Canciones que nos emocionan: Going Down, Freddie King

Freddie King

  

     En esta ocasión voy a hablar de uno de esos temas de blues que puedo estar escuchando en bucle una y otra vez sin parar, y es que la versión que se marca nuestro amigo Freddie King es brutal, espectacular. Y digo versión, si amigos, pues al principio cuando conocí este tema siempre tuve la certeza de que era de Freddie, (el tema en cuestión aparecía en su disco titulado Getting Ready - 1971), pues no, con el tiempo descubrí que ni era suyo ni fue el que primero lo grabó, pero su versión es para mí la mejor, pura emoción, fuerza y sentimiento.

    

I'm going, down, down, down

Down, down

Yes, I'm going down, yes

I'm going down, down, down

Down, down

Yes, I've got my feet in the window

Got my head on the ground

Let me down

And close that box car door

Yes, let me down

And close that box car door

Well, I'm goin' back to Chattanooga

And sleep on sister Irene's door

Hey!

Yes, I'm going down

I'm going down

I'm going, down, down, down

Down, down

Yes, I got my feet in the window

I got my head on the ground

     Después de descubrir que este tema no era de Freddie me puse manos a la obra y comencé a investigar, y descubrí que había sido compuesto por Don Nixon, el cuál es un músico, compositor, arreglista y productor estadounidense. Así de primeras este nombre puede no decirnos nada, pero esta persona tuvo un papel muy importante en la creación y desarrollo del llamado sonido Menphis soul, sonido que se desarrollo en los famosos estudios Stax Records y que tuvo cómo uno de sus máximos exponentes a los maravillosos Booker T & The MG's.

     Don nació en Memphis, Tennessee, y mientras su hermano Larry se dedicaba a la ingeniería musical (ingeniero de masterización y sonido para Stax Records y para los estudios Ardent Recording de Memphis) él comienza su carrera tocando el saxofón, y lo hace tocando para Mar-Keys. Mar- keys era una banda de sesión de los estudios Stax, y cuando Don abandona la banda, Mar-keys evoluciona y acaba adoptando el nombre de  Booker T & The MG's, casi nada.

     Y Don abandona la formación de Mar-Keys para trabajar en  la producción y composición para otros artistas, y la lista de gente con la que trabajó tanto en una faceta como en la otra es impresionante: George Harrison, John Mayall & The Bluesbrakers, Freddie King, Albert King, Jeff Beck, Brian May y Eric Clapton por citar sólo algunos.

     Entre sus composiciones se encuentra Going Down, tema que compuso Don y que vio la luz por primera vez de la mano de un grupo llamado Moloch en 1969 en su álbum homónimo. Un tema que ha sido versionado por gente de la talla de Jeff Beck, JJ Cale, Bryan Ferry, Pearl Jam, Gov't Mule, Deep Purple, Stevie Ray Vaughan, Joe Satriani, Led Zeppelin, Joe Bonamassa ó Sami Hagar entre otros. Y de todas la versiones yo me quedo con la de Freddie King, que para mí fue el que mejor ha sabido transmitir "el alma" de este maravilloso tema.

Rock Nacional Argentino: Los Abuelos de la Nada

Los Abuelos de la Nada

Vamos hablar de otra banda de rock nacional Los Abuelos de la Nada, no se si muchos sabrán fue una banda que se conformo en la década del '60 en su formación inicial con Miguel Abuelo (voz), Alberto Abuelo Lara (bajo), Héctor Pomo (percusión), Miguel Lara (guitarra), Eduardo Fanacoa (teclados), Pappo (guitarra) y Claudio Gabis (guitarra).

Qué duro poco, ya que la relación con sus miembros, no fue muy buena, y otra vez la escena de la historia se mezcla con el rock, y un nuevo gobierno militar hace que Miguel Abuelo tome la decisión de emigra a Europa y luego tras una década en el exilio vuelve a la Argentina.

Los Abuelos de la Nada

Ahora de regreso Miguel Abuelo conforma una nueva formación para Los Abuelos de la Nada, Miguel Abuelo en voz y Cachorro López bajista y los demás integrantes, Daniel Melingo en saxo, Polo Corbella batería, Gustavo Bazterrica guitarra y un joven Andrés Calamaro en teclados.

Nuevamente nos encuentra la década de los '80, para contar una nueva historia de Rock, y descubrir cuáles fueron las canciones que marcaron a esta banda de rock, y sobre todo a su líder.

