El disco de la semana 221: Betty Davis - Nasty Gal

 

Nasty Gal, Betty Davis

     Para la recomendación de esta semana traemos bajo el brazo a una mujer que está considerada como una de las reinas del funk a pesar de tener una corta carrera musical y no haber vendido discos a espuertas como otros artistas del género. Uno de los motivos de su corta carrera fue el veto con el que contó esa cantante y compositora, por parte de organizaciones religiosas, radios y televisiones estadounidenses, que vetaron tanto sus salvajes presentaciones en vivo como la mayoría de sus canciones, muchas de las cuales tenían un alto contenido sexual. Esto hizo que decidiera retirarse y llevar una apacible y tranquila vida apartada de la industria musical. Con todos vosotros Betty Davis. Pero ¿Quién es Betty Davis?

Betty Davis, con apellido Marby de soltera, nace el 26 de julio de 1945 (aunque ella afirma que nació en 1944) en Durham, Carolina del Norte (Estados Unidos). Es en la granja de su abuela, en Reidsville, Carolina del Norte, donde empieza a escuchar a grandes músicos de blues como BB King, Jimmy Reed y Elmore James entre otros, lo que hace que se interese muy pronto por la música. A los 12 años de edad ya compone su primera canción, I'm Going to Bake That Cake of Love. Es a esa edad cuando se muda con su familia  Pittsburgh. Betty se marcha con 16 años de Pittsburgh y pone rumbo a Nueva York para vivir con su tía. Es en la ciudad neoyorkina donde se inscribe en el Fashion Institute of Technology, que es la parte de la Universidad Estatal de Nueva York que está enfocada en el arte, los negocios, el diseño y todo lo relacionado con la moda.

Mientras cursa sus estudios, durante la década de los 60 se empapa de la cultura y la música folclórica de Greenwich Village. Betty trabaja como modelo, llegando a aparecer en revistas como Seventeen, Ebony y Glamour, y también frecuenta uno de los clubs de moda de la ciudad, The Cellar, un club frecuentado por una multitud artística y multirracial de modelos, estudiantes de diseño, actores y cantantes. En el Cellar solía pinchar discos y charlar con la gente. En su etapa en Nueva York conoce a varios músicos, haciendo gran amistad con Sly Stone y Jimi Hendrix. La influencia de la música de estos dos plantarán la semilla del estilo y la carrera musical de Betty. También hace amistad con el cantante y compositor de soul Lou Courtney, que será quien produzca su primer sencillo en 1963, The Cellar, inspirado en el local donde trabaja. 

Miles & Betty Davis

Mientras trabaja como modelo conoce al músico de jazz Miles Davis, quien es 19 años mayor que ella. Miles Davis se estaba separando en ese momento de su primera esposa, la bailarina Frances Davis, y estaba saliendo con la actriz Cicely Tyson. Bety y Miles comienzan a salir a comienzos de 1968 y en septiembre de ese mismo año contraen matrimonio. En sólo un año, lo que dura su matrimonio, Betty influirá Miles tanto en cuestiones de moda como en tendencias de la música popular de la época, algo que el mismo músico reconocerá posteriormente en su autobiografía. Según Miles, Betty le ayudó a plantar las semillas de sus futuras exploraciones musicales al presentarle al innovador del funk Sly Stone y a un psicodélico guitarrista llamado Jimi Hendrix. El matrimonio dura un año, Miles definía a Betty como "demasiado joven y salvaje", y la acusó de tener una eventua con Jimi Hendrix. Betty siempre lo negó y lo consideró una gran falta de respeto hacia ella y hacia su amigo Hendrix. La influencia de Betty en Miles fue un hecho, pues Miles se mantuvo en contacto con Hendrix, y los dos planeaban grabar algo juntos, pero la muerte de Hendrix lo impidió. Y la influencia de Sly Stone en Miles se puede ver reflejada en el álbum de Miles, Bitches Brew (1970), que marcaría el comienzo de la era del jazz fusión. 

El primer gran logro de Betty lo consigue al escribir para los Chambers Brothers la canción Uptown (to Harlem) en 1967, y en 1968 comienza a colaborar con el trompetista, cantante y compositor sudafricano Hugh Masekela, con quien graba varias canciones para Columbia Records. Posteriormente Betty graba varias demos con Miles Davis y Teo Macero como productores, y son utilizadas por Miles Davis para intentar conseguir un contrato discográfico con Columbia Records y con Atlantic Records para Betty, pero ninguna de las dos discográficas muestra interés. 

Finalizado su matrimonio con Miles Davis, Betty se muda a Londres, alrededor de 1971, para trabajar como modelo, y también se dedica a escribir música. Un año después aproximadamente, regresa a Estados Unidos para grabar con Santana, pero al final graba sus propias canciones con un grupo e músicos de sesión de la Costa Oeste. Así, Betty graba su primer disco, donde todas las canciones son escritas y arregladas por ella, llamado Betty Davis en 1973, bajo el sello discográfico Just Sunshine. Con la misma fórmula y bajo el mismo sello discográfico graba y publica su segundo álbum de estudio en 1974, They Say I'm Different. En 1975 publica su tercer disco de estudio, Nasty Gal con la discográfica Island Records. Ninguno de sus tres disco tuvo apenas éxito comercial, exceptuando un par de temas en la lista estadounidense Billboard R&B. 

Betty se había convertido en un figura de culto como cantante, pero debido a sus letras, descaradas, atrevidas, de alto contenido sexual, y sus actuaciones salvajes, se convirtió en un personaje controvertido. En Europa gozó de éxito, pero en su casa, Estados Unidos le fue prohibido actuar en televisión debido a lo que ellos  llamaban "Una personalidad sexulmente agresiva en el escenario". Tampoco ayudó el hecho de que las organizaciones religiosas presionaran a la vez la organización de Derechos Civiles NCAAP (Asociación Nacional para el Avance de de las Personas de Color), que hizo que su canciones tampoco fueran pinchadas en la radio. De hecho, en 1976 grabó un cuarto disco, Is It Love or Desire?, el cual no sería publicado y se mantendría bajo llave y archivado hasta el año 2009, año en el que vería la luz, todo un misterio. En 1979, Betty, después de realizar algunas sesiones de grabación, decide dejar de hacer música y regresa a su Pittsburgh natal, donde vive tranquilamente desde entonces. En 2019 lanzó su primera canción escrita en más de 40 años, A Little Bit Hot Tonight, interpretada por su amiga la etnomusicóloga y productora Danielle Maggio.

Una vez presentada Betty Davis, en 7dias7notas elegimos para la recomendación semanal su tercer disco de estudio, Nasty Gal (1975). El material que compone este álbum fue grabado en mayo de 1975, y publicado ese mismo año por la discográfica Island Records. Después del clandestino éxito de sus dos anteriores discos, que no se ve reflejado en las lista de ventas, Betty inicia una gira con una banda de respaldo llamada Funk House, donde se encontraban Nicky Neal (batería, coros), Larry Johnson (bajo), Fred Mills (teclados) y Carlos Morales (guitarra, coros). ABC Records compra el sello Just Sunshine, quien tiene los derechos de Betty Davis, y es Island Records quien se interesa por el trabajo de Betty y le hace una oferta para grabar Nasty Gal, el álbum predestinado a ser el despegue de la artista. Si bien en los dos álbumes anteriores, Betty había grabado con músicos de sesión, decide grabar este nuevo disco con Funk House, con ellos se siente a gusto y tiene muy buena conexión. Las críticas de este disco fueron bastante desfavorables, los críticos pensaban que la imagen que Betty proyectaba perjudicaba su talento real, pero Betty era así, su funk era salvaje y lo expresaba no sólo con su voz, también lo expresaba con su cuerpo.

