Disco de la semana 467: Currents - Tame Impala

 

Con sus dos primeros discos, Innerspeaker y Lonerism, Tame Impala se situó a la vanguardia de la ola de rock psicodélico proveniente de Australia, junto con artistas como Pond y King Gizzard and the Lizard Wizard. Pero mientras que esos dos primeros trabajos se basaban en guitarras potentes con reverberaciones deslavadas y paisajes sonoros expansivos con sabor a rock, cediendo voluntariamente a los clichés de la música psicodélica de los años 60 y 70. Kevin Parker, quien es en realidad el único miembro de la "banda" de Tame Impala, nos embarca en un viaje muy personal, quizás incluso más que en los dos primeros discos. Lo hace no solo a través de sus letras introspectivas, cercanas y que invitan a la reflexión, sino también por el simple hecho de que Parker es literalmente la única persona que ha contribuido a este disco: es compositor, músico multiinstrumentista, vocalista, productor y arreglista, y el resultado es increíble.

Let It Happen empieza con un sonido único, las notas de tan raras resultan absurdas al principio, pero se vuelven dramáticas a medida que avanza la canción. La narrativa da la impresión de que trata sobre agresión sexual, creo que suena extremo, pero eso es lo que pienso con la frase "let it happen", especialmente con "it's gonna feel so good", a medida que el bajo baja en la segunda estrofa, la canción crece y en cierto modo, se vuelve más "épica", creo que eso se debe a la combinación del bajo mencionado, la voz característica de Kevin con eco y el instrumento que suena casi como una cigarra y que toca una nota constante de fondo durante esta parte. Me gusta mucho la frase homófona de "a notion" y "an ocean", especialmente con "and all the others seem shallow", lo que prácticamente confirma que fue intencional, en cuanto a la narrativa, parece hablar de sentirse impotente e intentar desaparecer, lo cual, en mi opinión, podría tener muchos sentidos, pero desde luego no se opone a mi historia de agresión sexual. A medida que avanza la tercera estrofa, se habla más de impotencia, con referencias a un antagonista real (el "torbellino"), y se habla aún más de desaparecer ("si nunca vuelvo..."). Ahora, vamos con la parte instrumental, en primer lugar, me gusta mucho la audaz elección de una parte instrumental de 3 minutos en el mejor momento, y Tame Impala la ejecuta a la perfección. El sintetizador principal lleva un ritmo pegadizo, mientras que el sintetizador de fondo y el bajo mantienen su sonido, lo que la hace tan potente. Y luego, cuando la canción empieza a saltar y entra ese sonido potente, haciendo que el oyente dude un poco, aparece ese violín increíblemente dramático, y te hace sentir como si estuvieras viajando. Y eso es incluso antes de que empiece a repetirse y a saltar entre altavoces, antes de que entre un nuevo sintetizador con un ritmo diferente, antes de que la canción estalle con el sintetizador de nuevo en primer plano, sintiendo una liberación de la presión acumulada durante cinco minutos en este punto. A medida que la letra final llega con este tono etéreo, y la canción cierra, habla con más claridad sobre "seguir adelante", y escuchamos la guitarra, con su sonido potente, aquí para quedarse hasta el final. En general, creo que Tame Impala básicamente hizo lo que una canción de casi 8 minutos siempre debe hacer: algo diferente, Let It Happen es un tema muy fuerte y una gran introducción a este álbum. Nangs es un interludio que encaja a la perfección con el contexto del álbum y cumple su cometido a la perfección, con los sintetizadores trinos que se desarrollan hasta la introducción de la batería, mientras pregunta: "¿Hay algo más?". Se inclina hacia el synthpop, una especie de "weird-core", y se desvanece dejando más preguntas que respuestas sobre qué nos deparará exactamente este álbum.

