Disco de la semana 285: White lies for dark times - Ben Harper and Relentless7

"Mentiras piadosas para tiempos oscuros" sería una traducción aproximada del título del noveno álbum de Ben Harper, pero en la traducción se pierde el matiz del contraste entre el "blanco" de las mentiras y el "oscuro" de los tiempos a los que hace referencia. Eran nuevos tiempos para Harper, que por primera vez aparcaba momentáneamente a su banda de apoyo The Innocent Criminals (Criminales inocentes) para embarcarse en este disco con la banda Relentless7 (Implacables7), formada por el guitarrista Jason Mozersky, el bajista Jesse Ingalls y el baterista Jordan Richardson, artífices junto a Harper de un llamativo tránsito del sonido más pulcro de los inocentes, a una propuesta de blues rock texano más árida e implacable.

Publicado en 2009, White lies for hard times es otro gran ejemplo de la inquietud de Ben Harper por ir evolucionando y cambiando el paso en cada uno de sus discos, lo cual no significa que a lo largo de sus 11 cortes no tengamos oportunidad de encontrar también alguno de sus tradicionales temas acústicos y con ese feeling soul que Harper ha llevado siempre de serie, pero lo que más impresiona del disco es la predominancia de un rock eléctrico áspero y potente, con marcadas raíces bluseras y texanas.

No hay que esperar mucho para comprobar lo que estamos describiendo, porque el primer corte Number with No Name ya es un compendio de riffs de blues eléctrico y ásperas guitarras slide, bien guiadas por un bajo y batería especialmente contundentes. El sonido es el de una gran banda perfectamente engrasada, algo digno de mención ya que se enfrentaban a su primer trabajo juntos. Le sigue Up to you know, que podríamos denominar como uno de los temas más Harper del disco, entendiendo esto como una mayor cercanía melódica a lo que el músico había hecho en discos anteriores con los Innocent Criminals, y que encuentra la manera de no desentonar en este disco a través del potente bajo y la distorsión de las guitarras. Es solo un alto en el camino, porque Shimmer & Shine, elegido como primer single del disco, vuelve al camino del rock al ritmo de una batería cercana al punk y unas guitarras que zumban de fondo mientras Harper canta un tema ideal para grandes estadios.

Lay there & hate me tiene un regusto soul funk contestatario y rebelde y aporta la dosis necesaria de variedad en un disco de rock, mientras que Why Must You Always Dress in Black supura blues rock con su riff vertiginoso e incendiario y la master class de intensidad que ofrece Jordan Richardson a la batería, antes de que con Skin Thin llegue el ya mencionado momento en el que Harper cuela en el disco una de sus habituales baladas acústicas de marcada melancolía sureña. Tras la pausa para respirar hondo, llega el turno de Fly one time, una agradable pieza que encajaría como un guante en discos de REM o U2, con guitarras efectivas pero menos agresivas que las de las canciones más relevantes del disco, entre las que sin duda está Keep it together (So I can fall apart) en la que las influencias de Hendrix en la guitarra wah wah son evidentes. Intensa y electrificada, te mantiene en vilo hasta que se frena a mitad, convirtiéndose en un leve lamento de voz y guitarra blues, que poco a poco van reponiéndose hasta estallar de nuevo en un intenso final eléctrico.

Boots like these tiene un ritmo vertiginoso y oscuras guitarras que prolongan acordes, mientras Harper canta en un estilo que es casi un recitar acelerado con el que conforma el tema más experimental del disco, una rareza que contrasta con la intensidad y la profundidad de The world suicide, uno de los momentos más inspirados del disco, con aires de himno épico y un evocador solo de guitarra. Y desde lo más alto, solo queda contemplar satisfechos el espectacular paisaje, e iniciar tranquilamente el descenso con Faithfully Remain, otra de esas bellas y aparentemente sencillas baladas marca de la casa, pero no por ello menos inspirada o más prescindible que cualquier otra de las 11 mentiras piadosas con las que Ben Harper nos ayuda a superar estos tiempos tan oscuros.

Grandes éxitos y tropiezos: Stevie Ray Vaughan

 

Stevie Ray Vaughan

     Hablar de Stevie Ray Vaughan es hablar no sólo de un magnífico guitarrista, también cantante, compositor y productor estadounidense que fusionó como nadie los géneros blues y rock. Desde la creación de su Double Trouble allá por 1978, se foguea por todo el estado de su Texas natal dando infinidad de conciertos, hasta que en 1982 se le presenta la oportunidad de tocar en el mítico Festival de Jazz de Montreux. Aquel concierto dejó impresionados a todos los allí presentes, incluso a David Bowie, quien se encontraba allí presente. Tanto es así que Bowie contrata a Stevie para que toque en su álbum Let's dance (1983), grabando en seis de los ocho temas que contiene el disco. Ese mismo año comenzaba su carrera grabando su primer álbum de estudio e iniciaba su ascenso a la cima del blues rock, una carrera que estuvo marcada por sus altibajos por sus problemas con sus adicciones, las cuales fue capaz de superar. Stevie conseguía susperar sus adicciones y recuperar su forma con la guitarra, y cuando parecía que todo se le ponía de cara el infortunio volvía a cruzarse con él en forma de accidente de helicópero el 27 de agosto de 1990 y se llevaba a uno de los mejores guitarristas de blues y rock de la historia. Con una discografía que se compone de 6 discos de estudio y uno en directo publicados en vida, entre ellos hay algún que otro altibajo, y si lo que que quieres es iniciarte en conocer la discografía de este excelso guitarrista, vamos a intentar ayudarte recomendando por que discos empezar y cuales dejar para el final si tu presupuesto no da para adquirirlo todo de golpe.

