Disco de la semana 440: Bang Bang Boom Boom - Beth Hart

Bang Bang Boom Boom, Beth Hart

     La Sensación que me produce siempre que escucho Bang Bang Boom Boom, el sexto álbum de estudio de Beth Hart, es la de estar sentado frente a un buen amigo mientras charlamos de la vida y tomamos una buena taza de café, todo ello entre risas y lágrimas. Lanzado en Europa el 5 de octubre de 2012 y en Estados Unidos el 13 de marzo de 2013 bajo el sello discográfico Provogue/Mascot Label, este disco es un ciclón emocional que te agarra desde la primera nota y no te suelta. Producido por el gran productor de sonido Kevin Shirley, conocido por trabajar con gigantes como Led Zeppelin y Joe Bonamassa, contiene una buena mezcla de blues, rock, jazz, gospel y un toque de vodevil que hace que cada canción se sienta como una pequeña representación. Con 11 temas originales en los que Beth está acreditada, y una versión en vivo de I’d Rather Go Blind como bonus track en algunas ediciones, el álbum llegó al número 3 en la lista Billboard Blues Album Chart de Estados Unidos, llegando a conquistar también el mercado musical en al menos 10 países más.

Para cuando grabó Bang Bang Boom Boom, Beth ya había pasado por una serie de tormentas personales que podrían haber hundido a cualquiera: adicciones, un diagnóstico de trastorno bipolar y la pérdida de su hermana por complicaciones del VIH. Pero tuvo esa capacidad única para transformar el dolor en música que te llega al alma. Este álbum llegó después de su exitosa colaboración con Joe Bonamassa en Don’t Explain (2011), un disco de versiones que le dio un nuevo impulso. Con Kevin Shirley al mando, la cantante y compositora encontró un espacio para ser ella misma, pero con un toque más maduro, menos crudo que en discos anteriores. Ella misma ha dicho que este álbum fue como un renacimiento, un momento para mirar hacia adelante sin olvidar las cicatrices del pasado. Y se nota, cada canción es una ventana a su alma, pero también una celebración al hecho de estar viva. Grabado en los Revolver Studios en Thousand Oaks, California, Bang Bang Boom Boom fue el resultado de una Beth que por fín se sintió libre para experimentar, y Kevin Shirley, con su experiencia, supo cómo darle alas para transitar entre varios géneros sin perder nunca el corazón del blues. El resultado fue un disco que se siente como un abrazo cálido en un día frío, pero también como un puñetazo en la mesa.

Las 11 canciones que componen Bang Bang Boom Boom son como capítulos de un libro, cada una contando una historia diferente, pero a su vez todas unidas por la voz de Beth, igual puede ser un susurro vulnerable que un rugido que te pone la piel de gallina. Comienza el disco con Baddest Blues, y lo primero que me viene a la cabeza es "qué manera de empezar". Es una balada de piano que te envuelve y te atrapa. Beth, desde la crudeza y la honesitdad, canta sobre un amor que es como una droga , y su voz pasa de la fragilidad a una intensidad que por momentos me recuerda a Janis Joplin. Es la primera canción y Beth ya ha desnudado su alma sin miedo. Bang Bang Boom Boom, el tema que le da nombre al álbum es pura diversión, todo un guiño al jazz y al vodevil con trompetas y un ritmo que hace que me quiera poner a bailar. Mientras lo escucho visualio a Beth con un vestido brillante en el escenario cantando en un club de los años 20. La canción es coqueta, juguetona, pero ojo, que tiene ese trasfondo de dolor que siempre está presente en su música. Better Man emana energía rockera con un toque de blues, y es perfecta para mostrar el lado más feroz de Beth. Las letras hablan de buscar algo mejor en una relación, y la instrumentación, con guitarras potentes y un ritmo que invita a mover la cabeza, tiene un aire al rock clásico. la cantante hace gala de su gran versatilidad, una en la que puede pasar de la vulnerabilidad a una actitud desafiante sin aparente esfuerzo. Y llegamos a la que es, para mi, la gran joya del álbum, Caught Out in the Rain. Si quieres entender por qué Beth Hart es una reina del blues, aquí tienes la razón. Esta canción, de unos siete minutos, es un viaje emocional con Beth alternando entre susurros y gritos que te atraviesan como dagas. Es una de esas canciones que te invitan a escucharla en la soledad de tu habitación, un blues lento y melancólico, perfecto para una noche de lluvia cuando necesitas dejar salir todo lo que llevas dentro. Con Swing My Thing Back Around vuelve a dar un giro y me logra sacar una sonrisa. Con un toque de big band y vientos que suenan a fiesta, la canción tiene ese toque de jazz de la vieja escuela, y me siento transportado a un club lleno de humo y risas. With You Everyday es como una carta de mor cantada, y Beth vuelve a mostrar su lado más tierno e introspectivo. El piano de fondo, tierno y suave, y la melodía te envuelven mientras Beth te susurra, con el alma al descubierto, sobre un amor que arde hondo y no se rinde nunca.

Continuamos la escucha con Thru the Window of My Mind; con piano que laten como un corazón, es una de esas canciones que te dan esperanza. Beth está invitando a dejar entrar la luz después de un tiempo oscuro. Spirit of God, con un toque gospel por aquí y otro de vodevil, y unos coros perfectamente encastrados con la voz de Beth, tiene una energía que puede hacer que hasta los no creyentes se levanten de su asiento”. There in Your Heart es una balada jazzy que tiene un solo de guitarra que algunos se atrevieron a afirmar que es de Joe Bonamassa, aunque esto no está acreditado. La canción, suave y a la vez poderosa, tiene un aire nostálgico, con Beth cantando sobre estar presente en el corazón de alguien, incluso en los momentos más oscuros. The Ugliest House on the Block es, para mí, otra de las joyas del álbum. Las letras cuentan la historia de una casa que puede parecer imperfecta por fuera, pero está llena de amor por dentro, una metáfora clara de la propia vida de Beth. Con un ritmo que mezcla blues, pop, reggae por momentos, y un toque de humor, la canción es un recordatorio de que, realmente, la belleza está en las imperfecciones. Cerrando el álbum nos encontramos Everything Must Change, una  balada que nos inita a reflexionar. Aborda el paso del tiempo y la aceptación del cambio. El piano es, suave, delicado, y la voz de Beth transmite una sabiduría ganada con esfuerzo, Nos invita a dejar ir el pasado y abrazar lo que viene. Para mí es el final perfecto para el disco, pues me deja un sentimiento de calma, paz y esperanza. El álbum contiene un bonus track, una versión en vivo de I’d Rather Go Blind con Jeff Beck, grabada en los Kennedy Center Honors de 2012. Beth y Beck rinden homenaje a Buddy Guy con una interpretación que hizo que todo el público, incluidos Barack y Michelle Obama se pusieran de pie. Por si no ha quedado y claro, algo que dudo, esta canción muestra por qué Beth es una de las mejores voces de su generación. Estamos ane una versióna la altra de la gran Etta James, y eso no es poca cosa.

Beth en este álbum está magnífica, maravillosa, y a esto hay que sumarle el toque de Kevin Shirley, no se puede hablar de Bang Bang Boom Boom sin mencionar al genial productor. Su producción es como el marco perfecto para un cuadro perfecto: realza la voz de Beth sin deslucirla. Hay quien opinó que, a veces, los arreglos son un poco excesivos, con guitarras y vientos que podrían distraer de la voz de Beth. Para mí todo está en su sitio, en su justa medida, y Shirley supo capturar la energía cruda de Hart mientras le daba un sonido pulido y los géneros se entrelazan sin esfuerzo. Es un disco que suena a blues, pero también a rock, jazz, gospel e incluso reggae en algunos momentos. Es el disco perfecto para cerrar los ojos, dejarse llevar y sentir cada palabra.