The Moment, me recuerda un poco a "Everybody Wants to Rule the World" de Tears for Fears, al principio, con el sintetizador que la inicia. Sin duda, conserva buena parte del drama de "Let It Happen", pero también conserva algo del misterio con las voces y los sintetizadores con eco, junto con la letra algo críptica, que parece hablar de algo inevitable (¿quizás la muerte? Aunque parece bastante joven para preocuparse por la mortalidad, podría ser un argumento válido en cualquier caso: un joven no es menos mortal que un viejo), y de cómo no está preparado para ella. La canción se ralentiza bastante hacia la mitad, y luego introduce un instrumento con un sonido extraño que ni siquiera puedo identificar, pero puedo decir que suena muy disruptivo y creo que contribuye al sonido dramático que encierra la canción. Luego, las teclas de sintetizador nos arrastran de vuelta al siguiente estribillo, y al cerrar, escuchamos repetidamente "it's getting closer". Esta canción parece hablar de tomar las riendas y dejar de esperar a que las cosas sucedan. Yes I'm Changing comienza de forma bastante discreta, con sintetizadores más lentos y un tempo general más lento. Creo que en este punto del álbum, ha llegado a reconocer los cambios que han estado ocurriendo y está empezando a aceptarlos y reconocerlos por lo que son, en lugar de simplemente "dejar que sucedan". La letra de esta canción, al menos con más claridad que las demás hasta ahora, se dirige a alguien, se dirige a él en segunda persona y, en mi opinión, intenta convencerlo de estos nuevos cambios y atraerlo ("Hay un mundo ahí fuera que me llama y te llama a ti, chica, también te llama a ti..."). Creo que esa es también la razón por la que esta canción no cambia tanto como las demás y es relativamente más tranquila: para no asustar a la persona y disuadirla de unirse a esta nueva vida. El tráfico y los ruidos urbanos que se escuchan hacia el final representan la oportunidad, algo con lo que la gente suele asociar las grandes ciudades, y estos nuevos cambios también conllevan grandes oportunidades. 

Eventually la forma en que esta canción empieza tan fuerte con la guitarra se debe a que se supone que debe sentirse contundente ("se siente como un asesinato someter tu corazón a esto"). Creo que quienquiera que intentara convencer en "Yes I'm Changing" no quería acompañarlo en los cambios, así que tiene que dejarla para emprender este viaje solo, razón por la cual serán más felices, pero solo "eventualmente", porque va a doler mucho ahora mismo. Y con esa idea surge un verso hermoso, en mi opinión: "Ojalá pudiera volverte a convertir en una extraña", porque desearía no tener que infligirle el dolor de dejarla, o, mejor dicho, "Porque si nunca hubiera estado en tu vida no tendrías que cambiarla". El instrumento de viento que suena hacia el final de la canción la hace parecer más esperanzadora y optimista, ahora sabiendo que tiene que suceder, y por eso tratando de sacarle el máximo provecho. Gossip es otro interludio gorjeante, y además sin voces. No estoy del todo seguro de qué pensar, además de que suena muy misterioso, a pesar de que muchos misterios parecen haberse resuelto ya. The Less I Know The Better parece tratar sobre la mujer que tuvo que dejar para emprender este viaje más grande que implica un cambio, y ahora se ve obligado a vivir con las consecuencias, que, en este caso, es... básicamente ser engañado, sin duda, es una de esas canciones que suenan felices, pero no lo son si escuchas la letra. En cualquier caso, es increíblemente pegadiza, y no es difícil ver cuál es su canción más escuchada, con diferencia. En Past Life los sintetizadores suenan muy vaporwave, y luego la conversación distorsionada del principio sobre ver una figura que resultó ser un "amante de una vida pasada". Esta canción parece más bien un interludio largo, principalmente por su repetitividad vocal y la atmósfera más tranquila en general. En cuanto a la narrativa, creo que quizás se arrepiente de haber abandonado a su amante para favorecer los cambios que vimos antes, y se siente tan desconectado de ella ahora que parece de una vida pasada. Disciples parece, una vez más, centrarse en la amante que perdió tras elegir los cambios en lugar de ella, y parece estar regresando. 

