viernes, 31 de marzo de 2023
0820 - Leonard Cohen - Avalanche
jueves, 30 de marzo de 2023
0819.- Famous Blue Raincoat - Leonard Cohen
Hay un famoso impermeable azul en algun sitio de este planeta que han dejado colgado, e incluso lo han hecho con dejadez, y ha quedado sumido en el olvido mientras el polvo iba invadiendo su superficie. Ese impermeable azul una vez protegia de la lluvia al cuerpo de un poeta, que decidio hacerse cantante y que nos estuvo regalando musica y poesia en perfecta consonancia, ese mismo impermeable mientras estaba cumpliendo la funcion por la que fue adquirido,fue robado del apartamento de Nueva York que pertenecía a la amante del compositor, Marianne Ihlen a principios de la década de 1970. Cohen nunca se volvió a reunir con su impermeable, pero lo hizo eterno, y quien mas que menos todos hemos querido saber que vió aquel impermeable azul, la culpa ser la excusa perfecta de una de sus canciones más queridas y enigmáticas. Lanzado en el álbum de 1971 Songs of Love and Hate ,"Famous Blue Raincoat" ofrece quizás la síntesis más clara de Cohen, el poeta y novelista, y Cohen, el cantautor, mientras transmite una historia vívidamente caracterizada de adulterio, arrepentimiento y soledad en solo cinco minutos.
"Famous Blue Raincoat" de Leonard Cohen comienza a las cuatro de la mañana, una hora generalmente armada con ensoñaciones ebrias, pero ocasionalmente visitada en noches de insomnio, dejándote sin nada que hacer más que enviar grupos de búsqueda a los ríos sombríos del alma, y, como Cohen, escribiendo cartas a personas que solían jugar un papel mucho más importante en tu vida. La canción toma la forma de una carta dirigida a un hombre anónimo que, según sabemos, una vez intentó sin éxito alejarse de Jane, la esposa del escritor. (una versión ficticia del propio cantante). Pero esta no es una narrativa tórrida ordinaria de un triángulo amoroso, llena de egos heridos, amargura, culpa y recriminaciones. Confía en Leonard Cohen para que se le ocurra algo más sutil, sobrio y silenciosamente devastador. De hecho, la carta es curiosamente fraternal, incluso conciliadora con el rival del narrador, la tragedia aquí nunca fue la infidelidad, sino la forma en que el narrador se resignó a la decadencia de su matrimonio. "Gracias, por la molestia que le quitaste a sus ojos, pensé que estaba allí para siempre, así que nunca lo intenté", reconoce.en una línea deslumbrante que destila el corazón de la desesperación conyugal y la falta de comunicación. Pero tal es la rica ambigüedad de las palabras de Cohen que ninguna cantidad de análisis de la letra podría producir una interpretación definitiva de "Famous Blue Raincoat". ¿Hubo, por ejemplo, alguna vez un segundo hombre, o fue un alter-ego, una presencia espectral abstracta? ¿Es "ir limpio" un eufemismo para el sexo, o una referencia a una etapa de la Cienciología, en la que Cohen incursionó de manera inusual en ese momento?. Cohen proporcionó poca aclaración, posiblemente para no atenuar la naturaleza abierta e inescrutable de la canción, pero principalmente porque él mismo no tenía las respuestas. En una entrevista en 1994, admitió: “Era una canción con la que nunca estuve satisfecho. Siempre he sentido que había algo en la canción que no estaba claro”.
A pesar de sus reservas personales sobre la pista, Cohen continuó tocándola a lo largo de su larga carrera. Tal vez siguió volviendo a él con la esperanza de que con cada actuación se acercaría más a descubrir finalmente algo de claridad dentro de la canción. O tal vez simplemente nunca dejó de extrañar su famosa gabardina azul robada.
jueves, 23 de marzo de 2023
0812 - Northern Sky - Nick Drake
Northern Sky es una canción del álbum Bryter Layter de 1971 del cantautor inglés Nick Drake, producido por Joe Boyd. Durante las sesiones de grabación del álbum, el compositor crónicamente tímido y retraído formó una amistad y una especie de tutoría con el productor Joe Boyd, uno de los primeros seguidores de Nick Drake. Boyd vio potencial comercial en la versión de demostración acústica y sin acompañamiento de la canción, y reclutó al ex miembro de Velvet Underground, John Cale, como productor. Cale añadió arreglos de piano, órgano y celesta, inicialmente en contra de los deseos de Nick Drake.
