Mostrando entradas con la etiqueta Hard Rock.. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Hard Rock.. Mostrar todas las entradas

miércoles, 24 de julio de 2024

1301.- Love Hurts - Nazareth


Los escoceses Nazareth dominaron las emisoras de radio a finales de los años 70 con el mordaz himno del rock "Hair of the Dog" y la perdurable balada proto-power "Love Hurts". La banda, que surgió en 1971, alcanzó el éxito comercial en 1975 con el lanzamiento de su quinto álbum, Hair of the Dog . A pesar de los numerosos cambios de formación, el grupo siguió siendo prolífico y popular en Europa durante los años 80 y 90, y continuó realizando giras y grabaciones hasta la década de 2000, con el bajista y cofundador Pete Agnew como único miembro constante. Formada en Dunfermline en 1968, la formación inicial de Nazareth incluía al vocalista Dan McCafferty , al guitarrista Manny Charlton , al bajista Pete Agnew y al baterista Darrell Sweet . La banda se había mudado a Londres en 1970 y lanzó su álbum debut homónimo en 1971. Tanto Nazareth como Exercises de 1972 recibieron una atención favorable por parte de los hard rockeros británicos, pero fue Razamanaz de 1973 el que los llevó al Top Ten del Reino Unido (tanto "Broken Down Angel" como "Bad Bad Boy" fueron sencillos de éxito). Loud 'n' Proud y Rampant (ambos de 1974) siguieron la misma fórmula, aunque tuvieron un éxito ligeramente menor. Publicado en el año siguiente, 1975, Hair of the Dog estableció a Nazareth como una banda de hard rock popular a nivel internacional.

“Love Hurts” es la canción más conocida de la banda Nazareth. Pero, ¿sabías que en realidad es una versión? Lo primero es aclarar que esta es la versión más famosa de la canción y la primera vez que fue un sencillo de éxito en los EE. UU. La canción fue escrita por Boudleaux Bryant y grabada por los Everly Brothers en 1960, sin embargo, no llegó a las listas de éxitos y no fue un éxito hasta que Nazareth hizo una versión en 1975 y la incluyó en su álbum 'Hair of the Dog'. Alcanzó el puesto número 8 en los EE. UU. y se convirtió en disco de oro. No les fue nada mal. La canción trata de un hombre que descubre que el amor joven es muy ardiente, pero que se apaga igual de ardiente y rápido, cuando la llama se apaga, quema, duele y es doloroso. Él le está diciendo a aquellos que están tan enamorados y todo lo que hacen es hablar de ello que al final el amor se desvanece y te quemarás. Es una canción realmente triste cuando lo piensas. Se mantuvieron bastante fieles a la canción original, solo cambiaron una línea "el amor es como una estufa / te quema cuando está caliente" y la cambiaron por "el amor es como una llama / te quema cuando está caliente". Tengo que admitir que la llama es mucho mejor que la estufa, La canción se interpreta como una balada potente con un ritmo lento y musicalmente tiene un tono solemne que coincide con el contenido lírico. El cantante, Dan McCafferty, canta con mucho corazón, emoción y tristeza, ese tono agudo y áspero te muerde y te duele el corazón. Es bastante hermoso. Nazareth hizo suya esta canción y siempre que alguien la menciona, esta es la primera en la que pienso.


martes, 9 de julio de 2024

1286 - Bad Company - Feel like makin love

1286 - Bad Company - Feel like makin lo ve 

"Feel Like Makin' Love" es una de las canciones más icónicas de la banda británica de rock Bad Company, lanzada en su álbum de 1975, "Straight Shooter". Este tema es un claro ejemplo del estilo clásico del rock de los años 70, con su mezcla característica de riffs de guitarra potentes y letras románticas. La canción, escrita por Paul Rodgers y Mick Ralphs, ha dejado una marca perdurable en la historia del rock, gracias a su melodía pegajosa y su emotiva interpretación vocal.

Desde el inicio, "Feel Like Makin' Love" capta la atención del oyente con su distintivo riff de guitarra acústica, que establece un tono íntimo y relajado. Esta introducción suave es rápidamente seguida por la poderosa voz de Paul Rodgers, cuya interpretación vocal es uno de los elementos más destacados de la canción. La habilidad de Rodgers para transmitir emociones a través de su voz es evidente, ya que su interpretación oscila entre la suavidad y la intensidad, reflejando perfectamente las fluctuaciones emocionales de la letra.

La estructura de la canción es relativamente sencilla pero efectiva, alternando entre versos suaves y coros más enérgicos. Los versos están dominados por la guitarra acústica y la voz de Rodgers, creando una sensación de intimidad y cercanía. En contraste, los coros introducen guitarras eléctricas distorsionadas y un ritmo más contundente, dando a la canción un impulso energético que resuena con el tema de la pasión romántica.

Las letras de "Feel Like Makin' Love" son directas y sinceras, explorando el deseo y la conexión emocional en una relación. La repetición del estribillo "Feel like makin' love to you" es simple pero efectiva, capturando el anhelo y la intensidad del sentimiento que la canción pretende transmitir. Esta simplicidad lírica, combinada con la entrega apasionada de Rodgers, crea un impacto emocional que es difícil de ignorar.

La producción de la canción, a cargo de Bad Company junto a Ron Nevison, es otro aspecto que merece mención. La mezcla equilibrada entre los elementos acústicos y eléctricos, junto con la claridad de cada instrumento, permite que cada parte de la canción brille. Los solos de guitarra de Mick Ralphs son particularmente notables, añadiendo un nivel de virtuosismo que complementa perfectamente la voz de Rodgers.

"Feel Like Makin' Love" ha perdurado a lo largo de los años no solo por su calidad musical, sino también por su capacidad para evocar emociones genuinas. Es una canción que captura la esencia del rock clásico, con su combinación de letras emotivas, interpretación vocal apasionada y guitarras electrizantes. Bad Company logró con este tema una conexión duradera con su audiencia, convirtiéndola en una de las baladas de rock más queridas de todos los tiempos.

"Feel Like Makin' Love" es una joya del rock de los años 70 que destaca por su emotividad y su energía. La maestría de Bad Company en la composición y la ejecución de la canción la ha asegurado un lugar especial en el corazón de los amantes del rock, consolidando su legado como una de las bandas más influyentes de su época.