Disco de la semana 430: Puppet Show - Ally Venable

Puppet show, Ally Venable

     Ally Marie Venable, nacida el 7 de abril de 1999 en Kilgore, Texas, es una guitarrista, cantante y compositora estadounidense de blues rock. Apenas tenía 14 años cuando lanzó su EP debut, Wise Man (2013), que le valió una reputación como estrella en ascenso en la comunidad de blues del estado de Texas. En 2014 y 2015 fue nombrada guitarrista femenina del año en los premios ETX Music Awards, y ella y su banda, Ally Venable Band, fueron nombradas banda de blues del año en los premios ETX Music Awards de 2015 y 2016. un más que notable currículum para una artista en ascendente proyección que iba dando los pasos adecuados hasta el día de hoy, donde se ha asentado como uno de los cantantes, y sobre todo guitarristas de una generación que viene pegando muy fuerte. 

El primer álbum de Venable, No Glass Shoes, grabado con la discográfica Connor Ray Music, terminó en el puesto número 16 en las listas estadounidenses RMR Electric Blues Charts de 2016. Su segundo álbum, Puppet Show, la confirmaba como una de las figuras más prometedoras del blues-rock contemporáneo. Lanzó este segundo álbum de estudio, Puppet Show, el 13 de abril de 2018, bajo el sello discográfico Connor Ray Music. Con apenas 19 años, esta guitarrista y vocalista consolidó su lugar en la escena del blues con un trabajo que combina la fuerza del blues texano, la intensidad del rock y una sensibilidad lírica sorprendente para su edad. El álbum no solo debutó en el número 7 de las listas de blues de Billboard, sino que también recibió elogios de la crítica especializada por su madurez musical y destreza técnica.

Ally Marie Venable nació el 7 de abril de 1999 en Kilgore, Texas, y desde temprana edad mostró un talento excepcional para la música. Comenzó cantando en la iglesia y, a los 12 años, ya dominaba la guitarra, inspirada por iconos como Stevie Ray Vaughan, Jimi Hendrix y Miranda Lambert. Su debut discográfico llegó a los 14 años con el EP Wise Man (2013), seguido por su primer álbum, No Glass Shoes (2016), que alcanzó el número 16 en las listas de blues eléctrico de RMR. Estos trabajos tempranos la posicionaron como una estrella en ascenso en la comunidad blues de Texas, ganando múltiples premios en los East Texas Music Awards, incluyendo Guitarrista Femenina del Año (2014, 2015) y Banda de Blues del Año (2015, 2016). Puppet Show marcó un paso adelante en la carrera de Venable, consolidando su reputación como una artista capaz de combinar tradición y modernidad. Grabado en varios estudios, incluyendo Red Shack Studio en Houston y KE Bushman’s Studio en Bullard, Texas, el álbum contó con la producción de Rock Romano, Steve Krase y la propia Venable. La banda, formada por Venable (voz y guitarra), Elijah Owings (batería) y Bobby Wallace (bajo), se complementó en este disco con invitados de renombre como Gary Hoey, Lance Lopez, Eric Steckel y Steve Krase, quienes aportaron texturas adicionales al sonido del trío.

Puppet Show es un álbum de blues-rock con profundas raíces en la tradición texana, pero con un enfoque fresco que refleja la juventud y la energía de Venable. Las 10 pistas, con una duración total de 52 minutos, incluyen ocho composiciones originales y dos versiones de clásicos del blues: Backwater Blues de Bessie Smith y She Caught the Katy de Taj Mahal. El álbum destaca por su equilibrio entre la intensidad de los riffs de guitarra, la potencia vocal de Venable y letras que exploran temas como la superación personal, las relaciones tóxicas y la resiliencia. Destaca la habilidad de Venable para rendir homenaje a sus raíces mientras imprime su propia personalidad. La inclusión de invitados como Gary Hoey (guitarra en Devil’s Son) y Lance Lopez (guitarra en Bridges to Burn) añade calidad y virtuosismo, mientras que el uso de armónica de Steve Krase y los teclados de Eric Steckel enriquecen los sonidos de la banda. 

La calidad de Ally Venable con la guitarra es impropia de una persona con su edad, y la interacción entre la banda y los invitados crea momentos de gran intensidad. algo que se aprecia desde el primer corte, Devil’s Son, tema que cuenta con la colaboración de Gary Hoey. El álbum abre con un riff inquietante y poderoso, marcando el tono con un blues-rock robusto. La colaboración con Gary Hoey aporta un toque de ferocidad a la guitarra, mientras que las letras nos hablan de un hombre problemático. Ally demuestra que, además de dominar el instrumento de seis cuerdas, también posee una gran voz. Bridges to Burn cuenta con la participación de su mentor Lance Lopez. La interacción entre las guitarras de Venable y Lopez crea un gran momento, con partes dobladas de guitarra, mientras que las letras tratan sobre dejar atrás relaciones destructivas. Cast Their Stones:tiene ese sonido que evoca el rock de los 70. La canción aborda la superación de las críticas y la adversidad. La batería acelerada de Owings y el bajo funky de Wallace crean una base rítmica sólida, mientras que los efectos en la guitarra y la voz de Venable añaden un toque psicodélico. Backwater Blues, la versión de Bessie Smith comienza con una introducción acústica que rinde homenaje al blues tradicional, antes de transformarse en un jam de blues texano con la armónica de Steve Krase. Esta transición del tema, que empieza más íntimo para acabar muy explosivo muestra la versatilidad de la banda. En She Caught the Katy apuesta por el clásico de Taj Mahal. La poderosa voz de Ally y la línea gran línea de bajo en este tema, dan nueva vida a la canción, con un toque moderno que respeta la original.

Puppet Show, la canción que da título al álbum, es una reflexión introspectiva sobre la manipulación y la lucha por la autenticidad. Con teclados cálidos de Eric Steckel, la pista combina rock con un toque de soul, y Venable tiene su espacio para lucirse. Comfort in My Sorrows es una balada blues lenta donde destaca la tierna voz de Venable y su solo de guitarra, que rememora y rinde tributo al estilo de los grandes del blues de San Francisco. Survive cuenta de nuevo con la colaboración de Eric Steckel a los manods de r un órgano Hammond B3.  La guitarra de Venable brilla al entremezclarse e interactuar con el órgano de Steckel. Y mientras en Waste It On You Ally nos habla sobre relaciones fallidas, en Sleeping Through the Storm, la canción que cierra el álbum, nos habla de perseverancia a ritmo de un buen boogie rockero. Los riffs afilados y la batería de Elijah Owings nos regalan un enérgico final de un disco que nos habla resiliencia y de no perder la espranza. 

Puppet Show es un testimonio del talento y la ambición de Ally Venable, una artista que, con solo 19 años, logró crear un álbum que equilibra la reverencia por el blues con una perspectiva fresca y personal. El álbum captura la esencia de una joven artista en ascenso, respaldada por una banda sólida y colaboraciones de artitas consolidados en la escena musical, y pone de manifiesto un talento que continúa redefiniendo las fronteras del blues texano. El disco amplió su alcance internacional, pues tras su lanzamiento Venable y su banda realizaron giras extensas por el este de Estados Unidos, compartiendo escenario con artistas como Gary Hoey, Bernard Allison y Mike Zito. El éxito del álbum también la llevó a formar parte del show Ruf Records Blues Caravan 2019, donde actuó en más de 60 shows en Europa, exponiendo su música a una mayor audiencia. Puppet Show sentó las bases para sus trabajos posteriores, Texas Honey (2019), Heart of Fire (2021), Real Gone (20023) y Money & Power (2025), que han continuado elevando su proyección.