La canción marcó un fuerte cambio de dirección en el sonido de Nick Drake. Estaba complacido con la producción de Cale y anticipó que la canción sería su éxito comercial. Sin embargo, Island Records decidió no lanzarlo como sencillo, y el álbum que lo acompaña, como su predecesor, no recibió apoyo de marketing y, por lo tanto, no se vendió. Habiendo probado arreglos exuberantes, el siguiente álbum de Nick Drake, Pink Moon, se caracteriza por voces sombrías y partes de guitarra escasas, pero nuevamente solo recibió un lanzamiento limitado.
En la década de 1980, Northern Sky se convirtió en fundamental para resucitar el interés en la música de Drake que hasta entonces había sido en gran parte olvidado. El biógrafo Patrick Humphries describe la canción como "la mejor... a la que Nick Drake alguna vez prestó su nombre. De nuevo sonando solo y vulnerable... suplica que llegue el brillo".
El exitoso sencillo de 1985 en el Reino Unido "Life in a Northern Town" de The Dream Academy se basó e inspiró en Northern Sky, y contribuyó al resurgimiento del interés en la carrera del compositor desde principios hasta mediados de los 80. La voz del cantante Nick Laird-Clowes refleja directamente el estilo de Drake, mientras que la carátula del disco contiene las palabras "Nick Drake, Steve Reich & Classics For Pleasure". Nick Drake, entonces prácticamente desconocido en el Reino Unido, fue mencionado en una entrevista de Melody Maker con Laird-Clowes, quien dijo que su canción surgió de una "fuerte conexión con Nick Drake de una manera que ni siquiera puedo explicar". Como resultado de esto, la BBC comenzó a recibir solicitudes de la canción de Drake, mientras que Nick Stewart, jefe de A&R en Island Records, le dijo al sello que el catálogo del compositor podría estar en una posición ideal para reeditarlo en el CD para adultos en desarrollo. mercado. La canción se publicó como un maxi-sencillo de CD promocional para el álbum recopilatorio de 1994 Way to Blue: An Introduction to Nick Drake. En 2004, NME describió la canción como la "mejor canción de amor en inglés de los tiempos modernos".
La canción aparece en el álbum recopilatorio de 2005 Anthems in Eden: An Anthology of British & Irish Folk 1955–1978, y en la escena final de la película de comedia romántica estadounidense de 2001 Serendipity.
DanielInstagram Storyboy
miércoles, 15 de marzo de 2023
0804.- Stoney End - Barbra Streisand
Estamos ante un album muy importante en la carrera de Barbra Streisand, este fue el momento cuando dio el paso a la música pop y dejó atrás Broadway. Streisand habia tenido un enorme éxito en la década anterior en el escenario y en musicales, pero en los albores de la década de 1970 y Woodstock a su alrededor, abandonó de forma muy inteligente los musicales y centró su interés en compositores contemporáneos, cantautores como Joni Mitchell, Gordon Lightfoot y Laura Nyro. Cuando Barbra Streisand grabó el material para su decimotercer álbum de estudio, Barbra Joan Streisand de 1971 , tenía 29 años, aunque era contemporánea de íconos del rock como Bob Dylan, John Lennon y Paul McCartney, parecía más una refugiada de una época pasada. Aunque tenía poco más de 20 años, sonaba más como sus mayores musicales (Tony Bennett, Ella Fitzgerald o Frank Sinatra). Personalmente, no creo que haya dejado los musicales completamente atrás y su corazón siempre estuvo en los compositores con clase de épocas pasadas, pero el tiempo había cambiado, así que quería hacer algo más cercano a su generación. Musicalmente, es interesante notar cómo cambió su enfoque: mientras que en su debut cantó y estaba más cerca de la vieja escuela de Judy Garland y Ethel Merman (a menudo con giros cómicos), aquí bajó el tono y comenzó a sonar como la conocemos hoy, una cantante de baladas amigable con voz muy clara, tranquila y algo distante.
