1917.- Santa Lucia - Miguel Rios

Tiempo para una de las columnas vertebrales del rock en español, Miguel Ríos es el "viejo rockero" que nunca muere, un artista que supo transformar la rebeldía de un género importado en un sentimiento nacional. Nacido en Granada en 1944, Miguel Ríos Campaña comenzó su carrera bajo el nombre de "Mike Ríos, el Rey del Twist", pero pronto abandonó los anglicismos para encontrar su propia voz, su importancia en la música española no radica solo en su voz potente y rasgada, sino en su capacidad para profesionalizar el rock en un país que, en los años 60 y 70, todavía miraba con recelo las guitarras eléctricas. Ríos fue un visionario, uno de los primeros en entender que el rock no era solo música, sino un espectáculo de masas. Su hito más recordado es el monumental Rock & Ríos (1982), pero su camino hacia la cima estuvo pavimentado con riesgos artísticos constantes. Desde el éxito mundial del "Himno a la Alegría" en 1970 ,que llegó al número uno en las listas de Billboard, hasta su etapa más madura y comprometida, Miguel ha sido un nexo de unión entre generaciones. Lo que lo hace especial es su autenticidad, a diferencia de otros artistas que se acomodaron en el pop ligero, Ríos siempre mantuvo un compromiso con la calidad técnica y lírica,ha sabido rodearse de los mejores músicos y compositores, convirtiéndose en un embajador de la cultura española en toda Iberoamérica, un artesano del directo que ha dedicado más de sesenta años a demostrar que el rock es una actitud ante la vida, basada en la libertad y la pasión.

En 1980, Miguel Ríos publicó "Rocanrol Búmerang", un disco que marcó un antes y un después en su trayectoria comercial y artística, tras una década de los 70 donde experimentó con el rock progresivo y sinfónico (en álbumes como La huerta atómica), Miguel decidió regresar a las raíces del rock and roll y el blues, pero con una producción moderna y pulida. El álbum fue grabado en Madrid y Londres, buscando ese sonido internacional que Miguel siempre anhelaba, el resultado fue un éxito rotundo, alcanzando el Disco de Oro y consolidándolo como la figura más importante del rock nacional en la transición democrática española. El título del disco es una declaración de intenciones: el rock siempre vuelve, como un búmerang. Además de contener "Santa Lucía", de la que hablaremos a continuación, el disco incluye joyas como el tema homónimo "Rocanrol Búmerang" o "Nueva ola", demostrando una versatilidad que iba desde el ritmo frenético hasta la balada más emocional. Este álbum preparó el terreno para la explosión definitiva de los estadios en los años ochenta.

Pero la joya es Santa Lucía, que no es solo una canción, es un himno generacional y, posiblemente, la balada más perfecta del rock español, aunque muchos asocian la autoría a Miguel Ríos, la realidad es que fue compuesta por el músico argentino Roque Narvaja, pero Miguel, con su olfato clínico para las grandes historias, supo ver el potencial de esta composición y la hizo suya para siempre. La letra de "Santa Lucía" destaca por su sencillez poética. Narra la historia de un hombre enamorado de una mujer a la que solo conoce por teléfono y por las cartas que ella le envía. Es una oda al amor platónico y a la idealización, en una era previa a las redes sociales, la canción capturaba esa magia del misterio, donde la voz y la palabra escrita eran los únicos puentes entre dos almas. El nombre "Santa Lucía" actúa como un símbolo: la santa de la vista, que en este caso parece "devolverle la visión" emocional al protagonista, aunque nunca se hayan visto cara a cara. Lo que eleva a "Santa Lucía" por encima de otras baladas de la época es su impecable arreglo, comienza con una línea de piano delicada que establece un tono íntimo y melancólico y a medida que avanza, la canción se va "vistiendo" con una instrumentación más robusta, donde la batería entra con elegancia y los coros le dan una profundidad casi espiritual. La interpretación de Miguel Ríos es magistral. Comienza casi en un susurro, con una vulnerabilidad que rompe con su imagen de "duro" del rock, para culminar en un estribillo épico donde su potencia vocal brilla sin esfuerzo, una lección de cómo manejar la dinámica emocional en una grabación de estudio. Se convirtió instantáneamente en un éxito número uno, su impacto fue tan grande que trascendió el género del rock para instalarse en el cancionero popular español.

