0787-. Cry Baby - Janis Joplin

 

Cry Baby, Janis Joplin

      Comienzos de 1970, Janis Joplin parece haberse desenganchado de las drogas, aunque no del alcohol, y vive en sus casa con David Niehouse, con quien tiene una relación. Parece que la vida le sonrie en lo personal. Albert Grossman, mánager de Janis, le propone una nueva banda, la Full Tilt Boogie Band, en el mismo momento que su pareja, Niehouse le pide que se marchen juntos a viajar por el mundo. Janis escoge quedarse con su música y su audiencia y acepta la proposición de Grossman. Una vez formada la banda, Janis encaja muy bien con ésta, hay feeling entre ella y la banda.

En verano de 1970 conoce en una fiesta de los Hell's Angels en San Francisco a Seth Morgan, y se enamora de él. En septiembre de 1970 Janis se traslada a Los Ángeles para grabar su nuevo dico, Pearl. El 3 de octubre había sido un buen día en el estudio y Janis decide salir de copas con sus compañeros de banda para elebrarlo, sería la última noche que Janis fuera vista con vida. El 4 de octubre de 1970 fallecía a causa de una sobredosis de heroína. 

Finalmente, y tras el enorme varapalo que supone la pérdida de Janis, sale a la luz uno tres meses después de su muerte su segundo y último álbum en solitario, Pearl, grabado con la Full Tilt Boogie Band, su última banda de apoyo con la que había estado trabajando en el disco. Pearl fue grabado entre el 27 de julio y el 4 de octubre de 1971 en los estudios Sunset Sound Recorders de Hollywood, California, bajo la producción de Paul A. Rotchild, y publicado el 11 de enero de 1971 bajo el selllo discográfico Columbia Records. El disco llegó a alcanzar el puesto número uno en la lista estadounidense Billboard Hot 200 durante nueve semanas consecutivas. 

Estamos ante un trabajo más pulido que los grabados anteriormente por Janis con la Big Brother and the Holding Company, y gran parte se culpa la tuvo el productor Paul A. Rotchild y los músicos de apoyo escogidos para acompañar a Janis. Rotchild ya tenía por entonces una amplia experiencia, y era conocido por ser el productor de estudio de grabación de The Doors. 

Incluido en este álbum podemos encontrar magníficos temas entre los que se encuentra una versión del genial tema Cry Baby. Este tema fue escrito y compuesto por los compositores y productores discográficos estadounidenses Bert Berns y Jerry Ragovoy. Sería el cantante de soul y R&B estadounidense Garnet Mimms, junto con The Enchanters, el primero en grabar esta canción en 1963. La versión de Janis además de ser editada en el disco, también fue lanzada como sencillo ocupando la cara A y siendo acompañada por la canción Mercedes Benz en la cara B. La versión de Janis Joplin tenía un estilo más orientado al blues rock, llegando a alcanzar el puesto número 42 en la lista estadounidense Billboard Hot 100, y el puesto 20 en la lista Cash Box, también de dicho país. Cry Baby se convirtió rápidamente en una habitual en el repertorio de Janis y ha sido interpretada a día de hoy por infinidad de artistas, siendo muy destacables las realizadas por Joss Stone, Allison Iraheta o Magdolna Rüzsa.

0766.- Bell Bottom Blues - Derek and the Dominos

Layla and Other Assorted Love Songs  (Layla y otras canciones de amor surtidas) es la torturada carta de amor de Eric Clapton a la esposa de su amigo, George Harrison. El álbum a menudo se ha definido por la breve asociación de guitarras de Clapton y Duane Allman. Eric Clapton es uno de los mejores guitarristas de blues-rock de todos los tiempos, fue un niño prodigio musical. Cuando aún era adolescente, ya tenía seguidores incondicionales por su trabajo de guitarra de blues con The Yardbirds y John Mayall's Bluesbreakers. Pero estaba inquieto y se movía rápidamente de una banda a otra.  Clapton se convirtió en una superestrella mundial con el supergrupo de blues Cream, junto con el bajista Jack Bruce y el baterista Ginger Baker. Sin embargo, Cream se separó después de unos tres años y Clapton se mudó a Blind Faith con Steve Winwood, Ginger Baker y Rick Grech. Sin embargo, ese grupo duró solo un año y un solo álbum. Poco después de eso, Eric se unió al grupo Delaney & Bonnie and Friends, allí conoció al teclista Bobby Whitlock, al bajista Carl Radle y al baterista Jim Gordon, quienes también formaban parte de ese conjunto. Más tarde, el grupo se unió a Clapton en Londres, donde tocaron como respaldo en el álbum All Things Must Pass de George Harrison, esa fue la chispa para que Eric formara Derek and the Dominos con sus tres compañeros. La banda comenzó a trabajar en lo que se convirtió en un álbum doble que estuvo marcado por dos eventos importantes. Primero, se grabó durante un período en el que Clapton estaba locamente enamorado de la esposa de George Harrison en ese momento, Pattie Boyd. En segundo lugar, el álbum fue producido por el legendario Tom Dowd.