1488.- Mannish Boy - Muddy Waters

 

Mannish Boy, Muddy Waters

     Pero para hablar de Mannish Boy, nos vamos a remontar primero al tema Hoochie Coochie Man compuesto por Willie Dixon, y que Muddy grabó por primera vez bajo el sello Chess Records. Este tema hacía referencia a elementos mágicos y espirituales del Hoodoo, creencias espirituales afroamericanas procedentes del África occidental. El protagonsita de la letra se jacta de su buena fortuna y su suerte con las mujeres con la ayuda del Hoodoo. Pues bien, en abril de 1955 Bo Diddley publica I'm a Man, tema compuesto por el mismo. Diddley se inspira en Hoochie Coochie Man para componer este tema, y con la arrogancia que le caracteriza nos relata su destreza sexual, y que el sí es literalmente un hombre, y por si no ha quedado claro nos lo deletrea: un M-A-N (Hombre). Este tema también ha sido fuente de inspiración para otros músicos, como por ejemplo George Thorogood, que se basó en su riff para su Bad To The Bone.

    Y la respuesta de Muddy no podía hacerse esperar, y el 24 de mayo de 1955 graba Mannish Boy, tema que se publica en junio de 1955 bajo el sello Chess Records. Aunque hay quien entendió este tema como un tema político, el tema fue una clara contestación a I'm A Man de Bo Diddley. Los afroamericanos que crecían en el sur habitualmente eran referidos como niños, nunca como hombres, y Muddy aparte del alarde sexual del que hace gala en el tema, nos deja bien claro que él es un hombre, y se burla del I'm a man de Diddley. La letra dice algo así como "¡Yeah!,se deletrea H-O-M-B-R-E. eso significa hombre ¡Yeah!, no N-I-Ñ-O que significa niñato. ¡Soy un hombre! ¡Yeah! un hombre hecho y derecho. ¡Soy un hombre! ¡Yeah! soy un amante nato". 

En 1977 Muddy Waters publicaría Hard Agai. Fue grabado durante el mes de octubre de 1976 bajo la producción de Johnny Winter y publicado el 10 de enero de 1977 porel sello discográfico Blue Sky Records. En él Muddy se encargaría de grabar y regalarnos una nueva versión del mítico tema Mannish Boy.

Disco de la semana 404: Talking Timbuktu - Ali Farka Touré With Ry Cooder

 

En la actualidad, el género del blues del desierto cuenta con uno de los movimientos musicales más excitantes del mundo. Las bandas y músicos que forman parte de este género provienen de una zona que se extiende por África occidental, desde Mali hasta Libia, y que reúne a personas de varios grupos étnicos. Artistas como Tinariwen , Terakaft, Boubakar Traore, Tamikrest, Bombino, Habib Koite, Vieux Farka Toure, Amadou y Miriam, por nombrar solo algunos, pueden verse y escucharse de gira por el mundo, actuando en prestigiosos festivales de música del mundo y produciendo grabaciones brillantes y populares. El sonido que forma la base de su música, aparte del sonido dominante de las guitarras, comparte el mismo anhelo y ritmo que el blues americano, y las sonoridades de las cuerdas resuenan de una manera que ya se ha escuchado en antiguas grabaciones de blues. La popularidad de este movimiento y de esta música se puede atribuir fácilmente a la música del gran artista maliense Ali Farka Toure , una figura musical imponente y un icono cultural. Fue él quien, sin ayuda de nadie, introdujo al mundo esta música y las culturas que la sustentan. La música de Toure fue el mejor ejemplo de blues del desierto que no se preocupaba por las fronteras. Durante años, antes de que el mundo conociera su música en los años 80, fusionó los sonidos y los ritmos de su Mali natal con los sonidos del blues, lo que inevitablemente provocó comparaciones con otro gran artista, la leyenda del blues John Lee Hooker. En ese momento, su música se estaba difundiendo ampliamente por toda África, cuando los casetes eran el medio elegido para el desierto y se usaban como principales canales de distribución tanto como hoy en día se usan las tarjetas de memoria de los teléfonos móviles en África occidental para distribuir música.

Ry Cooder se embarcó en este ambicioso e interesante proyecto, un viaje inverso hacia los orígenes del blues y otros sonidos de raíz, Cooder tuvo que cruzar el océano Atlántico ya que las células madre del blues no están en ninguna parte sino en África, en las orillas del río Níger, en Mali, y sin duda, uno de sus mayores, más bien el mayor representante es, fue, será por siempre Ali Farka Touré, y ves esa cooperación y no puedes mas que salivar y pensar en las maravillas que podían salir de allí, y así fue. Touré despliega sus habilidades de forma mágica, como la voz de generaciones de malienses pertenecientes a tan noble raza, y nos somete a una sesión de hipnosis en la que polirritmos, arabescos de cuerdas y su voz telúrica envían su mensaje claro y devastador. Un mensaje que, a la vez es, el misterio de un lenguaje que no conozco, y la repetición paciente y minuciosa lo convierten en una avalancha que inunda mis neuronas mientras no entiendo de qué se trata. ¡Así es África! Normalmente, es el artista menos conocido el que se beneficia de cualquier colaboración. En este caso, Touré se beneficia de la apertura del acceso al mundo occidental, pero Cooder se adelanta en esta relación porque este disco aumentó su halo de autenticidad, su prestigio, hasta niveles que antes no podía imaginar, supo traernos y captar la grandeza de un artista superlativo que no podia existir en el mundo civilizado. Por el bien de la integridad y la sabiduría, decir que está al mismo nivel que Robert Johnson, Charley Patton o John Lee Hooker es decir muy poco, quizás este no sea su mejor álbum, pero sí el más importante y es por eso que necesita una escucha por todo amante de la música y el blues.

Vamos a dejar una cosa clara desde el primer momento, este es un álbum de Ali Farka Toure con sus canciones y su música, Ry Cooder es un productor sumamente simpático, un acompañante sumamente simpático, modesto y alentador que no es poco. Toure toca con su equipo, son su gente, con los que graba este disco, mientras que la guitarra de Cooder es la típica de Cooder, controlada y flexible, es como un hábil conversador que nunca domina la conversación, pero siempre puede hacer un comentario inteligente y siempre anima a los demás a hacer sus contribuciones, y sin embargo, a pesar de mi admiración y respeto, no estoy seguro de si destacaría entre una multitud, lo que si tengo claro que no es el rey en la tabla de ajedrez. Como siempre, las canciones de Toure están estructuradas por ritmos suaves y melodías sensuales, pero mientras que en sus otras grabaciones la dureza de su voz y el golpe percusivo de su guitarra creaban una perturbación de la tranquilidad, una sensación de drama, en Talking Timbuktu todo es mucho light, hay menos sensación de drama. No hay duda de que Cooder, en lo que se refiere a la técnica, es un guitarrista mucho mejor que Touré, y su guitarra ondula sobre los ritmos y a través de ellos con una gracia sensual (y su forma de tocar es comparable a la de Barthelemy Attisso con la Orchestra Baobab), pero le falta la fuerza de la forma de tocar de Touré. Pero acepto que esto es una cuestión de gusto personal, hay ventajas y desventajas.  