1904.- Chica de Ayer - Nacha Pop

 

El núcleo de Nacha Pop residía en la dualidad creativa de dos primos: Antonio Vega y Nacho García Vega. Mientras que Nacho aportaba la energía, el descaro y el pulso más optimista del pop-rock, Antonio era el poeta introspectivo, capaz de transformar la fragilidad y la soledad en melodías inmortales. Esta combinación de "luz y sombra" permitió que el grupo navegara entre el power pop energético y las baladas más profundas de la música española. La unión de los primos con la incorporación de Ñete a la batería fue el comienza, el grupo comienza a rodar actuando en festivales y conciertos como teloneros o artistas invitados, a finales de los 70. A diferencia de grupos como Almodóvar & McNamara o Kaka de Luxe, que apostaban por el punk amateur y la estética trasgresora, los Nacha Pop eran vistos como los "buenos músicos" de la Movida,ensayaban obsesivamente en los locales de la calle Tablada y se tomaban muy en serio la composición. Esto les ganó el respeto de la crítica, pero a veces los alejaba de la faceta más "rebelde" o "provocadora" del movimiento. La discográfica Hispavox se fija en ellos y en 1980 publican su álbum debut homónimo producido por Teddy Bautista. El disco es bien acogido y la influencia de la new wave y de los teclados británicos resaltan en el sonido que caracterizó a la Movida Madrileña. En este primer trabajo se incluye la canción que hoy comentamos. Despues de 6 albums de estudio y 10 años, llego su adios que no fue por falta de éxito, sino por agotamiento creativo. Los dos conciertos en la Sala Jaim (Madrid) en octubre del 88 se convirtieron en un evento histórico. Fue una de las primeras veces que una banda de pop español grababa un disco en directo con una producción de altísimo nivel. Tras esto, Antonio y Nacho no volvieron a tocar juntos de forma oficial hasta la reunión de 2007, una gira de retorno que sirvió de homenaje en vida a Antonio antes de su muerte en 2009.

Chica de ayer, la canción es una de las más importantes de la historia de la música en España. De hecho, la revista Rolling Stone la consideró, en 2012, la segunda mejor canción de la historia del pop español. La leyenda cuenta que Antonio Vega compuso la canción en 1977, mientras cumplía el servicio militar obligatorio en Valencia, en la soledad de la garita, lejos del bullicio de Madrid, Antonio plasmó una melancolía que iba más allá de su edad (apenas tenía 20 años). Se dice que los primeros versos nacieron en una servilleta de una cafetería valenciana, inspirados por una chica que veía pasar. Esa distancia física y emocional dotó a la letra de una pátina de nostalgia que se convertiría en su sello distintivo. Vega nunca reconoció quién es la musa que le inspiró. Sin embargo, la descripción que se hace en la canción de la chica de cabellos dorados permitió a Paloma Concejero, directora del documental Tu voz entre otras mil, deducir que se trataba de la diseñadora Maite Echanojaúregui. Musicalmente, "Chica de ayer" es una pieza de power pop perfecta. Tiene la energía de la New Wave británica pero con una sensibilidad mediterránea. La estructura es engañosamente sencilla, pero el brillo de las guitarras de 12 cuerdas y el sintetizador que subraya el estribillo crean una atmósfera onírica. Sin embargo, lo que realmente la eleva es la letra. Antonio Vega, el "arquitecto de las palabras", no escribió una canción de amor al uso, escribió a la vez sobre el paso del tiempo, la pérdida de la inocencia y la soledad urbana, representado por el Penta, el emblemático bar de Malasaña mencionado en la letra ("Luego por la noche al Penta a escuchar..."), se convirtió gracias a esta canción en un lugar de peregrinación eterna para los amantes del pop. "Chica de ayer" fue el motor que impulsó a Nacha Pop a la vanguardia de la Movida Madrileña, fue la prueba de que en España se podía hacer pop con la misma calidad que en Londres o Nueva York, pero con una identidad propia. Tras la muerte de Antonio en 2009, la canción adquirió una dimensión casi religiosa. Se ha versionado de mil maneras (desde Enrique Iglesias hasta Germán Coppini), pero ninguna alcanza la pureza de la grabación original de 1980 o la intensidad de la versión en directo de 1988. Es una canción que pertenece a todo aquel que alguna vez ha sentido que el presente se le escapa entre los dedos mientras recuerda un amor o un momento que ya es solo un eco.