Daniel 
Instagram storyboy 

lunes, 8 de julio de 2024

1285.- Shooting Star- Bad Company

 

Shooting Star, Bad Company


     El 28 de marzo de 1975 Paul Rodgers (vocalista, pianista), Mick Ralphs (guitarra, teclados), Boz Burrel (Bajo) y Simon Kirke (batería) publican Shooting Star, el segundo álbum de estudio de la banda inglesa Bad Company. Fue grabado durante el mes de septiembre de 1974 en el Castillo de Clearwell, en Gloucestershire, Inglaterra, bajo la producción de la propia banda, y publicado por el sello discográfico Island Records para Reino Unido y por el sellos discográfico Swang Song Records para Estados Unidos. El álbum llegó a alcanzar el puesto número 3 tanto en las listas de ventas de Reino Unido como en las listas Billboard de Estados Unidos.

Incluido en este álbum se encuentra Shooting Star. Esta canción, escrita por Paul Rodgers, no fue lanzada como sencillo, pero se convirtió en una de las grandes canciones y en una pieza esencial en la obra del grupo. La letra de la canción se inspiró en las muertes relacionadas con el alcohol y las drogas de músicos como Jimi Hendrix o Janis Joplin entre otros. La letra de cuenta la historia de un niño llamado Johnny, que se convirtió en una estrella de rock pero murió después de una sobredosis de whisky y pastillas para dormir. Paul Rodgers y la banda son capaces de trsansmitir en la parte inicial de la canción un aire de nostalgia y esperanza. Las frases iniciales “Johnny was a schoolboy / When he heard his first Beatles song” (Johnny era un colegial / Cuando escuchó su primera canción de los Beatlesevocan la chispa inicial que enciende su pasión. Desde ese momento Johnny sabe que la música es su destino. La guitarra y la voz de Rodgers transmiten un sentido de urgencia y anhelo, reflejando la impaciencia juvenil de Johnny por alcanzar sus sueños. Con determinación inquebrantable, Johnny toma su guitarra y comienza su viaje. Las escenas de la canción pasan rápidamente, llevándonos desde los primeros días de práctica y pequeños conciertos locales hasta el momento en que Johnny y su banda firman un contrato discográfico. Aquí, el ritmo de la canción se vuelve más enérgico, reflejando el torbellino de éxito que rodea a JohnnyPero la historia de Johnny no es solo de éxito. Como tantas historias de ascenso meteórico en el mundo del rock, la caída es inevitable. La letra de la canción comienza a insinuar problemas: la presión de la fama, la soledad del estrellato y la tentación de las drogas y el alcohol. Johnny, el joven soñador que quería compartir su música con el mundo, empieza a perderse en el caos de la fama. La música cambia de tono en la parte final, los acordes se vuelven más sombríos y la voz de Rodgers más grave. La línea “Johnny died one night, died in his bed” (Johnny murió una noche, murió en su camagolpea con fuerza, señalando el trágico final del protagonista. La estrella fugaz, que brillaba tan intensamente, se ha apagado, y la canción nos deja con una sensación de pérdida y reflexión.

Shooting Star es todo un alegato sobre la naturaleza efímera de la fama y el precio que a menudo exige. La historia de Johnny es un espejo de las vidas de muchos músicos reales que han recorrido caminos similares, desde Jimi Hendrix hasta Janis Joplin, cuyas vidas fueron truncadas en el apogeo de su éxito. Rodgers afirmaba sobre esta canción: "En esa época en particular, estaban Jimi Hendrix, Janis Joplin... un catálogo de personas que no lo lograron, que sufrieron una sobredosis en sus camas... ese fue el germen de esta canción. Es una historia y es casi una advertencia".

sábado, 6 de julio de 2024

1283.- Rock and Roll All Nite - Kiss



"Rock and Roll All Nite" es la canción que cierra el disco "Dressed to Kill" (1975) de la popular banda de hard rock estadounidense Kiss. Desde su inclusión en el álbum y su publicación como sencillo de lanzamiento, se convirtió al instante en una de las canciones más icónicas del grupo formado por Paul Stanley (voz y guitarra rítmica), Gene Simmons (bajo), Ace Frehley (guitarra solista) y Peter Criss (batería).

Poco más de tres minutos de duración es lo que necesitaron los chicos de Kiss para facturar uno de los grandes himnos de heavy rock de todos los tiempos. La banda no es ajena a la relevancia de este tema sobre el resto de su ya amplia y variada discografía, y lo demuestra el hecho de que "Rock and Roll All Nite" sigue siendo la canción con la que normalmente cierran sus conciertos desde 1975.

"Rock and Roll All Nite" salvó los muebles del disco "Dressed to Kill" y de la discográfica Casablanca, al ser el único de los dos singles del álbum que logró repercusión en las listas de ventas y en las emisoras de radio estadounidenses, todo un mérito para una canción y un disco grabados en unas paupérrimas condiciones económicas, que provocaron que la producción del disco fuera firmada por el grupo y por Neil Bogart, presidente del sello discográfico, ante la imposibilidad de recurrir a productores profesionales.

jueves, 4 de julio de 2024

1281.- C'mon and Love Me - Kiss

C'mon and Love Me, Kiss


Dressed to Kill es el tercer álbum de estudio de la banda estadounidense Kiss. Fue grabado en febrero de 1975 en los Electric Lady Studios de Nueva York bajo la producción del propio grupo y de Neil Bogart, presidente de Casablanca Records, y publicado el 19 de marzo de 1975 por dicha compañía discográfica. El hecho de que el álbum fuera producido por la propia banda y por Neil Bogart fue porque, debido a la situación financiera de la compañía, Casablanca Records, no podían permitirse la contratación de un productor profesional.

Debido a la corta duración del álbum, las versiones originales del vinilo tenían largas pausas entre cada pista para hacer las caras más largas de lo que eran realmente. Cada cara duraba únicamente unos 15 minutos. La portada del álbum presentaba a los miembros en traje de negocios, pero el único que realmente tenía uno era el baterista Peter Criss. Los trajes usados por el resto de la banda eran propiedad del mánager Bill Aucoin. El álbum llegó a alcanzar el puesto 32 en la lista estadounidense Billboard 200, consiguiedo la certificación de disco de Oro en febrero de 1977. Fueron lanzados dos singles, Rock and Roll All Nite, y C'mon and Love, pero no consiguieron asentarse en las listas de ventas.

Nos vamos a centrar en uno de los dos temas mencionados anteriormente, C'mon and Love, que fue escrito en apenas una hora por Paul Stanley inspirándose e la canción "Question" del grupo The Moody Blues. La letra de la canción es una divertida narración que retrata a un "Don Juan" que adopta la singular táctica de ofrecerse a una romántica mujer. Esta divertida canción es un gran ejemplo de la combinación de rock y pop que utilizaba el grupo junto con unas letras sexualmente sugerentes.