En estas 11 pistas, hay una especie de interacción y comunicación entre estos dos artistas que es poco común en cualquier tipo de música, hay un serio respeto mutuo en funcionamiento en este encuentro histórico evidente desde el principio con el "Bondo" de apertura. Las melodías de la canción se arremolinan con emoción reforzada por voces de llamada y respuesta que, en conjunto, evocan mucho: los arroyos del río Níger, la inmensidad de un cielo desértico y la fuerza de un viento desértico. Además de la guitarra eléctrica, Toure toca el banjo aquí y, curiosamente, Cooder toca y lo complementa con un Cümbüş, una variante turca sin trastes del banjo (la palabra Cümbüş también es sinónimo de caos) en esta hermosa apertura. "Soukora", demuestra lo bueno que es Toure para equilibrar las sensaciones y el ritmo. Presenta una línea muy simple pero muy efectiva y memorable que va directo al corazón, como dijimos el papel de Cooder en este disco está más en la línea de fortalecer la visión de Toure (ya que Toure es el autor de todos los temas menos uno) y mejorar la música añadiendo sutilmente su impronta en lugar de imponerse en el centro de atención. "Gomni" se basa en capas de percusión delicada y se puede escuchar la guitarra de Cooder añadiendo más capas con su slide indeleble. Es una pista modal típica y con sus adornos, crea un espectro sutil pero más amplio de colores y texturas. "Sega" es un instrumental corto con el n'jarka con sonido de violín tomando la delantera. "Lasidan" es la pista más juguetona aquí, el ritmo es rápido-lento con percusión que se superpone gradualmente con palmas, congas y calabaza. "Amandrai" y "Au Du" son los lugares donde el Delta y el blues del desierto realmente se encuentran. Estas son canciones de blues largas, de ritmo lento y espontáneas donde Cooder y Toure intercambian riffs. Ambas pistas muestran la aguda sensibilidad melódica de la pareja.

Lo que es evidente en este disco, en primer lugar, es la alegría de tocar y la alegría de interactuar musicalmente. Por otro lado, por su génesis y estado de ánimo, es el sonido de un viaje emprendido. Este viaje lleva la cabeza desde los lugares rurales de Mali hasta los bares del Delta y viceversa. La mayoría de las veces, las canciones tienen esa sensación improvisada de una conversación y una sensación de que se capturó un momento que tenemos la suerte de tener. Los regalos de Mali al mundo de la música son pródigos y legendarios, y este disco es el que abrió las puertas al mundo a sus vastas riquezas. Estamos ante una grabación que define el género y que no solo recibió un premio Grammy, sino que durante mucho tiempo fue el disco de música del mundo más vendido de todos los tiempos. También se erige como uno de los documentos más importantes de la música africana moderna. Hay magia en los sonidos del desierto y Talking Timbuktu simplemente captura esa magia con una gracia asombrosa.

Disco de la semana 399: Most Things Haven’t Worked Out - Junior Kimbrough

Most Haven't Worked Out, Juniot Kimbrough

     Considerado uno de los músicos de blues más influyentes de la región montañosa de Mississippi, Junior Kimbrough es una rara avis en el mundo del blues. Hablamos de una figura profundamente inquieta y ferozmente independiente dentro de la comunidad del blues. La visión de Junior Kimbrough sobre la música pasa por el poder, sin adornos, del mensaje inquebrantablemente determinado que transmite el blues. Nada más que el sentimiento y adoración por el blues, ubicado en el centro de la música que nunca se ha desviado de la adoración, la inducción, la fábula y el destino hacia un destino incumplido pero siempre anhelado en el alma.

Durante los casi 30 años de carrera discográfica de Kimbrough, se limitó por completo a una pequeña familia de músicos independientes de Mississippi, dirigiendo valientemente su visión del blues a través de una notable gama de estilos de canciones rurales y música de raíces. En su voluntad de atraer a la más amplia gama de gustos de los oyentes con las mayores dificultades personales, su legado se remonta a un nivel de musicalidad y responsabilidad presente en el núcleo del sonido del blues, pero demasiado raro en el último medio siglo. Realizo sacrificios profesionales como permanecer en el norte del delta del Mississippi en busca de una base, y con el deseo latente de crear un legado musical diverso e inspirado topográficamente en su tierra. Incluso en su tierra natal, Mississippi, muchos fanáticos de la música solo conocen vagamente al guitarrista y cantante Junior Kimbrough. Sin embargo, Kimbrough es uno de los músicos más originales e intuitivos de la segunda mitad del siglo XX. Su vida y obra bien daría para un buen blues, Kimbrough vivió alrededor de unos cincuenta años en el Delta sin grabar un álbum. Estamos ante un hombre al que le encantaba tocar y se enorgullecía de su trabajo y de su tierra.

Inspirado por músicos como Charlie McCoy, Roosevelt Brown o Elmo Johnson, comenzó a tocar música en los años 60. A diferencia de muchos de sus predecesores, Kimbrough escribía su propia música y se apoyaba en sus propios músicos para la creación. Su forma flexible y siempre orgánica de tocar la guitarra eléctrica se entrelaza con las formas tradicionales de las canciones de blues, actualizándolas y dotándolas de un toque de modernidad, insuflando un nuevo y vibrante tipo de vida a las viejas canciones. En 2023, le llegaría el debido y necesario reconocimiento a Kimborugh, fue incluido en el "Salón de la Fama del Blues".

Para la recomendación de esta semana nos vamos a detener en uno de sus últimos álbumes grabados en vida, Most Things Haven’t Worked Out, realizado por Kimborugh en 1999. El artista tenía entonces 67 años.  Fue su tercer álbum para el sello discográfico Fat Possum Records y el último antes de su muerte en 1998. Todas las canciones del álbum fueron escritas por Kimbrough, quien no solía versionear el material de otros músicos. Optó por mantener sus errores y notas perdidas en las vías. Tres de las canciones fueron grabadas en su lugar de ocio y recreo en Mississippi. John Hermann ayudó a producir algunas de las canciones, y Kenny Brown fue el segundo guitarrista. La canción que da título al disco es instrumental.

Most things Haven't Worked Out es un más que recomendable disco para redescubrir la figura de un músico de blues que se alejó de los cánones tradicionales del blues, explotando la idea de interpretar viejo blues acompañado por un grupo moderno. Kimbrough, con su música, es capaz de hipnotizarnos, haciéndonos entrar en trance. El ambiente techno y los overdubs, como ya hiciera también R. L. burnside, dotan a su música de una pasión visceral. Lo que comienza sonando va adquiriendo un poder inesperado a través de la repetición y cambios engañosamente sofisticados de textura, tono y ritmo. Most Things Haven't Worked Out es un buen punto de partida para redescubrir a este genial artista, pues está considerado por muchos el mejor álbum de Kimbrough. 

 

Disco de la semana 285: White lies for dark times - Ben Harper and Relentless7

"Mentiras piadosas para tiempos oscuros" sería una traducción aproximada del título del noveno álbum de Ben Harper, pero en la traducción se pierde el matiz del contraste entre el "blanco" de las mentiras y el "oscuro" de los tiempos a los que hace referencia. Eran nuevos tiempos para Harper, que por primera vez aparcaba momentáneamente a su banda de apoyo The Innocent Criminals (Criminales inocentes) para embarcarse en este disco con la banda Relentless7 (Implacables7), formada por el guitarrista Jason Mozersky, el bajista Jesse Ingalls y el baterista Jordan Richardson, artífices junto a Harper de un llamativo tránsito del sonido más pulcro de los inocentes, a una propuesta de blues rock texano más árida e implacable.

Publicado en 2009, White lies for hard times es otro gran ejemplo de la inquietud de Ben Harper por ir evolucionando y cambiando el paso en cada uno de sus discos, lo cual no significa que a lo largo de sus 11 cortes no tengamos oportunidad de encontrar también alguno de sus tradicionales temas acústicos y con ese feeling soul que Harper ha llevado siempre de serie, pero lo que más impresiona del disco es la predominancia de un rock eléctrico áspero y potente, con marcadas raíces bluseras y texanas.