Festival Rock&Pop, 1986:
Miguel Abuelo cantando
Himno de mi corazón.

La memoria me trae esos lugares comunes y me recuerda las primeras canciones que he escuchado de Los Abuelo de la Nada

No Te Enamores Nunca de Aquel Marinero Bengalí
https://youtu.be/_pUUjjsybLQ

Lunes por la madrugada
https://youtu.be/KiZgw5WYln0

Himno de mi corazón
https://youtu.be/nBS9BQXFSnU

Cosas mías
https://youtu.be/8nw4icyAJw0

Y otra vez el estilo de música divertida toma presencia en otra banda de rock argentino, con mezcla de pop rock y rock and roll.

La banda comienza a tener éxito, y dejará para el rock nacional canciones coreadas por todos, quien nunca ha coreado los estribillos de "mil horas" tras oírla sonar

Mil horas
https://youtu.be/CUdw-urZ3zg

Las letras de las canciones no son sólo de Miguel Abuelo, un joven Andrés Calamaro es el encargado de escribir canciones para la banda como ser "costumbres Argentinas"

Costumbres Argentinas
https://youtu.be/sZrqqyEeY30

Andrés Calamaro deje la banda, nuevamente Los Abuelos de la Nada entra en un nuevo cambio y tras esto nuevos cambios nuevas cosas sucederán en la vida de Miguel Abuelo.

Los cambios en la banda y un permanente estado de sentirse enfermo, a Miguel Abuelo le descubre que tiene Sida, y ahora todo cambia.

Miguel decide dar fin a Los Abuelos de la Nada en el año 1988, y ese mismo año tras un problema de salud fallece.

Miguel Abuelo

La vida de Miguel Abuelo para mi es el reflejo de Los Abuelos de la Nada su creación, una banda de rock nacional que nos ha dado mucho.

Los Abuelos de la Nada tanto en la formacion inicial como en su segunda etapa albergó músicos de la talla de Pappo Napolitano y Andrés Calamaro, figuras del rock que pienso hoy que gracias a ellos 

Los Abuelos de la Nada, nunca habrían sido lo que fue y sobre todo gracias a ese incansable espíritu del rock que fue Miguel Abuelo.

Daniel
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La música en historias: Funky junction y el Magnate

Funky Junction, Play a tribute to Deep Purple

     Corría el año 1972, y Phil Lynott, Brian Downey y Eric Bell, quienes formaban Thin Lizzy  ya habían sacado a la luz dos discos, el primero homónimo llamado Thin Lizzy (1971) y Shades of a Blue Orphanage (1972), pero su suerte no había cambiado demasiado porque lo que era ganar dinero habían ganado más bien poco, o mejor dicho, andaban bastante tiesos de pasta.

Su suerte cambiaría temporalmente cuando un empresario discográfico alemán de nombre Leo Müller contactó con ellos ese mismo año y les ofreció la nada despreciable cantidad de 1000 libras esterlinas por grabar un disco compuesto por cinco versiones de Deep Purple y algún que otro tema más. Tentados por el dinero ofrecido y por las pelusas de los fondos de sus bolsillos Lynott y compañía acceden a realizar el disco para este empresario. ¿Pero quien era en realidad este empresario?

Leo Müller ni se llamaba así ni era alemán. Su nombre real era Dave L. miller y el nombre de Leo era el pseudónimo  que usaba dentro del mundillo del coleccionismo de discos, ya que Leo era un reputadísimo coleccionista y comprador de discos además de ser productor y fundador de numerosas compañías de discos de bajo presupuesto.

     Dave L. Miller realmente nació en 1925 en Filadelfia, Pensilvania, y sirvió en la Segunda Guerra Mundial, a la vuelta de ésta, para ganarse la vida empieza con su cuñado grabando bodas directamente en discos. Dave durante una visita a una planta de prensado de la discográfica RCA en Nueva Jersey lo tuvo claro y decidió que quería crear su propia discográfica, y junto a su hermano Paul y su padre Albert y los ahorros que todos tienen consiguen fundar su primera compañía, Palda Records.

Dave durante su vida fundó de varias compañías discográficas más, como Essex Records en Pensilvania, Somerset Records también en Pensilvania, Europa Records en Alemania ó Stereo Gold Award en Reino Unido.

