Thin Lizzy: Fighting (Mes Thin Lizzy)

 

Fighting, Thin Lizzy

     Thin Lizzy con Phil Lynott (bajo y voz), Brian Downey (batería), Brian Robertson (guitarra) y Scott Gorham (guitarra), realizan una gira por Estados Unidos a principios de 1975, en marzo, apoyando durante unas seis semanas a la banda canadiense de rock Bachman-Turner Overdrive, y también a Bob Seger. Una gira que ayudará a la banda a pasar al siguiente nivel, llegando a foguearse en pabellones con aforos de hasta 20.000 personas. El grupo tenía un directo brutal, a lo que se sumaba el hecho del carisma que Phil Lynott era capaz de proyectar encima del escenario, era capaz de llenarlo  con su sola presencia. El impacto que aquella gira por suelo estadounidense produjo en Lynott fue enorme.

En mayo de 1975 el grupo se mete en los Olympic Studios de Londres para grabar su quinto álbum de estudio, Fighting, el cual es producido por el mismo Phil Lynott. Conscientes de que su anterior trabajo, Nightlife (1974), tenía una mezcla de demasiados estilos que confundían a la gente, en Fighting consiguen darle una cohesión en cuanto a sonido y estilo. Para la foto de portada, Lynott tuvo una primera idea de una fotografía con una primera plana de los cuatro componentes de la banda golpeados y ensangrentados. La fotografía llegó a hacerse pero la discográfica Phonogram la rechazó por lo que al final se utilizó para la portada la fotografía realizada por el fotógrafo británico Mick Rock (Reconoido por sus icónicas imágenes a bandas y grupos de rock y heavy metal) en la que simplemente aparecen posando los cuatro componentes. Este es el único disco de estudio donde aparece además en la portada el logotipo de la banda, que había sido diseñado por Jim Fitzpatrick. Cuando Phil Lynott entregó el material terminado del disco a  Phonogram, el sello transmitió al cantante que el material no era lo suficientemente bueno y que deberían grabar cuatro temas más, por lo que al grupo no le quedó más remedio que volver al estudio para preparar cuatro nuevos temas más. 

Figthing empieza a dar muestras de que el grupo empieza a funcionar como un rodillo bien engranado, por una parte Lynott sigue creciendo como letrista y compositor, y se entiende a la perfección con los guitarristas Gorham y Robertson, algo que dará como resultado potentes canciones que nos hablan de venganza, violencia, suicidio o independencia. Por otro lado el uso de las guitarras gemelas empieza a dar sus frutos en este disco, un sonido y un estilo que definirá a un grupo que pulirá y explotará como pocos este estilo convirtiéndolo en su seña de identidad. Curiosamente, según relata el mismo Scott Gorham el característico estilo de sonido de la banda surgió por accidente: "Brian Robertson estaba en el estudio grabando una toma y el ingeniero se dejó un delay (Efecto de sonido aplicado a la guitarra que consiste en un retardo o retraso. Este efecto se encarga de repetir las notas que se interpretan en la guitarra a modo de eco) en su guitarra. Fue como un milisegundo, de modo que Robertson empezó a armonizar consigo mismo. Aquello sonó muy bien y a lo demás les gustó mucho, de modo que le pidieron a Robertson que repitiera su fraseo original y yo salí para añadirle una armonía en paralelo". De hecho el grupo no empezó a pesar en aquello como un sonido característico hasta que leyeron una reseña en un periódico que rezaba "Patentado el sonido Thin Lizzy de melodías de guitarras gemelas". 

Comercialmente el disco funcionó bastante mejor que el anterior disco, Nightlife, llegando a vender unas 20.000 copias y consiguiendo alcanzar el puesto número 60 en las listas de ventas del Reino Unido, siendo el primer álbum en alcanzar entrar en dichas listas. A pesar de los mediocres resultados de ventas, este disco supuso el punto de inflexión, pues explotará el característico sonido de la banda. Gracias también a sus grandes directos en el escenario la banda seguirá creciendo gracias al boca boca. Parte de la crítica desribió Fighting como el disco que inició la etapa era clásica del grupo, sin embargo para algunos críticos no fue suficiente, como el para el por entonces editor de la revista musical Sounds y posteriormente fundador de la revista Kerrang, Geoff Burton, quien cuenta una anécdota que pone de manifiesto el carácter y carisma de Phil Lynott. En aquel momento Fighting no fue suficiente para él, quien escribió sobre el disco que era el segundo LP de la banda con su nueva formación de guitarras gemelas, y que era un álbum de rock correcto sin más, y que el trabajo grabado en el estudio adolecía de falta de energía y contundencia. Un mes después Geoff Burton fue a ver a Thin Lizzy en directo, y aproximadamente a la mitad del concierto Lynott empezó a realizar una pequeña reprobación hacia los críticos de rock. En ese momento Burton se llegó a preguntar si Lynott sabría que él estaba entre el público, pues ¡vaya si lo sabía!, porque al acabar el discurso, Lynott se encogió de hombros y con una sonrisa dijo: "Pero pase lo que pase, esta próxima canción es para Geoff Burton: Still In Love With You". Recordaba Burton que aquel momento fue uno de los momentos donde más verguenza había sufrido en su carrera.

El disco abre con Rosalie, tema escrito por Bob Seger y del que Lynott y compañía hacen una magnífica versión. La gira americana que el grupo había hecho unos meses antes había marcado profundamente a Phil Lynott y Fighting contenía matices de ese sonido americano. De hecho el disco, además del sonido contiene muchas alusiones estadounidenses, como los dólares y diners. For Those Who Love To Live, compuesta por Downey y Lynott. Esta canción la solía dedicar en directo Phil Lynott a George Best, la estrella irlandesa del club de fútbol Manchester United, el jugador favorito del cantante, bajo el lema que a veces era mejor vivir la vida al máximo. Suicide, el tema estrella de álbum. Una canción que se convertirá en fija en casi todos los conciertos de la banda. Lynott se basó en un episodio de la serie estadounidense de televisión Perry Mason llamado El caso del salto del amante, emitido en abril de 1963, donde Perry Mason desenmascara a un asesino que ha encubierto su fechoría haciendo que la persona que ha matado parezca que se ha suicidado. En este tema podemos identificar claramente el sonido de las guitarras gemelas, ese brillante duelo que se marcan Gorham y Robertson queda ya para la historia del rock. Curiosamente esta canción fue interpretada por primera vez en julio de 1973 en un programa de la BBC cuando todavía estaba en la banda Eric Bell. Se interpretaba con con diferentes letras bajo el título "Baby's Been Missing" y le faltaba la sección central tan famosa que aparece en Fighting. Wild One, otro tema que explota y eleva a la máxima expresión el uso de las guitarras gemelas. El tema tiene un comienzo impactante con Gorham y Robertson a la par mientras Lynott nos habla de la dificultad de estar separado de la mujer que amas. Fighting My Way Back se encarga de cerrar la cara A. Tema escrito por Lynott, con unas letras que van en la línea del disco, donde la lucha y la rudeza están presentes. En la cara B seguimos con la continuidad de sonido y temática donde la violencia y la pelea siguen presentes en temas como King's Vengeance , temas con un toque a ese sonido americano como Ballad Of hard Man, el único tema no compuesto por Lynott, siendo Scott Gorham su creador, temas donde la lucha por la libertad y la independencia está presentes como Spirit Slips Away y Freedom Song, y temas como Silver Dollar donde las alusiones a los dólares, al continente americano y a los amores están presentes.

Ya nada quedaba de esa banda que había tenido éxito con Whiskey In The jar, una vieja canción tradicional de taberna irlandesa, canción de la que Lynott siempre acabó renegando, Thin Lizzy era más que aquella canción, y con Figthing la banda irlandesa había plantado los cimientos, habían creado su propio estilo, tenían un directo brutal e iban en la dirección correcta. Sólo les hacía falta pasar al siguiente nivel con un disco que les consagrara. Lo mejor estaba por llegar.