No hay que esperar mucho para comprobar lo que estamos describiendo, porque el primer corte Number with No Name ya es un compendio de riffs de blues eléctrico y ásperas guitarras slide, bien guiadas por un bajo y batería especialmente contundentes. El sonido es el de una gran banda perfectamente engrasada, algo digno de mención ya que se enfrentaban a su primer trabajo juntos. Le sigue Up to you know, que podríamos denominar como uno de los temas más Harper del disco, entendiendo esto como una mayor cercanía melódica a lo que el músico había hecho en discos anteriores con los Innocent Criminals, y que encuentra la manera de no desentonar en este disco a través del potente bajo y la distorsión de las guitarras. Es solo un alto en el camino, porque Shimmer & Shine, elegido como primer single del disco, vuelve al camino del rock al ritmo de una batería cercana al punk y unas guitarras que zumban de fondo mientras Harper canta un tema ideal para grandes estadios.

Lay there & hate me tiene un regusto soul funk contestatario y rebelde y aporta la dosis necesaria de variedad en un disco de rock, mientras que Why Must You Always Dress in Black supura blues rock con su riff vertiginoso e incendiario y la master class de intensidad que ofrece Jordan Richardson a la batería, antes de que con Skin Thin llegue el ya mencionado momento en el que Harper cuela en el disco una de sus habituales baladas acústicas de marcada melancolía sureña. Tras la pausa para respirar hondo, llega el turno de Fly one time, una agradable pieza que encajaría como un guante en discos de REM o U2, con guitarras efectivas pero menos agresivas que las de las canciones más relevantes del disco, entre las que sin duda está Keep it together (So I can fall apart) en la que las influencias de Hendrix en la guitarra wah wah son evidentes. Intensa y electrificada, te mantiene en vilo hasta que se frena a mitad, convirtiéndose en un leve lamento de voz y guitarra blues, que poco a poco van reponiéndose hasta estallar de nuevo en un intenso final eléctrico.

Boots like these tiene un ritmo vertiginoso y oscuras guitarras que prolongan acordes, mientras Harper canta en un estilo que es casi un recitar acelerado con el que conforma el tema más experimental del disco, una rareza que contrasta con la intensidad y la profundidad de The world suicide, uno de los momentos más inspirados del disco, con aires de himno épico y un evocador solo de guitarra. Y desde lo más alto, solo queda contemplar satisfechos el espectacular paisaje, e iniciar tranquilamente el descenso con Faithfully Remain, otra de esas bellas y aparentemente sencillas baladas marca de la casa, pero no por ello menos inspirada o más prescindible que cualquier otra de las 11 mentiras piadosas con las que Ben Harper nos ayuda a superar estos tiempos tan oscuros.

Grandes éxitos y tropiezos: Stevie Ray Vaughan

 

Stevie Ray Vaughan

     Hablar de Stevie Ray Vaughan es hablar no sólo de un magnífico guitarrista, también cantante, compositor y productor estadounidense que fusionó como nadie los géneros blues y rock. Desde la creación de su Double Trouble allá por 1978, se foguea por todo el estado de su Texas natal dando infinidad de conciertos, hasta que en 1982 se le presenta la oportunidad de tocar en el mítico Festival de Jazz de Montreux. Aquel concierto dejó impresionados a todos los allí presentes, incluso a David Bowie, quien se encontraba allí presente. Tanto es así que Bowie contrata a Stevie para que toque en su álbum Let's dance (1983), grabando en seis de los ocho temas que contiene el disco. Ese mismo año comenzaba su carrera grabando su primer álbum de estudio e iniciaba su ascenso a la cima del blues rock, una carrera que estuvo marcada por sus altibajos por sus problemas con sus adicciones, las cuales fue capaz de superar. Stevie conseguía susperar sus adicciones y recuperar su forma con la guitarra, y cuando parecía que todo se le ponía de cara el infortunio volvía a cruzarse con él en forma de accidente de helicópero el 27 de agosto de 1990 y se llevaba a uno de los mejores guitarristas de blues y rock de la historia. Con una discografía que se compone de 6 discos de estudio y uno en directo publicados en vida, entre ellos hay algún que otro altibajo, y si lo que que quieres es iniciarte en conocer la discografía de este excelso guitarrista, vamos a intentar ayudarte recomendando por que discos empezar y cuales dejar para el final si tu presupuesto no da para adquirirlo todo de golpe.

Estás tardando en comprarlo:

Tenemos claro que hay que empezar por su álbum debut, Texas Flood. En 1983, depués de su colaboración con David Bowie se le brinda la oportunidad de grabar su primer disco. El disco es grabado en tan sólo tres días y prácticamente casi todo grabado en directo, sin adornos ni florituras, lo que da una muestra de la calidad de Stevie y su Double Trouble, pues llevaban cinco años batiendose el cobre en directo concierto tras concierto. Texas Flood es un disco extraordinario, sin fisuras, donde Stevie demuestra por qué es considerado uno de los mejores guitarristas que han existido, siendo capaz de coger temas de estilos tan diferentes como funky, blues, rock e icnluso temas infantiles y darles su toque personal llevándoselos a su terreno. Un disco considerado todo un clásico entre los amantes del género. Tampoco puede faltar su segundo álbum de estudio, Couldn't Stand the Weather (1984), confirmando la evolución que se esperaba de él y que su disco debut no había sido una casualidad. Un disco a la altura de su primer álbum que además tuvo una gran aceptación de público y crítica y superaba las cifras de ventas de Texas flood, alcanzando el puesto número 31 en la famosa lista estadounidense Billboard 200. 

Si te queda pasta, llévate también:

En noviembre de 1986, después de salir de rehabilitación Stevie se había embarcado en la gira de promoción de su álbum en directo Live Alive. Una gira que comenzó con muchas dudas, aunque pronto quedaron disipadas por su buen hacer en directo. Este hecho, unido a que en esa época estuvo sumido en un proceso de separación de su por entonces mujer Leonora "Lenny" Darlene Bailey, hizo que estuviera casi dos años sin escribir y componer material nuevo. Stevie entraba en el estudio de grabación en 1989 dejando atrás sus problemas de adicciones, pero con una dolorosa separación y con muchas dudas sobre sus habilidades musicales y creativas después de alcanzar la sobriedad. Así nace In Step, grabado en 1989, un álbum que demostró que la calidad seguía ahí y que además supuso una gran exeriencia de crecimiento y que generó gran confianza en el guitarrista. Family Style (1990), lanzado un mes después del fallecimiento del artista. Stevie siempre había comentado que le gustaría hacer un disco con su hermano mayor Jimmie Vaughan, y es precisamente lo que hizo, su última grabación de estudio. A pesar de recibir algunas críticas donde se le echaba en cara la falta de estilos personales propios y que las canciones se alejaban demasiado del blues tradicional es una buena oportunidad para disfrutar de la calidad como guitarristas de los dos hermanos. 

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Si apenas te queda dinero o ya te has gastado gran parte de tu presupuesto deja para otra ocasión Soul to Soul (1985). Stevie había llegado a un punto en el que su abuso del alcohol y las drogas empezaban a interferir en su música. A medida que avanzaban las sesiones de grabación de este disco en los estudios Sound Lab de Dallas, el guitarrista, al que se le permitió un ritmo más relajado de grabación, empezó a notar una falta de concentración. Los abusos empezabn a hacer mella en esa época, donde Stevie solía llegar al estudio a drogarse y jugar al ping pong. Todo esto desembocó en que cada vez le costaba más cantar y tocar las partes de guitarra. El álbum consiguió acabarse y alcanzó muy buenas cifras, el puesto 34 en la lista Billboard 200 y su certificación de disco de oro, pero adolecía de esa fuerza y energía de discos anteriores. Live Alive (1986) fue grabado tomando material de conciertos dados en aquella época en Austin y Dallas en julio y publicado en noviembre, y como el mismo reconocería más tarde "No estaba en muy buena forma cuando grabamos Live Alive. En ese momento no me dí cuenta de la condición en la queme encontraba. Hubo más trabajos de corrección en el disco de los que me hubiera gustado". Todo un ejercicio de honestidad y sinceridad. 