1891.- Y volo - Los pecos

Estamos en 1980 y es imposible no mencionar el fenómeno de Los Pecos. Los hermanos Francisco Javier y Juan Carlos Herrero estaban en la cima absoluta de su carrera, siendo el epicentro de un fenómeno de "fans" que no se había visto con tal intensidad en España desde los años de la "Beatlemanía", Los Pecos ya no eran solo cantantes, eran un símbolo cultural de la Transición española, su música suavizaba la imagen del "rebelde" por una de chicos buenos, rubios y de voces angelicales que volvían locas a las adolescentes de la época. En aquella época si encendías la televisión (que en España era solo TVE), era casi seguro que aparecerían ellos, participaron en los programas de variedades más importantes como "Aplauso", donde sus actuaciones generaban auténticos disturbios de entusiasmo en el plató y eran la portada fija de revistas juveniles como Súper Pop o Val, sus pósteres decoraban las habitaciones de millones de jóvenes. Los conciertos de 1980 fueron recordados por el caos logístico. El despliegue de seguridad tenía que ser enorme porque las fans no solo gritaban, sino que intentaban asaltar el escenario. Hacia finales de 1980 y principios de 1981, el fenómeno empezó a cambiar debido a una razón muy de la época: el servicio militar obligatorio. Francisco Javier tuvo que irse a la "mili", lo que obligó a un parón en seco en el momento de mayor éxito, un bache del que la carrera del dúo nunca se recuperó con la misma fuerza explosiva.

El álbum "Siempre" fue el disco que dominó el año en España, lanzado a finales de 1979, su éxito se extendió durante todo 1980, en una época donde no existía el streaming, lograron vender cientos de miles de copias (llegando a ser disco de platino), algo que hoy en día parece una cifra de otro planeta para el mercado español, ademas marcaron un hito al ser de los primeros artistas españoles en utilizar un marketing de imagen muy cuidado, similar al de las bandas de chicos (boy bands) modernas, cuidando desde el peinado hasta el color de su ropa para diferenciarse el rubio y el moreno, producido por Juan Pardo (una figura fundamental que supo pulir el sonido del dúo), el álbum buscaba un estilo más maduro pero manteniendo esa esencia de "chicos de barrio" que enamoraba a todo el país, el disco es prácticamente un "Grandes Éxitos" por sí solo, lo que hacía especial a este álbum era la combinación de cuerdas y pianos muy cuidados que daban una sensación de calidad superior al pop chicle de otros grupos, la combinación de la voz más aguda de Javier con el apoyo de Carlos creaba un sonido "aterciopelado" que era su marca registrada y letras blancas, románticas y directas que conectaban con el primer amor y la nostalgia.