Lo más destacado del álbum fue el título de la canción Layla, una efusión abrasadora y angustiada del (entonces) amor no correspondido de Clapton por Pattie. Las guitarras solistas duales de la Fender Stratocaster de Clapton y la Gibson Les Paul de Allman resaltan maravillosamente el patetismo de las letras. El single Layla ha eclipsado más o menos por completo a las otras canciones de ese álbum, sin embargo, Bell Bottom Blues es una de mis canciones favoritas, cuenta con un maravilloso trabajo de guitarra y la misma sensación de angustia desesperada que uno ve en Layla, sin embargo, el tempo en la primera mitad de Layla es rápido, mientras que Bell Bottom Blues es mucho más lento. Clapton superpone la pista con guitarras, incluidas dos partes principales entrelazadas y un solo de blues, con una famosa nota de sostenimiento. Pero es su interpretación vocal lo que es notable; no solo uno de sus mejores éxitos personales, sino uno de los mejores del rock & roll. Bobby Whitlock proporciona el sonido gospel del órgano Hammond y algunas armonías vocales desgarradoras. Carl Radle toca el bajo y la percusión adicional, mientras que Jim Gordon toca la batería.

La letra de Bell Bottom Blues también se refiere al amor de Eric por Pattie Boyd, de hecho, Patti le había pedido a Eric que le trajera un par de jeans acampanados de su última gira por Estados Unidos. “Bell Bottom Blues”, es la única canción del álbum que Clapton escribió en su totalidad, es el retrato de un hombre al borde del colapso, después del lanzamiento del disco, Clapton se hundió en la depresión y la adicción. Como recuerda Whitlock, una de las mejores bandas de rock and roll de todos los tiempos "no se separó, simplemente se disipó... Eric se encerró durante un par de años, y eso fue todo".

0765.- Little Wing - Derek and the Dominos

 

Layla, Derek and the Dominos

     Corre el año 1970, y Eric Clapton decide formar una nueva banda de rock. Para tal aventura, con él a la voz y guitarra, decide contar con Bobby Whitlock a los teclados, Carl Radle al bajo y Jim Gordon a la batería. Por cosas del destino Clapton conoce poco después a Duane Allman y acaba invitándole a las sesiones y fichándolo para este proyecto. Cuando los estudios Criteria de Miami reciben una llamada telefónica indicando que Clapton quiere grabar allí, Duane Allman se entera e indica que le gustaría pasar y mirar si Clapton le deja. Así se gesta el fichaje de Duane, que llegaría a contribuir con la guitarra solista y slide en 11 de los 14 temas del álbum. El proyecto pasaría a llamarse Derek and The Dominos.

El grupo editaría en 1970 el único disco en su haber, Layla and Other Assorted Love Songs, disco doble que si bien no obtuvo una buena acogida en ventas si la obtuvo por parte de la crítica especializada. El disco fue grabado en los Criteria estudios de Miami entre el 26 de agosto y el 10 de septembre, y entre el 1 y 2 de octubre, bajo la producción de Tom Dowd y del propio grupo, y publicado el 9 de noviembre de 1970 por el sello discográfico Polydor Records.    

Incluida en este álbum se encuentra una brillante versión de Little Wing, canción escrita por Jimi Hendrix y grabada por él mismo en 1967 con su Jimi Hendrix Experience. Little Wing es una magnífica balada que hace referencia a una figura femenina idealizada y parecia a un ángel guardián. Los orígenes de esta canción al parecer se remontan a 1966 y la grabación de She's a Fox, una canción de R&B que presenta a Hendrix tocando el acompañamiento de guitarra con influencias de Curtis Mayfield. El desarrollo de la canción llgaría durante el Monterey Pop Festival de 1967, durante los tres día del llamado Summer of Love. Jimi Hendrix se basó en este tema en el ambiente del festival y lo enfocó desde la óptica de una niña. describió aquel ambientey sentimiento como si todos estuvieran realmente volando y de buen humor, y lo llamó Little Wing (Ala pequeña) porque pensó que podría volar.

0764 - I looked away - Derek and the Dominos

0764 - Derek and the Dominos - I looked away

I Looked Away es una canción escrita por Eric Clapton y Bobby Whitlock, y originalmente lanzada por la banda de blues rock Derek and the Dominos, como tema de apertura de su álbum debut de 1970, Layla and Other Assorted Love Songs.

Layla and Other Assorted Love Songs es el primer y único álbum de estudio del grupo Derek and the Dominos, publicado por las compañías discográficas Atco y Polydor Records en noviembre de 1970, I Looked Away sería la primera canción de ese álbum.

Tras su publicación, Layla and Other Assorted Love Songs obtuvo buenas críticas de la prensa musical y un éxito comercial moderado, I Looked Away, con el corazón en la mano, Eric Clapton abre con esta hermosa balada de amor, triste y sincera. Compartiendo el micrófono con el tecladista Whitlock y un solo muy simple

Daniel 

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0763.- Layla - Derek and the Dominos

Derek and the Dominos fue uno de esos grupos "fantasma" surgidos de la colaboración de varios músicos, en este caso el guitarrista y cantante Eric Clapton ("Derek" era un pseudónimo con el que se le conocía habitualmente en algunos círculos de amigos), el tecladista Bobby Whitlock, el bajista Carl Radle y el baterista Jim Gordon. Como suele ocurrir con este tipo de grupos, la aventura de Derek y sus Dominos no tuvo un largo recorrido. Formados en 1970, lanzaron un único álbum de estudio, el aplaudido Layla and Other Assorted Love Songs, que incluso contó con el guitarrista Duane Allman de The Allman Brothers Band como artista invitado.