La canción se convirtió en una de las favoritas de los fans y es habitual que sea tocada en sus directos. Paul Stanley afirmaba sobre la canción:  "Me encanta 'C'mon and Love Me'. Estaba hablando con alguien sobre cómo ser un mejor compositor, pero también puedes perder la esencia y la pureza de lo que te hizo al principio porque lo que hiciste desde el principio se basó en la libre asociación, simplemente purgándote y vendrían cosas geniales. 'C'mon 'N Love Me' fue escrito así. Fue muy autobiográfico y en gran medida un punto de vista del estilo de vida que estaba viviendo, pero no fue un estudio calculado. Realmente me gustó, todavía me gusta, el verso, el estribillo, todo. Esa es la primera vez que tocaba la guitarra solista en una canción de Kiss, ¡ese soy yo quien toca el papel principal al principio!".

lunes, 1 de julio de 2024

1278.- Only Women Bleed - Alice Cooper

 

El plato fuerte del álbum de debut en solitario de Alice Cooper "Welcome to My Nightmare" (1975), además del teatral rock de la canción que le daba título, fue sin duda la balada "Only Women Bleed", una canción que el guitarrista Dick Wagner había compuesto originalmente para su banda The Frost, pero que tras cambiarle el nombre y adaptar los textos originales al concepto del disco, acabó siendo el single de lanzamiento de "Welcome to my nightmare", el gran esfuerzo creativo de Alice Cooper por mostrarse al mundo desde el otro lado del espectro del terror, reflejando los miedos y sentimientos de los que sufren las pesadillas en lugar de los monstruos que las causan.

En "Welcome to my nightmare" el antaño depravado y necrófago sacrificador de pollos y serpientes se transforma en un alter ego infantil que vive aterrorizado por una extraña incapacidad para separar la realidad de las espeluznantes pesadillas que le abordan cada noche. Una de esas pesadillas recurrentes se refleja en la letra de "Only Women Bleed", criticada en su momento por frases consideradas machistas, obviando que lo que se estaba retratando en la canción era precisamente una pesadilla.

"Only Women Bleed" es en realidad una defensa de la mujer absolutamente pionera para los tiempos en los que fue creada, y la triste historia de una mujer que sufre y llora, atrapada en una relación violenta y abusiva, vista a través de los ojos del niño protagonista, se convirtió en la más icónica y a la vez polémica de las canciones de "Welcome to my nightmare". Como curiosidad, es la canción que Guns and Roses interpreta en todos sus conciertos como breve introducción a su mítica versión eléctrica y coral del "Knockin' on heaven's door" de Bob Dylan.

domingo, 30 de junio de 2024

1277.- Welcome to my Nightmare - Alice Cooper


No sabemos si la separación de The Alice Cooper Band en 1974 fue una pesadilla para el propio Alice Cooper, pero parece claro que el otrora líder de la banda tenía mucho material onírico con el que jugar, porque su álbum de debut en solitario "Welcome to My Nightmare" ("Bienvenido a mi pesadilla"), publicado en 1975, fue toda una obra conceptual en torno a las diferentes pesadillas de un niño llamado Steven, que además vino acompañado de un programa de TV ("Alice Cooper: The Nightmare TV Special"), un tour a escala mundial y una película sobre la gira ("Welcome to My Nightmare concert film").

Alice Cooper quiso que la música de "Welcome to My Nightmare" tuviera, además de las habituales dosis de rock y hard rock, un mayor nivel de teatralidad que los discos de corte glam rock que había facturado con The Alice Cooper Band, y eso queda especialmente reflejado en la canción titular, un clásico del sonido Cooper al que le añade el toque teatralizado que tan bien caracterizará al álbum, en un gran esfuerzo creativo por hacer un disco diferente al tipo de música que le había hecho grande con The Alice Cooper Band.

El tiempo ha posicionado "Welcome to My Nightmare" como uno de sus mejores temas en solitario, y la espectacular gira promocional del disco es de las más recordadas de su carrera, aunque tuvo que superar momentos difíciles en los que la pesadilla a punto estuvo de volverse en su contra. A su paso por Australia, el ministro de Inmigración y Trabajo dijo que "No iba a permitir que un degenerado que pudiera influir poderosamente en los jóvenes y débiles mentales entrara en el país y montara ese tipo de exhibición". La respuesta de Alice Cooper, defendiendo la valía y la importancia de esta obra musical, visual y conceptual, fue simplemente brillante: "Nunca he hecho nada tan sangriento como El rey Lear o Macbeth, y eso se considera lectura obligatoria en todas las escuelas secundarias de Estados Unidos".


jueves, 20 de junio de 2024

1267.- Custard Pie - Led Zeppelin


El sexto álbum de estudio de Led Zeppelin fue "Physical Graffiti", las sesiones de grabación comenzaron inicialmente en Headley Grange en Hampshire, Inglaterra, en noviembre de 1973, estas sesiones fueron abortadas cuando John Paul Jones expresó su deseo de dejar la banda y convertirse en director del coro de la catedral de Winchester. Catedral. Sin embargo, el tiempo de la sesión no fue en vano, ya que sus nuevos compañeros de sello, Bad Company, utilizaron las instalaciones para grabar su exitoso álbum debut. Con Jones de nuevo a bordo y comprometido a quedarse, la banda se volvió a reunir a principios de 1974 y comenzó a trabajar en serio en el nuevo álbum. Inicialmente no había intención de hacer de “Physical Graffiti” un álbum doble, pero las ocho nuevas canciones que se escribieron y grabaron eran demasiado largas para el lanzamiento de un solo álbum. Incapaz de decidir qué pistas omitir y reacia a editar, la banda optó por utilizar material previamente grabado pero inédito para extender el álbum a la duración de un doble. Los 'ocho graffiti' originales eran 'Custard Pie', 'In My Time of Dying', 'Trampled Underfoot', 'Kashmir', 'In The Light', 'Ten Years Gone', 'The Wanton Song' y 'Sick Again'. '. 'Bron-Y-Aur' fue un sobrante de III. 'Down By the Seaside', 'Night Flight' y 'Boogie With Stu' se grabaron en las sesiones del cuarto álbum, mientras que 'The Rover', 'Black Country Woman' y, más obviamente, 'Houses of the Holy' se grabaron en el Sesiones 'Casas de los Santos'. Physical Graffiti es una culminación gloriosa de todos los diferentes estilos musicales que Led Zeppelin había explorado en sus salidas anteriores, su debut con infusión de blues y hard rock, el riff cargado en el segundo, las inclinaciones folk rock de su tercer álbum, la combinación magistral de luces y sombras en el cuarto y el enfoque de múltiples capas en 'Houses of the Holy', todo esto está presente en Physical Graffiti pero es más suave, más divertido, más dinámico y más poderoso que cualquier cosa que hayan hecho antes. Pero este álbum no es simplemente una amalgama de esfuerzos anteriores. Tiene un carácter propio. Es audaz y dinámico y al mismo tiempo logra permanecer cálido y atractivo, y es denso y complejo al mismo tiempo que conserva un brillo de accesibilidad.



