1209.- Lover lover lover - Lonard Cohen

 

Lover lover lover, Leonard Cohen

     New Skin for the Old Ceremony es el cuarto álbum de estudio de Leonard Cohen. Fue grabado durante el mes de febrero de 1974 en el Sound Ideas Studio de Nueva York bajo la producción de Leonard Cohen y John Lissauer, y publicado el 30 de agosto de 1974 por el sello discográfico Columbia Records. En este disco el artista empieza a evolucionar alejándose del sonido más crudo de sus trabajos anteriores, incluyendo el sonido de violas, mandolinas, banjos, guitarras, percusión y otros instrumentos que dotan al disco de un sonido más orquestado pero a la vez manteniendo la sobriedad que caracteriza a Cohen. En Reino Unido consiguió la certificación de plata merced a sus ventas, sin embargo en Estados Unidos ni siquiera llegó a entrar la lista Billboard 200.

La portada original del álbum estuvo rodeada de cierta polémica. Originalmente era una imagen del texto del tratado alquímico Rosarium Philosophorum, que data del sigo XVI. En la portada aparecen dos seres alados y fundidos en un abrazo sexual que hicieron que el sello discográfico Columbia Records imprimiera una de las primeras ediciones del disco sin la imagen y sustituyéndola por una foto de Cohen. Otra de las alternativas iniciales para "adecentar"  la portada original fue la de presentar un collage adicional de alas de ángel que cubrían las figuras representadas y fundidas en el citado abrazo sexual.

incluido en este álbum se encuentra Lover, lover lover, una joya poética que brilla dentro del vasto repertorio de Leonard Cohen. Esta canción se destaca por su profunda exploración de temas como el amor, la redención y la espiritualidad. Cohen es de sobra conocido por su habilidad para combinar letras introspectivas con melodías cautivadoras. La canción comienza con una introducción suave de guitarra acústica, estableciendo un ambiente íntimo y melancólico, y entonces la voz profunda y melódica de Cohen entra en juego, transmitiendo una sensación de nostalgia y anhelo, y a medida que avanza, la instrumentación se intensifica con la incorporación de cuerdas y coros que añaden una dimensión adicional a la canción.

Las letras de Lover lover lover son un testimonio del genio poético del artista. En ellas, Cohen reflexiona sobre su búsqueda de redención y amor, expresando un profundo deseo de ser perdonado por sus pecados pasados. Las palabras están imbuidas de una intensa pasión y una sincera vulnerabilidad, lo que hace que la canción resuene en un nivel emocional profundo con el oyente. Otro de los aspectos más destacados de la canción es la habilidad de Cohen para crear imágenes vívidas a través de su escritura. Las letras pintan un retrato evocador de un viaje espiritual, lleno de simbolismo y metáforas. Cohen utiliza la metáfora del "campo de batalla" para representar la lucha interna del narrador, mientras que la imagen del "amor como un fuego" evoca una sensación de pasión ardiente y deseo incontrolable. La canción alcanza su clímax con el coro emotivo y poderoso, donde Cohen repite el estribillo "Lover, lover, lover, come back to me" con una intensidad palpable. Esta repetición crea un efecto hipnótico que envuelve al oyente, invitándolo a sumergirse completamente en la experiencia musical.

1207 - Barry White - My First My Last My Everything

1208 - Barry White - My First my Last My Everything

Barry White, el legendario cantante, compositor y productor estadounidense, fue un ícono del género soul y del amor romántico en la música popular. Nacido el 12 de septiembre de 1944 en Galveston, Texas, Barry White dejó una huella imborrable en la industria musical con su distintiva voz profunda y su estilo inconfundible. Una de sus canciones más icónicas, "My First, My Last, My Everything", lanzada en 1974, encapsula perfectamente su habilidad para transmitir pasión y romanticismo a través de la música.

La canción, que forma parte del álbum "Can't Get Enough", no solo se convirtió en un éxito instantáneo, sino que también se ha mantenido como un clásico atemporal, continuando su impacto en las generaciones posteriores. Desde su introducción con un ritmo animado y alegre, acompañado de cuerdas exuberantes y un coro celestial, hasta la entrada inconfundible de la voz profunda y seductora de Barry White, "My First, My Last, My Everything" cautiva a los oyentes desde el primer compás.

La letra de la canción, escrita por Barry White junto con Peter Radcliffe y Tony Sepe, expresa un amor inquebrantable y eterno. La declaración de amor que White ofrece a través de sus letras es sincera y apasionada, resonando con cualquier oyente que haya experimentado la profundidad de un amor verdadero. Las líneas como "You're the first, the last, my everything" ("Eres el primero, el último, mi todo") encapsulan la esencia del romance y la devoción absoluta.

La voz de Barry White es el alma de la canción. Con su distintivo timbre profundo y su entrega suave pero convincente, transmite una intensidad emocional que trasciende las palabras mismas. Cada nota está impregnada de emoción, desde la dulzura de las líneas melódicas hasta la pasión ardiente que se eleva en los momentos más emotivos de la canción. Es esta combinación de habilidades vocales y emotividad lo que convierte a Barry White en uno de los artistas más queridos y respetados de su generación.

La producción musical de "My First, My Last, My Everything" es igualmente impresionante. Barry White, quien también era conocido por su habilidad como productor, creó un acompañamiento musical exquisito que complementa a la perfección su voz distintiva. Los arreglos orquestales son ricos y exuberantes, añadiendo una dimensión adicional de grandeza y romance a la canción. Los elementos de la música disco, que estaban en su apogeo en ese momento, se combinan con el estilo característico de Barry White para crear una melodía que es al mismo tiempo moderna y atemporal.

La influencia de "My First, My Last, My Everything" en la cultura popular es innegable. La canción ha sido incluida en innumerables bandas sonoras de películas, programas de televisión y comerciales, y sigue siendo un elemento básico en las listas de reproducción de música romántica en todo el mundo. Además, ha sido versionada por varios artistas, lo que demuestra su perdurable relevancia y su lugar como una de las grandes canciones de amor de todos los tiempos.

Más allá de su éxito comercial, "My First, My Last, My Everything" trasciende las barreras del tiempo y el género para convertirse en una expresión universal del amor y la pasión. La habilidad de Barry White para capturar la esencia misma del romance en esta canción es un testimonio de su genio musical y su legado perdurable en la industria de la música.

"My First, My Last, My Everything" es mucho más que una simple canción. Es un testimonio del talento artístico de Barry White y su capacidad para conmover y emocionar a través de la música. Con su voz inconfundible, sus letras conmovedoras y su producción exquisita, esta canción sigue siendo un clásico atemporal que continúa inspirando y enamorando a oyentes de todas las edades.