El album Stoney End es recordado por la exitosa canción principal, que tenia el mismo titulo. Stoney End fue escrita por la brillante cantautora Laura Nyro, y fue una maravillosa introducción a una "nueva" Barbra Streisand, una que pudo sintonizar su voz con la producción de rock-pop de California de Richard Perry. La composición tenía un ritmo constante en el que Streisand tenía que cantar distinto, había influencias gospel en ella que Nyro trajo de su interés por la música negra. (La amiga cercana y colaboradora Patti LaBelle una vez describió a Nyro como una " hermana”.) Perry, que trabajó con artistas como Harry Nilsson, Leo Sayer y Ringo Starr, pareció obtener una actuación de Streisand que no sonó rígida ni poco convincente. “Stoney End” se convertiría en el único éxito de rock de Barbra, y es muy apreciada por sus fans 50 años después, pero cuando llegó el momento de grabarlo, Barbra, recuerda Perry, se derrumbó en el estudio. “No puedo hacer esto”, exclamó. “Esta no soy yo… ¡Simplemente no lo siento!” Perry escribe: "Stoney End" fue la tercera canción que grabamos esa noche, y sin duda el mayor esfuerzo para ella artísticamente... Todas las primeras tomas de Barbra en el estudio fueron pura magia, escuchar esa voz cantando estas canciones, pero en el momento en que nos quedamos con la toma definitiva de "Stoney End", sentí como si un rayo me atravesara. Lo juro, se me pusieron los pelos de punta. Fue uno de los sentimientos más increíbles que he tenido en el estudio”. “Mientras escuchábamos la reproducción, Barbra se inclinó y me susurró al oído: “Tú tenías razón y yo estaba equivocado. Pero es bueno estar equivocado”. Fue un momento que recordaré por el resto de mi vida”.
Laura Nyro escribió “Stoney End” cuando era una adolescente. ¿Qué decía Nyro en la canción? “La canción cuenta la historia de una mujer que ha pasado la noche con un hombre cuya pasión sexual confundió con amor. Él la ha dejado, y ahora ella se siente culpable, anhela el consuelo de su madre y poder empezar de nuevo. El 'Stoney End' puede referirse al castigo bíblico por tener relaciones sexuales fuera del matrimonio, tal vez un regreso a las faldas de su madre, o tal vez una muerte por las drogas para acabar con su dolor y furia. O puede ser solo una metáfora del camino rocoso que ahora tendrá que recorrer como madre soltera”.
sábado, 11 de marzo de 2023
0800 - Lucia - Joan Manuel Serrat
viernes, 10 de marzo de 2023
0799 - Mediterráneo - Joan Manuel Serrat
domingo, 5 de marzo de 2023
0794 - Carole King - Will You Love Me Tomorrow?
sábado, 4 de marzo de 2023
0793.- You've Got a Friend - Carole King
You've Got a Friend es una de las canciones más conmovedoras del siglo XX, fue escrita por Carole King, quien la publicó por primera vez en su histórico álbum Tapestry de 1971 . Al mismo tiempo que se grabó esa versión, James Taylor estaba haciendo su versión de la canción, de hecho, las dos grabaciones presentaban a los mismos músicos, ya que King y Taylor estaban grabando en el mismo estudio, y King le dio a Taylor el visto bueno para lanzar su versión. Los dos cantautores se hicieron amigos rápidamente el año anterior, después de colaborar y luego actuar juntos en el famoso club Troubadour de Los Ángeles. De hecho, la amistad de King y Taylor influyó en la canción misma. Según Taylor, You've Got a Friend se escribió en respuesta a una línea del coro de su canción "Fire and Rain", en la que canta: "He visto momentos de soledad en los que no podía encontrar un amigo".