Nasty Gal combina temazos de funk clásico con temazos funk rock, y unas letras de alta tensión sexual. Es un disco donde encontraremos temas como Nasty Gal, un tema donde tanto la música como la letra son brillantemente sucias: "You said i love you every way but your way / And my way was dirty for ya now..." (Dijiste que te amo en todos los sentidos menos a tu manera / Y mi manera era demasiado sucia para tí ahora...); You and I La única balada del disco, coescrita por Betty Davis y Miles Davis, una auténtica delicia; Temas puro funky como Talkin' Trash, donde los teclados nos recuerdan mucho al mismísimo Stevie Wonder; potentes temas de funk rock, como F.U.N.K., con unos riffs asesinos brillantemente ejecutados por Carlos Morales, mientras Betty nos define lo que para ella es el funk, toda una oda al género. Al Green, Tina Turner, Stevie Wonder, Jimi Hendrix, Sly Stone, Funkadelic..., todos ellos lo tienen, ellos son el funk; Volveremos a disfrutar de esos salvajes riffs de guitarra combinados con la arrolladora voz y personalidad de Betty en temas como Shut Out The Light y This Is It. 

Betty dejaba claro con Nasty Gal quien era en aquel momento la indiscutible reina del funk. Valga, para despedir esta salvaje recomendación, una frase del mismísimo Carlos Santana, que definía a Betty Davis como "indomable, no podía ser domesticada. Musicalmente, filosóficamente y físicamente era extrema y atractiva."

0105: Sealed with a kiss - Brian Hyland

 

Estamos ante una canción de amor arquetípica para adolescentes de secundaria estadounidense, compuesta por Gary Geld y el letrista Peter Udell, el dúo comenzó su asociación de escritura a principios de los años sesenta y escribieron más de 100 canciones juntos. Una de sus primeras canciones fue esta, que escribieron en 1960 y fue un éxito para Brian Hyland dos años después. La grabación original de “Sealed With a Kiss” fue para el grupo The Four Voices y fue lanzada como single en mayo de 1960, sin embargo, no se convirtió en un éxito, el encargado de poner este tema en órbita fue Brian Hyland. Nacido en Woodhaven en Queens, Nueva York de niño ya le encantaba la música, tocaba el clarinete y la guitarra y cantaba en el coro de la iglesia local. A los 14, fundó un grupo de doo-wop llamado DelFis y pero el grupo no consiguió tener éxito, Brian probó en solitario y tras visitar distintas discográficas con sus maquetas pudo firmar con Kapp Records que les dio la oportunidad. Después de algunos temas fallidos, Hyland tuvo un gran éxito a los 16 años con "Itsy Bitsy Tennie Weenie Yellow Polka Dot Bikini", que fue escrita por Lee Pockriss y Paul Vance ("Catch a Falling Star" y "Johnny Angel"), iniciando una carrera que si bien no sería muy exitosa si le otorgó un pico de popularidad que pocos artistas han conseguido.

 

Brian Hyland, grabaría "Sealed with a kiss" cuando ya era un ídolo juvenil, las muchachas estaban locamente enamoradas de él, de su guitarra y de ese pelo engominado tan representativo del artista, era uno más que se disputaba el trono de la música adolescente en dura pugna con Paul Anka o Neil Sedaka. La discográfica sabía que este tema que tenían en la recamara seria su oportunidad de poder superar a sus compañeros, el éxito estaría en esa música, a la que muchos llaman "sonido chicle", que era muy agradable, sencilla y melodiosa, y casaba perfectamente con aquellos tiempos pre-Beatles. Un tema ideal para capturar a todas aquellas jovencitas que estaban deseando sentir el amor en forma de canción y escuchar historias felices de adolescentes como ellas. Y tanto que fue así, estamos quizás ante el único gran tema del artista, tal era la repercusión que tuvo que consiguió liderar las listas de éxitos a ambos lados del océano Atlántico, cosa que pocos artistas lo habían podido conseguir hasta ese momento. Vamos a dejarnos llevar por esas sensaciones sesenteras y demos una oportunidad a esta canción, al fin y al cabo todos de adolescentes hemos tenido una canción chiclosa que nos ha conquistado.

0104: Stan Getz / Charlie Byrd - Desafinado

 

Desafinado, Stan Getz / Charlie Byrd

     En 1962 el saxofonista de jazz estadounidense Stan Getz se asocia con el también guitarrista de jazz estadoundense Charlie Byrd, y juntos publican el álbum Jazz Samba, un disco que marcaría el comienzo de la moda de la bossa nova en Estados Unidos. Stan Getz fue el solista destacado del álbum, y Charlie, quien se sintió atraído por primera vez por la bossa nova durante una gira a Brasil en 1961, le acompañó y se encargó  de los arreglos de los temas.

Stan Getz y Charlie Byrd estuvieron acompañados para la grabación del álbum por los bajistas Keter Betts y Joe Byrd (hermano de Charlie), y los bateristas Buddy Deppenschmidt y Bill Reichebach. El disco fue grabado en los estudios Pierce Hall, de Iglesia Unitaria All Souls, en Washington DC (Estados Unidos) en una sesión el 13 de feberero de 1962, y publicado posteriormente ese mismo año por el sello discográfico MGM / Verve.

Incluido en Jazz samba se encuentra el tema Desafinado, una canción estándard de bossa nova y jazz compuesta por el compositor, pianista, arreglista y cantante brasileño Antônio Carlos Jobim, con letra del músico, compositor y letrista también brasileño Newton Mendonça. Esta versión de Getz y Byrd obtuvo un gran éxito, alcanzando muy buenas cifras en las litas Billboard estadounidenses y el puesto número 11 en las listas del Reino Unido. 

El tema fue compuesto como una respuesta a los críticos que afirmaban que la bossa nova era un género para cantantes que no sabían cantar. Por esta versión de Desafinado, Stan Getz ganaría el premio Grammy a la Mejor Interpretación de Jazz en 1963.

Prince - Parade (Mes Prince)

¿La mejor banda sonora del siglo XX?

La pregunta puede resultar pretenciosa, y seguro que os vienen a la mente grandes bandas sonoras que merecerían ese apelativo mucho más que este, por otra parte, increíble disco antes que banda sonora de la película Under the Cherry Moon, dirigida y protagonizada por el propio Prince en 1986. Pero es que la pregunta tiene trampa.

Descubrí a Prince siendo sólo un adolescente, cuando llegó a mis manos el disco Sign of the Times (1987), casi al mismo tiempo que mi cabeza de quinceañero explotaba viendo la retransmisión del concierto de la gira de Lovesexy (1988) en Dortmund. Después de aquello, escuché ambos discos hasta desgastarlos, e inicié una ardua búsqueda de todos sus discos anteriores, digna del mejor de los detectives. Para los que crean que aquí también exagero, conviene recordar que por aquel entonces no había Internet, ni nada parecido. Para llegar a saberlo todo de un artista, había que comprar las revistas especializadas en música en las que apareciera. En una de ellas,dedicaron una página entera a reseñar brevemente todos los discos que había sacado hasta entonces, ordenados cronológicamente y con fotos de las portadas. Recorté esa página y la colgué en la pared de mi habitación, y se convirtió en la hoja de ruta de mi búsqueda de Prince.

En el apartado dedicado a Parade (1986), el redactor afirmaba que éste era el mejor disco de Prince, y añadía que era "la mejor banda sonora del siglo XX". Con esas expectativas, busqué el disco por todas partes, en lo que fue un auténtico desfile de tienda en tienda, hasta que logré encontrarlo. Con las primeras notas de Christopher Tracy's Parade ya tuve claro que aquello no era "la mejor banda sonora del siglo XX", pero sí uno de los discos más arriesgados e inspirados de un artista en estado de gracia, que seguía experimentando con los sonidos étnicos que ya poblaban el también excelso Around the World in a day (1985), pero dotando a las canciones de densas orquestaciones (Parade fue el primer disco firmado por Prince en el que colaboró el compositor y arreglista clásico Clare Fischer) y de referencias a la canción francesa, junto a una carga de jazz-funk mayor que la que había llevado en la maleta en su vuelta al mundo en un día.

