David Bowie - Diamond Dogs (Mes David Bowie)

Diamond Dogs - #MesDavidBowie

Estamos ante el sexto disco de David Bowie, es el disco donde David Bowie se encuentra entre el Glam de Ziggy y las nuevas vías de expresión del Bowie pre-soul/funk. 

De entrada sorprendió que, a pesar de estar disueltos los Spiders From Mars, no contara con las habilidades de Mick Ronson en la guitarra. David Bowie asumió el trabajo de guitarrista en casi todos los temas del disco y podemos decir que salió airoso. 

El primer disco de David Bowie sin los Spiders desde 1969 se esperaba con una mezcla de expectativa y escepticismo y el cantante era consciente de ello. Hablamos de los días en que David Bowie se encontraba dentro del círculo Stones; colaboró en los coros y creativamente en el single It’s Only Rock & Roll y se le veía mucho en compañía del andrógino Mick Jagger versión 1973. Por todo esto no es de extrañar ese sonido tan Stones en el tema Diamond Dogs. 

David Bowie se instaló con su equipo en los Olympic Studios. estamos hablando de octubre de 1973. pero no finalizaria aquí posteriormente continuará las sesiones en los Island Studios y en los Ludolf Studios de Hilversum (Holanda). Los músicos elegidos para darle forma al disco fueron, Herbie Flowers (un habitual en las grabaciones de Lou Reed). Otra novedad fue que Tony Visconti volvió junto a David Bowie, aportando arreglos de cuerda y mezclando el disco. 

Las sesiones se alargaron hasta febrero de 1974. El arte de portada, creado por Guy Peellaert, muestra un híbrido David Bowie/Canino que causó revuelo porque mostraba los genitales del perro de ojos bicolor. El retoque fue inevitable y eso elevó a precios prohibitivos los discos con la portada original. 

Finalmente Diamond Dogs fue lanzado el 24 de mayo de 1974. Cuando le preguntaron a David Bowie su opinión sobre el nuevo disco no dudó en valorarlo "un álbum muy político. Mi protesta … más ‘yo’ que nada de lo que he hecho anteriormente". Con este disco se consumó su abandono del Glam para adentrarse en otros estilos. 

Fue número uno en el Reino Unido y quinto en Estados Unidos, aunque no le faltaron detractores (por ejemplo Rolling Stone le dio apenas dos estrellas y media sobre cinco). Diamond Dogs es un álbum de suma importancia en la carrera de David Bowie, sus guitarras ásperas y empíricas se consideran como protopunks. Diamond Dogs es, a su manera controversial y poco complaciente, un clásico por derecho propio.

Daniel 

Instagram Storyboy

David Bowie - Aladdin Sane (Mes David Bowie)

¿Quién va a querer a Aladdin Sane?

El alter ego que sustituyó a "Ziggy Stardust" en el siguiente disco triunfal de David Bowie, después de que "matara" al mítico personaje de "The Rise and fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars" era un reflejo de las preocupaciones del artista por lo que él interpretaba como una tendencia hereditaria en su familia a sufrir problemas mentales. El miedo que sentía a que los problemas que sufría su hermano fueran hereditarios, y que por tanto pudieran afectarle a él en algún momento, tuvo su personificación e en la figura del icónico "Aladdin Sane", en realidad un juego de palabras para definir a "un muchacho demente" ("A lad insane").

El cambio de personaje trajo consigo, también, una evolución en el sonido de Bowie, que aunque siguió inmerso en el explosivo glam rock que había caracterizado su anterior obra, las canciones de Aladdin Sane dejaron entrever claros tintes stonianos y una innovadora tendencia a la teatralidad y el vodevil, en una combinación que resultó de lo más fresca y efectiva. La mayor luminosidad de la música no afectó a unas letras que volvieron a ser tan sexuales, ambiguas y decadentes como en entregas anteriores.Buena prueba de ese nuevo enfoque "stoniano" es el arranque del disco con Watch that man, pieza marcadamente rockera y revestida con potentes coros, en la que la guitarra de Mick Ronson dibuja brillantes trazos, acompañada del efectivo colchón rítmico que forman la batería, el bajo y, sobre todo, el piano de Mike Garson, que brilla omnipresente a lo largo y ancho de todo el disco, y que tiene su punto de máximo esplendor en Aladdin Sane, tanto en la manera en que da vigor al tema en su parte más ortodoxa, como en la brillante parte de improvisación final, en la que sus dedos vuelan sobre las teclas para dibujar, en clave de jazz experimental, la locura que atormenta al personaje, que en el estribillo se pregunta: ¿Quién va a querer a un muchacho demente?.

Tras el vigoroso arranque de los dos temas anteriores, Bowie se permite en Drive-in Saturday el lujo de homenajear a la música doo wop y el cine de los años 50, en concreto las películas sobre amores adolescentes en los auto-cines al aire libre. Es uno de los temas del disco que más ha perdurado en la memoria de sus fans, estando presente en la mayor parte de recopilatorios de sus mejores temas. Es sólo un brillante alto en el camino de rock vigoroso y de efectivos estribillos, retomado inmediatamente después en temas como Panic In Detroit y Cracked Actor.

El disco entra entonces en el tramo más teatral y cabaretero con Time, pieza clave por su brillante estructura dramática y sus grandilocuentes coros. Una joya oculta e infravalorada de su extensa e interesante discografía, como lo es también The Prettiest Star, más sencilla y menos pretenciosa, y dotada de una melodía dulce y elegante y unos coros que retoman el guiño doo wop que ya había introducido en Drive-in Saturday.

