La música en historias: Los músicos de sesión I

     En el mundo de la música además del grupo o artista en cuestión es muy importante cuidar otros aspectos para que todo salga bien. Son parte fundamental los productores e ingenieros a los que además solemos dedicar espacio. En 7dias7notas hemos decidido dedicar espacio durante una serie de capítulos a todos esos músicos de sesión que son parte fundamental dentro de este noble arte y vamos a empezar con algunos de los más destacados y que tienen además en su haber más grabaciones.

Si hablamos de músicos de sesión, inmediatamente nos viene a la mente unos de los más prolíficos, Steve Lukather, quien tiene acreditadas colaboraciones en unos 1477 álbumes. Steve nace en 1957 en Estados Unidos y además de ser el miembro fundador del grupo Toto junto con David Paich y Steve y Jeff Porcaro ha puesto su guitarra al servicio de innumerables artistas de la talla de Michael Jackson, Bozz Scagss, Ringo Starr ó Van Halen. También ha tenido tiempo para cuidar su carrera en solitario publicando 7 álbumes en solitario, ha tocado géneros como el pop rock, rock, rock progresivo, hard rock e incluso jazz fusión y ha sido nominado a 12 premios Grammy ganando 5 de ellos.

Otro ilustre que además acredita colaboraciones en más de 1400 álbumes es el compositor y baterista estadounidense de jazz y jazz funk Harvey Mason. Harvey nace en 1947 en Atalntic City (Nueva Jersey) y comienza a recibir clases de batería a los 7 años de edad. A los 16 años consigue el dinero suficiente para adquirir su primer set de batería y logra ingresar en la prestigiosa Berklee School Of Music. Además de publicar varios discos en solitario y como miembro del supergrupo de estadounidense de jazz y smooth jazz Fourplay ha tenido tiempo de prestar sus servicios con las baquetas para gente de la talla de Earth Wind & Fire, The Headhunters, Nancy Wilson, Art Blakey, Notorius Big, Nathan East, Carlos Santana, George Benson, Isaac Hayes, Barbra Streisand, Donna Summer, Carole King, James Brown, Luis Miguel ó Henry Mancini entre otros muchos.

Otro que tiene acreditadas colaboraciones en nada menos que 1392 álbumes es el baterista y percusionista Steve Gadd. Steve nace en 1945 y crece en Nueva York, a la edad de 11 años es uno de los ganadores del concurso de talentos Mickey Mouse, ganado un viaje a California donde conoce al mítico Walt Disney. Como premio también aparece tocando la batería en The Mickey Mouse Club. En 1968 realiza su primera grabación de estudio, concretamente en el álbum Diana In The Autumn Wind del pianista de jazz Gap Mangione. Steely Dan, Simon & Garfunkel, James Taylor, Joe Cocker, Chick Corea, Eric Clapton, Chet Baker, Al Di Meola y Michael Petrucciani son sólo algunos de los nombres con los que ha colaborado durante su larga carrera.

Con más de 1330 álbumes acreditados nos encontramos al bajista y vocalista estadounidense Nathan East. Nathan nace en 1955 en Filadelfia, Pensilvania (Estados Unidos), y con cuatro años se muda con sus 7 hermanos a San Diego. empieza a estudiar de niño el piano para pasarse después al chelo, pero con 14 años da un giro cuando se empieza a interesar por el bajo, instrumento que toca uno de sus hermanos mayores, David. Estando todavía en primaria ingresa en un grupo llamado Power, grupo que suele ser utilizado como banda base para las giras de algunos artistas del sello Stax Records. Es ahí donde llama la atención de Barry White quien lo contrata para una de sus giras. Despues de cursar sus estudios en la Universidad de California y graduarse en Artes Musicales se muda a Los Ángeles donde inicia una más que lucrativa carrera como músico de sesión. Además de formar parte junto con Harvey Mason del supergrupo Fourplay, Barry White, Al Jarreau, Eric Clapton, Phil Collins, Lionel Ritchie, Whitney Houston, Michael Jackson, Elton John, anita Baker, George Harrison, Stevie Wonder, Bob Dylan, Ray Charles, George Benson, Frank Sinatra, Sammy Davis Jr, Tomo Jones, B. B. King, Toto, Sting ó Steve Vai son sólo algunos de los grandes artistas que han contado con los servicios de su bajo.

No quiero cerrar este primer capítulo dedicado a los músicos de sesión sin mencionar a uno de mis bateristas preferidos, Simon Phillips, quien acredita más de 600 colaboraciones en distintos álbumes. Simon nace en 1957 en Londres (Reino unido) y con 12 años empieza a tocar profesionalmente la batería en una banda llamada Dixieland, la cual estaba dirigida por su padre. Después del fallecimiento de su padre empieza tocar estilos como el pop y el rock y encuentra trabajo en una producción musical de Jesucristo Superstar. En la década de los 70 trabaja con gente de la talla de Jeff Beck, Stanley Clarke, Peter Gabriel, Pete Townshend ó Frank Zappa. También toco en el supergrupo 801 junto a Brian Eno y Phil Manzanera en su álbum 801 Live en 1976. En 1977 sustituye a Alan Moore en Judas Priest con quienes graba Sin After Sin. Es con Judas Priest donde introduce la combinación del doble bombo con ritmos rápidos en semicorchea, marcando el camino a seguir a la hora de tocar la batería dentro del género heavy metal. Además de ser miembro de Toto durante 21 años (1992 - 2014) haber tocado la batería con los mencionados Judas Priest, Jeff Beck y 801, ha colaborado con Gary Moore, Bernie Marsden, Jon Lord, Mike Olfield, Mike Rutherford, Tears For Fears, The Who, Gerg Howe, Pink Floyd, Michael Shenker Group, David Gilmour, Phil Collins, Roger Daltrey, Pete Townshend ó Asia entre otros.