'Cause I'm A Man suena como Eventually al principio, pero luego a medida que las voces llegan, más claras que antes, y hasta ahora en primer plano, me recuerda a la música navideña en general por alguna razón. Comienza hablando sobre el arrepentimiento, creo que está completamente arrepentido de la elección que hizo de tomar el camino que lo desvió de su amante. Habla de no tener el control de sus acciones y de estar influenciado por una fuerza mayor, de la cual parece que vinieron los cambios en primer lugar, y ahora está tratando de justificar eso a su amante, a quien dejó, aunque ha regresado arrastrándose. Reality In Motion suena a verano, creo que por los golpes de batería más fuertes y el ritmo que alterna arriba y abajo a lo largo del estribillo, junto con el instrumento que lo inicia. A lo largo de la canción, siempre se refiere a "eso" y a sus efectos ("hizo que mi corazón diera vueltas y se acelerara..."), y una vez más, se refiere a alguien en segunda persona. Love/Paranoia, el título de esta canción lo dice todo. Finalmente ha vuelto con su amante después de sufrir el dolor de perderla, y ahora está paranoico de que lo deje de nuevo (aunque en realidad nunca lo hizo), y tiene que recuperar la confianza que tenía antes de que los cambios lo tentaran a dejarla, así que ahora solo puede abrirle su corazón para intentar reconstruir su relación. New Person, Same Old Mistakes con la entrada del sintetizador, reconocí esa parte de la canción en otro momento del álbum. Esta canción parece marcar un cambio radical en el tono con respecto a las demás, parecían ir creciendo, cada vez más felices, resolviendo problemas, y luego llega esta con el sintetizador extraño y vibrante, y ese tono vocal más bajo y misterioso que plantea más preguntas que respuestas, especialmente porque hemos pasado la última mitad del álbum en la resolución, atando cabos sueltos... y entonces llega esta canción. En cuanto a la narrativa, creo que parece tratarse de una lucha interna entre su amante y los cambios que le resultaron tan tentadores que decidió dejarla. No puede ignorarlos sin más; claramente había algo ahí, y los eligió a ellos antes que a ella, aunque cambió de opinión. Sin embargo, ahora que han vuelto, han vuelto a tentarlo, y se siente como una persona completamente nueva por haberla recuperado, pero está cometiendo los mismos errores de siempre, incluso antes de perderla. Incluso hace referencia indirecta a las fuerzas superiores que lo influyen, las cuales mencionó en "Porque soy un hombre", cuando dice: "y todavía no sé por qué está pasando". La voz de fondo que le decía que estaba cometiendo los mismos errores desapareció por completo, dejándolo para que vuelva a cometerlos. Incluso pregunta cómo sabrá si se ha excedido o si está bien, pero no obtiene respuesta. Cuando finalmente recupera a su amante, se prepara para repetir lo mismo que lo hizo perderla, porque recuerda que eligió los cambios por una razón, y ahora que no está cegado por la perspectiva de recuperarla, puede ver por qué fue así otra vez, y es demasiado tentador dejarlo pasar.

Disco de la semana 441: Uchu Nippon Setagaya - Fishmans

 

Este puede que sea el viaje (metafórico) más largo que hemos hecho en 7dias7notas.net, porque en esta ocasión el disco de la semana nos ha llevado hasta Japón, donde una banda llamada “Fishmans”, liderada por el carismático Shinji Sato, logró con el álbum “Uchu Nippon Setagaya” (1997), el reconocimiento internacional a un estilo único que fusionaba magistralmente géneros como el dub, el pop y la psicodelia, desarrollado y cuidado en cada uno de sus discos anteriores, pero que alcanzó en el disco que hoy reseñamos la categoría de “obra maestra” de su discografía, y que lamentablemente funcionó como brillante despedida, porque sería el último disco de estudio antes del fallecimiento de Shinji Sato a causa de una cardiopatía.

El disco abre con la etérea e hipnótica “Pokka Pokka”, una pieza relajada y de arreglos minimalistas, dominada por una efectiva línea de bajo y una suave percusión sobre la que la suave y melódica voz de Sato flota y se entrelaza con el resto de los instrumentos. El arranque es de lo más prometedor, pero lo que viene después es simplemente magistral, porque en “Weather Report” los sintetizadores, la percusión y los innovadores efectos de sonido generan un extenso y por momentos psicodélico paisaje sonoro de variadas formas y texturas.

“うしろ姿 (Ushirosugata)” tiene cierto aire de balada melancólica e introspectiva, y de nuevo la instrumentación está cuidada al máximo, y la voz de Sato es delicada e intimista. No menos cuidada es la producción de “In the Flight”, que deriva hacia un folk de guitarra acústica, chasquidos de dedos y atmosféricos sonidos ambientales, acompañando a la susurrante voz de Sato. Son dos grandes temas, quizá un peldaño por debajo de los del arranque, y de la canción que les sigue, porque “Magic Love”, con su ritmo hipnótico es una de las piezas más emblemáticas del álbum. Con su ritmo de dub pop hipnótico y pegadizo, su bajo vibrante y su efectiva melodía vocal, se convierte en toda una explosión de energía dentro de un álbum marcadamente pausado e introspectivo.