Prueba de su aparente homenaje o acercamiento a la música de los Rolling Stones, es la versión que incluye del Let's spend the night together de "sus satánicas majestades", en la que de nuevo intenta transmitir cierta locura en la interpretación, dotándola de mayor velocidad. Pese al esfuerzo, el tema palidece comparado con el original, y da la sensación de transitar por un camino que podría haberse evitado, para haber tirado directamente por un atajo hacia las dos obras maestras con las que David Bowie despide uno de los mejores discos de su carrera.

La primera de ellas es The Jean Genie, el auténtico hit atemporal del álbum, con un icónico riff de guitarra y un rotundo estribillo, y Lady Grinning Soul es la excelsa rubrica final de unos músicos en estado de gracia y explorando terrenos musicales en el límite entre el rock y esquemas más clásicos, encabezados por el sublime piano de Mike Garson, acompañando a la perfecta ejecución vocal de un Bowie que logra hacer de la demencia un arte, y que sea fácil rebatir la pregunta que Aladdin Sane se hacía a sí mismo: ¿Quién no va a querer a un muchacho demente si es capaz de hacer discos como éste?

David Bowie - Hunky Dory (Mes David Bowie)

 

El primero de los monumentales clásicos de Bowie. Hunky Dory es claramente el intento de Bowie de hacer un álbum de "cantautor", repleto de pintorescas canciones cargada con bastante piano y con música un poco más variada tanto en sonido como en calidad que el glam rock consistentemente sublime de Ziggy Stardust. Hunky Dory se inspiró parcialmente en una gira por Estados Unidos, de ahí que contenga canciones de tributo a Bob Dylan, Andy Warhol y Velvet Underground, fue algo así como un cambio para Bowie en ese momento y esta considerado un buen golpe en la mesa de Bowie y para su tiempo una verdadera revelación entre las grandes obras míticas de otros músicos (en 1971 estaba el volumen IV de Led Zeppelin, Master of Reality de Black Sabbath, Who´s Next de The Who, y el Stick Fingers de los Rolling Stones) que consiguió situarle en un lugar mucho más alto, permitiéndole desenvoltura a nivel compositivo y preparándolo para lo que sería su momento de fama mundial.

 

Abre el álbum con Changes con ese famoso coro tartamudo que encarna gran parte de lo que Bowie iba a ser, cambiando y evolucionando a lo largo de su carrera musical ya que él nunca tuvo miedo de enfrentar a lo extraño. La canción es muy pegadiza y se te clava en el cerebro entre otras cosas por ese coro que sobresale del resto de la canción. Bowie haciendo "ch-ch-ch-changes", imitando el ritmo del piano sobre el funk deliberado de Trevor Bolder. Oh! You Pretty Things una canción divertida y pegadiza con un sonido muy optimista que logra ser sobresaliente, una vez más, se escuda principalmente en el encanto y la melodía increíble que Bowie es capaz de crear con tanta eficacia, una canción increíble sin pretensiones, que rezuma amor paternal y felicidad difusa. Eight Line Poem la podemos categorizar de curiosidad, más que una canción propiamente dicha. Aunque posiblemente sea la canción más débil del álbum, no está mal, ya que está impregnada de melancolía y sirve para prepararnos para otra de las joyas. Si la escucháramos aparte no pasaría del minuto, ensamblada en el álbum puede resultar hasta apropiada, ya que después de esta vamos a descubrir Life on Mars?, inmensa y atemporal canción de, adopta un enfoque mucho más grandioso, en el que cada momento de la canción conduce al imponente coro culminante. Si bien la melodía y la letra es algo repetitiva, los cambios de tono dan una sensación constante de escalada que hace que la canción sea tan memorable como es. Bowie se ha referido a este tema como "la reacción de una joven sensible a los medios de comunicación" y explicó despues que ella "Creo que se siente decepcionada con la realidad ... que aunque está viviendo en la triste realidad, le dicen que hay una vida mucho mejor en alguna parte, y está amargamente decepcionada de no tener acceso a él ". Bowie se le ocurrió escribir este tema después de que le pidieran que pusiera la letra en inglés de una canción francesa llamada "Comme d'habitude", Paul Anka finalmente compró los derechos de la canción francesa original y la reescribió en inglés como " My Way ", que más tarde se hizo famosa por Frank Sinatra. Life on Mars? utiliza prácticamente los mismos acordes que "My Way" y las notas escritas en el vinilo de Hunky Dory afirman que la canción está "inspirada en Frankie". Aunque es la canción más famosa del álbum no fue lanzada en single hasta pasados dos años de la publicación del álbum.

Kooks está escrita para el hijo recién nacido de David, y espera que él esté feliz de quedarse con 'la pareja de locos' que son sus padres. Es otro número pegadizo, con la voz cautivadora de Bowie y la producción que hace que su marco melódico simple sea aún más interesante convirtiéndose en un buen tributo a The Kinks acompañado de un piano que suena muy a Elton John. Quicksand es una sutil epopeya que se acerca lentamente a ti, llevándote de un lado a otro, desde el juguetón piano de Rick Wakeman a los acordes de guitarra característicos de Mick Ronson, mientras escuchas como Bowie lamenta con tristeza la naturaleza inhibidora de la religión. Esta es una canción tristemente triste, una sátira del ateísmo (en cuyo caso me ofende) o un retrato genuinamente pesimista y desgarrador del cansancio y el cansancio del mundo (¡y este fue solo su cuarto álbum!). Fill Your Heart es extraña, pero encaja perfectamente, un pequeño número deliciosamente juguetón y optimista, que le permite a Wakeman correr arriba y abajo del teclado con una destreza envidiable, después de lo escuchado es quizás una de las más flojas del álbum. Andy Warhol se disfruta con esa guitarra acústica que sube y baja sobre acordes furtivos, convirtiéndose en un tributo al artista, que no pudo vivir para escucharlo, como no se transforma en un paseo en alfombra mágica psicodélica. La guitarra conductora y las letras extrañas ("Andy caminando Andy cansado, Andy duerme un poco") horrorizaron a muchos de los compañeros del artista, pero para el oyente, la canción es una maravilla psicodélica gloriosamente tonta.