Estás tardando en comprarlo:

Tenemos claro que hay que empezar por su álbum debut, Texas Flood. En 1983, depués de su colaboración con David Bowie se le brinda la oportunidad de grabar su primer disco. El disco es grabado en tan sólo tres días y prácticamente casi todo grabado en directo, sin adornos ni florituras, lo que da una muestra de la calidad de Stevie y su Double Trouble, pues llevaban cinco años batiendose el cobre en directo concierto tras concierto. Texas Flood es un disco extraordinario, sin fisuras, donde Stevie demuestra por qué es considerado uno de los mejores guitarristas que han existido, siendo capaz de coger temas de estilos tan diferentes como funky, blues, rock e icnluso temas infantiles y darles su toque personal llevándoselos a su terreno. Un disco considerado todo un clásico entre los amantes del género. Tampoco puede faltar su segundo álbum de estudio, Couldn't Stand the Weather (1984), confirmando la evolución que se esperaba de él y que su disco debut no había sido una casualidad. Un disco a la altura de su primer álbum que además tuvo una gran aceptación de público y crítica y superaba las cifras de ventas de Texas flood, alcanzando el puesto número 31 en la famosa lista estadounidense Billboard 200. 

Si te queda pasta, llévate también:

En noviembre de 1986, después de salir de rehabilitación Stevie se había embarcado en la gira de promoción de su álbum en directo Live Alive. Una gira que comenzó con muchas dudas, aunque pronto quedaron disipadas por su buen hacer en directo. Este hecho, unido a que en esa época estuvo sumido en un proceso de separación de su por entonces mujer Leonora "Lenny" Darlene Bailey, hizo que estuviera casi dos años sin escribir y componer material nuevo. Stevie entraba en el estudio de grabación en 1989 dejando atrás sus problemas de adicciones, pero con una dolorosa separación y con muchas dudas sobre sus habilidades musicales y creativas después de alcanzar la sobriedad. Así nace In Step, grabado en 1989, un álbum que demostró que la calidad seguía ahí y que además supuso una gran exeriencia de crecimiento y que generó gran confianza en el guitarrista. Family Style (1990), lanzado un mes después del fallecimiento del artista. Stevie siempre había comentado que le gustaría hacer un disco con su hermano mayor Jimmie Vaughan, y es precisamente lo que hizo, su última grabación de estudio. A pesar de recibir algunas críticas donde se le echaba en cara la falta de estilos personales propios y que las canciones se alejaban demasiado del blues tradicional es una buena oportunidad para disfrutar de la calidad como guitarristas de los dos hermanos. 

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Si apenas te queda dinero o ya te has gastado gran parte de tu presupuesto deja para otra ocasión Soul to Soul (1985). Stevie había llegado a un punto en el que su abuso del alcohol y las drogas empezaban a interferir en su música. A medida que avanzaban las sesiones de grabación de este disco en los estudios Sound Lab de Dallas, el guitarrista, al que se le permitió un ritmo más relajado de grabación, empezó a notar una falta de concentración. Los abusos empezabn a hacer mella en esa época, donde Stevie solía llegar al estudio a drogarse y jugar al ping pong. Todo esto desembocó en que cada vez le costaba más cantar y tocar las partes de guitarra. El álbum consiguió acabarse y alcanzó muy buenas cifras, el puesto 34 en la lista Billboard 200 y su certificación de disco de oro, pero adolecía de esa fuerza y energía de discos anteriores. Live Alive (1986) fue grabado tomando material de conciertos dados en aquella época en Austin y Dallas en julio y publicado en noviembre, y como el mismo reconocería más tarde "No estaba en muy buena forma cuando grabamos Live Alive. En ese momento no me dí cuenta de la condición en la queme encontraba. Hubo más trabajos de corrección en el disco de los que me hubiera gustado". Todo un ejercicio de honestidad y sinceridad. 

Si lo que buscas son canciones sueltas: 

Puedes comenzar con esta selección de cinco canciones propuestas por 7dias7notas para ir abriendo boca: 

1. Pride and Joy

2. Cold Shot

3. Texas Flood

4. Crossfire

5. Change It

Canciones que nos emocionan: Smokestack Lightning - Howlin' Wolf

 

Smokestack Lightning, Hwlin' Wolf

     En 1959 se publica el álbum debut del cantante, armonicista y guitarrista de blues Howlin' wolf, Moanin 'in the Moonlight. El disco es un compendio de grabaciones que el artista había realizado entre 1951 y 1959 para el sello Chess Records, que decide compilar las grabciones y lanzarlas en un disco. Recientemente, en el año 2020, Rolling Stone ubicó éste álbum en el puest número 447 de "Los mejores 500 álbumes de todos los tiempos".

Incluido en éste álbum debut se encuentra Smokestack Lightning, uno de los temas más poulares e influyentes de Howlin' Wolf, tema que se ha convertido por derecho propio en uno de los grandes clásicos del blues. El tema fue escrito y compuesto por Howlin' Wolf, apareciendo en los créditos con su nombre real, Chester Burnett. 

Smokestack Lightning se basa en canciones de blues anteriores, y Howlin' Wolf ya la había interpretado de una forma u otra a principios de la década de los años 30, cuando actuaba con el músico Charley Patton en pequeñas comunidades alrededor del Delta. El tema se basa en temas de blues anteriores, como Big Road Blues de Tommy Johnson, Stop and Listen Blues de los Mississippi Sheiks y Morning Going Down de Charley Patton. 

Howlin' Wolf se inspiró para grabar la canción mirando trenes en la noche, solía sentarse en el campo y ver pasar los trenes, viendo salir chispas de las chimeneas de los mismos. En 1951 Howlin' ya había grabdo la canción con el nombre de Crying at Daybreak. Habría que esperar hasta 1956 cuando graba el tema por primera vez como Smokestack Lightning. El tema sería grabado en Chicago en los estudios del sello Chess y publicado posteriormente como sencillo ese mismo año, 1956.

El disco de la semana 236: Howlin' Wolf - Howlin' Wolf

 

Howlin' Wolf, Howlin' Wolf

     Para la recomendación de esta semana nos hemos decantado por el blues, concretamente el de la escena de Chicago y uno de sus máximos representantes, Chester Arthur Burnett, más conocido como Howlin' Wolf, gran intérprete, guitarrista y armonicista. Howlin', con una voz y una presencia física imponentes con sus 1'96 m de estatura y 136 kg de peso, supo situarse como uno de las puntas de lanza del blues de Chicago. Además de ser un gran bluesman, también supo administrar con cabeza sus finanzas, cosa rara en la época, lo que le permitió vivir holgadamente y tener en nómina una excelente banda con un buen salario y un buen seguro médico.