Daniel 

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1204.- I Want to See the Bright Lights Tonight - Richard and Linda Thompson

I Want to See the Bright Lights Tonight

     I want to See the Bright Lights Tonight es el segundo álbum de estudio lanzado por Richard Thompson, y el primero que incluye a su por entonces esposa, Linda Thompson. Fue grabado en los Sound Techniques Studios de Chelsea, Londres, bajo la producción de Richard Thompson y John Wood, y publicado el 30 de abril de 1974 por el sello discográfico Island Records para Reino Unido, y por el sello Hannibal Records en 1983 para Estados Unidos y Canadá. Aunque el disco no se vendió apenas y fue ignorado por la critica (no fue lanzado hasta 1983 fuera del Reino Unido), ha sido considerado como "una obra maestra atemporal" y considerado como uno de los mejores lanzamientos de los dos cantantes, ya sea trabajando juntos o en solitario.

Después del fracaso de su primer trabajo, Henry the Human Fly, el cantautor y guitarrista británico Richard Thompson inició una relación personal y profesional con Linda Peters, una cantante de sesión. Fruto de esa relación nació I Want to See the Bright Lights Tonight, que fue titulado provisionalmente Hokey Pokey, y se grabó con un reducido presupuesto de 2.500 libras esterlinas. Este segundo trabajo de Richard, y primero con su mujer, fue considerado por la crítica como una obra maestra, un clásico del folk rock inglés. 

Incluido en este álbum se encuentra la canción que da título al mismo, una canción que con su melodía melancólica y letras evocadoras, se ha convertido en un himno para aquellos que anhelan escapar de la monotonía de la vida cotidiana y sumergirse en la promesa de la noche. La canción comienza con una introducción atmosférica de guitarra acústica, que establece de inmediato un ambiente íntimo y contemplativo. A medida que avanza, la voz distintiva de Richard Thompson entra en juego, transmitiendo una sensación de anhelo y urgencia. Su estilo de canto directo y emocional se combina perfectamente con la letra, que narra el deseo de escapar de la rutina y buscar la emoción de la vida nocturna. Las letras pintan vívidamente imágenes de la ciudad iluminada por luces brillantes, evocando una sensación de fascinación y asombro. Richard y Linda Thompson logran capturar la dualidad de la noche, mostrando tanto su atractivo seductor como su aura de misterio. A medida que la canción avanza, la intensidad aumenta, con arreglos de guitarra eléctrica que añaden un toque de energía y emoción.

Uno de los aspectos más destacados de I Want to See the Bright Lights Tonight es la armonía vocal entre Richard y Linda Thompson. Sus voces se entrelazan de manera hipnótica, creando una sensación de unidad y complicidad que eleva la canción a nuevas alturas. Esta colaboración única entre marido y mujer añade una capa adicional de profundidad emocional a la canción, haciendo que resuene aún más en el corazón del oyente. A lo largo de la canción, se exploran temas universales como el deseo de escapar, la búsqueda de la felicidad y la tentación de lo desconocido. Es una canción que trasciende el tiempo y el espacio, transportando al oyente a un lugar donde los sueños y la realidad se entrelazan en la oscuridad de la noche.

1203.- Boogie On Reggae Woman - Stevie Wonder

 

Boggie On Reggae Woman, Stevie Wonder

     En 1974 Stevie Wonder publica su decimoséptimo álbum de estudio, Fulfilllingness' First Finale. Es grabado en los Record Plant y los Westlake Studios de Los Angeles, y en los Mediasound y lo Electric Lady Studios de Nueva York, bajo la producción de Robert Margouleff, Malcolm Cecil y del propio Stevie Wonder, y publicado el 22 de julio de 1974 por el sello discográfico Tamla Records, subsidiario de Motown Records.

Este disco fue el segundo del artista en encabezar la lista estadounidense Billboard Top LPs & Tapes, permaneciendo dos semanas, y también alcanzó el puesto número 1 en la lista Billboard Soul LPs, donde estuvo instalado durante nueve semanas, anunque no  consecutivas. Tuvo su culminación en la entrega anunal de los Premios Grammy de 1975, donde ganó en tres categorías: "Álbum del año", "Mejor Voz Pop Masculina" y "Mejor Interpretación Vocal Masculina de Rythm and Blues".

Incluído en este álbum se encuentra Boogie On Reggae Woman. Fue lanzada además como sencillo y continuó con la exitosa racha de Wonder en las listas de ventas. De hecho, con esta canción fue con la que ganó el premio Grammy a la "Mejor intepreetacón vocal masculina de R&B". En este punto de su carrera, Wonder se había ganado el derecho a negociar un contrato con Motown Records que le daba prácticamente el control total de sus grabaciones. Aprovechó para hacer algunas cancones de corte muy político, pero también grabó algún material más ligero, como Boogie On Reggae Woman. El éxito de Johnny Nash de 1972 con la canción "I Can See Clearly Now" demostró que el reggae podía tener hueco en las listas de éxitos, y Wonder apostó por utilizar este rirmo para esta canción.

Stevie Wonder grabó la canción en un momento muy prolíficio en su carrera. Tenía 21 años y había conseguido ya un más que prometedor contrato con Motown records. Con la ayuda de los ingenieros Margouleff y Cecil grababa constantemente, reservando tiempo en el estudio dondequiera que estuviera. Boogie On Reggae Woman fue una de esas muchas canciones que se grabron en aquel periodo, la cual estaba originalmente programada para su álbum Innervisions (1973), pero Margouleff logró convencerle de que encajaba mejor con su disco siguiente, Fulfillingness First Finale.

1201 - Neil Young - Walk on

1201 - Neil Young - Walk on

"Walk On" es una canción emblemática del legendario cantautor Neil Young, que forma parte de su álbum de estudio de 1974, "On the Beach". Con una duración de casi siete minutos, la pista es una mezcla perfecta de letras introspectivas y melodías cautivadoras que capturan la esencia del estilo distintivo de Neil Young.

Desde los primeros acordes de guitarra acústica, "Walk On" establece un ambiente melancólico y reflexivo que se mantiene a lo largo de toda la canción. La letra, característica de Young, está impregnada de una profunda introspección y un sentido de búsqueda de autenticidad y libertad. A medida que la canción avanza, las letras sugieren un viaje personal, con referencias a dejar atrás las cosas que ya no sirven y seguir adelante hacia lo desconocido. Es un himno para aquellos que buscan encontrar su propio camino en un mundo complejo y cambiante.

La instrumentación de "Walk On" es igualmente impresionante. La guitarra acústica de Neil Young se combina magistralmente con una variedad de instrumentos, incluyendo el piano y la armónica, creando una textura musical rica y evocadora. La estructura de la canción es orgánica y fluida, con cambios de tempo que reflejan la narrativa lírica de la búsqueda y el movimiento.

La voz de Neil Young, áspera y emocional, agrega una capa adicional de profundidad a la canción. Su entrega apasionada y sin pretensiones resuena con autenticidad, haciendo que las letras cobren vida de una manera única y poderosa. A medida que canta sobre dejar atrás el pasado y abrazar el futuro, su voz transmite una sensación de determinación y esperanza que es palpable.

