El disco de la semana 126: Almendra - Almendra

Álbum Almendra 1

El disco de la semana 126: Almendra 1 - Almendra

Este será mi debut en recomendarles un disco para que escuchen, la prueba de fuego diría, a la espera de vuestra aceptación.

Y como el desafío es grande, y la ocasión lo amerita, les traigo el disco Almendra 1 de la banda de rock que lleva el mismo nombre, este es uno de los 10 mejores álbumes de Rock Argentino, y no lo digo yo, lo ha dicho la Revista Rolling Stones.

Por ello me siento confiado que los animaré a escuchar mi recomendación, y a prestar atención no sólo a su música, sino también a unas curiosidades que encierra este disco.

Pero antes les presentare en sociedad a la banda Almendra que estaba integrada por Luis Alberto Spinetta (guitarra y voz), Edelmiro Molinari (guitarra), Emilio del Guercio (bajo y coros) y por último Rodolfo García (batería), cabe decir que al igual que Los Gatos, banda que hemos hablado en este blog, es una de las bandas fundadoras del rock nacional. 

Pero no nos detendremos en su historia como banda de rock, sino vamos a hablar de este espectacular disco que les traigo, que es el primer álbum de estudio de la banda, y esta compuesto por 9 canciones, con una variedad de estilos y ritmos que incluyen sonidos de rock, tango, folclore y hasta dicen que tiene sonido de Sgt. Pepper de The Beatles, pero se los dejaré descubrir a Uds.

Pero la curiosidad no sólo está en su sonido, sino que la ilustración de la portada del disco fue hecha por Alberto Spinetta, quien realizó una relación con el hombre de camiseta rosa y la palabra Almendra, de gorro a rayas blancas y rosas con una flecha pegada en su cabeza, sus ojos y una lagrima corriendo por si mejilla, cada uno de estos símbolos estarán relacionados con cada una de las canciones.

Por ellos está simbología de los ojos, la lagrima y la flecha se relacionarán con las canciones del siguiente modo:

La lágrima: "Muchacha (ojos de papel)", "Figuración", "Plegaria para un niño dormido" y "Que el viento borró tus manos"

Los ojos: "Color humano" y "A estos hombres tristes"

La flecha: "Ana no duerme", "Fermín" y "Laura va"

Contra portada del
disco Almendra 1

Y los autores definen esa simbología de la siguiente manera, que también han puesto estas relaciones de los tema en la contraportada del disco. 

La lágrima: "temas que están en el brillo de la lágrima de mil años que llora el hombre de la tapa"

Los ojos: "temas que canta el hombre de la tapa desmayado en el vacío"

La flecha: "temas que les cantan los hombres a esa lágrima del hombre de la tapa, atados a sus destinos".

Pero ahora vayamos a descubrir cada uno de sus canciones que tiene el disco, y comenzaremos con Muchacha (ojos de papel) una balada con ritmo acústico que enamora, el cual se encuentra en el puesto nro. dos del rock argentino, a continuación nos encontramos con Color humano con un solo de guitarra con toda la fuerza del rock, el vaivén de los sonidos como tercer tema del álbum tenemos Figuración muy personal de su autor Luis Alberto Spinetta con una acentuación forzada en sus palabras, y ya finalizando el lado A del disco, nos encontramos con Ana no duerme nuevamente la banda busca un sonido de rock ligero y una historia de una adolescente soñadora, ya en el lado B descubrimos al tema Fermín con sonidos muchos más suaves cuenta la historia un niño encerrado en un hospicio, el siguiente tema es una historia similar pero ahora de un niño de la calle, así que Plegaria para un niño dormido con el sonido particular de su

Luis Alberto Spinetta

autor, vuelve a ese sonido marcado de la acentuación forzada al final en cada palabra, el tercer tema del álbum A estos hombre tristes acompaña el mismo sonido que Color Humano, y para finalizar los dos últimos temas del disco Que el viento borró tus manos con sonidos de flauta y por último tenemos Laura va con una mezcla aun más innovadora para la época con sonidos orquestados dentro del rock y deja entrever el sonido del tango. 

Por todo esto los invito a escuchar este gran disco del Rock Nacional y descubrir lo que Almendra a través de sus integrantes nos vienen a contar en las letras de sus canciones, y poder interpretar los misterios ocultos de su portada con cada uno de los temas del disco. 

Así que espero que les guste y haya podido pasar esta prueba, y volver a uds. con otra recomendación de un nuevo disco.  

