0363 - Foxey Lady - Jimi Hendrix

0363 - Foxey Lady - Jimi Hendrix 

Foxy Lady o Foxey Lady es una canción de Jimi Hendrix. Que apareció por primera vez en su álbum de debut de 1967 Are You Experienced y posteriormente se publicó como su tercer sencillo en los Estados Unidos con la como Foxey Lady.

Es una de las canciones más conocidas de Hendrix y fue interpretada con frecuencia en sus conciertos a lo largo de su carrera. 

La revista Rolling Stone situó la canción en el número 153 de su lista de las "500 mejores canciones de todos los tiempos".

La compañía discográfica de Hendrix, Reprise Records, publicó la canción en diciembre de 1967, un mes antes de la publicación del segundo álbum de la Experience, Axis: Bold as Love. Reprise Records utilizó el título "Foxey Lady", que también apareció en el lanzamiento de Are You Experienced. Estaba respaldada por "Hey Joe", Reprise Records ya había lanzado como single en abril de 1967. 

Aunque los álbumes de Hendrix funcionaron bastante bien en las listas de éxitos, "Foxy Lady", junto con los otros primeros singles, tuvo una actuación relativamente débil, alcanzando el número 67 en la lista de singles pop Billboard Hot 100. 

En 1967, Polydor Records publicó el single en Alemania con "Manic Depression" como cara B, pero no apareció en las listas. "Foxy Lady" ha aparecido en numerosos álbumes recopilatorios de Hendrix, como Smash Hits, The Essential Jimi Hendrix Volume Two, Cornerstones: 1967-1970, The Ultimate Experience, Experience Hendrix: The Best of Jimi Hendrix, y The Singles Collection. 

También es una de las pocas canciones que han sido interpretadas por cada una de las diferentes formaciones de Hendrix, incluyendo la Experience, Gypsy Sun and Rainbows, la Band of Gypsys, y el grupo de gira Cry of Love. 

Las versiones en directo aparecen en Live at Monterey, Live at Woodstock, Band of Gypsys 2, Blue Wild Angel: Live at the Isle of Wight, y varios otros álbumes en directo 

La revista Rolling Stone situó "Foxy Lady" en el número 153 de su lista de las "500 mejores canciones de todos los tiempos".

Daniel 

Instagram storyboy 

La música en historias: The division bell - Pink Floyd #MesPinkFloyd

 

Si esté álbum hubiera sido el final de Pink Floyd, habría que decir que es un más que digno punto final, a una de las más grandes e influyentes bandas de rock de todos los tiempos, aun asi el álbum ha sido muy minusvalorado, más que nada por la ausencia de Roger Waters, una baja muy sensible, sin embargo Gilmour y compañía han sabido sacar a delante un álbum, muy compacto, y sin dudas mejor que su antecesor, en el que se distinguen los signos musicales inconfundibles de la banda, con muchos temas de corte épico, con extraordinarios pasajes en las guitarras que hacen recordar algunos de sus álbumes insignia como el The Wall, o el Wish You Were Here.

 

“Cluster One” es la apertura perfecta para el álbum, ya que retrata la naturaleza atmosférica y contemplativa del álbum es perfecta la instrumentación de ida y vuelta con piano y guitarra, captando notas como un insecto abriéndose camino a través del agua. El efecto es soñador y fascinante, un tema que te pone en alerta de lo que está por venir. “What do you want from me” es un cambio total en el sonido anterior, aun asi permanece la esencia, los solos de esta canción también son una gran muestra del estilo de interpretación de David Gilmour, un equilibrio entre dulce y agresivo, y una voz bastante extraña de la misma manera y los cantantes de respaldo hacen un gran trabajo para construirlo, la parte más destacable es el puente. La canción cuestiona la expectativa indiscutible que tanto los críticos como los fans han puesto en Pink Floyd. ¡Gran canción! “Poles apart” es otra canción es otra vuelta de tuerca en el sonido del album, puede parecer rara pero no incomoda, una pista pop ligeramente progresiva, tiene un estado de ánimo particularmente esperanzador, el serpenteante toque de la guitarra acústica, junto con el bajo, hacen una gran combinación. La sutil guitarra lap steel se alza con la interpretación vocal, que encapsula perfectamente la atmósfera. La canción hace hincapié en la separación de los objetivos de Waters y Gilmour, y cómo querían ir en diferentes direcciones musicalmente. Marooned es otro tema de atmósfera en el disco, un intento de recrear el valor emocional y social de "Echoes", sin embargo, los multiinstrumentos parecen crear una emoción opuesta en relación con las emociones arrojadas por "Echoes". La percusión aparece a los 2:30 minutos y, presenta las emociones genuinas que la pista intenta retratar, es aunque parezca mentira la gran protagonista de este tema y esa omnipresente guitarra, en un tema que transmite mucha felicidad. A Great Day For Freedom, destaca por los coros y el hecho de que esta canción realmente mantiene viva la atmósfera. Creo que las letras hacen un trabajo decente hablando de la caída del Muro de Berlín, aunque el verdadero espectáculo es el solo de guitarra y ver como se fusiona muy bien con la percusión progresiva, resultando un bucle fascinante de composiciones musicales intensas que va añadiendo algo nuevo a la canción, realmente brillante.

 

'Wearing the Inside Out', escrita y cantada por Rick Wright, es una canción reflexiva y cautelosa sobre la depresión, un tema en el que más tarde dedicaría todo un álbum, es               posiblemente la pista más singular del álbum en relación con la producción anterior de Pink Floyd. Creo recordar a alguien que dijo que 'Taking It Back' fue el intento de Floyd de superar a U2, y es que suena como U2, con el timbre de la guitarra de apertura similar a la famosa introducción de The Joshua Tree . Pero dejemos de lado la comparación y detengámonos en la interpretación vocal de David, el simple pero poderoso ritmo de la batería y los coros, esta triada hace realmente grandiosa la canción. Yo diría que esta canción no se basa en la atmósfera, pero la transmite de manera asombrosa. La preparación para el clímax de la canción es increíble, y me encanta cuando las guitarras se imitan entre sí hasta el clímax. ¡Realmente una gran canción! “Coming Back to Life” podría ser la mejor canción del álbum. Tiene cuatro partes, de más o menos igual duración (es decir, 1-2 minutos cada una). El primero es instrumental, la guitarra de Gilmour sobre un teclado. la voz de Gilmour, nunca ha estado en mejor forma, aparece para la siguiente parte, reemplazando la guitarra de la introducción, hacia la mitad del camino, el ritmo se acelera con la batería de Mason y la canción por un tiempo se asemeja a un himno de rock sencillo. La cuarta sección es una estruendosa guitarra, que termina con un corte repentino a través de las cuerdas de la guitarra.

“Keep Talking” presenta el sintetizador de voz electrónico de Stephen Hawking su monólogo es memorable, así como una guitarra 'talk box' para que suene como si la guitarra de Gilmour estuviera imitando burlonamente el repetido estribillo de los cantantes de fondo, la canción es bastante poderosa. “Lost for Words” es una canción sobre el tiempo y la energía inútiles que las personas gastan en atacarse entre sí. Probablemente tenga en mente a Waters en algunos puntos, pero no podemos estar seguros ni lo han confirmado, suena un poco como "I wish you were here", pero no lo suficiente como para llamarlo nueva versión. La melodía es increíble, y aunque la letra es oscura, la melodía alegre se contradice maravillosamente. “High Hopes" es grandiosa con el efecto de sonido de la campana continúa en el fondo a lo largo de la canción, y que a menudo se repite en las notas del piano. La canción hace referencia a las vertiginosas alturas a las que subimos, pero al final sugiere que "el deseo y la ambición" nos derribarán de nuevo lo que hace que suene como una marcha fúnebre. Es un cierre perfecto ya que resume en una canción todos los temas del álbum y ve la nostalgia con una mentalidad crítica. Los hermosos y ondulados acordes de piano combinan perfectamente con el solo de guitarra al final, es una de mis canciones favoritas de Floyd donde se fabrican eléctricamente emociones implacables.