"Walk On" es una de esas canciones que trasciende el tiempo y el espacio. A pesar de haber sido lanzada hace décadas, sigue siendo relevante y conmovedora hoy en día. Su mensaje atemporal de perseverancia y búsqueda de autenticidad resuena con personas de todas las edades y experiencias. Es una canción que invita a la reflexión y alienta a los oyentes a seguir adelante, incluso cuando los tiempos son difíciles.

"Walk On" es una obra maestra musical que encapsula todo lo que hace que la música de Neil Young sea tan perdurable y significativa. Con su mezcla única de letras profundas, melodías conmovedoras y una ejecución magistral, esta canción sigue siendo un testimonio perdurable del talento incomparable de Neil Young y su capacidad para tocar los corazones y las mentes de su audiencia.

Daniel 

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1195.- I Shot the Sheriff - Eric Clapton

 

I Shot the Sheriff, Eric Clapton

     461 Ocean Boulevard es el segundo álbum de estudio en solitario de Eric Clapton. Fue grabado entre los meses de abril y mayo de 1974 en los Criteria Studios de Miami, bajo la producción de Tom Dowd, y publicado en julio de 1974 por el sello discográfico RSO Records. Su regreso, después de sus problemas con la heroína, con este disco se saldó encabezando muchas listas de países y vendiendo más de dos millones de copias. El título del disco hace referencia a la dirección en Ocean Boulevard, en Golden Beach, Florida, donde Clapton estuvo viviendo mientras grababa el álbum.

Después de superar sus adicciones a la heroína, Clapton se dio cuenta de que había desperdiciado tres años de su vida, donde lo único que había hecho es estar tirado y ver televisión. Cuando el guitarrista buscó ayuda, se puso a trabajar en una granja y comenzó a escuchar mucha música nueva y viejos discos de blues que había traído consigo, además comenzó a tocar la guitarra de nuevo, escribiendo incluso canciones enteras a partir de ideas simples. Con estas ideas en mente, Clapton recibió una cinta de demostración del ex bajista de Dereck and the Dominos Carl Radle, con canciones interpretadas por el propio Radle, con el tecladista Dick Sims y el baterista Jamie Oldaker. A Clapton le encantaron estas grabaciones, las cuales le parecieron simplemente magníficas.

Cuando Clapton se puso a escribir material para su nuevo disco, quería dejar sus canciones lo más incompletas posible, para que los músicos que fueran a grabar con él, tuvieran la oportunidad de colaborar y hacerlas suyas. El músico estaba ciertamente preocupado por el éxito comercial y artístico que el disco pudiera tener. Tenía la certeza de que sólo funcionaría si había química entre los músicos. Para tal empresa fichó a Carl Radle (bajo), Jamie Oldaker (batería), Dick Sims (teclados), Albhy Galuten (piano) y George Terry (guitarra, coros).

Incluido en este álbum se encuentra una versión de una canción de Bob Marley, titulada I Shot the Sheriff. Dicha canción había sido lanzada por Marley con su banda The Wailers en 1973. Sobre el significado de la canción, Marley llegó a afirmar: "Quería decir 'le disparé a la policía' pero el gobierno habría montado un escándalo, así que dije 'le disparé al sheriff' en su lugar... pero la idea es la misma: justicia". Clapton no estaba muy seguro de publicar su versión porque pensaba que podría parecer una falta de respeto para Bob Marley. Los miembros de su banda y su mánager lo convencieron de que no solo debía ir en el disco, sino que también debía lanzarse como sencillo. Más tarde Clapton llegó a Hablar con Marley sobre la canción: "Traté de preguntarle de qué se trataba la canción, pero no pude entender mucho su respuesta. Me sentí aliviado de que le gustara lo que habíamos hecho". Clapton mantuvo el timo reggae de la canción original, pero le metió un estilo más rockero, con órgano y guitarra marcando el ritmo. En Estados Unidos, por aquella época el reggae no era muy grande, pero Clapton, con su toque de reggae mezclado con rock dio en el clavo.

1194 - Grateful Dead - Scarlet Begonias

1194 - Grateful Dead - Scarlet Begonias

Grateful Dead es una banda icónica que surgió en la escena musical de San Francisco a finales de la década de 1960. Con una mezcla única de rock psicodélico, folk, blues y improvisación, Grateful Dead se convirtió en una fuerza revolucionaria en la música, no solo por su sonido innovador, sino también por su enfoque en vivo, donde cada concierto era una experiencia única y orgánica.

Una de las canciones más emblemáticas de Grateful Dead es "Scarlet Begonias", lanzada en 1974 como parte de su álbum "From the Mars Hotel". La canción, escrita por Jerry Garcia y Robert Hunter, es un viaje auditivo que combina letras poéticas con melodías pegajosas y arreglos intrincados.

"Scarlet Begonias" transporta a los oyentes a un mundo lleno de colores vivos y personajes misteriosos. Las letras cuentan la historia de un encuentro casual entre el narrador y una mujer llamada Scarlet, cuyo encanto y presencia lo cautivan. La narrativa está impregnada de imágenes surrealistas y metáforas, creando una atmósfera etérea y evocadora que invita a la reflexión y la imaginación.

Musicalmente, la canción es un ejemplo brillante del estilo característico de Grateful Dead. Desde el riff de guitarra distintivo de Jerry Garcia hasta los ritmos fluidos de la sección rítmica, "Scarlet Begonias" despliega una complejidad armoniosa que es al mismo tiempo accesible y fascinante. La habilidad de la banda para tejer capas de sonido y explorar diferentes texturas sonoras se destaca especialmente en esta pista, donde cada instrumento contribuye a la riqueza del paisaje sonoro general.

Pero lo que realmente hace que "Scarlet Begonias" sea especial es su capacidad para evolucionar y transformarse en vivo. Grateful Dead era conocido por sus improvisaciones extensas durante las presentaciones en directo, y esta canción no fue la excepción. Cada interpretación en vivo de "Scarlet Begonias" era única, con la banda explorando nuevos territorios musicales y llevando a los oyentes en un viaje improvisado e inolvidable.

Además de su impacto musical, "Scarlet Begonias" también se ha convertido en un símbolo de la cultura contracultural de la época. Sus letras llenas de referencias a la contracultura, la naturaleza y la espiritualidad resonaron con una generación de jóvenes que buscaban una alternativa al status quo establecido.

"Scarlet Begonias" de Grateful Dead es mucho más que una simple canción; es un testimonio de la creatividad y la innovación de una de las bandas más influyentes en la historia de la música popular. Su combinación única de letras evocativas, melodías cautivadoras y improvisaciones brillantes la convierte en una pieza atemporal que sigue inspirando y emocionando a oyentes de todas las generaciones.

Daniel 

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1192 - Robin Trower - Bridge of sighs

1192 - Robin Trower - Bridge of sighs

En el mundo del rock y el blues, hay ciertas canciones que trascienden el tiempo y el espacio, dejando una impresión indeleble en quienes las escuchan. Una de esas canciones es "Bridge of Sighs" de Robin Trower, una obra maestra que captura la esencia misma del talento y la pasión musical. En esta reseña, exploraremos a fondo la riqueza emocional y el virtuosismo técnico que hacen de esta canción un punto culminante en la carrera de Robin Trower.