     Una vez descubierta la identidad de Leo Müller, volvamos a su proposición y a Thin Lizzy. Leo había hecho la propuesta a Thin Lizzy, y estos que estaban pelados aceptaron de inmediato, 1000 libras esterlinas a cambio de un día de grabación. Lynott tenía muy clara una cosa, no quería cantar en las grabaciones pues consideraba que su registro distaba mucho de paracerse al de Ian Gillan, así que para ocuparse de la parte vocal el grupo fichó a Benny White, cantante del grupo dublinés Elmer Fudd ya que tenía experiencia tocando con su grupo covers de Deep Purple. Y como Thin Lizzy tampoco tenían teclista acabaron fichando para la ocasión a Dave "Mojo" Lennox, también teclista de Elmer Fudd. Una vez completada la formación para la ocasión (Lynott al bajo y coros, Downey a la batería, Bell a la guitarra, "Mojo" a los teclados y White encargado de la parte vocal) se metieron en los estudios De lane Lea de Londres y se pusieron manos a la obra, grabando cinco covers de Deep Purple, Fireball, Black Night, Strange Kind of Woman, Hush y speed king. Además de esos cinco covers la formación grabó cuatro temas de corte instrumental, Dan tema basado en el tema tradicional irlandés Londonderry Air, Danny Boy otro tema tradicional tocado en un estilo muy a lo Hendrix, Rising Sun que era una versión del famoso tema The house of Rising Sun de los Animals y Corina, figurando en estos 4 temas instrumentales Leo Müller en los créditos cómo compositor de las mismas.
Evidentemente el nombre de Thin Lizzy no parecería por ninguna parte, apareciendo como grupo acreditado Funky Junction y título del disco Play a Tribute to Deep Purple. Y para la portada del disco aprecía un grupo diferente, llamado Hard Staff, grupo que curiosamente acabó firmando por el propio sello discográfico de Deep Purple.

     Lynott, Bell y Downey por una parte no eran partidarios de grabar el citado disco de covers, ya que estaban buscando su propio sonido y además consideraban que el producto y la grabación no parecía un producto demasiado digno, pero mil libras eran mil libras.....

El disco de la semana 122: B B King - Completely Well

Completely Well, B. B. King

     Para el disco de semana 122 me van a permitir que más que hablar de él, cosa que creo que no hace mucha falta pues su figura es tan grande que se han escrito infinidad de artículos, reseñas, libros, etc, en sus más de 60 años de carrera musical, sí amigos más de 60 años, hable de cómo este artista consiguió que me enganchara al blues. Un hombre que dedicó su vida a la música, concretamente al blues acompañado de su inseparable Gibson ES-335 Lucille, no podía ser otro que el maestro B. B. King.

      Cómo ya había comentado en la reseña del disco de Triana, yo me había criado escuhando flamenco, pero los designios de la vida hicieron que descubriera el rock. Corría el año 1993 y ya estaba completamente enganchado a la música, por entonces contaba con 19 años y ya había empezado a escuchar cosas sueltas sobre artistas de blues, artistas cómo Muddy Waters, Buddy Guy, Freddie King, John Lee Hooker, Willy Dixon ó B. B. King. Si bien es cierto que me gustaba no le prestaba la suficiente atención. Fue entonces cuando me enteré de que una conocida emisora de radio estaba promoviendo una serie de conciertos, y uno de ellos iba dedicado al género del blues, y para la ocasión habían conseguido traer para tocar en el mísmo día a Johnny "Guitar" Watson, Jeff Healey y B. B. King. Decidí pues hacerme con una entrada para asistir a aquel concierto, había dos precios 2.500 y 3.500 de las antiguas pesetas, evidentemente me hice con la de 2.500 pesetas, pues por entonces era lo que me permitía mi bolsillo.