La idea general de Derek and the Dominos para el disco era reflejar en estado puro una banda de rock and roll, sin coros de chicas ni secciones de viento que recargaran los temas. Layla era la pieza más relevante de aquel impactante disco de blues rock, una canción de amor compuesta por Eric Clapton para Pattie Boyd, por entonces casada con George Harrison. Pese a que esta canción es, sin duda, uno de los momentos creativos más altos del aclamado guitarrista, en aquel momento no tuvo toda la repercusión que merecía, y no consiguió llegar al top ten de las listas de ventas hasta ya entrado el año 1972.

Layla fue grabada en dos sesiones de grabación separadas, la sección inicial de guitarra por un lado, y posteriormente la sección instrumental final en otra sesión diferente. Tras grabar la primera parte, Clapton echaba de menos un final mejor para Layla, y encontró la solución en una pieza de piano que había compuesto el baterista Jim Gordon para un proyecto en solitario. Al escucharla, Clapton le pidió incluirla como cierre, a lo que Gordon aceptó encantado, dándole a la canción ese cambio final tan espectacular sin el que la canción ya no sería la misma Layla.

0734.- Hope you're feeling better - Santana

Santana después de un fantástico debut en 1969, lo petó en Woodstock cuando no les conocía nadie, y seguirían avanzando como banda en 1970 con Abraxas, con la misma formación, es decir, Carlos Santana a la guitarra solista, Greeg Rolie a los teclados, Mike Shrieve a la batería, David Brown al bajo y la sección rítmica de congas y timbales, etc., a cargo de Mike Carabello y Chepito Areas. Llevaron un paso más allá su música de fusión, juntando temas suyos y alguna versión, y donde el blues, el jazz, la salsa y el aire mariachi dominaban el trabajo con su ejecución rockera. La portada mítica del disco era la de un cuadro llamado Anunciación de Mati Klarwein, y vendió muchos millones de copias reventando las listas de venta, un exito.

Abraxas, quizás más que cualquier otro álbum en la era psicodélica, es un crisol de muchas influencias. El gancho principal de este álbum, por supuesto, es Carlos Santana, el guitarrista principal que destroza todo esto. Como muchos de los otros dioses de la guitarra de la época, Santana creció idolatrando a guitarristas de blues como BB King y John Lee Hooker, y se puede escuchar en las formas sutilmente intrincadas en que toca canciones como "Black Magic Woman" y "Se A Cabo". ". Habiendo dicho eso, Santana realmente no hace el tipo de acrobacias de guitarra llamativas y alucinantes que escucharías en, digamos, un disco de Jimi Hendrix, con tanta frecuencia. Cuando lo hace, como en la estimulante segunda mitad de "Hope You're Feeling Better", te sorprende y rápidamente tomamos conciencia del tipo de guitarrista ante el que estamos, pero en parte debido a los cambiantes intereses musicales de Santana, también obtenemos una mezcla verdaderamente única de rock con géneros como el jazz y la salsa. Gran parte de las influencias latinas en este álbum provienen de la sección de percusión, que utiliza congas y timbales y muchos otros instrumentos para lograr ritmos profundamente funky. Cuando la batería hace lo suyo, podría decirse que es más dura que la guitarra de Santana

Hope you're feeling better es uno de mis temas favoritos del disco, y sin duda es de los más rockeros.“¿Eres tú, la de ojos que lentamente se desvanecen? ¿Eres tú la de la mente llena de lágrimas? ¿Eres tú la que busca diversión? ¿Eres tú la que ha esperado todos estos años?… Hope you're feeling better es un tipo de tema completamente diferente, en esta canción encontramos uno de los pocos momentos en que Abraxas llega a ser 100% rock and roll. Las travesuras rugientes de la guitarra de Carlos Santana están empapadas de distorsión para agregar volumen e intensidad, ell teclista y vocalista, Gregg Rolie, hace un trabajo fantástico potenciando a Carlos Santana con los adornos de su órgano y su tono de voz terriblemente blusero. "Hope You're Feeling Better" es, francamente, uno de los mejores momentos del álbum porque, mientras que todas las demás canciones bordean el límite de los géneros para trascender fácilmente de alguna otra forma en cualquier momento, este tema abandona todas las tendencias experimentales para ofrecer una actuación de rock tradicional, pero igualmente cautivadora.

0732.- Black Magic Woman / Gipsy Queen - Santana

Escrita en 1968 por el británico Peter Green para su grupo Fleetwood Mac, y aunque apareció en dos recopilatorios de la banda ("English Rose" publicado en Estados Unidos y "The Pious Bird of Good Omen" en Reino Unido), fue en 1970 cuando alcanzó la fama de la mano del grupo Santana, como primer single de lanzamiento del álbum "Abraxas".

La letra de Peter Green se inspiraba en Sandra Elsdon, su novia de entonces, a la que llamaba "Magic Mamma", mientras que para la música se inspiró en el tema "All your love" de Otis Rush, grabado por John Mayall & The Bluesbrakers, banda en la que Green reemplazaría a Eric Clapton tras la marcha de éste, y en la estructura y melodía de "I loved another woman" de Fleetwood Mac.

