muda, disfrutamos de más de tres minutos de un tema instrumental sin fisuras. “Después de brindar” es una joya al piano, un canto a la ilusión renovada después de mucho tiempo eclipsado por el éxito de Los Rodriguez y la figura de Andres Calamaro, una reivindicación merecida, una balada magnifica porque no todo va a ser rock and roll…

Y es que no hay nada más triste

que recordar los sueños del pasado,

para comprobar que poco se cumplió

de lo que habíamos soñado.

Y es que no hay nada más triste

que recordar los sueños del pasado.

Reconsideró la situación antes de seguir adelante

y escucho las risas en el comedor y decidió que ya era tarde.

Subió a la habitación donde el viejo reloj marcaba sus horas

era justo media noche y sacó del bolso una pistola.

Y en medio de la cena se escuchó un disparo que arruinó la fiesta.

Y es que en las mejores casas a veces ocurren cosas como estas.

 “Cuentas al día” es otro rock and roll con un puntito de maldad satánica, y con eso no doy más pistas. Cierra el álbum “La ultima cena” otro rock and roll clásico con el que no puedes dejar de mover los pies, otra joyita.

Entrar en el mundo Rot, sin prejuicios, sin apenas tener conciencia de lo que ha sido en la historia y descubriréis que detrás de ese personaje secundario hay un protagonista en potencia. Disfruten fuerte amigos.

La música en historias: El percance de Jethro Tull y el fichaje de Tony Iommi

Tony Iommi

     Cuando el grupo Jethro Tull sufre un percance en 1968 que le impide realizar una actuación que tenía contratada jamás se imiginaría su líder Ian Anderson que al final sacaría provecho de aquello y acabaría fichando para la banda al mismísimo Tony Iommi.

Jethro Tull habían sido contratados para tocar en una sala de conciertos en Birmingham, pero la mala suerte se ceba con ellos y sufren un percance en la carretera que impide que estos logren llegar a tiempo para dar el correspondiente concierto. Por otro lado se encontraba el grupo de Birmingham Earth, compuesto por Tony Iommi, Ozzy Osbourne, Geezer Butler y Bill Ward (que más tarde se cambiarían el nombre por Black Sabbath), que solían aplicar la siguiente táctica en sus comienzos, tenían la costumbre de aparcar la furgoneta con todos los equipos en frente de los locales de renombre de Birmingham donde actuaban las bandas importantes por si se producía alguna circunstancia que les premitiera tocar en dichos locales. Pues esa noche, la noche que Jethro Tull sufre el percance iba a ser su noche de suerte, pero lo que no sabían es que a raíz de ahí perderían un componente.

Según Ozzy Osbourne, cuando nuestro amigos de Earth se enteran de que Ian Anderson y los suyos no van a llegar a tiempo se dan cuenta de que es su oportunidad y logran convencer a los promotores de la sala para que les dejen sustituir a Jethro Tull. Los promotores conscientes de que no tienen apenas alternativas y para evitar los posibles incidentes que se se puedan producir por la cancelación del concierto deciden aceptar y dejar que Earth se suba al escenario.

Por otro lado Ian Anderson relata que al sufrir la avería se busca la vida y consigue llegar al local haciendo autostop para avisar que no van conseguir llegar a tiempo para tocar. Una vez allí Ian Anderson ve el concierto de Earth, la banda que sustituye a la suya y queda impresionado sobre todo con el joven guitarrista Tony Iommi.

A raíz de aquel concierto Ian Anderson lo tien claro y cuando su guitarrista Mick Abrahams abandona Jethro Tull por diferencias musicales llama a Tony Iommi y consigue que se una a su banda. Así se gestaba el fichaje de Tony Iommi por Jethro Tull en diciembre de 1968, un fichaje que no acaba fructificando por lo que Tony Iommi decide volver a Earth poco después, en enero de 1969. El motivo según Tony era que no se encontraba gusto teniendo un líder en la banda, al parecer el proceso de ensayo era como muy frío y además Ian Anderson se sentaba siempre apartado del resto de la banda. Los managers de Jethro Tull tampoco ayudaron demasiado pues siempre le estaban recordando lo afortunado que era de de haber sido elegido para tocar en la banda.

Aunque la estancia de Tony es muy breve le da tiempo a aparecer en el programa de televisión The Rolling Stones Rock And Roll Circus, programa de actuaciones que montan los Rolling Stones para la televisión británica. Pero no todo fue negativo en la corta estancia de Tony Iommi en Jethro Tull, porque de aquella corta estancia aprendió una cosa muy importante: había aprendido que para progresar tenía que currárselo mucho, así que se aplicó el cuento...

Jethro Tull con Tony Iommi
en el programa
Rock and Roll Circus

Joaquín Sabina y Viceversa - En Directo (Mes Joaquin Sabina)

Sabina y Viceversa

     Mes de julio dedicado a Joaquín Sabina, y para la ocasión me ha tocado reseñar su directo Joaquín Sabina y Viceversa en Directo, disco grabado en riguroso directo donde Sabina nos muestra como muy bien decía en el artículo de presentación Nevermind su lado más canalla.