El álbum comienza con el atronador 'Custard Pie', un clásico y duro comienzo de album que está lleno de más insinuaciones sexuales que un doble acto de David Coverdale/Frankie Howerd. Parece que habla de una especie de adicto y una persona que se entrega a esas actividades durante mucho tiempo, el tono de la canción no parece sugerir nada más oscuro a lo que se dice, pero es muy posible que tenga un problema con esa persona, es casi como si lo necesitara para vivir. El solo de wah-wah de Pages, que se tocó a través de un sintetizador ARP, es tan bueno como cualquier solo pesado que haya tocado y Jones usa un clavinet eléctrico, se necesita una canción tremendamente funky para poder hacer que un Clavinet no suene sintetizado y cursi, Zeppelin, a pesar de lo que son, no son originales, son uno de los grupos más talentosos y de rock más duro que jamás hayan subido al escenario o al estudio. Plant incluso contribuye con un solo de armónica en el medio, instando al objeto de su deseo a que le permita "masticar un trozo de su pastel de natillas". 


martes, 28 de mayo de 2024

1244.- Brighton Rock - Queen



Brighton Rock nunca fue single, pero fue el tema con el que abre el tercer disco de estudio Sheer Heart Attack (1974), fue escrita por Brian May y las voces estuvieron a cargo de Freddie y Brian. May escribió la canción durante las sesiones de Queen II, pero sintieron que no encajaba en ese álbum, así que la trabajaron un poco más y la incluyeron en el siguiente álbum. La canción trata sobre dos niños "Mod" enamorados, Jenny y Jimmy, que viajan a Brighton de vacaciones, no creen que las vacaciones vayan muy bien porque Jenny tiene miedo de meterse en problemas. Lo increíble de esta canción es simplemente Brian May. El solo de guitarra es probablemente uno de los mejores que ha hecho jamás, sin lugar a dudas. Es la pieza central de la canción. Hay un interludio completo en la canción en el que solo aparecen Brian y esa guitarra. Su uso del retardo para la armonía que distingue la canción, Brian estaba jugando mucho con un Echoplex (una máquina de retardo de cinta) para obtener los efectos que quería, la canción contiene un sonido de guitarra normal y luego uno con efecto retardado y hay que oírlo para creerlo ya que no sé cómo describirlo con palabras. Es una verdadera experiencia de audio. La voz principal de Freddie Mercury añade algo de sabor a la historia, ya que encarna a los dos personajes principales, Jimmy y Jenny, bajando y subiendo su espectacular voz.


May utiliza un inglés adornado y adecuado para darles a estos amantes modernos una sensación anticuada. "Jenny, ¿te quedarás conmigo? Reza. Nada debe interponerse entre nosotros. Dinos amor, ¿qué dices?", suplica Jimmy. Pero Jenny se demora, temerosa de la reacción de su madre ante la cita. El coro pide ayuda desde arriba para la liberación segura de este romance: "Oh Roca de los siglos, no te desmorone, el amor aún respira / Oh Señora Luna, haz brillar un poco de magia de gente si quieres". Después de que May ataca al oyente desde todos los ángulos en el solo extendido, su letra da un pequeño giro sorprendente en el verso final. Jenny expresa su devoción en cartas amorosas a Jimmy, quien, a su vez, le revela que su corazón ya estaba hablado: "Oh, no, estoy comprometida, debo disculparme/ Si mi señora descubriera cómo pasé mis vacaciones". Resulta que, después de todo, la magia de Lady Moon es tan voluble como los mortales a quienes la otorga.


“Brighton Rock” contiene un poco de todo lo que hizo a Queen tan especial: una sección rítmica dinámica (John Deacon y Roger Taylor), las acrobacias de May, el carisma de Mercury, dosis de grandilocuencia, talento para el espectáculo y corazón. 


martes, 21 de mayo de 2024

1237.- Slow Train - Status Quo

Los Status Quo de principios de los setenta eran una banda de cuatro melenudos que bajaban sus cabezas, subían el volumen de sus amplis a tope y rockeaban sin rivales. Para los amantes de las efemérides deciros que fueron los pioneros del doble punteo (sí,sí!), los que impusieron la estética heavy rockera gracias a la brutal portada para la época de Piledriver (1972) e hicieron que muchos chavales se interesasen por el hard rock, incluidos gente tan famosa y grandes fans de la banda como Lars Ulrich de Metallica o Bob Rock. En 1974 Status Quo ya tenía suficiente base de fans para que tuviera exito casi todo lo que hacían y llegara directamente a los niveles más altos de las listas. Queriendo ser tomado en serio como un acto de valor propio, 'Quo' varía ligeramente la fórmula exitosa. En general dieron un toque más duro a las canciones y actuaciones, con menos énfasis en el lado más pop de la banda. 'Quo' por lo tanto es rock n roll desde la cabeza a los pies, algunas canciones ofrecen solos de guitarra adecuados y/o duelos, otras ofrecen muchos actos destacados por parte del baterista, a pesar de que constantemente parecen entrar en mi cerebro imágenes de bateristas explotando, también conocidos como Spinal Tap. Al final, todo es muy divertido, ya que Quo ha construido su base de fans a través del trabajo duro y presentaciones en vivo bien recibidas. 'Quo' es un álbum para complacer a un fan del rock, es un álbum que contiene una sección media magníficamente sólida, suficiente variación para que el oyente no se aburra y una gratificación instantánea cuando escuchas el disco por primera vez.