En 1962 el sello discográfico Chess Records publica el segundo álbum de estudio de título homónimo, Howlin' Wolf. Dicho álbum también es conocido como The Rockin' Chair, debido a la ilustración de la portada, hecha por Don Bronstein, y que consiste una mecedora que tiene al lado una guitarra apoyada. Dicho disco, al igual que ocurriera con su primer disco lanzado tambien por Chess Records, es un compendio de doce canciones que habían sido lanzadas como sencillos por Chess entre los años 1960 y1962.

Todos los temas menos Who's Been Talking, escrita por Howlin' Wolf, y Going Down Slow, escrita por el cantante y compositor de blues St. Louis Jimmy Oden, está compuestos por Willie Dixon, quien por entonces era músico de sesión y compositor principal del sello Chess Records. El disco fue producido por el famoso productor y cazatalentos de la época Ralph Bass, y el numeroso elenco que participó en la grabación de los temas que contienen el álbum está compuesto por William Johnson, Freddy Robinson, Jimmy Rogers, Otis "Big Smokey" Smothers, Hubert Sumlin y Jody Williams como guitarristas, Henry Gray, Johnny Jones, Hosea Lee Kennard, Lafayette Leake, y Otis Spann al piano, Wilie Dixon y Buddy Guy al bajo, Fred Below, Junior Blackman, Sam Lay, S.P. Leary, Sammy Lewis y Earl Phillips a la batería, J. T. Brown al saxo, Donald Hankins al saxo barítono y Arnold Rogers al saxo tenor.

Un álbum donde podemos disfrutar de la imponente voz de Howlin' interpretando clásicos como The Red Rooster, también conocido como The Little Rooster, tema que refleja las creencias populares que existían a principios del siglo XX en el sur de Estados Unidos, donde el gallo contribuía a la paz del corral. El compositor Willie Dixon para componer este tema utilizó elementos de varias canciones anteriores, como "Banty Rooster Blues" (1929) de Charlie Paton o "If You See My Rooster" (1936) de Memphis Minnie; Wang Dang Doodle, un tema repleto de un vibrante y emocionante ritmo que Dixon escribió cuando escuchó por primera vez a Howlin' Wolf a principios de los años 50, pero que guardó en un cajón para más adelante. "Wang dang" significa tener mucho ritmo, y se dice que este tema está basado en una antigua canción lésbica llamada "The bull Daggers Ball"; Spoonful, clásico entre los grandes clásicos compuesto por Dixon y que fue grabado por primera vez por Howlin'. El tema es una metáfora que nos habla de los extremos que puede alcanzar una persona para satisfacer su placeres, tales como el sexo, el alcohol o las drogas; Going Down Slow, compuesto por St. Louis Jimmy Oden. El tema es uno de los grandes estándares de blues, un clásico blues de doce compases que nos describe el lamento de un jugador que se está muriendo; y Back Door Man, tema que hace referencia al "Hombre de la puerta trasera", que es como se referían en la cultura sureña cuando un hombre tenía una aventura con una mujer casada y para escapar antes de que llegara el marido agraviado usaba la puerta trasera para escapar. 

Si juntamos todas las piezas, un sello discográfico como Chess Records, un intéprete de la categría de Howlin' Wolf, una gran producción, un compositor de la talla de Willie Dixon, padre de la mayoría de los temas, y un elenco de músicos de los más grandes que se podían encontrar en la época, el resultado no puede ser otro que doce temazos que componen uno de los discos más famosos del blues de Chicago que se conocen. 

Disco de la semana 227: I Am The Blues - Willie Dixon

 

I Am The Blues, Willie Dixon

     Cuando Hablamos de Willie Dixon, nos estamos refiriendo a uno de los compositores de blues más prolíficos de su tiempo, y junto con Muddy Waters, la persona más influyente en el desarrollo del sonido del blues de Chicago posterior a la II Guerra Mundial. Dixon, además de componer, cantaba, arreglaba, producia discos y tocaba con maestría el bajo, el contrabajo y la guitarra.

Muchas de las canciones que Dixon compuso durante su carrera han sido grabadas por innumerables músicos de muchos géneros musicales. Para muestra el disco recomendado para la ocasión, I Am The Blues, que es un álbum que contiene nueve canciones que Dixon compuso para que fueran grabadas por otros artistas en su etapa como compositor principal y músico de sesión para el sello discográfico Chess Records. Nueve temas que Dixon decide grabar el mismo y que ha día de hoy son grandes clásicos y referentes dentro del blues. 

Cuatro de los nueve temas, Back Door Man, Spoonful, I Ain't Superstitious y The Little Red Rooster fueron originalmente grabados por Howlin' Wolf. Los cuatro temas contaron con la presencia al contrabajo de Dixon en aquellas sesiones de grabación de Howlin' Wolf. The Same Thing, You Shook Me y (I'm Your) Hoochie Coochie Man fueron grabadas por Muddy Waters, The Seventh Son fue grabada por el cantante y compositor de R&B Willie Mabon, y I Can't Quit You, Baby, no se llegó a grabar para Chess Records, siendo por primera vez grabada por Otis Rush para el sello Cobra Records.

El disco es producido por Abner Spector y publicado en 1970 bajo el sello discográfico Columbia Records. Dixon, a los mandos vocales y el bajo, contó con la colaboración de Walter Horton a la Armónica, Lafayette Leake y Sunnyland Slim al piano, Johnny Shines a la guitarra, y Clifton James a la batería.