Tuve la suerte de crecer junto a unos amigos (entre los que también se encontraban Chema y Nevermind, mis compañeros de Blog) donde era habitual el mercadeo y tráfico de vinilos y cassettes entre nosotros de cualquier tipo de música que cayera en nuestras manos (por entonces todavía no existía el formato CD). Siempre andábamos liados con ése grupo o aquél artista que alguno había descubierto, inmediatamente los demás sentíamos la necesidad de hincarle el diente y escucharlo. Así es como durante mi infancia y adolescencia junto a mis amigos fueron pasando innumerables cassettes y discos de infinidad de artistas, luego llegarían los CD's. Uno de aquellos artistas que cayó por aquella época en mis manos fue precisamente Sabina y su directo con Viceversa.

La primera vez que tuve contacto con Sabina fue gracias a mi amigo Littbarski, sí, ese al que ya dedicamos una reseña en 7dias7notas donde Nevermind relataba la anécdota que pasó junto a él y otro amigo en un concierto de Guns & Roses. Debería rondar yo los quince años de edad, y por entonces a Littbarski le teníamos como una clara referencia musical, pues en su casa también se respiraba música. Una casa donde aquí el escribe descubrió de su mano artistas tan variopintos como como Javier Krahe, Luis Eduardo Aute, Alberto Fernández, la maravillosa Mandrágora, Gwendal, Lavanda por citar sólo algunos. Solíamos hacer reuniones en casa de Littbarski para escuchar la música que en ocasiones llevábamos alguno y la música que él tenía allí en casa. En una de esas ocasiones nos habló de Joaquín Sabina, un artista al que yo por entonces conocía sólo de oídas, y acto seguido sacó con la ilusión de un niño con zapatos nuevos uno de sus discos, concretamente un directo, Joaquín Sabina y Viceversa en Directo. Esa fue la primera vez que escuché un disco de Sabina.

Después de su exilio en Londres, Sabina regresa a España en 1977, y un año después debuta con su primer álbum de estudio, Inventario, un disco con claros tintes de cantautor. En 1979 comienza a cantar junto con Javier Krahe y Alberto Pérez en el madrileño sótano del café de La mandrágora. Pero Joaquín no quiere encasillarse y que le cataloguen dentro del clásico perfil del cantautor y reniega de éste, ya que según sus propias palabras le hacía sentir como "si le hubieran puesto un ladrillo en la cabeza" y tampoco se considera poeta pues "es un traje que le queda demasiado ancho".

Luego llegaría en 1980 Malas Compañías, donde podemos comprobar que empieza a abrazar otros géneros además del de cantautor como el rock latino, el folk ó el pop. En 1981 se publica La mandrágora, álbum en directo con la intención de recoger el espíritu de aquellas actuaciones en el local madrileño. Habría que esperar hasta el año 1984 para disfrutar de Ruleta Rusa; en este disco Sabina empieza a experimentar con sonidos más roqueros, y empieza a colaborar en algunos temas con la banda de rock Viceversa. Ese mismo año, 1984, graba junto con Gloria Van Aerssen de Vainica Doble el famoso tema Con las Manos en la Masa, sintonía del programa homónimo dedicado al mundo de la cocina.

En 1985 Sabina abandona su actual compañía discográfica, CBS, y ficha por el sello Ariola, consiguiendo tener libertad artística a la hora de componer y trabajar. Comienza a trabajar asiduamente con la banda Viceversa, y con ellos graba su disco Juez y Parte, álbum que sigue en la línea de su anterior disco, abrazando el pop y el rock, y cobran más protagonismo los teclados y la caja de ritmos. Después de cuatro discos de estudio ha llegado la hora de publicar su primer álbum en directo en solitario, pues ya había publicado junto a Javier Krahe y Alberto Pérez La mandrágora. En 1986 se publica Joaquín Sabina Y Viceversa en Directo, disco grabado en directo en el teatro Salamanca de Madrid de los conciertos que da allí los días 14 y 15 de febrero de 1986.

Es Joaquín Sabina y Viceversa en Directo un álbum doble donde Sabina sigue abrazando su lado más canalla con esos sonidos roqueros de sus dos anteriores discos, aunque también dedica espacio a su lado de cantautor de sus primeros tiempos. Sabina nos invita a sentarnos en Ocupen su Localidad y nos da pistas de por dónde va transcurrir la actuación. Nos hablará de las penurias de la juventud en Cuando Era Más Joven, y seguirá con la temática de los errores de juventud en Princesa. En Hay Mujeres cuenta con la colaboración del cantautor catalán Ricardo solfa (Jaume Sisa) para contarnos la visión que tiene de los distintos tipos de mujer que existen. Nos deja su lado más roquero con Zumo de Neón. También nos muestra su lado crítico hacia aquellos críticos, representantes y artistas que no se lo pusieron nada fácil cuando empezaba en Joven Aprendiz de Pintor. En Cómo decirte, cómo Contarte se nos pone filosófico, y en Trato De Impaciencia nº 11 nos relata una cita en la tiene un escarceo amoroso  que no llega a consumarse. Nos relata la historia de un joven delincuente de la época en Qué Demasiao, y cierra la primera parte con Juana la Loca, el relato de un hombre casado con mujer e hijos que tiene encuentros clandestinos amorosos con otros hombres, y cansado de fingir decide salir del armario.