En Song for Bob Dylan Bowie se las arregla para sonar un poco como Dylan. La canción es un hermoso tributo a Dylan, pero también queda corta para otras canciones que hemos escuchado. Queen Bitch está bien, una buena imitación de "Sweet Jane" de la Velvet Underground solo que es mucho más energética, utiliza un tono de guitarra más abrasivo, que cuando se combina con la entrega vocal más sarcástica que Bowie proporciona en esta pista, hace que suene muy parecida a una canción de Velvet Underground. No solo aporta algo de frescura al álbum, por ser una pista divertida y contagiosa con un sonido muy optimista que logra ser sobresaliente una vez más, basado principalmente en el encanto y la melodía asombrosa que Bowie es capaz de crear de manera tan efectiva. Cerramos con The Bewlay Brothers, una de las canciones más débiles del álbum, con el mismo tono que "Quicksand" pero no tan conmovedora. Es una bella canción, con aliteraciones y letras que cuentan una historia real, pero que termina este brillante álbum con una nota negativa

David Bowie - The Man Who Sold The World (Mes David Bowie)

 

The Man Whoo Shold The World

Para la gestación del tercer álbum de estudio de David Bowie, The Man Who Sold The World, vamos a retroceder unos meses, concretamente a abril de 1969, fecha en la que contrae matrimonio con Angela Barnett, modelo, actriz y periodista que tuvo en el artista un gran impacto. Después de contraer matrimonio, Bowie da un golpe de timón y deja a su manager Ken Pitt, con el que tendrá un largo litigio, y contrata a Tony Defries. También es consciente de que una de las carencias de los discos anteriores era la de no disponer de una banda permanente, y reúne para la ocasión a un grupo de músicos a tiempo completo: Hablamos del baterista John Cambridge, Tony Visconti al bajo y Mick Ronson a la guitarra. 

La banda finalmente decide autodenominarse Hype, y al igual que Bowie, que suele disfrazarse en el escenario y crear personajes, también ellos crean su estética y sus propios personajes,  diseñando los glamourosos trajes de las pretenciosas Arañas de Marte. Sin embargo, después de un concierto francamente desastroso, la banda vuelve al segundo plano de toda banda de acompañamiento, aunque las arañas ya habían llegado para quedarse y, poco después, el 17 de abril de 1970, Bowie y los demás comienzan, a caballo entre los estudios Trident y los estudios Advision de Londres, a trabajar en el tercer álbum de estudio del artista. Durante la grabación, surjen problemas entre el cantante y el baterista Cambridge, cuyo estilo no es del agrado de un Bowie exigente, que le acusa de estar estropeando su trabajo. Cambridge acabará dejando la banda, siendo sustituido por Mick Woodmansey.

Finalmente, el 22 de mayo Bowie, acompañado de Ronson, Visconti y Woodmasey, con la colaboración de Ralph Mace con los sintetizadores, y bajo la producción de Tony Visconti, finaliza la grabación de The Man Who Sold The World, publicado por la discográfica Mercury Records en noviembre de 1970 en Estados Unidos, y en abril de 1971 en Reino Unido. El resultado es un disco que, si bien sigue la línea de sonido folk y acústico de sus anteriores discos, empieza a sumergirse en el blues rock y el hard rock. En cuanto a las letras, son más oscuras y explora temáticas como la esquizofrenia, la paranoia, la locura, la religión, la tecnología o la guerra.

 

El disco empleó dos portadas diferentes en Estados Unidos y en Reino Unido. La original fue lanzada en Estados Unidos y era obra de Michael J. Weller, y se basaba en una imagen de John Wayne, pero a Bowie no le gustó demasiado y reclutó al dibujante Keith MacMillan, quien diseñó una portada donde David Bowie posa con un vestido azul diseñado por el diseñador de moda Michael Fish. En cuanto a la recepción del disco, aunque recibe mejores críticas en Estados Unidos que en Reino Unido, resulta ser un fracaso comercial en ambos países. Posteriormente el disco ha sido reconocido por la crítica tanto por el sonido de la banda como por la naturaleza de la música y las letras, considerando éste disco como el comienzo del periodo clásico de Bowie.

El primer tema del álbum, The Width of a Circle, es una epopeya de ocho minutos, que se adentra en el rock progresivo, y donde Mick Ronson se luce con sus improvisaciones. El tema está dividido en dos partes, una primera en la que la letra hace referencia al poeta libanés Khalil Gibran, y en la segunda parte el narrador tiene un encuentro sexual con Dios (otras fuentes interpretan que es el Diablo) en la profundidades del infierno. All The Madmen, tema inspirado y escrito por Bowie para su hermanastro Terry Burns, diagnosticado de esquizofrenia e internado en el Hospital Cane Hill de Londres. El tema habla de la locura y hace referencias a la lobotomía, a los tranquilizantes y a la terapia del electro-shock. El trabajo de Ralph Mace con los sintetizadores le acaba dando un toque desgarrador al tema.

Le sigue Black Country Rock, que se mueve entre la delgada línea que hay entre el blues rock y el hard rock, y que es todo un soplo de aire fresco para un disco que se mueve en una línea muy pesada y oscura. Al final del tema, Bowie se hace pasar por Marc Bolan, y es que al final de la grabación se quedaba sin letras y a Bowie le salió espontáneamente. Todos pensaron que había quedado genial y decidieron dejarlo así. Cierra la primera cara del disco el tema After All, uno de los más subestimados de su carrera, pese a su particular toque folk rock, y donde el artista refleja la influencia que tuvieron en él tanto el poeta, pintor, ocultista y novelista Aleister Crowley como el filósofo Friedich Nietzsche. La canción describe a un grupo de niños que todavía no han tenido tiempo de experimentar las corrupciones y los vicios que llegan con la edad adulta.