En la versión de Santana, grabada en 1970, el blues original se combina con un electrizante ritmo latino, y la canción de Green se convierte en un medley con la inclusión de un tramo en el que interpretan "Gypsy Queen", un instrumental de 1966 de Gábor Szabó que combinaba el jazz con ritmos latinos y melodías de folk húngaro). Gregg Rolie fue el responsable de ponerle voz a la canción, acompañando a la mágica guitarra de Carlos Santana y al resto de la banda, que crea una impactante fusión de blues, rock y jazz latino. El single de "Black Magic Woman / Gypsy Queen" alcanzó el nº 4 de las listas estadounidenses, convirtiéndose en el mayor éxito de Santana hasta que, ya entrados los noventa, Santana publicó el disco "Supernatural"

0731-. Oye Como Va - Santana

 

Oye Como Va, Santana

     En 1970 la banda de rock estadounidense Santana, con Carlos Santana a la cabeza, publica su segundo álbum de estudio, Abraxas. El disco es concebido entre el 17 de abril y el 2 de mayo en los Wally Heider Studios de San Francisco y los estudios Pacific de San Mateo, California, bajo la producción del ingeniero y productor discográfico estadounidense Fred Catero y del propio Carlos Santana, y publicado el 23 de septiembre de 1970 por el sello discográfico Columbia Records.

Abraxas es un disco que va más allá del rock, mezclándolo brillantemente con buenas dosis de música latina, jazz e incluso salsa, llegando incluso la revista Rolling Stone a rendir pleitesía a tan brillante obra, al afirmar que "Santana había por la música los mismo que Chuck Berry por el blues". El disco, sólo en Estados Unidos, llegó a vender más de un millón de copias, llegando a acupar además el puesto número uno en la lista estadounidense Billboard Hot 200. 

La magnífica portada de Abraxas fue diseñada por el pintor alemán Mati Klarwein, que vívía en Mallorca, España. La idea de que fuera el pintor alemán el que diseñara la portada fue idea de Carlos Santana al ver la obra del artista en la que se basó la portada, La Anunciación, expuesta en una revista de arte. 

Incluido en este brillante trabajo se encuentra la canción Oye Cómo Va, un cha-cha-chá compuesto por Tito Puente en 1962, y que fue grabada originalmente ese mismo año por dicho artista. La canción alcanzaría la popularidad mundial en 1970 con la versión del grupo Santana, llegando a alcanzar el puesto número 13 en la lista Billboard Hot 100, y el número 32 en la lista de R&B. La introducción original de la canción y el piano son muy similares al mambo de 1957 Chanchullo, de Israel "Cachao" López. El arreglo de Santana es una versión más dinámica y acelerada en un nuevo estilo de rock latino, agregando guitarra eléctrica, órgano Hammond B-3 y una batería de rock a la instrumentación, y eliminando la sección de metales de la versión original. La guitarra eléctrica, que simula la melodía de la flauta de Tito Puente, y el órgano basan su sonido en las raíces del rock y el blues, pero conteniendo además toques similares a los arreglos originales con sabor latino. Tito Puente explicó en su momento como le indignó la versión del tema hecho por una banda de rock, hasta que le llegó su primer cheque de regalías como autor original del tema. Si bien Puente era muy popular en la comunida latina, la exitosa versión de Santana le ayudó a llegar a una audiencia más amplia.

0721 - Eric Clapton - Let it rain

0721 - Eric Clapton - Let it rain

Let It Rain es una canción y un single que fue escrito y lanzado por el músico de rock británico Eric Clapton y Bonnie Bramlett; aparece en su álbum de estudio debut de 1970, Eric Clapton. En 1972 fue lanzado como single como parte de la promoción de su álbum recopilatorio Eric Clapton at His Best.

La canción fue lanzada con la cara B de "Easy Now" en 1972 en un disco de gramófono de vinilo de 7". Además de ser lanzada como sencillo en 1972 y en el álbum original en 1970, la canción aparece en varias recopilaciones álbumes, incluidos Eric Clapton at His Best (1972), Backtrackin' (1984), Crossroads (1988), The Cream of Clapton (1995) y Complete Clapton (2007). Se puede encontrar una interpretación en vivo de la pista en el álbum de video Live at Montreux 1986, lanzado el 19 de septiembre de 2006. En total, la pista ha sido lanzada en más de 15 álbumes. Las versiones de conciertos en vivo de Derek & the Dominoes se incluyen en sus álbumes In Concert ( 1973) y Vive en el Fillmore (1994).

En su reseña del álbum debut de Eric Clapton, al crítico de AllMusic Stephen Thomas Erlewine le gusta que el título "presente solos extendidos". También señala que la canción consiste en un "elemento pop". El compañero crítico Greenwald recuerda la pieza como "uno de los primeros clásicos escritos por Eric Clapton" y continúa diciendo que la canción "mostraba la influencia que Delaney Bramlett" tenía en Clapton en ese momento. Robert Christgau encuentra en la reseña de su álbum que "Let It Rain" merece un "estado de clásico". Billboard la describió como una "balada de ritmo fuerte".

Daniel
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0720 After Midnight - Eric Clapton

 

After Midnight, Eric Clapton

     Tras su exitoso paso por bandas como The Yardbirds, John Mayall & The bluesbreakers, Cream y Blind Faith, Eric Clapton decide grabar su primer álbum en solitario. El título del disco llevará el nombre del artista, Eric Clapton, y es grabado entre noviembre de 1969 y marzo de 1970 entre los Olympic y Island estudios de Londres, y Village Recorder de Los Ángeles, bajo la producción de Delaney Bramlett, y publicado el 12 de agosto de 1970 por la compañía discográfica Atco Records.