Abre la segunda parte del directo con uno de sus grandes clásicos, Calle Melancolía, tema donde se respira la soledad y el desamor. Estamos en unos de los puntos álgidos del disco pues después le llega el turno a Pongamos Que Hablo de Joaquín, interpretado por su amigo Luis Eduardo Aute y donde nos da una visión muy particular de su amigo Sabina. En Caballo de Cartón nos cuenta la vida de una mujer que ahogada en la rutina y la monotonía, rompe ésta por las noches con su vida noctámbula. Ahora el que se sube al escenario es su amigo Javier Krahe para interpretar Cuervo Ingenuo acompañado en los coros del propio Sabina, un tema que es toda una crítica a la gestión del por entonces presidente del gobierno a Felipe González, por el ingreso de España en la OTAN y otras cuestiones. El tema fue objeto de polémica y fue hasta censurado impidiendo su emisión durante el concierto de Sabina que retransmitió Televisión Española. En Whisky Sin Soda se pone en la piel de un mujeriego cuyo único objetivo en la vida es disfrutar del día a día; tema que es contrarrestado por su antagónico Rebajas de Enero, toda una oda al amor y la responsabilidad. Turno para Javier Gurruchaga que se sube al escenario para interpretar Adiós, Adiós, tema compuesto por el mismo y por Sabina. Vamos intuyendo el final del álbum pero Sabina Pisa el Acelerador junto con Gurruchaga todavía en el escenario. Y llegamos a uno de sus temas míticos y que fuera grabado antes también por Antonio Flores, Pongamos que Hablo de Madrid, tema dedicado a la ciudad desde una perspectiva sórdida y gris. Nos vamos acercando al final con Eh, Sabina, donde nos relata los vicios de los que ha hecho gala hasta que su cuerpo dijo basta. Y llega la hora de la Despedida con este tema donde Sabina precisamente hace eso, despedirse del presente habiéndo dejado un gran sabor de boca y haciendo que al que aquí escribe le haya sabido a poco pues llegados a este punto se encuentra totalmente entregado y quiere más...

Canciones que nos emocionan: Call It Stormy Monday, (But Tuesday Is Just Bad) T-Bone Walker

Call It Stromy Monday

     En esta ocasión vamos a reseñar uno de los estándares de blues más populares y versionados de la historia, compuesto a su vez por un artista que a su vez inspiró e incito a coger una guitarra a gente como B B King. Nos referimos al tema Call It Stormy Monday (But Tuesday Is Just Bad) de T-Bone Walker.

Aaron Thibeaux walker, más conocido como T-Bone walker nace en Linden, Texas (Estados Unidos) en 1910, de ascendencia Cheroqui de pequeño se muda con su familia al sur de Dallas y es allí donde ejerce de lazarillo de Blind Lemon Jefferson, el influyente guitarrista de blues ciego. Es con Blind lemon con quien T-Bone aprende técnicas de cómo tocar la guitarra. Sería en 1929, contando con 19 años cuando T-Bone debuta con su primer sencillo, Wichita Falls Blues / Trinity River Blues. En 1942 publica el tema Mean Old world bajo el sello Capitol, un tema que contiene unos solos y unos riffs de guitarra que empiezan a sentar las bases de la guitarra eléctrica en el blues.

En noviembre de 1947 publica bajo el sello discográfico Black & White el tema Call It Stormy Monday (But Tuesday Is Just Bad), otro de esos temas que a mí tanto me emocionan. Hay informaciones que situan la grabación de este tema en 1940 justo antes de que Estados Unidos ingresara en la II Guerra Mundial, otras la situan en marzo 1942 y no fue lanzada por falta de disponibilidad. y otras la sitúan en 1947 durante la tercera sesión de grabación para el sello discográfico Black & White. Lo que si está claro es la fecha de la publicación, noviembre de 1947. El tema nos decribe a un hombre que se encuentra constantemente atromentado y reza todos los días para que su chica regrese

Call It Stormy Monday es uno de los estándares de la historia del blues, un tema al que culpa B B King de querer coger una guitarra eléctrica tras escucharlo, y uno de los temas más versionados de la historia del blues. En 1961 sería el cantante Bobby Blue Bland el que se encargaría de grabarla y popularizarla aún más. Diez años después serían Allman Brothers Band quienes se encargarían de engrandecerla más con su grabación realizando una versión extendida incluida en su mítico y primer álbum en vivo en 1971, At Filmore East. El mísmo B B King también se encargaría de grabarla, así como artistas tan dispares como Jethro Tull, Count Basie, James Brown, Eric Clapton, Freddie Fender, Buddy Guy, Roberta Flack, The Jackson 5, Albert King, Etta James, Albert Collins, Freddie King, Gary Moore ó Leslie West entre otros. Que artistas tan grandes como los mencionados se hagan eco, versionen y graben este tema nos da una idea de la importancia del mismo y reflejan la importancia de un guitarrista que sentó las bases del futuro de la guitarra eléctrica en el blues.