Tras el breve y orquestal desfile inicial de Christopher Tracy's Parade, el primero de los dos temas en los que menciona al personaje que interpreta en la película, la cabra tira al monte y nos regala un tema tan desnudo como sus dos protagonistas, en el que Prince propone abiertamente a su pareja: "Cariño, tenemos que probar una nueva posición..." Sexualidad implícita y explícita aparte, es también un alegato a no acomodarse en los esquemas del pasado, y esa búsqueda de "nuevas posiciones" fue constante en cada disco publicado en los ochenta. Toda la canción es un golpe de creatividad y de experimentación sobre la mesa, una muestra más de que en ese momento no había barreras musicales que no se planteara saltar. El ritmo va ralentizándose al tiempo que se mezcla con el comienzo de I wonder U, una brillante pieza minimalista en concepto, duración y letra, con toques árabes y adornos orquestales, rota magistralmente en el final por los acordes de Under the Cherry Moon, primero de los buques insignia del disco y la película, y una de las más brillantes cartas de presentación del Prince melódico y pianista.

El Prince rockero y guitarrero de Purple Rain (1984) brilla aquí por su ausencia, pero a cambio, el despliegue instrumental es apabullante en temas como Girls and Boys, un auténtico trallazo de jazz-funk en el que se da el gusto de incluir tubas, violas y secciones de viento, y hasta recitados en francés acreditados a una enigmática Marie La France. Lástima que después llegue la atropellada y sobrecargada Life can be so nice, el tema menos destacable del disco, que retoma de nuevo la senda correcta con la delicada Venus de Milo, pieza instrumental basada en el piano de Prince y las capas de orquestaciones de Clare Fischer.

La cara B arranca con otro trallazo, la monumental y épica Mountains, quizá la pieza más cercana al rock, pero sin alejarse del tono barroco y psicodélico elegido para el disco. La versión incluida en los créditos finales de la película es mucho más extensa, con una parte adicional en clave de jam session funk. En el disco la canción se reduce a su parte más ortodoxa, al termino de la cual el sonido va disminuyendo hasta mezclarse con la voz de una niña que, en francés, dice: "Los niños que son malos no van al paraíso", antes de que comiencen los primeros compases de Do U Lie, la pieza más "francesa" del álbum, y una dulce canción basada en una estructura de piano y batería de jazz.

Kiss irrumpe entonces poderosamente en los altavoces con su pegajosa guitarra funky, casi en el momento en el que finaliza el último redoble de la balada "parisina" del disco. Poco más se puede decir de uno de los mejores temas de toda la carrera de Prince, el segundo en el que desafió las normas de la ortodoxia musical, eliminando la línea de bajo de la versión final de la canción (el primero fue When Doves Cry). La versión en single es, de nuevo, más extensa, y la parte adicional es más densa y desatada a nivel instrumental, en la línea de lo que haría después en temas como Eye No o Alphabet St en Lovesexy (1988)

Pegadiza e intensa, Anotherloverholenyohead no se queda corta con respecto a los trallazos anteriores. De nuevo es posible encontrar una versión más larga publicada como single, otra muestra más de la desbordante creatividad del músico, obligado a recortar sus obras para ajustarse al formato vinilo, pero dejándolas volar libres y completas en un formato (single y maxisingle) que tuvo sus cotas de popularidad en los ochenta. Y para terminar, el de Minneapolis se guarda una sorpresa en forma de delicatessen a piano y guitarra. Sometimes it snows in April es el segundo tema basado en el personaje de la película, y es de nuevo uno de los mejores temas escritos por Prince a lo largo de su carrera. Triste, intensa, austera, acústica, muy alejada del tipo de temas lentos de su cancionero. Y esa es la esencia de Parade, un disco que no suena como ninguna otra cosa hecha antes o después por Prince, ni como ninguna de esas bandas sonoras que todos consideramos como las mejores del siglo XX.

0103: You don't know me - Ray Charles

You Don't Know Me fue escrita originariamente por Cindy Walker, basándose a su vez en un título que Eddy Arnold le había sugerido. "Tengo el título de una canción para tí...No me conoces", a lo que Walker bromeó contestando: "Pero yo sí te conozco". El propio Arnold grabó la primera versión de la canción en 1955 y la lanzó como sencillo en 1956, pero habría que esperar a 1962 para encontrarnos con la versión más vendida y reconocida del tema, cuando Ray Charles la incluyó en su exitoso álbum "Modern Sounds in Country and Western Music" e impulsó el sencillo hasta el número 2 del Billboard Hot 100. 

Como curiosidad, este intenso tema de amor platónico y no correspondido es la única canción de Ray Charles que aparece en los dos discos de Ray Charles que lograron alzarse con el puesto más alto de las listas de ventas, ya que el artista estadounidense la grabó por segunda vez junto a Diana Krall para su disco de duetos Genius Love Company, interpretada esta vez junto a Diana Krall.

Además de Krall, artistas con registros vocales muy diferentes se rindieron a los encantos de la canción y la grabaron en sus propias versiones. Nada extraño, por otra parte, porque la canción refleja un sentimiento y una tristeza casi universales ¿Quién no ha sentido alguna vez esa sensación de estar ante la persona amada, con el corazón latiendo fuerte, y no atreverse a confesar sus sentimientos? Le pasó hasta a Elvis Presley, o incluso a Bob Dylan. Ambos clamaron, lastimeros, aquello de: "Para ti solo soy un amigo, eso es todo lo que he sido. No, no me conoces...". 

Un país, un artista: Jamaica - Third World

 

Third World

     El país elegido en esta ocasión por todos nuestros seguidores fue Jamaica. Hablar de Jamaica es hablar de Reggae, un género musical que inunda todos los rincones de un país donde sus habitantes no conciben ya su vida diaria sin él. El reggae es un un género musical que se originó en Jamaica durante los años 60. Si hablamos de reggae en sentido estricto, es la música desarrollada entre 1969 y 1983, época en la que el bajo eléctrico cobró más importancia en el sonido y el movimiento Rasta (Movimiento espiritual jamaiquino influenciado por corrientes de pensamiento locales, de tipo filosófico y espirituales) fue cobrando cada vez más importancia tanto en el sonido como en las letras. Los sonidos que han acompañado desde la década de los 60 hasta ahora al país han ido desde el Ska, pasando por el Rocksteady y el Reggae hasta llegar al Dancehall.

Una vez elegido el país, en 7dias7notas teníamos la patata caliente, había que elegir un artista de dicho país. Podríamos haber escogido al que se convirtió en el máximo referente mundial del género, Bob Marley, o a sus Wailers, la banda formada por el mismo Marley, Peter Tosh y Bunny Wailer. Tabién podíamos haber escogido a pioneros del género, tales como Prince Buster, Desmond Dekker o Jackie Mittoo. Pero al final nos decantamos por una banda formada a principios de los 70 que se atrevió a fusionar el reggae en aquellos tiempos, algo que no fue muy bien visto por parte del sector más purista del género en aquella época. Con todos vosotros Third World, una formación que sigue a día de hoy en activo y que atesora en su extenso currículum más de 20 álbumes de estudio y cinco en directo. 

Third World nace en Kingston, Jamaica, en 1973 de la mano del tecladista Michael "Ibo" Cooper, y el guitarrista y violonchelista Stephen "Cat" Coore, que había tocado originalmente en The Alley Cats y posteriormente en Inner Circle. Los dos músicos se juntan con el cantante también de Inner Circle, Milton "Prilly" Hamilton para formar su propia banda. Posteriormente reclutan al bajista Richard Daley, al baterista Carl Baroviery al percusionista Irvin "Carrot" Jarrett. Acababa de nacer una formación que todavía esta en activo a día de hoy, y donde Stephen "Cat" Coore y Richard Daley siempre se han mantenido en la banda, la cual ha sufrido a lo largo de su historia multitud de cambios de formación. 