El disco de la semana 189: Gatoperro - Ríen los Dioses

Ríen los Dioses, Gatoperro

     "Gatoperro es el fruto de una improbable relación entre gato de escayola transgresor y perra escasamente prejuciosa. Fue criado en los bajos fondos de mil ubres, de los que durante años se ha esforzado por no salir. Tras una breve y desafortunada estancia en un circo ruso, encontró mas tarse que pronto en el rock de pelo y barba su razón de malvivir."

Así definía su alter ego el músico vallisoletano David Llosa, quien a los 25 años decidió abandonar la tierra que le viera nacer y mudarse a Madrid donde quiso probar suerte en el complejo y difícil mundo de la música. Mal no le ha ido pues en este tiempo ha publicado ya cinco discos de estudio y se ha ganado una más que solvente reputación en éste siempre complicado de la música.

Gatoperro como David dice no es más que un personaje  que se encarga de dar la cara en el escenario para no tener que darla directamente él. Es Gatoperro un músico que no ve la música como un trabajo, es para él una pasión a la que está entregado, y por la que mantiene una ilusión inquebrantable, pues si la ilusión muere con ella desaparecerá la creatividad.

En 2018 Gatoperro publica su quinto álbum de estudio, Ríen los Dioses, álbum producido por el mismo, con arreglos de David Llosa (su alter ego), Iñigo Coppel, Pato Frank y Jairo Martín. El álbum es grabado por Christian Chloé, mezclado por David Llosa y Christian Chloé y masterizado por Denis blackham. Todos los temas están escritos por David Llosa excepto La banda de Carso Water (David Llosa y Jairo Martín) y Hecho a medida (Oscar Aguado y David Llosa).

Febrero de 2018, Gatoperro está en forma y la banda rodada, habían publicado en primavera de 2017 el disco Cowboys pero inexplicablemente no encuentran conciertos donde explotar todo su potencial. Este hecho llega a frustar a Gatoperro, pero lejos de lamentarse decide coger el toro por los cuernos y decide que si no pueden tocar van a grabar un nuevo disco. Decide entonces llamar a su banda de músicos, Christian Chloé (batería), Jairo Martín (teclados), Pato Frank (bajo) e Íñigo Coppel (guitarra) y los cita en el estudio que tiene el batería Christian Chloé. Decide además que se lo van a guisar y comer todo ellos, grabación, mezclas, producción, etc., sin técnicos de por medio. 

Cinco músicos que se encierran en una casa y entre rutinas, quehaceres y ratos de relajación y absueto diarios van componiendo y dando forma al quinto disco de Gatoperro. El resultado de aquella apuesta es Ríen los Dioses, disco donde podemos percibir influencias de artistas como Bob Dylan o The Band, basándose en el clásico sonido de las grabaciones de los años 60 y 70, y donde coquetean con sonidos como el rock latino ó el genuino sonido del country pop y el southern rock americanos.

Canciones que nos emocionan: Mississippi Queen, Mountain

Mississippi Queen, Mountain

     Nos encontramos en 1970 y la banda procedente de Long Island, Nueva York (Estados Unidos) Mountain  iba a debutar con su primer álbum de estudio. Leslie west (guitarra y voz), Felix Pappalardi (bajo, piano y voz), Corky Laing (batería y percusión) y Steve Night (órgano), publicaban el 7 de marzo de 1970 bajo el sello discográfico Windfall Records el disco titulado Climbing!. De la producción del disco se encargaría el propio Félix Pappalardi, quien ya había producido anteriormente material del grupo Cream.

Hay quien considera y acredita como el primer álbum de la banda el primer álbum grabado en solitario por Leslie West un año antes titulado Mountain. Para el disco West contó prácticamente con la misma formación que posteriormente formaría Mountain: Pappalardi, Corky Laing y el teclistas Steve Night.

El grupo graba entre 1969 y principio de 1970 el material que compone este primer álbum en los Record Plant Studios de Nueva York. El álbum se convertirá a la larga en el más exitoso de la banda, llegando a ocupar el puesto nº 17 en la famosa lista americana Billboard 200.
Incluido en el álbum se encuentra el tema Mississippi Queen, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan. Una canción que se convertiría en el sencillo más exitoso de la formación, alcanzando el puesto nº 21 en la lista Billboard Hot 100. También es uno de los temas más versionados del grupo, encontrándonos con versiones de artistas de la talla de WASP, Sam Kinison, Overdrive y Ozzy Osbourne entre otros.

Referente a la composición del tema, Corky Laing había escrito algunas letras del tema, algunos acordes y parte de la batería y se lo enseñó a Leslie West. El propio West recuerda que el día que Laing le muestró el material se habían drogado mucho y que sacó una servilleta que le serviría para plasmar el riff principal y los acordes del tema. Laing también reconoció en su momento que era muy seguidor del grupo The Band y se basó en el tema Up The Cripple Creek del grupo para componer Mississippi Queen, y que no sintiéndose del todo cómodo con aquello llegó a hablar del asunto con el baterista y vocalista de The Band Levon Helm, quien le hizo saber que no se preocupara y que no encontraba grandes similitudes entre los dos temas y que por lo tanto no veía plagio alguno, los temas eran diferentes.