They call it stormy Moday, but Tuesday's just as bad

They call it stormy Moday, but Tuesday's just as bad

Wednesday's worse, and Thursday's also sad

Yes the eagle flies on Friday, and Saturday I go out to play

Eagle flies on Friday, and Saturday I go out to play

Sunday I go to church, then I kneel down and pray

Lord have mercy, Lord have mercy on me

Lord have mercy, my heart's in misery

Crazy about my baby, yes, send her back to me

Joaquín Sabina - Mentiras Piadosas (Mes Joaquín Sabina)

No es una mentira piadosa decir que este álbum de Sabina es un disco de transición, ni tampoco aclarar que en este caso el adjetivo de "transición" no quiere decir que no sea un disco bueno, y es una verdad como un templo que, desde luego, lo es. La transición era hacia la madurez de sus discos desde Física y Química hacia adelante. ¿Y significa eso que los discos anteriores a este Mentiras piadosas no fueran maduros? Mire usted, pues tampoco. Pero tras unos primeros discos de cantautor ortodoxo (Inventario, Malas Compañías), el jienense se había lanzado a la Ruleta Rusa de producir discos más eléctricos y desenfadados, en los que fue perfeccionando cada vez más tanto el sonido como las letras, y que acababa de llegar a un momento álgido con El hombre del traje gris. El siguiente paso era hacia la madurez y la unidad de sonido, y Mentiras Piadosas fue ese momento de transición.

Para componer los temas del álbum, Joaquín Sabina se llevó a Pancho Varona a Buenos Aires para trabajar mano a mano. El resultado no fue muy productivo, ya que en lugar de trabajar en canciones, se pasaron dos semanas de fiesta, y sólo compusieron Eclipse de Mar, el tema que abre el disco con una brillante reflexión sobre la diferencia entre las noticias que salen en los medios y los temas más terrenales que preocupan realmente a una persona cualquiera y a título individual. Una única canción, pero el viaje finalmente no fue en balde, porque ya en Madrid, recordando todas las experiencias vividas, Sabina compuso Con la frente marchita, una canción que le catapultaría más allá del charco y le daría dimensión internacional a su carrera.

En Madrid el método cambió ligeramente. Joaquín Sabina estaba inspirado y escribiendo canciones a gran velocidad, y Pancho Varona se las llevaba escritas en papeles para trabajar con la guitarra. Canciones como Y si amanece por fin, que insiste en la temática de otras canciones anteriores como "Quédate a dormir" con el apoyo de imaginativas frases y referencias cinematográficas ("Y yo no soy Mickey Rourke, ni tu Kim Bassinger, ni tengo nueve semanas y media") nacieron en cualquier papel que estuviera a mano, desde un folio a una servilleta.

Con un buen puñado de canciones escritas, llegó el momento de entrar al estudio de grabación, y dada la conocida nocturnidad del cantante, se dio la curiosa circunstancia de que hubo otro disco de otro gran artista grabándose en la misma sala. Mientras Joaquín Sabina grababa sus mentiras por la noche, Joan Manuel Serrat se encargaba de su Material Sensible por las mañanas. Así que ahí tenéis un ejemplo de dos discos "hermanados" en espacio y tiempo. Y del hermanamiento entre las dos figuras tampoco hay ninguna duda, después de todas sus colaboraciones durante los últimos años.

El siguiente vaivén llegó de la mano de la discográfica, que quiso enrolar en el barco a Jay Burnett, un ingeniero estadounidense que había trabajado con Jeff Beck. Ni Sabina ni el resto del grupo llegaron a conectar con él, hasta el punto de aprovechar un fin de semana en el que se fue a Londres para grabar sin él el tema Mentiras piadosas, que daría título al álbum, y de acabar sustituyéndole por Luis Fernández Soria que remezcló todo el disco en Madrid.  Las grabaciones se dilataron demasiado en el tiempo, y la discográfica llegó a pararlas para no incurrir en más gastos. A ellos les hubiera gustado seguir creando y perfeccionando, pero afortunadamente habían reunido suficiente material para poder mentir piadosamente durante un disco entero.

Quizá esa precipitación en el cierre sea lo que le deja ese poso de transición, de mezcla de temas bien trabajados y con un sonido muy unitario, con la inclusión de otros temas que recuerdan más al sonido de El hombre del traje gris (Muro de Berlín) o que suponen homenajes musicalmente prescindibles a Cristina Onassis (Pobre Cristina) o El Dioni (Con un par), meras bromas musicales en un disco que en el tramo final nos ofrece, además de las grandes canciones ya mencionadas, temas de elaborada y profunda letra (Corre, dijo la tortuga) o de puro desamor sabinero (Medias negras).

La edición en CD añadía tres temas más. Una divertida declaración de intenciones sabineras en Ataque de tos, el sonido de bohemia y cabaret de Ponme un trago más, y una joya mayúscula llamada A tí que te lo haces. Diría que no me importa que no la incluyera en la versión en vinilo, como cierre perfecto a un gran disco, pero sería otra más de las mentiras piadosas de este cuento.