El grupo graba algunas pistas con el reconocido músico, ingeniero de sonido y productor jamaiquino Geoffrey Chung, pero éstas no salen a la luz. La banda, en sus inicios se forja tocando en hoteles y clubes nocturnos de Kingston, llegando a apoyar junto a The Wailers a los mismísimos Jackson Five en el Estadio Nacional de Jamaica. 

Third World se va haciendo un nombre, siendo además un de las pocas bandas de la época completamente autónomas, pues tienen todo lo necesario para crear su propio sonido y no necesitan depender de ningún sistema de sonido para reproducir su música. Curiosamente este factor juega en su contra a la hora de conseguir un contrato discográfico, ya que la mayoría de los sellos discográficos funcionaban con sistemas de sonido a la hora de grabar. El grupo sabe que en Jamaica tiene difícil firmar por una discográfica, por lo que decide viajar a Inglaterra para realizar una gira.Y es allí donde se les presenta la oportunidad de fichar con Island Records, y no la desaprovechan. Island lanza el sencillo debut del grupo, Railroad Track, en 1974 y los envía a una gira por Europa como teloneros de Bob Marley & The Wailers. 

En 1976 Third World debuta con su primer álbum de estudio, de título homónimo, el cual contiene una versión del tema Satta Massagana, originalmente interpretado por The Abyssinians. El disco obtiene una buena acogida tanto del público como de la crítica. Su segundo disco, 96° In The Shade, confirma el crecimiento musical del grupo y obtiene un gran éxito en el Reino Unido y en Europa. Es con el lanzamiento de su tercer trabajo, Journey To Addis, con el que el grupo alcanza su mayor éxito comercial con la versión del tema de The O'Jays, Now That We Found Love. La canción se convierte en un éxito a ambos lados del atlántico, alcanzando el Top 10 en las listas del Reino Unido, y el top 10 también en las listas estadounidenses de R&B en 1979. 

El grupo, que se encuentra en el momento más álgido de su carrera, lanza en 1980 el álbum Rise In The Harmony, y la banda sonora de la película Prisoner in the Street. Después de estos lanzamientos, la banda acaba contrato con Island Records y ficha por CBS Records. Con dicha compañía debutan con el álbum Rock the World en 1981, consiguiendo otro éxito en las listas con el tema Dancing on the Floor (Hooked on Love). El grupo, que había conocido a Stevie Wonder en Jamaica en 1976, comparte escenario con él en el Reggae Sunsplash Festival de 1981, para realizar tributo al recientemente fallecido Bob Marley. En 1982 el mismo Stevie Wonder escribe y produce dos sencillos de su siguiente disco, You've Got the Power (1982), lo que le da una mayor repercusión en Estados Unidos a la banda. 

Durante la década de los 80, Third World sigue gozando de un notable éxito, fruto de sus siguientes trabajos, All the Way Strong (1983) y Sense of Purpose (1985). Pero su disco Hold on to Love (1987) no le fue tan bien, lo que hizo que el grupo separe su camino de la discográfica CBS y fiche por Mercury Records. su álbum debut con Mercury, Serious Business (1989), supuso volver a situar a la banda en un lugar de privilegio en las listas de R&B de Estados Unidos. Su siguiente disco, Committed (1992), con aires a dancehall, sería el último lanzado con Mercury, su siguiente trabajo, el directo Live It Up (1994), es lanzado por el propio sello discográfico de la banda. 

La formación, desde su fundación ha ido sufriendo cambios, y unos de los más notables quizás son la marcha en 1997 del miembro fundador Michael "Ibo" Cooper y de Willie Stewart, siendo sustituidos por el tecladista Michael "Baarbe" roman y el baterista Tony "Ruption" Williams. Cuatro años hay que esperar para disfrutar del siguiente trabajo de la formación, Generation Coming (1999), donde cuentan con la colaboración de artistas como Shaggy y Bounty Killer. En 2003 el grupo publica Ain't Givin 'Up, y celebra además su 25º aniversario tocando música regrabando sus clásicos. El grupo sigue muy activo con la publicación de numerosas grabaciones en vivo además de sus trabajos en estudio Black, Gold, Green (2006), Patriots (2011), Under The Magic Sun (2014) y More Work to Be Done (2019), y en todos ellos cuentan con numerosos artistas invitados, tanto consagrados como de la nueva hornada de estrellas emergentes. A lo largo de la larga trayectoria del grupo, ha sido nominado nueve veces a los premios Grammy, siendo la última nominación en 2019 con su último disco, More Work to Be Done. 

Third World es una banda que además de tocar reggae, ha sabido combinar y fusionar a lo largo e su extensa trayectoria, otros géneros como soul, R&B, folk-pop, hard rock, bossa nova, rap, light pop-jazz, doo-wop y calypso entre otros. Por todo esto, el estilo de la banda ha sido denominado como reggae fusión, algo que ha hecho que cierto sector proveniente del más purista del género, se sienta incómodo por las incorporaciones y fusiones de otros géneros al reggae. Al respecto, Bunny Rugs, componente del grupo, decía que el grupo "no era estrictamente una banda de Reggae, era definitivamente una banda de Reggae"; Stepehen "Cat" Coore defendía que "el híbrido y la mezcla de varios tipos de música era algo natural porque, al crecer en Jamaica, conocían las raíces directas del reggae y el ska, y al mismo tiempo vivían en un país donde se podía escuchar a Chuck Berry, Fats Domino y todos los demás artistas de R&B". En definitiva, Third world es una banda que a principios de la década de los 70 fue capaz de mirar al futuro y atreverse a evolucionar un estilo, el reggae, que al igual que tanto otros, han sufrido y sufrirán la inevitable evolución y modernización con el paso de tiempo.

Miembros actuales:

• Stephen "Cat" Coore
• Richard Daley
• Tony "Ruption" Williams
• Maurice Gregory
• Norris "Noreiga" Webb
• AJ Brown

Ex miembros:

• Michael "Ibo" Cooper
• Irvin "Carrot" Jarret
• Carl Barovier
• Milton "Prilly" Hamilton
• Nunny Rugs
• Willie Stewart
• Rupert "Gipsy" Bent III
• Leroy "Baarbe" Romans
• Mikel Wallace
• Herbie Harris
• Robbe Lynn
• Pablo Stewart

La musica en historias: Clare Fischer, el colaborador en la distancia

Mucho se ha escrito sobre el control que Prince ejercía sobre sus colaboradores y grupos satélite. Todas aquellas publicaciones de The Time, Vanity 6, The Family, Madhouse... no eran sino proyectos de Prince enmascarados, y controlados por él hasta el más mínimo detalle. En el caso de "The Family" (1985), proyecto efímero de banda que duró solo un disco en el que apareció por primera vez "Nothing Compares to you" (mucho antes de que Sinead O'Connor la hiciera famosa), el control llegó al máximo hasta el punto de que todo el disco estaba terminado previamente por Prince, y únicamente se sustituyeron sus voces por las del cantante designado para el grupo.

Pero no estoy siendo exacto, decir "todo el disco" sería injusto e incorrecto si tenemos en cuenta los arreglos orquestales de Clare Fischer, omnipresentes en ese disco satélite, y en mayor o menor medida en los discos de Prince desde 1985 hasta 2009. La singularidad de esta colaboración es que es probablemente la única en la que el genio de Minneapolis dió libertad creativa casi absoluta al colaborador y mantuvo la colaboración durante más de 20 años.