0373.- Moby Grape - 8:50

 

Moby Grape aparecieron a mitad de los años 60 en ese hervidero musical que fue San Francisco, fue una banda de las bandas con mayor potencial y, al mismo tiempo, peor suerte de la historia del Rock, tan solo tres años después de empezar su carrera, todo había terminado. Aunque se les suele identificar con la escena psicodélica realmente combinaron lo mejor de la música de su tiempo: Folk, Blues, Country y Rock & Roll clásico con un sonido de tres guitarras potente y característico. Todos estos elementos se fundieron en su LP de debut en 1967. Aunque álbumes posteriores tuvieron momentos buenos, una combinación de problemas personales y mala gestión mató el grupo a finales de la década de 1960. Muchas bandas de San Francisco de la época fueron formadas por inmigrantes recién llegados a la zona, y Moby Grape no fue la excepción. Matthew Katz ayudó a crear Moby Grape alrededor de Skip Spence, un nativo canadiense, había tocado la batería con los Airplane, abandonando tras su primer álbum, y volvió a la guitarrista. El guitarrista Jerry Miller y el batería Don Stevenson fueron reclutados, al igual que el guitarrista Peter Lewis y el bajista Bob Mosley.

 

Los cinco miembros contribuyen más o menos igual a la composición de canciones en su debut homónimo en 1967, Columbia Records, sin embargo, daña la credibilidad de la banda con un exceso de bombo y la edición de no menos de cinco sencillos simultáneos. Peor aún, tuvieron numerosos problemas legales de tipo sexual cuando varios de sus miembros fueron encontrados con groupies menores de edad y aunque los cargos fueron finalmente retirados, los problemas legales de este hecho, combinados con una relación cada vez más tensa con Katz, minaron la unidad de la banda. El golpe final lo dio el doble LP 'Wow', uno de los discos más decepcionantes de los años 60, en gran parte por culpa de las altas expectativas que dejaron en su debut. Más de la mitad de las canciones tenían composiciones erráticas y los miembros del grupo demostraban una falta absoluta de destreza instrumental y vocal. Spence se apartó del grupo mientras el disco se estaba grabando en New York en 1968, tras un famoso incidente en el que entró en el estudio con un hacha, aparentemente con la intención de usarla contra Stevenson. Otro golpe inesperado fue tratado cuando Mosley se unió a la infanteria de marina en 1969 así el grupo se disuelve a finales de los años 60, a pesar de que se reunieran periódicamente para editar discos que pasan totalmente desapercibidos.

8:50 fue una de las canciones de más éxito de ese primer álbum, es realmente una canción muy bella, una dulce balada acústica que tiene ese encanto de cuando la música folk es pura y simple y no trata de ser nada más que lo que es, además la armonización funciona muy bien aquí.

0372.- A day in the life - The Beatles

 

A day in the life ("Un día en la vida") es el tema con el que The Beatles cierran de manera apoteósica su enorme Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de 1967, y está considerada entre las obras maestras de la banda de Liverpool y una de las mejores canciones de la historia de la música. Acreditada como siempre al dúo Lennon-McCartney, fue escrita en su mayor parte por John Lennon, y completada con un fragmento de una posible canción que Paul McCartney tenía en la recámara.

Que difícil debe ser quedarse con un solo día de toda una vida. ¿Cuál elegiríais vosotros? Si tuviera que elegir, quizá sería una noche de mayo en las fiestas de Getafe, el día que mi mujer y yo empezamos a salir juntos. Podría también elegir el día que nacieron mis hijos, pero eso no habría ocurrido sin aquella mágica noche de fiesta en la que nuestros caminos coincidieron. En el caso de Lennon, su "día en la vida" era en realidad una letra construida a partir de referencias a la película How I won the war, que el mismo protagonizó ("el ejército inglés acababa de ganar la guerra"), a artículos periodísticos ("un elevado número de hoyos en una carretera de Blackburn") y al accidente de coche que causó la muerte de su amigo Tara Brown, heredero de la fortuna Guinness.

La aportación de McCartney sí que se basaba en recuerdos de un día cualquiera de su juventud, y de la rutina que llevaba a cabo cada mañana (levantarse, coger el autobús, ir a clase y salir a fumar, justo antes de caer en un estado de ensoñación). La letra de Lennon engancha con este supuesto "viaje", y tuvo problemas con la censura de la época, ya que la BBC se negó en un primer momento a difundir la canción, debido a la frase "I'd love to turn you on" ("Me encantaría excitarte") y sus connotaciones de consumo de drogas.

La transición entre ambas partes incluye el sonido de un despertador, para el momento en el que la jornada de McCartney comienza, pero en realidad era un recurso para avisarle del momento en el que debía entrar y cantar su parte. El sonido encajaba tan bien con la letra ("Me levanté, me caí de la cama..."), que decidieron mantenerlo en la canción. Para la transición de vuelta a la sección de Lennon, optaron por incluir una orquesta completa, que tocó un crescendo con todos sus instrumentos pasando progresivamente de la nota más baja a la más alta.

El resultado fue tan extraño, y a la vez tan satisfactorio, que decidieron volver a incluirlo al final de la canción, rematándolo con un acorde de Mi Mayor, que tocaron al unísono Lennon, McCartney, Starr y Mal Evans en cuatro pianos diferentes. Mantuvieron el sonido del acorde durante más de cuarenta segundos, aumentando el volumen de la grabación a medida que el sonido del acorde se iba apagando. El volumen llegó a ser tan alto, que hasta puede escucharse el roce de uno de los zapatos de Ringo contra el suelo, al cambiar levemente de posición y no mantenerse parado hasta que la grabación terminara. Su zapato, y el consiguiente cabreo de McCartney, pasaron definitivamente a la historia de A day in the life, el tema con el que un día cualquiera se convirtió en algo absolutamente extraordinario.

Disco de la semana 257: Hermética - Victimas del Vaciamiento

Disco de la semana 257: Hermética - Victimas del Vaciamiento

Debo decir que no soy mucho del metal, pero un amigo siempre me pregunta sobre el Metal en Argentina, por ello para los que les gusta el metal, y en particular el metal en Argentina, en esta ocasión les traigo una banda Argentina, donde se siente la fuerza y la energía de un riff de guitarra.

La escena metalera, nos regaló a fines de los 80 una de las bandas más veneradas y reconocidas del metal en en Argentina, Hermética, por hacer un poco de historia de este particular sonido, Hermética es parte de una banda pionera V8, semilla del heavy en la Argentina, y Hermética su continuación formada por el bajista Ricardo Iorio, junto a Claudio O’Connor al micrófono, Antonio Tano Romano en guitarra y Claudio “Pato” Strunz en batería, empezaron a formar algo que, hasta nuestros días, es considerado una auténtica leyenda. por ello Hermética es en Argentina, lo que Iron Maiden al Reino Unido o Accept a Alemania, es decir, unos auténtico referentes del Metal en su tierra.

Este disco dicen que fue una consagración definitiva de la banda y también el final de su carrera. Ni el metalero más pesimista habría siquiera pensado que Victimas del Vaciamiento, fuera su último disco de estudio, se dice que motivos hubo, partes enfrentadas, declaraciones polémicas, etc. 

La separación de Hermética, paradójicamente, fue el trampolín que terminó por colocarlos en el estatus de leyendas, no comentare cuales fueron esos problemas que ocasiono que la banda se separara, solo decirles que fuera lo que fuera, nos han dejado un álbum que habla por si solo en la escena del Metal, y dejare a mis fans del Metal comprobarlo. Sin más hablemos de Victimas del Vaciamiento, y les pediré perdon de antemano si caigo en exactitudes con respecto a este álbum.

Comenzaremos con Soy de la Esquina que abre el álbum de forma rápida y frenética, con el Claudio Pato Strunz haciendo gala de su dominio de la batería, mientras la guitarra del Tano Romano desgrana un riff con bastante fuerza, y O'Connor con sus agudos raspados, sello inconfundible del sonido Hermética, nos espeta un himno a la amistad, ésa de calle, birra (cerveza) y acera. Buen comienzo para el disco.

Llega el turno de Otro día para ser, que inicia relajada y tranquila, con Ricardo Iorio casi recitando la letra, hasta que en el minuto 1:28 O'Connor y toda la banda desatan su energía en un tema de medio tiempo, cuya profundidad lírica y marco musical le han condenado desde siempre a convertirse en un clásico Heavy/Thrash. 