La musica en historias: Laura Nyro, aquella desconocida

Poneros en situación y pensar en una cantante de los años 60 que haya sido referencia para cantantes como Alice Cooper, Elton John o Elvis Costello, Jackson Browne o Joni Mitchell, una cantante que ha cedido canciones para Peter, Paul and Matry o Fifth Dimension, una cantante que se encargaba de todo, letra y música, con una voz tan singular, creativa y vocal, un alma brillante que había absorbido el rico espectro de la música estadounidense: gospel, jazz, musicales, doo-wop, soul, grupo de chicas, rock 'n' roll y muchas veces indagando en el folklore americano y las historias de la ciudad donde residía, que llamaba la atención por su timidez y su personalidad reservada, y que destacaba por vestirse principalmente de negro, alguien que escribió su primera canción a la edad de ocho años y en su adolescencia se deleitaba cantando en fiestas o estaciones de metro o simplemente uniéndose a grupos cerca de su casa en el Bronx, alguien que con 19 años se lanzó al vacío y publica su primer álbum con un estilo musical para adultos que engloba todo lo que antes hemos mencionado… pues esa mujer, seguramente sea una gran desconocida para la mayoría del público en este 2020, confieso que también lo era para mí, hasta que en el ejercicio de escuchar los 4000 discos propuestos #Los4000de7D7N llega a mis manos sin saber lo que aquel rostro joven y con poco aspecto de estrella de la música toca en mi puerta y es sonar las primeras notas de “Luckie” y fruncir el ceño y pensar… ¿pero que demonios?

Y es que el torrente de voz acompañado con el que abre el disco me traslada a Broadway, me traslada a Nueva York, a los musicales de Hollywood, y me mete un ritmo en el cuerpo que me quedo mirando al infinito diciendo…. Joder dame más… ¿Quién es este prodigio? ¿Qué ha sido de ella? Y te pones a buscar como un loco en nuestro querido Google, muchas veces hablando con mi hija de 14 años le cuento que cuando yo tenía su edad teníamos que esperar a que la casualidad en forma de televisión u ondas de radio nos diera información de algo que nos había llegado vete a saber cómo, y ahí estábamos muchas veces con mi compañero Nevermind, quitando el candado al teléfono fijo y diciendo… figura que esta tarde hay un especial de The Doors en tal emisora, pero no nos desviemos, una vez realizada mis indagaciones descubres que no es nada, que no es nadie, que ha quedado sepultada por una multitud de compositores, cantantes y músicos posiblemente peores que ella y que tuvieron ese puntito de suerte o esa patada en el culo que les alzaron al éxito, mientras ella seguía pateando los escenarios, regalando canciones y disfrutando de lo que hacía sin más pretensiones que el disfrute personal…. Y fue así como un carpintero le voló el corazón y abandono el epicentro de Nueva York y se mudó a una zona rural de Massachusetts y anunció su retiro de la industria de la música. Pero el corazón le falló y a los dos años abandonada de amor regresó a su ciudad e intento seguir la senda que hasta ese momento le había alegrado la vida y aunque publico otros tres albums nunca fue capaz ni quiso darle la promoción que su calidad musical merecía, no grabó videos, no hizo giras de promoción simplemente lo hacía por su propia satisfacción, y por todos aquellos que de alguna manera daban con su voz y es que esta rara avis no estaba dispuesta a convertir su carrera en la de aquella estrella prodigiosa de la música que se aleja cada vez más de la vida normal, elige un mundo de áticos y clubes privados, para respirar un aire más enrarecido. Ella eligió una vida que recordaba sus años más jóvenes, cuando le encantaba cantar en las esquinas y esta es una cualidad que recorre su carrera, desde su debut hasta su trabajo final, canciones que, a pesar de la distancia del cantante, te encajan perfectamente como amante de la música. A finales de 1996, le diagnosticaron cáncer de ovario y moría un 8 de abril de 1997 a la edad de 49 años debido a un cáncer de ovario, la misma enfermedad que años atrás se llevó a su madre con la misma edad…. Es el momento de que disfruten de ella, dedicarle al menos 10 minutos que no se arrepentirán y puestos a elegir vayan directos al álbum “Eli and the thirteen confesión”… disfrutaran de Laura Nyro.

1967 – More Than a New Discovery

1968 – Eli and the Thirteenth Confession

1969 – New York Tendaberry

1970 – Christmas and the Beads of Sweat March 2008

1971 – Gonna Take a Miracle (with Labelle)

1976 – Smile

1978 – Nested

1984 – Mother's Spiritual

1993 – Walk the Dog and Light the Light

El disco de la semana 182: Scorpions - World Wide Live

World Wide Live, Scorpions

     Tras 9 discos de estudio a sus espaldas y un álbum en directo publicado 7 años atrás Klaus Meine (voz), Rudolph Schenker (guitarra rítmica), Mathias Jabs (guitarra solista), Francis Buchholz (bajo) y Herman Rarebell (batería) ó lo que es lo mismo, Scorpions, deciden que ha llegado el momento de publicar otro álbum de estudio. En 1985 y bajo el sello Mercury Records en Estados Unidos y el sello Harvest/ EMI en Europa el grupo publica World Wide Live bajo la producción de su productor habitual Dieter Dierks. El álbum es grabado durante la gira mundial llamada Love And First Sting Tour que el grupo da entre 1984 y 1985.