"Y voló" es, junto a "Háblame de ti", la canción más emblemática de Los Pecos. Aunque el álbum Siempre (1979) fue un éxito rotundo, esta canción se convirtió en un himno generacional que definió el sonido del pop romántico español a principios de los 80, la letra de "Y voló" es un ejercicio de melancolía pura, habla del primer desamor, de esa sensación de pérdida cuando una persona joven ve cómo su pareja se marcha, dejándolo todo vacío, miles de adolescentes se sentían identificados con esa vulnerabilidad. Era una época donde los chicos empezaban a permitirse mostrar sentimientos más suaves y tristes en la música.Musicalmente, la canción es una balada pop producida con gran elegancia por Juan Pardo. La intro de piano es reconocible desde los primeros segundos, creando una atmósfera íntima antes de que entre la voz, empieza de forma muy contenida y va subiendo en intensidad emocional hasta el estribillo, que es extremadamente pegadizo. Si hubo un momento que quedó grabado en la retina de los españoles fue su interpretación en el programa "Aplauso".

1859.- Enamorado de la moda juvenil - Radio Futura

Hablar de Radio Futura no es solo hablar de una banda, sino del momento exacto en que el pop español decidió dejar de copiar lo de fuera para inventar algo propio. Fueron los arquitectos sonoros de "La Movida", pero con una sofisticación que los ponía en otra liga. A finales de los 70, Herminio Molero, un artista plástico y entusiasta de los sintetizadores, buscaba formar un grupo que uniera el arte de vanguardia con el pop, tras poner varios anuncios, reclutó a unos jovencísimos hermanos Auserón (Santiago en la voz y Luis en el bajo) y a Enrique Sierra, que venía de los míticos Kaka de Luxe. En sus inicios el estilo que tenían por bandera era el Tecnopop, los hermanos Auserón y Enrique Sierra sentían que ese estilo ligero no los representaba, ellos querían algo más profundo, crudo y con raíces, el problema se multiplico con la salida de su primer álbum, "Música Moderna", que fue un éxito fulminante gracias a "Enamorado de la moda juvenil", sin embargo, ese exito fue agridulce, la discográfica (Hispavox) los vendía como un producto para adolescentes (estilo "fan-magazine"). Tras el éxito inicial, la banda rompió con Herminio Molero y con su mánager, se quedaron solos, sin dinero y en medio de pleitos legales. Fue un periodo de "resistencia" donde se dedicaron a ensayar ocho horas diarias en un local de la calle Leganitos de Madrid, fue aquí donde Radio Futura se convirtió en la banda que hoy recordamos: abandonaron los sintetizadores juguetones por un sonido de guitarras afiladas y letras con una carga literaria inédita en el pop español.

Pero aunque les pese "Música Moderna" es un disco fascinante, no solo por sus canciones, sino por lo que representó: el choque entre la industria musical de la vieja guardia y unos jóvenes que querían dinamitarlo todo. A diferencia del rock urbano que dominaba España, este disco sonaba a frescura, sintetizadores y cajas de ritmos. Influenciados por grupos como The B-52's, Talking Heads o The Clash, Radio Futura facturó un sonido limpio y bailable que contrastaba con la suciedad del punk previo, el disco es una ráfaga de hits cortos (apenas dura 30 minutos) que se convirtieron en himnos instantáneos donde además de la canción de la que vamos a hablar podemos escuchar "Divina", una versión del tema de T. Rex (Ballrooms of Mars), que demostraba su buen gusto y su conexión con el glam rock o "Interferencias", un tema más oscuro y experimental que ya daba pistas de hacia dónde querían ir realmente los hermanos Auserón.