La portada del álbum es una fotografía de Barry Feinstein, reputado fotógrafo y cineasta estadounidense, conocido por sus fotografías de Hollywood de la década de los años 50, y muestra a Eric Clapton sentado en un estudio fotográfico de Los Ángeles, mientras fuma un cigarrillo, y con su guitarra eléctrica Fender Stratocaster Brownie apoyada entre sus piernas. 

Incluido en este debut en solitario de Eric Clapton se encuentra After Midnight, canción que fue compuesta originalmente por J. J. Cale, y que fue publicada en 1966 por éste mismo junto con su banda, Leathercoated Minds, como cara B del sencillo Slow Motion. La canción apenas tuvo éxito alguno, pero serviría com catalizador para la carrera musical de Cale, pues Eric Clapton había quedado muy impresionado con la canción y decidió incluirla en su álbum debut en solitario, siendo lanzada además como único sencillo del mismo. La versión de Clapton sí tuvo muy buena aceptación en las listas de varios países. Sobre este hecho J. J. Cale llegó a comentar: "Yo era extremadamente pobre, no tenía dinero suficiente para comer y ya no era joven. Estaba en la treintena, de modo que me hizo felíz. Fue muy agradable hacer algo de dinero". Para la grabción de la canción, Clapton contó con Bobby Whitlock al órgano, Jim Gordon a la batería, Delaney Bramlett en la guitarra rítmica, Carl Radle al bajo, Leon Russell al piano y Bobby Keys al saxofón.

0679 - Who Knows - Jimi Hendrix

0679 - Who Knows - Jimi Hendrix 

Who Knows es una canción de Jimi Hendrix, originalmente de su álbum en vivo de 1970 Band of Gypsys.

La canción fue escrita por Jim Hendrix y grabada en el Fillmore East Auditorium el 1 de enero de 1970, con el bajista Billy Cox y el baterista y corista Buddy Miles.

El álbum donde formó parte la canción es Band of Gypsys es un álbum en vivo de Jimi Hendrix y el primero sin su grupo original, Jimi Hendrix Experience. 

Fue grabado el 1 de enero de 1970 en el Fillmore East de la ciudad de Nueva York con Billy Cox en el bajo y Buddy Miles en la batería, a menudo denominado Band of Gypsys. El álbum mezcla elementos de funk y rhythm and blues con hard rock y jamming, un enfoque que más tarde se convirtió en la base del funk rock. Contiene canciones inéditas y fue el último álbum completo de Jimi Hendrix lanzado antes de su muerte.

Daniel 

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0676-. Machine Gun - Jimi Hendrix

 

Machine Gun, Jimi Hendrix

     Band of Gypsys, el cuarto álbum editado de Jimi Hendrix, fue un álbum grabado en vivo que supondría el último trabajo editado del guitarrista. Un proyecto de Hendrix junto al bajista Billy Cox y el baterista Buddy Miles, lanzado antes de su muerte en 1970. Fue el último disco que autorizó en persona. Tras la separación de The Jimi Hendrix Experience, Hendrix tocó en una formación llamada Gypsy Sun and Rainbows en el Festival de Woodstock, donde coincidió con Billy Cox. Tras la llegada a la misma de Buddy Miles, esta pasó a llamarse Band of Gypsys como tributo al gran guitarrista de jazz Django Reinhardt.

Band of Gypsys fue grabado el 1 de enero de 1970 utilizando el material de los dos últimos recitales de cuatro que tenía la formación programada en el mítico Filmore East de Nueva York, un compendio de temas que se movían entre el funk rok, rock psicodélico y hard rock. El álbum fue editado originalmente por el sello discográfico Capitol Records, con quien Hendrix tenía un contrato firmado en 1965, antes de saltar a la fama. En 1966 Hendrix comenzó una disputa sobre un contrato discográfico firmado con anterioridad por él mismo con el productor Ed Chalpin. Después de dos años de litigio, Hendrix y Chalpin acordaron que Chalpin tendría los derechos para distribuir un disco con material original del guitarrista, quien decidió que grabaría el álbum Band of Gypsys con material en directo para satisfacer dicho acuerdo.

Incluido en este álbum en directo se encuentra Machine Gun, que con sus más de doce minutos está considerada como una de las mejores interpretaciones de Hendrix. Los largos solos de guitarra los riffs de percusión se combinan con comentarios controlados para simular sonidos de un campo de batalla, como helicóptero, bombas que caen, explosiones, ametralladoras y los gritos y llantos de los heridos y afligidos. Hasta ese momento la mayoría de las canciones de Hendrix trataban sobre la espiritualidad y el amor, y este tema supuso un cambio de dirección, ya que es una historia contada desde la perspectiva de un soldado atrapado en una guerra. Para su composición, Hendrix se inspiró en la Guerra de Vietnam, el partido de las Panteras negras y los litigios comerciales con los que estaba lidiando Hendrix. Hendrix presentó Machine Gun dedicándosela a "Todas las tropas que luchan en Harlem, Chicago y, oh sí, Vietnam". Nunca se lanzó una versión de estudio de esta canción, pero si fue interpretada en vivo varias veces, la primera vez fue en 1969 en The Dick Cavett Show. La interpretación de la canción podía durar hasta los 20 minutos y la letra era diferente cada vez.