Comienza la cara B con Running Gun Blues, tema donde vuelve el sonido hard rock que Bowie había introducido por primera vez en su trabajo, y donde la letra hace referencia a la masacre de My Lai durante la guerra de Vietnam, en la que las tropas estadounidenses asesinaron a muchos civiles desarmados. Savior Machine sigue la línea de sonido del tema anterior, y en ella Bowie trata la temática de las computadoras, que finalmente acaban superando a la raza humana. She Shook Me Cold, aunque está atribuida únicamente a Bowie, surge a raíz de una improvisación de todos los músicos. La letra nos habla de un encuentro sexual de un hombre con una mujer, con continúas referencias al sexo oral. The Man Who Sold The World, tema que da título al ábum, y que ha sido descrito por muchos críticos como "inquietante" y "enigmático" por sus crípticas letras inspiradas en numerosos poemas, y que hacen referencia a un hombre que ya no se reconoce a sí mismo y se siente mal por ello. Bowie comentaría más tarde que el tema trata de los ángeles y demonios de su interior, llegando a decir también que era una secuela de Space Oddity. Es sabido que el artista luchó durante mucho tiempo con su identidad y se expresaba a través de sus canciones, creando a menudo personajes para interpretarlas. Cierra la cara B y por tanto el disco The Supermen, tema donde el hard rock vuelve a estar presente, y vuelve a inspirarse en Friedrich Nietzsche y HP Lovecraft. Bowie hace referencia a las visiones apocalípticas de Nietzstche en su teoría de Übermensch. Según Bowie el tema surgió cuando él creía entender a Nietzsche, y era un intento por traducirlo a sus propios términos.

The Man Who Sold The World es quizás uno de los álbumes menos conocidos de Bowie, pero con el tiempo, tanto crítica como público han acabado reconociéndolo y apreciándolo. La versión que Nirvana hizo del tema titular de este disco ayudó mucho al renacer de esta obra y su reconocimiento, pero son muchos los grupos y artistas que han versionado otros de los temas de éste disco. Por algo será...

David Bowie - Space oddity (Mes David Bowie)

 

Después de su primer disco, que llevaba por título David Bowie y que pasó desapercibido, Bowie publica este encantador disco de pop-rock psicodélico: Space Oddity que supuso el espaldarazo absoluto para esas ideas que desde su adolescencia tenia y que cuando te sumerges en ellas, te sorprendes de lo maravilloso que es. Tiene de todo, desde balada pop puro hasta rock psicodélico y pop progresivo hasta folk y ... bueno, todo. Un álbum que es más un disco de cantautor tradicional que de un Dios del glam rock; sin embargo, se ha convertido en un álbum clásico con gran estilo y arrogancia para satisfacer a la audiencia actual, el álbum muestra una madurez impropia de Bowie que después de tres años intentándolo, finalmente llega a las listas de éxitos.

 

Abrimos con la enormemente famosa "Space Oddity" que sin duda es la mejor manera de comenzar y la mejor canción del álbum, no es que sea una composición excelente, sino que también fue una estratagema muy inteligente al aprovechar un acontecimiento mundial tan importante: los viajes espaciales. "Space Oddity" es tan descriptivo en este tema como "Heroin" de Lou Reed sobre la experiencia de consumir drogas. Comenzando con el diálogo de “Major Tom” con "Ground Control", la canción empieza con la cuenta regresiva de 10 a 1 hasta el clímax del despegue y concluye con un "circuito muerto" que avería la nave y el personaje principal se da cuenta de que probablemente nunca regresará a la tierra. Sin embargo, este desastre se encuentra con una respuesta bastante optimista, de ahí la frase "El planeta tierra es azul y no hay nada que pueda hacer". El acompañamiento orquestal también le da un verdadero sentido dramático a este clásico. "Unwashed And Somewhat Slightly Dazed" es un número de folk / blues crudo y desigual. Probablemente es lo más cercano que ha estado Bowie de imitar el estilo Bob Dylan, el sexo y los conflictos de clases toman el protagonismo ya que Bowie describe a una chica bonita pero esnob que lo espia desde la casa de su padre rico. “Letter to Hermione” es una canción muy melódica que parece que podría desentonar en el álbum, aunque se vislumbra un sonido progresivo y psicodélico, se queda más en el lado de lo comercial que en el vanguardista. Una balada de ensueño que nunca logra explotar y hubiera necesitado algún tipo de variación musical. Hermione encuentra a Bowie en un extraño estado de ánimo confesional suspirando por una amante que lo ha despreciado. La canción es confesional cuanto que Hermione es un personaje muy real del que se enamoró el joven David Jones, pero por quien se sintió o fue rechazado.

“Cygnet Committee” es nerviosa, el bajo es fuerte, la batería retumba, el tempo es lento y David Bowie está cantando con una voz lenta operística, tiene una introducción que me gusta mucho, pero eso es todo, se hace muy, muy larga quizá la peor canción de todo el álbum. La canción narra su participación y ambivalencia sobre un colectivo de artistas contraculturales a finales de los 60 donde el artista no oculta su decepción con este colectivo y lo trata como un microcosmos de la cultura hippie utópica de esa época, Bowie destroza las promesas huecas de los hippies de los 60. “Janine” es una canción alegre y pegadiza de ritmo rápido. Llega en un gran momento después de toda la música de tempo lento que acabamos de escuchar. ¡Y maldita sea, ¡es pegadiza! Convirtiéndose en un número agradable y familiar, ideal si quieres mover un poco tus caderas. “An Occasional Dream” es una canción melódica donde la flauta juega un papel clave con la excelente voz de David Bowe. Una bella canción, pero que no llega a trasmitir demasiado. “Wild Eyed Boy of Freecloud” es otra canción de flauta, quizas más melódica y con sintetizadores adicionales. “God Knows I'm Good” es una canción similar a Janine , también muy bailable y folclórica. Además, me gusta mucho la letra, donde nos cuenta los pensamientos de una insignificante ladrona que espera la intervención divina cuando es sorprendida in fraganti.