La primera cosa que nos llama la atención del doble directo recomendado para lo ocasión: todos los temas publicados son temas grabados con el guitarrista Mathias Jabs, obviando todo tema grabado con anterioridad por el guitarrista Uli Jon Roth. Los temas son extraidos de cinco conciertos que el grupo da durante 1984, concretamente en el Bercy de París (29 de febrero), The Forum de Los ángeles (24 y 25 de abril), el Sports Arena de San Diego (26 de abril), en el Pacific Amphitheatre de Costa Mesa de California (28 de abril) y en el Sporthalle de Colonia en Alemania (17 de noviembre).

Comercialmente el disco supuso un gran éxito para Scorpions, consiguiendo alcanzar el puesto número 17 en la famosa lista Billboard 200 de Estados Unidos, el puesto número 4 en Alemania y Austria, y muy buenas cifras en países como Reino Unido, Suecia, Francia, Canadá, Japón y España entre otros.

World Wide Live es un doble directo que explota la enorme calidad del grupo en su época dorada, con temas cañeros y elctrizantes meclados con esas power ballads que tan bien saben hacer Meine y compañía. Abre la traca de los 19 temas incluidos en el doble directo la anecdótica Contdown, sus pocos más de 40 segundos sirven de introducción y apertura para la poderosa Comming Home, compuesta
por Schenker y Meine e incluido en Love At first Sting (1984) con esos contundentes riffs y los sólos encadenados de jabs. Sin dejarnos respirar prosiguen el fulgurante comienzo encadenando Blackout, de su álbum homónimo Blackout (1982), uno de los temas buque insignia de la banda y que fue compuesto por el grupo tras una fiesta en la que estuvieron con los guitarristas KK Downing y Glenn Tripton de Judas Priest y los chicos de Deff leppard y en el que tras la misma Schenker sufrió un apagón (blackout en inglés) al no recordar nada a partir de cierto momento de la noche. Tras el apagón llega el turno de los chicos malos, Bad Boys Running Wild, otro buen tema del disco Love At First Sting, si bien es algo más pausado que su antecesor Jabs se encarga de desatar la locura con el sólo de guitarra. Le sigue Loving You sunday Morning, tema de su disco Lovedrive (1979) y que fue el primer disco que grabaría Mathias Jabs con Scorpions. Se encarga de cerrar la cara A del primer disco Make It Real, incluido en su disco Animal Magnetism (1980).

Llegamos al primer tema de la cara B, y lo hacemos con otro de los trallazos del grupo, Big City Nights, de su álbum Love First And Sting, tema donde nos hablan de la vida nocturna de las grandes ciudades.
Coast To Coast, otro de sus buenísimos temas extraído de su Lovedrive (1979), y donde las guitarras de Schenker y Jabs nos dejan en trance y a punto de caramelo para su siguiente tema, Holiday, también de su exitoso Lovedrive, la pedazo de balada donde Meine trata de llevarse a otra persona de vaciones consigo, si bien hay quien considera que la letra es una metáfora y en realidad trata de la muerte cuando viene a invitarnos para acompañarle al más allá. Nos encontramos completamente entregados a los "escorpiones" cuando llega el tema que cierra el primer disco y con el alcanzamos el zénit, Still Loving You, que decir de este tema, el cuál habían grabado para su Love First And Sting y que presentaban durante su gira mundial. Tema que rápidamente se convirtió en uno de los iconos de las llamadas power ballads. El tema fue compuesto por Schenker y Meine. Schenker comentaba que le llevó cerca de seis años componer el tema, quería escribir algo especial, una emotiva historia de amor y dolor, y a fé que lo consiguió junto con Meine. De hecho el tema creó el llamado baby boom en países como Francia.

Hemos pasado el ecuador del doble directo y tenemos cierto temor porque el ritmo y el nivel decaiga tras lo que llevamos escuchado, pero ni mucho menos, estos chicos tienen material para dar y tomar y abren la segunda parte con la maravillosa Rock You Like A Hurricane, también de su álbum Love First And Sting, no olvidemos que la presentación de dicho disco era el motivo de la extensa gira mudial, y que disco se marcaron nuestros amigos. El tema en concreto se convirtió por derecho propio en todo un himno de la banda y del rock y donde nos hablan de la actitud y la sexualidad. Y como si de una locomotora que va apisonando todo lo que encuentra a su paso llega el ritmo de Can't Live Withoutn You (Blackout) ante los gritos enfervorecidos del público que se escuchan en la grabación, y no es para menos pues la apertura con ese ritmo y el riff de guitarra es brutal. No hay descando pues ahora llega elcañero Another Piece Of Metal de su álbum Lovedrive, tema donde nos dan la visión de una groupie que ve a las estrellas de rock como meros trozos de carne. Y cerramos la cara A del segundo disco con el cañero Dynamite (Blackout).