     El días 5 de julio de 1993, a media tarde allí estaba yo en el interior de la plaza de toros de Las

Ventas, la verdad es que no sabía que esperar, pues si bien es cierto que lo que había escuchado me gustaba, pensaba que en mi corazón sólo había hueco para el rock (y el flamenco que he mamado desde bien pequeño). Abrió aquel concierto un desconocido canadiense (para mí), Jeff Healey con su banda, un bluesman  ciego que tenía una peculiar forma de tocar la guitarra, sentado con ella apoyado sobre sus rodillas. Una técnica que no había visto yo por entonces nunca, me impresionó, y más me gusto su concierto, tema tras tema tocando con una agilidad y una facilidad increíbles. De momento la cosa iba bien, se estaba confirmando que mis escarceos con el blues eran acertados. En siguiente lugar tenía que salir  Johnny "Guitar" Watson, pero al parecer B. B. King solicitó hacerlo él pues si salía el el último sería muy tarde para él debido a su edad, no olvidemos que en ese año B. B. sólo tenía 68 años, casi nada. Solucionado esto el segundo fue B. B. pero me  lo voy a dejar para el final y voy a hablar de Johnny, el cuál apareció en último lugar en el escenario y regaló a los presentes un torbellino de temas que se fundían entre el pop y soul, el blues y el funky, un gran cierre de concierto.

     Retomo ahora cuando Jeff Healey abandonó el escenario y los pipas y demás personal preparaban el escenario para la salida de B. B. King. LLegado el momento apareció en el escenario acompañado de la gran cantidad de gente que componían su banda, bajista, batería, sección de viento, coristas, etc. Una vez preparado todo comenzó su primer tema de la noche y la banda empezó a tocar, y B. B. empezó a tocar sus primeras notas, fue en ese preciso instante cuando esas notas, el sonido de guitarra más puro y limpio que había escuchado en mi vida atravesaron mi corazón como un estilete y quedaron grabadas a fuego en mi corazón, me acababa de enamorar de B. B., del blues, de su forma de tocar. Desde ese preciso instante ya había un hueco reservado en mi corazón para el Blues.

     Riley Ben King, más conocido cómo B. B. King nació en 1925 en Itta Bena, Misisipi (Estados Unidos), sus padres se separaron cuando el tenía unos cinco años, y esto sumado al hecho de que su madre no disponía de demasiados medios para cuidarlo y que fallecío cuando el tenía 9 años B. B. fue criado prácticamente por su abuela materna. Creció cantando en el coro de la iglesia baptista de Kilmichael, lugar dónde se crió,  y a los doce años compró su primera guitarra por unos quince dólares.

     En 1943 B. B. abandonó Kilmichael para trabajar cómo conductor de tractores y comenzó a tocar

la guitarra con el grupo Famous St. John's Quartet. Es en ese momento cuando comenzó la carrera de B. B. King. Lo que pasó a partir de aquí con B. B. King, en que se convirtió y la importancia que tuvo para la divulgación y la expansión del blues es de sobra conocido. Un ejemplo de la importancia de la música de B. B.: En 1964 edita el disco en directo "Live at The Regal", grabado el 21 de noviembre en el Theatre de Chicago, considerado cómo uno de los mejores álbumes de blues jamás grabados, del cuál se conserva una copia original en Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso en los Estados Unidos.

     El disco recomendado para la ocasión es Completely Well, editado en 1969, es el decimoséptimo álbum de estudio que B. B. sacaba al mercado, disco fundamental, que contiene 9 temazos, entre los que se encuentran la maravillosa obra The Thrill Is Gone, tema que fue escrito por el bluesman Roy Hawkins en 1951. Por entonces B. B. trabajaba cómo

DJ en una emisora de radio de Menphis y solía tocar en directo el tema, un tema que habla de una relación sentimental que no ha salido bien. King tuvo que grabar varias veces el tema, pues no le convencía el resultado, hasta que quedó satisfecho con él. Un tema que supuso su primer gran éxito tanto en las listas cómo en las ventas.

     Completely Well, un gran disco del maestro B. B. King al cuál quiero dar las gracias por haber hecho que me enamorara del Blues,

Gracias B. B.

Rock Nacional Argentino: Virus

Virus

Una nueva entrega del rock nacional les he preparado para que podemos compartir, vamos hablar de una banda que influencio a la escena del Pop Rock argentino por su estilo vanguardista de la época.

Sus orígenes a comienzo de los años 80 en la ciudad de La Plata - provincia de Buenos Aires, con el característico género de música divertida con críticas a la clase política y a la sociedad de esa época, sin más preámbulos les presento a Virus conformada originalmente por los hermanos Moura, Federico, Marcelo y Julio Moura, los acompañarán en esta primera formación del grupo los hermano Serra Ricardo y Mario y por último a Enrique Mugetti.

