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miércoles, 16 de marzo de 2022

0440.- I'd Rather Go Blind - Etta James

 

I'd Rather Go Blind, Etta James


     I'd Rather Go Blind es un maravilloso tema, grabado por Etta james en 1967 en los famosos FAME Studios de Muscle Shoals, Alabama, y publicado por el sello discográfico Cadet en 1968 como sencillo ocupando la cara B. La cara A fue ocupada por la canción Tell MamaDurante 1967, Etta James deja de lado durante un tiempo su adicción a la heroína, y aprovechando este hecho se marcha a los FAME Studios, en la localidad de Muscle Shoals, para grabar algunos temas de entre los que sale I'd Rather Go Blind. El hecho de elegir estos estudios en parte fue porque era un lugar ciertamente aislado y era difícil conseguir y acceder al alcohol y las drogas.

Este clásico de blues sureño cargado de una gran calidad emocional y poética es concebido por Etta durante una visita a la prisión para ver a su amigo Ellington "Fugi" Jordan, quién se encontraba allí recluido. En dicha visita Etta escuchó a Ellington cantar un esbozo donde se lamentaba por estar encarcelado y no saber cuando iba a salir. Partiendo de ahí, Etta escribió el resto de la canción junto a Jordan. Cuando llegó el momento de acreditar la canción, Etta además de acreditar a Jordan y a ella, por temas fiscales tuvo que acreditar también a su pareja en aquel momento, Billy Foster, quién era miembro del grupo de doo-wop The Medallions. En 1968 el propio Ellington Jordan lanzó su propia versión de I'd Rather Go Blind apoyado por el grupo de funk rock psicodélico Black Merda

La canción alcanza el puesto número 10 en las listas de Billboard R&B, y el puesto número 23 en la lista Billboard Hot 100. Desde entonces este tema ha sido versionado en muchísimas ocasiones, siendo de las más destacadas, las realizadas por Chiken Shack, Little Milton, Koko Taylor, Rod Stewart, BB King, Paul Weller y Joe Bonamassa & Beth Hart entre otros. 









viernes, 7 de junio de 2019

El disco de la semana 130: La Vieja Trova Santiaguera - La Manigua

La Manigua





     ¿Qué es la música? Si nos vamos a la definición de ésta, La música es el arte de combinar en una secuencia temporal atendiendo a las leyes de la armonía , la melodía y el ritmo, o de producirlos con instrumentos musicales. Otra definición válida de música sería el conjunto de sonidos sucesivos combinados según este arte, que por lo general producen un efecto estético o expresivo y resultan agradables al oído.
Si atendemos al concepto de la música atendiendo a su definición nos puede resultar algo frío, pero la música es mucho más que eso. Si nos fijamos bien en la definición, en ésta aparece la palabra arte, porque la música es un arte, es sentimiento, es melodía, es ritmo, y combinándolo todo cómo si de un cóctel se tratara, nos producen una serie de estímulos y sensaciones placenteras en nuestro cuerpo y nuestro cerebro, en definitiva, la música nos hacen un poquito más felices.

     La música tampoco entiende de edades, a lo largo de su extensa historia podemos encontrarnos infinidad de músicos que empezaron a edades muy tempranas, de entre los que nos podemos encontrar a Michael Jackson, Stevie Wonder, Sly Stone, Steve Winwood, Derek Trucks, Joe Bonamassa, Jonny Lang ó Quinn Sullivan, por poner sólo algunos ejemplos. También podemos encontrarnos con músicos que tienen tal pasión por este noble arte que deciden entregarse en cuerpo y alma aunque sean ya abuelos, porque es tal la pasión que sienten por ella que la música les ha sido recíproca manteniendo sus almas jóvenes, fuertes y con ganas, con muchas ganas de seguir haciendo música. Este es el caso del grupo recomendado para esta semana, cinco abuelos, que habiendo dedicado su vida a la música en cuerpo y alma, y cuando todos ellos sobrepasan ampliamente los 60 años, deciden juntarse para seguir, primero disfrutando de su pasión, la música, y segundo hacernos disfrutar a los demás con su buen hacer. Y es que la música no entiende de edades. Con todos ustedes La Vieja Trova Santiaguera.



     La Vieja Trova Santiaguera se funda en el año 1994 cuando deciden juntarse Amado Machado a las maracas, nacido en 1912, que había estado en formaciones cómo Cuarteto Patria y la Estudiantina Invasora; Aristóteles Raimundo Limonta al contrabajo, nacido en 1913,
y que se formó con el mismísimo Compay Segundo; Pancho Cobas a la guitarra y voces, nacido en 1913, que empezó en un grupo que se dedicaba a promocionar guaguas (autobuses); Reinaldo Hierrezuelo "Rey Caney" a la guitarra y las voces, nacido en 1926, fundador de Cuarteto patria y Los Compadres, y luego como solista (Rey Caney); y Reinaldo Creagh Verane a las claves y las voces, nacido en 1918, y antiguo integrante de la Estudiantina Invasora.

     Los cinco, procedentes de la misma región, Santiago de Cuba, deciden juntarse y se hacen llamar La Vieja Trova Santiaguera, consiguen fichar con el sello discográfico Nubenegra, sello fundado curiosamente por un madrileño, el periodista Manuel Domínguez, el cuál se dedica a difundir músicas de otras culturas como la cubana o la saharaui. Bien, cómo decía consiguen fichar en 1994 con Nubenegra y editan su primer álbum de estudio titulado la Vieja Trova Santiguera, a éste le seguiría Gusto y Sabor en 1995. Sería en 1996 cuando Amado Machado decide retirarse ya con 85 años, aunque colabora con el grupo en la grabción del tercer disco de la formación, Hotel Asturias en 1996. Amado después dejaría la formación definitivamente y sería sustituido por Ricardo Ortiz Verdecia (maracas y voz).


     En 1997 durante las giras que realizan ese año, se interesa por ellos la productora de cine Scorpio y rueda una película documental sobre La Vieja Trova Santiaguera llamada lagrimas Negras, la cuál trata sobre ellos, y que se estrenaría en 1998.