Si estabamos con el miedo y la incertidumbre de que un doble se nos pudiera hacer algo largo y pesado éste no es el caso y nos encontramos preparado para la traca final del cuarto bloque que se encarga de abrir The Zoo, de su álbum Animal Magnetism (1980), tema compuesto por Schenker y Meine. Schenker compuso el riff y a Meine le recordó la visita que el grupo había hecho por entonces a la ciudad de Nueva York, más concretamente a la famosa calle 42, famosa por su agitada vida nocturna. Dejamos la calle 42 y nos sumergimos en No One Like You (Blackout), otro de los grandes iconos y éxitos de la banda que logró alcanzar el puesto número 1 en la famosa lista Mainstream de Estados Unidos. Curiosamente el tema originalmente fue compuesto primero en alemán y modificado y traducido posteriormente. Vamos cerrando el directo con una primera parte del espídico tema Can't Get Enough (Lovedrive)  que es seguido inmediatamente después por Six String Sting, que no es sino un sólo donde Jabs se explaya y nos deleita con un sólo marca de la casa, y que no es mas que un impass para el cierre del disco, que lo hace con la segunda parte de Can't Get Enough, dónde la banda se encarga de decirnos hasta la próxima, y nunca mejor dicho pues tras este doble directo nos han dejado con ganas de más...

Canciones que nos emocionan: Kozmic Blues, Janis Joplin

Janis Joplin

     Janis Joplin graba en 1968 con la Big Brother And The Holding Company el álbum Cheap Trills. Aquella combinación de música psicodélica, acid rock y la imponente voz de Janis Joplin había causado furor y rápidamente lanzó hacia el estrellato a Janis. El disco en tres días alcanzó el disco de oro y el primer mes ya había vendido más de un millón de copias. A la prensa especializada también le encanta esa explosión de sonido, tanto que se empiezan a centrar más en la figura de Janis Joplin. El hecho de que la prensa se centrara más en en la cantante afirmando que estaba muy por encima del resto del grupo sumado al hecho de que Janis quería hacer una música de un estilo más blues y soul acaba generando una tensión en el seno del grupo. Una tensión que acaba propiciando que Janis abandone la Big Brother And The Holding Company.

Después de marcharse, Janis Joplin junto con su mánager Albert Grossman deciden lanzarse a la búsqueda de los mejores músicos del país para formar una nueva banda. Así es como nace a principios de 1969 la Kozmic Blues Band, una formación que irá sufriendo cambios constantes en la formación a lo largo del año aproximado que dura.

Con la Kozmic Blues Band Janis Joplin publica su tercer disco de estudio, I Got Dem OI Kozmic Blues Again Mama!. El disco es lanzado al mercado el 11 de septiembre de 1969 bajo el sello discográfico Columbia Records y a los dos meses ya había alcanzado la certificación de disco de oro. Sin embargo ese cambio de estilo de Janis, dejando de un lado el Acid-Rock para centrarse en sonidos más blues, rock y soul no gusta a gran parte de la crítica y de sus seguidores, quienes piensan que ha traicionado su propio estilo y sonido y que tan brillantemente ha reflejado en Cheap Trills. Con el tiempo se acabará demostrando cuán injustas fueron todas aquellas críticas a su trabajo. Unas críticas que agudizaron más la presión sobre una Janis que acaba enganchándose a la heroina y al consumo desmedido de alcohol.

Sin embargo I Got Dem OI Kozmic Blues Again Mama! fue el resultado de la constante inquietud, incoformismo y ganas de Janis Joplin por evolucionar, abranzo sonidos como el rock, el blues ó el llamado southern soul de de Memphis. Un álbum con una producción muy buena donde cobran mucha importancia los instrumentos de viento y los temas interpretados con mucho ritmo.

Incluido en I Got Dem OI Kozmic Blues Again Mama! se encuentra otro de esos temas que amí tanto me emocionan y que además da nombre a la banda, Kozmic Blues, un tema de los pocos que escribió durante su carrera Janis, compartiendo composición con el productor Gabriel Mekler. Kozmic Blues es un tema donde Janis nos habla que no importa la esperanza que tengas y lo positivo que seas ante las adversidades pues al final éstas te acabarán derribando. Curiosamente Janis comentaba que no solía escribir canciones porque para hacerlo necesitaba estar en una estado profundamente traumático y emocinalmente depresivo para hacerlo, y Kozmic Blues es un tema que describía como se sentía Janis en aquel momento, un canto al desamor y la desesperanza...

Time keeps moving on,

Friends they turn away, Lordy Lord.

Well, I keep moving on

But I never found out why

I keep pushing so hard a dream,

I keep trying to make it right

Through another lonely day.

Whoa don't discover it lasts

Honey, time keeps a-moving on, hey yeah, yeah yeah.

Well, I'm twenty-five years older now

So I know it can't be right

And I'm no better baby and I can't help you no more

Than I did when I was just a girl. Yeah!