Con dos temas ya hemos entrado en materia, y ya vemos que Victimas del Vaciamiento no es un clon barato de su anterior álbum. Traición, otro medio-tiempo enérgico e iracundo, nos muestra a unos Hermética rabiosos como siempre, pero capaces de sonar meditativos y melódicos sin perder esencia. Y como para refrendarlo, le sucede Olvídalo y volverá por más, la dramática balada con Ricardo Iorio al micrófono, más anti-político que nunca. El Tano (Antonio Romano) se hace presente con un excelente solo lleno de intensidad y melodía, coronando al que considero uno de los mejores temas del disco, y un clásico inmediato. Un auténtico himno, que nos recuerda que los políticos siempre se ríen en nuestra cara. "En un avión se llevó el dineral, a donde nadie sabe." fuerte declaración, Hermética marca en sus canciones un gran tono de protesta.

En esta última formación de la banda su baterista Claudio Pato Strunz es un baterista tremendamente infravalorado, y quien tenga alguna duda, que se ponga Hospitalarias realidades. Ése doble bombo del inicio, veloz, fuete y aplastante, no deja indiferente a nadie. Un track sólido de principio a fin, marca de la casa. 

Cambiando un poco el aire, Buscando razón y su riff inicial con sabor más a heavy que a thrash, es la declaración de que la banda esta consolidada y como he dicho hizo que este álbum sea uno de los mejores. 

Lo que viene es un continuo vaivén, una montaña rusa de baja-sube-baja, el aire tétrico, casi doom-sabbathiano de Cuando duerme la ciudad baja las revoluciones del disco, pero luego Ayer deseo, hoy realidad nos pega nuevamente un furioso thrash al más puro estilo de la banda, un tema para sacudir la cabeza hasta reventarse la nuca, cabe destacar al Tano Romano, sacando fuego a las cuerdas de su guitarra. Y nuevamente la lentitud con Del colimba, con un Ricardo Iorio describiendo con resignación y amargura las miserias del servicio militar obligatorio (colimba, en Argentina, se les llama a los que cumplen con el mencionado servicio militar).

Llegando al final del álbum, la banda nos regala Moraleja, guiño descarado al folklore de la pampa argentina ¿en un álbum de heavy/thrash? Pues sí, Hermética, por muy duros e inconformes sociales que sean, no olvidan sus raíces. “Para informarte de que también yo he nacido, en el terreno del Atlántico a los Andes, del verde Chaco a los hielos fueguinos”. Ciertamente es toda una declaración de orgullo nacional, no exenta de picardía gauchesca. 

Por eso son unos dioses en su tierra. Y para cerrar este álbum, Tano Solo, donde Antonio Tano Romano y su guitarra son los únicos protagonistas, no es el típico solo de guitarra cliché o autocomplaciente, sino más bien un track de corte ambiental, oscuro, melancólico y solemne. Un cierre que bien simboliza el final de la carrera de la banda.

En la cima de su carrera artística, y habiendo llegado a su plena madurez musical, Hermética puso punto final a su conta historia de sólo seis años. Seis años que bastaron para posicionar a la banda en el lugar que, con toda justicia, se ganaron con su obra. El sentir que emana de su música, su identidad nacionalista y su compromiso con la lucha desde el lado del Metal han hecho de la H(ermética) una leyenda argentina en toda la extensión de la palabra.

Daniel
Instagram Storyboy

0371.- When I'm Sixty-Four - The Beatles

 

When I'm Sixty Four, The Beatles

     El 26 de mayo de 1967 el mítico álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band es publicado en Reino Unido bajo el sello discográfico Parlophone Records. Será el sello Capitol Records el encargado de publicarlo y distribuirlo en el mercado estadounidense el 1 de junio de 1967. El material es grabado entre el 24 de noviembre de 1966 y el 21 de abril de 1967 entre los EMI Studios y los Regent Studios, ambos de Londres. Considerada la opera prima del grupo y uno de los discos más influyentes de todos los tiempos, el disco permaneció 27 semanas en la cima de las listas de ventas del Reino Unido y durante 15 semanas en el primer puesto de la lista estadounidense Billboard 200.

Incluido en este mítico disco se encuentra el tema When I'm Sixty-Four, escrita Por Paul McCartney y acreditada al dúo Lennon-McCartney como era costumbre en aquella época. El tema fue grabado en sesión de grabación en los estudios EMI de Londres los días 6, 8, 20 y 21 de diciembre de 1966.

Esta canción surgió de una vieja pieza escrita por Paul McCartney cuando éste tenía 15 años y comenzaba su aventura con The Quarrymen, llamada When I Was About 15. Esta canción solía formar parte del repertorio del grupo cuando éste todavía se llamaba The Cavern. Paul se solía sentar al piano y entre pase y pase en el club Kauiserkeller de Hamburgo (Alemania), mientras tocaba la melodía de la canción anunciaba a los presentes y a todo aquel que quisiera escucharle que había escrito una canción. 

En 1966, cuando el padre de Paul, Jim McCartney, cumplió 64 años, al celebrar este evento, su hijo le dedicó una nueva versión de la canción titulada When I'm Sixty-Four. Una canción donde Paul reflejaba los pensamientos de un joven que mira hacia la vejez, preguntándose si como será su relación con el matrimonio y si todavía estará casado con alguna mujer cuando tenga esa edad. 

Al terminar la canción Paul dudaba de la calidad de la misma, pues encontraba la parte instrumental bastante floja. Uno de los que más le ayudo a reforzar el tema fue el productor George Martin, quien le planteó la posibilidad de añadir un cuarteto de clarinetes para que la canción sonara como una de esas canciones de las viejas Big Bands de los años 20. También se decidió acelerar la voz de Paul. El resultado fue una canción que el mismísimo John Lennon alabó, quién dijo de ella años después que "Ni siquiera soñaba con escribir una canción como esa".

Grandes éxitos y tropiezos: Green Day

Grandes éxitos y tropiezos: Green Day

Aunque los que iniciaron la movida del Rock Alternativo fue la mítica banda Nirvana por los años 90, no debemos olvidarnos de Green Day que es probablemente la segunda banda más importante de los años 90, abrió las puertas del neo-punk y del punk rock revolucionando la escena musical de aquellos años. Por ello hemos clasificado algunos de sus discos que deberías tener en tu casa y el que si no te sobre la pasta dejarlo pasar.

Así que en este post donde queremos destacar aquellos Grandes éxitos y tropiezos, recomendaremos a Green Day.

Comenzaremos con un disco claramente el mejor de ellos Dookie influyó claramente en el rock de la época. es el tercer álbum de Green Day y es una fábrica de éxitos de principio a fin. Contiene tres de sus singles definitivos ("Basket Case", "Longview" y "When I Come Around") junto con otros temas destacados de segundo nivel como "Welcome to Paradise" y "She". El álbum llegó en el momento perfecto para reintroducir el punk adolescente en las masas y, después de haber vendido más de 20 millones de copias, siempre seguirá siendo el álbum más grande de Green Day, así que este a casa que lo tienes que tener. 

Un año después de que se disparara su éxito en el mundo del rock con Dookie, Green Day decidió mantener el mismo esquema musical pero rebajando la cantidad de melodías e incorporando sonidos algo más oscuros. Insomniac demostró que Armstrong era capaz de crear más éxitos como "Geek Stink Breath", "Brain Stew/Jaded" y "Walking Contradiction". Este su cuarto álbum del grupo fue multi-platino y sigue estando muy cerca de los fans de toda la vida, a pesar de no ser tan inspirador como Dookie, así que si te llevas Dookie, seguro querrás llevar Insomniac a casa también. 

Otro de los álbumes infaltable en tu colección debería ser American Idiot, un álbum vinculado al atentado del 11 de Septiembre, que no solo cuenta la historia de un personaje llamado "Jesus of Suburbia", sino que también "American Idiot" es una auténtica obra maestra del pop-punk y un hito del rock como demuestran canciones de la talla de "Boulevard of Broken Dreams", "Wake Me Up When September Ends", "Holiday" y la que da nombre al disco inspirada en la Casa Blanca. Además de conseguir un Grammy con este álbum, fue el segundo disco más vendido en la historia del grupo.