 

Pink Floyd no alcanzó la gloria obtenida antaño con este disco, sin embargo, el álbum parece capturar múltiples aspectos destacados de la discografía de Pink Floyd. Crecí con canciones como High Hopes y Poles Apart, me encanta la vocalización relajante en su mayor parte, y los instrumentos naturalistas materializan este álbum en una de las muchas obras maestras de Pink Floyd. un álbum que logra poner mis emociones a través de instrumentos, todavía disfruto mucho de este álbum debido a las inquietantes y extrañas emociones que brotan a lo largo del álbum.

0362: Hey Joe - Jimi Hendrix

 

Hey Joe, convertida por The Jimi Hendrix Experience, en su disco de debut Are you experienced (1967) en una obra maestra del rock, tiene un origen misterioso que no se ha podido clarificar. La autoría de la canción se le adjudica desde 1962 a Billy Roberts, un cantante de folk del circuito local de California, y la primera grabación que se conoce es la del grupo de garaje rock The Leaves en 1965, dos años antes de que Hendrix publicara su versión. Sin embargo, se cree que era en realidad una canción popular de las montañas Apalaches.

La letra cuenta la historia de Joe, un hombre que camina armado por la calle, y al ser preguntado por ello, afirma disponerse a asesinar a su mujer, por haberla sorprendido en los brazos de otro hombre. Una vez culminado el asesinato, Joe planea huir hacia México para escapar de la justicia. La letra tiene un esquema de diálogo, entre la persona que le ve arma en mano, y el propio Joe respondiendo. Tiene además una estructura cercana al blues, con la repetición de los primeros versos (la pregunta), y con la particularidad de carecer (tras la respuesta) de un puente o de un estribillo.

Jimi Hendrix la grabó con su grupo el 23 de octubre de 1966, en un tono de blues psicodélico mucho más lento que la versión de The Leaves (1965) o la de The Byrds (1966) pero con una interpretación vocal mucho más oscura y dramática, sonando por debajo de la sección rítmica, y con unos solos de guitarra distorsionada que pronto se reconocerían como marca de la casa de un, por entonces, todavía desconocido Hendrix.

Grandes éxitos y tropiezos: Whitesnake

 

Whitesnake

     Como cada semana aprevechamos esta sección de Grandes éxitos y tropiezos para profundizar un poco más en el artista elegir. Una sección que te puede interesar si estás empezando a ecuchar al artista elegido y así tener una ayuda para saber por donde ir empezando. Y si te engancha el artista saber que dejar para el final, pues además de sus grandes trabajos en 7dias7notas no somos ajenos a aquellos trabajos que no tuvieron el impacto deseado o simplemente no llegaron a estar a la altura del resto de su obra. Y el grupo que proponemos en esta ocasión, Whitesnake, además de grandes álbumes, también tiene alguno que otro menos deseable. Así que nos ponemos manos a la obra y nos dirigimos a nuestra tienda virtual con la intención de aportar un poco más de luz a la hora de que discos elegir, que discos evitar o simplemente que deberíamos llevarnos y que no si tenemos un presupuesto limitado:

Estás tardando en comprarlo:

Trouble (1978), considerado el  primer álbum de estudio de la banda a pesar de que un mes antes de su lanzamiento, en setiembre de 1978, la compañía discográfica decide promocionar el EP Snakebite, al cual se le añadieron a los cuatro temas originales otros cuatro para editarlo en formato LP y que pertenecían al segundo disco en solitario de David Coverdale, NorthWinds. Trouble es un excelente disco de los pies a la cabeza, empezando por lo músicos, y acabando por el sonido del grupo, donde Coverdale apuesta por indagar en las raíces de la música negra, mezclando el hard rock con el blues y el soul con una gran maestría. El segundo álbum de estudio, Lovehunter (1979), es otro que no puede faltar. Disco que continúa con la fórmula de su primer disco. Sin embargo, y a pesar de su creciente éxito en Europa y Reino Unido, el grupo no acaba de explotar en el mercado estadounidense. La falta de éxito en el país americano quizás viene marcado por la negativa de Coverdale a acelerar el sonido de la banda y seguir apostando por bajar la cadencia y jugar con los ritmos para segir apostando por la fórmula de mezclar hard rock con el blues y el soul. La portada del disco, una mujer desnuda en una postura muy provocadora y montada en un enorme reptil provocó una fuerte polémica, aunque nunca llegó a ser ceensurada. Whitesnake (1987), es el séptimo disco de estudio de la banda y el más exitoso a nivel comercial y popular de la banda. Este álbum en Estados Unidos se tituló Whitesnake, en Europa 1987 y en Japón Serpens Albus. Con este disco, con un sonido más endurecido y pesado, Coverdale consiguió alcanzar la popularidad que venía persiguiendo desde hace algunos años y que tanto se le había resistido en Estados Unidos, donde llegó a lacanzar el puesto número 2 en la lista Billboard Hot 200 llegando a vener hasta la fecha más de ocho millones de copias. En Reino Unido se mantuvo en las listas de éxitos durante 57 semanas. Todo los sencillos publicados se posicionaron en los dos rankings más importantes del mercado estadounidense: Billboard Hot 100 y Mainstream Rock Tracks. 

Si te queda pasta, llévate tembién:

Ready An' Willing (1980), tercer disco de estudio de la banda de Coverdale. Un disco que continuaba con el éxito pogresivo de la banda en Reino Unido y Europa. El disco contiene uno de los temas más importantes en la historia de la banda, Fool For Your Loving, primer sencillo del grupo, y con el que consiguieron un gran éxito en Reino Unido y buenas cifras también en Estados Unidos. Este fue el primer disco de la banda en conseguir entrar en la lista estadounidense Billboard 200, y en conseguir también el Disco de Oro en Reino Unido. Muy recomendable también su directo, Live...In The  Heart Of The City (1980), el cual contiene material de su primer directo editado únicamente para el mercado japonés, "Live At Hammersmith", y que contiene material grabado en el Hammersmith Odeon de Londres en 23 y 24 de noviembre de 1980, y el 23 de noviembre de 1978. Disco que demuestra el poderío y el gran estado de forma que atravesaba la banda en aquél momento, con grandes interpretaciones de temas como Ain't No Love in the Heart of the City, Take Me With You o Mistreated.

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Restless Heart (1997), noveno álbum de estudio de la banda. Disco grabado con una formación completamente desconocida a excepción de Adrian Vandenberg, que continúa junto a Coverdale. Está considerado com el disco más flojo de del grupo, no en vano a pesar de tener una aceptable repercusión en Europa se desinfló rápidamente, y sus tres singles editados, Too Many Tears, Don't Fade Away y All in the Name of Love, no alcanzaron los objetivos mínimos deseados. En Estados Unidos ni se publicó, donde a día de hoy sigue siendo un álbum apenas conocido. Slip Of The Tongue (1989), disco que cuenta con Steve Vai y con la colaboración de un Glenn Hughes, que no se encuentra precisamente en su mejor momento debido a su adicción a las drogas, para colaborar en los coros, y que hace que en ese estado su aportación apenas se note. El disco, octavo del grupo, fue grabado bajo una fuerte presión por parte de la discográfica, Geffen Records, que quería repetir el gran exito de su anterior disco, Whitesnake, y también bajo grandes problemas personales en el seno del grupo, y eso se nota. El resultado es un álbum algo monótono y falto de fuerza. A pesar de todo ello, en Reino Unido llegó a alcanzar el Disco de Oro. En españa se llegó a colar en las listas de discos más vendidos y todos sus sencillos fueron radiados constántemente por la famosa cadena Los 40 Principales. 