Pero además, lo curioso de esta historia es que Prince y Clare Fischer nunca llegaron a conocerse en persona. Todo empezó con la preparación del disco "Parade" en 1985, Prince necesitaba arreglos orquestales que enriquecieran partes de algunos temas, y como además pretendía complementar el disco con una película ("Under the Cherry Moon"), necesitaba también tramos orquestales para la banda sonora del film.

Como cuenta Brent Fischer, hijo y ayudante de Clare Fischer, en 1985 les llegó una cinta de cassette etiquetada como "Proyecto Hermanos Marx" que en realidad era el álbum "Parade".  Lo que Prince les pedía para aquella cinta era que trabajaran en los arreglos orquestales que pudieran encajar con algunas de las canciones. El acuerdo incluía que para la primera sesión de grabación de los mismos, Prince viajaría de Minneapolis a Los Angeles para unirse a ellos en el proceso de dejar pulidos los temas con los arreglos.

Por razones de última hora, finalmente Prince no pudo asistir el día de la grabación pero, cuando le enviaron los resultados de vuelta, llamó a Clare Fischer para decirle que estaba impresionado con el resultado y que "si hubierta estado ahí, las pistas podrían haber acabado de manera diferente". A continuación le dijo que, por ese motivo, no se presentaría jamás a ninguna sesión de grabación en la que Clare Fischer estuviera trabajando en los arreglos orquestales de sus discos. Y se mantuvo fiel a sus palabras durante los más de 20 años en los que estuvieron trabajando juntos. Los arreglos de Clare Fischer aparecen en muchas canciones de Prince (y otras tantas que estarán guardadas en la mítica bóveda - caja fuerte del artista) y ambos músicos no llegaron nunca a verse en persona.

El momento en que más cerca estuvieron, y no es un momento demostrable, fue cuando Prince necesitó música de orquesta para las escenas de la película. Como no podían verse, Clare le pidió que le mandara una cinta de vídeo de la película para inspirarse en la creación de la música de acompañamiento. Días después una limusina púrpura aparcó en la puerta de la casa de Clare Fischer, y el conductor llamó a la puerta con una cinta de video en la mano.

Brent Fischer abrió la puerta, pero no pudo ver quién estaba detrás de los cristales tintados de la limusina. Cuando se ofreció a recoger la cinta, el conductor dijo que tenía instrucciones exactas de entregar la cinta únicamente en mano a Clare Fischer, por lo que Brent llamó a su padre para que bajara a recogerla. Prince probablemente estaba dentro de la limusina púrpura, y de ser así ese fue el momento en el que más cerca estuvieron de haberse conocido,   

Clare Fischer murió en Enero de 2012, y Prince solo cuatro años después, por lo que su colaboración abarcó finalmente la mayor parte de su obra. Sirva este post para que, si escucháis "Venus De Milo", "Graffiti Bridge", "Scandalous" o "Te amo corazón", por nombrar solamente algunas, prestéis atención a la orquesta que adorna las canciones, y descubriréis que todas tienen un estilo común en la manera en que esa orquesta suena. Estaréis descubriendo a Clare Fischer.

0102: Ac-Cent-Tchu-Ate the Positive - Aretha Franklin

 

El tercer disco de Aretha Franklin tuvo el muy convincente nombre de “The Electrifying Aretha Franklin” aunque, a decir verdad, esos primeros discos grabados para Columbia, no sacaron ni por asomo el potencial que la artista poseía, es cierto que es su primera gran incursión en el Soul, pero estaba muy lejos de lo que podía y nos iba a ofrecer más adelante. No sabemos bien lo que buscaba la discográfica con estos primeros discos, posiblemente acercar a la artista al universo de Ray Charles y encontrar la versión femenina de un estilo musical que le estaba dando grandes beneficios, pero creo que lo único que consiguió, además de un puñado importante de ventas, es apagar o dejar a un lado la fuerza vocal de Aretha. No hay absolutamente nada de malo en el material de este álbum, excepto que ya se ha hecho cientos de veces durante las décadas anteriores, tomar canciones clásicas y tratar de hacer un remix con los estilos que estaban de moda en el momento, pero poco más.

La canción que hemos elegido es quizás la más destaca del álbum, “Ac-Cent-Tchu-Ate the Positive” es una canción compuesta en 1944 por Harold Arlen (música) y Johnny Mercer (letra) para la banda sonora de la película Here Come the Waves (1944), una comedia musical romántica dirigida por Mark Sandrich y protagonizada por Bing Crosby y Betty Hutton, y ambientada en torno a la Marina de Estados Unidos. Más tarde aparecería en L.A. Confidencial e incluso Clint Eastwood realizaría su versión para su película “Medianoche en el jardín del bien y del mal”.

La letra hace referencia a dos historias bíblicas: Jonás y la ballena y Noé y el arca. En el Libro de Jonás, la figura del título huye del mandato de Dios de advertir a la ciudad corrupta de Nínive de su inminente perdición, y él termina en el vientre de una ballena. De manera similar, en el Libro del Génesis, a Noé se le ordenó construir un arca para su hogar y animales específicos para escapar de una devastadora inundación global. La canción pregunta: "¿Qué hicieron cuando todo se veía tan oscuro?" la respuesta en la canción…  es mejor que acentuemos lo positivo y eliminemos lo negativo, aferrémonos a la verdad”. Tal cual con este tema.

0101: Song to Woody - Bob Dylan

Una de las primeras canciones que escribió y grabó Bob Dylan fue este Song to Woody que incluyó en su álbum debut, Bob Dylan, en 1962 cuando Dylan tenía solo 20 años, hay que tener en cuenta que la mayor de las composiciones de ese álbum eran versiones de temas clásicos del folk americano y únicamente esta canción y “Talkin' New York” eran originales del artista. La canción fue escrita después de que Dylan visitara a Woody Guthrie (uno de los pioneros del folk en Estados Unidos) en un hospital psiquiátrico de Nueva Jersey, donde Guthrie (de 48 años) estaba muriendo de la enfermedad de Huntington. Woody, significaba mucho para Dylan, representó un raro híbrido de un compositor brillante e ingenioso y un hombre de conciencia, fue un modelo para el compositor en que se convirtió, las canciones de Dylan, como las de Woody, son siempre bellamente poéticas, pero sin separarse de la verdad de la vida. A simple vista la canción parece bastante simple, pero su uso cuidadoso del lenguaje transmite tanto un sentido de reverencia hacia Guthrie como una apreciación por la incertidumbre de la vida. Al titularse "Canción para Woody", sugiere que la canción de Dylan fue creada a Guthrie desde una posición de privilegio, en cambio en cuanto empiezas a escuchar la letra rápidamente descubres que lo que Dylan está haciendo es un homenaje en forma de canción hacia Guthrie desde la admiración absoluta. 

 

Eh, eh, Woody Guthrie, te he escrito una canción

Sobre un divertido viejo mundo que va dando vueltas

Que parece enfermo y está hambriento, cansado y roto

Que parece como muriéndose y apenas ha nacido

 

Eh, Woody Guthrie, pero yo sé que tú sabes

Todas las cosas que estoy diciendo

Y las que otras veces pueda decir

Te estoy cantando una canción,

Pero no puedo cantarte lo suficiente

porque no hay muchos hombres que hayan hecho lo que tú

 

La canción toma prestada la melodía de la canción de Guthrie "1913 Massacre" que apareció por primera vez en 1941, una de las muchas canciones que Guthrie grabó para el sello discográfico Folkways. Es una canción sobre la muerte de los mineros y sus familias el 24 de diciembre de 1913 en el “Desastre del Salón Italiano”. La canción se vuelve bastante mejor con el paso del tiempo. Por supuesto, Dylan posiblemente se ha convertido en el individuo más famoso e influyente de la tradición musical estadounidense. A lo largo de los años, sus composiciones se han vuelto extremadamente ambiciosas, ya que se ha dedicado a describir el "viejo y divertido mundo" que nos rodea.