Como es habitual en Tapestry, el piano de King abre la pista, la interpretación no es demasiado llamativa, pero nada sobre la canción (o el álbum) lo es o necesita serlo. El material de Carole King siempre tiene un aire de calma, incluso en sus temas más rockeros como "Smackwater Jack" o en números bailables como "I Feel the Earth Move", que abre Tapestry. Dado que "You've Got a Friend" es una canción lenta, todos los instrumentos hacen los que tienen que hacer, y eso es más que suficiente. Además de las contribuciones de King, esas partes incluyen el contrabajo de Charlie Larkey que imita la línea baja de King en el piano, violines y violas con arco, Danny Kortchmar en las congas, el ya mencionado James Taylor en la guitarra y (para mi sorpresa cuando encontré la lista de personal) Joni Mitchell en los coros. Destacan las primeras líneas de King que la llevan a la parte más baja de su registro, comenzar tan bajo hace que la escucha de esas primeras palabras sea más íntima, y también lo hace más poderoso cuando de repente sube a su tono medio donde se encuentra más cómoda. Cuando llega el coro y comienzan los coros de armonía más baja, la canción adquiere un tono aún más cálido que el que tenía en los versos, dependiendo de mi estado de ánimo, escucho las líneas de fondo como una de estas dos opciones. En primer lugar, puede ser el narrador de King duplicando su apoyo a su amigo. Esta lectura es probablemente la más aparente de las dos, dado su contexto más literal. La otra lectura que tengo es un poco más matizada, ya que también puedo escuchar las armonías como si fuera el amigo al que le canta el narrador. Con "Tienes un amigo" con un mensaje tan afectuoso, quiero escuchar el amor que el narrador siente por su amigo como mutuo y voluntariamente correspondido. En un mundo donde, como dice King en el puente, "la gente puede ser tan fría", a mis amigos les digo que me envíen un mensaje cada vez que necesiten algo, o simplemente necesiten hablara para desahogarse, lo digo en serio; tal como Carole King escribió y cantó: "Simplemente grita mi nombre..."
viernes, 3 de marzo de 2023
0792.- I feel the Earth move - Carole King
jueves, 2 de marzo de 2023
0791-. It's Too Late - Carole King
It's Too Late, Carole King |
El 10 de febrero de 1971 la compositora y cantante estadounidense Carole King ve publicado su segundo álbum de estudio, Tapestry. El disco es grabado durante el mes de enero de 1971 en los estudios A&M de Hollywood, bajo la producción del productor discográfico y cinematográfico Lou Adler, quien además era dueño del famoso teatro Roxy ubicado en Wet Hollywood, California. El disco fue publicado bajo el sello discográfico Ode (propiedad del mismo Lou Adler) a través del sello discográfico A&M Records. Además de ser seleccionado como Álbum del Año, también recibió tres premios Grammy por "Mejor Interpretación Vocal Femenina", "Grabación del Año" por el tema It's Too Late y "Canción del Año" por la canción You've Got a Friend, convirtiendo a Carole King en la primer artista femenina solista que gana el premio Grammy por Grabación de Año y la primera también en ganar un Grammy a la Canción del Año. Tapestry permaneció en las listas estadounidenses Billboard la friolera de 313 semanas.
Vamos a referirnos precisamente al tema ganador a Grabación del Año, It's Too Late, el cual fue compuesto por Carole King y Toni Stern. La canción fue lanzada también como sencillo el 16 de abril de 1971 por el sello discográfico Ade. La letra de esta amorosa canción fue escrita por Toni Stern, mientras que la música fue compuesta por Carole King. El sencillo llegó a alcanzar el puesto número 1 en las listas estadounidenses Billboard Hot 100 y Adult Contemporary. Esta canción es un claro ejemplo del llamado Sonido de Cantautor que King ayudó a popularizar. En este tema Carole canta sobre cómo se da cuenta de que su relación, que alguna vez fue muy prometedora, ahora ha llegado a su fin. Aunque de cara a fuera ella se muestra valiente, por dentro está destrozada. Sobre la canción se llegó a rumorear que trataba sobre el cantante y guitarrista James Taylor y la propia Carole King. James Taylor era buen amigo de Carole y participó en la grabación del álbum Tapestry. a principios de 1971, Taylor y King realizaron una gira conjunta. Mucha gente pensaba que esta canción trataba sobre un posible romance que habrían tenido los dos. Carole King nunca se llegó a pronunciar sobre aquellos rumores. Posteriormente Taylor se casaría con la cantante, compositora y autora infantil estadounidense Carly Simon.