Aunque Enamorado de la moda juvenil de Radio Futura, no es mi canción preferida, ni de la época ni del grupo, si creo que esta canción representa lo que tras la recuperación de la democracia aconteció en nuestras vidas. Es el himno por excelencia de 1980, una explosión de optimismo que, curiosamente, terminó convirtiéndose en una especie de "jaula de oro" para el grupo. La canción capturó el espíritu de una juventud que salía de la grisura del franquismo y descubría el placer de la estética. Habla de las tiendas de ropa, de los escaparates y de una ciudad (Madrid) que se estaba transformando. Musicalmente, es una pieza de New Wave de manual, el sintetizador es el protagonista absoluto, pegadizo y brillante, la voz de Santiago Auserón suena mucho más "pop" y limpia que el estilo desgarrado y profundo que adoptaría años después y la estructura, es la de un pop perfecto de tres minutos diseñado para la radio, algo que funcionó tan bien que la canción llegó al número 1 de Los 40 Principales.

1843.- La chica de Plexiglas - Aviador Dro

El Aviador Dro y sus Obreros Especializados es uno de los proyectos más singulares de la "Movida Madrileña",  no es solo una banda de música, es la punta de lanza del futurismo en España, el grupo fue fundado en 1979 en Madrid por Servando Carballar (Biovac N) y Arturo Lanz (quien luego formaría Esplendor Geométrico), y nació bajo la curiosa premisa de que la tecnología debía liberar al ser humano del trabajo alienante. Influenciados por la estética del futurismo italiano de principios del siglo XX, el punk y bandas europeas como Kraftwerk y Devo, los integrantes de Aviador Dro adoptaron nombres en clave y se presentaron ante el público con monos de trabajo industriales y gafas de protección, su manifiesto era claro: el hombre y la máquina debían fusionarse para crear un nuevo arte. Su música, etiquetada como tecno-pop o synth-pop, combinaba melodías pegadizas con letras que hablaban de energía nuclear, viajes espaciales, computadoras y distopías científicas. A diferencia de muchos de sus contemporáneos que desaparecieron tras el auge de los años 80, el Aviador Dro ha demostrado una longevidad asombrosa, han sobrevivido a cambios de formación, crisis de la industria y modas pasajeras, manteniendo siempre su coherencia conceptual. A lo largo de las décadas, han explorado el anarquismo científico, la nanotecnología y la defensa de la mutación como motor de cambio. Hoy, liderados por Servando Carballar y Marta Cervera (Arcoiris), el grupo sigue activo, realizando conciertos que son verdaderas ceremonias de "propaganda" futurista. Han pasado de ser vistos como una excentricidad de la Movida a ser reconocidos como pioneros de la electrónica en español, influyendo a generaciones de músicos que ven en ellos el ejemplo perfecto de que la vanguardia y el pop pueden ir de la mano.

Entre sus himnos más recordados se encuentran: "Programa en espiral": Un despliegue de secuenciadores y energía robótica, "Selector de frecuencias": Quizás su éxito más comercial y accesible y sobre todo “La chica de Plexiglás": Un clásico del pop sintético temprano, se preguntan en la «Guía Esencial de la Nueva Ola Española» (Rock Indiana), mero y grueso censo de La Movida, si los Aviador Dro fueron o no unos meros Devo a la española. Lo cierto es que estéticamente plagiaron bastante a los de Akron, pero en cuanto a sonido, si bien bebieron de ellos -como de muchos otros- no veo una especial o sangrante emulación. De hecho, me atrevo a decir, y aún con todo el riesgo que conlleva, que ya les hubiera gustado a los Devo haber firmado canciones como las contenidas en este sencillo, especialmente La chica de plexiglás que se convirtió en una de las piedras angulares del synth-pop en España. La letra describe un amor futurista y deshumanizado, no habla de una mujer de carne y hueso, sino de una entidad artificial o "mutante", el plexiglás (un tipo de plástico acrílico) simboliza la frialdad, la transparencia y la modernidad industrial, sin duda es una oda a la artificialidad, alejándose del romanticismo tradicional del pop de la época. En un momento en que el rock dominaba la escena española, "La chica de Plexiglás" irrumpió con sintetizadores monofónicos y cajas de ritmos primitivas, una estructura minimalista y repetitiva que buscaba la estandarización industrial y voces procesadas que daban un aire robótico y distante. La canción fue el resultado de la visión de Servando Carballar (Biovac N), quien quería romper con los estereotipos del rock. Según el propio Servando, la "Chica de Plexiglás" representaba a ese grupo de chicas que conectaban con el movimiento futurista de una forma "divertida y agradable", lejos del aire sucio del punk convencional.