     Y llegamos al año 1998, momento en el que se une al proyecto el famoso guitarrista del Buenavista Social Club Manuel Galbán Torralbas (guitarra y voz). Ese año abandonan el sello discográfico Nubenegra y fichan por la todopoderosa Virgin, sello con el que editan su cuarto álbum de estudio, La Manigua, el disco recomendado por 7dias7notas para ésta semana, un álbum dónde sus integrantes nos dan una magistral lección de ganas, clase, estilo y de cómo se toca música cubana. Un disco que comprende 13 temas de auténtico sabor cubano que harán las delicias de vuestros oídos. Aquí en 7dias7notas estamos rendidos a su clase, sus ganas e ilusión por engrandecer el noble arte de la música, un arte que no entiende de edades...............


sábado, 20 de febrero de 2021

La música en historias: Los músicos de sesión XXI

 



     En el capítulo anterior hicimos referencia a los llamados músicos y cantantes de fuera del escenario, esos músicos que sin ser visibles, realizan una gran contribución musical al artista de turno con su voz o sus instrumentos. Por ejemplo, el técnico de bajos de Iron Maiden, Michael Kenney, toca los teclados de la banda fuera del escenario; Derek Sherinian hizo lo propio con el mismo instrumento con Kiss; Alan Fitzgerald hizo lo propio con Van Halen en diferentes épocas además de con Bruce Springsteen; Mott The Hoople tenía como road manager al que fuera vocalista original de la banda, Stan Tippins, algo que también aprovecharon para que reforzara partes vocales fuera del escenario en los conciertos de la banda. Vamos con  la vigesimoprimera entrega dedicada a los músicos de sesión.



Darrin Mooney,
baterista y percusionista de sesión inglés, nacido en la localidad de Merry, Londres, en 1967. Mooney comenzó a tocar a la edad de 12 años, cuando todavía se encontraba en la escuela. Es en la escuela donde se va fojando, tocando la batería y la pecusión en numerosas bandas y orquestas escolares. A los 18 años asiste a un ensayo de la National Youth Jazz Orchestra, una conocida orquesta de jazz británica, algo que le marcaría de cara al futuro. En 1997 Mooney se une a la banda escocesa Primal Scream, en la cual permanece todavía a día de hoy. Paralelamente, en 2001 empezó a trabajar con Gary Moore, colaborando con él asiduamente hasta el fallecimiento de éste. Por si esto no fuera suficiente, ha tenido todavía  tiempo de colborar con artistas de la talla de Matt Bianco, China Black, Bonnie Tyler, Martin Barre, Ian Anderson, Queens Of The Stone Age, Don Airey, Wonderland y Dionne Bromfield entre otros.



Michael Rhodes,
bajista estadounidense nacido en 1953 en Monroes, Lousiana. Empezó aprendiendo a tocar la guitarra a los 13 años de forma autodidacta y posteriormente también el bajo. a principios de los 70 Rhodes se muda a Austin, Texas, donde suele tocar con bandas locales. Dicha eperiencia dura unos 4 años, lo que tarda Rhodes en volver a mudarse, esta vez a Memphis, Tennessee. En 1977 vuelve a mudarse, en esta oacsión a Nashville, donde se une a una banda local llamda The Nerve, y además comienza a trabajar como músico de demostración primero, y de sesión después para Tree Publishing Company. Además de su trabajo como músico de sesión desde entonces, también ha formado parte de numerosos proyectos, como The Cicaras o The Notorious Cherry Bombs. Ha trabajdo con artistas de la talla de Joe Bonamassa, Pat McLaughlin, Doug Stone, Steve Winwood, Larry Carlton, Hank Williams, Vince Gill, Dolly Parton, Randy Travis y Toby Keith entre otros. Además de su trabjo como músico de sesión suele tocar con numerosas bandas locales del área de Nashville. 



Fred Below
(Frederick Below Jr.), baterista de blues estadounidense nacido en 1926 en Chicago, Illinois, y fallecido en 1988. Este músico fue muy conocido sobretodo por su trabajo para la discográfica Chess Records y para Little Walter en la década de los 50. También es considerado como uno de los creadores de la estructura rítmica del blues de Chicago, concretamente el rtimo de fondo. Podemos escucharle a la batería en la famosa Johnny B. Goode de Chuck Berry. Below nace en Chicago, en la escuela secundaria aprende a tocar la batería, y con 14 años forma su primera banda, una especie de grupo de jazz, con sus amigos de la escuela secundaria, Johnny Griffin y Eugene Wright. En 1946, y después de servir dos veces en el ejército, regresa a Chicago y asiste a la prestigosa escuela de percusión de Roy C. Knapp, finalizando sus estudios en 1948 y recibiendo una completísima formación musical. En 1948 vuelve a alistarse, sirviendo como parte de los servicios especiales del ejército estadounidense en Alemania, donde permane hasta 195, cuando vuelve a Chicago. Una vez en Chicago se enrola en el grupo The Aces, formado por los hermanos LouisDave Myers, y Junior Wells. En 1952 Little Walter deja a Muddy Waters, puesto que ocupa Junior Wells, y Little se marcha a The Aces, formando con los hermanos Myers y Below una de las mejores bandas de blues eléctrico de Chicago. En 1955 deja la banda The Aces para trabajar como músico de sesión para Chess Records, pero sigue colaborando tambien con Little Walter. Chuck Berry, Little Walter, Jimmy Rogers, Elmore James, Otis Rush, Howlin 'Wolf y Willie Dixon son algunos de los artistas que pudieron disfrutar trabajando con este genial baterista. 



Jim Horn
(James Ronald Horn), saxofonista estadounidense nacido en 1940 en Los Ángeles, California. En 1959, con tan sólo 19 años ya estaba tocando el saxofón para el famoso guitarrista Duane Eddy tanto en actuaciones en vivo como en grabaciones en estudio, papel que desempeña durante 5 años. Junto con Bobby Keys y Jim Price se convirtió en uno de los músicos de sesión de viento más solicitados durate las décadas de los 70 y 80. Ha colaborado en discos en solitario de tres miembros de los Beatles, Ringo Starr, George Harrison y Paul McCartney. También estuvo de gira con John Denver asiduamente entre 1978 y 1993. Fue miembro del famoso grupo de músicos de sesión The Wrecking Crew. Ha colaborado durante su carrera, entre otros, con Canned Heat, The Rolling Stones, Badfinger, Billy Joel, Buffalo Springfield, Bozz Scaggs, The Beach Boys, The Carpenters, Dizzy Gillespie, Frank Sinatra, Garth Brooks, George Benson, Harry Nilson, Johnny Rivers, Linoel Richie, Little Richard, Joni Mitchell, Michael Jackson, The Mamas & The Papas, Roy Orbison, Steely Dan, Stevie Wonder, Tom Petty, Toto y Traveling Wilburys.