Si buscas canciones sueltas: Nos encontramos con muchísimas canciones, desde los temas con raíces de blues y soul de sus comienzos hasta temas con un sonido más endurecido y contundente, pero podríamos ir empezando por estos cinco temas para ir abriendo boca: 

1. Fool For Your Loving

2. Take Me With You

3. Here I Go Again (2 versiones: 1982 y 1987)

4. Love Ain't No Stranger

5. Is This Love

0361 Red House - Jimi Hendrix

 

Red House,Jimi Hendrix

     Nos encontramos en el año 1967, año que marcaría es debut de uno de los guitarristas más grandes que ha dado la historia del rock, sino el más grande: Jimi Hendrix. El genial guitarrista estadounidense debuta con Are You Experienced?, álbum que es editado con varios temas diferentes para el mercado británico y el estadounidense. El disco es grabado entre octubre de 1966 y abril de 1967 en tres estudios de Londres, De Lane Lea, CBS y Olimpyc Studios, y publicado en mayo de 1967 en Reino Unido y en agosto de ese mismo años en Estados Unidos. En Reino Unido estuvo 33 semanas en las listas de ventas, y en Estados Unidos llegó a un excelente quinto puesto en la lista Billboard Hot 200, llegando ha permanecer durante 70 semanas en la lista Billboard R&B.

El disco, titulado Are You Experienced?, es publicado bajo el nombre Jimi Hendrix Experience, donde el guitarrista es acompañdo por Noel Redding al bajo y Mitch Mitchell a la batería, conformando uno de los mejores y más potentes power tríos que se recuerdan. El disco, con un sonido que va hacia el rock psicodélico y el hard rock y basado en la rompedora e innovadora forma de componer y de tocar la guitarra de Jimi Hendrix supuso un gran éxito comercial y tuvo unas excelentes críticas.

Incluido en la edición británica del álbum debut del genio de Seattle se encuentra el tema Red House, escrito por Jimi Hendrix y grabado el 13 de diciembre de 1966 en los CBS estudios de Londres bajo la producción del mánager de este, Chas Chandler. Red House está compuesto bajo la fórmula de un blues tradicional de doce compases al que Hendrix incorpora su revolucionaria forma de entender y tocar la guitarra y que revolucionaría el panorama musical del rock posteriormente. 

En cuanto a la temática del tema, Hendrix canta sobre regresar a casa para ver a su chica, la cual vive en un casa roja. cuando llega a la casa, comprueba que la llave que tiene de la misma no funciona, y es cuando se da cuenta de que su chica ya no vive allí. En vez de entristecer decide darse una vuelta y visitar a la hermana de su novia. Sobre la inspiración que tuvo Hendrix para componerlo corren varias hipótesis, una defiende que Jimi la compuso cuando sobrevivía a duras penas en Nueva York y mientras vivía en el apartamento de un amigo el cual estaba decorado completamente de rojo. Otra defiende que se inspiró en la casa de una de sus novias de Seattle, la cual estaba pintada de rojo. Y otra dice que se inspiró en una leyenda sobre una misteriosa ciudad roja. En cualquier caso, en lo que todos están de acuerdo es que Red House es uno de los grandes temas que nos dejó el guitarrista. 

El tema, que en estudio tiene una duración aproximada de tres minutos y cuarenta y cinco segundos, solía ser uno de los fijos de Hendrix en directo, y basándose en la grabación original, solía realizar largas improvisaciones que alargaban el tema más allá de los doce minutos.

0360: You just may be the one - The Monkees

You just may be the one es un tema firmado por Michael Nesmith, incluido en el disco Headquarters (1967) de The Monkees, banda de rock de Los Ángeles, creada en 1966 para una comedia televisiva de la NBC. Los productores de la serie seleccionaron a los integrantes de la banda entre los más de quinientos jóvenes que se presentaron a las pruebas. Buscaban rostros comerciales, más que músicos con talento o con sus propias canciones, por lo que de los finalmente seleccionados, solamente Michael Nesmith y Peter Tork eran músicos, y en las primeras grabaciones de estudio el resto fueron sustituidos por músicos consagrados como Carole King, Neil Sedaka o Neil Diamond.

Eso no impidió que Michael Nesmith fuera imponiendo su talento y colando sus propias composiciones en los discos de The Monkees. Sus temas fueron ganando cada vez más relevancia en el conjunto, y eso empujó al resto a atreverse a plantear temas propios. A partir de su tercer disco, Headquarters, en el que Nesmith ya firmaba cinco temas, se permitió al resto del grupo tocar sus instrumentos, y por primera vez remar juntos como grupo en el barco de los Monkees, pero no pudieron competir con el Sgt. Pepper's de The Beatles, todo un transatlántico que les arrebató el número uno de las listas.

De los temas firmados por Nesmith, el más destacable era You just may be the one, una canción que aúna todo lo mejor de las influencias con las que construyeron el sonido que buscaban como banda, empezando por la ligereza melódica de The Byrds y terminando por la rítmica de las canciones de los ya mencionados The Beatles. Con esos ingredientes, y aunque la originalidad de la propuesta fuera más discutible, cocinaron un tema y un disco muy defendibles y acertados para la época.

0359 A Whiter Shade of Pale - Procol Harum

 

A Whiter Shade of Pale, Procol Harum

     Entra en escena una de las canciones que mas éxito comercial ha tenido en la historia de la música, sus creadores: la banda de rock inglesa Procol Harum. La canción es grabada en los Olympic Sound Studios de Londres, y publicada el 2 de mayo de 1967 por el sello discográfico Deram para el Reino Unido y London para Estados Unidos, acompañada en la cara B por Limit Street Blues.

La canción alcanzó el puesto número 1 en la lista de sencillos del Reino Unido, permaneciendo ahí durante seis semanas. En Estados Unidos, y sin mucha promoción, alcanzó el puesto número 5 en el Billboard Hot 100. Se convirtió además en uno de los himnos del llamado Summer of Love de 1967 (Fenómeno social que ocurrió durante el verano de 1967, cuando hasta unas 100.000 personas, en su mayoría jovenes de aspecto e ideología hippie, se congregaron en el barrio de Haight-Ashbury, en San Francisco, y que estuvo marcado por la música hippie, las drogas alucinógenas, el antibelicismo y el amor libre). La canción ha vendido más de 10 millones de copias en todo el mundo y se ha convertido en todo un clásico merced a sus más de 1000 versiones conocidas por otros tantos artistas.

La melodía de la canción, un instrumental derivada de Bach fue compuesta por los miembros del grupo Gary Brooker y Matthew Fischer, y la letra, con unas voces conmovedoras, fue compuesta por otro miembro, Keith Reed. Originalmente los créditos de autoría solo reconocían cómo compositores a Brooker y Fisher, hasta que en 2009 Reed consiguió judicialmente que fuera incluido como coautor del tema. Estructural y temáticamente, estamos ante una canción inusual compuesta únicamente de dos versos con un coro cada uno. 

A Keith Reed se le ocurrió el título y la letra de la canción en una fiesta donde escuchó a alguien decir: "You've turned a whiter shade of pale" / "Te has puesto pálida más blanca", y la frase se quedó grabada en su mente. Según afirmaba el propio Reed, estaba tratando de evocar un estado de ánimo, tratando de contar una historia donde una chica deja a un chico. Se trata de una relación donde hay personajes, donde hay un viaje, no sólo se trata de una serie de frases juntadas, hay una historia con un hilo conductor.

0358 - Country Joe and the Fish - Flying high

0358 - Country Joe and the Fish - Flying high 

Country Joe and the Fish fue una banda estadounidense de rock psicodélico formada en Berkeley, California, en 1965. 

La banda fue uno de los grupos más influyentes de la escena musical de San Francisco entre mediados y finales de la década de 1960. Gran parte de la música de la banda fue escrita por los miembros fundadores Country Joe McDonald y Barry "The Fish" Melton, con letras que abordaban de forma directa temas de importancia para la contracultura, como las protestas contra la guerra, el amor libre y el uso de drogas recreativas. A través de una combinación de psicodelia y música electrónica, el sonido de la banda se caracterizó por innovadoras melodías de guitarra e instrumentales distorsionados con órganos que fueron importantes para el desarrollo del rock ácido.

En febrero de 1967, Country Joe and the Fish entraron en Sierra Sound Laboratories para grabar su primer álbum, Electric Music for the Mind and Body, en el cual el primer corte de este álbum es el tema Flying High una representación de un viaje por tierra y aire, que describe su letra. 