1809.- Vamos a tocar un rock and roll a la plaza del pueblo - Tequila

Estamos en 1979, España vive sus primeros al final del franquismo y era una España que quería y necesitaba despertar. En ese contexto aparecía una banda de rock que cantaba en español, algo que no era habitual hasta entonces en España. Estaba integrada por tres españoles -Julián Infante (guitarra), Felipe Lipe (bajo) y Manolo Iglesias (batería) - y dos adolescentes argentinos que querían ser los Rolling Stones y habían llegado a Madrid escapando de la dictadura argentina -Ariel Rot (guitarra) y Alejo Stivel (voz)-. Las balas les habían pasado cerca. Ariel y Alejo eran dos inquietos muchachos de 16 años. Salían por las noches a escuchar música hasta que dieron con una banda y les propusieron crear otra. En realidad, ellos terminaron en ese grupo hasta que luego, con un cambio de integrantes y las canciones que traían los argentinos, terminó siendo Tequila. El quinteto vivió los excesos al ritmo de todos sus éxitos y su final un tanto intempestivo y, a la vez, desangelado, poco acorde a la efusividad de sus modos. Rot decidió que debía abandonar el proyecto y el resto decidió no seguir adelante. Los excesos tuvieron sus secuelas, más de una década después. Felipe Lipe abandonó la música definitivamente. Manolo Iglesias nunca pudo controlar sus adicciones y falleció en 1994 y Julián Infante, que en los noventa tuvo un segundo romance con el éxito al haber sido parte del grupo Los Rodríguez (junto a Rot y Calamaro), murió en 2000.

"Vamos a tocar un rock and roll a la plaza del pueblo" es mucho más que una canción; es un himno generacional, una declaración de intenciones y uno de los pilares fundacionales del rock en español moderno, fue lanzada en 1979 como parte del segundo álbum de Tequila, 'Rock and Roll', esta pieza encapsula la energía desenfrenada, el espíritu de rebeldía adolescente, el sencillo se convirtió inmediatamente en un éxito masivo, consolidando a Tequila como la banda de rock más popular del momento. Su contagioso riff de guitarra, obra del magistral Ariel Rot, y la voz inconfundible y carismática de Alejo Stivel, se unieron a una letra directa y simple que resonaba profundamente con la juventud de la época. La letra de la canción es una oda a la libertad, la diversión sin complejos y el deseo irrefrenable de hacer ruido, la imagen es sencillo: un grupo de jóvenes decide tomar el espacio público por excelencia, la plaza del pueblo, para ejecutar su forma de arte el rock and roll (recordemos que en 1979 estaba empezando a surgir en España), ignorando cualquier tipo de convención o autoridad que pudiera oponerse. Musicalmente, la canción es un ejemplo brillante de rock and roll clásico con claras influencias del Rhythm and Blues y la energía del proto-punk. Posee una estructura simple pero efectiva, con un ritmo galopante que incita al baile y una instrumentación pulcra pero potente, logra capturar la crudeza y la vitalidad de sus actuaciones en directo. Este sonido, potente y desenfadado, marcó un contraste significativo con la música melódica que dominaba las listas en España, ofreciendo una alternativa vibrante y moderna.

El impacto cultural de fue enorme, simbolizaban la llegada definitiva de la modernidad y la normalización de la cultura rock en España. Abrieron la puerta a generaciones posteriores de músicos que vieron en Tequila la prueba de que se podía triunfar haciendo rock and roll en español, con autenticidad y sin complejos.