Philip Upchurch
, guitarrista estadounidense de jazz y blues, nacido en 1941 en chicago, Illinios. Este guitarrista empezó su carrera tocando fuera de Chicago con Kool Gents, el quinteto vocal The Dells, y con el grupo de doo-wop The Spaniels, para posteriormente trabajar con Curtys Mayfield, Otis Rush y Jimmy Reed. Posteriormente regresa a Chicago donde graba con artistas como Stan Gentz, Dizzy Gillespie y BB King entre otros. A  principios de la década de los 60, con la formación Philip Uchurch Combo, vende más de un millón de copias de su disco You Can't Sit Down, y con su siguiente trabajo, You Can't Sit Down, Part 2, alcanza el puesto número 29 en las listas Billboard de Estados Unidos. A mediados de la década de los 60 ficha para Chess Records, grabando para artistas del sello, entre los que se encuentan  The Dells, Howlin 'Wolf y Muddy Waters. También graba en aquella época con John Lee Hooker, Grover Washington Jr., y Cannonball Adderley. En la déacada de los 70, además de tener su propio cuarteto, trabaja con Donny Hathaway, Harvey Mason, Quincy Jones y Ramsey Lewis. Entre mediados de la década de los 70 y la década de los 80, Philip trabaja con George Benson, Gary Burton, Chaka Khan, Cat Stevens y Michael Jackson entre otros. En la década de los 90 sigue con su obra en solitario, alternando con trabajos para artistas como Jimmy Smith y Jack McDuff. Posteriormente ha colaborado con artistas como Anita Baker, Bob Dylan, Red Holloway y Natalie Cole entre otros. 

viernes, 13 de diciembre de 2019

El disco de la semana 156: Laura Cox - Hard Blues Shot

Hard Blues Shot, Laura cox Band



     Laura Cox cuando tenía sólo 14 años hizo una nueva amistad, una amistad que se volvería durareda e inseparable, se hizo amiga de la guitarra. Esto fue  en el año 2005, en 2008 empieza a colgar en las redes sociales versiones de temas clásicos del rock cómo AC/DC, ZZ top, Dire Straits ó Guns 'n Roses entre otros muchos. laura, a base de colgar estas versiones fue generando multitud de visitas y suscriptores en sus redes sociales, llegando a generar millones de visitas en los videos colgados en Youtube y generando cientos de miles de seguidores tanto en Youtube cómo en Facebook, lo que le ha llevado a consagrarse como una de las youtubers más productivas y con mayor éxito de ésta plataforma social. Reseñar que gracias a su frenética actividad de difusión de sus covers y trabajo en las plataformas y redes sociales recibe la felicitación y halagos del mismísimo Joe Bonamassa.

     En 2013 Laura decide dar el salto y decide lanzarse al ruedo y crear su propia banda de rock, para ello ficha al guitarrista Mathieu Albiac, al bajista Ludovic Ossard y a Pascal Robert a la batería, acaba de nacer Laura Cox Band, grupo que basa su sonido en el hard rock, southern rock, blues y country entre otros. Influenciada en artistas de la talla de AC/DC, Airbourne, Aerosmith, Blackberry Smoke, ZZ Top, Pat Benatar, Lita Ford y Susan Tedeschi entre otras muchas, Laura comienza su andadura fogueandose donde hay que hacerlo, encima del escenario.

     En 2014 la formación publica su primer single, que incluye el poderoso tema rockero Cowboys and Beer en la cara A, y Come and Get Me en la cara B, también con un sonido muy contundente. En 2015, al año siguiente la formación de Laura Cox Band sufre cambios, el bajista y el batería son sustituidos, quedando la formación finalmente así, Laura cox (voz y guitarra), Mathieu Albiac (guitarra), Francois C. Delacoudre (bajo) y Antonin Guerin (batería).

     Y llegamos al año 2017, y con todo de cara, la formación Laura Cox
Actuando en Barcelona
Band
publica su primer álbum de estudio bajo el sello de la discográfica Verycords, titulado Hard Blues Shot, un contundente trabajo donde nos sumerge en sonidos como el hard rock, blues rock, southern rock ó el country. Laura no inventa nada, pero lo cierto es que nos deja un disco muy bueno donde sabe aprovechar más que bien y explotar todas las influencias de los artistas que durante su trayectoria ha ido adquiriendo.

     Sumergidos en el disco, el primer tema que nos encontramos es Hard Blues Shot, que da también título al álbum, un trallazo que hace que nos levantemos de golpe del asiento y se nos dispare la adrenalina. tiene un toque muy AC/DC. Excelente trabajo de Mathieu Albiac con la guitarra rítmica.

Le sigue The Australian Way, tema donde vuelven a notarse las influencias de AC/DC, Quizás el título sea hasta un guiño a la formación austrliana. Laura y sus chicos dotan al tema de un sonido más duro y pesado, puro hard rock.

Good ol' Days, en este tema nos sorprenden con un giro en la propuesta de sonido, y se sacan de la manga un tema con puro sabor a southern rock.

Too Nice for Rock n' Roll, tema donde se entremezclan el hard rock con el rock sureño y toque bluseros por momentos. Muy destacable el trabajo vocal de Laura, que si ya nos ha dejado claro que es una magnífica guitarrista, también tiene mucha calidad en el trabajo vocal.

Morning road, donde vuelven a sumergirnos en el rock sureño. Se notan aquí las influencias de ZZ Top.


Laura Cox Band 

Barefoot in the Countryside, y cuando creíamos que ya les habíamos cogido el punto al grupo nos sorprenden con este tema. comienza con un toque bluegrass, con banjo y mandolina, y según va avanzando el tema, éste va transformándose en una potente tema de rock sureño. Brillante la mezcla, para mí el mejor tema por la arriesgada propuesta de la mezcla de bluegrass con southern rock.