La música en historias: Around The World In A Day - #MesPrince

 

Around The World In A Day, Prince

Con Purple Rain, publicado en 1984, Prince había alcanzado por fin el estatus de super-estrella, un titulo reservado a un pequeño grupo de artistas. Con dicho disco vendió nada menos que 13 millones de copias en Estados Unidos, permaneciendo 24 semanas consecutivas en el puesto número 1 de la lista estadounidense Billboard 200. Pero además, la película de dicho álbum, ganó un premio de la Academia a la Mejor Banda Sonora Original y recaudó más de 68 millones de dólares en Estados Unidos.

La discográfica de Prince, Warner Bros., se frotaba las manos esperando su próximo disco de éxito, imaginando algo parecido a una continuación de Purple Rain. Pero Prince tenía otros planes, y estos no tenían nada que ver con los de Warner. El genio de Minneapolis ya había conquistado el mundo, y en vez de consolidar esa conquista, decidió que era el momento de progresar creativamente y abrirse a nuevas tendencias e influencias. Prince decide apartarse del funk clásico y se marca un disco caleidoscópico, se aparta del sonido más comercial del género y experimenta con otros estilos más psicodélicos y otras texturas para enriquecer su sonido. 

Prince va macerando los temas que compondrán este álbum entre febrero y diciembre de 1984 en diversos estudios entre Minneapolis y Los Ángeles. El resultado es Around The World In A Day, trabajo publicado paralelamente por Warner Bros, y por la discográfica creada por el propio Prince, Paisley Park, en abril de 1985, y bajo el nombre de Prince and The Revolution, incluyendo así en la autoría a su banda de acompañamiento. Fue deseo expreso de Prince, que se negó, a sacar single previo al lanzamiento del álbum, para que según él, el disco fuera entendido como un todo. Por ese motivo, el primer sencillo del disco estuvo retenido hasta casi un mes después del lanzamiento del álbum. 

Around The World In A Day, debido a su estilo caleidoscópico y psicodélico, y a su portada llena de personajes del universo Prince, fue considerado por la crítica como el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de Prince, pero su autor siempre negó esa comparación con los Beatles, apuntando hacia otros lados las influencias del disco. En cuanto a la portada, fue obra del artista estadounidense Jim Warren, conocido por las ilustraciones de portadas de libros y el arte de fantasía surrealista. Prince simplemente tomó la decisión pensando que la gente estaría cansada de verle la cara a él en las portadas de sus discos. Como ya hemos comentado, la relación entre la discográfica y Prince siempre había tenido tiras y aflojas, y en esta ocasión no iba a ser menos. Ya había dejado claro su parecer, desoyendo los consejos y recomendaciones de la discográfica y marcándose un disco completamente diferente a lo que Warner esperaba. La discográfica echaba en falta hits más claros y con mayor carga de guitarras, pero la idea de Prince era la de jugar con sonidos más experimentales, con percusiones a base de darbukas y tamborinas, y con cellos, violines y flautas salpicando la práctica totalidad de las canciones.

Para muestra, la anécdota del día que Prince presentó el trabajo a la discográfica. Ese día, Prince se presentó en limusina y toda la parafernalia que aquello conllevaba en el recinto donde iba a presentar el material a Warner, los invitados tomaron asiento, se apagaron las luces, y el trabajo de Prince empezó a sonar. Una vez acabó la última nota y se encendieron las luces, los directivos de la compañía observaron incrédulos como Prince ya no se encontraba allí. El mensaje estaba claro: "Este es el material de mi nuevo disco, y no es negociable, es lo que hay". La discográfica quedó en una situación bastante incomoda y tuvo que tragar. Pero la relación, como ya comentaremos más adelante, se iba a tensar aún más. A pesar de la escasa promoción del álbum, y del material que contenía mismo, no muy comercial precisamente, el disco se vendió realmente bien, convirtiéndose después de Purple Rain, en el segundo disco del artista en alcanzar el puesto número 1 en la lista Billboard Hot 200. Dos de los cuatro sencillos lanzados posteriormente, Raspberry Beret y Pop Life, alcanzaron el top 10 en la lista Billboard Hot 100. 

Paisley Park

Entramos en materia, y el primer tema que abre el álbum es precisamente el que da título al mismo, Around the World In a Day, tema que está acreditado a David Coleman, hermano de Lisa Coleman e integrante de la banda The Revolution, a John L. Nelson, padre de Prince, y al propio Prince. Esta fue una de las únicas canciones que el artista no escribió por su cuenta. El tema partió de una canción grabada por Coleman, al cual Prince dió como regalo de cumpleaños algo de tiempo de grabación en los estudios Sunset Sound de Los Ángeles. Posteriormente Prince re-elaboró la canción manteniendo el título de la misma. También acreditó en el tema su padre, pues incluyó melodías y matices que recordaba habérselos oído a él, y era una forma de agradecérselo. En este tema Prince nos invita a a mirar más allá de uno mismo y a no ponernos limitaciones, ¿Realmente no se puede dar la vuelta al mundo en un día?, en tu mente tu puedes, y nos lo recordaba diciendo "Abre tu corazón, abre tu mente".

Paisley Park, el tema fue uno de los cuatro sencillos que se lanzaron posteriormente, y Prince se encargó de interpretar toda la canción excepto el violín (Novi Nvog) y los coros (Wendy y Lisa). El tema es uno de los únicos que se asemejan y acercan algo al estilo de su anterior disco, Purple Rain. Si nos fijamos en algunas notas de la solapa del álbum, nos dice que algunas canciones del disco fueron grabadas en Paisley Park, lo que en aquel momento era una fantasía de Prince, pero que en 1988 se haría realidad, pues Paisley Park pasaría a ser la mítica casa, estudio, sala de conciertos y cuartel general de artista donde centralizaría todas sus futuras operaciones.

Raspberry Beret

Condition of the Heart, es un tema al que Prince le da un enfoque de música clásica barroca y exhuberante con una primera parte instrumental a piano. En el tema muestra su interés por la historia de Hollywood, de ahí sus claras referencias a la famosa actriz estadounidense de los años 20 Clara Bow. También se dice que el tema fue compuesto para la cantante y compositora Susannah Melvoin, quien era hermana de Lisa, y que para Prince fue una musa que inspiró muchos de sus grandes trabajos. Raspberry Beret, uno de los grandes clásicos de Prince y que se editó también en single. De este tema Prince hizo una versión extendida donde incorporó instrumentos de cuerda, platillos de dedo del Medio Oriente y una armónica. El tema habla de la primera experiencia sexual de un adolescente con un chica. El joven es un humilde empleado de una tienda, y tiene una difícil relación con su jefe. De repente, entra esta chica, alegre, alocada y rebelde por la puerta de la tienda portando en la cabeza una llamativa gorra de color frambuesa.

America

 

Tamborine, es el tema que cierra la cara A del álbum. Quizás el tema más raro del disco, de corte muy experimental, con percusiones a base de darbukas y tamborinas. Todos los instrumentos de este tema son tocados por prince. America se encarga de abrir la cara B, el tema más guitarrero del disco, con una base rock and roll donde va incorporando toques étnicos. De este tema hay una versión extendida de más de 20 minutos donde la melodía principal de rock and roll desaparece y comienza una explosión de puro funk. Este fue otro de los cuatro sencillos que se publicaron del disco.