Daniel 
Instagram Storyboy

La música en historias: La armónica de Junior

Junior Wells

     En esta ocasión voy a hablar de la figura de un músico de blues que ha compartido su instrumento, concretamente la armónica al servicio de artistas de la talla de Muddy Waters, Buddy Guy, Magic Sam ó The Rolling Stones, al cuál le acompaña una historia de cómo consiguió una de sus armónicas.

     Junior Wells nació en diciembre de 1934 en Memphis, Tennessee (Estados Unidos), y se crió en West Memphis, Arkansas. A la edad de siete años ya tocaba la armónica con una habilidad increible. su primeros contactos con la armónica fueron de la mano de su primo Junior parker, el cuál fue su primer profesor con el que se inició en el arte de tocar la armónica. Posteriormente ejercería de profesor de éste Sonny Boy Williamson II, quién está considerado como la última leyenda del blues, un músico que compartió armónica con al lado del mismísimo Robert Johnson, y de Elmore James, Muddy Waters, Willie Dixon y Jimmy Rogers entre otros.

     Pero volvamos a la figura de Junior, en 1948 y cuando contaba con 14 años se muda a Chicago con su madre a causa del divorcio de ésta. Es en Chicago donde acabaría labrandose su carrera, llegando a ser considerado unos de los máximos exponentes del sonido de blues de Chicago, pero aparte de su carrera también se labró una imagen de rebelde, hecho que aunque no pasó inadvertido su calidad era tan buena que era un músico muy demandado. Con 16 años, en 1950 intenta entrar en la banda del mismísimo Muddy Waters, algo que no consiguió debido simplemente a que no llegaba al micrófono, dos años más tarde lo conseguiría sustituyendo Little Walker. 

     Durante gran parte de su carrera, pero sobre todo en la década de los 60, puso su armónica al servicio del gran guitarrista Buddy Guy. Sería en 1965 cuándo fruto de esa relación, Junior invita a Buddy Guy a colaborar con su guitarra en el primer disco en solitario que va a sacar, un álbum que se llamaría Hoodoo Man Blues, editado por el sello discográfico Delmark Records.

     Hoodoo Man blues, además de ser uno de los mejores discos de blues que he escuchado (y considerado por muchos especialistas cómo uno de los mejores discos de blues que se han editado) contiene una curiosidad, en la contraportada del disco original, Junior cuenta una historia de cómo se hizo con una armónica y consiguió evitar la carcel.

En una casa de empeños del centro de la ciudad, Junior había visto una armónica por el precio de dos dolares, un dinero que no tenía, así que busco trabajo, encontrándolo repartiendo bebidas gaseosas. Estuvo trabajando una semana, recibiendo por tal trabajo un dolar y medio, con el dinero ganado se fue a la casa de empeños donde había visto la armónica y le dijo al tendero que sólo tenía un dolar y medio, el tendero le dijo que si no tenía dos dolares la armónica no salía de la tienda, pero Junior estaba decidido a que esa armónica fuera suya, por lo que en un descuido, y habiendo dejado el dolar y medio en el mostrador cogió la armónica y huyó del lugar. Posteriormente Junior fué cogido y llevado a juicio. Durante el juicio el juez le preguntó a Junior por qué lo hizo, a lo que Junior contestó que esa armónica tenía que ser suya, entonces el juez le pidió que tocara aquel instrumento, el juez al escuchar tocar la armónica a Junior cogió 50 centavos se los dió al tendero y gritó: "Se desestima el caso".

Canciones que nos emocionan: Estadio Azteca, Andrés Calamaro

"Cuando era niño... y conocí el Estadio Azteca

Me quedé duro, me aplastó ver al gigante

De grande me volvió a pasar lo mismo

Pero ya estaba duro mucho antes"

Así narra "Estadio Azteca" en su comienzo la emoción de un niño al visitar por primera vez el mítico estadio de Ciudad de México. Una emoción comparable a la que esta canción nos hace sentir cada vez que la escuchamos. Y ha sido gracias a otro estadio, el Coliseum del Getafe CF, dónde dejamos un disco de Andrés Calamaro para "devolver la música al mundo" (*) y la referencia que la @revistapajaroazul hizo a la canción en los comentarios de la foto publicada en nuestro Instagram @7dias7notas, para que esta emotiva canción volviera a nuestras cabezas y nuestros corazones. Desde ese momento esta reseña era inevitable.