Take Me Back Home, el tema más pesado del disco, vuelven a cambiar de tercio y nos regalan un tema de corte metalero. Brillante la introducción del sólo de guitarra, y brillante la batería que realiza un trabajo espectacular aquí. Por si no fuera poco Laura vuelve a brillar no sólo con su guitarra, también con su voz. No hay duda ya de la gran calidad de estos cuatro músicos, son muy buenos.

If Youm Wanna Get Lou (Com to the Show), otro de los cortes más pesados del disco, con un ritmo vertiginoso, la sección bajo/batería marca el ritmo mientras Albiac y Laura hacen diabluras con las guitarras. Laura sigue rayando a gran nivel  con su vozvoz.

Going Down, tema que va en la línea de anterior, cargado de intensos riffs de guitarras.

13, es el tema que cierra el disco, Laura nos regala una sentida balada acústica donde juega con el idioma, y alterna versos en inglés y francés. No hace falta nada más, pues ella llena todo el espacio con su guitarra y su voz.

     Laura Cox Band es una interesante banda de rock francés liderada por la magnífica guitarrista que le da nombre, y ha sabido acompañarse de músicos de gran calidad. Recientemente, el 8 de noviembre salió a la luz en formato CD y digital su nuevo trabajo, Burning Bright, el cuál estamos deseando ya hincar el diente., y donde esperamos que este magnifico cuarteto siga su evolución y no se pierdan en el camino, pues con Hard Blues Shot ya nos han dejado claro que de calidad van sobrados.


Laura Cox Band

miércoles, 5 de mayo de 2021

La música en historias: Concerto for Group and Orchestra (Mes Deep Purple)


De todos los proyectos de mezclar música rock y orquesta, el de Deep Purple es, junto al de Pink Floyd en Atom Heart Mother, el más interesante. Y no porque el resultado de cualquiera de estos dos discos sea mejor que el resto, sino porque a diferencia de otros discos en los que, generalmente, la orquesta está meramente al servicio de los arreglos de canciones ya publicadas anteriormente, en Concierto para grupo y orquesta y en Atom Heart Mother (en menor medida, ya que la comunión entre rock y clásico se produce solo en el primer tema, aunque éste sea una suite de 25 minutos) hablamos de una obra totalmente nueva y enfocada a la convivencia musical de grupo y orquesta, con sus estilos diferenciados, y aportando por igual al conjunto, sin que uno esté al servicio del otro.

A la ya de por sí compleja labor de ensamblar partes clásicas con tramos de ejecución del grupo, hay que sumarle además que el disco se registró en directo, en el Royal Albert Hall londinense, en septiembre de 1969. La pieza, dividida en tres movimientos, fue compuesta por el tecladista de la banda (John Lord), y la Orquesta Filarmónica Real fue dirigida por Malcolm Arnold. La dificultad de la logística y de la interpretación de esta obra hicieron que, tras una seegunda interpretación en directo en 1970, hubiera que esperar hasta 1999 para que Deep Purple volviera a interpretarla en vivo, y después hubo algunas interpretaciones más en la siguiente década.

En 2012 se grabó una versión de estudio, en esta ocasión con la Royal Liverpool Philharmonic Orchestra, dirigida por Paul Mann. En esta versión de estudio, las partes de orquesta fueron grabadas por separado, y añadidas después a la mezcla de la grabación del grupo en los estudios Abbey Road. En la formación que grabó la versión de estudio aún estaba el propio John Lord, que moriría poco tiempo después, y guitarristas de la talla de Darin Vasilev, Joe Bonamassa y Steve Morse (En el primer, segundo y tercer movimiento, respectivamente), o vocalistas como Bruce Dickinson, Steve Balsamo y Kasia Laska. Pero puestos a elegir, nos quedamos con la mítica interpretación en directo de la formación original en 1969, con Richie Blackmore (guitarra), Roger Glover (bajo), John Lord (teclados), Ian Paice (batería) e Ian Gillian (voz).

 

Concierto para grupo y orquesta arranca con el "Primer Movimiento: Moderato-Allegro", con la orquesta a cargo de dar el pistoletazo de salida a esta obra magna, en una larga e intensa introducción tras la que el grupo hace la primera de sus apariciones. En este movimiento, los roles de grupo y orquesta están muy delimitados y prácticamente se van dando el testigo la una al otro, sin alcanzar aún la esperada comunión entre los dos estilos. En el "Segundo Movimiento: Andante part I", entra por primera vez la voz de Ian Gillian, y ambas formaciones tocan por fin a la vez en algunos de los tramos. La colaboración y la simbiosis va en crescendo, y tras el solo de batería de Ian Paice al comienzo del "Segundo movimiento: Andante Conclusion", el grupo y la orquesta se convierten en uno solo.

El disco culmina en el "Tercer movimiento: Vivace - Presto", un final a la altura de una obra sinfónica sin apenas precedentes en aquella época, en la que las estructuras sinfónicas de la orquesta se mezclaban magistralmente con el hammond y las guitarras características de los "Purple", en una combinación difícilmente superable aún hoy en día. Un auténtico regalo para los oídos, en una época en la que musicalmente ya casi nadie se arriesga a regalarnos nada que nos sorprenda. Perdón por la tristeza que acompaña a esta última frase, adherida a ella con la misma precisión con la que un día un grupo se juntó con una orquesta para dar alguna que otra lección y, de paso, hacer historia conjunta.

jueves, 4 de febrero de 2021

Canciones que nos emocionan: I'd Rather Go Blind - Etta James

 

I'd Rather Go Blind, Etta James


     I'd Rather Go Blind fue compuesto por la maravillosa Etta james, grabado en 1967 en los famosos FAME Studios de Muscle Shoals, Alabama, y publicado por el sello dscográfico Cadet en 1968 como sencillo ocupando la cara B, y acompañado en la cara A por Tell Mama.

Durante 1967, Etta James deja de lado durante un tiempo su adicción a la heroína, y aprovechando este hecho se marcha a los FAME Studios de la localidad de Muscle Shoals, para grabar algunos temas, de entre los que sale I'd Rather Go Blind. El hecho de elegir estos estudios en parte fue porque era un lugar ciertamente aislado y donde era difícil conseguir y acceder al alcohol y las drogas.