 

Pop Life

Pop Life, fue junto a America, Raspeberry Beret y Paisley Park el otro de los únicos cuatro temas del disco que fueron editados en single posteriormente. Como muy bien dice el título, el tema es el de corte más pop del disco, y alcanzó el puesto número 7 en las listas de ventas de Estados Unidos, convirtiéndose en el octavo éxito de Prince en colarse entre los diez primeros en un lapso de de dos años. La canción incluye una parte que representa el sonido de una campana en un combate seguido por el sonido de una multitud inquieta. Se rumoreaba que esto fue sacado de un concierto en Los Ángeles en 1981 donde Prince abrió para los Rolling Stones. En realidad fue sacado de una biblioteca de efectos de sonido.

The Ladder, es junto el tema que da título al disco, el otro tema donde Prince acredita a su padre, John L. Nelson. En éste tema también incorporó matices que recordaba habérselos escuchado a su padre. Se trata de una balada donde mete una extraña distorsión y donde Prince nos canta una historia medieval, un tema lleno de pura psicodelia. y cierra la cara B y por tanto este gran disco Temptation, un tema de algo más de ocho minutos donde Prince nos regala una primera parte muy cañera que va transformando en pura psicodelia en la segunda parte. En cuanto a la letra del tema, aquí Prince mantiene una conversación con Dios el cuál acaba perdonando al artista al final de la misma. Quien no perdonaría al artista sería su discográfica, Warner Bros., que esperando otro disco superventas al estilo Purple Rain, se encontró con algo completamente diferente. La cuerda se seguía tensando...

0100: In my time of dying - Bob Dylan

In My Time of Dying, también conocida como Jesus Make Up My Dying Bed es una canción tradicional góspel cuyo origen se remonta a 1925. Ya en ese año, la letra "Jesus goin 'a-make up my dyin' bed" aparece mencionada en A Chronicle of Unknown Singers, del historiador Robert Emmet Kennedy Mellows, y en el Índice de Espirituales de la Biblioteca de Cleveland. Desde entonces y hasta ahora, ha sido versionada por una gran cantidad de músicos y cantantes. El primero en versionarla fue Blind Willie Nelson, primero como Jesus Make Up My Dying Bed y posteriormente en 1927 en una versión góspel con guitarra slide, pero fue la versión de Bob Dylan la que hizo que este tema fuera mundialmente conocido.

Incluida en su álbum de debut homónimo de 1962, In my time of dying comparte con las canciones de ese disco el hilo conductor de la muerte como temática en las letras. El arreglo de la canción de Dylan se aleja definitivamente del góspel para adentrarse en el terreno del folk rápido, y se inspira a su vez en el de otra versión del tema, la del músico Josh White, que en 1933 la grabó inicialmente como Jesus Gonna Make Up My Dying Bed, y que más tarde, entre 1944 y 1946, la grabaría de nuevo como In My Time of Dying.

Mucho tiempo ha pasado desde entonces, hasta el punto que el propio Dylan no recuerda donde aprendió la canción, pero de acuerdo con las notas del disco, la versión registrada fue la primera vez que el músico de Minnesotta la había tocado, por lo que en aquel momento tuvo mucho de improvisación. Entre las versiones posteriores de otros artistas, la más relevante es la de la Led Zeppelin, que la incluyeron en su doble álbum Physical Graffiti de 1975, otorgándole el honor de ser el tema de mayor duración de toda su discografía. Ni más ni menos que 11:06 minutos de blues rock o, lo que es lo mismo, y siendo fieles a la mística y los mensajes esotéricos que rodeaban a muchas de sus canciones, exactamente 666 demoníacos segundos.

La música en historias: Blind Faith y la portada de la discordia

 

Blind Faith

     Blind Faith fue uno de esos llamados supergrupos británicos que a pesar de sus corta vida musical, entre 1968 y 1969, y con un sólo álbum a sus espaldas, ayudaron a poner los cimientos de la fusión entre el blues y el rock. La banda nace a mediados de 1968. Por un lado, Eric Clapton se encontraba ya cansado de mediar entre los conflictos que surgían constantemente en Cream entre Jack Bruce y Ginger Baker, además del hastío que le generaba tener que tocar siempre blues comercial sin posibilidad de experimentar con otros sonidos. Por otro lado, Steve Winwood tenía un problema similar en la banda donde estaba, The Spencer Davis Group, donde quería fusionar elementos de la música blues con el jazz, pero como no le dejaban, había formado Traffic.

Separada temporalmente Traffic y definitivamente Cream, Winwood y Clapton empiezan a trabajar juntos realizando sesiones de improvisación. Los dos se sienten muy bien trabajando juntos y valoran la posibilidad de formar un trío, ahora sólo falta un baterista, y ahí llega Ginger Baker, quien se ofrece para el puesto. Al principio Clapton se muestra reticente, pues el proyecto podía parecer una nueva reunión de Cream, y éste le había prometido a Jack Bruce que si pasaba estos, los tres tenían que participar. Al final Winwood consigue convencer a Clapton para que el puesto lo ocupe Baker, pues encontrar un baterista de esa calidad iba a ser harto difícil. En mayo de 1969 es invitado unirse a la banda el bajista Ric Grech, integrante del grupo Family, al que abandona en mitad de una gira. 

La mayor parte del material del que será el primer y único álbum de la banda, de título homónimo, Blind Faith, es cocinado en los Olympic Studios de Londres, bajo la supervisión del productor Jimmy Miller. El material es grabado entre febrero y junio de 1969, y publicado en agosto de 1969 por Polydor Records en Reino Unido y Canadá y por Atco Records en Estados Unidos. 

Este disco supuso un gran éxito, alcanzando ya en la primera semanas los puestos más altos de las listas británicas y estadounidenses. Sin embargo hay un detalle que generó una fuerte polémica, la portada del disco, una portada que ahora está considerada como una de las más icónicas del rock a nivel mundial. En dicha portada aparece una menor de edad sosteniendo un jet futurista mientras mira al espectador con la boca semiabierta. La portada, nada más ser lanzada, generó una fuerte polémica entre lo medios de comunicación, incluida la empresa que tenía los derechos de la grabación de la misma en Estados Unidos. Nadie quería hacerse responsable de una portada donde aparentemente se promovía la sexualidad adolescente de la mano de una menor de edad que además portaba en una de sus manos un símbolo fálico. 

La portada fue obra del célebre fotógrafo y artista visual Bob Seidemann, famoso por sus trabajos junto a Janis Joplin y Grateful Dead, quién frente a toda ésta polémica, declaró que toda esa teoría de la menor de edad y el símbolo fálico era completamente absurda. Seidemann aseguraba que la menor simbolizaba la inocencia, y lo que sostenía en su mano era fruta del conocimiento. Si Seidemann tenía razón o no, no importó mucho en aquel momento, pues la discográfica decidió sacar en el último momento una portada alternativa donde se ve a los integrantes del grupo en un recorte fotográfico en blanco y negro tras una sesión de estudio. En España, inmersa en aquel momento en plena dictadura, decidieron cortar por la sano y prohibieron directamete la publicación del disco en el país. 

0099 La música en canciones: Spoonful - Howlin' Wolf

Spoonful, Howlin' Wolf

     En el capítulo anterior ya hacíamos referencia a un tema cuyos dos protagonistas se repiten también en este, y cuya importancia para el desarrollo del blues de Chicago fue fundamental, pues nos regalaron varios temas que son considerados clásicos de la historia del blues, Howlin' Wolf y Willie Dixon. 

Spoonful fue compuesta por el bajista, cantante, compositor y productor musical Willie Dixon, considerado como uno de los máximos exponentes del blues de Chicago, y que durante su carrera compuso material para artistas de la talla de Muddy Waters, Led Zeppelin, Otis Rush, Koko Taylor, Sonny Boy Williamson, Bo Diddley, Chuck Berry o Howlin' Wolf entre otros.