0651.- You Can't Always Get What You Want - The Rolling Stones

 

Let It Bleed fue un álbum se publicó en un momento de cierta inestabilidad en el grupo, con Brian Jones tocando en algunas canciones y su reemplazo, Mick Taylor en otras, en realidad fue un álbum que Mick Jagger y Keith Richards quisieron que existiera en medio del caos típico de una banda. El tumulto y la confusión son evidentes a lo largo del álbum, comenzando con el apocalíptico "Gimme Shelter" y continuando con temas feroces y tensos como "Live With Me", "Midnight Rambler" y "Monkey Man". La pista de cierre, "You Can't Always Get What You Want", trata de darle sentido a todo, y resultó algo más ambivalente pero no menos himno que esas otras canciones. La canción se sumó al final de una década en la que gran parte del idealismo de la generación más joven había terminado en frustración y desilusión. Mick Jagger fue el escritor principal de la canción, y si, estaba tratando de resumir el espíritu de la época, es innegable que "You Can't Always Get What You Want" se aprovechó de la misma línea que otras canciones de fin de década como "Bridge Over Troubled Water" o "Let It Be" en el sentido de que sirvió como una especie de bálsamo para los heridos. corazones y almas. Jagger pone a su narrador en una serie de situaciones mundanas que de alguna manera derivan hacia lo surrealista. En una recepción de la sociedad, conoce a una mujer que espera conseguir drogas con un ineficaz "hombre suelto" atado a su lado. Hablando de ineficaces, la multitud en la manifestación prometiendo, "vamos a ventilar nuestra frustración/ Si no lo hacemos, vamos a quemar un fusible de 50 amperios" no se dan cuenta de lo poco que cambiará su histrionismo en última instancia. En el tercer verso, Jagger, al hacer un recado para que alguien "llene su receta", se encuentra con "Sr. Jimmy”, quien parece ser una víctima del exceso de la década: “Y, hombre, se veía bastante enfermo”. Después de compartir un refresco, el narrador le canta una canción y recibe la respuesta críptica.

 

“You Can't Always Get What You Want” podría haberse interpretado de una manera mucho más melancólica. Pero la música, en todo caso, se esfuerza por elevarse cada vez más a medida que avanza, especialmente en una pausa que presenta los rellenos de piano gospel de Kooper que conducen al regreso del coro, como testifica Jagger con algunos gritos y gritos. A la gente no se le pasó por alto que el hombre que una vez cantó "(I Can't Get No) Satisfaction" ahora había llegado a la conclusión de que "No siempre puedes obtener lo que quieres". Cuando Jagger se enfrentó a esto, hizo referencia a la perspectiva diferente en la letra como la clave, en el momento del lanzamiento de la canción. “Lo mismo me pasa a mí. Estoy diciendo lo mismo que cuando dije: 'No puedo obtener ninguna satisfacción', solo que lo articulé de manera diferente”. Articulado de manera diferente y bastante conmovedora de hecho. “You Can't Always Get You Want” sigue siendo la canción de The Rolling Stones que con mayor probabilidad brindará consuelo cuando sus objetivos superen su alcance.

 

0650.- Gimme Shelter - The Rolling Stones

Gimme Shelter ("Dame Refugio") es un trabajo conjunto de Mick Jagger (que compuso la letra) y Keith Richards (autor de la música). Este último fue quién comenzó la creación del tema, componiendo la melodía de guitarra con la que comienza el tema en un período en el que estaba solo en Londres, mientras su novia Anita Pallenberg y su compañero Mick Jagger rodaban la película Performance.

La canción, una de las más populares de la banda, e imprescindible en todos sus conciertos, es un medio tiempo rockero y de apocalíptica letra antibelicista y antiviolencia, que se beneficia además de la épica interpretación vocal de la cantante de soul y gospel Merry Clayton, como contrapunto a la voz principal de Jagger, que reflejó en la canción la difícil época que en Estados Unidos, y en el mundo en general, se estaba viviendo, con la oposición a la guerra de Vietnam como telón de fondo, y con noticias sobre la represión de las manifestaciones en su contra poblando cada día los noticiarios.

Esa fue la inspiración principal para Gimme Shelter, y para la mayor parte del disco Let It Bleed, del que Gimme Shelter era la canción de arranque y una de sus piezas fundamentales. Paradójicamente, esta canción nunca fue publicada como sencillo, lo que no impidió que esta historia en la que la guerra, los asesinatos y las violaciones están desgraciadamente "a un solo tiro de distancia", se convirtiera en un gran éxito de la banda y pasara a formar parte del exclusivo grupo de himnos imprescindibles para los fans de los Rolling Stones, que en cada concierto esperan ansiosos el momento en el que las notas iniciales de la guitarra de Richards les abran de nuevo la puerta de ese cálido e intenso refugio que es Gimme Shelter.

0649 - Let It Bleed - The Rolling Stones

0649 - Let It Bleed -  The Rolling Stones

Let It Bleed es una canción de la banda de rock inglesa The Rolling Stones. Fue escrita por Mick Jagger y Keith Richards y aparece en el álbum de 1969 del mismo nombre, el primer ejemplo de una canción principal de The Rolling Stones. Fue lanzado como single en Japón en febrero de 1970.