Virus Vivo el sexto álbum y
primer disco en vivo 

Los hermanos Moura junto a Virus producirán su primer disco a finales de la dictadura militar en diciembre 1983 "Agujero Interior" que les dará el salto a la masividad, pero la banda tiene sus primeras bajas, se aleja Ricardo Serra de la banda y fue reemplazado por Daniel Sbarra.

La banda tras el cambio, también da un vuelco en su música, introduce más sintetizadores  y teclados en sus canciones, y en 1984 saca su segundo álbum llamado "Relax".

La fama de la banda hace que un año más tarde de salir Relax, vuelva a editar un nuevo álbum llamado Locura, y correr ya el año 1985.

Los años siguientes la banda se embarcará en una gigantesca gira por latinoamericano que incluirá Perú, Chile entre otros países. 



Álbum Locura

Finalizada la gira Virus logra sacar nuevamente un disco de estudio llamado Superficies de placer en 1987, costará mucho grabar este disco, tras una fuerte neumonía de Federico y estar enfermo varios meses un médico de la época le recomienda hacer un test de HIV, el cual da positivo, esto provoca un shock en la banda, lo que hace que Federico deje Virus, pero ordena al resto de la banda a seguir y su hermano Marcelo pasa a ser el vocalista.

Pero hasta acá no hemos escuchando nada, por ello los invito a descubrir sus canciones.

Una luna de miel en la mano
https://youtu.be/XLSR7rqjilU

Imágenes paganas

https://youtu.be/9UY8kqV7KgE

Pronta entrega

https://youtu.be/t8KM7ktgwPE

Podemos decir que Virus es la primera banda de rock que se valió de la tecnología para desarrollar su música.

Federico Moura

Y su influencia ha aportado mucho al rock, fue productora de otras bandas de rock, por ello cabe destacar que Federico Moura fue quien produjo el álbum debut de otra gran banda de rock que es Soda Stereo.

Ambas bandas compartirán escena más adelante en un homenaje a Federico Moura en una agrupación que llamarían Vida (Virus + Soda), interpretando canciones de ambos grupos.

Amor descartables (Virus)

https://youtu.be/uPDUCGoXFEQ

Prófugos (Soda)
https://youtu.be/TXIqO7F5EXE

Tras la muerte de Federico Moura en 1988, la banda continuo su camino ahora como vocalista su hermano Marcelo como lo habría pedido Federico. 

En 2015 editarán "30 años de locura" donde la banda rememora sus canciones y el recuerdo de Federico sigue presente en cada momento de este nuevo disco. 

Virus ya es parte de la historia del rock argentino, y para mi que he tenido la suerte de escucharlos será parte de mi historia como espectador.

Daniel
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La música en historias: El tema repetido

Dirty Deeds Done Dirt Cheap

     En esta ocasión voy a centrarme en la formación australiana AC/DC y por qué uno de sus temas, Problem Child, se repite en dos de sus discos editados.

     En 1976 la formación australiana edita su tercer álbum de estudio, Dirty deeds Dont Dirt Cheap, si bien fue el segundo que lanzaban internacionalmente. En el listado de temas del disco podemos encontrar Problem Child (Niño problemático), un tema que compusieron Malcolm y Angus Young junto con Bon Scott, un magnífico tema donde la letra se centra en un chico malote, lo que viene a ser un macarra que va por la vida buscando problemas, aquello que se le antoja lo consigue, si no es de una manera será de la otra, pero lo consigue.

Top this

I'm hot

And when I'm not

I'm cold as ice

Get out of my way

Just step aside

Or pay the price

What I want I take

What I don't I break

And I don't want you

With a flick of my knife

I can change your life

There's nothing you can do

I'm a problem child

I'm a problem child, yes I am

I'm a problem child

And I'm wild

Make my stand

No man's land

On my own

Man in blue

It's up to you

The seed is sown

What I want I stash

What I don't I smash

And you're on my list

Dead or alive

I got a .45

And I never miss

Oh I'm a problem child, yeh

I'm a problem child, owh

I'm a problem child

Desperate and wild

Just watch you step

Every night

Street light

I drink my booze

Some run

Some fight

But I win they lose

What I need I like

What I don't I fight

And I don't like you

Say bye bye

While your still alive

Your time is due

'Cause I'm a problem child, owh

I'm a problem child

I'm a problem child

I'm a problem child

Problem child

I'm a problem child, my mother hates it

I'm a problem child, oh he

I'm a problem child

Hey yeah problem child

Whoa problem child

Problem child

Problem child

     

     Unos meses después, ya en 1977 editan el cuarto álbum de estudio, Let There Be Rock,  álbum que en un principio sale a la venta en Australia y posteriormente  se acaba comercializando fuera del mercado australiano.