Daniel 

Instagram storyboy 

Disco de la semana 255: This is the life - Amy Macdonald

This is the Life (2007) es el título del primer disco de Amy Macdonald, joven cantante escocesa que, seguramente, no esperaba el éxito que consiguió con aquel puñado de buenas canciones, con el que dio el primer paso en firme de lo que hoy es una carrera más que reconocida y solvente. El disco llegó a lo más alto de las listas de Reino Unido y de media Europa, pero curiosamente en España no logró una gran repercusión. Desconozco el número exacto de ventas que obtuvo el álbum en España, pero puedo presumir de ser uno de esos pocos "afortunados" que descubrieron "Esto es la vida" y dejaron que fuera una parte importante de la suya propia.

En mi caso, el descubrimiento fue completamente casual, y me cuesta reconocer que escuché la canción que le da título, en el hilo musical de una cadena de ropa de un centro comercial. El destino es caprichoso, y lo que en principio fue para mí una concesión a regañadientes para contentar a mi chica, se convirtió en la grata experiencia de escuchar a alguien que me sorprendió por la frescura de la combinación de un ritmo acelerado y un cierto toque folk, con un estribillo intenso y pegadizo y una característica voz alejada de los estándares ñoños que habría esperado escuchar entre vestidos veraniegos y chaquetas de entretiempo.

A ella le encantó al instante, y a mí me despertó una más que razonable curiosidad, así que sin que ella se percatara saqué el móvil del bolsillo y dejé que el Shazam hiciera su impagable trabajo en la sombra. Se llamaba Amy, su apellido era Macdonald, y apenas acababa de cumplir veinte años. Su disco de debut se convirtió, pocos días después, en un perfecto regalo sorpresa, que escuchamos por primera vez en un viaje en coche. Desde las primeras notas de Mr Rock & Roll supe que había dado en la diana, pero ella no dio un respingo en el asiento del conductor hasta el siguiente tema, cuando reconoció en This is the Life esa canción perfecta que le había embrujado en aquella tienda.

Canciones intensas y cargadas de venenosa inquina como Poison Prince, o más solemnes e introspectivas como Youth of Today, sobre la pérdida de la inocencia de su generación al enfrentarse a la realidad de la vida, pero todas ellas con el denominador común de haber sido concebidas en los ratos en los que le tomaba prestada la guitarra a su padre. En el coche, fueron sonando temas como Run o Let's start a band, sobre adolescentes que planean formar un grupo y sueñan con llegar un día a tocar en Glastonbury, y entre todos fueron convirtiendo nuestro viaje en una experiencia inolvidable, en la que disfrutamos juntos de esa poción mágica que parece aplicar a sus canciones, que combinan un toque justo de aroma comercial con una instrumentación y una madurez más propias de artistas con mayor experiencia y muchas más velas sopladas.

Y quizá ese sea el único "pero" que le pondría al disco, el no haberse atrevido a salirse del camino y haberse desmadrado instrumentalmente en alguno de los temas. Siguiendo esa combinación exacta y prudente de canción corta y trabajada al punto exacto para triunfar en la radio, Barrowland Ballroom brilla como las anteriores, pero a la altura de L.A el disco empieza a notar el desgaste y a dar signos de agotamiento de la fórmula.

A Wish for Something More levanta el vuelo con su evidente positivismo, y Footballer's Wife parece atisbar una mayor militancia crítica en futuras letras, pero en este caso el tema (la superficialidad de las mujeres de los futbolistas) resulta poco interesante y no deja para la historia un final a la altura de este disco, que desde entonces ha sido parte de la banda sonora de todos y cada uno de nuestros viajes largos en coche. Al principio fuimos dos, y luego fuimos creciendo hasta ser cuatro, y en ese crecimiento fueron cambiando también los discos que escuchábamos, pero siempre hay un ratito reservado a This is the Life. No es un disco perfecto, ni lo tiene que ser. Esto es la vida, ni más ni menos.

0357: I Had Too Much to Dream Last Night - The Electric Prunes

 

Antes de adquirir el nombre The Electric Prunes, el grupo se hacía llamar The Sanctions y mas tarde fueron Jim And The Lords, se juntaron por primera vez en marzo de 1965 en Woodland Hills, CA y eran esencialmente un conjunto de covers de surf / garage, grabando versiones de temas clásicos, incluyendo "Long Tall Sally" y "Louie, Louie. Convencido de que la banda no podía escribir sus propias canciones, consiguieron mediante su manager material de las compositoras profesionales Annette Tucker y Nancie Mantz autoras de canciones para otras bandas de la escena de garage californiana como The Brogues, The Vulcanes o The Knickerbockers, y producido por David Hassinger, quien recientemente también había participado en la grabación del álbum Aftermath (1966) de los Rolling Stones. Durante un período de dos años desde 1967 hasta 1969, la banda lanzó cinco álbumes de estudio. El grupo también lanzó una docena de sencillos, algunos álbumes en vivo y una serie de discos recopilatorios. Al final, en la accidentada historia de los Prunes priman las frustraciones frente a los triunfos: el segundo álbum, el mucho más personal Underground, no cuajó, y como símbolo de uno de los trabajos más estrafalarios de la historia del rock queda el tercero, Mass in F minor, un intento de fundir psicodelia y canto gregoriano para el que todas las letras se escribieron en griego o latín. El grupo se separó en 1970, sin embargo, treinta y un años después, la banda se reunió y comenzó a lanzar álbumes de nuevo.

 

Una de sus grandes canciones y con las que se dieron a conocer fue "I Had Too Much to Dream Last Night", una canción que fue originalmente concebida como una balada lenta de piano. Sin embargo, cuando pasaron por sus manos se convirtió en una fantasía de tres minutos, empapada de eco, repleta de guitarras relucientes, pistas fuzz y la misteriosa voz de doble pista de Lowe's. La canción es una obra maestra que define todos los elementos de la música psicodélica en su mayor esplendor. El sonido de guitarra oscilante y de ejecución inversa que se convertiría en una característica de la banda, nunca fue más prominente que aquí, y la letra describe la terrible resaca que sufrimos cuando la chica que amas te ha dejado. La canción, fue incluida en el álbum debut de la banda en 1967 y lanzada como el primer sencillo del álbum. La canción alcanzó el número 11 en las listas del Billboard Hot 100 en 1967 y fue escrita por el equipo de compositores de Annette Tucker y Nancie Mantz. Sin duda "I Had Too Much To Dream Last Night" se ha convertido en la canción insignia de la banda. Sin embargo, la canción no solo ha representado a la banda, se ha convertido en uno de los momentos más relevantes de la era psicodélica de finales de los sesenta.

0356 Down On Me - Big Brother & the Holding Company

 

Down On Me

     el 23 de agosto de 1967 la formación Big Brother & the Holding Company debuta con su disco homónimo. El disco es lanzado bajo el sello discográfico Mainstream Records poco después del éxito de la banda en el famoso Monterey Pop Festival. La discográfica Columbia Records se haría poco después cargo de lo contratos de la banda, relanzó el álbum agregando dos pistas adicionales y puso el nombre de Janis Joplin en la portada. El citado festival y este disco supondrían el inicio del meteórico ascenso en la carrera de Janis Joplin.

Después de realizar para Mainstream Records algunas grabaciones y nada satisfactorias y de lanzar un par de sencillos de escaso éxito durante su estancia en Chicago, la banda regresa a Los Ángeles y entre el 12 y el 14 de diciembre de 1966 graban 10 temas bajo la producción de Bob Shad. El álbum fue un éxito menor, llegando a alcanzar el puesto número 60 en las listas de ventas de Estados Unidos. 

Incluido en el álbum debut de la Big Brother & the Holding Company se encuentra el tema Down on Me, una cancióntra dicional que conó con los arreglos de Janis Joplin. Este tema llegó a alcanzar el puesto número 42 en las listas de ventas del país estadounidense. Down on Me es una canción tradicional de la década de 1920 que habla sobre la libertad. Joplin retocó la canción y creó nuevas letras para el tema, como por jemplo la tercera y última estrofa, donde Joplin nos lanza un mesaje positivo: "Believe in your brother, have faith in man, / Help each other, honey, if you can / Because it looks like everebody in this whole round world / is down on me" (Cree en tu hermano, ten fe en el hombre / ayudanos unos a otros, cariño, si puedes / porque parece que todos en este mundo / me caen mal)

Existe una versión más potente y agresiva que apareció posteriormente en el álbum en vivo publicado a título postumo titulado In Concert, y en la colección de 1973 Janis Joplin's Greatest Hits. Esta versión también fue lanzada como single, alcanzando el puesto número 91 en las listas de éxitos de Estados Unidos en 1972.