martes, 21 de febrero de 2023
0782: God - John Lennon
El primer disco en solitario de John Lennon, fue su álbum de "terapia", su forma de dejar salir su yo más personal, su forma de mostrarle al mundo su verdadera esencia, porque, sinceramente, muchas de las cosas que hizo con The Beatles seguían siendo solo eso, The Beatles, y no “Lennon” en sí mismo. No aprendió el arte de escribir canciones "personales" hasta este mismo período de tiempo, y gran parte de eso provino de su terapia primaria: la teoría de que mientras retrocedes a los dolorosos recuerdos de la infancia, puedes liberarte de ellos desde, incluso retrocediendo al momento en que aprendes a llorar cuando eras un bebé, de esa manera repites los sentimientos que una vez tuviste y enterraste profundamente dentro de ti, y los que no entendías en ese entonces, y así poder formar un círculo completo en tu vida y seguir adelante…….Y, no hace falta decir que Lennon tenía muchas cosas en mente.
God es una de las canciones más brutalmente honestas y directas jamás grabadas en la historia del rock and roll, y ese era el fuerte de Lennon, sobre todo siendo honesto, directo y admitiendo sus debilidades. La letra de la canción pasea sobre todas las cosas en las que en ese momento no creía, que son, dicho sea de paso, todas las cosas en las que puede o no haber creído en el pasado. Elvis y Zimmerman (Bob Dylan), siendo dos de sus grandes héroes e inspiraciones en la vida, ¿no significan nada para él? ¿Qué pasó? ¿Qué lo hizo cambiar? ¿Qué hizo que el mundo cambiará? ¿Qué le hizo perder la fe? Con desprecio apenas disimulado, termina este mantra de todas las cosas con las que ahora deja de lado con un “No creo en The Beatles”. Oh, espera, espera, perder la fe en Elvis lo puedo entender, incluso en Dylan, porque estaba empezando a perder relevancia en ese momento, pero ¿perder la fe en The Beatles? ¿El mito dorado de la historia del rock and roll? ¿Su propia banda, su propia creación y su propio destino? Estaba buscando algo en lo que creer, algo en lo que descansar su laurel creativo, alguien en quien confiar, alguien para reemplazar sus sentimientos de abandono, y con bastante frecuencia se sintió decepcionado. Esta canción fue la eligió Lennon para dejarlo todo y empezar una nueva vida para sí mismo… y quería que lo supiera todo el mundo y se encargó de dejarlo muy claro: “Se acabó el sueño ¿Qué puedo decir? ell sueño se acabó, ayer yo era el tejedor de sueños, pero ahora renací, yo era la morsa, pero ahora soy John, y así, queridos amigos, tendrán que continuar”. También es su forma de consolar a un mundo que creció con The Beatles, de asegurarles que el fin de The Beatles no significó el fin del mundo, el fin de él. Que The Beatles no era él, era solo una mera parte de él y un momento de su vida. Al igual que todas las fases de la vida, tuvo un comienzo e inevitablemente tuvo un final. Y así, solo tienes que seguir.
lunes, 20 de febrero de 2023
0781.- Isolation - John Lennon
domingo, 19 de febrero de 2023
0780 - John Lennon: Working Class Hero
sábado, 18 de febrero de 2023
0779-. Mother - John Lennon & Plastic Ono Band
Mother, John Lennon & Plastic Ono Band |
El 11 de diciembre de 1970 se producía el debut en solitario de John Lennon repaldado por la Plastic Ono Band, con el álbum titulado John Lennon / Plastic Ono Band. Fue grabado entre el 26 de septiembre y el 23 de otubre de 1970 en los Abbey Road Studios de Londres, bajo la producción de John Lennon, Yoko Ono y Phil Spector, y publicado bajo el sello discográfico Apple Records. En el momento de su edición, el disco recibió críticas buenas y malas a medias, pero con el tiempo llegó a ser considerado de largo como el mejor álbum en solitario de John Lennon.
Este álbum debut contine un sonido crudo con muchas canciones fuertemente influenciadas por la reciente terapia de "Gritos Primarios" que Lennon había seguido. Tras la ruptura de los Beatles en abril de 1970, John Lennon y su esposa Yoko Ono emprendieron Terapia Primaria con la guía de Arthur Janov durante cuatro semanas en sus oficinas de Londres. Los tres volaron después a Los Ángeles para continuar la terapia durante cuatro meses. Sus letras reflejan los problemas de Lennon e incluyen temas donde trata el abandono de padres e hijos y el consiguiente sufrimiento psicológico. El disco llegó a alcanzar el puesto número ocho en la lista Uk Albums Chart del Reino Unido, y el puesto número seis en la lista estadounidense US Billboard 200.