Si nos atenemos al título del tema, podría parecer que éste se trata sobre un barco fluvial cuando en realidad trata de una experimentada y seductora mujer que enseña al protagonista un par de cosas ó tres sobre el amor. También podemos reconocer el famoso cencerro en la intro del tema, y es que el famoso cencerro no estaba previsto que apareciera pues al principio se puso allí ante la insistencia de Pappalardi para que Corky llevara la cuenta del tema, pero luego gustó tanto que decidieron incluirlo. Aparte de Corky Laing y Leslie West, también trabajarían en el tema Félix Pappalardi y el letrista David Rea, siendo estos cuatro acreditados en la composición del tema.

Mississippi Queen

You know what I mean

Mississippi Queen

She taught me everything

Went down around Vicksburg

Around Louisiana way

Where lived the Cajun Lady

Aboard the Mississippi Queen

You know she was a dancer

She moved better on wine

While the rest of them dudes were gettin' their kicks

Boy, I beg your pardon, I was gettin' mine

Mississippi Queen

If you know what I mean

Mississippi Queen

She taught me everything

This lady she asked me

If I would be her man

You know that I told her

I'd do what I can

To keep her lookin' pretty

Buy her dresses that shine

While the rest of them dudes were makin' their friends

Boy, I beg your pardon, I was loosin' mine

You know she was a dancer

She moved better on wine

While the rest of them dudes were gettin' their kicks

Boy, I beg your pardon, I was gettin' mine

Yeah, Mississippi Queen

The Rolling Stones - Steel Wheels (Mes Rolling Stones)

Se acaba el verano, y al llegar el mes de septiembre nos ponemos de nuevo serios. La "vuelta al cole" es lo más parecido a un descenso a los infiernos, y para sobrellevarlo, que mejor que escuchar los sabios consejos de sus "Satánicas Majestades". Y para poner en marcha la maquinaria pesada de rock y blues con la que vamos a realizar este viaje, nada mejor que pisar a fondo y que chirrien contra el pavimento las "ruedas de acero" de Jagger, Richards y compañía. Abróchense los cinturones, aquí comienza el #MesRollingStones.

STEEL WHEELS

Comenzamos casi por el final, porque Steel Wheels es el décimo noveno álbum de estudio (en Reino Unido), o el vigésimo primero (en Estados Unidos).  La razón es que, como miembros de lo que se llamó la "Generación X", empezamos a descubrir el poder de la música ya entrada la década de los ochenta. Habíamos oído hablar de los Rolling Stones, y habíamos escuchado sus canciones más representativas, pero en aquel ya lejano 1989, la publicación de un nuevo disco de los Stones, tras varios años de silencio, era para nosotros el momento de acercarnos, en tiempo real y por primera vez, a un disco completo de la banda.

Ayudó bastante que, tras un período de distanciamiento entre Jagger y Richards desde la publicación del anterior disco (el fallido Dirty Works, 1986), este nuevo retorno viniera, además, marcado por una vuelta a su sonido más clásico en buena parte de los temas del disco. Tras un período de composición conjunta, del que salieron más de cuarenta posibles canciones, convocaron al resto de miembros de la banda y comenzaron la grabación de los temas de la que sería su primera grabación digital, entre Montserrat y Londres, a excepción del tema Continental Drift, que se grabó en Tánger con la colaboración de The Master Musicians of Jajouka, lo que le dio a la canción un marcado aire oriental e innovador, que no fue del agrado de los más puristas fans de la banda británica.

El primer single lanzado para promocionar el disco fue Mixed Emotions, un gran ejemplo de esa vuelta a los sonidos de guitarra más clásicos del grupo, y un guiño a la ambivalente relación de amor y odio entre Jagger y Richards. Posteriormente, otros tres singles más fueron lanzados al mercado, en concreto la rotunda Rock and a hard place, la sentida balada para románticos Almost hear you sigh y uno de los temas más brillantes del disco, la rítmica y versátil Terrifying, que mostraba a unos Stones en plena forma en el estudio.

Si a esto unimos que la vibrante Sad Sad Sad, que arranca de manera fiera y engrasada la maquinaria del disco, se quedó sin el merecido premio de convertirse en uno de los singles, y que los dos temas interpretados por Richards (Can't be seen y Slipping Away) rayan también a gran altura, nos encontramos sin duda ante un gran disco en su conjunto. Cierto es que cualquier disco de los Stones a partir de los ochenta, y Steel Wheels incluido, palidece ante sus joyas de finales de los sesenta y primeros de los setenta, pero junto a A bigger bang es, probablemente, el mejor disco de las décadas posteriores y hasta la actualidad.

Tiempo tendremos, durante este mes, para profundizar en éstos y otros discos. Un tiempo que pasará para nosotros, como lo ha hecho este extraño y cálido verano, pero que no parece pasar para sus Satánicas Majestades. Las ruedas de acero han seguido moviendo la máquina, que durante 2020 ha ido soltando perlas de lo que podría ser su nuevo disco, incluida la brillante y profética Living in a ghost town. Mientras seguimos adaptándonos a la nueva vida, añorando la cercanía de los abrazos en ciudades fantasmas marcadas por la distancia, intentaremos hablar de todo esto, y mucho más, en el #MesRollingStones.

La música en historias: ¿Conoces a AR Kane?

A.R. Kane fue un dúo formado en 1986 en Reino Unido por los músicos Alex Ayuli y Rudy Tambala. Tras un par de EP's en los inicios, llegaron en 1988 al top del UK Independent Chart con "69", su disco debut. Su siguiente disco, titulado simplemente "i" (1989) está considerado su obra cumbre, y llegó también al top 10 de la lista de discos independientes de las islas británicas.