También te puede pasar al igual con los dos primeros álbumes de la banda, deberías tener este disco en tu casa, y con este van cuatro álbumes que no me lo pensaría ni un momento, ya que después del éxito de American Idiot, Green Day se vio de repente como una banda de rock moderna importante y aclamada por las masas y, tras cinco años de sequía discográfica el trío californiano volvió a la escena con un nuevo álbum 21st Century Breakdown habla sobre una joven pareja que se mueve por los suburbios de América. A pesar de no cosechar todo el éxito que se esperaba entre sus fans, Green Day consiguió un Grammy como el "Mejor álbum de rock". 

Y hasta aquí yo me los llevaría todos a casa, es una colección de deberías tener y disfrutar, como hemos dicho una banda icono de los 90, con una fuerza nunca antes vista, y hablando de vista, donde no deberías meterte es en una trilogía que saco la banda que los titulo Uno! - Dos! - Tre! 

De la colección de estos tres álbumes, el primero se ajusta más a la intención inicial de Green Day de crear un disco power-pop rápido y menos punk, la segunda entrega de su trilogía fue un segundo álbum no oficial del proyecto paralelo del vocalista Foxboro Hot Tubs, más estilísticamente disperso y orientado a la fiesta que "Uno!", y por último Tre! inspirados en los míticos The Clash, este triple álbu pasó desapercibido por gran parte de sus fans, esto se debe a su sensación desigual y la falta de algún tema realmente memorable, como nos tenían acostumbrados, por ello ya tienes suficiente con cuatro de los mejores álbumes que te puedo recomendar llevarte a casa. 

Amigos en esta vida donde los Grandes éxitos y tropiezos estan a la vuelta de la esquina, nuestra selección de esta semana. 

Daniel

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Thin Lizzy: Nightlife (Mes Thin Lizzy)

 

Nightlife, Thin Lizzy

     Nos encontramos en 1974, y el trío de Thin Lizzy, Phil Lynott, Brian Downey y Eric Bell ya tienen publicados tres álbumes de estudio más un EP. Parece que las cosas les empiezan a salir de cara tras trabajar duramente, pero un nuevo revés les hará pensar en la disolución del grupo: La marcha de Eric Bell. Eric Bell decide dejar la  banda tras la presión ante tantas giras, grabaciones y los excesos que rodean a la banda, ya no puede más. Pero como reza el dicho de que las desgracias nunca vienen solas, al abandono de Bell se suma que el contrato con el sello discográfico Decca se ha terminado. Lo primero que hacen Lynott y Downey es tirar de recursos y llamar a un viejo conocido de la banda, Gary Moore, el cual permanece unos meses en la banda. Cuando todo parece empezar a encarrilar, Moore decide dejar Thin Lizzy, pues tiene otros planes y acaba fichando por el grupo de jazz-rock fusión Colosseum II. Entre Moore y Lynott siempre hubo un vínculo especial y una gran amistad. Como músico Moore era superior a Lynott, pero Lynott era más carismático y mejor compositor. Ls dos cuidaban los detalles hasta lo obsesivo, y aunque juntos se complementaban brillantemente, son dos gallos en un mismo corral. De hecho dicen los que recuerdan aquella época que ver en el escenario a Lynott, Moore y Downey era harina de otro costal, arrasaban donde iban.

Lynott y Downey se vuelven a encontrar solos y deciden fichar a dos guitarristas, el alemán Andy Gee y John Cann (Atomic Rooster), con los que acaban la gira por Irlanda e Inglaterra en la que están inmersos como buenamente pueden. Al acabar los compromisos Brian Downey se piensa seriamente abandonar Thin Lizzy, pero es convencido por uno de sus representantes, Ted Carroll, para que aguante un poco más para ver si son capaces de recomponer la banda. Acabada la gira, el grupo tiene una merecida reputación pero no tienen guitarrista, Downey está pensando seriamente en abandonar y encima no tienen contrato discográfico, pero finalmente Lynott y Downey deciden hacer un nuevo intento. La idea que tiene Lynott, en vez de apostar por un guitarrita solista y otro rítmico, es la de dos guitarristas que sean capaces de repartirse ambas tareas, la rítmica y la solista, que sean capaces de entrelazar armonías, combinar dos líneas melódicas a la vez, que no sean egoístas, y que puedan trabajar equitativamente ambos. Con esta idea en la cabeza acaban fichando a dos guitarristas, el escocés Brian Robertson y el californiano Scott Gorham.  

El problema del guitarrista parece estar resuelto de momento, pero el grupo sigue sin contrato. Ted Carroll, uno de los representantes del grupo en esa época junto a Chris O'Donnell había decidido dejar la representación del grupo, hecho que comunica a Lynott, diciéndole que antes de irse quiere dejar los asuntos del grupo en orden. Las compañías Polygram y CBS habían rechazado al grupo, y RCA les había hecho una oferta pero se negaban a pagar al grupo cualquier adelanto, algo que necesitaban pues estaban hasta arriba de deudas. La compañía Island está a punto de ficharles, pero el acuerdo se va al traste por falta de consenso en el seno de la compañía. El representante Ted Carroll había decidido dejar el grupo para centrarse de lleno en su tienda de discos situada en Londres, Rock On. Neil Grainge, que trabajaba en la discográfica Phonogram Records, y era cliente habitual de la tienda de Carroll, en una de sus asiduas visitas fue abordado por Carroll quien le comentó que Thin Lizzy estaban buscando discográfica. Grainge no era muy fan del grupo pero sabía que tenía un directo muy bueno. Gracias a este contacto el grupo liderado por Lynott tuvo la oportunidad de mandar una maqueta a la discográfica con dos temas. Uno de esos que contenía la maqueta era Still in Love With You, y al escucharlo, a los dirigentes de la discográfica les pareció absolutamente maravilloso. A Grainge y a la discográfica les habían asegurado que el tema había sido grabado por sus dos nuevos guitarristas, Gorham y Robertson, una mentira piadosa, pues el tema había sido grabado por Gary Moore antes de marcharse.

El sello discográfico Phonogram estaba decidido a fichar al grupo pero antes querían verlos en directo. El grupo tuvo que pedir un préstamo para cubrir los gastos de la audición en el mítico Marquee de Londres. La noche de la audición hacía un calor espantoso y las guitarras de Gorham y Robertson se desafinaron, pero poco importó porque el cuarteto era tan bueno que quedó contratado de inmediato. Seguidamente el grupo se metió en el estudio para la grabación del que sería su cuarto álbum de estudio, Nightlife.

Nightlife es grabado entre los Saturn estudios de Worthing (Inglaterra) y los Trident Studios y los Olympic Studios de Londres entre abril y septiembre de 1974, y publicado el 8 de noviembre de 1974. El disco fue producido por Phil Lynott y por el productor estadounidense Ron Nevison, quien había trabajado antes como ingeniero para el álbum Quadrophenia de The Who y en los tres primeros discos de Bad Company. La carátula, diseñada por Jim Fitzpatrick, muestra lo que parece ser una pantera en una escena de la ciudad. Se pensaba que la pantera representaba a Lynott, pero el mismo Fitzpatrick  confirmó que ésta se refería a los Panteras Negras y a figuras políticas afroamericanas como Malcolm X Y Martin Luther King Jr. 

El resultado es un disco que si bien podemos considerar correcto, es el trabajo que supuso el punto de inflexión de la banda. Es el primer álbum donde aparece el cuarteto que marcará la época dorada de la banda (Lynott, Downey, Robertson y Gorham), un cuarteto que acabará funcionando como un rodillo bien engrasado. También empiezan a asomar por primera vez en la banda destellos del característico sonido de las guitarras gemelas de la banda y que les convertirá en una apisonadora en directo, un sonido que acabarán explotando en su siguiente disco, Fighting. Thin Lizzy fue una de las bandas que mejor supo entender y explotar dicho sonido de las guitarras gemelas. Un álbum al que a pesar de faltarle una dirección clara y algo de contundencia y cohesión ya da muestras de lo que está por venir, y donde destacan temas como Philomena, un tema escrito por Lynott en honor a su madre Philomena Lynott. Un tema con una fuerte influencia irlandesa en su sonido; Sha La La, escrita por Lynott y Downey, esta canción crecía exponencialmente interpretada en directo; y la suave y melódica balada Frankie Carrol, que nos recuerda a los primeros temas de Lynott. Pero por encima de todos los temas destaca Still in Love With You, una de las óperas primas de la banda. En 1974, cundo Gary Moore llega al grupo para suplir a Eric Bell, durante ese periodo que permanece en la banda se mete en el estudio y graba algunos temas. Uno de esos temas es Still in Love With You, el cual al parecer es una composición que Moore había realizado allá por el año 1969 y que todavía no se había decidido a grabar todavía. Cuando Thin Lizzy se encontraba en el estudio grabando Nightlife, a Brian Robertson le ofrecieron grabar el sólo de guitarra de este tema pero el se negó, pues consideraba que el sólo de Moore era tan bueno que era imposible de mejorar. La grabación original contaba con un dúo en las partes vocales entre Lynott y Moore, posteriormente se volverían a grabar estas partes vocales siendo interpretadas por Lynott y por el cantante escocés Frankie Miller.