バックビートにのっかって (Back Beat Ni Nokkatte) es un dub repetitivo al más puro estilo Gorillaz, con un hipnótico ritmo constante, efectivos teclados, buenas armonías vocales y breves escarceos de guitarra eléctrica. Es otra pieza memorable, aunque en sus más de ocho minutos de duración se echan en falta cambios de ritmo que hagan que la canción se desarrolle y evolucione en mayor medida. Y no es la canción más larga del disco, porque el dub pop progresivo de “Walking in the Rhythm”, obra maestra que se va por encima de los doce minutos de duración. Esta extensa pieza es probablemente la pista más ambiciosa del álbum y un ejemplo de cómo aplicar estructuras progresivas en el pop y el reggae, comenzando con un tramo suave y percusivo para ir creciendo y alcanzar el clímax con una intensa descarga de cuerdas.

Terminar con esta pieza cumbre ya habría sido impresionante, pero aún nos reservan espacio y tiempo para una obra maestra más, porque los casi nueve minutos de psicodelia acústica de “Daydream” son el cierre perfecto para un disco que te sume en un agradable trance musical, que termina con este onírico groove hipnótico y atmosférico, en el que la interpretación vocal de Sato es especialmente sensible y conmovedora. Con los intensos arreglos de cuerda y de guitarra con los que cierran la canción, y sabiendo a posteriori que “Daydream” no era solamente el final del disco, sino el final de los Fishmans con Sato, resulta aún más impactantes los últimos minutos de un disco de producción impecable y generosos detalles sonoros, con los que construyen una experiencia auditiva memorable.

El impacto de “Uchu Nippon Setagaya” fue y es incalculable, ya que no solo consolidó a Fishmans como pioneros de la música pop japonesa, sino que el reconocimiento del disco traspasó las fronteras de Japón, trascendiendo las barreras culturales y geográficas hasta ser considerado internacionalmente como el mejor disco de pop japonés de la historia. Nuestro limitado conocimiento de la música rock y pop japonesa nos impide afirmarlo con esa misma contundencia, pero no tenemos ninguna duda de que el viaje que supone la escucha de “Uchu Nippon Setagaya” es un auténtico lujo musical.

Disco de la semana 397: Congratulations - MGMT

 

No quiero subir mucho el hype pero nada falla en Congratulations de MGMT, desde las magníficas interpretaciones vocales hasta la composición de las canciones, encuentra una mezcla perfecta de producción electrónica e instrumentación más tradicional, no tiene ni una sola canción mala, y aunque siento que muchos dirían que se podría considerar que Lady Dada's Nightmare es un punto débil en el álbum lo disfruto. A medida que la banda se adentraba más en esta región más psicodélica de su música, evolucionaron no solo como compositores, sino también como cantantes, productores y músicos en general, este fue el primer gran paso de la banda para alejarse de lo que originalmente habían hecho muy temprano en sus carreras, con los lanzamientos principalmente electrónicos hasta Oracular Spectacular. Este álbum también tiene bastantes elementos de rock progresivo, así como rock psicodélico y pop psicodélico, que se muestran más obviamente en Siberian Breaks, una canción de 12 minutos con 6 secciones, todas sumadas para formar una obra maestra de una canción.