La música en historias: Wish you were here - Pink Floyd #MesPinkFloyd

 

Pink Floyd sobrevivió a la agitación de finales de los años sesenta y se fortaleció una vez más a principios de la nueva década. Habían lanzado una serie de álbumes que representaron un fuerte cambio artístico y un salto en la calidad de su período desigual, comenzando con Atom Heart Mother, continuando con el clásico Meddle, tomando un desvío con Obscured by Clouds y finalmente adquiriendo la fama y la fortuna que querían lo que habían deseado desde el principio con su obra maestra, The dark side of the moon. Lo habían conseguido, Pink Floyd ahora eran superestrellas y la pereza se instaló en ellos y las luchas…..Sin embargo, en Wish You Were Here encontramos a Pink Floyd como un grupo unificado, en sincronía entre sí a pesar de la tensión. Ante nosotros solo cinco canciones.

Shine on You Crazy Diamond es su carta de presentación, 13 minutos que se pueden dividir en cinco partes compuesta de espacio y dimensión cinematográfica poblada con ritmos de otro mundo. A diferencia de otra banda, la música de Floyd es un medio visual y cualquiera que la escuche puede explorar paisajes que ninguna banda puede interpretar del todo y te lleva a viajes que solo se puede decir que son alucinógenos espirituales. A) Comienza con una secuencia de sintetizador aireada interpretada por Richard Wright, esta secuencia dura tres minutos hasta el tercer minuto cuando entra David Gilmour con el primer solo de guitarra, Gilmour y Wright tocan sus instrumentos desde el principio con el alma y el corazón. Comienza la segunda parte de la construcción de la canción y se convierte en un crescendo de notas repetidas que tienen un tono casi desesperado, la batería de Nick Masons explota a los cinco minutos y la banda toca un solo que dura un minuto, que es la cosa más apasionada que cualquiera de ellos haya tocado. En el minuto cinco que te das cuenta de lo que es Gilmour en la guitarra, aunque no tan rápido o técnicamente adaptado como Hendrix o Page, Gilmour es capaz de hacer que sus acordes suenen como una voz humana su guitarra chilla con un dolor que no se sentía desde hace mucho, si tu corazón no se conmueve con esto, te sugiero que vayas al médico. Tercer viaje el órgano asume el control mostrando que el teclista era igualmente emotivo con su instrumento como su compañero de banda, antes de marcar el comienzo de la letra en el minuto siete. Cuarta fase, "Recuerda cuando eras joven", comienza Waters mientras comienza a cantar el tributo a su compañero perdido, es cariñoso y canta con pasión y devoción por su amigo, así que cuando comienza el coro de Shine on empiezas a cantar radiantemente con él, la canción se convierte en un bardo para los amigos perdidos y conocidos del pasado, la interpretación nunca pierde su intensidad y su emoción, si no estás llorando por lo que canta este hombre, no eres de carne y hueso. Quinta y última parte, esta vez la banda está acompañada por el saxofonista Dick Perry, quien demuestra ser un buen acompañante para Gilmour y Wright mientras los tres hombres se involucran en un duelo de emociones melancólicas.... Welcome to the machine, recuerdos nostálgicos del adolescente con el saxofón caen pulcramente en una pesadilla de fría maquinaria una cancion que puede asustar con su uso repetido del sintetizador y tonos amenazadores, es implacable en su intención de funcionalidad fría y representa el compromiso del artista como una mercancía en la industria, solo la suave afinación del trabajo de la guitarra acústica de Gilmour en el segundo minuto lo que proporciona alguna sensación de seguridad, pasados los años parece un presagio de como la música pop ha degenerado en nada más que monstruosidades plásticas sin alma.

 

 

 

Have a cigar es la típica canción de rock estándar, o la típica canción de rock que uno podría esperar de una banda que suena como Bach con tecnología. Gilmour decide bajar y hacer boogey al estilo muy blues cuando el músico invitado Roy Harper interviene para cantar, Pink Floyd usan el rock para ser una sátira sobre los males sociales, en este caso haciendo tratos con los gerentes interesados ​​en hacer dinero con su producto. Harper es fantástico, un cantante fantástico y realmente entiende la sátira de interpretar el personaje de los hombres de negocios repugnantes. La banda está haciendo una gigantesca declaración de Fuck you a la industria. Wish you were here, fue quizás lo que más unió a la banda, una llamada a Syd y desear que estuviera allí física y mentalmente, es un número conmovedor y agridulce. Después de un verso de apertura contemplativo, los tambores suenan, las guitarras no cambian, ni siquiera en volumen, pero la canción se ve realzada por el piano de Wright y el bajo de Waters. La voz de Gilmour es resonante y, sin embargo, también se resigna a la inevitabilidad. Después, hay un breve interludio en el que vuelve a entrar la guitarra principal. Wright ocasionalmente decora con el Minimoog, y Gilmour canta sobre sus pistas de guitarra y luego vuelve al redil principal de la canción. Las últimas líneas de la canción son algunas de las más hermosas jamás escritas. La interpretación de Gilmour y la letra de Waters se combinan para crear lo que probablemente sea la candidata a la mejor canción que la banda haya hecho, una oda por los amigos ausentes, con una interpretación realizada desde el mismo corazón. Y de regalo Shine On You Crazy Diamond continua, esta no tiene nada que ver con la primera mitad, sin embargo, sigue siendo estelar y todavía está a la altura de ser una obra maestra. Los últimos tres minutos de Wright están excepcionalmente subestimados, su poder y su impulso siguen siendo brillantes, cada vez que escuchas los momentos finales es como ser conducido a un funeral, los compases se cierran y la reproducción del sintetizador sube como una estrella en el cielo que irradia su última vida. Después de esto, Roger Waters tomaría el control completo de la producción de la banda, esta sería la última pieza que cualquier miembro de la banda escribiera sin su participación. Se erige como un final para Syd Barrett y de la banda como familia, después de esto se hundiría en un espectáculo de un solo hombre……el final de una era.

0355 Ray Charles - Here We Go Again

0355 Ray Charles - Here We Go Again

Ray Charles tiene una carrera profesional muy amplia, donde ha trabajado con diferentes discográficas. En noviembre de 1959, después de doce años como músico profesional, Ray Charles firmó con la discográfica ABC Records tras la finalizar su contrato con Atlantic Records.

Como Charles había firmado con la ABC como cantante de rhythm and blues, decidió esperar a que su contrato se renovara por tres años antes de experimentar con la música country, aunque quería hacerlo antes. Con la ayuda de Sid Feller, un ejecutivo de la ABC, reunió un conjunto de canciones country para grabarlas.

Y Charles logro editar y lanzar dos álbumes de country en 1962 "Modern Sounds in Country and Western Music" y su continuación "Modern Sounds in Country and Western Music, Vol. 2". Esto amplió el horizonte de su música para el gran público y provoco en ese momento que Charles empezase a atraer más al público blanco. En 1962 fundó su propio sello discográfico, Tangerine Records, que ABC-Paramount promocionó y distribuyó.

Here We Go Again se grabó durante esa fase de la carrera donde de Charles se centró en la interpretación de la música country, así, Here We Go Again era una canción de música country editada por el sello Tangerine ABC-Paramount, pero interpretada al estilo rhythm and blues de Charles. Sin embargo sus trabajos no llevaron el sello Tangerine hasta 1968. Feller, el ejecutivo de la ABC, dejó la ABC en 1965, pero volvió para arreglar el álbum de Charles de 1967, Ray Charles Invites You to Listen, donde Joe Adams produjo y diseñó el álbum, que incluiría Here We Go Again.