El tema elegido del disco es la canción que cierra el disco y en sus casi ocho minutos de duración nos recuerda a un tren con sus constantes cambios de ritmo que pudieran ser las paradas y salidas de las diferentes estaciones con sus viajeros subiendo y bajando en este tren lento, todo ello con el particular ritmo, santo y seña de los Quo, con arreglos de nuevo a doble guitarra, con un final de canción con un mini solo de batería incluido que da paso a un estruendoso final donde puedes imaginarte perfectamente, gracias a la evidente potencia que desprende, a toda la banda al unísono menear sus larguísimas melenas mientras sus piernas se entrecruzan para hacer una piña demoledora. Su portada demuestra la fuerza del disco, donde las cuatro cabezas emergen voluptuosas de la faz de la Tierra sin poder contener toda su energía. Y recordad que es un disco de 1974. Ya les gustaría a muchas bandas de hoy día sonar así, so,lo os queda preparaos para disfrutar del paisaje y de la compañía que a cada uno os haya tocado en el vagón de este tren, disfrutad de la música y de las vistas que podemos contemplar a través de las ventanillas al paso de este tren mientras el tiempo avanza lento pero imparable a través de las bucólicas praderas. 


viernes, 22 de diciembre de 2023

1086.- Liar - Queen


 

Liar fue la pieza central del álbum debut de Queen, al letra toma la forma de un diálogo entre el protagonista (representado en los versos) y las fuerzas en su contra (representadas por el coro), ya que presentan un alma atormentada que anhela una guía religiosa pero es rechazada por ser un "mentiroso". Al final, la letra desprecia por completo la religión: "Mentiroso, mentiroso, nunca te dejan ganar/Mentiroso, mentiroso, todo lo que haces es pecado/Mentiroso, nadie te cree/Mentiroso, te derriban antes de que empieces". El estilo operístico de estas letras está totalmente respaldado por la música, que pasa por muchos cambios de tempo y diferentes secciones, ya que combina versos folky y ascendentes y un coro pisando fuerte con puentes instrumentales y vocales que llevan la canción en otras direcciones. La grabación de Queen de "Liar" envuelve esta compleja historia en un arreglo grandioso y grandilocuente que alterna delicados toques acústicos en los versos con ondas de acordes poderosos durante los puentes instrumentales y el estribillo. También funciona en una ruptura de percusión impulsada por cencerros para el penúltimo puente vocal de la canción que lleva el drama a un pico frenético. Freddie Mercury lo remata con una voz adecuadamente dramática que va desde un susurro en falsete hasta un rugido de barítono y sus impresionantes esfuerzos están amortiguados por armonías operísticas de Brian May y Roger Taylor. Todo ello dio como resultado un rock artístico pero poderoso que se convirtió en la columna vertebral de los primeros shows en vivo de Queen y se convirtió en uno de los temas favoritos entre los fans del grupo. Más importante aún, su grandiosidad fue un prototipo para canciones posteriores, aún más ambiciosos, como "Brighton Rock" y "Bohemian Rhapsody". Disfrutar de esta miniepopeya de heavy metal progresivo en expansión que le da a cada miembro de la banda un lugar para realizar un solo, es el festín de las melodías más encantadoras que rezuman de cada una de las multitudinarias secciones de esta composición que desafía fronteras. John Deacon toca lo que posiblemente sea el mejor solo de bajo de su carrera, no demasiado complejo pero sí muy poderoso y melódico, antes de que la canción termine con una sección extáticamente hermosa seguida por Brian May. Breve pero excelente coda de guitarra neoclásica. Tanto estructural como sonoramente, 'Liar' fue el predecesor directo de 'The March of the Black Queen', y junto a él constituye una de las mejores canciones de la banda. Lo único que decepciona un poco de la versión de estudio es que luego la canción desarrolló algunas líneas adicionales y siempre se interpretó en vivo de una forma más completa. Sin embargo, una mezcla alternativa indica que esas líneas adicionales solo se terminaron parcialmente durante las sesiones y es por eso que no se escuchan en la versión LP.

viernes, 1 de diciembre de 2023

1065.- Desperado - Eagles


Estamos ante un absoluto clásico del country-rock, es difícil negar el talento que tenía esta banda, todos músicos de un gran nivel hasta el punto que podían cantar y escribir grandes canciones, álbum tras álbum... la música resiste la prueba del tiempo, especialmente cuando Desperado se escucha en su totalidad, de principio a fin. Este álbum se nos presenta como una especie de álbum conceptual, con un flujo interesante desde las pistas más suaves/lentas hasta los rockeros de medio tempo, y de ida y vuelta. La naturaleza acústica de este, el segundo álbum de los Eagles, es lo que crea una atmósfera occidental clásica. Desperado es un álbum conceptual lanzado por los Eagles en abril de 1973, una oda al Viejo Oeste que seguía las hazañas de la pandilla Doolin-Dalton. Sin embargo, es casi un álbum de country-rock perfecto. Las armonías, la producción, las letras y la musicalidad son impecables y tienen un pulido sin precedentes en la música country o rock de su época, la banda sonora de una variedad de viñetas de películas del Viejo Oeste. Cada canción tiene su propia pequeña historia (incluso las instrumentales, si usas tu imaginación) y, sin embargo, un hilo común une los temas, a veces líricamente, a veces musicalmente. Me gusta pensar que Desperado es la banda sonora de una eterna noche de sábado en una taberna del sur de Estados Unidos.


Don Henley comenzó a escribir la canción Desperado a finales de los años 60, pero no le dio el toque final hasta que apareció su compañero de composición Glenn Frey, fue la primera de muchas canciones que Henley y Frey escribieron juntos. Henley explicó: "Glenn vino a componer un día y le mostré esta melodía inacabada que había estado guardando durante tantos años. Le dije: 'Cuando la toque y cante' "Pienso en Ray Charles, Ray Charles y Stephen Foster. Es realmente una cosa gótica sureña, pero fácilmente podemos hacerlo más occidental". Glenn saltó a la acción, llenó los espacios en blanco y aportó estructura. Y ese fue el comienzo de nuestra asociación como compositores, fue entonces cuando nos convertimos en un equipo". A primera vista, esta canción trata sobre un vaquero que se niega a enamorarse, para mi es una gran balada porque me identifico mucho con la letra, entiendo por qué algunas personas no entiendan su atractivo, esa canción se dirige específicamente a chicos con problemas de soledad como tenemos muchos, aunque dándole otra visión también podría tratarse de un joven que descubre las guitarras, se une a una banda, paga su precio y sufre por su arte. El estrés de ser una estrella de rock es un tema recurrente en la música de Eagles (por ejemplo, "Life In The Fast Lane"). La canción se abre con una hermosa línea de piano que se puede decir que fue pionera en un sonido que aparecería una vez más en canciones como “Vienna” de Billy Joel. Desperado logra una profunda captura emocional en el oyente a través de su brillante instrumentación usando piano simple y arreglos orquestales. La voz de Don Henley es lo más destacado, llevando la historia y la emoción a la cima del álbum.