Si lo que buscas son canciones sueltas: 

Puedes comenzar con esta selección de cinco canciones propuestas por 7dias7notas para ir abriendo boca: 

1. Pride and Joy

2. Cold Shot

3. Texas Flood

4. Crossfire

5. Change It

Canciones que nos emocionan: Smokestack Lightning - Howlin' Wolf

 

Smokestack Lightning, Hwlin' Wolf

     En 1959 se publica el álbum debut del cantante, armonicista y guitarrista de blues Howlin' wolf, Moanin 'in the Moonlight. El disco es un compendio de grabaciones que el artista había realizado entre 1951 y 1959 para el sello Chess Records, que decide compilar las grabciones y lanzarlas en un disco. Recientemente, en el año 2020, Rolling Stone ubicó éste álbum en el puest número 447 de "Los mejores 500 álbumes de todos los tiempos".

Incluido en éste álbum debut se encuentra Smokestack Lightning, uno de los temas más poulares e influyentes de Howlin' Wolf, tema que se ha convertido por derecho propio en uno de los grandes clásicos del blues. El tema fue escrito y compuesto por Howlin' Wolf, apareciendo en los créditos con su nombre real, Chester Burnett. 

Smokestack Lightning se basa en canciones de blues anteriores, y Howlin' Wolf ya la había interpretado de una forma u otra a principios de la década de los años 30, cuando actuaba con el músico Charley Patton en pequeñas comunidades alrededor del Delta. El tema se basa en temas de blues anteriores, como Big Road Blues de Tommy Johnson, Stop and Listen Blues de los Mississippi Sheiks y Morning Going Down de Charley Patton. 

Howlin' Wolf se inspiró para grabar la canción mirando trenes en la noche, solía sentarse en el campo y ver pasar los trenes, viendo salir chispas de las chimeneas de los mismos. En 1951 Howlin' ya había grabdo la canción con el nombre de Crying at Daybreak. Habría que esperar hasta 1956 cuando graba el tema por primera vez como Smokestack Lightning. El tema sería grabado en Chicago en los estudios del sello Chess y publicado posteriormente como sencillo ese mismo año, 1956.

El disco de la semana 236: Howlin' Wolf - Howlin' Wolf

 

Howlin' Wolf, Howlin' Wolf

     Para la recomendación de esta semana nos hemos decantado por el blues, concretamente el de la escena de Chicago y uno de sus máximos representantes, Chester Arthur Burnett, más conocido como Howlin' Wolf, gran intérprete, guitarrista y armonicista. Howlin', con una voz y una presencia física imponentes con sus 1'96 m de estatura y 136 kg de peso, supo situarse como uno de las puntas de lanza del blues de Chicago. Además de ser un gran bluesman, también supo administrar con cabeza sus finanzas, cosa rara en la época, lo que le permitió vivir holgadamente y tener en nómina una excelente banda con un buen salario y un buen seguro médico.

En 1962 el sello discográfico Chess Records publica el segundo álbum de estudio de título homónimo, Howlin' Wolf. Dicho álbum también es conocido como The Rockin' Chair, debido a la ilustración de la portada, hecha por Don Bronstein, y que consiste una mecedora que tiene al lado una guitarra apoyada. Dicho disco, al igual que ocurriera con su primer disco lanzado tambien por Chess Records, es un compendio de doce canciones que habían sido lanzadas como sencillos por Chess entre los años 1960 y1962.

Todos los temas menos Who's Been Talking, escrita por Howlin' Wolf, y Going Down Slow, escrita por el cantante y compositor de blues St. Louis Jimmy Oden, está compuestos por Willie Dixon, quien por entonces era músico de sesión y compositor principal del sello Chess Records. El disco fue producido por el famoso productor y cazatalentos de la época Ralph Bass, y el numeroso elenco que participó en la grabación de los temas que contienen el álbum está compuesto por William Johnson, Freddy Robinson, Jimmy Rogers, Otis "Big Smokey" Smothers, Hubert Sumlin y Jody Williams como guitarristas, Henry Gray, Johnny Jones, Hosea Lee Kennard, Lafayette Leake, y Otis Spann al piano, Wilie Dixon y Buddy Guy al bajo, Fred Below, Junior Blackman, Sam Lay, S.P. Leary, Sammy Lewis y Earl Phillips a la batería, J. T. Brown al saxo, Donald Hankins al saxo barítono y Arnold Rogers al saxo tenor.

Un álbum donde podemos disfrutar de la imponente voz de Howlin' interpretando clásicos como The Red Rooster, también conocido como The Little Rooster, tema que refleja las creencias populares que existían a principios del siglo XX en el sur de Estados Unidos, donde el gallo contribuía a la paz del corral. El compositor Willie Dixon para componer este tema utilizó elementos de varias canciones anteriores, como "Banty Rooster Blues" (1929) de Charlie Paton o "If You See My Rooster" (1936) de Memphis Minnie; Wang Dang Doodle, un tema repleto de un vibrante y emocionante ritmo que Dixon escribió cuando escuchó por primera vez a Howlin' Wolf a principios de los años 50, pero que guardó en un cajón para más adelante. "Wang dang" significa tener mucho ritmo, y se dice que este tema está basado en una antigua canción lésbica llamada "The bull Daggers Ball"; Spoonful, clásico entre los grandes clásicos compuesto por Dixon y que fue grabado por primera vez por Howlin'. El tema es una metáfora que nos habla de los extremos que puede alcanzar una persona para satisfacer su placeres, tales como el sexo, el alcohol o las drogas; Going Down Slow, compuesto por St. Louis Jimmy Oden. El tema es uno de los grandes estándares de blues, un clásico blues de doce compases que nos describe el lamento de un jugador que se está muriendo; y Back Door Man, tema que hace referencia al "Hombre de la puerta trasera", que es como se referían en la cultura sureña cuando un hombre tenía una aventura con una mujer casada y para escapar antes de que llegara el marido agraviado usaba la puerta trasera para escapar. 

Si juntamos todas las piezas, un sello discográfico como Chess Records, un intéprete de la categría de Howlin' Wolf, una gran producción, un compositor de la talla de Willie Dixon, padre de la mayoría de los temas, y un elenco de músicos de los más grandes que se podían encontrar en la época, el resultado no puede ser otro que doce temazos que componen uno de los discos más famosos del blues de Chicago que se conocen. 

Disco de la semana 227: I Am The Blues - Willie Dixon

 

I Am The Blues, Willie Dixon

     Cuando Hablamos de Willie Dixon, nos estamos refiriendo a uno de los compositores de blues más prolíficos de su tiempo, y junto con Muddy Waters, la persona más influyente en el desarrollo del sonido del blues de Chicago posterior a la II Guerra Mundial. Dixon, además de componer, cantaba, arreglaba, producia discos y tocaba con maestría el bajo, el contrabajo y la guitarra.

Muchas de las canciones que Dixon compuso durante su carrera han sido grabadas por innumerables músicos de muchos géneros musicales. Para muestra el disco recomendado para la ocasión, I Am The Blues, que es un álbum que contiene nueve canciones que Dixon compuso para que fueran grabadas por otros artistas en su etapa como compositor principal y músico de sesión para el sello discográfico Chess Records. Nueve temas que Dixon decide grabar el mismo y que ha día de hoy son grandes clásicos y referentes dentro del blues. 