 

El cierre del álbum está casi a la altura del comienzo ya que los más de 7 minutos de Memory of a Free Festival dan para mucho, comienza inquietante y lento, pero expresa una emoción indescriptible, trasmite felicidad y realmente da una sensación cálida y difusa en el interior. Por eso me encanta tanto. El 16 de agosto de 1969, un joven músico de rock psicodélico llamado David Bowie subió al escenario en el Free Festival, que se celebró en Croydon Road Recreational Ground en Beckenham, Inglaterra. Bowie había ayudado a organizar el festival en su ciudad natal, con la esperanza de recaudar fondos para el Beckenham Arts Lab, la canción puede haber sido un romanticismo versión de cómo se sintió realmente ese día ya que solo unos días antes, Bowie había sufrido la muerte de su padre, y su estado de ánimo, comprensiblemente, fue todo menos feliz durante el festival. Al escuchar la canción se puede imaginar la canción siguiendo la línea temporal de su vida hasta ese momento: su voz al principio es casi infantil, una cualidad potenciada por el hecho de que el único acompañamiento musical es el órgano de un niño. A medida que la canción se acerca al final, escuchamos una progresión hacia el sonido característico de Bowie, las poderosas voces y los arreglos casi caóticos, pero cuidadosamente cuidados.

 

En general, este es un álbum difícil de "calificar" porque funciona más como una muestra de varios estilos que como un álbum con un arco estético. Bowie continuaría explorando diferentes estilos con resultados mixtos hasta que aprendió a comunicarse a través de personajes (Ziggy Stardust, A Lad Insane, Halloween Jack, Thin White Duke,) Pero en 1969, todo eso era historia futura. Lo que me llama la atención aquí es que (el Mayor Tom no obstante) Bowie no está ocupando ningún papel teatral aquí. El álbum está lleno de reflexiones sobre sus experiencias y sentimientos reales de la vida. En resumen, un registro interesante, y por momentos gratificante, de este artista de joven.

La música en historias: El Mes David Bowie

Decíamos en la despedida del #MesJohnLennon que nuestro siguiente monográfico en 7días7notas sería sobre otro genio indiscutible de la música, con curiosas conexiones con el último Lennon y su trágico final. En concreto, nos referíamos a la leyenda de que el asesino de Lennon manejaba como alternativa, si el plan inicial fallaba, asesinar a David Bowie, ya que se encontraba precisamente en Nueva York en aquellas fatídicas fechas, protagonizando una obra teatral sobre la desdichada vida del conocido como "Hombre Elefante", uno de los papeles más reconocidos por la crítica dentro de lo que fue la faceta paralela del Bowie actor.

Las conexiones con Lennon eran recientes y evidentes, y partían de la colaboración del de Liverpool en el álbum Young Americans, el disco "americano" de Bowie, dónde habían firmado juntos el tema "Fame". En ese mismo disco, y quien sabe si a cambio de esa colaboración o como reconocimiento a la figura del ex-beatle, David Bowie incluyó una versión de Across the Universe, y lanzó además un guiño a la canción "A day in the life" en los coros gospel del tema que daba título al disco, que hacia el final del tema cantan "I read the news today, oh boy".

Todo esto no son, en realidad, más que curiosidades y coincidencias, interesantes en este tránsito del #MesJohnLennon al #MesDavidBowie, pero no han sido los motivos por los que hemos elegido al Duque Blanco y a Ziggy Stardust para llenar de colorido el mes de enero. Nos ha movido más la relevancia de una obra de calidad, tan extensa y cambiante, que le llevó a ganarse el sobrenombre de "El Camaleón", y un deseo irrefrenable de mostrar a toda una generación (la que le conoció a través de sus prescindibles discos de los ochenta) lo que este músico dio al mundo durante la década de los setenta, sin olvidar algunos interesantes discos de su última etapa de madurez.

Dicho de otro modo, era cuestión de tiempo, y el #MesDavidBowie tenía que llegar tarde o temprano, y ha llegado finalmente en el mes en el que nos dejó, hace ahora cinco años (como en el título de esa mítica canción con la que empezaba el que probablemente sea su mejor disco, "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars"). Otra coincidencia más, de esas que no son necesarias para justificar la elección de alguien con una carrera musical de la relevancia y el nivel de la de David Bowie. Como dijo otro grande, que no es de Liverpool ni de Londres, sino de Úbeda, y que ya tuvo un mes dedicado al repaso de su también extensa y aclamada obra, para elegir enero como el #MesDavidBowie "Nos sobran los motivos".

Canciones que nos emocionan: Las 5 canciones de David Bowie

LAS 5 CANCIONES: DAVID BOWIE

Una de las cosas que se han perdido, con la crisis discográfica, son aquellos programas de televisión y radio en los que un presentador / disc jockey presentaba la lista de éxitos de la semana, basada en las ventas reales de discos, o en el dinero que avispados managers deslizaban a la cuenta de ingresos de la cadena o emisora. Todo por la pasta o la fama, pero ese no es nuestro caso.

Hace una semana, y sin ningún ánimo de lucro, lanzamos en Twitter una nueva sección, @las5canciones, en la que os pedimos que nos diérais el ranking de vuestras cinco canciones favoritas de David Bowie. Hemos asignado una puntuación de 5 puntos a la canción nº 1 de vuestro ranking, 4 puntos a la nº 2 y así sucesivamente hasta la canción que elegísteis en quinto lugar, a la que asignamos 1 punto.