Este clásico de blues sureño cargado de una gran calidad emocional y poética es concebido por Etta durante una visita a la prisión para ver a su amigo Ellington "Fugi" Jordan, quién se encontraba allí recluido. En dicha visita Etta oye a Ellington cantar un esbozo donde se lamenta por estar encarcelado y no saber cuando va a salir. A continuación Etta escribe el resto de la canción junto a Jordan. Cuando llega el momento de acreditar la canción Etta, además de acreditar a Jordan y a ella, por temas fiscales decice acreditar también a su pareja en aquel momento, Billy Foster, quién era miembro del grupo de doo-wop The Medallions. En 1968 el propio Ellington Jordan lanza su propia versión de I'd Rather Go Blind apoyado por el grupo de funk rock psicodélico Black Merda

La canción alcanza el puesto número 10 en las listas de Billboard R&B, y el puesto número 23 en la lista Billboard Hot 100. Desde entonces este tema ha sido versionado en muchísimas ocasiones, siendo de las más destacadas, las realizadas por Chiken Shack, Little Milton, Koko Taylor, Rod Stewart, BB King, Paul Weller y Joe Bonamassa & Beth Hart entre otros. 

Something told me it was over (yeah)
When I saw you and her talking
Something deep down in my soul said, "Cry girl" (cry, cry)
When I saw you and that girl, walking now
Ooh, I would rather, I would rather go blind boy
Than to see you, walk away from me child, no
Ooh, so you see, I love you so much
That I don't want to watch you leave me babe
Most of all, I just don't
I just don't want to be free no, ooh ooh
I was just, I was just, I was just sitting here thinking
Of your kiss and your warm embrace, yeah
When the reflection in the glass
That I held to my lips now baby (yeah, yeah)
Revealed the tears that was on my face, yeah, ooh
And babe, baby (baby, baby, baby) I'd rather
I'd rather be blind boy
Than to see you walk away, see you walk away from me, yeah, ooh
Baby, baby, baby (baby, baby, bay)
I'd rather be blind now

martes, 24 de agosto de 2021

Un país, un artista: Serbia - Ana Popovic

 

Ana Popovic


     Esta semana el país elegido por todos nuestros amigos y seguidores ha sido Serbia, y nos hemos decantado por el blues, un blues de muchos kilates, de la mano de Ana Popovic. Pero ¿Quién es Ana Popovic?

Ana Popovic nace el 13 de mayo de 1976 en el casco antiguo de Belgrado, por aquel entonces antigua Yugoslavia. Para sus padres, Milutin y Vesna, crecer en un entorno familiar donde la música tiene cabida es muy importante, no en vano su padre es bajista/guitarrista, y suele realizar junto con amigos sesiones de improvisación nocturnas. Ana crece en ese entorno, teniendo además al alcance la gran colección de discos de blues y soul de su padre. Todo esto hace que con 15 años decida coger la guitarra de su padre y empiece a tocar. 



La complicada situación política del país no distrae a Ana, que compagina sus estudios con la guitarra, instrumento que aprende a tocar con suma facilidad. Su padre, quien la apoya y ayuda con la guitarra eléctrica, se da cuenta del enorme talento de su hija, y aunque económicamente son una familia modesta, junto con su mujer Vesna hacen un esfuerzo y apuntan a su hija para que tome clases privadas de guitarra. Paralelamente sigue con sus estudios, y en 1994 decide cursar Diseño Gráfico en la Universidad de Belgrado. Al año siguiente, 1995, decide dar un paso más y decide formar su primera banda de rock, llamada Hush, junto a su amigo, el guitarrista Rade Popovic. Al poco tiempo Ana se encuentra tocando encima de los escenarios delante del público. En un principio empieza como segunda guitarrista, algo que cambia rápidamente dado el gran nivel que atesora, y durante los tres años siguientes se encuentra tocando alrededor de un centenar de conciertos al año, apareciendo regularmente en la televisión yugoslava. Con el fín del comunismo, Ana por fín puede salir fuera del país, mostrando su talento en festivales de blues de Grecia y Hungría. 1998 ser un año importante y decisivo para la guitarrista, pues graba con Hush su primer álbum de estudio, Hometown, y tiene una oferta para estudiar Diseño Gráfico en Utrecht, Países Bajos. Ana decide también enviar un grabación al Conservatorio de Utrecht, una grabación que al ser escuchada por los responsables del Conservatorio lo tienen claro. Ana se encuentra en la tesitura de tener que elegir entre el diseño gráfico y el conservatorio, pero lo tiene claro y elige la música. 

Para poder pagarse los estudios y además poder poner en práctica la teoría musical que va adquiriendo en el conservatorio, forma una banda holandesa. Rápidamente Ana se convierte en una figura importante en la escena del blues en Países Bajos y Alemania, lo que le vale, para una vez finalizados sus estudios de conservatorio en 1999, fichar por el sello discográfico alemán Ruf Records. En octubre de 2000 viaja a Memphis, Estados Unidos, para grabar su primer disco en solitario, Hush!, disco que sale al mercado en 2001. Ese año también participa en la grabación de un disco tributo a Jimi Hendrix, llamado Blue Haze, junto a artistas de la talla de Eric Burdon, Popa Chubby, Taj Mahal, Bernard Allison y Buddy Miles entre otros. Su contribución en ese disco tributo es la interpretación del tema Belly Button Window de Hendrix



En 2002 forma parte de la gira europea "Jimi Hendrix Tribute Tour" y se marcha por primera con su banda de gira por Estados Unidos, consiguiendo tres nominaciones a los premios "Blue Awards" en Francia: "Mejor cantante", "Mejor guitarrista" y "Mejor álbum". En 2003 regresa a Memphis para grabar su segundo disco de estudio, Comfort to the Soul. El disco, con aires de blues, soul, jazz y rock, obtiene una buena acogida por parte de la crítica, lo que le lleva a conseguir una nominación en los prestigioss premios WC Handy Awards en Memphis en la categoría de mejor artista nobel, siendo hasta la fecha el único artista europeo en conseguir una nominación en esta categoría. Ese mismo año, durante el Festival de Rhythm & Blues en Bélgica, Solomon Burke la invita a subirse al escenario. Después de aquél día Ana acabó colaborando en el resto de la gira de Burke como invitada.