Antes de sumergirnos en la música misma, es importante comprender el contexto en el que "Bridge of Sighs" fue creada. En la década de 1970, el mundo de la música estaba experimentando una revolución, y artistas como Robin Trower estaban en el centro de la acción. Con influencias que van desde el blues hasta el rock psicodélico, Robin Trower estaba perfectamente posicionado para dejar su huella en la escena musical.

El corazón de "Bridge of Sighs" reside en su composición y ejecución magistral. Desde el cautivador riff de guitarra que abre la canción hasta el épico solo que sirve como clímax, cada nota está impregnada de emoción y expresión. La voz suave y etérea de Trower complementa a la perfección la intensidad de la música, mientras que la letra enigmática añade una capa adicional de profundidad emocional.

A lo largo de los años, "Bridge of Sighs" ha dejado una marca indeleble en la cultura musical. Ha sido sampleada, versionada y elogiada por generaciones de músicos y aficionados por igual. Su influencia se extiende mucho más allá del mundo del rock y el blues, sirviendo como un recordatorio atemporal del poder transformador de la música.

En última instancia, "Bridge of Sighs" de Robin Trower es mucho más que una simple canción. Es una experiencia auditiva que trasciende el tiempo y el espacio, capturando la esencia misma del talento y la pasión musical. A medida que continúa cautivando a oyentes de todo el mundo, su legado perdurará, recordándonos a todos la magia que se encuentra en la intersección del arte y la emoción humana.

Gracias por acompañarnos en este viaje a través de la fascinante historia de "Bridge of Sighs" de Robin Trower. Esperamos que esta reseña haya iluminado un poco más la belleza y la profundidad de esta obra maestra musical. ¡Hasta la próxima!

Daniel 

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1189.- Bad Company - Bad Company

Bad Company, Bad Company

     En 1973, Paul Rodgers (vocalista y pianista) y Simon Kirke (batería) que acababan de dejar el grupo Free, se juntan con Mick Ralphs (guitarra) ex miembro de Mott the Hopple, y con Boz Burrel (bajo) ex miembro de King Crimson, y fundan el grupo llamado Bad Company, llamado así por la obsesión de Paul Rodgers por una película del genero western también llamada así. En 1974 debutan con el disco titulado como la formación Bad Company, publicado por la compañía propiedad de Led Zeppelin Swan Song. Nos encontramos con un disco rockero con marcadas influencias bluseras. 

Incluído en este álbum encontramos la canción que da título al mismo, Bad company, tema que comienza con Paul Rodgers al piano, y que va creciendo por momentos hasta acabar desplegando todo el potencial de la banda. Según casi todas la biografías de la banda, esta canción y el nombre del grupo provienen de Bad company, un western aclamado por la crítica y protagonizado por Jeff Bridges que fue estrenado en 1972. Según Paul Rodgers, decidieron usar una canción con el mismo nombre: "Creo que porque nunca se había hecho, hasta donde yo sabía. Pensé que era interesante salir como una banda nueva con su propio tema musical". Para conseguir el sonido de la pista y su atmósfera especial, Rodgers grabó su voz en el silencio de la noche en medio de un campo bajo la luz de la luna. "Nos llevó unas tres horas configurarlo todo... pero cuando llegó el momento, lo hicimos y lo hicimos en una sola toma". 

La canción comienza con un distintivo toque de piano a manos de Paul rodgers, que establece el oscuro y melancólico ambiente de la canción, creando una atmósfera envolvente que perdura a lo largo de todo el tema. Mientras, las letras narran la historia de un hombre que ha vivido un vida de delitos y violencia, buscando la redención y un nuevo comienzo. Con líneas como "I was born, six.gun in my hand" (Nací, pistola en mano), la canción evoca imágenes de un individuo atormentado por su pasado y decidido a cambiar su destino. La voz única y llena de matices de Paul Rodgers añade un extra de emoción y autenticidad a este excelso tema, capturando brillantemente la angustia y el anhelo del protagonista. El ritmo pausado y melódico de la canción crea un genial contraste con la intensidad lírica que transmite el cantante, y la guitarra de Ralphs y la sección rítmica de Kirke (batería) y Burrell (bajo) complementan perfectamente la voz de Rodgers, creando una experiencia sonora y auditiva conmovedora y fascinante.

1188.- Can't Get Enough - Bad Company

 

Can't Get Enough, Bad company

     Bad Company es el álbum debut de la banda de rock inglesa Bad company, compuesta por Paul Rodgers (voz), Mick Ralphs (guitarra), Boz Burrell (bajo) y Simon Kirke (batería). Fue grabado durante el mes de noviembre de 1973 en el Mobile Studio de Ronnie Lane, en Headley Grange, Inglaterra, bajo la producción del propio grupo, y publicado en mayo de 1974 bajo el sello discográfico Swan Song Records, propiedad de Led Zeppelin, en Estados Unidos, y de Island Records en el Reino Unido. 

Incluido en este álbum se encuentra la canción Can't Get Enough, donde se entremezclan un refinado sonido hard rock con un excelente toque blusero imprimido por la genial voz de Paul Rodgers. Esta canción fue el mayor éxito del grupo en las listas de ventas, alcanzando el puesto número 5 en la lista estadounidense Billboard Hot 100, y el número 1 en la lista de los 100 mejores sencillos de la revista Cashbox. Está acreditada al guitarrista Mike Ralphs, quien utilizó una afinación diferente de su guitarra para la grabación. Fue escrita cuando el guitarrista todavía estaba con el grupo Mott the Hopple, pero la banda no mostró interés en ella y la descartó. 

Can't Get Enough se ha convertido por derecho propio en una de esas canciones icónicas que perduran en el tiempo, cautivando a generaciones con su poderosa mezcla de rock y blues. Desde sus primeros acordes de guitarra hasta la voz distintiva de Paul rodgers, hacen que la canción se haya convertido en un himno atemporal que encapsula la esencia del rock. La letra de la canción gira en torno a un tema universal: El deseo ardiente y la obsesión por un amor inalcanzable. Con líneas como "I can't get enough of your love" (No puedo tener suficiente de tu amor), la canción transmite la intensidad de la pasión y el anhelo que consume al protagonista. La sección rítmica de la batería de Simon Kirke y el bajo de Boz Burrell, se fusionan perfectamente con las guitarras de Ralphs y la voz de Rodgers para regalarnos uno de los grandes momentos del rock.

1187 - Aquelarre - Silencio marginal

1187 - Aquelarre - Silencio marginal

"Silencio Marginal" es una joya musical que encapsula el talento y la profundidad artística de Aquelarre, una influyente banda argentina que emergió en la década de 1970. Formada por músicos virtuosos como Héctor Starc en la guitarra, Hugo González Neira en el bajo, y Rodolfo García en la batería, junto con la voz inconfundible de Carlos Cutaia, Aquelarre dejó una huella indeleble en la escena del rock argentino.