Esta joya del cancionero de Calamaro se encuentra oculta en "El Cantante", su octavo disco de estudio, editado en 2004 y basado principalmente en versiones de clásicos latinoamericanos como "Volver" de Carlos Gardel, "El Arriero" de Atahualpa Yupanqui o "El Cantante" conocida sobre todo en la interpretación de Rubén Blades. Considerado un disco menor en su discografía por contar con tan solo tres temas nuevos firmados por él, sin embargo estos nuevos temas se encuentran entre lo mejor que ha escrito y habrían sido importantes en cualquiera de sus discos "mayores".


"Estadio Azteca", compuesta junto a Marcelo Scornik, es seguramente la mejor de las tres, pero "Las oportunidades" merecería igualmente una reseña en las "canciones que nos emocionan". Y probablemente un día la tenga. La tercera en discordia es "La libertad", un tema lento y esperanzador sobre los que han sido privados de la misma.

Tres canciones que el mismo debió considerar importantes cuando, tras un largo alejamiento de los escenarios a causa de un ataque de miedo escénico, las incluyó como canciones destacadas de su vuelta magistral al directo en "El Regreso" (2005). Es en este disco, que resume una serie de tres conciertos consecutivos en el Luna Park de Buenos Aires con el apoyo de la Bersuit Vergarabat como banda de acompañamiento de lujo, en el que  descubrí Estadio Azteca, y en el que la canción se eleva aún más con el acompañamiento de un público enfervorecido y entregado como el niño que acudió por primera vez a ese estadio.


Ese niño se hizo grande en un "mundo de tentaciones" y "caramelos con forma de corazones", un mundo en el que le tocó vivir cosas buenas y malas, y en el que nunca dejó de aferrarse a una esperanza, eterna e irremediablemente "prendido a tu botella vacía, esa que antes... siempre tuvo gusto a nada".


(*) Ver "7dias7cds: Devolviendo la música al mundo" en la página "El increible viaje del tiburón amarillo"

El disco de la semana 125: Enrique Bunbury - Las expectativas

Bunbury es un autor por el que el 80% (el otro 20 % lo acaba de descubrir y va a caer en su sueño) de los componentes de este blog sentimos una especial admiración, es por eso que hemos tardado tanto tiempo en reseñar uno de sus albums y para no tener una discusión sin fin hemos decidido tirar por el camino del medio y entregarnos al ultimo trabajo de estudio del genio Aragonés.

La ceremonia de la confusión

Empieza con ritmos raros, pero lejos de cambiar, Bunbury se reinventa, con el mismo sonido, su voz lánguida y taladradora te recita un mensaje con una mezcla de guitarra y saxo interpretado por Santi del Campo que se va metiendo en tu cerebro, un elemento que el rock ha ido retirando el rock poco a poco y que en esta ocasión le da un toque magnifico.

La actitud correcta

Nos lleva al rock puro marcando el ritmo con una mezcla acompasada de guitarra y batería para una crítica directa al momento actual del mundo del rock, más interesado en las ventas que en crear productos que den una calidad a este arte. Bunbury no se calla y contracorriente ataca a su mundo. Muy rockera.

Tienes la actitud correcta

Pero te falta ese no sé qué

Que no sé lo que es

Y es lo único que importa

Tienes la actitud correcta

Para una versión discreta

Que recuerda otra época

Que insistes en reproducir

Cuna de caín

La relación de tú a tú, con toques de sociedad (extrapolable al conflicto actual en la sociedad española) para otro tema muy rockero donde Bunbury de nuevo saca a pasear esa voz particular a la hora de terminar las frases, ojo al puntito electrónico entregado en su justa medida…… La memoria guarda la luz / de lo que no existe ya / El encanto del rival / que ya dejó de ser / verdadera amenaza.   /Los clichés de la paranoia / de quien en todo quiere ver / enemigos que vencer / y ya no se hable más / ya no me interesa

En bandeja de plata

De nuevo una referencia a la sociedad actual, quizás menos brillante que las anteriores si que en esta ocasión la carga de la letra va directa al objetivo dejando atrás rodeos y excusas para entregarnos el mensaje que muchos gritamos en lo bajito…. “Pudiendo escoger entre dos o tres, elegimos al más subnormal”

Parecemos tontos

Momento de la tranquilidad y de la poesía, casi en tono de cantautor nos entrega una autentica poesía para disfrutar

Qué ruido hace

Un hombre que se quiebra en soledad

Qué cobijo encontrará

En la sombra de un mal pensamiento

Intentan desplumar nuestras alas

Como si fueran un casino de Las Vegas

Que saliera el conejo del sombrero

Desbordando la copa de la incredulidad

No conseguirán engañarnos a todos

Aunque a veces parecemos tontos

No conseguirán engañarnos a todos

A todos no…

Lugares comunes, frases hechas

Se nos vuelve más melódico, reminiscencias a Lady Blue pero menos conseguido, de nuevo la carga critica que esta dominando el disco.