Incluido en este disco debut se encuentra Mother, tema que abre el álbum, una desgarradora exploración de los propios traumas infantiles de Lennon, quien había sufrido el abandono de su madre y la ausencia de su padre. La canción arranca con unas sombrías campanadas de iglesia, y musicalmente es un buen ejemplo de la austeridad (que no aridez) del disco, al basarse únicamente en piano, bajo y batería, una fórmula que se repetirá en otras canciones del álbum. Una versión editada de la canción fue lanzada como sencillo en Estados Unidos por Apple Records el 28 de diciembre de 1970. Dicha edición es 1:41 minutos más corta que la de el álbum debido a la eliminacación de las campanas con las que comienza la canción, y a un Fade Out (técnica que consiste en reducir gradualmente el volumen hasta llegar a un silencio total) más rápido.
lunes, 6 de febrero de 2023
0767.- Wild Word - Cat Stevens
Wild Word, Cat Stevens |
El 23 de noviembre de 1970 Cat Stevens publica su segundo álbum de estudio, Tea for the Tillerman. El disco fue grabado, bajo la producción de Paul Samwell-Smith, entre mayo y julio de 1970 entre los Morgan, Island y Olympic Studios, todos de Londres. El disco fue publicado por el sello discográfico Island Records para Reino Unido y Europa, y por el sello A&M Records para Estados Unidos y Canadá. Cat Stevens, que fue estudiante de arte, se encargó él mismo de diseñar la obra que aparece en la portada del álbum. Coincidiendo con el cincuenta aniversario de la publicación del disco, en septiembre de 2020, Cat Stevens rehízo el álbum incluyendo nuevas letras e instrumentación, cantando además con su propio yo de 22 años en la canción Fahter and Son.
Incluido en este disco se encuentra Wild Word, tema que fue publicado como sencillo ocupando la cara A, y siendo publicado en septiembre de 1970. Stevens había tenido una relación de aproximadamente dos años con la actriz Patti D'Arbanville. Durante ese periodo el cantante escribió varias canciones sobre ella, incluyendo este tema. Stevens canta la canción como si su amor se estuviera marchando, simulando así el final de un romance. El cantante escribió la canción basándose en la búsqueda de la paz y la felicidad en un mundo loco. Sobre esta canción, Stevens afirmaba que se inspiró en acordes muy comunes en la música española, y que le dio una vuelta, surgiendo un tema que tenía que ver con la partida, la tristeza de irse y la anticipación de lo que hay más allá. La canción surgió en un momento en la vida de Stevens en la que este estaba tratando, como el mismo afirmaba, de relacionarse con su propia vida, y hablaba sobre su propia experiencia de perder el contacto con el hogar y la realidad.
martes, 24 de enero de 2023
0754.- The man in me - Bob Dylan
domingo, 22 de enero de 2023
752.- If Not For You - Bob Dylan
Segundo album de Bob Dylan en el año 1970, pero en esta ocasión estamos ante un álbum mucho más serio que el anterior, Selfportrait, y también mucho más corto, Bob reduce el formato y vuelve al principio del disco 'ultracorto' que se mantendría durante la mayor parte de su 'período country'. En cuanto a la estilística, no es del todo de otro género ni nada por el estilo, todavía está trabajando en el estilo country tranquilo y despojado patentado. Sin embargo, ahora confía mucho más en el piano que en cualquier otra cosa, basando canción tras canción en secuencias de acordes vagas, acuosas, incoherentes y sin tener en cuenta riffs cuidadosamente estructurados. Y esto en ningún momento supone un problema: por caótico que parezca este disco, de alguna manera se las arregla para ser increíblemente pegadizo.