La carrera de Ana sigue creciendo de forma exponencial. En 2004 realiza hasta tres giras por Estados Unidos, tocando también en Canadá y Europa. Ese año gana el prestigioso premio de jazz Juan Le Pins, en Francia, mostrando el reconocimiento a las habilidades de la guitarrista con el jazz, una de sus grandes influencias. En 2005 lanza su tercer trabajo, bajo la discográfica Ruff, el DVD / CD Ana, Live in Amsterdam y se lanza otra vez de gira por Europa y Estados Unidos. Al año siguiente, 2006, es nominada como "Mejor artista de Blues del año" por la revista Blues Wax, y recibe seis nominaciones en los prestigiosos"Living Blues Awards" de ese mismo año. En 2007 publica su siguiente álbum, Still Making History, y realiza nada menos que 152 conciertos, repartidos en siete giras por Estados Unidos y Europa, además de ampliar horizontes tocando en lugares como Rusia o México. Su trabajo se verá recompensado con la aparición de su disco Still Making History en la lista Billboard Blues Charts, llegando a alcanzar el puesto número 4. 

La actividad de Ana es frenética, pues en 2008, además de ser madre, realiza una gira de cinco semanas por Estados Unidos y Canadá compartiendo escenario con artistas de la talla de Jonny Lang, Ronnie Earl y Los Lobos entre otros. En 2009 publica su álbum Blind of Love y sigue en la misma línea, tocando en directo y compartiendo escenario con Susan Tedeschi, Larry McCray, Bob Margolin y hasta con BB King entre otros, y forma parte del documental "Tun it up aka TONE", dirigido por Robert Radler, sobre las mejores guitarras y guitarristas del mundo. En 2010 es nominada a los "British Blues Awards" como mejor artista extranjero,  compartiendo nominación con BB King y Joe Bonamassa, y toca en la Feria de Música de Frankfurt "Musikmesse", en el mítico Festival de Jazz de Montreal, en su ciudad natal, Belgrado, ante más de 75.000 personas, y en festivales en Indonesia, tocando en lugares como Yakarta, Bundung y Bali. 



Con su siguiente disco, Unconditional, lanzado en 2011, Ana regresa a sus raíces. Ese año aparece como invitada especial en los espectáculos que  BB King realiza por Aelmania, y participa en unos 35 festivales repartidos entre Europa y Estados Unidos. En diciembre es nominada en tres categorías para los Blues Music Awards 2012 de Estados Unidos por éste disco. En 2012 vuelve a ser madre, teniendo tiempo además de tocar en el Festival de Blues Mahindra, India, compartiendo escenario e improvisando con Buddy Guy, Taj Mahal y Robert Randolph, y girar además cinco semanas por Estados Unidos. En 2013 toca en el prestigioso Festival de Jazz de Nueva Orleans, y  en abril de ese año lanza su siguiente trabajo de estudio, Can You Stand The Heat. Ese año realiza nada menos que 130 conciertos entre Estados Unidos, Canadá, Europa y Japón. En 2014 vuelve a ser nominada en los "Blues Music Awards" en la categoría de mejor artista femenina de blues contemporáneo, toca en Sao Paulo, Brasil, compartiendo escenario con Jeff Beck, Kenny Wayne, Buddy Guy, Joss Stone y Jonny Lang, y es invitada al "Experience Hendrx Tour 14", una serie de conciertos que celebran la música y legado de Jimi Hendrix, formando equipo con Buddy Guy, Zakk Wylde, Jonny Lang, Kenny Wayne Sepherd y Bootsy collins.

En 2015 publica el álbum Blue Room, junto a su padre Milton Popovic, su trabajo más personal. Un trabajo que recoge canciones que la guitarrista solía tocar junto a su padre mientras vivía con él y su madre. Al año siguiente, 2016, publica Trilogy, su proyecto más ambicioso hasta la fecha, álbum que contempla 23 canciones. y el disco no defrauda, llegando a la lista de disco más vendidos de Estados Unidos. Ese año se muda a vivir junto con su familia a Los Ángeles y anuncia su primera gira por Australia. En 2017 vuelve a recibir otra nominación en los "Blues Music Awards" en la categoría de mejor artista femenina de blues contemporáneo. Al año siguiente viaja a Nashville para grabar su siguiente álbum, Like It On Top, un trabajo que explora el empoderamiento y lucha de las mujeres por mejorar su situación y en pro de la igualdad. Ese año realiza un total e 115 espectáculos, repartidos entre Estados Unidos, Europa, Canadá y Oriente Medio. En 2019 realiza 150 shows, incluidos 20 festivales de verano en toda Europa, Estados Unidos y Canadá y vuelve a formar parte de la gira "All-Star Experience Hendrix 19"

En 2020 la guitarrita tenía  previsto celebrar su vigésimo aniversario como músico en una gira por Estados Unidos y Europa, pero todo se detuvo repentinamente con motivo de la pandemia originada por el COVID19. Este año, 2021, Ana Popovic ha vuelto a ser nominada en los "Blues Music Awards" en la categoría de Artista de blues Rock del año, su séptima nominación hasta la fecha, ampliando un poco más el impresionante currículum de la genial guitarrista serbia.

martes, 30 de marzo de 2021

Un país, un artista: Irlanda - Rory Gallagher

 

Rory Gallagher


    Cuando los que hacemos posible 7dias7notas nos enteramos del siguiente país elegido para reseñar al artista de turno, automáticamente todos clavaron la mirada en mí, sabían que sería yo el que se encargaría de la reseña, a no ser que no pudiera, tuviera un esguince en las dos muñecas de ambas manos que me impidieran escribir, o simplemente me encontrara desganado. Ninguna de las circunstancias se había producido, por lo que mi compañeros de andanzas sabían que la reseña de país de Irlanda era para mí, conocedores de la importancia que ha tenido dicho país para mi crecimiento musical. 

Ahora tenía que elegir el artista a reseñar, pues tenía varios candidatos, por un lado Phil Lynott, uno de los mejores compositores que el rock mundial ha dado, o su amada banda Thin Lizzy, los cuales fueron de los primeros en conseguir abrir fronteras y expandir la música irlandesa al resto del mundo. Por otro lado estaba el León de Belfast, Van Morrison, del cual poco podemos decir que no se haya dicho ya, y sus Them, el grupo con el que se dió a conocer y que junto a Thin Lizzy fueron los primeros que lograron expandir la música irlandesa a otros lugares. U2 eran otros de los candidatos, dignos herederos de todos los artistas anteriores, continuando con el legado de seguir expandiendo la música irlandesa por el mundo, alcanzando cotas increíbles. 