Son considerados, junto con el productor de su primer EP (Robin Guthrie de Cocteau Twins), los inventores del subgénero "dream pop" antes incluso de que ese término se acabara acuñando. Este subgénero introduce sampleados y mezcla ingredientes del dub, el funk, la psicodelia, el house y el free jazz, principalmente. Su mayor éxito vino de la mano de "Pump up the volume", su corte más dance, creado en 1987 bajo el sobrenombre de MARRS. El tema apareció en la banda sonora de la película de culto "Bright lights, big city" (en España se comercializó en los cines con el nombre de "Noches de Neón") protagonizada por unos jóvenes Michael J. Fox y Kiefer Sutherland.

Tras estos dos discos, habría que esperar hasta 1994 para asistir a la publicación de "New Clear Child" su tercer y último disco de estudio, tras el cual tomarían caminos separados. Sus innovadores discos han permanecido, desde entonces, ocultos y carentes de la exposición mediática de otros grupos y discos de esa época, y la crítica especializada coincide en señalarles como uno de los grupos más injustamente ignorados por el gran público.

La música en historias: Kevin Shirley

Kevin Shirley

     Como ya suele ser habitual en 7dias7notas, nos vamos a centrar en la figura del productor Kevin Shirley, otro de esos personajes que han contibuido y aportado su granito de arena en engrandecer el noble arte de la música.

Kevin Shirley, también conocido como The Caveman nace en 1960 en la ciudad sudarfricana de Johannesburgo. Sus pirmeros contactos con un estudio de sus ciudad natal son a través de la empresa para la que trabaja, pues es contratada para pintar dicho estudio y Kevin trabaja pintando el lugar. Posteriormente parece que Kevin lo tiene claro y continúa frecuentando el lugar hasta que consigue trabajo allí. Es en aquel estudio donde se inicia y comienza aprendiendo todo lo básico sobre la grabación, realizando grabaciones de todo lo que cae en el estudio. Sus inicios en la producción son grabando a artistas locales sudafricanos a la vez que toca en su propia banda de múscia llamada The Council.

Cuando tiene 20 años, la familia de Kevin se muda a Australia, ya que está en contra del regimen del apartheid. El único problema es que a él no le dejan entrar por lo que tiene que permanecer en Sudáfrica, pero no pierde el tiempo pues sigue trabajando con artistas locales consiguiendo éxito y reputación hasta que consigue entrar en Australia con 26 años de edad.

En Australia trabaja con mucho éxito con grupos de allí, entre los que se encuentran Tony Johns, The Hoodoo Gurus, The Angels, Tina Arena ó The Screaming Jets entre otros. La banda australiana Baby Animals le invita a trabajar en uno de sus discos con ellos  en Nueva York, allí trabaja con el productor Mike Chapman, quién le invita a trabajar en otros proyectos por lo que permanece allí una temporada.
No obstante Kevin aún considerando su estapa en Estados Unidos muy positiva decide volver a Australia e instalar allí su base de trabajo, pues allí es más conocido y tiene más posibilidades de progresar laboralmente.

Para finalizar y comprender la importancia y contribución de Kevin Shirley en el complicado mundo de la industria musical destacar sólo algunos de los trabajos durante su productiva y extensa carrera:

The Black Crowes, Shake Your Money Maker (1990)
                              
The Black Crowes, The Southern Harmony And Musical Companion (1992)

Rush, Contreparts (1993)

Olivia Newton-John, Gaia: One Woman's Journey

Silverchair, Frogstomp (1995)

Hoodoo Gurus, Blue Cave (1996)

Journey, Trial By Fire (1996)

Aerosmith, Nine Lives (1997)

Journey, Greatest Hits Live (1998)

Dream Theater, Once In A LIVEtime (1998)

The Black Crowes, By Your Side (1999)

Silverchair, Neon Ballroom (1999)

Jimmy Page & The Black Crowes, Live At The Greek (2000)

Joe Satriani, Engines Of Creation (2000)

Iron Maiden, Brave New World (2000)

Journey, Arrival (2001)

HIM, Deep Shadows And Brilliant Highlights (2001)

Dream Theater, Live Scenes From New York (2001)

Iron Maiden, Rock In Rio (2002)

Dream Theater (Six Degrees Of Inner Turbulence (2002)

Led Zeppelin, How The West Was Won (2003)

Iron Maiden, Dance Of Death (2003)

Dream Theater, Train Of Trought (2003)

New Yok Dolls, The Return Of New York Dolls: Live From Royal Festival Hall 2004 (2004)

Iron Maiden, Death On The Road (2005)

Joe Bonamassa, You & Me (2006)

Black Stone Cherry, Black Stone Cherry (2006)

Iron Maiden, A Matter Of Life And Death (2006)

Joe Bonamassa, Sloe Gin (2007)

Journey, Revelation (2008)

Dream Theater, Chaos In Motion 2007-2008 (2008)

Joe Bonamasa, The Ballad Of John Henry (2009)

Iron Maiden, Fligh 666 - The Original Soundtrack (2009)

Black Country Communion, Black Country (2010)

Mr Big, What If... (2010)

Beth Hart & Joe Bonamassa, Don't explain (2011)

Joe Bonamassa, Dust bowl (2011)

Robert Cray Band, Nothin But Love (2012)

Steve harris, British Lion (2012)

Beth Hart, Bang Bang Boom Boom (2012)

Black Country Communion, Afterglow (2012)

Black Star Riders, All Hell Breaks Loose (2013)

Beth Hart & Joe Bonamassa, Seesaw (2013)

Iron Maiden, The Book Of Souls (2015)

Canciones que nos emocionan: (Don't Fear) No Reaper, Blue Öyster Cult

(Don't Fear) No Reaper

     Nos encontramos en 1975, y Eric Bloom (Voz, guitarra rítmica y percusión), Donnald "Buck Dharma" Roeser (guitarra solista, coros), Allen Lainer (teclados, guitarra rítmica y coros), Joe Bouchard (bajo, piano y coros) y Albert Bouchard (batería, percusión, guitarra acústica y coros), o lo que es lo mismo la formación más estable, productiva y duradera de Blue Öyster Cult llevan a sus espaldas tres discos de estudio y se han ganado a pulso el sobrenombre de "la banda más violenta de Nueva York" gracias a sus arrolladores conciertos.