A lo largo de su carrera, Aquelarre se destacó por su habilidad para fusionar elementos de rock progresivo, blues y música folclórica argentina, creando un sonido distintivo que resonó con una amplia audiencia. "Silencio Marginal" es un ejemplo perfecto de esta fusión de estilos, con sus guitarras eléctricas hipnóticas, ritmos cautivadores y letras profundas que exploran temas universales como la soledad y la búsqueda de significado.

Aquelarre no solo fue una fuerza innovadora en el ámbito musical, sino que también desafiaron las convenciones sociales y culturales de su tiempo. En un momento de agitación política y social en Argentina, su música se convirtió en una voz para aquellos marginados y alienados por la sociedad. Canciones como "Silencio Marginal" sirvieron como un reflejo de las luchas y las esperanzas de toda una generación.

Además de su impacto en la escena local, Aquelarre también ganó reconocimiento internacional, llevando su música a audiencias de todo el mundo. Su legado perdura hasta el día de hoy, y canciones como "Silencio Marginal" continúan siendo celebradas como ejemplos sobresalientes del talento y la creatividad de esta icónica banda argentina.

"Silencio Marginal" no solo es una canción excepcional en términos musicales y líricos, sino que también es un testimonio del impacto perdurable de Aquelarre en la historia del rock argentino. Su habilidad para combinar diferentes influencias musicales con una profundidad emocional y social lo convierte en un hito en la música latinoamericana y en un recordatorio del poder transformador del arte.

Daniel
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1185.- Lovin' You - Minnie Riperton

 

Loving You, Minnie Riperton

     Minnie Riperton fue una cantante y compositora de soul estadounidense conocida por su rango vocal del cinco octavas, y más conocida aún por su exitoso sencillo Lovin' you, grabado en su segundo álbum de estudio, Perfect Angel. Este segundo trabajo de Minnie Riperton fue grabado entre 1973 y 1974 en los Record Plant Studios de Los Angeles bajo la producción de su marido Richard Rudolph y de Stevie Wonder, y publicado el 9 de agosto de 1974 por el sello discográfico Epic Records.

Tras un fallido primer álbum, titulado Come to My Garden (1970), Minnie se había convertido en ama de casa y madre de dos hijos en Florida. Pero un universitario que trabajaba para Epic Records la redescubrió, y después de escuchar una demostración suya de la canción "Lie In The World", se la hizo llegar a Grace Allen, quien era una alto cargo de Epic Records. Poco después Minnie firmaba con Epic y se mudaba con su familia a Los Angeles. El marido de Minnie, Richard Rudolph, dijo que poco después de que ella firmara con Epic, fue preguntada por quien quería que produjera el disco, ella pidió a Stevie Wonder, y se dio la casualidad de que Wonder era un gran admirador de su trabajo, pero puso una condición: el acababa de firmar con Motown Records y le preocupaba que no le dejaran trabajar en el proyecto, por lo que apareció en el álbum bajo el seudónimo "Black Bull" (Toro Negro).

Al final de la producción, había ocho canciones completas, pero Wonder quería una canción más para que el disco se acercara a los estándares de la industria con una duración de unos 40 minutos. Fue entonces cuando le pidió a ella y a su marido, quien era también compositor y solía componer con ella, que idearan una melodía que consideraran su "canción más vergonzosa". Minnie mencionó entonces una canción de cuna que le solía cantar a su hija Maya para que se durmiera por las noches, y así tener ratos de intimidad con su marido Rudolph. Así es como con la ayuda de su marido creó Lovin' you a partir de esa canción de cuna. La canción fue grabada rápidamente con Wonder en el piano eléctrico y sintetizadores, y Rudolph proporcionó el canto de los pájaros desde un carrete de efectos de sonido. Realmente la canción tuvo sus comienzos en 1971, cuando Rudolph comenzó a componer la canción mientras vivían en Chicago, y sería aquí en Los Angeles cuando le acabarían de dar forma, Minnie desarrollando la melodía final y Rudolph escribiendo la letra y el puente de la canción.

La ventas comenzaron bastante lentas y Epic había decidido pasar al siguiente proyecto, sin embargo algunas estaciones de radio estaban reproduciendo Lovin' You como un corte el álbum. Minnie y Rudolph al enterarse de esto pidieron a la discográfica que dieran una oportunidad a la canción como sencillo. Epic acertó y la canción llegó a conquistar el puesto número 1 en las listas de ventas Pop de Estados Unidos y el puesto número 3 en las de R&B. El disco, gracias a esta canción, llegó a conseguir la certificación de Disco de oro, el único en toda la carrera de la artista.

1178.- Tattler - Ry Cooder

 

Tattler, Ry Cooder

     Paradise and Lunch es el cuarto álbum de estudio del músico de raíces estadounidense Ry Cooder. Fue grabado en los Warner Brothers Studios de North Hollywood y los CA and The Burbank Studios de Burbank, Los Angeles, bajo la producción de Russ Titelman y Lenny Waronker, y publicado en junio de 1974 por el ello discográfico Reprise Records. Este trabajo contenía versiones de jazz, blues y estándares de música de raíces americana. El disco llegó a alcanzar el puesto 167 en la lista estadounidense Billboard 200.

Incluido en este álbum se encuentra Tattler, un arreglo de Ry Cooder junto con Russ Titelman del clásico You Can't Stop a Tattler. Este clásico es una canción de blues - gospel que fue escrita por Washington Phillips (1880-1954) y fue grabada por él en 1929 para el sello discográfico Columbia records. La canción original constaba de dos partes, destinadas a ocupar ambas caras de un vinilo de 10 pulgadas y 78 rpm. Sin embargo, permaneció inédito durante muchos años. Estamos ante una canción rara e inusual porque los versos están separados por un estribillo tarareado sin palabras. Este recurso, similar a la vocalización, ya lo había utilizado anteriormente Phillips en la canción I Had a Good Father and Mother (1929).

La canción llamó la atención por primera vez cuando Ry Cooder incluyó una versión de la parte 2, titulada Tattler, en el álbum Paradise and Lunch. La versión de Cooder es relajada y conmovedora, típica del estilo de blues y folk que lo caracteriza. La letra de la canción narra la historia de alguien que traiciona la confianza de un amigo al revelar secretos a su pareja, lo que provoca problemas en su relación. La música acompaña perfectamente con su relajado ritmo y una melodía que transmite la sensación de arrepentimiento, y la interpretación vocal de Cooder agrega profundidad emocional a la canción.