Al filo de un un cuchillo

Vuelve el saxo a dar una absoluta lección de rock, y en esta ocasión acompañado del sintetizador, una rareza, aires tenebrosos, pero no todo lo redonda que podriamos esperar, una vez más nos podemos detener en la letra, cargada de mensaje social, de actualidad, de rebeldía.

 

Bartleby (mis dominios)

Inspirada en un relato de Herman Melville (cuento ha sido considerado precursor del existencialismo y de la literatura del absurdo) habla sobre las decisiones de uno, lo que cada uno necesitamos para encontrarnos con uno mismo, una canción sobre la libertad individual que la sociedad nos está robando… “no ver más televisión, y dejar de atender a la actualidad”

Mi libertad

Otro cambio musical, en esta ocasión nos sumergimos en una especie de Jazz fusión mezcla de toques de trascendencia poético con el toque mágico del saxo, una obra realmente original, un toque Bunbury de nuevo acertado

La constante

Dramatismo romántico para la que es para el que firma este texto la mejor canción del disco, y desde la publicación de ‘Expectativas’ es una de las canciones más celebradas del disco y la más cantada por el publico en sus conciertos. Excelsa balada latina, romántico, casi un bolero, pespunteado por el saxo y con cuerdas sintetizadas al fondo y es que cuando el amor toma el poder en las canciones de Bunbury brilla a raudales. Por cierto, el disco se presentaba con un corto de 12 minutos dirigido por la propia José Girl, y otorgaba a Bunbury su primer número 1 en España tras 7 años…."Hoy te elijo a ti para estar en mi vida, te elijo cada día, consciente y libremente".

Supongo

Un cierre solemne para un disco cargado de mensaje, de nuevo la pausa se hace eco de los mensajes de Bunbury, hemos dejado de reclamar para hablar de un estado espiritual que conmueve.

La música en historias: Eddie El Cabezón

Derek Riggs

     En la industria de la música, aparte de los artistas también tienen mucha importancia los profesionales que les rodean y que ayudan en gran medida al éxito de estos, un ejemplo, tener un buen productor es fundamental ya que una mala producción por muy bueno que sea tu producto te puede arruinar tu trabajo.
¿Y los creadores de logos y mascotas de los grupos? Pues sí amigos, a lo largo de la historia muchos de los logos de muchos grupos han cogido un peso fundamental en la historia de la música, de hecho sin necesidad de ver el nombre del grupo y viendo sólo el logo de éste o aquel grupo lo reconocemos inmediatamente. Esto también es aplicable a las mascotas, no son tan ususales como los logos pero las hay. Cuando estamos hablando con alguien y éste nos sugiere en la conversación el nombre de Iron Maiden, inmediatamente en nuestra mente aparece la imagen de Eddie The Head, porque así se llama Eddie, la famosa mascota de Iron Maiden.

     Eddie The Head, también conocida como Edward The Head es la famosa mascota del grupo británico de heavy metal Iron Maiden. Es un personaje antropomórfico (atribución de cualidades y características humanas a animales de otras especies, objetos y fenómenos naturales) creado por el ilustrador Derek Riggs.

     Derek riggs nació en 1958 en Portsmouth (Inglaterra), y aparte de ser el creador de Eddie, también trabajó para Bruce Dickinson durante su carrera en solitario. También es el responsable de las ilustraciones de la famosa mascota Fangface en los primeros discos de la banda Helloween y posteriormente con el grupo Gamma Ray cuando Kai Hansen dejó Helloween y fundó éste.

     Pero volvamos a la figura de Eddie, para su creación Derek utilizó como base una ilustración llamada Electric Matthew, el cuál era un dibujo que el mismo había hecho para simbolizar el movimiento punk de inicios de los años 80 en Inglaterra. Iron Maiden al ver este dibujo creyó que tenía mucho potencial y le propusieron a Derek que trabajara sobre él.
Para la creación de Eddie, Derek también se basó en una propaganda de guerra utilizada durante la guerra de Vietnam. Así nació Eddie The Head.