Comienza la cara A con el clásico Back Door Man, tema donde Dixon hace referencia al "Hombre de la puerta trasera", que en la cultura sureña es como se referían a cuando un hombre tenía una aventura con una mujer casada. El hombre siempre usaba la puerta trasera para escapar antes de que el marido engañado regresara a casa. Esta temática del hombre de la puerta trasera era bastante recurrente en las canciones de blues de la época. I Can't Quit You, Baby, donde Dixon se hace eco de las consecuencias del adulterio, y de cuando un hombre no puede renunciar a tener dicha relación, aunque eso sea su ruina. Dixon admitió que para escribir el tema se basó en una relación por la que Otis Rush estaba preocupado en ese momento. De hecho el tema fue compuest para que fuera grabado originalmente por Rush, como así fue. The Seventh Son, tema donde al igual que en "Hoochie Coochie Man", Dixon vuelve referirse al tema popular y folclórico del séptimo hijo de un séptimo hijo: "Ahora todo el mundo habla del séptimo hijo, pero en todo el mundo, sólo hay uno, yo soy el indicado, sí, soy el único, soy al que llaman el séptimo hijo...". Cierra la cara A Spoonful, uno de los grandes clásicos del blues. Dixon se basó para componerlo en los temas "All I Want Is A Spoonful" (1925) de Papa Charlie Jackson, "Cocaine Blues" (1927) de Luke Jordan, y "A Spoonful Blues" (1929) de Charlie Paton. En cuanto a a letra, "Spoonful" significa "cucharada", y Dixon la utiliza metafóricamente para referirse a los extremos que pueden alcanzar las personas para satisfacer sus placeres, como pueden ser el sexo, el alcohol o las drogas. 

Se encarga de abrir la cara B I Ain't Superstitious, donde Dixon trata la temática de las supersticiones como la típica de gato negro cruzando el camino. You Shook Me, acreditada a Dixon y al guitarrista y cantante de blues estadounidense J. B. Lenoir. El tema, interpretado por Muddy Waters, se convirtió en uno de los más exitosos de principios e los años 60. Surge a partir de una improvisación que Earl Hooker utilizó para calentar, utilizando el slide en su guitarra, en las sesiones de grabación que realizó con su banda de respaldo para el  sello Chief Records, que se sucedieron en mayo de 1961. El productor del sello Chief Records, encantado con aquella improvisación decidió publicarla como sencillo bajo el título "Blue Guitar". Leonard Chess, propietario de Chess Records, al escuchar "Blue Guitar", pensó que el tema tenía mucho potencial, y como estaba buscando material nuevo para que lo grabara Muddy Waters, llegó a un acuerdo para que Willie Dixon escribiera la letra de la canción. El resultado de aquello fue you Shook Me, un tema al que tambíen se le atribuyen créditos en la composición al guitarrista y cantautor J. B. Lenoir, que por entonces también trabajaba para Chess Records. (Im Your) Hoochie Coochie Man, otro de los grandes clásicos de siempre. La letra del tema, además de tener referencias sexuales trata de la mística. El término Hoochie Coochie es un eufemismo para referirse a la vagina, y también se llamaba así a un provocativo baile aparecido a finales del siglo XIX. Dixon afirmaba que este tema, Hoochie Coochie Man, era un ejemplo de las conexiones entre los videntes y clarividentes con el folclore del sur de los Estados Unidos. The Little Rooster, para componer este tema, Dixon se basó y utilizó elementos de varias canciones de blues anteriores, entre las que se encuentran "Banty Rooster Blues" (1929) de Charlie Paton y "If You See My Rooster" (1936) de Memphis Minnie. El tema refleja las creencias populares que existían a principios del siglo XX en el sur de Estados Unidos, donde el gallo contribuía a la paz del corral. Y cierra la cara B, y por tanto este disco repleto de grandes clásicos The Same Thing, tema que fue grabado por primera vez en 1964 por Muddy Waters, y que a la grabación de Dixon, padre del tema en 1970, le han seguido artistas de la talla de George Thorogood, The Allman Brothers Band, Grateful Dead, Lousiana Red y Eddie C. Campbell entre otros.

I Am The Blues es un disco que pone de manifiesto la importancia que Willie Dixon tuvo para el desarrollo del blues de Chicago. Basta con mirar los nueve clásicos grabados para la ocasión y fijarse en los créditos, donde Willie Dixon figura como compositor y padre de todos los temas, unos temas que han alcanzado por derecho propio el estatus de grandes clásicos del blues.

Un país, un artista: Estados Unidos - Robert Johnson

 

Robert Johnson

     El país elegido por nuestros amigos y seguidores en esta ocasión ha sido Estados Unidos. Se me ocurren, a bote pronto, cientos de artistas y bandas que merecen ser elegidos en esta sección, y me encuentro ante la encrucijada de tener que elegir únicamente uno. Después de darle no pocas vueltas, elegí para esta sección al legendario bluesman Robert Johnson, al cual elegí por varias razones, concretamente 29, que fueron las grabaciones que el artista hizo en vida.