martes, 21 de noviembre de 2023

1055.- No Quarter - Led Zeppelin

Espesas y humeantes columnas de niebla se arrastran a lo largo de una masa de colinas verdes, envolviendo el campo en un gris cegador. Al principio no hay nada. Pero entonces, de repente, un cuerno de guerra resuena a través de las nubes turbias, un ruido tan fuerte que las briznas de hierba comienzan a temblar con la oscilación de las ondas sonoras. Poco después, estos temblores dan paso a un estruendo de la tierra mientras una estampida de soldados acorazados inunda las colinas, espadas y mazas en mano. Esta es la imagen que evocan los primeros 30 segundos de “No Quarter”, el séptimo tema de Houses of the Holy. Cuesta creer por un momento que las cosas hayan progresado de esta manera, no hace más que una canción, Led Zeppelin dejaba al oyente igualmente perplejo y divertido (sin mencionar furioso en algunos casos) con su extraña D'Yer Mak'er a ritmo de reggae. Pasar al frío paisaje previo a la batalla de “No Quarter” puede parecer un movimiento extraño después de una pista de Zeppelin tan poco característica, pero, a decir verdad, realmente no existe una forma adecuada de realizar la transición a una canción como “No Quarter”, incluso si la banda hubiera colocado un rockero a toda velocidad como “Black Dog” antes de este corte, todavía habría una inevitable sensación de presentimiento con las notas iniciales de esta canción. El poder de “No Quarter” aún no ha flaqueado 40 años después de su lanzamiento al público. Es sin duda una de las obras maestras compositivas de Zeppelin.

“Los vientos de Thor soplan fríos”, entona Plant. Como sucesor espiritual de “La batalla de Evermore” de Zoso , “No Quarter” desplaza el discurso sobre la guerra del ámbito de las referencias de JRR Tolkien a una discusión filosófica sobre la naturaleza de la violencia. Los ejércitos de esta canción “eligen el camino por donde nadie va”, la inversión que hace Plant del aforismo bíblico sobre la puerta estrecha es un movimiento extremadamente bueno y amenazador en este caso, este camino es tan misterioso como el mensaje que llevan los soldados "vestidos de acero que es brillante y verdadero", Plant insiste en que "llevan noticias que deben difundirse", pero nunca se hace explícito cuál es esta noticia, lo único que queda claro en la letra es que estos soldados, sean quienes sean, "no tendrán cuartel". Como se describe en la canción, estos soldados, también llamados “perros de la fatalidad”, son una fuerza omnipresente e implacable, una fuerza que la naturaleza nunca podría contener. El mundo de “No Quarter” es uno donde la violencia ha llegado a su punto sin retorno, un hecho reflejado en la música, en lugar de quedar atrapado en riffs brutales o arreglos febriles, Zeppelin deja que el ambiente establezca el escenario. No tiene sentido intentar luchar contra los soldados que han abandonado la rendición. Cuando concluye, se revela como uno de los momentos decisivos de Led Zeppelin como banda, incluso después de terminar su carrera con un album relativamente más débil (aunque, que se sepa: In Through the Out Door es increíble ), aun así lograron no dar cuartel en vivo, aunque estuvieran arrugados y envejecidos. “No Quarter” es emblemático de la banda que Led Zeppelin siempre ha sido: innovador, pesado y, quizás lo más importante, intransigente. A medida que el heavy metal comenzó a surgir del mismo lodo primordial que forjó el hard rock a principios de los años 70, fueron canciones como “No Quarter” las que proporcionaron un vínculo clave con la evolución del género. Los mundos del rock y el metal serían muy diferentes hoy en día si no fuera por este sonoro grito de batalla.


lunes, 6 de noviembre de 2023

1040.- The Faith Healer - The Sensational Alex Harvey Band

Después de años de intentar encontrar el vehículo musical adecuado para transportarlo a las listas de éxitos, en 1973 Alex Harvey aparentemente había encontrado la banda de acompañamiento que había estado buscando durante toda su vida adulta al asociarse con los componentes de Tear Gas para formar la llamada Sensational Alex Harvey Band , su álbum debut, Frame, se publico rápidamente y, al darse cuenta de que estaban en algo bueno, se aseguró de regresar al estudio lo antes posible. para mantener el impulso, el álbum resultante fue Next y consolidó la posición de la banda con un toque teatral apropiado. SAHB era una banda que no encajaba cómodamente en ningún casillero en ninguna etapa de su carrera. En Harvey tenían un líder con océanos de actuación y experiencia de vida, y la presentación en el escenario era un punto fuerte particular de la banda, con los cinco miembros contrastando trajes escénicos (mientras que el propio Harvey a menudo se vestía como un pirata callejero, los primos de los McKenna, Ted y Hugh en la batería y los teclados, respectivamente, siempre parecían refugiados de un acto de salón de mala calidad, el bajista Chris Glen a menudo tocaba Glam Rock, mientras que el guitarrista Zal Cleminson habitualmente usaba maquillaje de payaso) y un poder en vivo innato y una presencia combinada en el escenario que pocos los actos de la época podrían igualar.


Faith Healer es una composición fascinante y estimulante que profundiza en el intrigante tema de lo sobrenatural y el poder de la fe. Lanzada en 1973, esta canción ha trascendido el tiempo y continúa cautivando al público con sus inquietantes melodías y letras introspectivas. En esencia explora la idea de ilusión, engaño y las líneas borrosas entre la realidad y la fantasía. El protagonista de la canción es un carismático curandero que posee la capacidad de manipular y cautivar a su audiencia. Predica palabras de curación, infundiendo esperanza y fe en los corazones de quienes buscan consuelo en su presencia. Sin embargo, a medida que avanza la canción, queda claro que hay más en este curandero de lo que parece. A lo largo de la canción, la letra insinúa los aspectos más oscuros de la personalidad del personaje. El pegadizo estribillo, “Él es un mentiroso y yo debería saberlo”, sugiere una sensación de escepticismo hacia los supuestos milagros del curandero. La letra continúa explorando las complejidades de su personaje, describiéndolo como un “hijo del trabajo con manos cachondas”, lo que refleja tanto su poderoso carisma como sus métodos cuestionables. A medida que la canción avanza, la espeluznante composición y las voces teatrales se intensifican, pintando una vívida imagen de un hombre que se nutre de la vulnerabilidad y la desesperación de los demás. La música de Faith Healer juega un papel vital a la hora de realzar el significado de la canción y transmitir su mensaje. Las inquietantes melodías, la instrumentación dramática y las voces teatrales crean una atmósfera oscura y misteriosa, brindando a los oyentes una visión del enigmático mundo del curandero.


viernes, 6 de octubre de 2023

1009.- Mama Weer All Crazee Now - Slade

 

Mama Weer All Crazee Now, Slade


     Slayed? es el tercer álbum de estudio del grupo británico, pionero del glam rock, Slade. Fue grabado bajo la producción de Chas Chandler, y publicado en noviembre de 1972 por el sello discográfico Polydor Records. El disco llegó a alcanzar el puesto número uno en las listas de ventas del Reino Unido, permaneciendo en dicha lista nada menos que 34 semanas. También se convirtió en el disco más exitoso del grupo en Estados Unidos de la década de los 70, llegando a alcanzar el puesto 69 en dicho país y permaneciendo durate 26 semanas. En el año 2001fue incluido en el libro 1001 álbumes que debes escuchar antes de morir, y en el año 2010 la revista especializada Classic Rock consideró Salyed? como un "clásico esencial", incluyendo además que la grandeza y majestuosidad de este disco residía en las baladas melancólicas.