Imagen de la guerra de Vietnam en la que supuestamente se 

habría inspirado Derek para la creación de Eddie

   
     Sólo faltaba ponerle el nombre, ¿Por qué Eddie The Head? Pues cómo allí tampoco falta sentido del humor, el nombre surgió de un popular chiste ingleś:
Una mujer tuvo un hijo que sólo tenía cabeza. "No se preocupe", dijo el doctor, "tráigalo en cinco años y seguramente tengamos ya un cuerpo para él". Cinco años después, el día del cumpleaños de Eddie, que así se llamaba el niño, su padre entró en la habitación y le dijo: "Hijo hoy es un día muy importante, es tu quinto cumpleaños y tenemos una sorpresa muy especial para tí", entonces eddie contestó: "¡Oh no, no me digas que es otro sombrero!"

     La primera aparición de Eddie de cara al mundo fue en el sencillo Running Free del primer disco de la banda titulado Iron Maiden en 1980, una aparición que se ha repetido hasta la fecha en innumerables ocasiones tanto en portadas de discos como en carteles de conciertos y en cantidad de merchandasing. Eddie con el paso del tiempo y a través de sus apariciones ha sufrido infinidad de mutaciones, unas apariciones que en varias ocasiones han ido acompañadas de cierta polémica, pero eso es otra historia...........

Canciones que nos emocionan: Canción de cuna

Contra Tapa del disco
La Máquina de Sangre - Los Piojos

Canción de Cuna



Logo "Los Piojos"

Hoy quiero darle un homenaje a todas las madres del mundo, y sobre todo a mi madre. 

Por ello me he permitido saltarme en cierta forma y escribir en "canciones que nos emocionan" este humilde reconocimiento en el día de la madre en España.

Y quizás la suerte, me ha permitido no sólo que hoy en España sea el día de la madre y poder decir lo mucho que quiero a mi mamá, sino por partida doble repetirlo el 3er domingo de Octubre que es el día de la madre en Argentina.



Y aunque fuera con un cliché quien me lo permitirá decir, todos los días es el día de la madre y la familia en todas sus formas porque el amor de madre en sus infinitas expresiones nos permite crecer.



Ciro y los Persas

Por ello realmente "Canción de cuna" de Andrés "Ciro" Martínez voz de dos bandas "Los Piojos" y "Ciro y los persas" es la canción que me emociona, escuchemos su letra. 

Canción de cuna

https://youtu.be/M9V1bg0LJ-A

Letra Canción de cuna

Quiero que te duermas como un sol

que se acuesta en un campo de trigo.

Tengo aqui en mi pecho un corazón

igualito al hueco de tu ombligo.

Sabes quien temblaba, cuando ibas a nacer

sabés que pensé, que por ahí no ibas a poder

sabés quien te puso en el pecho de mamá, ooh

Debe ser que me pediste un día una canción

que fuera del corazón, ahí te va

vamos a correr un rato que hay tiempo nomás

hay tiempo nomás, todo el tiempo.

Nunca nadie me dio tanta luz

para nadie fui tan importante

nunca quise ver tan lejos al dolor

con verte crecer tengo bastante.

Dientes asomando y dibujos en la piel

todas las mañanas mi motor vos encendés

mil relojes no marcan las horas como vos, oh!

Debe ser que me pediste un día una canción

que fuera del corazón, ahí te va

vamos a correr un rato que hay tiempo nomás

hay tiempo nomás, todo el tiempo.

Vamos a besar la nieve y vamos a volar

vamos a besar, este cielo

nada, nada, nunca nada nos va a separar

somos una llama en el invierno.

Le pedí al señor

que me diera un amor

nunca pense sería tan profundo.

Le pedí al señor

que me diera un amor

nunca pense sería tan profundo.

Le pedí al señor

que me diera un amor

nunca pense sería tan profundo.

Le pedí al señor

que me diera un amor

nunca pense sería tan profundo.

Aaaaahhh...

Formación de Los Piojos



La letra de Canción de Cuna, es del mismo Ciro vocalista de ambas bandas como indicamos, y la misma fue lanzada junto al disco La Máquina de Sangre, que fue el sexto álbum de estudio de la banda Los Piojos.

Seguramente dedicaremos un capitulo en la historia del rock para Los Piojos, por formar parte del Rock Nacional donde nos dio un sin fin de buenas canciones, y seguramente si les a gustado Canción de Cuna, les espera mucha más música por conocer y escuchar, y quizás terminas siendo un "Piojoso" como se hacen llamar los fieles fans de la banda.

Pero no queremos quitar el protagonismo a las madres en su día, por ello en el DIA DE LA MADRE este pequeño homenaje de 7dias7notas. 

Daniel 
Instagram Storyboy

Canciones que nos emocionan: Lady in Black, Uriah Heep

Single Lady in Black, Uriah Heep

     En esta ocasión, para hablar de esta canción, una de tantas que tanto me emocionan no vamos a ir al Reino Unido, concretamente a Londres, allí se formó en 1969 Uriah Heep, banda de Hard Rock y Rock Progresivo que se convirtió en una de las más populares en la década de los años 70.