Nightlife es un disco fundamental en la obra de Thin Lizzy, pues suspuso el punto de inflexión de la banda y marcó el camino a seguir, un camino que se vería reforzado con los siguientes trabajos de la banda. La explosión de la banda y sus mejores trabajos estaban por llegar...

0370.- Lucy in the sky with diamonds - The Beatles

 

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band fue uno de los primeros álbumes 'conceptuales' y abrió el camino hacia álbumes con canciones más largas y vínculos temáticos. Los avances tecnológicos jugaron un papel vital a medida que The Beatles desarrollaban la complejidad de su música. El productor George Martin y el ingeniero de sonido Geoff Emerick utilizaron procesamiento de señal (rango dinámico, reverberación, limitación de señal) en las grabaciones, así como también ejecutar instrumentos a través de un altavoz Leslie. También se utilizaron nuevas técnicas de producción que incluyeron control de tono, inyección directa o doble seguimiento automático y ambiofónico.

Lucy in the sky with diamonds, es una de las canciones más psicodélicas de la banda, descrito por la revista Rolling Stone como "el lujoso sueño de Lennon", todo, desde la letra ilusoria de "Lucy" hasta su complejo arreglo, ha hecho eterno el legado de esta melodía psicodélica.. la primera polémica, el título de la canción de "Lucy", en realidad se inspiró en una imagen que el hijo de cuatro años de Lennon, Julian, pintó de su compañera de clase Lucy O'Donnell. “Me llevaron a casa de la escuela y vine caminando con una de mis pinturas de acuarela”, recordó Julian años más tarde en un intento de abordar el error popular. “Era solo un montón de estrellas y esta chica rubia que conocí en la escuela. Y papá dijo: '¿Qué es esto?' Dije: '¡Es Lucy en el cielo!'. Un testigo de este acontecimiento es Ringo Starr, quien reveló un par de años más tarde que él estuvo presente cuando Julian le mostró el dibujo a John. Esta canción fue grabada en una época donde la gente solía experimentar su creatividad con esta droga, por lo que nadie les creyó en un principio que no se tratara sobre el LSDL ya que el titulo es un supuesto acrónimo al LSD (Lucy in the Sky with Diamonds). Las imágenes de ensueño a las que se hace referencia en la letra de las canciones de Lennon (que pudieran parecer imágenes bajo los efectos de la droga) se inspiraron en imágenes de “las aventuras de Alicia en el país de las maravillas” y “A través del espejo y lo que Alicia encontró allí” de Lewis Carroll (quien también aparece en la portada de Sgt. Pepper’s). Carroll fue uno de los personajes importantes en la vida creativa de Lennon, pues más tarde decidió mencionarlo en sus libros In His Own Write, A Spaniard in the Works y Skywriting by Word of Mouth. A pesar de todas las explicaciones, la canción fue prohibida por la BBC (British Broadcasting Company) por lo que pensaban que eran referencias a drogas poco veladas, asi como ocurrio con una gran parte del Sgt. Pepper’s como “A Day in the Life”, “Being for the Benefit of Mr. Kite!”, “Fixing a Hole”, “With a Little Help from My Friends”, “Lovely Rita” y “When I’m Sixty-Four”.

0369.- With a Little Help from My Friends - The Beatles

0369 - With a Little Help from My Friends - The Beatles

The Beatles compusieron With a Little Help from My Friends esta canción de la banda fue incluida en su álbum de 1967 Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, fue escrita por John Lennon y Paul McCartney y cantada por el baterista Ringo Starr, su voz principal para el álbum. Como segundo tema del álbum,

En 1978, la grabación de The Beatles de With a Little Help from My Friends, junto con Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, se reeditó como sencillo y alcanzó el número 63 en Gran Bretaña y el número 71 en Estados Unidos. Starr ha interpretado regularmente la canción en concierto como artista en solitario. With a Little Help from My Friends de The Beatles ocupó el número 311 en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de Rolling Stone.

Cuentan que la grabación de esta canción realizada por The Beatles se comenzó a grabar la canción el 29 de marzo de 1967, el día antes de que posaran para la portada del álbum Sgt. Pepper. 

Se realizaron 10 tomas de la canción antes de que terminaran con ella, eso provoco que terminaran las sesiones a las 5:45 de la mañana, la pista de acompañamiento estaba formada por Starr a la batería, McCartney al piano, Harrison a la guitarra solista y Lennon golpeando un cencerro. 

Al amanecer, Starr subió a duras penas las escaleras para irse a casa, pero los otros Beatles le engatusaron para que hiciera su voz principal allí mismo, situándose alrededor del micrófono como apoyo moral, al día siguiente añadieron pandereta, coros, bajo y más guitarra eléctrica.

Aunque la canción fue escrita por Lennon y McCartney quienes la compusieron a mediados de los 1967, esta fue escrita específicamente para que la cantara Ringo Starr para el álbum. por ello McCartney dijo: "Fue más o menos coescrita, John y yo haciendo una canción de trabajo para Ringo, un pequeño trabajo artesanal". Posteriormente en 1970 Lennon declaró: "Paul tenía la línea sobre 'With a Little Help from My Friends'. Tenía una especie de estructura para ella, y la escribimos más o menos al cincuenta por ciento a partir de su idea original", 

Daniel
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La música en historias: ¿Sabes? ¡Phil Lynott murió!

Phil Lynott 

       Hoy, 4 de enero de 2022, se cumplen 36 años de la muerte de Phil Lynott. El 4 de enero de 1986, Lynott, que llevaba los días anteriores inmerso en una vorágine de alcohol y drogas, nos decía definitivamente adiós. En 7dias7notas queremos rendir homenaje a su figura, y lo vamos a hacer con un tema que Los Suaves, declarados fans incondicionales de Thin Lizzy y de la obra de Phil Lynott, compusieron en 1988 en honor a su figura y publicaron en su álbum Ese día piensa en mí, el tema ¿sabes? ¡Phil Lynott murió!:

     Campanas de muerte resuenan, pues en la ciudad del rock and roll ya no brillan las estrellas. ¿Sabes? ¡Phil Lynott murió!. Sí, aquel irlandés de tez morena que desde bien pequeño ya tenía claro lo que quería ser, y comenzó su andadura en bandas como The Black Eagles ó Skid Row.

     En un día de noche negra tocó su canción del adiós. El libro del tiempo se cierra. ¿Sabes? ¡Phil Lynott murió!. Sí, ese que en 1969, y contando con apenas 20 años fundaba su propia banda, acompañado de su inseparable amigo de la escuela y baterista Brian Downey y del guitarrista Eric Bell.

     Y es que hoy, en la madrugada se paró su reloj. Se durmió, sueña para siempre sueños de algodón. Y es que hoy un manto de sombras cubre el rock and roll. Se durmió, sueña para siempre sueños de algodón. Sí, ese que tras mucho trabajo y esfuerzo, consiguiera su primer éxito con Whiskey in the Jar. Curioso que este tema le diera su primer éxito a Phil, pues consideraba que este tema no representaba su esencia musical ni la de su banda.

     ¡Silencio! silencio en la arena, el bajo llora en un rincón. Las guitarras ya no suenan. ¿Sabes? ¡Phil Lynott murió!. Sí, ese irlandés que consiguió que el mismísimo Bob Dylan cayera rendido a sus pies, pues consideraba que Lynott era un magnífico compositor, poeta y contador de historias, llegando a decir de él que era un genio.
 