Durante ese año, 1975 y principios de 1976 la banda graba en los estudios The Record Plant de Nueva York el que supondrá su cuarto álbum de estudio, Agents Of Fortune. El disco es producido por David Lucas, Murray Krugman y Sandy Pearlman, todos conocidos y reputados productores entre otras cosas de la escena neoyorkina.

El álbum es publicado en mayo de 1976 y consigue rápidamente una gran aceptación del público y de la crítica, llegando a alcanzar el puesto número 29 en la famosa lista Billboard de Estados Unidos, consiguiendo también el disco de platino merced a las escelentes ventas que consigue. Curiosamente este es el único disco de la banda donde todos los componentes de la misma interpretan las voces principales en al menos una canción.

Incluido en el álbum nos encontramos con (Don't Fear) No Reaper, otros de esos temas que a mí tanto me emocionan. Este tema se convierte en el mayor éxito de la banda en toda su historia, llegando a alcanzar el puesto número 12 en la lista de singles Billboard Hot 100 de Estados Unidos. El tema es compuesto por el guitarrista de la banda Buck Dharma; un tema del que se creyo en un principio que trataba la temática del suicidio.

En realidad el tema surge a raíz de una visita al médico donde a Buck Dharma le diagnostican que tiene una afección caridaca consistente en un latido cardiaco irregular. Como Buck mismo relata, al ser joven tu mente intenta evadirse de la realidad para no afrontar el problema, y todo esto le sirve de inspiración para escribir (Don't Fear) No Reaper, donde Buck nos habla de que la muerte es inevitable, no puedes escapsar de ella, es tontería tenerla miedo, y también se pregunta de lo que le secuderá si muere joven y si se reunirá con sus seres queridos.

(Don't Fear) No Reaper como muy bien afirmaba Buck Dharma no es un tema que trate el suicidio, es más bien todo lo contrario, es mas bien un tema que aboga por afrontar con coraje la muerte, algo que por naturaleza nos va llegar a todos.
Una curiosidad, el productor David Lucas puso voz en los coros en este tema, y suya fue la idea de usar un cencerro en el tema, y que fue objeto de la famosa parodia More Cowbell interpretada por Christopher Walken en el famoso programa Saturday Night Live el 8 de abril de 2000.

All our times have come

Here but now they're gone

Seasons don't fear the reaper

Nor do the wind, the sun or the rain, we can be like they are

Come on baby, don't fear the reaper

Baby take my hand, don't fear the reaper

We'll be able to fly, don't fear the reaper

Baby I'm your man

La, la, la, la, la

La, la, la, la, la

Valentine is done

Here but now they're gone

Romeo and Juliet

Are together in eternity, Romeo and Juliet

40, 000 men and women everyday, Like Romeo and Juliet

40, 000 men and women everyday, Redefine happiness

Another 40, 000 coming everyday, We can be like they are

Come on baby, don't fear the reaper

Baby take my hand, don't fear the reaper

We'll be able to fly, don't fear the reaper

Baby I'm your man

La, la, la, la, la

La, la, la, la, la

Love of two is one

Here but now they're gone

Came the last night of sadness

And it was clear she couldn't go on

Then the door was open and the wind appeared

The candles blew then disappeared

The curtains flew then he appeared, saying don't be afraid

Come on baby, and she had no fear

And she ran to him, then they started to fly

They looked backward and said goodby, she had become like they are

She had taken his hand, she had become like they are

Come on baby, don't fear the reaper

El disco de la semana 188: Jorge Salán - Graffire

Graffire

     Para la semana 188 de la aventura de 7dias7notas decidimos apostar por producto nacional, concretamente por uno de los mejores guitarristas de nuestro país, Jorge Salán, y su disco Graffire (2016), grabado junto con The Majestic Jaywalkers. Jorge se ha forjado durante su carrera una excelente reputación dentro del hard rock y heavy metal y en 2015 decide dar un giro a su sonido introduciéndose y explorando dentro del blues rock con su disco Madrid/Texas. Con su disco Graffire Jorge mantiene esa línea continuista dentro del blues rock, dando cabida también a sonidos como el jazz o el rock.

Jorge Salán nace en Madrid en 1982, y pronto se interesa por la guitarra comenzando a estudiar solfeo y guitarra clásica a los 8 años de edad. Contando 15 años de edad graba su primera maqueta Alien Guitar y forma su primera banda llamada Fahrenheit, con la que se mueve dentro de la escena madrileña, pero el proyecto dura poco.
Su dedicación y talento hacen que contando con 17 años reciba una beca de la prestigiosa universidad Berklee College Of Music (Boston), la universidad privada de música más grande del mundo. Los alumnos de esta universidad han ganado 294 premios Grammy y 95 premios Grammy Latinos. En la prueba de acceso a la prestigiosa universidad Jorge presenta el tema compuesto por él Running Free, tema que supone además su segunda maqueta y empieza a sonar por todo el territorio nacional.