1. kind Hearted Woman Blues (23/11/1936). Robert nace en 1911 en Hazlehurst, Mississippi, hijo de Julie Ann Majors, hija de de esclavos, y de Noah johnson, un jornalero que estaba de paso por el poblado. Al parecer Julie tuvo a Robert cuando estaba temporalmente separada de su esposo, Charles Dodds Jr., un próspero fabricante de muebles. Julie abandona Hazlehurst al poco de tener a Robert, y acaba dirigiéndose a Memphis para que Robert se crie con su esposo Charles, el cual se había cambiado el apellido a Spencer, apellido con el que Robert crece sin saber que este no es su apellido real y que charles no es su padre biológico. 
2. I Believe I'll Dust My Brown (23/11/1936). Robert pasa su infancia en Memphis,  donde asiste a la escuela, recibiendo formación en aritmética, lectura, lenguaje, música, geografía y ejercicio físico. Es allí en Memphis, durante su infancia, donde descubre su interés por la música, concretamente por el blues y la música popular. Comienza entonces a tocar el arpa y posteriormente la armónica. 
3. Sweet Home Chicago (23/11/1936). Entre 1919 y 1920 vuelve con su madre, y tras vivir una temporada en una plantación, acaban finalmente instalados en Commerce, localidad situada en el Delta del río Mississippi. Todo esto hace que la música pese más que los estudios, los cuales acaba dejando en 1927 alegando tener problemas de visión. En 1929 ya ha adoptado el apellido de su padre biológico, Johnson, pues su madre, Julie, ya le ha contado la verdad.
4. Ramblin' on My Mind (23/11/1936). En 1929 contrae matrimonio con Virginia Travis. virginia queda embarazada, y en abril de 1930 fallece durante el parto junto al bebé que ambos están esperando. Robert se casará una segunda vez, concretamente con Esther Lockwood, quien era la madre de Robert Lockwood Jr., quien se convertirá posteriormente en guitarrista de blues. 
5. When You Got a Good Friend (23/11/1936). Tras la muerte de su primera esposa, Virginia Travis, se extiende el rumor de que aquello es un castigo divino por la decisión de Robert de cantar canciones seculares y profanas
6. Come on My Kitchen (23/11/1936). El propio Robert Johnson al parecer aceptaba el dicho de que había vendido su alma al diablo como una descripción de su determinación de la abandonar la vida estable de marido y granjero para convertirse en músico de blues a tiempo completo.
7. Terraplane Blues (23/11/1936). El guitarrista y cantante de blues del Delta Son House recordaba por aquel entonces a Robert Johnson como un músico muy competente y como un guitarrista vergonzosamente malo.
8. Phonograph Blues (23/11/1936). Es durante la época que permanece en el área de Martinsville, cerca de su lugar de nacimiento, donde se cree que se muda para buscar a su padre biológico, donde perfecciona su estilo y técnica con la guitarra, aprendiendo de artistas como el guitarrista de blues Isaiah "Ike" Zimmerman, considerado el principal profesor de guitarra de Robert.
9. 32-20 Blues (23/11/1936). El hecho de que se rumoreara que Ike Zimmerman había aprendido a tocar la guitarra visitando cementerios a medianoche, sumado a las confusas respuestas de Son House sobre si Robert Johnson había aprendido su técnica de guitarra producto de un pacto con el diablo, alimentaron la leyenda.   
10. They're Red Hot (23/11/1936). Entre 1932 y hasta 1938, la fecha de su muerte, Robert ejerce como músico ambulante, viajando habitualmente entre las ciudades de Memphis y Helena.                                                                                       
    
    
    
11. Dead Shrimp blues (23/11/1936). Si bien su radio de acción estaba entre Memphis y Helena, en ocasiones viajó a otros lugares más lejanos, como Chicago, Texas, Nueva York, Canadá, Kentucky o Indiana.
12. Cross Road Blues (23/11/1936). Los músicos que conocían a Robert Johnson, decían de él que era un buen tipo, una persona normal con deblidad por el whisky y las mujeres, y dotado con un talento excepcional para la música, y con un gran compromiso con la carretera.
13. Walking Blues (23/11/1936).Cuando Robert llegaba a una ciudad nueva , solía tocar en las esquinas, frente a la barbería local ó frente a los restaurantes. En vez de tocar sus complejas composiciones, solía complacer al público con los temas más populares de la época, temas que no eran necesariamente de blues.
14. Last Fair Deal gone Down (23/11/1936). Además de su asombroso talento, tenía una gran habilidad para conectar con la audiencia y establecer lazos con la comunidad local donde se encontraba tocando, lo que le servía para ser bien recibido siempre que volvía.
15. Preaching Blues (Up Jumped the Devil) (23/11/1936). Robert Johnson, según sus contemporáneos, además de por su pasión por el blues, también se interesó por otros estilos como el jazz o el country.
16. If I Had Possession Over Judgement Day (23/11/1936). En 1936, en Jackson, Mississippi, Robert Johnson contacta con el cazatalentos y propietario de una tienda de discos, HC Speir, quién a su vez le pone en contacto con el vendedor Ernie Oertle, que trabajaba para el sello discográfico ARC Records, y éste a su vez le presenta al productor de discos Don Law. Es con Don Law con quién realiza la primera de las dos sesiones de grabación que realiza en su vida, en la habitación 414 del Hotel Gunter de San Antonio, Texas.
17. Stones in My Passway (19/6/1937). Para las grabaciones en San Antonio, que se llevan a cabo entre el 23 y el 25 de noviembre de 1936, Brunswick Records crea un estudio temporal en la habitación del hotel donde se llevan a cabo dichas grabaciones.
18. I'm a Steady Rollin' Man (19/6/1937). De entre los 16 temas grabados en su primera sesión de grabación en San Antonio, es Terraplane Blues la que más éxito tiene en vida del artista, convirtiéndose en un modesto éxito local y vendiendo unas 5.000 copias.
19. From Four Until Late (19/6/1937). La segunda y última sesión de grabación de Robert Johnson se realizó en un improvisado estudio en el edificio Vitagraph (Warner Bros.), en 508 Park Avenue, en Dallas, Texas, en el tercer piso del edificio, donde se encontraba Brunswick Records. Dichas grabaciones se realizan entre el 19 y e 20 de junio de 1937.
20. Hellhound on My Trail (19/6/1937). El 16 de agosto de 1938 fallece Robert Johnson cerca de la localidad de Greewood, Mississippi, sin que se llegue a conocer la causa exacta de su muerte. Hay hipótesis que hablan de una sífilis congénita como factor que contribuyó a su muerte, mientras que hay otras que apuntan al envenenamiento como la causa de su muerte. También hay quien apunta que sufría un trastorno genético conocido como el síndrome de Marfán.                                                                                                                                  
    
    
    