Como seguimos siendo unos enfermos de la música en general, y de Bowie en particular, no hemos podido evitar "aliñar" cada momento de este ranking con datos interesantes sobre las canciones, pero como dijo el propio Bowie en su concierto de 50 cumpleaños en el Madison Square Garden, para explicar hacia dónde irían sus próximos discos, "tranquilos que prometemos no aburriros".

Así que sin más, es el momento de compartir el resultado de vuestra lista de mejores canciones de David Bowie. Para darle emoción, como en aquellas viejas listas de ventas de discos, empezaremos por la número 5 y dejaremos a la ganadora para el final del post (aunque ya habréis hecho scroll para ver cuál es, no hay quién mantenga la intriga con vosotros):



En el número 5 de la lista, Ashes to Ashes, del disco Scary Monsters. Dicen en el cine que segundas partes nunca fueron buenas, no sé si será aplicable también a la música pero ésta sería la excepción a la regla, la "segunda parte" de las aventuras del "Major Tom" de "Space Oddity", en la que al astronauta se le tilda de yonqui no recomendable como compañía, es un temazo que tiene cabida entre lo mejor de Bowie, de acuerdo a vuestros votos soberanos.





En el número 4 de la lista, Life on Mars, del disco Hunky Dory, o cómo levantarse de un fracaso de la manera más brillante. La letra de esta canción fue rechazada para la canción "My Way" que todos conocemos en la voz de Frank Sinatra. Prefirieron la versión de Paul Anka y Bowie la reinventó para contar las ventajas e inconvenientes de la vida en Marte. El final épico recuerda al "Así habló Zaratustra" y a "2001 Odisea del Espacio"





En el número 3 de la lista, Starman, del disco "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars", su disco más conceptual y probablemente su obra maestra. La canción tiene reminiscencias del "Somewhere over the rainbow" del Mago de Oz, y forma parte de la historia que narra el disco sobre la llegada a la Tierra de un extraterrestre para avisarnos del final de la existencia del planeta.






En el número 2 de la lista, Space Oddity, del disco de mismo nombre, probablemente su canción más icónica, en la que narra la odisea del Major Tom, un astronauta perdido en el espacio. La canción fue utilizada por la BBC para la cobertura televisiva de la llegada del hombre a la Luna. En 2013 el astronauta Chris Hadfield hizo una versión desde la Estación Espacial Internacional. Publicó el video en su canal de Youtube, Chris Hadfield's Rare Earth. Ese mismo día Bowie contestó en Twitter con el mensaje "Hallo Spaceboy" (Hola chico del espacio), título de otra de sus canciones. En Facebook comentó que era "posiblemente la más conmovedora versión de la canción jamás realizada".


Y en el número 1, habéis elegido ser Heroes por un día. Canción que da título a uno de sus grandes discos de la trilogía berlinesa (de hecho existe una versión de la canción, Helden, interpretada por Bowie en Aleman), y una de sus canciones más emblemáticas. La inspiración para este tema le vino a Bowie mirando por la ventana del estudio, desde la que podía verse el muro de Berlín. Junto al muro vió a una pareja besándose, y aquella poderosa imagen de contraste entre el amor y la guerra le sugirió la idea de los "héroes por un día".



Los discos de la etapa berlinesa de Bowie son muy experimentales, por ejemplo en Heroes el sonido chirriante de derrape que se combina con el sonido sostenido de la guitarra de Robert Fripp (King Crimson), era el sonido de un cenicero al desplazarlo sobre una mesa del estudio. Bowie la interpretó en el concierto tributo a Freddy Mercury en 1992 junto a Queen y Mott the Hoople, y ha sido versionada en directo o en estudio por artistas de la talla de Bon Jovi, Oasis, Blondie, King Crimson, Smashing Pumpkins o The Wallflowers.

Y hasta aquí la primera lista de grandes éxitos de @las5canciones de @7dias7notas, próximamente lanzaremos otra votación. Como dijeron los Ramones, ¡¡permaneced conectados para más Rock and Roll!!

 Nota: Aquí tenéis la lista completa con los resultados de vuestras votaciones:

1- Heroes 84
2- Space Oddity 53
3- Starman 52
4- Life on mars 45
5- Ashes to Ashes 34
6- Five years 31
7- Moonage Daydream 26
8- The man who sold the world 26
9- Rebel rebel 19
10- Ziggy Stardust 15
11- Absolute Beginners 15
12- Cat people 14
13- Station to Station 13
14- Rock and roll suicide 12
15- Suffragette City 10

Con 9 puntos: China Girl, Young Americans
Con 8 puntos: Lady Stardust, The Jane Genie
Con 7 puntos: Modern Love, TVC15, Wild is the wind
Con 5 puntos: All the young dudes, Changes, Let´s dance, Oh you pretty things, Soul love
Con 4 puntos: Drive in Saturday, Golden years, Memory of a free festival, Quicksand
Con 3 puntos: All the madmen, Hang on to yourself, Queenbitch, Under pressure
Con 2 puntos: Blue Jean, Cracked Actor, Fashion, Young americans, Sound and Vision
Con 1 punto: Be my wife, Fame, I´m afraid of americans, Lady Grinning soul, Slow Burn, The stars (Are out tonight)

El Navegador del Rock: Heddon Street, David Bowie "Ziggy Stardust"

¿Quieres visitar los lugares que aparecen en las portadas de los discos del rock?

Este es tu navegador:

HEDDON STREET

Nuestra siguiente parada en el Navegador del Rock es en el callejón de la portada de "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars", la obra maestra de David Bowie sobre su famoso personaje extraterrestre.