Here We Go Again fue publicada por primera vez por Charles en 1967, y Here We Go Again fue escrita por Lanier y Steagall y publicada por la Dirk Music Company. Charles la grabó en los estudios RPM International de Los Ángeles, y la canción figuraba como el sexto de los diez temas de este álbum. A partir de 1987 se incluyó en numerosos álbumes de grandes éxitos y recopilaciones 

Cuando se reeditó Modern Sounds in Country and Western Music en 1988, la canción se añadió como tema extra, también se incluyó en el álbum Ray Charles Anthology de 1988.

Daniel
Instagram Storyboy

Grandes éxitos y tropiezos: Los miembros de Pink Floyd en solitario

 

Hoy las secciones se entremezclan en 7días7notas. En pleno #MesPinkFloyd ha resultado imposible escapar a la tentación de aprovechar este Grandes éxitos y tropiezos para profundizar un poco más en nuestro artista del mes o, para ser más exactos, en las carreras en solitario de cada uno de sus miembros. Todo aquel que descubre a un grupo que le entusiasma, y tras haber escuchado hasta la saciedad todos sus discos, intentará seguir buscando esa luz brillante y quizá ya perdida en los discos posteriores de sus integrantes. Imaginemos que ese grupo es Pink Floyd, y que esa ansiosa búsqueda tiene lugar en nuestra imaginaria y vieja tienda de discos de segunda mano ¿Qué discos de Waters, Gilmour, Barrett, Wright o Mason deberíamos comprar? ¿Cuáles deberíamos evitar? Bien podrían ser éstos:

Estás tardando en comprarlo:

Amused to Death (1992) es la obra maestra de Roger Waters en solitario. Un disco conceptual sobre la estupidez del ser humano, reflejada en su propensión a las guerras y al consumo desmedido, que está a la altura de sus mejores obras con Pink Floyd. De temática parecida es el reciente Is this the life we really want (2017), en la que un Waters más maduro e introspectivo que nunca nos vuelve a regalar una obra de peso.

On an Island (2006) es probablemente la mejor obra en solitario de David Gilmour. Una obra en la línea de The Division Bell, que a su vez es el mejor disco facturado por Pink Floyd tras la marcha de Roger Waters. Un Gilmour maduro y virtuoso nos regala atmosféricos pasajes y talentosos solos de melancólicas guitarras.

Si te queda pasta, llévate también:

Tras dejar Pink Floyd por sus problemas mentales, y aunque su desequilibrio iba cada vez más en aumento, llegó a grabar dos álbumes en solitario, The Madcap Laughs (1970) y Barrett (1970), en los que contó con la colaboración y ayuda de varios de sus ex compañeros. Ambos son obras de culto que suponen una clara continuación del sonido psicodélico de la primera etapa de Pink Floyd, pero son obras intimistas de aire inconexo y difícil escucha, que transmiten el caos y la inestabilidad mental que sufría su autor.

En 1984, en pleno proceso de separación de la banda, Roger Waters lanzó su primer álbum como solista: The Pros and Cons of Hitch Hiking, al que seguiría en 1987 el disco Radio K.A.O.S. Ambos son trabajos interesantes, que siguen la línea conceptual y estilística de discos como Animals o The Final Cut, pero alejados de sus mejores momentos con Pink Floyd.

En paralelo a su participación en Pink Floyd, David Gilmour lanzó dos interesantes discos en solitario. Su disco de debut David Gilmour (1978) y About Face (1984) merecen una revisión a pesar de que, en su momento, no tuvieron apenas seguimiento. El reciente Rattle that lock (2015) tampoco tiene desperdicio, aunque quede también lejos en cualquier comparativa con las grandes obras de la banda.

El último disco de Rick Wright, Broken China (1996), es un disco en la línea atmosférica y conceptual marca de la casa. Una interesante obra sobre la lucha contra la depresión, y una rareza que cuenta con la colaboración de Sinéad O’Connor en algunos temas. 

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Nick Mason es el único miembro de Pink Floyd que se ha mantenido a lo largo de toda la trayectoria del grupo, por lo que no tiene discos en solitario, pero sí que firmó los discos Profiles (1985), Life Could Be a Dream (1986), White of the Eye (1987), Body Contact (1987) y Tank Malling (1989) a dúo con Rick Fenn, ex guitarrista de 10cc, pero ninguno de ellos merece ser rescatado en esta búsqueda. Misma suerte correría el disco Nick Mason’s Fictitious Sports, firmado junto a Carla Bley, aunque su labor en el mismo fue casi exclusivamente la de productor.

Un año antes de que Roger Waters le expulsara del grupo, Rick Wright lanzó su primer disco: Wet Dream (1978), un álbum melódico y pausado que se aleja del sonido conceptual de la era Waters, y se acerca a lo que sería Pink Floyd en la época Gilmour (que le repescaría y le devolvería su sitio en la banda). El propio Wright lo calificó de disco simple y poco sólido, así que lo dejaremos de nuevo en el expositor, junto al disco Identity (1984) que hizo junto a Dave Harris del grupo New Romantic.

Si buscas canciones sueltas: Hay muchas y muy buenas, y la lista depende totalmente de cuál sea vuestro músico preferido. Aquí van cinco temas imprescindibles para ir abriendo boca, y ya completaréis vuestra playlist vosotros con el resto:

1. What God Wants (Roger Waters)

2. On an Island (David Gilmour)

3. Perfect Sense (Roger Waters)

4. David Gilmour (Castellorizon)

5. Terrapin (Syd Barrett)

La música en historias: Animals, la fábula del #MesPinkFloyd

La Inglaterra de 1976 estaba sumida en un clima de violencia social, inflación y desempleo, que actuaron como caldo de cultivo de nuevos movimientos musicales de carácter nihilista y contestatario como el punk, que no solo rechazó las normativas impuestas por la política y la sociedad, sino que renegó también de los estilos musicales anteriores. Con este panorama, Pink Floyd se convirtió para ellos en el símbolo de un decadente pasado, en un dinosaurio que no encajaba en la nueva escena underground, algo parecido a lo que le ocurría a la vieja central eléctrica de Battersea, que tras haber sido durante décadas uno de los edificios más relevantes de la ciudad, empezaba a estar en desuso y su tamaño y tipo de construcción, con aquellas enormes chimeneas, no encajaban del todo en el nuevo skyline londinense.

Pink Floyd no pasaba además por su mejor momento financiero durante la gestación de Animals. Acababan de estrenar su propio estudio de grabación (Britannia Row), y para reducir los costes en los que habían incurrido recurrieron a equipos de grabación de menor calidad que los que habían tenido en EMI. Eso repercutió en el sonido más áspero y rudo de Animals respecto a los discos anteriores. Al estudio llegaron con bastante material nuevo, que combinaron con dos descartes de Wish you were here, Raving and drooling (que tras muchos cambios acabaría convirtiéndose en Sheep) y You've got to be crazy (germen de lo que finalmente sería Dogs).

Roger Waters aprovechó un momento en el que sentía que la banda se estaba aburguesando, con sus compañeros más ocupados en disfrutar de los placeres de los nuevos ricos (coches deportivos, aviones privados, veleros) y escribió un disco que atacaba todas aquellas contradicciones, vistas desde la ideología proletaria y progresista en la que le había educado su familia. Basándose en el libro Rebelión en la Granja (1945) de George Orwell, creó una fábula protagonizada por perros, cerdos y ovejas representando a las tres clases sociales más representativas de la Inglaterra de aquel momento.

El disco comienza con el único tema suave y acústico que encontraremos en Animals. Dividido en dos breves partes que actúan como intro y final, Pigs on the wind (Cerdos en el viento) es un remanso de calma previa a la tormenta que se desatará en los temas posteriores. Su título engancha con la mítica portada del álbum, en la que un globo con forma de cerdo al que llamaron Algie, sobrevuela la Battersea Power Station en una fotografía tomada en un día nublado. La consecución de la fotografía para la portada está llena de anécdotas, como que el globo se escapó y como medida de seguridad hubo que desviar varios vuelos del aeropuerto de Londres. Varios cazas intentaron localizarlo sin éxito, pues los radares no detectaban el plástico con el que estaba hecho el globo. Algie apareció finalmente en una granja de las afueras, después de, paradójicamente, haber asustado al rebaño de vacas de la granja.