Incluido en este álbum se encuentra Mama Weer All Crazee Now, lanzada como sencillo principal del álbum. La canción llegó a alcanzar el puesto número uno en las listas de sencillos del Reino Unido, permaneciendo en dicha lista durante diez semanas. Esta fue la primera canción que el bajista Jim Lea escribía por su cuenta, siendo la letra escrita por Noddy Holder, quien se inspiró al ver el escenario después de un concierto en Londres y observando el estado en el que habían quedado los asientos, al borde del destrozo. Entonces pensó que todos debían haber estado como locos aquella noche, lo que le sirvió de inspiración. La canción se tituló originalmente My My We're All Crazy Now, el cual fue cambiado por su mánager Chas Chandler, y el error ortográfico intencional que aparece se convirtió en una marca registrada del grupo, mucho antes incluso de que Prince hiciera algo similar.

jueves, 14 de septiembre de 2023

0987.- All the Young Dudes - Mott the Hoople



"All the Young Dudes" (1972) entra por méritos propios en una categoría en la que están las canciones consideradas como auténticos himnos de una generación o de un estilo musical determinado, y esconde además un gran acto de generosidad por parte de su autor (David Bowie), que para ayudar a rescatar a Mott the hoople, una banda al borde de la separación a la que solo podía ya salvar un gran éxito, cedió una canción que, de haberla grabado para uno de sus discos, habría supuesto otro éxito absoluto en una carrera ya de por sí brillante.

La canción no solo relanzó la carrera de la banda, sino que con su energía desbordante y un mensaje generacional que, con el paso del tiempo, ha demostrado ser atemporal, se convirtió en uno de los grandes himnos del glam rock y en la canción más recordada del grupo. Su mensaje de búsqueda de la propia identidad durante la adolescencia, en un mundo que no siempre entiende las necesidades y sentimientos de las nuevas generaciones, va renovando su validez década tras década, ya sea en la voz de Ian Hunter, o en cada una de las interpretaciones que David Bowie hizo de su canción, que se convirtió en tema fijo de su repertorio en directo.

Musicalmente, la canción te engancha desde el primer minuto con su distintivo riff de guitarra, la intensidad de la proclama en sus estrofas, y un estribillo construido para cantar a coro en los estadios. En conjunto, estamos ante un espectacular himno que ha dejado también su influencia en la obra posterior de muchos artistas, no solo del glam rock (T. Rex), sino de grupos de décadas posteriores como Queen o Roxy Music, herederos pop de la androginia y la grandiosidad del glam rock de los años setenta.

domingo, 10 de septiembre de 2023

0983.- Whiskey In The Jar - Thin Lizzy

 

Whiskey In The Jar, Thin Lizzy


     Whisky in the Jar es una canción tradicional irlandesa ambientada en las montañas del sur de Irlanda, la cual menciona además específicamente los condados de Cork y Kerry. Esta canción tradicional relata la historia de un bandolero que después de robar a un funcionario militar es traicionado por una mujer, la cual no queda claro si es su novia o su esposa. Versiones posteriores de la canción sitúan la acción en otros condados además de los citados kerry y Cork. También hay quien ha situado el relato en el sur de Estados Unidos, en las montañas Ozarks o en los Apalaches, probablemente debido al asentamiento de irlandeses que existían en ambos lugares. Los nombres de los protagonistas de la versión también son cambiantes, así como los detalles de la traición.

La canción cobró mucha importancia cuando la banda irlandesa de folk The Dubliners la interpretó por primera vez, llegando a grabarla en tres álbumes en la década de los años 60. En Estados Unidos sería el grupo The Highwaymen quien la graba por primera vez, concretamente en 1962. Muy famosas son las versiones que realizarían más tarde The Pogues en 1990, Brian Adms en 2019, o Metallica en 1998, cuya versión les llevó a conseguir un premio Grammy en el año 2000.

De todas estas versiones destaca quizás una por encima de las demás, la realizada en 1973 por el grupo irlandés Thin Lizzy, liderado por Phil Lynott. La importancia de la versión de este grupo radica en que la matoría de las versiones posteriores son realizadas bajo los estándares empleados por el grupo de Phil Lynott

En 1973 Thin Lizzy saca su tercer álbum de estudio, Vagabonds of the Western World, disco que supone el último grabado por Eric Bell, y cuya portada es la primera elaborada por el artista irlandés Jim Fitzpatrick, quien realizará pra el grupo unas cuantas más posteriormente. Curiosamente en este disco no aparece incluida Whiskey in the Jar, la cual fue incluida en la reedición posterior de este disco para formato CD del año 1991. 

La explicación de que no aparezca este gran éxito del grupo en ningún álbum en aquel momento es muy simple. La canción era un tema que el grupo solía tocar entre bastidores durante las giras de conciertos, por lo que son animados para que la graben, algo con lo que la banda no estaba muy de acuerdo, pues Phil Lynott consideraba Thin Lizzy una banda de rock, no de folk. Originalmente esta canción estaba destinada a salir como single ocupando la cara B, pues para la cara A habían grabado Black Boys On The Corner, la cual aparece en el segundo álbum de estudio del grupo, Shades of a Blue Orphanage. Incluyeron Whiskey in the Jar en el sencillo porque en realidad no tenían nada más que ofrecer en aquel momento. Serán los responsables de la compañía discográfica, Decca Records, quienes inviertan el orden de caras en el single, poniendo en la cara A Whiskey in the Jar, Pensaban que esta canción podría ser un potencial sencillo, no se equivocaban.