El álbum comienza con It's Working de forma intensa, pero una vez que termina esa introducción a la canción, te deja con los tambores golpeando junto con una hermosa melodía vocal, así como mucha otra instrumentación, que conduce a un breve descanso con las voces aisladas antes de volver a los versos, que eventualmente se acumulan y hacen la transición, trayendo algo así como un coro, separado de sus repeticiones por un breve descanso instrumental más lento. En cuanto a la letra, esta canción habla de drogas, lo cual es apropiado para el sonido de la canción. Las letras de MGMT han sido algo crípticas durante un tiempo, pero la forma en que escriben incluso sobre temas que podrían parecer algo contundentes, como la ansiedad que conlleva consumir drogas, especialmente por primera vez, puede parecer poética, de alguna manera. Esta canción combina de forma hermosa diferentes géneros de rock, como el surf rock, el rock psicodélico y el rock artístico, lo que da como resultado este gran tema de apertura, un tono perfecto para el álbum. Song For Dan Treacy, es una canción alegre sobre el cantante y compositor de Television Personalities y amigo de MGMT, Dan Treacy. La canción es bastante enérgica y un gran instrumental, si bien comienza de manera bastante simple, con voces, algo de percusión y guitarra, evoluciona rápidamente, con una instrumentación más compleja que contrasta con el contenido lírico, la canción cambia a voces más parecidas a un coro que repiten "He made his mind up" respaldando la voz principal, que luego cambia a una sección más tranquila hasta que retoma el ritmo, conduciendo a la parte final, donde la canción llega a lo que tal vez podríamos llamar un pico, explotando, casi, con una línea final, antes de que la canción se desvanezca. Someone's Missing es la canción más corta del álbum, al comienzo es una canción muy tranquila, que poco a poco va construyendo sobre sus voces simples y un paisaje sonoro más ambiental, creando una sensación muy interesante, con sintetizador, órgano, un tambor silencioso pero contundente en un punto, y guitarra. En el final de la canción encontramos un sonido más animado, que suena extrañamente menos dudoso, como si la canción finalmente hubiera llegado a algún tipo de final no solo musicalmente sino temáticamente, la interpretación vocal en esta canción es muy interesante y se suma a la atmósfera cuestionadora y cautelosa del principio, es verdad que la brevedad de esta canción la obstaculiza un poco, sigue siendo una buena escucha atmosférica. Flash Delirium es una canción increíble, casi todo en ella es genuinamente lo más cercano a la perfección posible, esta canción comienza de manera simple, pronto evoluciona para estar repleta de diferentes conceptos, empaquetados juntos en una sola canción. El hecho de que esta canción pueda mantenerse unida y al mismo tiempo presentar tantas ideas diferentes en una sola canción es impresionante por sí sola, y es aún más impresionante que no solo se mantenga unida, sino que forme una canción increíble. Desde algo como un solo de flauta, hasta el magnífico verso que es esencialmente dos hermosos versos diferentes entrelazados, aún manteniendo un tema consistente, hasta la explosión de sonido final, es como un equivalente musical de tomar partes de toneladas de casas diferentes y pegarlas simplemente con madera y clavos, y aún así lograr hacer una casa no solo con un valor increíblemente alto, sino también algún tipo de comodidad para quienes viven allí y un diseño que es agradable desde todos los ángulos. Los conceptos poco convencionales para hacer la transición entre ideas encajan perfectamente en una canción fuera de lo estandar. Concluye con una explosión de sonido, gritos y luego una parada abrupta. Aunque esta canción sigue siendo bastante críptica en cuanto a la letra, hay un tema anti-redes sociales a lo largo de la canción, con la línea más directa de la canción, y posiblemente la única, siendo "Stab your Facebook". Sin embargo, la canción todavía deja mucho que debatir, ya que esa letra está en la parte más caótica y confusa de la canción. I Found a Whistle es otra canción críptica, sin embargo, a diferencia de la pista anterior, no hay líneas que indiquen un tema claro, otra canción atmosférica que se construye lentamente y finalmente explota en un final increíble. Esta canción comienza con solo un órgano y una percusión ligera, pero las voces y la guitarra entran rápidamente, continúa, hasta el cuarto verso, donde se calma por un momento, con solo voces, dando un mensaje lírico más amenazante, la canción termina con un simple "ooh, ooh, ooh", antes de desvanecerse. Esta canción tiene un gran órgano y un concepto musical muy interesante, así como un final impresionante, que tiene una de mis interpretaciones vocales favoritas del álbum, ya que el sentimiento que evoca en mí simplemente me hace sucumbir. 