En la portada se ve a David Bowie frente a un portal en una fría noche londinense. Tanto es así que en un principio se llegó a plantear que otros miembros de la banda posaran también junto al portal, pero finalmente fue solo Bowie el que aguantó el frío durante el tiempo que duró la sesión fotográfica, embutido en uno de sus provocativos trajes poco adecuados para el clima de la capital inglesa. 

Poco queda de la fisonomía del callejón que recuerde a la portada del mítico disco de Bowie, ya que actualmente es peatonal y junto al portal de la portada hay bares con terrazas para los turistas. Tan solo una placa sobre la puerta recuerda que allí se hicieron las fotos de Ziggy Stardust, una de las famosas placas azules que están repartidas por todo Londres y que marcan los lugares en los que han ocurrido hechos relevantes relacionados con la música o el arte en general.

Sin embargo lo que sí han mantenido es la cabina de teléfono que sale en la contraportada, está situada en el mismo callejón, a la derecha del emblemático portal.

Llegar es muy fácil ya que este callejón sale de una de las calles más famosas de Londres, Regent Street, situada en el mismo centro del West End londinense, plagada de tiendas de primeras marcas y que desemboca directamente en Piccadilly Circus.

La parada de metro más cercana es precisamente Piccadilly Circus, solo hay que andar un poco desde la parada ya que está muy cerca de este centro neurálgico del Londres comercial con las famosas pantallas gigantes. El callejón está en el lado izquierdo de Regent Street si vamos desde Piccadilly Circus por Regent Street hacia Oxford Circus.

El disco de la semana 9: Ziggy Stardust, David Bowie

En esta ocasión la reseña, más que del disco de la semana, estará centrada en la llegada a la Tierra de un extraterrestre del planeta Marte que nos trajo un mensaje apocalíptico a principios de los años 70.

Pero antes hablemos de un terrícola que en aquellos momentos se devanaba los sesos intentando comprender por qué discos tan excelsos como "The man who sold the world" o, sobre todo, "Hunky Dory", no le habían reportado el reconocimiento de crítica y público que merecían.

Hablamos por supuesto de David Bowie, que acabaría mutando en el primero y más famoso de sus alter egos para crear el que posiblemente sea el mejor disco de su carrera, un disco conceptual sobre la llegada, auge y caída del extraterrestre Ziggy Stardust y su grupo de acompañamiento, las Arañas de Marte.

El personaje le vino inspirado por Vince Taylor, un cantante británico de los 60s que acabó trastornado por los excesos de alcohol y drogas, y que presumía de conocer los lugares y momentos en los que los extraterrestres aterrizarían sus naves espaciales en Europa.

Quién iba decirle al bueno de Vince que, gracias a él, finalmente uno de esos extraterrestres acabaría aterrizando en Heddon Street, callejón de Londres en el que se realizó la fotografía de portada del disco (ver el Navegador del Rock en este blog para saber más sobre la creación de la portada)

No fue Taylor la única influencia en la creación del personaje, si tenemos en cuenta la existencia de un alocado músico que se hacía llamar The Legendary Stardust Cowboy, del que pudo tomar el apellido. Para terminar de confeccionar el puzzle, parece que para el nombre se inspiró en su amigo (Z)Iggy Pop. Algo quizá más creíble que una de las explicaciones de Bowie, que dijo haber visto el nombre de Ziggy en el escaparate de una sastrería.

Con este disco el llamado "glam rock" traspasó las barreras en las que se movía y para Bowie fue el salto al estrellato absoluto. Y una vez documentado el avistamiento, vamos con el disco de la semana:

The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars

Hablamos de uno de los discos más relevantes e influyentes de la historia de la música, y entre las razones de su éxito e importancia, más allá de su mensaje transgresor y su metáfora sobre un personaje de otra galaxia, está la particular mezcla de guitarras acústicas y eléctricas magistralmente combinadas con arreglos de cuerda y piano, y la calidad de las canciones que contiene.

Las grabaciones se llevaron a cabo en el mes de noviembre de 1971 en los ya desaparecidos estudios Trident de Londres, a principios de una década clave para la música rock por la contribución, entre muchos otros, del propio David Bowie en estado de gracia compositiva. En esta década facturó sus mejores discos.

Five Years

El disco comienza a lo grande y con misterio, con esa batería que va subiendo poco a poco de volumen como si efectivamente la nave espacial de Ziggy se fuera acercando. El mensaje del extraterrestre es claro, a la Tierra le quedan 5 años antes de su completa destrucción, y el caos que produce la noticia es detallado a través de las situaciones de distintos personajes: madres llorando, reporteros dando la noticia, un soldado con el brazo roto, un policía, un sacerdote, una chica enloquecida golpeando a unos niños, todos huyendo de la destrucción recién revelada.

La canción crece y crece en intensidad y sonido, hasta que unos violines ásperos se entremezclan con las notas de guitarra, y todo empieza a apagarse... menos la batería del principio que vuelve a quedarse sola y a hacerse cada vez menos audible.

Probablemente inspirada en el relato radiofónico de Orson Wells que desató el pánico por su realismo, lo más parecido a la guerra de los mundos en versión Bowie.

Soul Love

Más melódica y suave que la anterior, con una marcada percusión y un aire más positivo que el resto de canciones del disco. Destaca el solo de saxo final interpretado por el propio Bowie. Tras el caos inicial, es el momento de arengar a las masas a que aprovechen el tiempo que queda para salvar su alma. La Tierra es efímera como lo son las horas del amanecer, y hay que aprovechar el tiempo que queda confiando en el amor como tabla de salvación.

Moonage Daydream

Poco dura la calma en la epopeya de Ziggy Stardust en la Tierra. En este tema, una de las banderas del disco, se describe al personaje de Ziggy en primera persona, mientras habla con una chica a la que está conquistando, con frases como "Soy un invasor del espacio, nena mantén tu electrizante mirada en mí, pega tu rostro espacial al mío y estimúlate".