La canción comienza con una pieza deslizante y rápidamente pasa a un solo de guitarra acústica antes de que se unan el bajo, la batería y el piano, respectivamente. El arpa automática de Wyman se puede escuchar un poco débilmente durante el primer verso con sonidos de 'ping' notables, pero es mayormente inaudible en toda la pista. 

La letra incluye una serie de referencias sexuales y de drogas, incluida una invitación a "coca y simpatía", una referencia a una "enfermera drogadicta" y las sugerencias de Jagger de que todos necesitamos a alguien para "sangrarnos", "cremarnos" y "corrernos". sobre" ellos. Sin embargo, para el crítico de Allmusic Richie Unterberger, la canción trata principalmente sobre la "dependencia emocional", con Jagger dispuesto a aceptar un compañero que quiera apoyarse "en él para obtener apoyo emocional".

Unterberger también afirma que "Let It Bleed" puede ser "la mejor ilustración" de la forma en que The Rolling Stones hacen que "un enfoque ligeramente descuidado funcione para ellos en lugar de en su contra". También elogia la voz de Jagger, afirmando que la canción representa "una de sus mejores voces, con un enfoque sumamente perezoso que parece ser cariñoso y burlón al mismo tiempo".

Daniel 

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0648-. Monkey Man - The Rolling Stones

Monkey Man, The Rolling Stones

 

     El 5 de diciembre de 1969 es lanzado al mercado Let It Bleed, el octavo álbum de estudio del grupobritánico The Rolling Stones. El disco es grabado en los Olympic Studios de Londres bajo la producción de Jimmy Miller, y publicado bajo el sello discográfico Decca Records para el mercado británico y europeo y los sellos London Records y ABKCO Records para el mercado estadounidense. El disco alcanzó el puesto número tres en la lista Billboard de álbumes pop de Estados Unidos, mientras que en Reino Unido alcanzó el puesto número 1.

Le It Bleed marcó el incio de la etapa de Mick Taylor en el grupo en sustitución del también guitarrista y fundador del grupo Brian Jones. Jones falleció durante la grabación del álbum, un mes después de dejar de ser miembro del grupo. Participó únicamente en dos canciones del disco, al igual que Taylor.

Incluido en este álbum se encuentra el tema Monkey Man, escrito por Mick Jagger y Keith Richards como homenaje al artista pop italiano Mario Schifano, a quien conocieron en el set de su película Umano Non Umano! (Humano, no Humano!) de 1969. La canción fue grabada en los Olympic Studios de Londres en el mes de abril de 1969, la introducción de la canción cuenta con el sonido de un vibráfono, bajo y guitarra, así como piano. Richards tocó el riff de la guitarra principal, así como el solo de guitarra slide, Jagger proporcionó la voz, el productor Jimmy Miller tocó la pandereta, Nicky Hopkins el piano, Charlie Watts la batería y Bill Wyman el vibráfono y el bajo. El vibráfono de Wyman fue mezclado en el canal izquierdo junto con el piano de Hopkins. Escuchando la canción, las letras parecen no tener mucho sentido, hay quien especuló que la canción trataba sobre la heroína o sobre un mal viaje con ácido.

0631-. Sugar Mama - Taste

Sugar Mama, Taste

     En 1966 un jovencísimo rory Gallagher crea el power trío The Taste, que después de algún que otro cambio terminará desembocando en Taste, formado por él a la guitarra y voz, Richard "Charlie" McCracken al bajo y John Wilson a la batería. Con este magnífico power trío, y a pesar de su corta vida, acabará marcando una época, llegando a tocar en el mítico Festival de la Isla de Wight en 1970, donde comparte cartel gente de la talla de Jimi Hendrix, Leonard Cohen, The Who, Emerson, Lake & Palmer, The Moody Blues o Sly Stone ente otros. En 1969 Taste debuta con su primer álbum de estudio, Taste.

El disco, una combinación de blues con potente blues rock que por momentos puede llegar a sonar a hard rock, es grabado durante el mes de agosto de 1968 en los De Lane studios de Londres bajo la producción de Tony Colton y publicado el 1 de abril de 1969 por la discográfica Polydor para el mercado europeo y Atco para el mercado estadounidense.

Incluído en este álbum se encuentra Sugar Mama, un tema estándar tradicional de blues que cuenta con los arreglos de Rory Gallagher. Si bien es difícil saber quien es el autor original de Sugar Mama, sus orígenes se remontan al artista de blues y country Yank Rachell, quien grabó el 6 de febrero de 1934 el tema Sugar Farm Blues. Tampa Red grabaría posteriormente también en 1934 dos versiones de Sugar Mama Blues en 1934, poco después de la grabación de Rachell.  Luego llegaría Sonny Boy Williamson I, a quien se asocia y se suele acreditar la autoría del tema Sugar Mama, la cual grabó en 1937. Sonny Boy fue uno de los primeros colaboradores de Yank Rachell. Más tarde llegarían innumerables versiones, John Lee Hooker, BB King, Led Zeppelin, Howlin' Wolf, Fleetwood Mac y Otis Spann son algunos de los artistas, como Taste, que realizaron versiones de este genial blues tradicional.

0613 - To Love Somebody - Janis Joplin

0613 - To Love Somebody - Janis Joplin

To Love Somebody es la segunda canción lanzada por los Bee Gees para el álbum debut internacional Bee Gees' 1st.