Esta composición de Dixon fue grabada por primera vez por el gran bluesman Howlin' Wolf, y fue publicada como sencillo por el sello Chess Records en junio de 1960. Posteriormente, el sello Chess Records juntaría este tema y otras grabaciones más hechas por Howlin' Wolf entre 1960 y 1962, y las recopilaría en el álbum titulado Howlin' wolf. Spoonful es un blues lento donde la guitarra eléctrica predomina sobre los demás instrumentos. Willie se basó para componerlo en los temas All I Want Is A Spoonful (1925) de Papa Charlie Jackson, Cocaine (1927) de Luke Jordan, y A Spoonful Blues (1929) de Charlie Patton.

La temática del tema, cuyo título significa "Cucharada", es interpretado como una metáfora y de los extremos que las personas pueden alcanzar para satisfacer sus placeres, tales como el sexo, el alcohol o las drogas. Para la grabación del tema Howlin' fue respaldado por Hubert Sumlin a la guitarra, Freddy Robinson como segunda guitarra, Otis Spann al piano, Fred Below a la batería, y el propio Willie Dixon al contrabajo. Se llegó a especular sobre si Freddie King era realmente quien había aportado la grabación de una de las guitarras, pero tanto Hubert Sumlin como Freddy Robinson lo desmintieron y siempre confirmaron que las guitarras fueron grabadas por ellos dos. 

El disco de la semana 220: La paciencia de la araña - Los caballeros de la quema

El disco de la semana 220: La paciencia de la araña - Los caballeros de la quema

Hola!, esta semana volvemos con un disco Argentino de una banda que vio la luz principio de la década de los '90, esta banda se llama Los caballeros de la quema una banda de rock alternativo, que tras publicar 4 álbumes, su 5to. álbum de estudio editado en 1998, La paciencia de la araña llego para alcanzar su pico de popularidad.

Este nuevo disco de la banda obtendrá gran popularidad con el corte "Avanti Morocha", tema que se instalara en radios y televisores, pero este disco tendrá muchos más temas tan fuertes como "Rajá Rata" y "Malvenido" que abren la placa de manera potente, con arreglos de vientos que lo acercan al reggae y a estilos que no eran frecuentes para la banda.

Estos temas fueron los primeros cortes del disco, que si bien tuvo su momento, pasó totalmente desapercibido después de que "Avanti Morocha" y "Oxidado" salieran a la calle como segundo y tercer corte respectivamente para la promo del disco. La siguiente canción del álbum es "Todos atrás y Dios de 9", una de las mejores del disco, con la poesía futbolera de Iván Noble su vocalista, en su máxima expresión que nunca falla y que tanto nos cautiva.

"Oxidado", otro de los hits y otra canción de amor de esas que a Noble le salen tan bien en su etapa de Caballeros, y también en la solista, claro. Un rock simple, pero que abrió puertas y portones. "Mas de lo menos", es en lado B del disco esta el costado crudo de la banda, ese que otros discos como Manos vacías y Sangrando nos dieron a conocer.

La segunda parte tiene una trilogía que marca el mejor momento del disco de La Paciencia de la araña, "De mala muerte", una balada para poner en un marco y escucharla con una buena bebida en la mano; y otros temas que notan popularidad son "Huelga de princesas", y "Me voy yendo", un reggae perfectamente ejecutado y que renovó credenciales luego de "No chamulles" (del disco Perros, Perros y Perros).

Once son las canciones de este disco: la 10 es "Avanti morocha", de la cual no vale la pena hablar mucho, la número 9 es "Cerrá bien cuando te vayas", otra de las letras furiosas que nacieron de un momento de ira de la pareja. La banda tocando al palo y mostrando que no se dejaron de lado las raíces. El último apela a lo emotivo "Madres", y es el homenaje a las Madres de Plaza de mayo, dando un cierre a una placa que vale la pena repasar todo el tiempo.

La Paciencia de la Araña representa un pico creativo de una de las bandas insignia de los ‘90, una de las tantas que se perdieron y que nos privaron de muchos buenos discos, gracias a lucha de egos o a la razón que sea. Iván Noble estaba en un momento único, lo que siguió fue Fulanos de Nadie, otro material repleto de buenas canciones, pero que marcaron el adiós de la banda, Caballeros de la quema una banda de rock con un estilo único que ha marcado un estilo en la música argentina.

Daniel 

Instagram Storyboy

0098: Back Door Man - Howlin' Wolf

 

Howin' Wolf álbum

     En 1962 el sello discográfico Chess Records recopila varias canciones grabadas  por Howlin' Wolf y que ya habían sido publicadas por el propio sello como sencillos, y las publica todas juntas conformando el álbum titulado Howlin' Wolf. El disco contiene 12 temas de los cuales 10 habían sido compuestos por Willie Dixon, quedando de manifiesto la importancia que este tenía dentro de Chess Records, pues se había convertido en uno de sus grandes valuartes, tanto en la composición de temas, como en la interpretación. 

Incluido en el disco se encuentra Back Door Man, el cual fue grabado en junio de 1960 en los estudios del sello Chess en Chicago, y publicado por primera vez como sencillo en 1961. Howlin' fue respaldado en las sesiones de grabación del tema por Otis Spann (piano), Hubert Sumlin (guitarra), Freddy Robinson (guitarra), Fred Below (batería) y Willie Dixon (contrabajo), quien además de compositor del sello, también realizaba por aquel entonces las funciones de músico de sesión. 

En cuanto a la temática de este blues, Willie Dixon lo compuso en referencia a la frase Back door man (hombre de la puerta trasera), que en la cultura sureña hacía referencia a cuando un hombre tenía una aventura con una mujer casada, siempre usaba la puerta trasera para escapar antes de que el marido regresara a casa. De hecho la temática del hombre de la puerta trasera fue bastante recurrente en muchas otras canciones de blues de la época.

Se ponía de manifiesto la importancia que tuvieron para el blues de Chicago tanto Howlin' Wolf como Willie Dixon, quienes son considerados dos de los grandes precursores del género, y que colaboraron en numerosos temas, Dixon a la composición, y Wolf a la intepretación, y que queda ya para los anales de la historia del blues.

0097: Gin House Blues - Nina Simone

 

Gin House Blues, Nina Simone

     Forbidden Fruit fue el segundo álbum de estudio de la cantante Nina Simone para el sello discográfico Colpix. El disco fue grabado en Nueva York entre 1960 y 1961 por Nina Simone, que estuvo respaldada por Al Shackman a la guitarra, Chris White al bajo y Bobby Hamilton a la batería. Incluido en este álbum se encuentra el tema Gin House Blues. Gin House Blues es el título de dos canciones de blues diferente que a menudo se suelen confundir, y en el caso de Nina Simone así ocurrió.

La canción que originalmente se tituló Gin House Blues, fue compuesta por Fletcher Henderson, con letras de Henry Troy, y fue grabada por primera vez por Bessie Smith junto con el propio Henderson en marzo de 1926. El tema comienza así: "I've a sad story today / I'm goin' to the gin when the whistle blows...".

Pero realmente, la canción a la que nos estamos refiriendo en esta ocasión, cuyo título es el mismo, Gin House Blues, y que Nina grabó, comienza con las siguientes líneas: "Stay away from me 'cause i'm in my sin / If this place gets raided, it's just me and my gin...". Se trata de un tema que se tituló originalmente Me and My Gin, y fue escrita por Harry Burke, del cual se cree que es un pseudónimo del pianista y compositor estadounidense James C. Johnson. La gente acabaría conociendo el tema como Gin House o Gin House Blues. Curiosamente fue grabada por primera vez también por Bessie Smith, concretamente en agosto de 1925 y publicada por Columbia Records. Esta fue la canción que realmente grabó Nina Simone, y que erroneamente se confunde con la otra canción anteriormente mencionada, confundiéndose en ocasiones también la autoría de la misma, pues en la grabación de Nina hay lugares donde se acredita a Henderson y Troy, cuando en realidad su autor fue Harry Burke.