Siberian Breaks es la canción más larga del álbum y la segunda canción más larga de MGMT con más de 12 minutos. Hay mucho que analizar aquí, pero antes de llegar a los detalles, en general, esta canción es realmente buena, se mantiene fresca y emocionante durante su duración y tiene algunas líneas realmente hermosas. Comencemos con la sección uno de la canción, se inicia con solo una guitarra acústica, pero pronto tenemos un bajo y luego muchas más capas. Comienza tranquilamente, pero aproximadamente al minuto y medio, se acelera y adquiere un sonido más oscuro y triste, terminando con la línea "los brazos abiertos pueden sentirse tan fríos". La siguiente sección llega de manera ligeramente abrupta, se abre con un sonido más animado, pero las voces son más tranquilas y la melodía vocal principal también es muy tranquila, en su mayor parte. La transición entre esta y la siguiente sección es mucho menos abrupta, esta tercera sección tiene una batería más potente, con una buena guitarra y una melodía es corta, de poco más de un minuto, lo que coincide con la letra final, "estar aquí siempre cambia de tono". Sigue siendo una buena parte de la canción, pero su brevedad hace que sea un poco difícil comentarla, sin embargo, cumple bien su propósito. La siguiente sección es más larga, comienza con una buena parte instrumental, con una mezcla genial de instrumentos y sonidos, que continúa a lo largo de la sección, finalmente aparecen voces tranquilas y melancólicas, que llevan el tono de un sentimiento mayormente neutral a un sonido más triste. La siguiente sección entra enérgicamente, con un tambor rápido que interrumpe la sección anterior, con un instrumental mucho más fuerte y con un ritmo más rápido. Esta sección es posiblemente mi favorita, desde la transición hacia ella hasta todo el contenido que contiene. La siguiente sección calma la canción nuevamente, haciendo una transición suave desde la sección anterior, y vuelve a la guitarra y las voces más tranquilas (obviamente junto con otros elementos, solo que esos no son tan prominentes como esos dos), antes de desvanecerse. Ahora volviendo a la canción en general, es realmente buena y es definitivamente una de las mejores pistas del álbum. Musicalmente, está bien hecha, la composición es buena, la producción y la mezcla son buenas, todo en ella es simplemente genial.

La canción que sigue a esta, que podrías pensar que tendría dificultades para no verse eclipsada por la canción anterior, es Brian Eno que enfrenta bien el desafío y logra no verse eclipsada por Siberian Breaks. La canción en sí es similar a Song For Dan Treacy, una canción alegre sobre una influencia para la banda. Líricamente, no difiere mucho de eso, pero musicalmente, es una canción muy extraña, ya que tiene una sensación muy enérgica, pero la melodía vocal y la entrega no siempre encajan muy bien con esa sensación, lo que extrañamente encaja con la canción. El instrumental de la canción es complejo y cambia mucho, y el estribillo de la canción es breve, solo dos líneas, pero fluye muy bien dentro y fuera de los versos, lo que hace que funcione muy bien en la canción. Acercándose al final del álbum, tenemos Lady Dada's Nightmare, que comienza con un enfoque en el piano, y un poco más de instrumental para respaldarlo, con melodías tocadas por cuerdas tranquilas, a pesar de la sensación inquietante, casi trágica de la canción. Puedes comenzar a escuchar gritos, y cuando entran los tambores, se convierten en el foco de la canción, lo que hace que esta sea una canción realmente inquietante. Los gritos son aterrorizantes, pero eventualmente se desvanecen, y volvemos a donde comenzamos, solo el piano y algo de acompañamiento, con algunos ruidos adicionales esta vez, lo que hace que la sensación de aprensión con la que comenzamos se sienta más inquietante, el piano se desvanece y nos quedamos con una instrumentación tranquila. Esta canción es realmente buena después de que te acostumbres a los gritos, que es lo que encontré más desagradable al principio, además de crear esta sensación inquietante, ralentiza el ritmo del álbum desde la energía de Brian Eno hasta la más tranquila Congratulations, la amarga conclusión de este increíble álbum, una reflexión sobre la fama que alcanzaron con su primer álbum, presentada en forma de una hermosa canción. Esta canción es una en la que las letras son increíblemente importantes, abordan su fama de manera simple pero efectiva, con letras como "Mientras la gente se esfuerza por convertirla en una historia/Y cincelar una palabra de mármol, todo se pierde si nunca se escucha” las líneas en el segundo estribillo, hablan de cómo la gente espera que tomen lo que les ha dado éxito, incluso si no están necesariamente felices por ello, y lo acepten como la banda ahora y lo repitan. Musicalmente, esta canción es bastante simple, pero, al igual que la letra, esta increíblemente bien. Las voces son agradables, es un buen y tranquilo cierre, no solo líricamente, la melodía es muy bonita y el instrumental es tan pacífico y está bien elaborado, contrastando con la letra algo enojada, sino solo amarga. Es el cierre perfecto para este increíble álbum.

 

En general, este disco logra maravillosamente tanto una odisea psicodélica fuera de lo común como una poderosa reflexión contra el estado actual de la cultura popular. Incluso con algunas desviaciones atmosféricas, estoy enamorado de prácticamente todo lo que hace este disco. Una declaración artística colorida, alocada y sorprendentemente brillante hecha por una banda que demostró con éxito a la industria musical, y principalmente a ellos mismos, que son mucho más que una banda de maravillas de un solo éxito.