Musicalmente es un rotundo tema rock influenciado por la psicodelia de los primeros Pink Floyd, con uno de los mejores solos de guitarra del disco, llevado hasta el límite en la apoteosis final del tema hasta hacernos creer que todo vaya a estallar ya. Pero aún que queda mucho disco por delante.

Starman

Archiconocido tema que resume a la perfección tanto la temática espacial del disco como la estrategia de sonido acústico-eléctrico-clásico del mismo. Este tema se añadió al disco en el último momento por su potencial comercial como single. Es la gran canción cósmica que el disco necesitaba para despegar en las listas de ventas. "El hombre de las estrellas está esperando en el cielo, le gustaría venir a conocernos, pero cree que eso nos destrozaría las mentes". Nuevo mensaje sobre la necesidad de preservar la Tierra y no destrozarla, el extraterrestre como mensajero que avisa de las malas noticias que están por llegar si no rectificamos a tiempo.

It ain't easy

La particularidad de esta canción es que es la única que no está escrita por Bowie, es una versión de un cantante estadounidense llamado Ron Davis, y además es un tema que se grabó anteriormente y que finalmente no entró en el disco anterior, el también brillante "Hunky Dory".

Bowie la repescó porque consideraba que la temática encajaba con la historia del disco. Ziggy Stardust entra al mundo de la música con sus Spiders from Mars y "no es fácil, no es fácil llegar a lo más alto cuando realmente te estás hundiendo".

Lady Stardust

Pieza dominada por el piano, funciona como una balada por la intensidad de la interpretación vocal de Bowie, pero en realidad está creada como homenaje para su amigo Marc Bolan y la letra se centra en el momento de mayor auge de Ziggy Stardust y los Spiders, recordando como brillaba en el escenario con su maquillaje y toda la banda unida tocando.

Star

Ziggy ya es una estrella del rock, gracias a su magnetismo traído de otros confines del universo. La letra parece describir lo que los fans de Ziggy hacen durante los cinco años de vida que le quedan al planeta, de acuerdo con su mensaje inicial. Personas que van a luchar o permanecen en casa, que deciden dar la vuelta al mundo o imitar la transformación de Ziggy en una estrella del rock.

Hang on to yourself

La canción en la que los Sex Pistols se inspiraron para el riff de "God Save the Queen", está a su vez inspirada en el "Summertime Blues" de Eddie Cochran. Rítmica y animada con un toque de rock and roll clásico, un cruce entre el glam y el punk.

Una vez llegado a la cima, Ziggy comienza el decadente descenso provocado por los excesos de la vida del rock and roll. El sexo, el alcohol y las drogas van atrapando a Ziggy Stardust y alejándole de su objetivo para acercarle a su caída. Es esta una canción que se centra sobre todo en la temática de la lujuria y el desenfreno al que tienen acceso en los conciertos con mujeres con "lenguas que se retuercen como una tormenta", que quieren su "miel" y moverse con ellos como "tigres en vaselina". Mujeres bendecidas por estar con "las Arañas de Marte".

Ziggy Stardust

El principio del final de esta epopeya llega cuando un Ziggy desorientado decide romper con la banda. Una de las mejores canciones de Bowie, con un riff de guitarra legendario de la mano de Mick Ronson, además de tener la particularidad de estar cantando por Bowie pero la letra narra la historia desde la perspectiva de los músicos, que describen como era la vida dentro de la banda y como llegó el momento en que su líder disolvió el grupo. Bowie cambia de voz entre la primera y segunda estrofas como si realmente fueran distintas personas las que están contando la historia.
Termina con todos los instrumentos parando al unísono, para dejar desnuda la nostálgica frase final "Ziggy tocaba la guitarra". Momento cumbre del disco y comienzo de la traca final.

Suffragette City

Guitarras abrasivas de Ronson para un tema genial y acelerado con base de rock and roll, con el piano frenético y la guitarra machacando, mientras Bowie canta y mete coros salvajes. Otra de las canciones estrella del disco, que cuando parece que está muriendo y te va a dejar con ganas de más, vuelve de repente con la misma fuerza en un guiño al oyente a modo de bis. Aquí aparece de nuevo el saxo de Bowie para terminar de darle el toque mágico a la mezcla.
En cuanto a la historia, Ziggy ha dejado a la banda, y se ha abandonado a los placeres de la destrucción. Intenta romper con las malas compañías y los proveedores de sustancias, pero está tan metido en esa espiral que por más que intenta nadar hacia la orilla, las olas le arrastran cada vez más hacia adentro.

Rock and Roll Suicide

El disco acaba en todo lo alto con una obra maestra del cancionero de Bowie, y la epopeya de Ziggy solo puede acabar en lo que tragedia para el "suicida del rock and roll". La letra es Bowie tuteando a Ziggy, detallando sus últimos pasos a través de una estructura de canción que va creciendo de menos a más en intensidad e instrumentación.
"Demasiado viejo para perder, demasiado joven para elegir, y el tiempo espera pacientemente tu canción, caminas fuera de la cafetería, pero no has comido nada y has vivido demasiado, eres un suicida del rock and roll"
La letra sugiere después que un Chevrolet pega un frenazo en el momento en que Ziggy tropieza al cruzar la calle, como posible trágico final para su mítica creación. El autor mata al personaje, pero el personaje fue tan grande que le persiguió durante toda su carrera, por más que se empeñara en esquivarle bajo otros disfraces posteriores. No es tan fácil mirar al cielo y decir adiós a Ziggy Stardust.


Nota: Para escribir esta reseña he utilizado como bibliografía un excelente libro que estoy obligado a recomendar, y que se llama igual que el disco de Bowie: "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars" de Juan Manuel Escrihuela. Gracias Juan Manuel por las horas de lectura y la exhaustividad de datos de tu revisión de este disco mítico.