Dogs es uno de los temas centrales del disco, diecisiete minutos de oscuridad y cinismo, denunciando a la clase formada por los perros, rabiosos guardianes del sistema y su opresión despiadada. La alternancia vocal entre Gilmour y Waters contribuye a la atmósfera de división del tema, y los solos de Gilmour potencian la intensidad y la crudeza de esta distópica y brillante pieza.

Los perros están al servicio de los cerdos, la clase dominante de este ácido y oscuro cuento. En Pigs (Three different ones) se describen tres subclases bien diferenciadas: Las grandes corporaciones, cerdos que controlan realmente al país en la sombra, los políticos que les sirven a sus oscuros propósitos, y los adinerados moralistas y las figuras religiosas que, en posesión de la verdad, esparcen la doctrina de los cerdos y lavan el cerebro de las sometidas ovejas. Impulsada de nuevo por los solos de Gilmour, y los apocalípticos salmos de la voz de Waters distorsionada por el vocoder, es el segundo momento álgido del álbum.

Sheep es la canción en la que se ofrece al oyente el gris retrato de la vida de la clase trabajadora, las ovejas de este alegato musical y proletario. Pese a trabajar sin descanso, ven como el dinero solo les alcanza para lo justo, mientras los cerdos se enriquecen a su costa, y los perros abortan violentamente cualquier intento de las ovejas por levantarse en contra del sistema establecido. Lo más crudo de este tema es que acaba sin ofrecernos una luz al final del túnel.

La melancolía del segundo tramo de Pigs on the wind, con el que se cierra el disco, parece reafirmar que todo ha vuelto al principio. El cerdo a contar los billetes, el perro a morder a quién se atreva a salirse de la fila, y la oveja a su rutina y su triste vida gris de cada día, al tiempo que Waters, Gilmour y compañía volvieron a sus contradicciones y sus coches, sus aviones y sus veleros. Cuando, en 2016, pasé una temporada viviendo y trabajando en Londres, la Battersea Power Station seguía irguiéndose majestuosa a la orilla del Támesis, y aunque nunca llegó a ser un lugar de referencia y de visita a la altura del mundialmente conocido Abbey Road, yo no falté a mi obligada cita con la vieja central, para intentar replicar la foto del disco.

Para mi sorpresa, no fue posible obtener esa preciada instantánea en las mejores condiciones, porque todo el edificio estaba en remodelación y los andamios rodeaban las vetustas chimeneas como una hiedra venenosa. Hoy en día, está previsto que albergue apartamentos de lujo, pero el viejo edificio de ladrillo rojo espera paciente y en silencio a que, un buen día, el cerdo Algie aparezca y la sobrevuele de nuevo, denunciando desde el aire que la eterna rebelión sigue aún pendiente.

0354: San Francisco (Be sure you wear some flowers in your hair) - Scott McKenzie

Philip Wallach Blondheim III, más conocido como Scott McKenzie, alcanzó la fama mundial, y probablemente el top de los "one hit wonders" (artistas de un solo éxito) de todos los tiempos, gracias a San Francisco (Be sure to wear some flowers in your hair). No volvió a encontrar el éxito con ninguna otra canción posterior, y abandonó su carrera musical tras publicar únicamente dos discos.

Escrita por John Phillips (The Mamas & The Papas), la canción se convirtió rápidamente en un icono de la cultura hippie y en el himno del conocido como el "Verano del amor" de 1967, y tras ser utilizada como la referencia publicitaria del Festival de Pop de Monterrey de ese mismo año, alcanzó el primer puesto de las listas de éxitos en el Reino Unido y varios países de Europa, mientras en Estados Unidos llegó hasta la cuarta posición.

Pese a ser una canción tan circunscrita a un lugar y movimiento tan concretos (la frase "Si vas a San Francisco, asegúrate de llevar flores en el pelo" refleja por si sola el ambiente que se respiraba en la ciudad estadounidense, en una corriente que no tardaría en extenderse por todo el país), San Francisco volvió a ocupar un lugar privilegiado como himno de otro movimiento juvenil posterior, cuando en Checoslovaquia se convirtió en un canto a la libertad durante la Primavera de Praga, el proceso de salida del Pacto de Varsovia.

0353: The Golden Road - The Grateful Dead

 

The Grateful Dead es una de las bandas más populares de rock de todos los tiempos y a pesar de sus 13 discos de estudio, si por algo son reconocidos es por sus directos, y sus eternas giras para tocar en directo en cualquier rincón del planeta. Se fundó en el Área de la Bahía de San Francisco en medio del auge de la contracultura de la década de 1960. Los miembros fundadores fueron Jerry García(guitarra principal, voz), Bob Weir (guitarra rítmica, voz), Ron "Pigpen" McKernan (teclados, armónica, voz), Phil Lesh (bajo, voz) y Bill Kreutzmann (batería) muchos habían tocado juntos en varias bandas de San Francisco. A The Grateful se los ha asociado durante mucho tiempo con la era hippie del amor libre, sus actuaciones en vivo de improvisación prolongada y sus legiones de fans leales, es la antítesis de una banda de estudio, Jerry García and Company, siempre pareció más a gusto en la carretera. Sin embargo, entre sus discos se encuentran clásicos que definen no solo al grupo, sino una época de nuestra historia, conocida por su estilo ecléctico, que fusiona elementos de rock, folk, country, jazz, bluegrass, blues, gospel y rock psicodélico, su devota base de fans, conocida como "Deadheads".

 

The Golden Road (To Unlimited Devotion) es la primera canción del primer álbum de la banda (y junto a Cream Puff War las únicas originales del grupo) lanzado en 1967, también fue su primer sencillo. En un intento de ser más comercial (exigencia de la discográfica que después de grabar el alum no encontró un sencillo con el suficiente gancho para emitir en las radioformulas), así que se propusieron crear una melodía más alegre, una especie de llamada para "unirse a la fiesta" y "vivir en la calle", presumiblemente en el distrito de Haight Ashbury en San Francisco, a los que los componentes del grupo llamaban su hogar. La letra está acreditada a “McGannahan Skjellyfetti” el seudónimo colectivo usado por la banda, en una parte menciona “Summer's coming in” refiriéndose al tan publicitado “Summer of Love de 1967” que resultó ser un verdadero desastre y el final de su idílica escena, quizás por eso en sus multitudes de concierto en vivo solo se ha podido escuchar un puñado de veces y principalmente al inicio de su carrera.

La letra de "The Golden Road" habla de una chica que camina descalza y que "baila en sus pies" y la capacidad de vivir en la calle (rasgo que se identifica con los hippies). También habla de tomarse unas vacaciones y fumar (la marihuana es una parte importante de la escena) y pide a los oyentes que "vengan y se unan a la fiesta". Probablemente no haya una banda más inextricablemente vinculada con los Hippies y Haight que los Grateful Dead, y no hay una canción de Dead que presagie con mayor precisión el Verano del amor. Definitivamente son 2:13 de pura felicidad y una excelente manera de haber presentado a The Grateful Dead, mucho más que una banda de rock.

0352 - Velvet Underground & Nico - Sunday Morning

0348 - Velvet Underground & Nico - Sunday Morning

Sunday Morning es una canción de la Velvet Underground & Nico. Esta canción es la que abre su primer álbum de 1967, The Velvet Underground & Nico. También  publicó la canción como sencillo en 1966. 

A finales de 1966, Sunday Morning fue la última canción que se grabó para The Velvet Underground & Nico. 

El productor Tom Wilson solicitó incluir esta canción, ya que pensaba que el álbum necesitaba otra canción con la voz principal de Nico con el potencial de ser un single de éxito. La cinta maestra final de la primera cara del álbum muestra Sunday Morning sólo a lápiz antes de I'm Waiting for the Man.