21. Little Queen of Spades (19/6/1937). La ubicación exacta de la tumba de Robert Johnson se desconoce oficialmente, encontrándose su localización según los expertos, en alguno de los tres cementerios de tres iglesias locales en las afueras de Greenwood.
22. Malted Milk (19/6/1937). Cuenta la leyenda, que Johnson, ante el ferviente deseo de convertirse en un gran músico de blues, fue citado para llevar su guitarra a un cruce cercano a la plantación de Dockery a medianoche. Es allí donde le recibió el Diablo, quién tomó la guitarra, la afinó, tocó algunas canciones, y luego se la devolvió a Robert Johnson dotándole de un completo dominio del instrumento. 
23. Drunken Hearted Man (19/6/1937). Robert Johnson es considerado como uno de los más grande e influyentes maestros de blues del Delta. 
24. Me and the Devil blues (19/6/1937). Hay tres constantes en las letras de las canciones de Johnson, lo efímero de las relaciones humanas, el vagabundeo constante, y los terrores irracionales. Las letras además entremezclan motivos religiosos, sexuales y festivos.
25. Stop Breakin' Down Blues (19/6/1937). La singular poética de las letras, sumado al uso del bluesman de la microtonalidad, ayudan a explicar la poderosa emoción que Robert Johnson transmitía cuando cantaba. Eric Clapton llegó a describir la música del bluesman como "El grito más poderoso que puedes encontrar en la voz humana".
26. Traveling Riverside Blues (19/6/1937). También es conocido por usar una técnica con la guitarra conocida como "El otro vocalista de la canción", de modo que la guitarra simula otra voz complementaria. 
27. Honeymoon Blues (19/6/1936). Cuando el músico Keith Richards conoció la música de Johnson de la mano de su compañero de banda en los Rolling Stones, Brian Johnson, preguntó al escucharlo "¿Quién era el otro chico que tocaba con él?", sin darse cuenta que Robert Johnson era el único que estaba tocando la guitarra. Su revolucionaria forma de tocar la guitarra le ha llevado a ser considerado como uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos.
28. Love in Vain (19/6/1936). El legado e impacto de la música de Johnson es enorme, llegando hasta nuestros días y siendo imprescindible tanto en la historia de la música como en los músicos que llegaron tras él. Tal es su influencia, que ha estado presente en géneros que se desarrollaron después de su muerte, como el rock and roll y el rock.
29. Milkcow's Calf Blues (19/6/1937). Brian Jones, Eric Clapton, Robert Plant, Fleetwood Mac, Bob Dylan, John Fogerty, Jimi Hendrix, Johnny Winter, The Allman Brothers Band, Slash, Queen, The White Stripes, The Black Keys, Neil Young y Jeff Beck son sólo algunos de los innumerables artistas y grupos que han estado marcados por la influencia de Robert Johnson. 

Como comentaba al principio de éste artículo, Estados Unidos es cuna de infinidad de artistas, grupos y estilos musicales dignos de ocupar esta sección, pero no se me ocurren 29 mejores razones como las anteriormente mencionadas, por las que Robert Johnson no merezca estar.

Canciones que nos emocionan: I'd Rather Go Blind - Etta James

 

I'd Rather Go Blind, Etta James

     I'd Rather Go Blind fue compuesto por la maravillosa Etta james, grabado en 1967 en los famosos FAME Studios de Muscle Shoals, Alabama, y publicado por el sello dscográfico Cadet en 1968 como sencillo ocupando la cara B, y acompañado en la cara A por Tell Mama.

Durante 1967, Etta James deja de lado durante un tiempo su adicción a la heroína, y aprovechando este hecho se marcha a los FAME Studios de la localidad de Muscle Shoals, para grabar algunos temas, de entre los que sale I'd Rather Go Blind. El hecho de elegir estos estudios en parte fue porque era un lugar ciertamente aislado y donde era difícil conseguir y acceder al alcohol y las drogas.

Este clásico de blues sureño cargado de una gran calidad emocional y poética es concebido por Etta durante una visita a la prisión para ver a su amigo Ellington "Fugi" Jordan, quién se encontraba allí recluido. En dicha visita Etta oye a Ellington cantar un esbozo donde se lamenta por estar encarcelado y no saber cuando va a salir. A continuación Etta escribe el resto de la canción junto a Jordan. Cuando llega el momento de acreditar la canción Etta, además de acreditar a Jordan y a ella, por temas fiscales decice acreditar también a su pareja en aquel momento, Billy Foster, quién era miembro del grupo de doo-wop The Medallions. En 1968 el propio Ellington Jordan lanza su propia versión de I'd Rather Go Blind apoyado por el grupo de funk rock psicodélico Black Merda. 

La canción alcanza el puesto número 10 en las listas de Billboard R&B, y el puesto número 23 en la lista Billboard Hot 100. Desde entonces este tema ha sido versionado en muchísimas ocasiones, siendo de las más destacadas, las realizadas por Chiken Shack, Little Milton, Koko Taylor, Rod Stewart, BB King, Paul Weller y Joe Bonamassa & Beth Hart entre otros. 

Something told me it was over (yeah)

When I saw you and her talking

Something deep down in my soul said, "Cry girl" (cry, cry)

When I saw you and that girl, walking now

Ooh, I would rather, I would rather go blind boy

Than to see you, walk away from me child, no

Ooh, so you see, I love you so much

That I don't want to watch you leave me babe

Most of all, I just don't

I just don't want to be free no, ooh ooh

I was just, I was just, I was just sitting here thinking

Of your kiss and your warm embrace, yeah

When the reflection in the glass

That I held to my lips now baby (yeah, yeah)

Revealed the tears that was on my face, yeah, ooh

And babe, baby (baby, baby, baby) I'd rather

I'd rather be blind boy

Than to see you walk away, see you walk away from me, yeah, ooh

Baby, baby, baby (baby, baby, bay)

I'd rather be blind now

Canciones que nos emocionan: Spoonful, Howlin' Wolf

Spoonful, Howlin' Wolf

     Cuando escuchamos el tema Spoonful inmediatamente nos viene a la cabeza la versión del tema que hizo en su momento Cream y que viene incluido en su álbum debut, Fresh Cream, publicado en 1966. Es quizás la versión más popular, siendo Clapton, Bruce y Baker los que popularizaron el tema. Un tema que fue compuesto por un grande del blues para que fuera grabado por otro grande.

Spoonful es compuesta por el bajista, cantante, compositor y productor musical Willie Dixon, considerado como uno de los máximos exponentes del blues de Chicago, y que llegó  a trabajar y componer material para artistas de la talla de Muddy Waters, Howlin' Wolf, Led Zeppelin, Otis Rush, Koko Taylor, Little Walter, Sonny Boy Williamson, Bo Diddley ó Chuck Berry entre otros.

El tema es compuesto por Willie y grabado por primera vez por Howlin' Wolf, siendo publicado como sencillo por el sello discográfico  Chess Records en junio de 1960. Spoonful es un blues lento donde la guitarra eléctrica predomina sobre los otros instrumentos. Willie se basó para componerlo en los temas de Papa Charlie Jackson All I Want Is A Spoonful (1925), de Luke Jordan Cocaine Blues (1927) y de Charlie Patton A Spoonful Blues (1929).