Después de darle no pocas vueltas, y de barajar los anteriores candidatos y algunos más, decidí elegir al artista que voy a desvelar a continuación, un artista autodidacta, dotado de un talento innato, capaz de tocar varios instrumentos con gran habilidad, cuyo instrumento fuerte era la guitarra, y todo un maestro en el arte del slide. Si tuviera que definirle con un adjetivo, sería la Humildad por encima de todos los demás, algo muy raro y escaso de ver cuando nos fijamos en artistas de primera línea. Sí amigos, el artista elegido para hablar de Irlanda no podía ser otro que Rory Gallagher. Rory fue un artista para el que siempre prevaleció la música y su público por encima de todo, jamás buscó ocupar las listas de éxitos, la calidad de su música y poder compartirla en vivo con su público estaba por encima de todo. Todo esto quizás ha hecho que  su nombre no suene tanto ni esté en las quinielas cuando se habla de los grandes guitarristas de la historia, pero puedo asegurar que Rory forma parte de ese selecto grupo por derecho propio.

Rory Gallagher nace en Ballyshannon, Irlanda, el 2 de marzo de 1948. Su padre, trabaja para la Junta de Suministro de Electricidad de Irlanda, hecho que hace que cambien a menudo de residencia por motivos de su trabajo. Un año después la familia se muda a la ciudad de Derry, lugar donde nace el hermano de Rory, Dónal. Poco después, la madre de Rory y Dónal se acabará instalando junto a los dos niños en la localidad de Cork, donde Rory acabará viviendo gran parte de su vida. La madre de Rory, Monica, era cantante y llegó a actuar con un grupo llamado The Abbey Players en el Teatro de Ballyshannon, el cual ahora se llama Teatro Rory Gallagher

Los padres de Rory siempre animaron tanto a él como a su hermano a dedicarse a la música. Dónal llegó a tocar el acordeón y cantar con la Tír Chonaill Céilí Band en Donegal, y Rory se decantó por la guitarra, tocando primero el ukelele para perfeccionar su técnica para tocar la guitarra y actuando en pequeñas funciones. La primera guitarra que Rory tiene es la que le regalan sus padres cuando tiene 9 años, aprende a tocarla de forma completamente autodidacta. Más tarde empezará a dominar también con gran habilidad la armónica, el saxofón alto, el banjo, el sitar, la mandolina y el dobro entre otros. 



A los 12 años participa en un concurso de talentos y lo gana, y tres años más tarde compra su primera guitarra eléctrica, una Fender Stratocaster que se convertirá en su gran acompañante durante toda su carrera musical. La guitarra fue comprada de segunda mano con la ayuda de sus padres, según Rory, era una de las primeras Fender Stratocaster que circulaban por el país irlandés, y su precio no fue barato, pero él tranquilizaba a su madre diciéndole que no se preocupara por el dinero, pues con esa guitarra podía hacer las funciones de guitarra solista y guitarra rítmica a la vez, y así no tenía que tener un segundo guitarrista, por lo que ganaría más dinero y amortizaría la guitarra más rápido. Es durante ésta época cuando empieza a experimentar con el blues, el folk y el rock, y como no tiene dinero para comprar discos, se queda despierto hasta altas horas de la nohe escuchando las emisoras de radio Radio Luxembourg y AFN, donde descubre artistas que se convertirán en grande influencias para él, como Lonnie Donegan, uno de los maestros del Skiffle, género con influencias de jazz, blues y música folclórica estadounidense, Eddie Cochran, Buddy Holly y Muddy Waters entre otros. 

Con 15 años debuta como profesional en una formación llamada Fontana, banda que deja en 1966 para crear el power trío The Taste, que después de algún que otro cambio terminará desembocando en Taste, formado por él a la guitarra y voz, Richard "Charlie" McCracken al bajo y John Wilson a la batería. Con este magnífico power trío, y a pesar de su corta vida, acabará marcando una época, llegando a tocar en el mítico Festival de la Isla de Wight en 1970, donde comparte cartel gente de la talla de Jimi Hendrix, Leonard Cohen, The Who, Emerson, Lake & Palmer, The Moody Blues o Sly Stone ente otros. En su etapa en Taste aprenderá muhísimo del negocio, pues tras acabar harto de dar conciertos sin parar y hacer giras usando unos viejos equipos de sonido, casi nunca tiene dinero en el bolsillo mientras ve como otros se están forrando a su costa. Es precisamente después de ese festival, en 1970, con dos magníficos discos de estudio a sus espaldas con la discográfica Polydor, Taste (1969) y On the Boards (1970), cuando el mánager de la banda y los otros dos miembros quieren dar una dirección diferente al grupo, pero Rory se niega y decide disolver el grupo e iniciar así su carrera en solitario. En 1971 Polydor publica dos directos de la formación, Live Taste y Live at the Isle of Wight, y en 1974 la discográfica Emerald publica un disco no autorizado titulado In the Beginning, bajo el apodo Taste and Rory Gallagher.

Tras desmantelar Taste, Rory ficha al bajista Gerry McAvoy, quien le acompañará prácticamente durante toda su carrera, y al baterista Wilgar Campbell, ambos del grupo Deep Joy, a quienes Rory había conocido durante su etapa en Taste. Rory inicia a partir de aquí una carrera en solitario repleta de discos de gran calidad, donde para él siempre prevalecerá la calidad  de su música y poder ofrecérsela a su público en directo, sin importarle las listas de éxitos. De hecho siempre que la discográfica de turno o alguien le alienta a sacar algún tema de éxito para vender más discos, él siempre se negará, la calidad debía primar ante todo. La mayoría de sus discos serán grabados bajo la fórmula del power trío, si bien en algunos añadirá también un tecladista.