     El germen de Uriah Heep se gestó de la mano del vocalista David Byron y el guitarrista Mick Box quienes por entonces se encontraban en un grupo llamado Spice. poco tiempo después deciden cambiar el nombre del grupo Spice por Uriah Heep, nombre que sacan de uno de los personajes de una de las novelas más famosas de charles Dickens: David Copperfield. En 1970 se incorpora al grupo Ken Hensley el cuál provenía de un grupo de de rock psicodélico llamado The Goods. Ken es el compositor principal de casi todas las canciones en la época dorada del grupo. El grupo quedaría conformado en sus inicios por David Byron (voz), Mick Box (guitarra), Ken Hensley (voz, teclado y guitarra), Paul Newton (bajo) y Alex Napier (batería). 

     La formación en 1970 y con los músicos de de apoyo Colin Wood (teclados) y Nigel Olsson y Keith Baker (batería), editan su primer LP, de título Very 'Eavy... Very 'Umble. Un disco que no consiguió buenas críticas, de hecho de él se dijo que era una copia del grupo Deep Purple. El hecho de que el grupo compartiera local de ensayo con Deep Purple lo mismo tuvo algo que ver para que quedaran influenciados en cierto modo por el sonido de  Lord y compañía.

     En 1971, el grupo cambia de batería, abandonando el grupo Alex Napier y siendo sustituido por Keith Baker, el cuál había colaborado como músico de sesión en su álbum debut. Una vez conformados lo cambios se meten en faena y editan su segundo álbum de estudio, Salisbury, un disco donde además del rock, coquetean con el rock progresivo y el jazz fusión. Un disco con el que se acabarían resarciendo de la mala crítica de su primer trabajo. Es en este disco donde se encuentra el tema en cuestión, Lady In Black.

She came to me one morning

One lonely Sunday morning

Her long hair flowing in the mid-winter wind

I know not how she found me

For in darkness I was walking

And destruction lay around me 

From a fight I could not win

Ah, ah, ah

She asked me name my foe then

I said the need within some men 

To fight and kill their brothers without thought of men or God

And I begged her give me horses 

To trample down my enemies

So eager was my passion to devour this waste of life

Ah, ah, ah

But she would not think of battle that 

Reduces men to animals

So easy to begin and yet impossible to end

For she the mother of all men 

Had counciled me so wisely that

I feared to walk alone again 

And asked if she would stay

Ah, ah, ah

Oh, lady, lend your hand, I cried

Oh, let me rest here at your side

Have faith and trust in me, she said and filled my heart with life

There is no strength in numbers

I've no such misconceptions

But when you need me be assured I won't be far away

Ah, ah, ah

Thus having spoke she turned away 

And though I found no words to say

I stood and watched until I saw her black cloak disappear

My labor is no easier 

But now I know I'm not alone

I find new heart each time I think upon that windy day

And if one day she comes to you 

Drink deeply from her words so wise

Take courage from her as your prize and say hello for me

Ah, ah, ah, ah, ah, ah

     Lady in Black (Dama de negro), fue compuesta por Kensley, el cuál se inspiró en la visión de una niña desconocida. Se cuenta que entre 1882 y 1889, en Chentelham (Inglaterra), una veintena de personas afirmó haber visto a una misteriosa Dama de negro. También se cuenta que en Texas (Estados Unidos) la Dama de negro era la mujer de un rico hombre de negocios español y que un día fue colgada. Desde entonces cuenta la leyenda que su fantasma suele merodear cerca de la carretera 281 en Alice (Texas). De hecho muchos conductores que han pasado por allí afirman haberla visto. 

      Posteriormente Ken Hensley contaría en que se inspiró para componer la canción: Durante una gira por el noroeste de Inglaterra, al salir del hotel, Hensley se percató en la presencia de una joven vestida de negro con su largo cabello ondeando al viento caminando por la calle, esto hizo que se le activara su imaginación, cogió su guitarra y se puso a componer. 

     David Byron solía ser el cantante habitual de los temas de Uriah Heep, pero éste tema en concreto no le gustó y se nego a grabarlo, por lo que a sugerencia del productor del disco, Gerry Bron, fue el propio Hensley el que la grabó. Los acordes de las guitarras eran muy simples, lo que le permitió al grupo meter cuatro guitarras, siendo dos de ellas tocadas por roadies del grupo. 