1176.- The Bottle - Gil Scott Heron

 

The Bottle, Gil Scott Heron

 

       Winter in America es un álbum que Gil Scott Heron grabó con la colaboración del teclista Brian Jackson. Fue grabado entre septiembre y octubre de 1973 en los D&B Sound Studios de Silver Spring, Maryland, Estados Unidos, bajo la producción de los dos músicos, y publicado en mayo de 1974 bajo el sello discográfico Strata-East Records. Scott Heron y Jackson produjeron el disco de forma sencilla, basándose en sonidos tradicionales africanos y R&B, mientras que los arreglos de piano de Jackson tenían sus raíces en el jaz y el blues..

El álbum fue el debut de los dos músicos para el sello discográfico Strata-East, sello independiente de jazz, tras su salida por una disputa con su antiguo sello discográfico. Tuvo una distribución bastante limitada en Estados Unidos, sin embargo Scott Heron, con la ayuda promocional de su único sencillo, The Bottle, consiguió tener un considerable éxito comercial, mayor incluso que su trabajo anterior con Jackson, llegando a ocupar el puesto número seis de la lista estadounidense Billboard Top Jazz Album. El sonido característico de este álbum tiene su raíces en el blues, el jazz y la música soul, incorporando también elementos de la música africana, como la percusión pesada y los cánticos. También incorporaron escenografías, introducciones de palabras habladas e interludios místicos que fueron influenciados por los estilos de free jazz de artistas contemporáneos como Pharoah Sanders y Abdullah Ibrahim. 

Winter in America aborda las experiencias y los desafíos que enfrentaron a la comunidad afroamericana y los residentes de la ciudad de Washington en la década de los años 70, como es el caso de su canción The Bottle, escrita por Scott Heron, toda una crítica social sobre el abuso del alcohol. La canción tiene un agradable ritmo caribeño y presenta un gran solo de flauta de Jackson. Scott Heron analizaba el poder destructivo de la adicción y como puede arruinar la vida de las personas, y se inspiró para escribirla al observar y hablar con alcohólicos en la puerta de una licorería llamada Log Cabin en el norte de Virginia, cerca de Wshington DC, donde todos los días hacían cola para cambiar sus botellas vacías por un descuento en su próxima compra. Fue lanzada como sencillo, y gracias a su contagioso ritmo pop/dance y su mensaje social se convirtió rápidamente en un éxito y en uncanción de culto.

1172.- The Needle and the Spoon - Lynyrd Skynyrd

 

The Needle and the Spoon, Lynyrd Skynyrd

     Second Helping es el segundo álbum de estudio de la banda estadounidense Lynyrd skynyrd. Fue grabado entre junio de 1973 y enero de 1974 entre los Studio One de Doraville, Georgia y los Record Plant Studios de Los Angeles, California, bajo la producción de Al Kooper y publicado eel 15 de abril de 1974 por el sello discográfico Sound of The South, subsidiario de MCA Records. Este disco consiguió situarse en el puesto número 12 en las listas de ventas estadounidenses Billboard, llegando a conseguir ese mismo año la certificación de Oro gracias a sus ventas.

Después del éxito de su disco debut, la fama y los seguidores de Lynyrd Skynyrd crecían rápidamente, ayudados en parte a la gira de acompañamiento como teloneros de la banda The Who que estaban realizando en Estados Unidos. Sin embargo, las sesiones de preparación de Second Helping fueron bastante difíciles, con constantes discusiones y trifulcas entre el grupo y el productor neoyorquino Al Kooper. El mismo Al Kooper reconocía al respecto que "Fue una pesadilla trabajar con ellos, pero supongo que a ellos les debió suceder lo mismo".

Incluido en este álbum se encuentra la canción The Needle and the Spoon, donde Ronni Van Zant advertía sobre los peligros de las drogas duras, de las que la banda era incapaz de tomar nota debido a su consumo. La canción fue escrita por el vocalista Ronnie Van Zant y el guitarrista Allen Collins y abordaba el tema de la adicción a las drogas y sus devastadoras consecuencias. El título de la canción hace referencia a la jeringa y la cuchara, herramientas comunes asociadas con el consumo de heroína, y a través de su letra Van Zant reflexiona sobre las trampas y los peligros del abuso de sustancias, así como las luchas personales y sociales que conlleva. Musicalmente la canción presenta el característico sonido de la banda, rock sureño fusionado con elementos de blues e incluso de hard rock. El solo el guitarrista Allen Collins y su uso del pedal wah-wah en esta canción fue incluido en el puesto número 19 por la revista Guitar world en su catálogo de los mejores solos de wah de todos los tiempos.

1168 - Invisible - Jugo de Lucuma

1169 - Invisible - Jugo de Lucuma

Invisible, la icónica banda argentina de rock progresivo, liderada por el genial Luis Alberto Spinetta, ha dejado una huella imborrable en la historia de la música latinoamericana. Su segundo álbum homónimo, lanzado en 1974, es una obra maestra que encapsula la audacia y la innovación que caracterizan a Invisible, y su pista destacada, "Jugo de Lucuma", es una joya sonora que sigue resonando con fuerza en la actualidad.

"Jugo de Lucuma" se inicia con una introducción enigmática, donde la guitarra de Spinetta establece una atmósfera melancólica que sirve como puerta de entrada a un viaje musical único. La habilidad del líder para fusionar distintos estilos, desde el rock progresivo hasta la música folklórica argentina, se evidencia en cada acorde y cada cambio de ritmo. La complejidad instrumental, acompañada por la voz distintiva de Spinetta, crea un paisaje sonoro rico y dinámico.

La canción se desarrolla como una narrativa surrealista, donde las letras poéticas desafían las convenciones y permiten diversas interpretaciones. La metáfora de "Jugo de Lucuma" se convierte en un hilo conductor que atraviesa la composición, añadiendo capas de significado a la experiencia auditiva. La lucuma, una fruta tropical, se convierte en un símbolo cargado de misterio y sensorialidad, dejando a los oyentes inmersos en un universo lírico intrigante.

La progresión dinámica de la canción es uno de sus elementos más notables. Desde momentos reflexivos y etéreos hasta explosiones de energía frenética, "Jugo de Lucuma" mantiene a los oyentes cautivados en un viaje emocional. Los solos de guitarra eclécticos y los cambios de tempo inesperados revelan la maestría técnica de los músicos de Invisible, elevando la pieza a un nivel de virtuosismo musical.

La influencia de Invisible va más allá de la composición convencional, desafiando los límites del rock progresivo. La fusión de elementos de jazz y folclore argentino dentro de la estructura de la canción demuestra la versatilidad y la originalidad del grupo. "Jugo de Lucuma" se convierte así en un testimonio perdurable de la creatividad vanguardista que define la obra de Invisible.

"Jugo de Lucuma" es una obra maestra que encapsula la esencia innovadora de Invisible. La combinación de letras poéticas, paisajes sonoros cambiantes y la maestría musical de la banda establece esta canción como un hito en la evolución del rock progresivo latinoamericano. La obra de Invisible, y especialmente "Jugo de Lucuma", sigue siendo una fuente de inspiración y admiración para los amantes de la música que buscan experiencias sonoras que desafíen y enriquezcan sus sentidos.