But it don't make no difference baby, no, no,

Cause I know that I could always try.

There's a fire inside of everyone of us, huh-uh,

I'm gonna need it now,

I'm gonna hold it yeah,

I'm gonna use it till the day I die.

Don't, honey, don't you expect any answers, dear,

Ah, I know they don't come with ease, no, no, no, no.

Hey, I ain't never gonna love you any better baby

Cause I'm never gonna love you right

So you better take it now, I said right yes now, yeah.

But it don't make no difference baby, no, no,

Cause I know that I could always try.

There's a fire inside of everyone of us, huh-uh,

I'm gonna need it now,

I'm gonna use it yeah,

I'm gonna hold it till the day I die.

Don't make no difference babe, no, no, no,

Honey, I hate to be the one.

I said you're gonna live your life

And you're gonna love, love, love your life.

I'm gonna need it now,

I'm gonna hold it yeah,

I'm gonna use it, say, whoa

Don't make no difference, baby, no, no, no,

Honey, I hate, I hate to be the one.

I said every time you're gonna want to love somebody,

Every time you're gonna want to need somebody,

You're gonna want to turn around, I'm gonna be there.

No no no no no, no no no no no, no no no no.

When you're gonna put out your hand,

All your want is some kind of lovin' man,

He ain't gonna be there, I said, not here.

No no no no, no no no no, no no no no,

No no no, no no no, no no no no,

No no no no, whoa, whoa, whoa, whoa, whoa, whoa

Whoa, wah wah, whoa,

Whoa, whoa, whoa, whoa, whoa, whoa

Honey when I want to reach out my hand

I said darling all I ever wanted

Was for you to understand me now, whoa

Ah baby, I want to sing about me Lord, honey, every day yeah

La música en historias: El Mes Joaquin Sabina

 

Llega Julio, y sus calores, y tras correr hacia las colinas con los magistrales Iron Maiden, ahora nos iremos por los cerros de Úbeda para homenajear a uno de los más grandes letristas que ha dado el panorama patrio. Llega el #MesJoaquinSabina, y hablar de este artista es hablar de más de cuatro décadas derrochando lírica y ojo clínico en ponerle banda sonora a la evolución social, cultural y musical desde la España de la transición hasta el momento actual.

Recuerdo una frase que me dijo mi madre, cuando le pregunté por qué estaba tan enganchada a "Cuéntame". Más o menos lo que dijo fue: "Es como ver tu vida contada en televisión, son los setenta y los ochenta que nosotros hemos vivido". Al escuchar aquello, entendí que a ella y a mi padre les gustara aquella serie, pero también entendí que mi "Cuéntame" particular iba por otros derroteros. Descubrí que las malas compañías de los caballeros y las princesas de barrio, los Tolitos, las Barbies Superstar y las fulanitas de tal eran imágenes más auténticas e interesantes que las aventuras de los Alcántara, que ofrecían una recreación del mundo en la que el desolado paisaje de antenas y de cables tornaba en algo demasiado colorista y artificial, dónde nunca vi a Eva tomando el sol como Dios la trajo al mundo, ni al Jero decir "Qué demasiao" al encontrarse con la muerte en una esquina.

Hoy, más que nunca, la muerte sigue pasando en ambulancias blancas y, literalmente, nos robaron el mes de Abril, así que combatiremos el calor de julio con agüita del mar andaluz, y también del Río de la Plata. Decía la canción del Rey León que "hay un amigo en tí", y no voy a entrar a valorarlo, pero sí que creo que la música de Sabina es tan universal que "hay un Sabina para cada uno de nosotros". Por poner un ejemplo cercano, dentro del equipo de 7días7notas, a Jorky le encajaría el Sabina más rockanrollero y canalla, ese que, como ya hiciera Bob Dylan en su momento, no consintió en quedarse encorsetado en el perfil clásico de cantautor de transición, atado a la soledad de una guitarra acústica y un mensaje melancólico y de velada denuncia. Pero existe también, y cohabita en perfecta armonía, un Sabina culto y poeta, el Sabina de José María Hernández, cómo también existe el flaco cosmopolita, enamorado de otros ritmos y otras ciudades, como el Buenos Aires querido de Storyboy.

Y en mi caso, bebo un poco de todas esas fuentes, a la hora de degustar la música del gran Joaquín Sabina. Y coincido mucho con una frase suya, en la que dijo que "yo los discos no los termino, a mí me los quitan de las manos". Salvando las abismales diferencias, para mí es inevitable no pensar en ese único paralelismo entre su obra y mis artículos para 7días7notas, a los que seguiría dando vueltas "sine díe" para cambiar una última frase, o añadir un detalle de última hora. Pero ya está, es 1 de Julio y me lo quitan de las manos, tiene que comenzar este sincero homenaje de 30 días y otras tantas noches a nuestro querido Joaquín, y lo hace con este artículo y con una frase de Javier Gurruchaga al público de ese gran concierto que quedó grabado para la posteridad en el disco "Joaquín Sabina y Viceversa":

"¡¡¡Sabina, Ladies and Gentlemen, Sabina!!!"