Después de pasar un año estudiando en Berklee regresa a España y consigue firmar un contrato discográfico con el sello Dro East West, el cual pertene a la todopoderosa Warner Bros. Bajo este sello discográfico publica en 2002, contando sólo 19 años de edad, su primer álbum de estudio, The Utopian Sea Of Clouds. Con este primer disco recibe excelentes críticas de la prensa especializada, también una gran aceptación del público y realiza su primera gira por todo el país.

En 2003 jorge colabora en el disco Gaia de Mago de Oz, concretamente en el tema La Venganza De Gaia. A partir de aquí empieza a colaborar asiduamente con la banda hasta que en 2004 es fichado como miembro de la misma como tercer guitarrista. Jorge permanece en la banda hasta el año 2008 alternando su trabajo en la banda con la publicación de 2 discos más en solitario, From Now On (2004) y Chronicles Of An Evolution (2007).

Jorge ya en solitario, alterna innumerables colaboraciones con renombrados artistas entre los que se encuentran Dee Snider (Twisted Sister), Jeff Scott Soto, Joe Lynn Turner, Miguel Ríos, Bob Daisley, Eric Martin (Mr.Big), Carlos Tarque, Robin Beck, Fiona Flanagan, Sherpa, Javier Vargas, Obús y Asafalto entre otros, con la publicación de sus trabajos Subsuelo (2009), Estatuas En La Calle (2010), Sexto Asfalto (2011), Directo A San Javier (2012) y No Looking Back (2014). A finales de 2014 ficha por el sello discográfico Rock Estatal Records y junto con The Majestic Jaywalkers inicia lo que el llama un proyecto de vuelta a las raíces, introduciéndose en el blues rock y publicando Madrid/Texas (2015). En 2016 continúa explorando el género blues rock sigue con el proyecto The Majestic Jaywalkers y  publica Graffire, el álbum recomendado para la ocasión por 7dias7notas, álbum donde además se acerca a sonidos como el jazz ó el rock.

El disco comienza con un potente blues lleno de fuerza, Born Under A Bad Sign, tema compuesto para la ocasión y cantado por el gran Jeff Spinoza, del magnífico grupo Red House. Le llega el turno a Victim Of Desire, tema que comienza con una apertura de piano que nos traslada a un Saloon Bar cualquiera, la sección de viento, el hammond y la armónica están magníficas y dotan al tema de un ambiente festivo y los riffs y sólos de Jorge dotan al tema de la garra necesaria para hacer de éste un buen tema. Nos encontramos ahora con la primera versión del álbum, Take Me To The River, tema compuesto por Al Green en 1974 y publicado ese mismo años en su disco Al Green Explores Your Mind. Tema donde Jorge es capaz de captar ese soul sureño que tan bien sabía hacer Al Green. Le llega el turno al único tema compuesto e interpretado en castellano, Para Paco de Lucía, tema escrito y compuesto por Jorge. Como el mismo dice quería rendir un humilde tributo al mejor guitarrista de todos los tiempos, un tema del que se siente especialmente orgulloso pues le hizo gran ilusión que el tema le gustara mucho a la familia del maestro Paco de Lucía. Ojo a la mezcla de la guitarra eléctrica con la guitarra española, magnífica.

Llegamos a uno de los temas más cañeros del disco, On My Own, música compuesta por Jorge y la letra por su amigo Jeff Scott Soto, el que fuera vocalista de Journey ó yngwie Malmsteem y que ahora tiene su propia banda en solitario y de la cual Jorge es el guitarrista. Tema con unos potentes riffs y donde las guitarras distorsionadas harán las delicias de nuestro oídos acercándonos por momentos a ese sonido de los años 70. One More Empty Feeling, tema interpretado por su amigo y genial cantante y bluesman irlandés afincado en Madrid Garret Wall. Jorge se atreve hasta con una versión de Rory Gallagher, concretamente They Don't Make Them Like You Animore, compuesto por el genio irlandés y publicado en 1973 en su disco Tattoo. En este tema Jorge con su guitarra y acompañado del piano hace un guiño y se adentra en el jazz. Rory es mucho Rory pero Jorge no desmerece y hace una buena versión del tema. Turno para No Turning Back, otro de los temas más cañeros del disco con unos más que contundentes riffs de guitarra y donde la sección de viento va creciendo durante todo el tema hasta llegar al magnífico sólo de saxofón que contiene el tema. Sin duda unos de los mejores temas del álbum. El disco se despide con otra magnífica versión, en esta ocasión del tema Leave My Girl Alone, blues compuesto por Buddy Guy y publicado por primera vez bajo el sello discográfico Chess Records en 1967.

La música en historias: Swing Low, Sweet Chariot, el himno contra la esclavitud

Fisk Jubilee Singers

     Sweet Low, Sweet chariot es una canción espiritual estadounidense que además de ser todo un himno en pro de los derechos civiles y contra la esclavitud también es el himno de la Selección de rugby de Inglaterra.

Este es un tema cuya composición data del siglo XIX y se barajan varias teorías sobre su nacimiento. Una de esa teorías afirma que la melodía proviene de los esclavos afroamericanos que buscaban dejar la esclavitud saltando a un carro, tren o barco en busca de la libertad. De hecho este tema incluye referencias a la famosa red clandestina Ferrocarril Subterráneo, una organización clandestina que ayudó a muchos esclavos afroamericanos a escapar de las plantaciones del sur hacia el norte de Estados Unidos y Canadá.