Cuatro de los nueve temas, Back Door Man, Spoonful, I Ain't Superstitious y The Little Red Rooster fueron originalmente grabados por Howlin' Wolf. Los cuatro temas contaron con la presencia al contrabajo de Dixon en aquellas sesiones de grabación de Howlin' Wolf. The Same Thing, You Shook Me y (I'm Your) Hoochie Coochie Man fueron grabadas por Muddy Waters, The Seventh Son fue grabada por el cantante y compositor de R&B Willie Mabon, y I Can't Quit You, Baby, no se llegó a grabar para Chess Records, siendo por primera vez grabada por Otis Rush para el sello Cobra Records.

El disco es producido por Abner Spector y publicado en 1970 bajo el sello discográfico Columbia Records. Dixon, a los mandos vocales y el bajo, contó con la colaboración de Walter Horton a la Armónica, Lafayette Leake y Sunnyland Slim al piano, Johnny Shines a la guitarra, y Clifton James a la batería.

Comienza la cara A con el clásico Back Door Man, tema donde Dixon hace referencia al "Hombre de la puerta trasera", que en la cultura sureña es como se referían a cuando un hombre tenía una aventura con una mujer casada. El hombre siempre usaba la puerta trasera para escapar antes de que el marido engañado regresara a casa. Esta temática del hombre de la puerta trasera era bastante recurrente en las canciones de blues de la época. I Can't Quit You, Baby, donde Dixon se hace eco de las consecuencias del adulterio, y de cuando un hombre no puede renunciar a tener dicha relación, aunque eso sea su ruina. Dixon admitió que para escribir el tema se basó en una relación por la que Otis Rush estaba preocupado en ese momento. De hecho el tema fue compuest para que fuera grabado originalmente por Rush, como así fue. The Seventh Son, tema donde al igual que en "Hoochie Coochie Man", Dixon vuelve referirse al tema popular y folclórico del séptimo hijo de un séptimo hijo: "Ahora todo el mundo habla del séptimo hijo, pero en todo el mundo, sólo hay uno, yo soy el indicado, sí, soy el único, soy al que llaman el séptimo hijo...". Cierra la cara A Spoonful, uno de los grandes clásicos del blues. Dixon se basó para componerlo en los temas "All I Want Is A Spoonful" (1925) de Papa Charlie Jackson, "Cocaine Blues" (1927) de Luke Jordan, y "A Spoonful Blues" (1929) de Charlie Paton. En cuanto a a letra, "Spoonful" significa "cucharada", y Dixon la utiliza metafóricamente para referirse a los extremos que pueden alcanzar las personas para satisfacer sus placeres, como pueden ser el sexo, el alcohol o las drogas. 

Se encarga de abrir la cara B I Ain't Superstitious, donde Dixon trata la temática de las supersticiones como la típica de gato negro cruzando el camino. You Shook Me, acreditada a Dixon y al guitarrista y cantante de blues estadounidense J. B. Lenoir. El tema, interpretado por Muddy Waters, se convirtió en uno de los más exitosos de principios e los años 60. Surge a partir de una improvisación que Earl Hooker utilizó para calentar, utilizando el slide en su guitarra, en las sesiones de grabación que realizó con su banda de respaldo para el  sello Chief Records, que se sucedieron en mayo de 1961. El productor del sello Chief Records, encantado con aquella improvisación decidió publicarla como sencillo bajo el título "Blue Guitar". Leonard Chess, propietario de Chess Records, al escuchar "Blue Guitar", pensó que el tema tenía mucho potencial, y como estaba buscando material nuevo para que lo grabara Muddy Waters, llegó a un acuerdo para que Willie Dixon escribiera la letra de la canción. El resultado de aquello fue you Shook Me, un tema al que tambíen se le atribuyen créditos en la composición al guitarrista y cantautor J. B. Lenoir, que por entonces también trabajaba para Chess Records. (Im Your) Hoochie Coochie Man, otro de los grandes clásicos de siempre. La letra del tema, además de tener referencias sexuales trata de la mística. El término Hoochie Coochie es un eufemismo para referirse a la vagina, y también se llamaba así a un provocativo baile aparecido a finales del siglo XIX. Dixon afirmaba que este tema, Hoochie Coochie Man, era un ejemplo de las conexiones entre los videntes y clarividentes con el folclore del sur de los Estados Unidos. The Little Rooster, para componer este tema, Dixon se basó y utilizó elementos de varias canciones de blues anteriores, entre las que se encuentran "Banty Rooster Blues" (1929) de Charlie Paton y "If You See My Rooster" (1936) de Memphis Minnie. El tema refleja las creencias populares que existían a principios del siglo XX en el sur de Estados Unidos, donde el gallo contribuía a la paz del corral. Y cierra la cara B, y por tanto este disco repleto de grandes clásicos The Same Thing, tema que fue grabado por primera vez en 1964 por Muddy Waters, y que a la grabación de Dixon, padre del tema en 1970, le han seguido artistas de la talla de George Thorogood, The Allman Brothers Band, Grateful Dead, Lousiana Red y Eddie C. Campbell entre otros.

I Am The Blues es un disco que pone de manifiesto la importancia que Willie Dixon tuvo para el desarrollo del blues de Chicago. Basta con mirar los nueve clásicos grabados para la ocasión y fijarse en los créditos, donde Willie Dixon figura como compositor y padre de todos los temas, unos temas que han alcanzado por derecho propio el estatus de grandes clásicos del blues.

Un país, un artista: Estados Unidos - Robert Johnson

 

Robert Johnson

     El país elegido por nuestros amigos y seguidores en esta ocasión ha sido Estados Unidos. Se me ocurren, a bote pronto, cientos de artistas y bandas que merecen ser elegidos en esta sección, y me encuentro ante la encrucijada de tener que elegir únicamente uno. Después de darle no pocas vueltas, elegí para esta sección al legendario bluesman Robert Johnson, al cual elegí por varias razones, concretamente 29, que fueron las grabaciones que el artista hizo en vida.

1. kind Hearted Woman Blues (23/11/1936). Robert nace en 1911 en Hazlehurst, Mississippi, hijo de Julie Ann Majors, hija de de esclavos, y de Noah johnson, un jornalero que estaba de paso por el poblado. Al parecer Julie tuvo a Robert cuando estaba temporalmente separada de su esposo, Charles Dodds Jr., un próspero fabricante de muebles. Julie abandona Hazlehurst al poco de tener a Robert, y acaba dirigiéndose a Memphis para que Robert se crie con su esposo Charles, el cual se había cambiado el apellido a Spencer, apellido con el que Robert crece sin saber que este no es su apellido real y que charles no es su padre biológico. 
2. I Believe I'll Dust My Brown (23/11/1936). Robert pasa su infancia en Memphis,  donde asiste a la escuela, recibiendo formación en aritmética, lectura, lenguaje, música, geografía y ejercicio físico. Es allí en Memphis, durante su infancia, donde descubre su interés por la música, concretamente por el blues y la música popular. Comienza entonces a tocar el arpa y posteriormente la armónica. 
3. Sweet Home Chicago (23/11/1936). Entre 1919 y 1920 vuelve con su madre, y tras vivir una temporada en una plantación, acaban finalmente instalados en Commerce, localidad situada en el Delta del río Mississippi. Todo esto hace que la música pese más que los estudios, los cuales acaba dejando en 1927 alegando tener problemas de visión. En 1929 ya ha adoptado el apellido de su padre biológico, Johnson, pues su madre, Julie, ya le ha contado la verdad.
4. Ramblin' on My Mind (23/11/1936). En 1929 contrae matrimonio con Virginia Travis. virginia queda embarazada, y en abril de 1930 fallece durante el parto junto al bebé que ambos están esperando. Robert se casará una segunda vez, concretamente con Esther Lockwood, quien era la madre de Robert Lockwood Jr., quien se convertirá posteriormente en guitarrista de blues. 
5. When You Got a Good Friend (23/11/1936). Tras la muerte de su primera esposa, Virginia Travis, se extiende el rumor de que aquello es un castigo divino por la decisión de Robert de cantar canciones seculares y profanas
6. Come on My Kitchen (23/11/1936). El propio Robert Johnson al parecer aceptaba el dicho de que había vendido su alma al diablo como una descripción de su determinación de la abandonar la vida estable de marido y granjero para convertirse en músico de blues a tiempo completo.
7. Terraplane Blues (23/11/1936). El guitarrista y cantante de blues del Delta Son House recordaba por aquel entonces a Robert Johnson como un músico muy competente y como un guitarrista vergonzosamente malo.
8. Phonograph Blues (23/11/1936). Es durante la época que permanece en el área de Martinsville, cerca de su lugar de nacimiento, donde se cree que se muda para buscar a su padre biológico, donde perfecciona su estilo y técnica con la guitarra, aprendiendo de artistas como el guitarrista de blues Isaiah "Ike" Zimmerman, considerado el principal profesor de guitarra de Robert.
9. 32-20 Blues (23/11/1936). El hecho de que se rumoreara que Ike Zimmerman había aprendido a tocar la guitarra visitando cementerios a medianoche, sumado a las confusas respuestas de Son House sobre si Robert Johnson había aprendido su técnica de guitarra producto de un pacto con el diablo, alimentaron la leyenda.   
10. They're Red Hot (23/11/1936). Entre 1932 y hasta 1938, la fecha de su muerte, Robert ejerce como músico ambulante, viajando habitualmente entre las ciudades de Memphis y Helena.                                                                                       
    