     Que se cierren las fronteras en el país del rock and roll, para guardar nuestra pena ¿Sabes? ¡Phil Lynott murió!. Sí, ese que estando su grupo al borde de la desaparición, y cuando todo estaba perdido, y junto con su queridísimo amigo de la infancia, Brian Downey, se tiró un farol con un tema salvador (Still in Love with you) y apostó por dos guitarristas muy dispares, un escocés (Brian Robertson) y un californiano (Scott Gorham). Aquella formación acabaría marcando toda una era e influenciando a infinidad de bandas de rock posteriores.

     Y es que hoy un manto de sombras cubre el rock and roll. Se durmió, sueña para siempre, sueños de algodón. Sí, aquel genio que fue derribando barreras y abriendo puertas para que la música irlandesa y los músicos irlandeses se dieran a conocer en el mundo entero.

     Seguro que Lynott está ahora mismo observándonos mientras está sentado alrededor de una hoguera, contando a los allí presentes antiguos cuentos y leyendas de príncipes y princesas, cuando los reyes y reinas bailaban en el reino de la rosa negra.......

Black Rose, A Roisin Dubh

Tell me the legends of long ago
When the kings and queens would dance in the realm of the Black Rose
Play me the melodies I want to know
So I can teach my children, oh

Pray tell me the story of young Cuchulainn
How his eyes were dark his expression sullen
And how he'd fight and always won
And how they cried when he was fallen

Oh tell me the story of the Queen of this land
And how her sons died at her own hand
And how fools obey commands
Oh tell me the legends of long ago

Where the mountains of Mourne come down to the sea
Will she no come back to me
Will she no come back to me
Oh Shenandoah I hear you calling

Far away you rolling river
Roll down the mountain side
On down on down go lassie go
Oh Tell me the legends of long ago

When the kings and queens would…

When the kings and queens would dance in the realms of the Black Rose
Play me the melodies so I might know
So I can tell my children, oh
My Roisin Dubh is my one and only true love

It was a joy that Joyce brought to me
While William Butler waits
And Oscar, he's going Wilde
Ah sure, Brendan where have you Behan?

Looking for a girl with green eyes
My dark Rosaleen is my only colleen
That Georgie knows Best
But Van is the man

Starvation once again
Drinking whiskey in the jar-o
Synge's Playboy of the Western World
As Shaw, Sean I was born and reared there

Where the Mountains of Mourne come down to the sea
Is such a long, long way from Tipperary

0368.- T.B. Sheets - Van Morrison

0368 - T.B. Sheets - Van Morrison

Vamos con una canción del cantante Van Morrison del año 1967, T.B. Sheets es una canción que tiene influencias en el blues, la cual fue escrita y grabada por el cantautor norirlandés Van Morrison. Esta canción fue producida por ¡Bang Records y publicó la canción en su primer álbum en solitario, llamado Blowin' Your Mind!. Esta canción también apareció en el recopilatorio de Bang T.B. Sheets.

Esta canción recibió una crítica de AllMusic la cual decía: "The listener is placed in the room. Although somewhat disturbing, it certainly describes the term realism with one bold masterful stroke". (El oyente se sitúa en la habitación. Aunque algo inquietante, sin duda describe el término realismo con un audaz trazo maestro)

El escritor y bibliógrafo John Collis describió el significado de esta canción como, "En primer lugar, el cantante reprende al enfermo terminal por llorar. No es natural". La mujer llora toda la noche y el observador, atrapado en la habitación de la muerte, se siente avergonzado e impotente, más adelante en la canción, el sol que rebota en una grieta del cristal de la ventana "adormece mi cerebro"... Y luego está la aplastante claustrofobia de la sala de enfermos "Déjenme respirar", le exige a la mujer cuya respiración falla, burbujeando en unos pulmones cursis. Hay una calle abajo, una calle que ella nunca volverá a pisar, y él se desespera por estar ahí abajo, por reunirse con los vivos, porque "la habitación fría es una habitación de tontos".

Otros de los autores que describió la música de la canción fue Brian Hinton quien dijo "Se trata de un cuento dickensiano sobre la muerte y la decadencia en una gran ciudad. El órgano y la batería van por libre, luego un groove majestuoso, que encaja con la voz de Van Morrison como un garrote, dirigido por la fastidiosa guitarra principal. La armónica de Van Morrison hiere el oído, luego es como un terrier, sermoneando a su novia, 'Julie', sobre que no es natural que se quede despierta por la noche, muriéndose".

Otras de las crítica de esta canción realizada por Steve Labate comentaba el tema de la canción: "'T.B. Sheets' es una de las canciones más reales sobre la muerte que se pueden escuchar. A medida que la vida se va despojando de la amada Julie, enferma de tuberculosis, no hay un drama trillado, ni una capa de azúcar nostálgica ni una gran epifanía en el lecho de muerte, sino más bien un fatalismo del tipo "¿Es eso todo lo que hay? La luz del sol que brilla a través de la grieta en el cristal de la ventana adormece mi cerebro", gime Morrison sobre un órgano Hammond".

Todo lo que se ha escrito y dicho sobre esta canción, demuestran el poder del autor en demostrar una situación tan dolorosa como la muerte, transformarla en poesía. 

Daniel
Instagram Storyboy

Thin Lizzy, Comienza la aventura (Mes Thin Lizzy)

 

Thin Lizzy

     Que mejor manera de rendir tributo a una de las bandas de rock más importantes que ha dado Irlanda que hacerlo justamente este mes, el mes de enero, un mes que está marcado por el fallecimiento de su indiscutible líder, Phil Lynott. Thin Lizzy fue una de las primeras bandas irlandesas en romper barreras, logrando éxito fuera de sus fronteras, covirtiéndose además en una de las grandes referencias para infinidad de bandas que llegaron posteriormente. Su líder Phil Lynott fue además el primer irlandés de color en lograr éxito en el campo de la música rock. 

Durante un mes vamos a ir desgranando gran parte de la obra del grupo irlandés, un grupo que además de conocer las mieles del éxito también estuvo acompañada de muchísimos infortunios. Las drogas tuvieron un factor importante, pues fueron una constante en la historia del grupo, y fueron precisamente estas las que nos arrebataban de este mundo a su líder Phil Lynott cuando este contaba únicamente con 36 años.

Hablar de Thin Lizzy es hablar de su líder Lynott, alma del grupo, dotado de un gran talento para la música. Tenía tal don para escribir letras y contarnos historias que hasta el mismísimo Bob Dylan consideró al irlandés un magnífico compositor, poeta y contador de historias, de él decía que era un genio. Antes de cumplir los veinte años, en 1969, Lynott ya había formado Thin Lizzy junto a su inseparable amigo de la escuela el baterista Brian Downey y el guitarrista Eric Bell, experimentado y reputado músico que por aquél entonces ya se ganaba la vida cómodamente con la música. Dos años después, en 1971 el grupo conseguía publicar su primer álbum de estudio: Thin Lizzy.

A mediados de 1970 entra en escena Brian Tuite, propietario de Band Centre, la principal tienda de instrumentos musicales de Dublín, y Peter Burdon, exitoso director de una agencia que llevaba la contratación de grupos por toda Irlanda. Tuite y Burdon asumen llevar la carrera y representaciónn del grupo a cambio de una simbólica suma de dinero que ronda la doscientas libras. Brian Tuite tenía muy buena relación con Frank Rodgers, un cazatalentos que trabajaba en Londres para la discográfica Decca Records. Finales de 1970, y Tuite había llegado a un acuerdo con Rodgers para que éste hiciera una pueba a otro de sus representados, un cantante de soul llamado Ditch Cassidy. Tuite quiso matar dos pájaros de un tiro y se le ocurrió usar como grupo de acompañamiento para el cantante a Thin Lizzy. La jugada le salió redonda a Tuite, pues Rodgers percibió en el trío que tenía algo especial y les ofreció un contrato con Decca Records. En enero de 1971 el trío irlandés se mudó a Londres, concretamente a una pensión situada en Sussex Garden, cercana a los estudios de Decca Records, para grabar el material de su primer álbum de estudio, un material que grabaron en menos de una semana. 