Editada en 1967, fue escrita por los hermanos Barry Gibb y Robin Gibb, con la producción a cargo de Robert Stigwood.

Janis Joplin realizó un cover en 1969 para su álbum I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama!

Pocas canciones tienen un cambio más drástico entre actuaciones que cuando Janis Joplin decidió tomar el clásico pop psicodélico del grupo To Love Somebody en su debut en solitario I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama!

Cuando Joplin fue a The Dick Cavett Show para promocionar el álbum, sacó su versión de 'To Love Somebody'.  Tomando más como referencia el sonido clásico de Stax de Otis Redding y Booker T. & the MG's, la versión de Joplin de 'To Love Somebody' prescinde del gancho monstruoso en el centro de la versión de Bee Gees para un trabajo vocal más elástico de Joplin.  

Por supuesto, Joplin le da un buen uso a su gruñido característico, y sin el conocimiento previo adecuado, sería imposible imaginar esta versión como una canción de Bee Gees. 

Daniel 

Instagram storyboy 

0612.- Little girl blue - Janis Joplin

No es mucha la información disponible en internet sobre la versión de Little Girl Blue de Janis Joplin, la canción favorita de mi media naranja, y no quería que pensarais que la razón fundamental por la que esta canción estaba incluida entre las mejores de la historia fuera solamente esa (aunque debo decir que, y pese a que ella no lo crea, entiende mucho de música), así que decidí seguirle el rastro a la historia de la canción original, y sus posteriores apariciones en la voz de, para mi sorpresa, muchos más artistas de los que imaginaba.

Little girl blue fue escrita por Richard Rodgers (música) y Lorenz Hart (letra), y publicada por primera vez en 1935. Ese mismo año, la canción fue interpretada por la actriz Gloria Grafton en el musical de Broadway Jumbo. Años más tarde, en 1954, Frank Sinatra la interpretaría acompañado de Nelson Riddle, y en 1956 fue Ella Fitzgerald quién realizó una nueva versión. Sarah Vaughan y Judy Garland hicieron sus propias versiones en 1957, y en 1959 llegaría una de las versiones más conocidas, en la voz de Nina Simone.

En los sesenta, son destacables las versiones de Sam Cooke (1961) y Doris Day (1962), pero dónde es imposible no detenerse y recrearse es en la interpretación de Janis Joplin, incluida en su disco I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama! Para su particular versión de la "muchachita triste", Janis cambió bastante la letra de la canción, y la dotó de una sensibilidad y sentimiento que otras versiones no alcanzaron. Tan relevante fue esta canción para la malograda cantante estadounidense, que acabó dando título a un documental sobre su vida y obra. "Janis: Little Girl Blue", dirigida por Amy J. Berg, se estrenó en el Festival de Cine de Venecia de 2015 y se proyectó también en el Festival Internacional de Cine de Toronto de ese mismo año, recibiendo críticas muy positivas. Aunque, claro está, ningún galardón es comparable a ser la canción favorita de mi pareja. Eso sí que son palabras mayores.

0611.- Kozmic Blues - Janis Joplin

 

Kozmic Blues, Janis Joplin

     Una vez finalizada la aventura de Janis Joplin con la Big Brother And The Holding Compnay,  Janis Joplin junto con su mánager Albert Grossman deciden lanzarse a la búsqueda de los mejores músicos del país para formar una nueva banda. Así es como nace a principios de 1969 la Kozmic Blues Band, una formación que irá sufriendo cambios constantes en la formación a lo largo del año aproximado que dura.

Con la Kozmic Blues Band Janis Joplin publica su tercer disco de estudio, I Got Dem OI Kozmic Blues Again Mama!. El disco es lanzado al mercado el 11 de septiembre de 1969 bajo el sello discográfico Columbia Records y a los dos meses ya había alcanzado la certificación de disco de oro. Sin embargo ese cambio de estilo de Janis, dejando de un lado el Acid-Rock para centrarse en sonidos más blues, rock y soul no gusta a gran parte de la crítica y de sus seguidores, quienes piensan que ha traicionado su propio estilo y sonido y que tan brillantemente ha reflejado en Cheap Trills. Con el tiempo se acabará demostrando cuán injustas fueron todas aquellas críticas a su trabajo. Unas críticas que agudizaron más la presión sobre una Janis que acaba enganchándose a la heroina y al consumo desmedido de alcohol.

Sin embargo I Got Dem OI Kozmic Blues Again Mama! fue el resultado de la constante inquietud, incoformismo y ganas de Janis Joplin por evolucionar, abranzo sonidos como el rock, el blues ó el llamado southern soul de de Memphis. Un álbum con una producción muy buena donde cobran mucha importancia los instrumentos de viento y los temas interpretados con mucho ritmo.

Incluido en este álbum se encuentra Kozmic Blues, un tema de los pocos que escribió durante su carrera Janis, compartiendo composición con el productor Gabriel Mekler. Kozmic Blues es un tema donde Janis nos habla que no importa la esperanza que tengas y lo positivo que seas ante las adversidades pues al final éstas te acabarán derribando. Curiosamente Janis comentaba que no solía escribir canciones porque para hacerlo necesitaba estar en una estado profundamente traumático y emocinalmente depresivo para hacerlo, y Kozmic Blues es un tema que describía como se sentía Janis en aquel momento, un canto al desamor y la desesperanza.