En noviembre de 1966, Wilson llevó a la banda a los estudios de grabación Mayfair en Manhattan. La canción fue escrita con la voz de Nico por Lou Reed y John Cale. La banda la había interpretado en directo con Nico como cantante principal, pero cuando llegó el momento de grabarla, Lou Reed cantó la voz principal. Nico, en cambio, hizo los coros de la canción.

Con el objetivo de crear un éxito para el álbum, Sunday Morning presenta una producción notablemente más exuberante y profesional que el resto de las canciones del álbum. 

Según Reed, el tema de la canción fue sugerido por Andy Warhol. Andy dijo: '¿Por qué no haces una canción sobre la paranoia? Me pareció genial, así que se me ocurrió 'Cuidado, el mundo está detrás de ti, siempre hay alguien que te vigila', que creo que es la declaración paranoica definitiva en el sentido de que el mundo se preocupa lo suficiente como para vigilar te.

Daniel 

Instagram storyboy 

0351: I'm waiting for the man - Velvet Underground

 

Estoy esperando a el hombre, tengo 26 dólares en la mano... Así comienza I'm Waiting for the Man, un intenso viaje en clave proto-punk y garage rock, hacia los infiernos del Harlem neoyorquino en busca de heroína. Escrita por Lou Reed, que comentó sobre la letra que "Todo acerca de esa canción es cierto, excepto el precio", podría interpretarse como una precuela de la mítica Heroin, incluida también en el disco The Velvet Underground & Nico.

Mientras que, hacia la mitad del disco, Heroin relata con pelos y señales la adicción del protagonista y el momento de "pegarse un chute", I'm Waiting for the Man suena casi al comienzo, describiendo la tensa espera de la compra de la droga entre la Avenida Lexington y la 125, sintiéndose "enfermo y sucio" y "más muerto que vivo", esperando a un camello que "nunca llega a tiempo, siempre llega tarde, lo primero que aprendes es que siempre tendrás que esperar".

Construida sobre un machacón ritmo de piano, bajo y guitarra, que ha sido copiado y versionado por toda una legión de músicos de diferentes generaciones, es una de las mejores canciones de la Velvet Underground. Su amigo David Bowie la llevó magistralmente a su terreno en directo, con la formación de los Spiders from Mars y en otras giras posteriores. Es también curioso escucharla en la voz suave y femenina de Vanessa Paradis en su disco de debut, producido por su entonces pareja Lenny Kravitz. Son solo algunos ejemplos de las múltiples visitas a la Avenida Lexington con la 125, para hacer suya una canción de incalculable valor. O quizá la consigas por solo 26 dólares, pero siempre te tocará esperar.

Disco de la semana 254: Bayou Country - Creedence Clearwater Revival

 

Bayou Country

     Mientras la Creedence Clearwater Revival lleva un cargado calendario para promocionar su album debut, paralelamente trabaja en su siguiente proyecto. Este proyecto acabará llamándose Bayou Country, que supondrá un antes y un después en la carrera del grupo, ya que será el primero de los considerados grandes discos del grupo. El disco es grabado en los RCA Studios de Los Ángeles a finales de 1968 bajo la producción del propio John Fogerty, y publicado bajo el sello discográfico Fantasy Records el 5 de enero de 1969. El disco alcanzará el puesto número 7 en las listas de ventas de Estados Unidos, siendo el primero de una larga lista de éxitos que abarcarán dichas listas durante los siguientes tres años.

John Fogerty, Tom Fogerty, Doug Clifford y Stu Cook, los miembros de la banda, eran conscientes de que después de su primer álbum de estudio debían sacar otro buen disco para que la crítica y las ventas les acompañaran, ya que estaba en juego la  continuidad de la banda o la disolución de la misma y la vuelta a la vida normal para ganarse la vida trabajando como habían estado haciendo. Alentado por todo esto John Fogerty se puso a trabajar sin descanso y a componer lo que acabarían siendo clásicos no sólo de la banda, sino de la música rock. El resultado es la fusión de las influencias de John Fogerty, un disco que abarcará el rock, el blues y el rock sureño. El grupo, tratando de cuidar todos los detalles, se traslada a los famosos RCA Studios de Hollywood, donde los Rolling Stones habían grabdo la memorable Satisfaction, y graban todos los temas en riguroso directo. Una vez grabado, John Fogerty perfeccionó todas las partes vocales y algunas partes instrumentales, añadiendo material también a éstas. El resultado no pudo ser mejor, nacía Bayou Country, el primero de los grandes discos y uno de los más influyentes de la Creedence Clearwater Revival.

Abre la cara A una de las canciones más importantes de la banda, Born on the Bayou, un tema donde la banda se adentra en los sonidos del género llamado Swamp Rock (Rock de Pantano, una forma de música de raíces con influencias tan diversas como Zydeco, cajún, Swam Pop y Swamp blues), y que se usaría para definir el sonido de la banda. John Fogerty escribió la canción sin haber visto un pantano en su vida. Investigó sobre estos en las enciclopedias y se imaginó su infancia viviendo rodeado de pantanos. John era de Berkeley, California, y allí no había pantanos. La primera vez que John vio un pantano fue en 1969, cuando coincidió con el cantante John Fred en un ensayo, y este se ofreció a llevarlo a un pantano de verdad. Le sigue Bootleg, un tema más pausado que el anterior que viene marcado por el ritmo de una guitarra acústica mientras John repite sencillos solos de guitarra durante todo el tema imitando la voz por momentos. Una canción que nos habla sobre como solemos ansiar lo prohibido, ¿Por qué todo aquello que es malo (helados, dulce, alcohol...) ansiamos tenerlo?. Cierra esta cara Graveyard Train, un tema donde la banda mezcla grandes dosis de experimentación e improvisación, con todo el protagonismo para los solos de guitarra y armónica y la voz de John mientras se repite la misma estructura rítmica de bajo y batería durante toda la canción. La canción tiene un estilo que nos recuerda a Howlin' Wolf, el cual era uno de los grande ídolos e influencias de la banda, y donde nos hablan del amor y la muerte, temáticas muy habituales en el blues. 

La cara B comienza con la versión Good Golly Miss Molly, de uno de los grandes clásicos del rock & roll que popularizó en la década de los años 50 Little Richard, grabada por él más concretamente en 1956. En este clásico y emocionante rock & roll escrito por Robert "Bumps" Blackwell y John Marascalco el grupo nos muestra que tiene más influencias además del rock y el country. Penthouse Pauper, un blues rock donde el ritmo está marcado por la batería de Doug Clifford que suena mucho más contundente y potente de los que nos suele tener acostumbrados. Una canción que se basa en la sencillez y que crece con los fraseos bluseros de John Fogerty con la guitarra. Llegamos a uno de los grandes temas, uno de los buques insignia de la banda, la gran Proud Mary, tema que se convirtió en el primer gran éxito de la banda, llegando a alcanzar el puesto número 2 en las listas Billboard estadounidenses. Esta canción resume el espíritu de la Creedence Clearwater Revival en su forma de concebir y entender la música. John Fogerty creó este temazo basándose en una estructura bastante sencilla, utilizando únicamente cinco acordes, y utilizando un estribillo de lo más pegadizo. En un principio John concibió la historia de una mujer que trabajaba como sirvienta para gente acaudalada, ella se monta todas las mañanas en el autobús para ir a trabajar y después regresa a casa. fue el bajista Stu Cook quien tuvo la idea de introducir el aspecto fluvial de la canción al ver junto al resto del grupo un programa de televisión llamado Maverick. John estuvo de acuerdo en que el barco parecía tener algo que ver con la canción. Entonces hizo que los primeros acorde de la canción evocaran una rueda de paletas de un barco fluvial dando vueltas. Así es como Proud Mary pasó de ser una sirvienta a un barco. Cierra la cara B y este discazo Keep On Chooglin, una canción experimental de más de siete minutos. Al igual que la otra canción experimental del disco, Graveyard Train, esta se sustenta en una estructura repetitiva de bajo y batería, y la inclusión también de la armónica. Sobre un ritmo pausado, el protagonismo es para la guitarra y la armónica con sus extensos sólos. Una canción hecha claramente para ser tocada en directo.