No estoy exactamente seguro de si te gusta o si odias Selfportrait, pero si eres de los que no lo odias, realmente encontrarás New Morning como un punto culminante importante en su carrera. Pegadizo, tranquilo e introspectivo, y también humilde y filosófico, esta vez encuentra a Bob en un estado de ánimo algo melancólico. Pero bueno, ese era probablemente el estado de ánimo real en el que estaba en ese momento, y todo sobre el álbum se siente absolutamente sincero y conmovedor. El álbum también muestra una actitud religiosa evidente, por primera vez en la carrera de Bob, se podría decir que, en cierto modo, New Morning predice el período de 'renacimiento' de Bob, aunque solo sus lados fuertes y ninguno de sus puntos débiles. Me refiero principalmente a los últimos tres minutos del álbum: 'Three Angels' es una pieza solemne, espeluznante basada en el órgano, con Bob recitando un cierto tipo de visión apocalíptica que me da escalofríos; y 'Father Of Night' es solo una cancioncita muy corta, pegadiza, simplista e infantil para completar el disco. Inimaginable en cualquier álbum anterior, pero nunca estropeando la imagen.
Pero vamos a destacar la pieza que abre New Morning se trata del clásico “If Not For You” que fue versionado por George Harrison en su emblemático All Things Must Pass publicado apenas tres semanas después de nuestro homenajeado disco. Fue versionado también por Olivia Newton-John y que da título a su primer LP, Dylan nos dice en la canción que “Si por ti no fuera, la puerta nunca hallaría, ni el suelo jamás vería, estaría triste, si por ti no fuera”. Además de ser el único “single” del disco, es una sencilla pero cautivadora canción de amor de básicamente unos cinco acordes pero de gran calidez, tanto en la original como en la versión de Harrison.
domingo, 8 de enero de 2023
0738.- Southern Man - Neil Young
sábado, 7 de enero de 2023
0737.- After the gold rush - Neil Young
Siempre hay un álbum que puede sernos útil en cualquier momento de tu vida, lo puedes escucharlo cuando estas feliz o cuando estas triste, un disco donde no hay una historia exacta a la tuya pero cualquiera de las canciones puede encajar y formar parte de la banda sonora que es tu vida, unas canciones de una gran profundidad y significado, aquí lo encuentras, las letras y los instrumentos cobran vida con su creatividad, algo muy extraño de ver en un álbum de folk rock. Pero es mucho más que eso, es un material que surge de todo lo que Young ha hecho un disco perfecto y un gran ejemplo de lo que debe ser cualquier disco de rock. Incluso los errores aquí solo hacen que el álbum sea aún mejor. Un verdadero disco de cantautor, lanzado en los albores de una década que estaría dominada por ese estilo, After The Gold Rush es donde Young comenzó a presentar argumentos convincentes a favor de su estatus como uno de los principales escritores de su generación.
Lo primero que nos llama la atención de la canción que da titulo al álbum, After de gold rush, son los sencillos acordes de piano que resaltan una melodía sobresaliente, cuya claridad siempre se siente como si Neil Young fuera el metafórico leñador que tira el árbol, y si alguna vez hubo algunas líneas que describieran mejor a Neil Young joven son estas "Acostado en un sótano quemado / Con la luna llena en mis ojos". Bill Peterson toca la melodía principal sin un solo adorno adicional, simplemente flotando en el sonido cálido y vibrante del instrumento durante casi 50 segundos de una canción no precisamente larga. Cada estrofa de la canción no habla de un recuerdo de la vida real, sino de un sueño, que describe lugares de otro mundo de caballeros con armadura que hablan con reyes y reinas, y termina con naves espaciales que vuelan hacia la neblina del sol y la Madre Naturaleza misma esparciendo su semilla plateada. Sin embargo, estas desconcertantes descripciones tienen una delicada belleza e intimidad, ese espíritu surrealistamente confesional se encarna en los grandiosos y tambaleantes acordes del piano, induciendo esa sensación de asombro mientras trata de resolver esas experiencias trascendentes para comprenderse a sí mismo en el proceso. "After the Gold Rush" se siente como algo genuinamente mágica desde las primeras notas, te sientes tan irremediablemente perdido en estos fascinantes mundos como él, y su atmósfera se vuelve tan impresionante que tal vez quieras quedarte allí un poco más, un testimonio de lo increíble que es la canción que no perdió nada de su brillo místico es cuando se interpretó en vivo con el solo de armónica reemplazando al fliscorno. No podíamos esperar menos que esto del genio de nuestro querido viejo Neil, continúe y escuche la canción una vez más para rendir el homenaje que merece esta brillantez compositiva