Daniel 

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1167.- Don't Eat the Yellow Snow - Frank Zappa

 

Don't Eat the Yellow Snow, Frank Zappa

     Apostrophe es el sexto álbum en solitario y el decimoctavo en total del polifacético músico Frank Zappa. El material del disco fue grabado entre 1969 y 1974 entre los Electric Lady Studios de Nueva York, Bolic Sound de Inglewood, California y los Paramount Recording Studios de Hollywood, California. Fue producido por el mismo Frank Zappa y publicado el 22 de marzo de 1974 por el sello discográfico DiscReet Records. Apostrophe fue grabado tanto en formato estéreo como cuadrafónico. Este trabajo llegó a alcanzar el puesto número 10 en la lista estadounidense Billboard 200, convirtiéndose en el mayor éxito comercial de la carrera de Zappa. Como pasó en muchos álbumes de Zappa, Apostrophe fue una mezcla de grabciones recientes con otras de archivo; La cara A de Apostrophe y el álbum Over-Nite Sensation se grabaron simultáneamente. Las canciones de la cara B proceden de varias versiones de 1972 con sobregrabaciones grabadas en 1973 y 1974, excepto Excentrifugal Forz, donde la pista de batería provino originalmente de las sesions de Hot Rats (1969), y Stinkfoot, donde la pista original de donde surgió, The Bass & Drum Song, data de las sesiones de Chunga's Revenge (1970).

Incluido en este disco se encuentra la canción que abre el mismo, Don't Eat the Yellow Snow, que llegó a ocupar el puesto 86 en las lista estadounidense Billboard Top 100. En esta canción Zappa nos relata una historia sobre el sueño de ser un bebe esquimal. Esta canción es el comienzo de una historia que continúa con las canciones que siguen, Nanook Rubs It y St. Alphonzo's Pancake Breakfast. Las tres canciones se combinan para contarnos la historia completa del anhelo de Zappa. Zappa se llama a sí mismo Nanook, nombre que proviene de una leyenda del pueblo Inuit. La leyenda es todo un homenaje a la supervivencia humana y en concreto al pueblo Inuit, reflejado en el personaje de Nanook, un simple esquimal que luchaba por sobrevivir y ganarse la vida. Zappa menciona en la historia haber tomado represalias contra un cazador de pieles en venganza por el abuso que éste había hecho contra una cría de foca. Las crías de foca fueron la causa de movimientos de celebridades a mediados de la década de 1970, junto con la difícil situación de las ballenas y la matanza de animales en general por su cotizada piel, lo que convierte esta la canción en otra brillante sátira social de Zappa.

1166 - ABBA - Waterloo

1167 - ABBA - Waterloo

"Waterloo" de ABBA es un clásico atemporal que marcó un punto de inflexión crucial en la carrera del grupo sueco. Lanzada en 1974, la canción se convirtió en la ganadora del Festival de la Canción de Eurovisión, catapultando a ABBA a la fama internacional.

La composición de "Waterloo" refleja la brillantez musical de Benny Andersson y Björn Ulvaeus, los genios detrás de las pegajosas melodías de ABBA. Con una introducción de piano distintiva y acordes vibrantes, la canción cautiva desde los primeros segundos. La elección de mezclar elementos de pop, rock y música disco demostró ser revolucionaria en esa época, contribuyendo a la singularidad y la apelación duradera de la pista.

La letra de "Waterloo" narra la historia de una rendición total al amor, utilizando la famosa batalla de Waterloo como metáfora. Las referencias históricas fusionadas con el romanticismo añaden profundidad a la canción, creando una experiencia lírica única. La voz inconfundible de Agnetha Fältskog y Anni-Frid Lyngstad, combinada con la armonía vocal característica de ABBA, eleva aún más la calidad de la interpretación.

El aspecto eurovisivo de "Waterloo" no puede pasarse por alto. La canción fue elegida para representar a Suecia en el Festival de Eurovisión de 1974, donde obtuvo una victoria abrumadora. Este triunfo no solo consolidó la reputación de ABBA en la escena musical europea, sino que también allanó el camino para su éxito mundial posterior.

El impacto de "Waterloo" en la cultura popular es innegable. Su estribillo pegajoso y su energía contagiosa la convirtieron en un himno que trasciende generaciones. Además, la victoria en Eurovisión consolidó la posición de ABBA como un fenómeno global, abriendo puertas a una carrera que abarcaría décadas.

El legado de "Waterloo" se mantiene vivo no solo en la música, sino también en el cine y la televisión. La canción ha sido utilizada en innumerables películas, programas y comerciales, demostrando su capacidad para evocar emociones y crear atmósferas memorables.

La producción innovadora de "Waterloo" también merece reconocimiento. La mezcla de instrumentos, la estructura de la canción y la producción en general destacan la habilidad de ABBA para crear algo fresco y distintivo en un panorama musical saturado.

En resumen, "Waterloo" de ABBA no es simplemente una canción de Eurovisión; es un fenómeno cultural que encapsula la magia de la música pop. Su combinación única de elementos musicales, letras ingeniosas y un rendimiento estelar en Eurovisión han dejado una huella imborrable en la historia de la música, asegurando su lugar como un clásico eterno.

Daniel 

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1162.- They Say I'm Different - Betty Davis

 

They Say I'm Different, Betty Davis

     Betty Davis, con apellido Marby de soltera, nace el 26 de julio de 1945 (aunque ella afirma que nació en 1944) en Durham, Carolina del Norte (Estados Unidos). Es en la granja de su abuela, en Reidsville, Carolina del Norte, donde empieza a escuchar a grandes músicos de blues como BB King, Jimmy Reed y Elmore James entre otros, lo que hace que se interese muy pronto por la música. A los 12 años de edad ya compone su primera canción, I'm Going to Bake That Cake of Love. Es a esa edad cuando se muda con su familia  Pittsburgh. Betty se marcha con 16 años de Pittsburgh y pone rumbo a Nueva York para vivir con su tía. Es en la ciudad neoyorkina donde se inscribe en el Fashion Institute of Technology, que es la parte de la Universidad Estatal de Nueva York que está enfocada en el arte, los negocios, el diseño y todo lo relacionado con la moda. Mientras cursa sus estudios, durante la década de los 60 se empapa de la cultura y la música folclórica de Greenwich Village. Betty trabaja como modelo, llegando a aparecer en revistas como Seventeen, Ebony y Glamour, y también frecuenta uno de los clubs de moda de la ciudad, The Cellar, un club frecuentado por una multitud artística y multirracial de modelos, estudiantes de diseño, actores y cantantes. En el Cellar solía pinchar discos y charlar con la gente. En su etapa en Nueva York conoce a varios músicos, haciendo gran amistad con Sly Stone y Jimi Hendrix. La influencia de la música de estos dos plantarán la semilla del estilo y la carrera musical de Betty. También hace amistad con el cantante y compositor de soul Lou Courtney, que será quien produzca su primer sencillo en 1963, The Cellar, inspirado en el local donde trabaja.