     Pues lo mismo Byron se equivocó al renegar del tema, pues se acabaría convirtiendo en uno de los más aclamados y legendarios de Uriah Heep.

La musica en el cine: LETO (2018)

Este mes damos la bienvenida a un nuevo colaborador en el blog, se trata de Guillermo Navarro, creador del blog sobre cine FILMDREAMS.NET, integrante del grupo de Habladecine con el que iniciamos un proyecto donde reseñaremos las películas que se estrenen en el cine, sobre el mundo de la música sin olvidar algún clásico al que volveremos.

SINOPSIS:
Leningrado, un verano a principios de los 80: la escena del rock de la ciudad está en pleno apogeo. Viktor Tsoï, un joven músico que creció escuchando a Led Zeppelin, T-Rex y David Bowie, está tratando de hacerse un nombre. El encuentro con su ídolo Mike y su esposa, la bella Natacha, cambiará su destino. Juntos construirán una leyenda que les llevará a la eternidad.
 ( Fuente sinopsis y cartel: Avalon Distribución )
 ( Fuentes imágenes: Sensacine, Avalon Distribución, Festival de San Sebastián )
 ( Fuentes información de la película: Filmaffinity, Avalon Distribución, IMDb )

CRÍTICA:

Kirill Serebrennikov es el encargado de estar al frente de un proyecto que se presentó en el pasado festival de cine de Cannes, en su sección oficial, y obtuvo el premio a la mejor banda sonora.
Desde ese momento la película, que tuvo una buena acogida por la prensa asistente a la Croisette, se ha convertido en de culto, ya que siendo compleja y poco accesible para el público medio por su estética, el aspecto formal y su ritmo bastante pausado y porque las canciones, que en mi opinión son tan buenas, se salen del tópico del cine musical clásico. Su presentación en España fue en el festival de San Sebastián, ya que formó parte de la sección Perlas del Zinemaldia 2018, y en ese escenario es donde la pude ver por primera vez, y tengo que reconocer ( ya lo comenté en mis crónicas diarias de Donosti ) que me costó entrar en la historia, que gana con el paso de los minutos y que termina de manera espectacular. Gana en un segundo visionado, ya que he terminado de comprender ese primer tercio en donde se van presentando los personajes, y que parece que sea de manera caótica sin estar bien diseñados esos jóvenes músicos, cantantes, compositores que viven en la región de Leningrado a principios de la década de los 80. La propuesta también formó parte del la sección EFA del festival de cine europeo de Sevilla, y en los premios del cine europeo no se fue de vacío al lograr el galardón al mejor diseño de producción.

La película intenta mostrar las dificultades sociales de esos jóvenes que tienen problemas para sobrevivir en la Unión Soviética de la época, que quieren cumplir su sueño de ser un grupo musical importante en su país, y que se comportan muchas veces en contra de los establecido por ese régimen soviético, que restringía muchas cosas a la población. La historia funciona bastante bien por lo que cuenta y cómo lo cuenta, ya que se plantean relaciones sentimentales y personales entre los protagonistas, hay debates sobre el estilo musical en relación con los grupos de Rock underground y otras variaciones, y salen a la palestra nombres como The Who, Lou Reed, Talking Heads, Bod Bylan, David Bowie, Blondie, Iggy Pop, y otros tantos a los que idolatran esos jóvenes que forman parte de ese movimiento hippie que estuvo tan de actualidad 10 años a partir del festival de Woodstock.
La propuesta tiene muchas cosas positivas, ya que es bastante original a nivel artístico, ya que anima a los personajes cuando escuchamos las canciones, en unas coreografías muy pocas veces vistas ( recuerdo algo parecido en alguna película británica reciente ) que además va dividiendo la pantalla para que en las partes laterales podamos leer las letras de esos temas, en algunos casos ya conocidos, y en otros originales escritos en ruso.

Se recrea bastante bien la ciudad de San Petersburgo de la época y la región de Leningrado, y la fotografía en blanco y negro, sin ser espectacular, encaja muy bien en ese tono cercano al cine de autor en el que se mueve el proyecto, y que únicamente desaparece para dar cromatismo a las imágenes cuando anima esas escenas musicales y en una situación en los minutos finales en donde uno de los personajes atraviesa la pantalla para sumergirse en el mar Báltico captando muy bien el azul, tanto del cielo como del agua. Está inspirada en hechos reales, y algunas escenas, personajes y diálogos son ficticios ( como aparece en un texto al final de la película ), ya que uno de los protagonistas es Viktor Tsoy, el cantante del grupo Kinó.
A nivel interpretativo, sin ser unas actuaciones destacadas, cumplen el elenco de jóvenes actores y actrices.
La música es un elemento fundamental en este proyecto que, sin ser un musical, sino un drama de personajes, y se escuchan las canciones de manera constante, pero también hay música clásica de la banda sonora que escuchamos en algunos momentos en donde los personajes están en su vida privada o disfrutando de su tiempo libre alejados de sus proyectos musicales. Pero entiendo que no gustará a todo el mundo, pero recomiendo que los que disfrutan con la música Rock den una oportunidad a este proyecto interesante, con gran parte de producción francesa, que tiene entre sus cosas negativas su excesiva duración.