Otra teoría apunta que la canción fue escrita por Sara Sheppard, una esclava afroamericana que después de haber pensado en suicidarse al enterarse que ella y su bebé iban a ser vendidas a propietarios diferentes, recordó las palabras de una anciana negra. Ésta le había dicho a Sara que ella y su bebé serían llevados a un lugar mucho mejor en el carro de Dios. Chariot era la palabras francesa con el que se llamaba al trineo utilizado para la recolecta de algodón.

Otra última teoría afirma que el tema fue compuesto por Wallace Willis, un hombre negro libre de Choctaw, Oklahoma (Estados Unidos), alrededor del años 1862, y que se inspiró en el Río Rojo estadounidense, el cual le recordaba al río Jordán y al profeta Elías.

Lo que si está claro es que Alexander Reid, un alto cargo de Choctaw, en 1871  asiste a un concierto de un grupo que canta a capella llamado Fisk Jubilee Singers, el cuál está compuesto por estudiantes de la Universidad de Fisk de Nashville, Tennessee. Alexander había escuchado cantar Sweet Low, Sweet Chariot a Wallace Willis tiempo atrás y se había molestado en transcribir la letra y la melodía al igual que varias canciones más de Wallace. Alexander piensa que éste tema puede quedar muy bien en manos de los Jubilee Singers y se lo envía. Los Jubilee Singers agregan el tema a su repertorio lo popularizan durante una gira por Estados Unidos, grabándolo por primera vez en 1909.

En la década de los años 60 el tema vuelve a resurgir gracias al Movimiento por los Derechos Civiles al ser interpretada por artistas como Joan Baez en el Festival de Woodstock en 1969. Aunque quiźas una de las versiones más conocidas es la versión reggae que hace Eric Clapton y aparece en su álbum de estudio There's On In Every Crowd de 1975. El tema también ha sido versionado por BB King, UB40, Sam Cooke, Etta James ó Johnny Cash entre otros.

Y lo más curioso es que éste tema, un tema tradicional estadounidense contra la esclavitud se ha acabado convirtiendo en el himno de la Selección de rugby de Inglaterra. Hay quien dice que los aficionados al rugby ingleses lo adoptaron al escuchar cantarla a un grupo de escolares en el estadio de Twickenham, un pueblo al sur de Londres. Hay quién dice que fueron cuatro miembros de un club de rugby los que iniciaron y marcaron la tendencia. Lo que si está claro es que es el himno de la selección inglesa, llegando incluso a hacerse hasta una versión titulada Sweet Low (Run With The Ball) para la Copa del Mundo de Rugby de 1991 celebrada en Inglaterra. También se hcieron versiones para la Copa del Mundo de 1995 en Sudáfrica y para la Copa del Mundo de 2003 en Australia.

Swing low, sweet chariot

Coming for to carry me home

Swing low, sweet chariot

Coming for to carry he home x 2

I looked over Jordan and what did I see

Coming for to carry he home

A band of angels coming after me

Coming for to carry me home

Swing low, sweet chariot

Coming for to carry me home

Swing low, sweet chariot

Coming for to carry me home

If you get there before I do

Coming for to carry me home

Tell all my friends I'm coming too

Coming for to carry me home

Swing low, sweet chariot

Coming for to carry me home

Swing low, sweet chariot

Coming for to carry me home

El disco de la semana 187: The Ramones - Rocket to Russia

 

Hoy vamos con el tercer disco de Los Ramones, ROCKET TO RUSSIA, fue lanzado en 1977 y fue su segundo lanzamiento de ese año. Grabado en la ciudad de Nueva York, se esperaba que Rocket to Russia fuera el álbum que finalmente lanzaría a los Ramones al éxito general. El álbum tenía un presupuesto de producción más alto que los dos discos anteriores, y su sello Sire Records acababa de firmar un contrato de distribución con un importante (Warner Brothers), lo que proporcionó a la banda un impulso promocional adicional.

 Como la música que hicieron estos cuatro duros muchachos neoyorkinos, simple y directa, tal nos llega la primera vez que lo escuchamos, pero en sus canciones, hay mucho más, entre sus pocos acordes hay un universo muy personal, especialmente lo hay para quienes, como yo, tenemos una profunda relación con sus músicas, relación que data de hace muchos años, cuando la música era aún un mundo denso e inabarcable, cuando con 10 años estaba listo para descubrirlo todo y el hermano mayor de tu amigo te lo pone…. Te quedas clavado. Es verdad que lo primero que te llama la atención son los temas sencillos, descarnados, de innegable simpatía, de este cuarteto que después de mucho pelearlo, de ser absolutamente ignorados en su tierra natal durante años pero que fueron reconocidos unánimemente a posteriori, teniendo hoy, el reconocimiento y la mítica universal que siempre merecido. Si no prestas la suficiente atención las canciones de los Ramones pueden parecer repetitivas, excesivamente sencillas, simplonas y de letras carentes de un gran sentido poético. Los Ramones compusieron algunas de las músicas más energéticas, hermosas, potentes, esenciales, primitivas, intensas y originales del rock and roll en general, generando en el camino una pléyade de imitadores que a su vez desataron subgéneros enteros de un estilo, que con su propuesta musical pero también con su estética y su idiosincrasia, ayudaron a definir fundamentalmente a la musica. Existen pocas figuras de la música popular contemporánea que hayan tenido la importancia de estos cuatro muchachos de desaliñada apariencia, pero organizadísima mentalidad en lo que ocurrió después de que ellos aparecieron, e incluso en lo que sigue pasando aún hoy tienen gran parte de culpa.