1719.- Para ti - Paraiso

Paraíso fue un grupo de pop formado tras el verano de 1978 por Fernando Márquez "El Zurdo" después de abandonar Kaka De Luxe, proyecto con el que ya no se sentía identificado. El nombre de Paraíso es un homenaje a la película "El fantasma del Paraíso", dirigida en 1974 por Brian de Palma y a menudo es citado como el primer grupo pop de la llamada Movida madrileña de finales de los años 1970 y principios de los años 1980. Fernando en verano de 1978, cuando todavía estaba en Kaka De Luxe pero ya había anunciado su marcha, tras el verano el proyecto empezó a tomar forma, aunque algunos de los que formaron parte del inicio de la andadura no duraron mucho en ella: Carlos Berlanga, quien estuvo muy poco tiempo para marcharse luego a Los Pegamoides, e Isabel San Gabino, que duró unos meses a la guitarra y se marchó a Los Rebeldes de Madrid, luego renombrados como Los Bólidos. Sin embargo, el núcleo de lo iba a ser Paraíso ya estaba presente: "El Zurdo", Juan Luis Lozano, Mario Gil, Antonio Zancajo, Gregorio Pérez y Paco Díez de Velasco. Gregorio y Paco habían estado anteriormente en el grupo Zaratustra. En mayo de 1979 quedaron en segundo lugar del II Trofeo Rock Villa de Madrid, celebrado en la casa de Campo de Madrid. El concurso fue ganado por El Gran Wyoming y Su Banda, quienes con el nombre de Paracelso ya lo habían ganado el año anterior, con Kaka De Luxe como segundos clasificados. El primer trabajo discográfico de Paraíso fue grabado entre el 18 y el 19 de octubre en los estudios Eurosonic, con Luis Soler como productor oficial y Manolo Tena como productor real. Se grabaron "Para ti" y "Estrella de la radio", con Carmen Madirolas, de Los Bólidos, y Alaska sustituyendo a María a los coros. Ambas participaron también en algunos conciertos posteriores. La presentación, a la que fue convocada toda la crítica nacional, fue un desastre, pues la discográfica no sonorizó el local y al tocar con el equipo de ensayo sonó fatal. La discográfica como consecuencia les retiró la promoción, el single tuvo mala distribución y abandonó la idea de publicarles un álbum. Tras varios conciertos en abril, mayo y junio, en los que Paraíso consiguieron recuperar parte del crédito perdido, a finales de junio de 1980 Paraíso grabó cuatro canciones para el programa de Televisión Española, Popgrama, con Carlos Tena como productor. Tras la problemática presentación en El Sol hubo problemas con Zafiro. El grupo quería grabar un álbum u obtener la carta de libertad. Tras muchas discusiones finalmente todo terminó con la disolución de Paraíso en septiembre de 1980.

Paraíso se caracterizó por un pop ecléctico, unas letras provocadoras y variadas (que se deben al Zurdo y Juan Luis Lozano) y por un repertorio muy extenso y variado. Su canción más famosa, Para ti, se ha editado en muchos recopilatorios de la movida madrileña y en cierto modo se ha convertido en un himno de aquella época, la melodía, simple pero irresistible, se complementa perfectamente con la distintiva voz de su vocalista, es una amalgama perfecta de influencias que definieron el new wave y el punk pop de la época. A diferencia de las producciones más complejas o grandilocuentes, Paraíso optó por la simplicidad y la inmediatez. La letra es sencilla y directa y explora el tema universal del amor y evoca una sensación de optimismo y jovialidad, capturando la esencia de una nueva generación de jóvenes que buscaban expresarse de manera libre y desenfadada, no solo hablaba de amor, sino que también capturaba el espíritu de una generación que estaba abrazando la libertad de expresión en todas sus formas. A pesar de su aparente simplicidad, la canción se convirtió en un himno de la escena musical underground, resonando con una audiencia que se identificaba con su espíritu DIY (hazlo tú mismo) y su autenticidad.