rory Gallagher & Gerry McAvoy

En 1971 Rory debuta en solitario con la discográfica que le viene acompañando desde su inicios en Taste, Polydor, y en mayo de 1971 publica su disco debut titulado Rory Gallagher. En noviembre de 1971 publica su segundo trabajo, Deuce. Como podemos comprobar, hasta principios de la década de los 80, la actividad de Roy será frenética, con la publicación de hasta dos discos por año y la celebración de multitud de giras y conciertos, la gran pasión de Rory, ofrecer y disfrutar de su música con el público en directo. En febrero de 1973 publica Blueprint, y en noviembre de 1973 Tattoo, quizás su opera prima, aunque esto es difícil de afirmar si uno ha escuchado toda la discografía de Rory. Después de Tattoo, Polydor publicará el indispensable directo Irish Tour '74, publicado en julio de 1974, y que recoge toda la magia desplegada por el guitarrista durante una gira realizada en enero de 1974 por tierras irlandesas, recogiendo actuaciones en Dublín, Belfast y su Cork natal. Como comentamos anteriormente, Rory ha aprendido muchísimo del negocio, y ejecutará una jugada maestra que le permitirá seguir haciendo lo que más desea en el mundo, música de calidad. En 1975 Rory es ya toda una estrella, lo que le permite firmar un contrato con la compañía Chrysalis Records, y aquí es donde hace una cosa muy interesante al negociar el contrato con la potente compañía, renuncia a una considerable parte de sus emolumentos acambio de tener el control total de sus temas y discos, siendo él quien tenga siempre la última palabra sobre el material que se editará y saldrá a la luz. 


Con un buen contrato con una discográfica potente, y más aún, con la tranquilidad de hacer y deshacer a su gusto, Rory sigue regalando al personal discazos, Against The Grain, publicado en octubre de 1975, y Calling Card, publicado en octubre de 1976. Al año siguiente, 1977, Rory, aprovechando su creciente popularidad en Estados Unidos, decide irse a grabar a la ciudad de San Francisco bajo la dirección del productor Elliot Mazer. Una vez finalizado el proceso de grabación, durante el cual ya habían surgido fricciones entre el guitarrista irlandés y el productor, y una vez mezclado el que sería su nuevo trabajo, Rory muestra su disconformidad con el resultado final, llegando a discutir con el productor, Elliot. Tanto el productor como la dicográfica Chrysalis, quieren publicar el material, pero Rory guarda un as en la manga, es él quien tiene la última palabra sobre el producto, pues tiene el control total de su música. Fruto de ello ha perdido una considerable cantidad de dinero, pero sabe que así nadie podrá adulterar su música. En el más que recomendable documental sobre el guitarrista, Rory Gallagher: Ghost Blues - The Story of rory Gallagher, su hermano Dónal, quien es su mánager y gerente, habla sobre este episodio, cuando Rory le comunica que no va a publicar ese material, y teniendo en cuenta que apenas queda tempo para cumplir con los plazos con la discográfica Chrysalis, el grado de estrés para Dónal en ese momento es brutal. Las grabaciones de San Francisco las guarda en un cajón Rory, y parte de ellas verán la luz en el año 2011 bajo el título Notes from San Francisco.

Nos encontramos en un punto en el que Rory ha decidido no publicar el trabajo hecho, y quien no está muy contenta es su discográfica, Chrysalis, pues apenas queda tiempo y Rory tiene que presentar un disco nuevo. Rory, lejos de ponerse nervioso toma una decisión, despide a toda la banda que viene acompañándole durante lo últimos cinco años, menos a su inseparable bajista, Gerry McAvoy, y ficha al baterista Ted McKenna, volviendo a la típica formación power trío que tanto le gusta. Con esta formación se marcha a los Dierks Studios de Colonia, Alemania, para trabajar con Dietr Dierks, productor de varios discos de Scorpions entre otros, y en un mes graba Photo Phinish, otro gran trabajo, consiguiendo cumplir con los plazos con la discográfica.



En septiembre de 1979 publica Top Priority, y tras dos años de extensas giras por Estados Unidos y Europa, publica en mayo de 1982 Jinx. La gira de presentación de éste disco fue la más extensa y exitosa del artista, llenando durane cuatro meses consecutivos lugares emblemáticos de Estados Unidos como el Madison Square Garden de Nueva York, el Rosemont Horizon de Chicago o el Spectrum de Filadelfia. Habría que esperar cinco años para disfrutar de su siguiente trabjo, Defender, publicado en julio de 1987. Este disco fue lanzado bajo el propio sello discográfico del artista, Capo Records junto al sello discográfico Demons Records. Tres años después, concretamente en mayo de 1990, Rory publicara con su sello, Capo Records, Fresh Evidence, que se convertirá en el último disco de estudio grabado por el artista. 

Durante su carrera musical, Rory había desarrollado una grave aerofobia, miedo a volar, y para superarla le había sido prescrito un fuerte sedante para ayudarle a superarla y así poder volar. El habitual consumo de este medicamento, mezclado con el habitual consumo de alcohol por parte del guitarrista generó graves daños en su hígado, el cual dijo basta en enero de 1995 mientras se encontraba de gira por los Países Bajos. La gira tuvo que ser cancelada. En marzo de 1995 Roy fue ingresado en el hospital King's College de Londres, donde se determinó que ante su grave estado de salud, la única forma de salvarle era practicarle un trasplante de hígado. El 14 de junio de 1995, y después de pasar trece semanas en cuidados intensivos tras serle practicado un trasplante de hígado, Rory Gallagher fallecía por complicaciones debidas a una infección. se marchaba uno de los mejores guitarristas de la historia, dejando su legado e influencia en gran infinidad de artistas. The Edge (U2), Slash, Johnny Marr (The Smiths), Janick Gers (Iron maiden), Glenn Tipton (Judas Priest), Vivian Campbell, Gary Moore, Joe Bonamassa y Brian May, entre otros tantos, han citado a Rory Gallagher como una fuente de inspiración durante sus años de formación musical. 

No se me ocurre mejor manera de despedir este especial dedicado a Rory Gallagher que hacerlo con la afirmación que de él hizo el mismísimo Jimi Hendrix cuando se le preguntó como se sentía al ser el mejor guitarrista del mundo, Jimi simplemente contestó: "No sé, pregúntale a Rory Gallagher", aunque hay quien dice que esto es una leyenda urbana. Lo que está claro es que Rory se ganó por derecho propio el respeto y un lugar entre los más grandes dominadores de las seis cuerdas.

Esquina Rory Gallagher (Dublín)