LO MEJOR: La dirección y la música.
LO PEOR: Su excesivo metraje.

La música en historias: La Tormenta de Sunbury

Sunbury Festival, Victoria (Australia)

     Año 1975, Victoria (Australia), último año que se celebró en aquella localidad el Festival de Sunbury, ¿Y que era el Festival de Sunbury?

     En 1972  un grupo de profesionales australianos dedicados a la televisión fundan una empresa llamada Odessa Promotions, dedicada a la promoción de conciertos, y deciden promover un festival de conciertos al aire libre, la fecha escogida sería el fin de semana en el que se celebraba El día de Australia, concretamente el 26 de enero. Para tal empresa eligen una granja privada llamada La Granja de George Duncan (así se llamaba el dueño), situada entre las localidades de Sunbury y Diggers rest, en victoria (Australia). Aquel festival acabaría marcando el final del movimiento Hippie en Australia y el comienzo del llamado Pub Rock, un estilo de música que se generó en Australia en los años 70 y que básicamente era una mezcla de Rock & Roll y música tradicional australiana.

     Durante las ediciones de 1972, 1973 y 1974 el festival gozó de una buena respuesta y gran popularidad que le situaron entre los principales festivales australianos y mundiales. Pero en 1975 se produjo un hecho que acabaría con la salud de dicho festival abocándolo a su desaparición, pero también una curiosa anécdota que tiene dos legendarios protagonistas de la historia del rock.

     En el año 1975 para la celebración de dicho evento y como cabezas de cartel la promotora Odessa había cerrado a Deep Purple, que se embolsaría la cantidad de 60.000$ por dicha actuación. La asistencia para el evento ese año fue sólo de unas 16.000 personas aproximadamente. Y llegó el día de la actuación de Deep Purple, y sus miembros (David Coverdale, Glenn Hughes, Ian Paice, Ritchie Blackmore y John Lord) subieron al escenario e iniciaron su prometedor concierto. Nada más empezar el mismo en aquel lugar se desató una feroz tormenta de verano (en esas fechas en Australia es verano) por lo que los miembros de Deep Purple ante el temor de que pudiera pasar alguna catástrofe decidieron parar de inmediato y dando por finalizado el concierto decidieron abandonar a la carrera en su transporte el concierto, pero mientras se alejaban de la granja de George Duncan empezaron a escuchar en la lejanía que desde el escenario del que se acababan de bajar estaban sonando sus equipos a todo trapo, ¿Qué estaba pasando allí?

     Lo que estaba pasando es que cuando se desató la tormenta y los miembros de Deep Purple abandonaron a la carrera el escenario, 5 chavales australianos que estaban empezando y que se hacían llamar AC/DC se apresuraron a subir al escenario y enchufar sus instrumentos en los equipos de Deep Purple y empezaron a tocar en medio de aquella tormenta para deleite de los que allí quedaban. Aquello acabó originando una trifulca entre los roadies y los miembros de AC/DC. Al final el personal de Deep Purple consiguió desenganchar de los equipos a aquellos voluntariosos australianos y a AC/DC no le quedó más remedio que irse de allí sin poder tocar.
Ambos grupos coincidirían posteriormente y recordarían dicha anécdota de forma muy amistosa.


     La poca asistencia de gente (unas 16.000 personas) en aquella edición de 1975 sumado al hecho de que Deep Purple se embolsó la nada despreciable cantidad de 60.000$ por su "actuación" hizo que el festival tuviera grandes perdidas, lo que hizo además que muchos grupos locales que estaban contratados para aquella edición se quedaran sin cobrar por sus actuaciones. Irremediablemente ese sería el último año que el Festival de Sunbury se llegaría a celebrar.
Más adelante Deep Purple acabaría ingresando el montante que cobró por dicha "actuación" en un fondo para que todos los artistas que se habían quedado sin cobrar sus honorarios lo hicieran.