Mientras trabaja como modelo conoce al músico de jazz Miles Davis, quien es 19 años mayor que ella. Miles Davis se estaba separando en ese momento de su primera esposa, la bailarina Frances Davis, y estaba saliendo con la actriz Cicely Tyson. Bety y Miles comienzan a salir a comienzos de 1968 y en septiembre de ese mismo año contraen matrimonio. En sólo un año, lo que dura su matrimonio, Betty influirá Miles tanto en cuestiones de moda como en tendencias de la música popular de la época, algo que el mismo músico reconocerá posteriormente en su autobiografía. Según Miles, Betty le ayudó a plantar las semillas de sus futuras exploraciones musicales al presentarle al innovador del funk Sly Stone y a un psicodélico guitarrista llamado Jimi Hendrix. El matrimonio dura un año, Miles definía a Betty como "demasiado joven y salvaje", y la acusó de tener una aventura con Jimi Hendrix. Betty siempre lo negó y lo consideró una gran falta de respeto hacia ella y hacia su amigo Hendrix. La influencia de Betty en Miles fue un hecho, pues Miles se mantuvo en contacto con Hendrix, y los dos planeaban grabar algo juntos, pero la muerte de Hendrix lo impidió. Y la influencia de Sly Stone en Miles se puede ver reflejada en el álbum de Miles, Bitches Brew (1970), que marcaría el comienzo de la era del jazz fusión. Su primer gran logro de Betty lo consigue al escribir para los Chambers Brothers la canción Uptown (to Harlem) en 1967, y en 1968 comienza a colaborar con el trompetista, cantante y compositor sudafricano Hugh Masekela, con quien graba varias canciones para Columbia Records. Posteriormente Betty graba varias demos con Miles Davis y Teo Macero como productores, y son utilizadas por Miles Davis para intentar conseguir un contrato discográfico con Columbia Records y con Atlantic Records para Betty, pero ninguna de las dos discográficas muestra interés.

Finalizado su matrimonio con Miles Davis, Betty se muda a Londres, alrededor de 1971, para trabajar como modelo, y también se dedica a escribir música. Un año después aproximadamente, regresa a Estados Unidos para grabar con Santana, pero al final graba sus propias canciones con un grupo e músicos de sesión de la Costa Oeste. Así, Betty graba su primer disco, donde todas las canciones son escritas y arregladas por ella, llamado Betty Davis en 1973, bajo el sello discográfico Just Sunshine. Con la misma fórmula y bajo el mismo sello discográfico graba y publica su segundo álbum de estudio en 1974, They Say I'm Different. dicho álbum es grabado en los Record Plant Studios bajo la producción de la propia artista, y publicado por el sello discográfico Just Sunshine Records. Estamos ante un álbum con melodías grandes y explosivas, con ritmos funk y con Davis mostrando todo su potencial musical sin tapujos.

La canicón que da título al disco, They Say I'm Different, es una potente y extravagante canción donde Betty Davis recuerda su infancia y se compara a sí misma con espíritus afines del pasado, una sucesión de leyendas del blues a las que tiene gran aprecio, y de las que se ha nutrido e influenciado: Bessie Smith, Chuck Berry, John Lee Hooker, Jimmy Reed, Big Mama Thornton, Son House o Robert Johnson. La canción es un fiel reflejo de la audacia y la independencia de Betty Davis, desafiando las convenciones sociales y de género de la época. Su estilo único y su energía cruda y explosiva, que aplicó en canciones como esta, influyeron en muchos músicos posteriores, convirtiéndola en una figura de culto en la historia de la música.

1159.- Working Man - Rush

 

Working Man, Rush

     Rush es el álbum debut de la banda de rock canadiense del mismo nombre. El disco fue grabado en noviembre de 1973 en los Eastern Sound y Toronto Sound Studios de Toronto, bajo la producción de la banda, y publicado el 18 de marzo de 1974 por el sello discográfico Moon Records, el propio sello del grupo, antes de que Mercury Records lo lanzara internacionalmente ese mismo año. Este álbum fue grabado cinco años después de la formación de la banda, y muestra gran parte del sonido hard rock de las bandas populares que surgieron a principios de la década. Un sonido que cambiarían en álbumes posteriores virando hacia el rock progresivo que tan famosa ha hecho a la banda. Rush eran grandes admiradores de Led Zeppelin, Yes o Cream entre otros grupos, y estas influencias se notan en este disco.

El baterista del grupo John Rutsey interpretó todas las partes de batería del disco, pero no pudo realizar giras prolongadas debido a sus problemas con la diabetes, por lo que se retiró de la banda después del lanzamiento de este álbum. Rutsey había trabajado en las letras del disco, pero nunca se las envió a los demás miembros de la banda, el bajista y vocalista Geddy Lee y el guitarrista Alex Lifeson, quienes se encargaron de componer las letras del álbum. John Rutsey sería sustituido por Neil Peart, quien a partir de ese momento se convertiría en el baterista y letrista principal del grupo en todos los discos posteriores de la agrupación.

Incluido en este álbum se encuentra Working Man, canción que según Geddy Lee es su favorita para interpretar en vivo. La canción se ha convertido en una de las favoritas entre los fans de la banda, y el solo de guitarra de Alex Lifeson ha llegado  aparecer en la lista de los 100 mejores solos de guitarra de la revista Guitar World. La letra de la canción nos relata la historia del típico trabajador que mantiene su rutina de ira trabajar para luego volver a casa, y así día tras día. Tiene mayores ambiciones, pero lo que no parece tener es voluntad para actuar en consecuencia y dar un giro a su situacón.

La canción adquirió notoriedad gracias a una DJ llamada Donna Halper, quien trabajaba para la emisora WMMS en Cleveland, Ohio (Estados Unidos). La canción le encantaba y la empezó a pinchar en las ondas, lo que ayudó, y mucho, al despegue de la banda. Era muy extraño que alguien se decidiera a poner en las ondas una canción de más de 7 minutos pues no se ajustaba, aparentemente, a los criterios de de las ondas, Pero para Donna Halper era perfecta por tres razones, la primera porque Cleveland era una ciudad de clase obrera y la letra se identificaba perfectamente con su audiencia y la ciudad; la segunda porque WMMS era una emisora de rock orientada a álbumes, por lo que buscaban canciones que otras emisoras no reprodujeran; y la tercera porque con sus más de 7 minutos era ideal para que a la DJ le diera el tiempo suficiente para ir al baño o a fumar. Inmediatamente después de ponerla en las ondas la emisora recibió muchas llamadas de personas que preguntaban cuándo saldría el nuevo álbum de Led Zeppelin, sorprendiéndose posteriormente porque no fueran ellos y porque el vocalista no fuera Robert Plant. Gracias a la difusión por parte de WMMS el disco llamó la atención del sello discográfico Mercury Records que decidió relanzarlo fuera de Canadá, convirtiendo a Rush en una de las bandas más populares en Estados Unidos y Canadá.