 

Rocket to Russia continua con la formula había establecido en sus dos primeros álbumes, pero este definitivamente tiene un mejor sonido debido a la producción mejorada. La ferocidad de temas como "Cretin Hop", "Rockaway Beach" (la oda de Dee Dee a una zona costera particularmente sórdida en Nueva York) y el ahora clásico "Teenage Lobotomy" sorprendió a los oyentes desprevenidos directamente y para saciar los gustos de todos, incluyeron dos de las baladas tiernas compuestas por Joey ("Ramona" y "Here Today, Gone Tomorrow") y un par de versiones de rock 'n' roll clásico. su enfoque en estas versiones (su interpretación de "Do You Wanna Dance" aplasta la versión de The Beach Boys sin pensarlo dos veces, mientras que "Surfin 'Bird" de The Trashmen suena más coherente aquí que en la grabación original) es tan enérgico y natural , nunca sabrías que fueron compuestos y grabados antes de que la banda se conociera. Y todo esto sin mencionar uno de los grandes himnos de la banda, "Sheena Is A Punk Rocker", que tiene la influencia de un grupo de chicas de los 60 y la máxima aceptación de la cultura que la banda creó, fue lanzado como el primer sencillo del álbum y aunque había muchas esperanzas de que tuviera un gran impacto en la radio, apenas logró hacer mella en las listas de éxitos, aun así los críticos fueron buenos con el álbum. 

En un ejemplo clásico de la mala suerte de los Ramones, el punk británico explotó a lo grande mientras Joey estaba fuera del grupo por un accidente que le impedía trabajar con el grupo, Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols fue lanzado solo unas semanas antes de ROCKET TO RUSSIA y los británicos malhablados acapararon los titulares rápidamente y se convirtieron en los "rostros" del movimiento punk rock en lo que respecta al mundo en general. ROCKET TO RUSSIA debería haber sido la gran oportunidad de la banda para dejar su huella en el mundo, pero lamentablemente, perdieron el barco debido al mal momento y las circunstancias. Pero al final se ha convertido en uno de los álbumes definitivos de los Ramones y, aunque la llama de los Sex Pistols pudo haber ardido más, también se desvaneció rápidamente.

Canciones que nos emocionan: Tribute To Muddy, Johnny Winter

Johnny Winter

     Para hablar de otro de esos temas que tanto me emocionan nos vamos a centrar en esta ocasión en la figura del gran bluesman albino Johnny Winter.

John Dawson Winter, más conocido como Johnny Winter nace en Beaumont (Estados Unidos) en 1944. Nacido albino al igual que su hermano menor Edgar, ya desde muy pequeño junto con Edgar es orientado hacia las actividades musicales por sus padres, ya que su padre, John Dawson también era músico y tocaba el saxofón y la guitarra en iglesias, reuniones, bodas y otros eventos. Contando con 10 años de edad Johnny y su hermano aparecen por primera vez en un programa infantil donde se puede ver a Johnny tocando el ukelele.

Con 14 años Johnny forma junto a su hermano la banda Johnny and the Jammers. Durante esa etapa de su infancia se dedica a intentar hacerse hueco grabando en discográficas de alcance regional y curtiéndose en todo tipo de garitos de blues donde no sólo toca, también escucha a infinidad de artistas del género pues quiere captar la esencia del blues, llegando incluo a tocar ante BB King con la guitarra de éste durante una visita de BB a un famoso local de Beaumont. Posteriormente forma un trío, The Cyrstaliers and It an Them con el mismo propósito, conseguir hacerse un nombre dentro del circuito de garitos de blues de la época.

Antes de su fichaje por la poderosa discográfica Columbia Records a finales de 1968 y posterior lanzamiento hacia el estrellato, Johnny publica  su primer álbum de estudio como solista, The Progressive Blues Experiment, bajo el sello discográfico Sonobeat Records, un sello independiente ubicado en Austin, Texas. Posteriormente del fichaje de Johnny por Columbia Records, los derechos del álbum se vendieron a la discográfica Imperial Records que vuelve a publicar el disco en 1969.

En el disco debut de Johnny encontramos temas de McKinley Morganfield, Willie Dixon, Sonny Boy Williamson y BB King entre otros, y también encontramos temas compuestos por él mismo entre los que se encuentra el tema Tribute To Muddy, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan. Como muy bien intuimos por el título del tema, se trata de un tributo y homenaje a la figura de Muddy Waters donde Johnny emplea juegos de palabras e introduce títulos fácilmente reconocibles de canciones de Muddy Waters. De hecho Johnny era un gran admirador de Muddy Waters y le llegó a producir los tres últimos discos de su carrera, Hard Again (1977), I'm ready (1978) y King Bee (1981).

Woah, Lord I wish, Lord I wonder what happens

Answer's the nickel, a deep blues sea

I tore all the good looking women somewhere

Sure enough baby that's me, 'cause it's gonna happen

Lord my mother, well so as my father

About three months long before I was born

Said I got a boy child coming

Sure enough it gonna be a rolling stone

Lord I'm gonna get a rolling stone man

Lord I'm broke

Lord I'm broke

Now I reckon I better do

Lord if I clean up little girls

Then I go home with you

Yeah man I'm gonna walk

Woah, Lord it's true, two things running

Lord I believe you're the worst child in my way

We're gonna watch them run at midnight

But the one that's running just gonna lie dead

Lord she's lone yeah and she's tall

Lord she weeps like a banshee

Lord the folks they say she's no good

But she's all right with me, 'cause I'll be right there

Woah, ho, ho

Somebody help me, help me, I always lose

Lord see if the girl don't love the man you know

That's when I do the voodoos

Ah, don't make you hurt honey