Phil Lynott no era el único miembro del grupo al que no le gustaba en demasía este tema, según Brian Downey, baterista del grupo: "En cierto modo, fue algo malo para la banda, porque nos encasilló como un grupo de folk - rock. Dimos unos pocos conciertos en el norte de Inglaterra y todo el mundo acudió esperando escuchar algo de música folk. Y claro, cuando se dieron cuenta de que éramos una banda de rock directo y conciso, muchos de ellos se acabaron marchando"... "Así que este hit nos hizo dar unos cuantos pasos atrás. También es cierto que tampoco ayudaba que tanto Phil Lynott como Eric Bell (los otros do miembros de la banda en aquel momento) estuvieran dando conciertos por su cuenta en clubs de folk irlandeses. Eso, añadido a la creencia de que Thin Lizzy tocaba música folk, nos dejo en una mala situación"

Esta es la explicación de por qué Phil Lynott renegaba de su primer gran éxito, pues consideraba que esta canción no representaba para nada la esencia musical de la banda ni la suya propia.

martes, 4 de julio de 2023

0915.- Laundromat - Rory Gallagher

 

Laundromat, Rory Gallagher


     Tras dejar Taste atrás, Rory decide emprender su carrera en solitario, y para dicha aventura decide apostar por el sonido del power trío que tanto le gusta, fichando al bajista Gerry McAvoy y al baterista Wilgar Campbell, ambos del grupo Deep Joy, a los que había conocido durante su etapa en TasteRory tiene claro el sonido que quiere, y tiene más claro aún, que por encima de las listas de éxitos y singles superventas, va a primar la calidad de su música, algo que mantendrá durante toda su carrera. En 1971, y bajo el sello Polydor, el genial guitarrista debuta con su primer disco en solitario y de título homónimo, Rory Gallagher. El disco es grabado en febrero de 1971 en los Advision Studios de Londres, producido por el propio Rory, y publicado el 23 de mayo de 1971. El irlandés nos regala un gran trabajo de blues rock aderezado con muy buenos momentos de jazz y folk.


Incluido en este álbum se encuentra Laundromat, un tema con un riff brutal. Este tema fue escrito durante la fase de ruptura de TasteRory se inspiró en una lavandería pública que había cerca de Earls Court, en el barrio de Kesington, Londres, donde el grupo tenía un dormitorio en un sótano. Según el hermano de Rory, Donald Gallagher, "Taste estaba en las listas de éxitos, encabezando los principales festivales, pero sin ver recompensa alguna en forma de ganancias. Más tarde cuando me convertí en representante de Rory, insistí en que fueramos a los tribunales para obtener las regalías, pero Rory estaba reacio, no le gustaba el  conflicto". Y es precisamente esa bondad de rory, rara avis en un artista de primer nivel, la que no traslada a esta brillante canción sobre el placer de dormir en una simple lavandería, y donde a pesar de no tener ropa que lavar, puede encontrarse con amigos en la misma. Rory afirmaba en una entrevita hecha en 1991 sobre su forma de escribir: "Trato de sentarme y escribir una canción de Roy Gallgher, que generalmente resulta ser bastante blues. Trato de encontrar diferentes temas y tems que no hayan sido cubiertos antes, he hecho canciones en todos los estilos diferentes... entrenar blues, beber blues, blues económico. Pero siempre trato de encontrar un ángulo diferente en todas esas cosas". A quién, si no, se le podría ocurrir hacer un brillante tema sobre una lavandería...

lunes, 3 de julio de 2023

0914.- Crest of a wave - Rory Gallagher



En la "cresta de la ola" compositiva e interpretativa estaba Rory Gallagher cuando publicó su segundo álbum "Deuce" (1971), un disco que, al contrario que su álbum de debut, huía de la perfección sonora para centrarse en reproducir en el estudio la energía y la fuerza de sus interpretaciones en directo. Grabado en formato de "power trío" (batería, bajo y guitarra), está considerado uno de los picos creativos del genial guitarrista irlandés.

Crest of a wave no es solo la canción con la que cierra el disco, sino que además es el momento más álgido y afilado de un álbum cuyo sonido ya es de por sí crudo e impactante. En la que es la auténtica canción estrella del disco, la batería y el bajo crean un impactante carril sonoro por el que la maestría de Gallagher con la guitarra y su gran dominio del slide alcanzan velocidad de crucero, entregando al mundo una obra maestra de apoteósica agresividad eléctrica, y haciéndonos sentir que realmente hemos llegado a la "cresta de la ola" de un disco de impactante escucha.

domingo, 2 de julio de 2023

0913.- Can’t Believe It’s You - Rory Gallagher


Rory Gallagher, el gran guitarrista, cantante y compositor irlandés editó en 1971 su primer álbum en solitario. Recordemos que este gran guitarrista empezó su carrera muy joven en bandas como Fontana, o la más conocida Taste en formación de power trío. Desecho Taste, montó su propia carrera en solitario, que fue muy prolífica sobre todo en la década de los años 70. Fue en esa época en la que su paleta se amplió partiendo del rock y el blues, hasta llegar al hard rock o incluso el jazz. "Rory Gallagher" es el sencillo título del primer disco del guitarrista irlandés en solitario, después de su etapa con el grupo "The taste". Fue grabado en 1971, cuando Rory tenía 23 años. Por la foto oscura de la portada, ya casi se puede adivinar que se trata de un disco más intimista y personal. The Taste tuvo que disolverse pues el mánager del grupo les estafaba dinero contínuamente con las giras y las ventas de discos, esto provocó finalmente la ruptura de la banda y Rory Gallaguer optó por continuar su carrera con su hermano Donald y él mismo controlando la parte económica de su actividad musical.

Por todo esto sus ánimos no se encontraban en su mejor momento, aunque en lo referente a creatividad e interpretación, nos encontramos con lo que es para mí, uno de sus mejores discos. Ni muy enfocado al blues ni muy enfocado al rock, sino un punto intermedio muy personal, con algún acercamiento al folk y al jazz. Este primer disco ya tenía sobradas notas de la gran calidad que atesoraba y me parece un trabajo muy completo. Hoy me quedo con la canción Can't believe It's true, que acababa el álbum original (en las ediciones remasterizadas hay dos temas extra), un medio tiempo de una calidad tremenda donde suenan vientos y la mezcla con su guitarra es espectacular, caminando cual jam session a terrenos incluso jazz. En este tema, Gallagher logra conmoverte, a través de su forma de tocar la guitarra, a menudo salvaje y muy emotiva. En más de un caso tienes la impresión de que Gallagher se está volviendo loco con su stratocaster sin ningún tipo de restricción, pero funciona la consecuencia es que es bastante impulsivo y sincero, lo cual encaja perfectamente, porque el bluesrock se trata de transmitir emociones personales, y atentos, porque el saxo de esta delicada y maravillosa pieza lo graba el mismísimo Rory Gallagher. No sería la única vez que Rory tocara el saxo, pues también lo usaría para grabar sus álbumes Blueprint (1973) y Tattoo (1973). Una pena que no se prodigara más con este instrumento.