En cuanto a la letra del tema, cuyo título Spoonful significa "cucharada", es interpretado como una metáfora y de los extremos que pueden alcanzar las personas para satisfacer sus placeres, tales como el sexo, el alcohol o las drogas. Para la grabación del tema, Howlin' Wolf fue respaldado por Hubert Sumlin a la guitarra, Fredie Robinson como segunda guitarra, Otis Spann al piano, Fred Below a la batería y el propio Willie Dixon al contrabajo. Hubo especulaciones sobre si Freddie King era realmente quien había aportado la segunda guitarra, pero tanto Hubert Sumlin como Fredie Robinson lo desmintieron y siempre afirmaron que las guitarras fueron grabadas por ellos dos.

It could be a spoonful of coffee

It could be a spoonful of tea

But one little spoon of your precious love

Is good enough for me

Men lie about that spoonful

Some cry about that spoonful

Some die about that spoonful

Everybody fight about a spoonful

That spoon, that spoon, that spoonful

It could be a spoonful of water

To save you from the desert sand

But one spoon of love1 from my forty-five

Will save you from another man

Men lie about that spoonful

Some cry about that spoonful

Some die about that spoonful

Everybody fight about a spoonful

That spoon, that spoon, that spoonful

That spoon, that spoon, that spoonful

It could be a spoonful of sugar

It could be a spoonful of tea

But one little spoon of your precious love

Is good enough for me

Men lie about that spoonful

Some cry about that spoonful

Some die about that spoonful

Everybody fight about a spoonful

That spoon, that spoon, that spoonful

That spoon, that spoon, that spoonful

That spoon, that spoon, that spoonful

That spoon, that spoon, that spoonful

It could be a spoonful of sugar

It could be a spoonful of tea

But one little spoon of your precious love

Is good enough for me

Canciones que nos emocionan: Baby, Please Don't Go, Big Joe Williams

Baby Please Don't Go

     Para hablar del siguiente tema, otro de esos que a mí tanto me emocionan tenemos que fijarnos inevitablemente en la figura de Big Joe williams.

Joseph Lee Williams, más conocido como Big Joe Williams nace en Crawford, Mississippi (Estados Unidos) en 1903. Big Joe tuvo una infancia harto difícil, pues sufre malos tratos habitualmente por parte de su padrastro, lo que hace que a la edad de 9 años decida fugarse de casa, encontrando refugio en un Medecine Show. Los Medecine Shows eran espectaculos de vodevil (teatro de variedades) muy comunes en las zonas rurales del sur y el oeste de Estados Unidos, donde había payasos y espectaculos musicales que acompañaban a oradores cuyo objetivo era vender elixires y productos supuestamente medicinales.

Durante su estancia en el Medecine Show Big Joe conoce a numerosos músicos, entre los que se encuentran una de sus mayores influencias, Charlie Patton. También pasa una temporada en Texas, donde conoce a Leadbelly. Finalmente se muda a Chicago donde acaba conociendo a Sonny Boy Williamson I, y se une a él, impulsando entre los dos el nuevo estilo imperante en la ciudad de Chicago.

Big Joe desarrolla durante su carrera un estilo muy personal, muy cercano al tradicional blues del Delta, creando una tensión dramática muy intensa con su voz, acompañando ésta con unos bajos muy marcados que iba entrecrotando con notas muy agudas usando una guitarra de nueve cuerdas. Más tarde, en la década de los 60 incorporaría asiduamente el uso del Slide.

Big Joe comienza a grabar temas a mediados de la década de los años 30 para el sello discográfico Bluebird. Y unos de esos primeros temas, es precisamente Baby Please Don't Go, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan. El tema aparece publicado por el sello Bluebird en 1935 como single, siendo acompañado en la cara B por el tema Wild Cow Blues.

Big Joe Williams escribe Baby Please Don't Go basándose en el tema tradicional americano Long John, tema que había sido grabado por Alan Lomax un año antes, en 1934. Alan Lomax fue un etnomusicólogo estadounidense que se dedicó en vida a recopilar canciones populares del siglo XX para la Biblioteca Nacional del Congreso de Estados Unidos. Long John era una canción que cantaban los prisioneros negros que trabajaban en la Darrington State Prison Farm de Texas (Estados Unidos). Era un tema popular allí porque hablaba de Long John, un prisionero fugado que huía de las autoridades.

Big Joe Williams grabaría una segunda versión más modernizada del tema en 1941 también bajo el sello Bluebird. En 1947 grabará una tercera versión, esta vez con la discográfica Columbia Records. En 1953 Muddy Waters graba para el sello discográfico Chess Records el tema, bajo el título Turn The Lamp Down Low, conviritiéndose su versión en la que más influirá para la infinidad de versiones posteriores que irán apareciendo. Es Baby Please Don't Go uno de los temas más populares y reconocibles en la historia del blues estadounidense, siendo versionada por infinidad de artistas, de la talla de Lightnin' Hopkins, John Lee Hooker, Ted Nugent, Big Bill Broonzy, Muddy Waters, Van Morrison, AC/DC ó Aerosmith entre otros.

Now, baby please don't go

Now, baby please don't go home

Baby, please don't go

Back to New Orleans

And get your cold ice cream

I believe that a man done gone

I believe that a man done gone

I believe that a man done gone

To the county farm

Now, with his long chain on

Turn your lamp down low

You turn your lamp down low

Turn your lamp down low

I cried all night long

Now, baby please don't go

I begged you night before

I begged you night before

Begged you night before

Turn your lamp down low

Now, baby please don't go

I believe my baby done lied

I believe my baby done lied

I believe, my baby, she lied

Says she didn't have a man now

While I had my time

'Fore I'd be yo' dog

Play, I swore I'd leave your do

'Fore I'd be yo' dog

I'd pack my trunk this morning, baby

Go back to Rolling Fork

I believe I'll leave, here

I believe I'll leave you here

I believe I'll leaves you here

'Cause you got me way up here

An you don't feel my care

Now, baby please don't go

Oh baby, please don't go

Now, baby please don't go

Back to New Orleans

Even though I love you so

I believe you trying just leave me here

Why leave your daddy, here?