Para la producción y grabación de este disco debut, de título homónimo, el grupo trabajó con el productor y compositor estadounidense Scott English, quien ya había trabajado ente otros con Jeff Beck y era coautor de su éxito Hi Ho Silver Lining. Scott English fue una imposición de la discográfica, y durante la grabación del álbum surgieron fricciónes entre él y Lynott. La cosa llegó hasta tal punto que cuenta Tuite que en una ocasión Scott, que no quería usar el micro para que el resto del grupo le escuchara, se dirigió a Tuite que se encontraba en la cabina de control con él y le dijo: "Sal ahí y dile al bajista que baje el volumen". Entonces Tuite entró a la cabina y le dijo a Lynott: "El de la barba quiere que bajes el volumen del bajo", y Lynott le respondió: "Dile a ese puto yanqui que se vaya a tomar por culo", consciente de que el micro estaba abierto y Scott escuchaba perfectamente aquello. Apenas superaba los 20 años y Lynott ya hacía gala de su personalidad.

El resultado es Thin Lizzy, un atractivo batiburrillo de temas donde parte del material fue grabado de forma improvisada con cosas que iban surgiendo durante la grabación. Musicalmente es un álbum con sonidos de blues rock y folk rock donde se nota que el grupo, a través de su destreza musical con tintes de jam sesión por momentos, está buscando su propio sonido. Estas composiciones se ven reforzadas por unas letras e historias que destacan ya el enorme potencial de Lynott, compositor de casi toda la obra del grupo, para escribir y contarnos historias. En cuanto a recepción comercial el álbum se vendió moderadamente bien pero no llegó a las listas del Reino Unido, el gran objetivo de la banda.

Comienza el disco con The Friendly Ranger at Clontarf Castle, escrita por Bell y Lynott. Tema donde Lynott imprime su destreza poética en unas letras y citas que son extraídas de dferentes tebeos. Honesty Is No Excuse, canción que nos habla de los arrepentimientos que rodean a la persona a lo largo de su vida. Curiosa letra escrita para un joven que apenas contaba con 21 años en el momento de grabarla. La canción se caracteriza por la suave guitarra de Eric Bell y el acompañamiento del melotrón tocado por Ivor Raymonde. Diddy Levine nos cuenta la historia de la chica que da título a la canción, una historia corriente de una chica cualquiera. Lynott nos relata la historia de Diddy, quien a finales de los años 40 tiene una hija. Diddy decide separarse de su pareja cuando la niña es aún pequeña e iniciar la aventura de vivir las dos solas, pues durante su vida posterior rechaza dos propuestas de matrimonio. La niña crecerá y conservará el apellido de su madre. Un tema que podría ser perfectamente autobiográfico del propio Lynott. Ray-Gun, escrita por Bell, es un tema con unos grandes riffs de guitarra donde éste muestra sus influencias por Jimi Hendrix, mientras que en el apartado vocal a Lynott se le nota su admiración e influencia por cantantes como Jimi Hendrix, Van Morrison, Joe Cocker o Rod Stewart. Cierra la cara A Look What the Wind Blew In, tema inspirado en la periodista Gail Barber, con quien Lynott tuvo una relación. La canción contiene un juego de palabras con el nombre de la periodista y sobre un vendaval del norte. Barber era de Belfast y Lynott vivía en Dublín. 

Abre la cara B Eire, uno de los mejores temas del álbum sin duda. En este tema original y lleno de energía y a través de los overdubs (Técnica de sobreponer capas de audio en procesos de grabación) de guitarra de Bell, Lynott nos cuenta un gran relato de heroísmo celta. En un primer momento Lynott, Downey y Bell grabaron la letra de la canción en irlandés, pero la compañía discografica Decca se cerró en banda y les exigió que la volvieran a grabar en inglés. No les quedó más remedio. Return of the Farmer's Son, tema comienza con unas melodías prometedoras y que acaba perdiendo fuelle a causa de los excesivos arreglos que le incorporan. Eso sí, es un tema donde Bell, Lynott y Downey dejan destellos de su gran calidad instrumental. Clifton Grange Hotel, donde Lynott hace un idelizado retrato del "misericordioso refugio" (como así reza en la letra del tema) de su madre en el barrio chino de Manchester. Este era un hotel dirigido por su madre y por Dennis Keeley. Un hotel que era conocido como The Showbiz o The Biz, y donde su clientela solían ser artistas, hombres de negocios, strippers o bailarines, y que incluso era patrocinado por la figura del Manchester United George Best (amigo de Phil Lynott) y algunos de sus compañeros de equipo. Saga of the Ageing Orphan, una agradable balada en tono folk donde Lynott vuelve a hacer mención a la familia, concretamente a su abuela y su tío, y nos habla sobre el miedo a envejecer. Cierra la cara B y por tanto el disco Remembering part 1, tema invadido por la nostalgia donde Lynott recuerda a una antigua novia y rememora los días del viejo cine. todo un ejercicio de sensibilidad y nostalgia para un chico de tan sólo 21 años. 

En ediciones posteriores se incluyeron en ést álbum como bonus tracks cuatro temas, lo cuales pertencían al fallido EP del grupo titulado New Day: Dublín, considerado por la crítica como la primera gran letra que escrbió Lynott, Remembering Part 2, Old Moon Madness y Thing Ain't Workin' Out Down at the Farm. 

0367.- Brown eyed girl - Van Morrison

Brown Eyed Girl fue el primer sencillo del disco Blowin' Your Mind! (1967) de Van Morrison, y la primera canción con la que su autor conoció el éxito tras dejar la seguridad y el estatus que ya tenía como cantante del grupo Them. Cuenta con la colaboración del grupo Sweet Inspirations en los coros, que le dieron a la canción el aire soul que la diferencia de otras composiciones del artista norirlandés.

Hablamos de la que es, probablemente, su canción más difundida y famosa, pese a no ser la canción más representativa de su estilo o de su carrera. Originalmente titulada Brown-Skinned Girl (Chica de piel morena) y llamada finalmente Brown eyed girl durante las sesiones de grabación, fue una canción controvertida durante los años setenta por el alto contenido sexual de algunos de sus versos (haciendo el amor sobre el verde césped), dedicados al recuerdo de una relación pasada con una chica de ojos marrones.

El magnetismo de aquella nostálgica mirada de ojos marrones ha cautivado, con los años, a muchos otros trovadores que la han versionado en estudio o en directo (Bruce Springsteen, Bob Dylan, Cat Stevens, Green Day, The Rolling Stones y un largo etcétera). Sus ojos fueron de color miel en la versión en catalán de Els Pets (Ulls de color mel), mientras en la versión en castellano de Roberto Jordán fueron del color del café (La Chica de los Ojos Cafés), pero nunca hubo duda de que, detrás de todas ellas, estaba la misma musa que regaló a Van Morrison fortuna y éxito, y una de esas miradas que no tienen precio.

0366.- I’m a glad - Captain Beefheart & His Magic Band

El debut de Don Van Vliet (alias Captain Beefheart) en formato LP fue un golpe de fortuna porque él y su banda (bautizada como His Magic Band) fueron rechazados por las discográficas hasta que finalmente encontraron una que les acogió: Buddah Records lo que les abrió la puerta para grabar un LP en el que dieran mayor rienda suelta a su verdadero propósito: actualizar y revitalizar nuevamente el blues y el R&B. Si tres años antes los Rolling Stones habían establecido una vertiente más agresiva en estos estilos, enfatizando el componente sexual, Captain Beefheart And His Magic Band se dirigieron a la vertiente más maníaca y psicodélica, el sonido es muy accesible y emocionante gracias a una banda de acompañamiento que ejecuta interpretaciones precisas, con unas afiladas guitarras que rivalizan en ocasiones por el protagonismo que obviamente recae en la lunática voz de Beefheart. Uno de esos dos guitarristas es nada menos que el gran Ry Cooder, demostrando su maestría desde bien joven. Toda una suerte que pudieran contar con su participación. La sección rítmica merece también un reconocimiento especial, sobre todo en temas tan originales como ‘Abba Zaba’.La música de Beefheart se basa en mayor medida en la deconstrucción del Blues exagerando sus aspectos más peculiares y dejando impronta de su propio estilo experimental. Esto, como en el caso de su gran amigo Frank Zappa, demuestra su infinito amor por el género ya para hacerlo bien hay que conocer al dedillo todos sus parámetros. No obstante, también se atreve a «Beefheartizar» otros géneros como el Soul con sus cantos aparentemente profundos

I’m a glad, canción de 1967 incluida en el album Safe as Milk de Captain Beefheart & His Magic Band te calmará, relajará tus músculos y te pondrá en un lugar nostálgico aunque lo que pretendían era hacer una parodia dedicada a las baladas que tiene una gran sección de trompeta. En realidad, se está burlando de Tom Jones con esto mientras canta sobre la ex novia de la persona con líneas extrañas que incluyen 'Te fuiste, lloré día y noche / por lo que hiciste tuve que pagar / me dejaste tan triste que no saber / a dónde ir o qué hacer / por favor regresa y deja que el sol brille”, pero les salió muy bien, la voz tierna y tristr de Don Van Vliet canta sobre los buenos tiempos, la gratitud y la pérdida mientras su Magic Band le arrulla detrás de él. El tempo constante te da unas sensaciones fantasticas, perfecta para repetir mientras se balancea con un amigo, sale a caminar o resuelves aquellos problemas que te atormentaban.