    
    
11. Dead Shrimp blues (23/11/1936). Si bien su radio de acción estaba entre Memphis y Helena, en ocasiones viajó a otros lugares más lejanos, como Chicago, Texas, Nueva York, Canadá, Kentucky o Indiana.
12. Cross Road Blues (23/11/1936). Los músicos que conocían a Robert Johnson, decían de él que era un buen tipo, una persona normal con deblidad por el whisky y las mujeres, y dotado con un talento excepcional para la música, y con un gran compromiso con la carretera.
13. Walking Blues (23/11/1936).Cuando Robert llegaba a una ciudad nueva , solía tocar en las esquinas, frente a la barbería local ó frente a los restaurantes. En vez de tocar sus complejas composiciones, solía complacer al público con los temas más populares de la época, temas que no eran necesariamente de blues.
14. Last Fair Deal gone Down (23/11/1936). Además de su asombroso talento, tenía una gran habilidad para conectar con la audiencia y establecer lazos con la comunidad local donde se encontraba tocando, lo que le servía para ser bien recibido siempre que volvía.
15. Preaching Blues (Up Jumped the Devil) (23/11/1936). Robert Johnson, según sus contemporáneos, además de por su pasión por el blues, también se interesó por otros estilos como el jazz o el country.
16. If I Had Possession Over Judgement Day (23/11/1936). En 1936, en Jackson, Mississippi, Robert Johnson contacta con el cazatalentos y propietario de una tienda de discos, HC Speir, quién a su vez le pone en contacto con el vendedor Ernie Oertle, que trabajaba para el sello discográfico ARC Records, y éste a su vez le presenta al productor de discos Don Law. Es con Don Law con quién realiza la primera de las dos sesiones de grabación que realiza en su vida, en la habitación 414 del Hotel Gunter de San Antonio, Texas.
17. Stones in My Passway (19/6/1937). Para las grabaciones en San Antonio, que se llevan a cabo entre el 23 y el 25 de noviembre de 1936, Brunswick Records crea un estudio temporal en la habitación del hotel donde se llevan a cabo dichas grabaciones.
18. I'm a Steady Rollin' Man (19/6/1937). De entre los 16 temas grabados en su primera sesión de grabación en San Antonio, es Terraplane Blues la que más éxito tiene en vida del artista, convirtiéndose en un modesto éxito local y vendiendo unas 5.000 copias.
19. From Four Until Late (19/6/1937). La segunda y última sesión de grabación de Robert Johnson se realizó en un improvisado estudio en el edificio Vitagraph (Warner Bros.), en 508 Park Avenue, en Dallas, Texas, en el tercer piso del edificio, donde se encontraba Brunswick Records. Dichas grabaciones se realizan entre el 19 y e 20 de junio de 1937.
20. Hellhound on My Trail (19/6/1937). El 16 de agosto de 1938 fallece Robert Johnson cerca de la localidad de Greewood, Mississippi, sin que se llegue a conocer la causa exacta de su muerte. Hay hipótesis que hablan de una sífilis congénita como factor que contribuyó a su muerte, mientras que hay otras que apuntan al envenenamiento como la causa de su muerte. También hay quien apunta que sufría un trastorno genético conocido como el síndrome de Marfán.                                                                                                                                  
    
    
    
21. Little Queen of Spades (19/6/1937). La ubicación exacta de la tumba de Robert Johnson se desconoce oficialmente, encontrándose su localización según los expertos, en alguno de los tres cementerios de tres iglesias locales en las afueras de Greenwood.
22. Malted Milk (19/6/1937). Cuenta la leyenda, que Johnson, ante el ferviente deseo de convertirse en un gran músico de blues, fue citado para llevar su guitarra a un cruce cercano a la plantación de Dockery a medianoche. Es allí donde le recibió el Diablo, quién tomó la guitarra, la afinó, tocó algunas canciones, y luego se la devolvió a Robert Johnson dotándole de un completo dominio del instrumento. 
23. Drunken Hearted Man (19/6/1937). Robert Johnson es considerado como uno de los más grande e influyentes maestros de blues del Delta. 
24. Me and the Devil blues (19/6/1937). Hay tres constantes en las letras de las canciones de Johnson, lo efímero de las relaciones humanas, el vagabundeo constante, y los terrores irracionales. Las letras además entremezclan motivos religiosos, sexuales y festivos.
25. Stop Breakin' Down Blues (19/6/1937). La singular poética de las letras, sumado al uso del bluesman de la microtonalidad, ayudan a explicar la poderosa emoción que Robert Johnson transmitía cuando cantaba. Eric Clapton llegó a describir la música del bluesman como "El grito más poderoso que puedes encontrar en la voz humana".
26. Traveling Riverside Blues (19/6/1937). También es conocido por usar una técnica con la guitarra conocida como "El otro vocalista de la canción", de modo que la guitarra simula otra voz complementaria. 
27. Honeymoon Blues (19/6/1936). Cuando el músico Keith Richards conoció la música de Johnson de la mano de su compañero de banda en los Rolling Stones, Brian Johnson, preguntó al escucharlo "¿Quién era el otro chico que tocaba con él?", sin darse cuenta que Robert Johnson era el único que estaba tocando la guitarra. Su revolucionaria forma de tocar la guitarra le ha llevado a ser considerado como uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos.
28. Love in Vain (19/6/1936). El legado e impacto de la música de Johnson es enorme, llegando hasta nuestros días y siendo imprescindible tanto en la historia de la música como en los músicos que llegaron tras él. Tal es su influencia, que ha estado presente en géneros que se desarrollaron después de su muerte, como el rock and roll y el rock.
29. Milkcow's Calf Blues (19/6/1937). Brian Jones, Eric Clapton, Robert Plant, Fleetwood Mac, Bob Dylan, John Fogerty, Jimi Hendrix, Johnny Winter, The Allman Brothers Band, Slash, Queen, The White Stripes, The Black Keys, Neil Young y Jeff Beck son sólo algunos de los innumerables artistas y grupos que han estado marcados por la influencia de Robert Johnson. 

Como comentaba al principio de éste artículo, Estados Unidos es cuna de infinidad de artistas, grupos y estilos musicales dignos de ocupar esta sección, pero no se me ocurren 29 mejores razones como las anteriormente mencionadas, por las que Robert Johnson no merezca estar.