Why leave your daddy, here?

You got me way down here

And you don't feel my care

Canciones que nos emocionan: Call It Stormy Monday, (But Tuesday Is Just Bad) T-Bone Walker

Call It Stromy Monday

     En esta ocasión vamos a reseñar uno de los estándares de blues más populares y versionados de la historia, compuesto a su vez por un artista que a su vez inspiró e incito a coger una guitarra a gente como B B King. Nos referimos al tema Call It Stormy Monday (But Tuesday Is Just Bad) de T-Bone Walker.

Aaron Thibeaux walker, más conocido como T-Bone walker nace en Linden, Texas (Estados Unidos) en 1910, de ascendencia Cheroqui de pequeño se muda con su familia al sur de Dallas y es allí donde ejerce de lazarillo de Blind Lemon Jefferson, el influyente guitarrista de blues ciego. Es con Blind lemon con quien T-Bone aprende técnicas de cómo tocar la guitarra. Sería en 1929, contando con 19 años cuando T-Bone debuta con su primer sencillo, Wichita Falls Blues / Trinity River Blues. En 1942 publica el tema Mean Old world bajo el sello Capitol, un tema que contiene unos solos y unos riffs de guitarra que empiezan a sentar las bases de la guitarra eléctrica en el blues.

En noviembre de 1947 publica bajo el sello discográfico Black & White el tema Call It Stormy Monday (But Tuesday Is Just Bad), otro de esos temas que a mí tanto me emocionan. Hay informaciones que situan la grabación de este tema en 1940 justo antes de que Estados Unidos ingresara en la II Guerra Mundial, otras la situan en marzo 1942 y no fue lanzada por falta de disponibilidad. y otras la sitúan en 1947 durante la tercera sesión de grabación para el sello discográfico Black & White. Lo que si está claro es la fecha de la publicación, noviembre de 1947. El tema nos decribe a un hombre que se encuentra constantemente atromentado y reza todos los días para que su chica regrese

Call It Stormy Monday es uno de los estándares de la historia del blues, un tema al que culpa B B King de querer coger una guitarra eléctrica tras escucharlo, y uno de los temas más versionados de la historia del blues. En 1961 sería el cantante Bobby Blue Bland el que se encargaría de grabarla y popularizarla aún más. Diez años después serían Allman Brothers Band quienes se encargarían de engrandecerla más con su grabación realizando una versión extendida incluida en su mítico y primer álbum en vivo en 1971, At Filmore East. El mísmo B B King también se encargaría de grabarla, así como artistas tan dispares como Jethro Tull, Count Basie, James Brown, Eric Clapton, Freddie Fender, Buddy Guy, Roberta Flack, The Jackson 5, Albert King, Etta James, Albert Collins, Freddie King, Gary Moore ó Leslie West entre otros. Que artistas tan grandes como los mencionados se hagan eco, versionen y graben este tema nos da una idea de la importancia del mismo y reflejan la importancia de un guitarrista que sentó las bases del futuro de la guitarra eléctrica en el blues.

They call it stormy Moday, but Tuesday's just as bad

They call it stormy Moday, but Tuesday's just as bad

Wednesday's worse, and Thursday's also sad

Yes the eagle flies on Friday, and Saturday I go out to play

Eagle flies on Friday, and Saturday I go out to play

Sunday I go to church, then I kneel down and pray

Lord have mercy, Lord have mercy on me

Lord have mercy, my heart's in misery

Crazy about my baby, yes, send her back to me

Canciones que nos emocionan: Boom Boom, John Lee Hooker

Boom Boom, John Lee Hooker

     En esta ocasión me voy a centrar en otro de esos temas que a mí tanto me emocionan, y que se ha convertido por derecho propio en uno de los estandartes de este artista y del género blues, ni más ni menos que Boom Boom de John Lee Hooker.

     John Lee Hooker nace en 1912 en una granja de Clarksdale, Mississippi (Estados Unidos), en 1928 sus padres se separan y el queda a cargo de su madre. Su madre se vuelve a casar con un músico de blues llamado william Moore. Es William quien enseña a tocar la guitarra a Hooker cuando este tenía 13 años.

     En 1931 Hooker decide mudarse al norte de Estados Unidos, primero Memphis, donde estuvo tocando y trabajando en cines locales. Posteriormente se marcha a Cincinnati, donde alterna trabajos de limpiabotas o acomodador en teatros con actuaciones en grupos de gospel. En 1943 acaba instalandose en Detroit, consiguiendo un trabajo en a industria de automóvil y cantando en bares de los suburbios.

   En 1948 comienza la carrera musical de Hooker al conseguir su primer éxito con el tema Boogie Chillen. Hooker solía tocar sólo o como mucho acompañado de un segundo guitarrista. En la década de los 50 grabó con varios nombres diferentes antes de hacerlo como John Lee Hooker, tales como Delta John ó Birmingham Sam entre otros. Pero eso cambiaría a partir de 1955, cuando acaba contrato con la discográfica Modern Records y ficha por la compañía Vee-Jay, de Chicago. Esta compañía disponía de músicos de sesión que ponía a disposición de sus artistas para que grabaran. Así se gesta en 1962 la grabación del tema que el mismo compone Boom Boom.

    John Lee Hooker solía tocar en un bar de Detroit llamado Apex Bar, y siempre solía llegar tarde, algo que la banda de acompañamiento que tocaba con él siempre le recriminaba. En aquel bar trabajaba una camarera llamada Luilla (hay quien dice que se llamaba Willa), que siempre que veía llegar tarde a Hooker le decía "Boom Boom, llegas tarde otra vez". Hooker pensó que aquello que le decía la camarera podía ser el nombre de un tema, tenía gancho. Una noche de camino a casa se puso a darle vueltas al asunto en cuestión, y al día siguiente se puso a escribirla. Una vez que la tuvo hecha se la mostró a cierta gente, y esta alucinó, así que lo siguiente que hizo fue enviarla a Washington DC y registrar los derechos de autor. Una vez registrado como autor del tema ya podía tocarla en el bar y y mostrarla a Luilla que en cierto modo y sin saberlo le había inspirado y le había dado aquella canción .