Disco de la semana 256: Crooked Rain, Crooked Rain - Pavement

 

Pavement, banda estadounidense cuyas letras atrevidas y texturas sonoras derivadas del punk se fusionaron en una poesía de referencia flotante que personificaba el rock universitario de los noventa. Los miembros originales eran cantante, guitarrista y compositor principal Stephen Malkmus y el guitarrista Scott Kannberg. El batería original Gary Young, un veterano de la contracultura que dirigía el estudio donde Pavement grabó inicialmente, fue reemplazado por Steve West en 1993, el Percusionista Bob Nastanovich y el bajista Mark Ibold se incorporaron en 1991 y 1990, respectivamente. Formado en Stockton, California, en 1989, Pavement fue uno de los primeros grupos musicales en alcanzar la mayoría de edad dentro de la subcultura del indie rock, formando sus identidades musicales escuchando REM. Sus primeros lanzamientos, luego compilados en el álbum de 1993 Westing, ofreció fragmentos comprimidos de sonido industrial y fragmentos de pop de baja fidelidad sorprendentemente melódico (Baja fidelidad: música hecha con equipos de grabación rudimentarios, como cintas de cuatro pistas). Pero Slanted and Enchanted (1992) reveló una nueva grandeza, con enigmáticos himnos de devoción subcultural que tratan la vida de los holgazanes como un derecho propio. Después de este álbum llegaría Crooked Rain, Crooked Rain, el álbum que tendría que consagrarlos.

 

Silence Kit tiene a la melodía de "Every Day" de Buddy Holly como base ¿dónde más podríamos escuchar esa melodía en la forma de rock indie de principios de los 90? Una reinvención fantástica, con guitarras ruidosas, la letra por supuesto es marca de la casa, una pequeña reivindicación de como dejar a tu familia por la vida del rock n roll y arrepentirte. Interesante cómo cambia allí al final. Elevate Me Later, es una buena cancion, todos estamos de acuerdo, sí, es solo un riff, en términos de un interés musical sostenido, pero es un riff lo suficientemente agradable como para dejar que te inunde mientras pasas por la ciudad que olvidamos nombrar, pero nos gusta, porque están mezclados tan jodidamente ruidoso. Hay mucha locura en las letras, supuestamente es una canción es "anti-pc", cuando dice "hay 40 tonos diferentes de negro", quiere decir que hay muchas formas diferentes de ver algo negativo, o hay muchos tonos diferentes que podría tener una percepcion negativa, me encanta este mensaje, aunque es un poco críptico, realmente edificante. Escuchar Stop Breathin y escuchas a Malkmus cantar 'Papá, me han destrozado' como una pregunta y luego compruebas que esta el mismo para responderla, y en medio de todo esto, curiosamente, jodidas imagenes otoñales, y siento su confusión y, por extensión, la confusión de muchos otros: querer hacer lo correcto por todo el mundo, pero sin haber sido debidamente capacitado para saber exactamente cómo hacerlo, o incluso si es lo suficientemente posible como para que valga la pena intentarlo. ¿quién soy yo para decirle que no al melancólico brillo del indie-rock cuando nos lo sirve de esta manera tan dulce? Y sino mira la pequeña genialidad que nos entrega ¿solo / riff / build? Al final de la canción, estos tíos te vuelven loco, nunca sabras hacia lo que te llevaran las canciones. 

Es imposible no amar Cut your hair, una de sus canciones mas conocidas y por una buena razón, tiene ese estribillo pegadizo de "oooh oooh oooh oooh oooh oooh", y un rock muy divertido en todas partes, la pista incluye un coro tarareable al instante y varias observaciones sobre la música popular “Cariño, no te vayas a cortarte el pelo / ¿Crees que te hará cambiar?", Y a medida que avanza la pista, es obvio que la canción se centra en la industria de la música, en la loca escena musical de los 90, específicamente en cuántas bandas nuevas se preocupaban más por su imagen que por su música. Por el contrario, Pavement nunca se preocupó de su imagen. Newark Wilde suena exactamente como el rock indie, Si, es suficiente, la transición del coro al verso es perezosa incluso para los estándares de esta banda. La mejor parte de la canción, de lejos, es esa pequeña y pequeña guitarra que la abre, y de esa manera la canción me recuerda al "Try Not to Breathe" de sus héroes REM, más o menos contemporáneo, con su sublime Línea de guitarra de apertura (de un guitarrista que no era un santo) que justifica toda la mediocre canción. No es particularmente atractivo, y seguramente no es genial, pero tiene algo bueno, lo que pasa con Pavement es que todo lo que ofrecen es al menos interesante y único y eso realmente es suficiente. Unfair es sin duda una de las canciones más ruidosas y más "abrasivas" del álbum), es difícil no subir el volumen de esta canción y ponerla a todo volumen. Hay muchas frases geniales sobre California, pero sobre todo son emocionantes y catárticas. Me gusta la forma en que alternan entre canciones melosas y rockeras.

 

Gold Soundz es otra gran canción con una excelente letra, incluso no sepas exactamente qué significan, algunos ejemplos: "el juicio es por el arma encontrada" "eres el tipo de chica que me gusta, porque estás vacía y yo estoy vacío" "nunca puedes poner en cuarentena el pasado". Es breve, pero perfecto, Malkmus siempre ha sido muy hábil para interpretar el papel del rey bufón, perpetuamente irreverente y casi nunca 100 por ciento sincero, y sus mejores momentos son aquellos en los que su fachada imperturbable se resquebraja y un indicio de vulnerabilidad brilla, y este es el mejor de ellos. 5-4 = Unity no es nada innovador, sirve como intermedio entre dos de las canciones de mayor calidad del álbum, una canción instrumental que sirve de preludio a otro pelotazo. Range Life con la increíble línea de guitarra, y, lo mejor de todo, los coros. Malkmus intenta tocar una nota que está MUY fuera de su rango vocal y, por supuesto, se pierde por completo, pero es la cosa más encantadora de la historia, así que no me importa, una canción de rock alternativo country sobre la necesidad de establecerse en la vida doméstica, una canción tan maravillosa que casi desearía que Malkmus nunca cantara ese verso de Smashing Pumpkins, no porque sea mala o perjudicial para la canción, o porque no transmita el sentimiento de genuino desafecto hacia la corporación musical, una burbuja de pensamiento aturdida, de flujo de conciencia de un niño que se da cuenta de que está viviendo en una época en la que nadie parece tener nada que decir. Heaven is a Truck es otra bonita canción, quizás después de Range Life se nos queda corta, pero hay que disfrutarlaen ella misma, es el estado de ánimo que encaja perfectamente después de Range Life y tiene una gran letra, inquietante y absurda. 

Para algunos críticos el punto más alto del álbum es Hit the Plane Down, para mi posiblemente una de las pistas menores, aunque también es creativa y divertida cuando estás de humor. Supuestamente se basa en esa película "Alive". Fillmore Jive conlleva el mismo tipo de desafecto de calles nebulosas, un tenue estado de fatiga en el que no estás seguro de en qué dirección moverte la voz de Malk aporta algo especial y digno de empatía a los acordes lluviosos y serpenteantes; es como murmurar juntos en una habitación, enfadados y nerviosos porque no te dejan dormir.