 Un álbum con el que la banda australiana se acabó consolidando dentro de la élite de rock mundial gracias a temas cómo Let There Be Rock, Whole Lotta Rosie ó Hell ain't a Bad Place to Be. 

     En un principio en la edición australiana, aparacía el tema Crabsody In Blue (Cangrejo en Azul), un blues escrito por los hermanos Young y Bon Scott donde el grupo trata de forma humorística e irónica el hecho de practicar sexo sin protección, de ahí que la letra se refiera metafóricamente al hecho de "obtener cangrejos". El disco en principio como comenté anteriormente fué lanzado en Australia bajo el sello  Albert Records, si bien unos meses después el sello Atlantic Records sacaría una edición modificada para su lanzamiento internacional.

Well they move on down an they crawl around

Walkin sideways, sideway walkin give me the blues

And you start to scratch, when they start to hatch

Walkin sideways, sideway walkin give me the blues

Oh but when they start to bite then it's time you saw the light for an appointment, I know

Before you start to scream that's when you apply the cream blues ointment, come again

Well the doctor said "We got to make'em dead"

walkin sideways, sideway walkin give me the blues

An when you start to scream that's when you apply the cream blues ointment, yeah

And when they start to itch you go out and you take the b*tch

for an appointment

Well you rub it on and you rub it in

Stops them walkin sideway walkin gives them the blues

Sideway walkin sideway walkin they got the blues, give them the blues they got the blues, give them the blues

     Para la edición que se editó fuera del mercado australiano procedieron a eliminar del listado de temas Crabsody in Blue y lo sustituyeron por Problem Child, tema editado en el anterior álbum, si bien esta vez lo acortaron y tenía una duración menor que el original editado en Dirty Deeds Done Dirt Cheap.

     Y la cuestión es: Sabiendo que las letras de los temas del grupo contenían un alto voltaje,

¿Fueron los miembros del grupo los que decidieron prescindir del tema y sustituirlo porque habían llegado demasiado lejos, o por el contrario tuvieron que ceder por presiones de la poderosa discografica Atlantic Records?

Let There Be Rock

Rock Nacional Argentino: Los Gatos

Los Gatos

Hola amigos del rock, espero que aquí comience una gran amistad con todos Uds., pero antes quiero agradecer la oportunidad que me han dado de ser parte de este impresionante desafió que es 7dias7notas.

Y así como una botella perdida en el mar, llevando un mensaje dentro a la espera de ser leído, espero que descubran todos Uds. nuevas historias del rock nacional.

Y como todo tiene una comienzo, comenzaremos hablando de quienes fueron los precursores del rock en Argentina, una de las tantas bandas de rock de la cual tenemos que estar agradecidos, por ser los primeros que han dado forma a lo que hoy conocemos como rock nacional.

Hablaremos de la mítica banda de rock "Los Gatos", sus orígenes se remonta a la década '60, más precisamente el año 1967, provenientes de la ciudad de Rosario, Provincia de Santa fe con un look característico de la época, fueron los primeros en cantar rock en español y los primeros en componer sus propias canciones.

Sus dos primeros éxitos fueron La Balsa y Ayer nomas, La balsa se podría decir que fue la canción fundadora del movimiento del rock, fue escrita 1967 en un momento complicado de la historia Argentina, no podemos dejar de mencionar la historia ya que el rock nacional lleva la historia grabada a fuego, un año antes comenzaría el régimen militar del año 1966, y en el plano internacional la cosa no estaría mejor, la guerra fría daba sus pasos y el Che Guevara sería asesinado en Bolivia.

En Argentina comenzaría una revolución cultural de los artistas del rock, quienes sufrirán la persecución de un régimen militar impuesto, pero dejemos de lado por ahora la historia y escuchemos esos inicios.

La balsa
https://youtu.be/a6Ix1l359i4

Ayer nomas
https://youtu.be/VciJxfE0ONo

Placa en el Bar La Perla del barrio de Once
 donde Nebbia y Tanguito
han compuesto La balsa

Litto Nebbia y José Alberto Iglesias alias Tanguito fueron los autores del "La balsa" y parte del grupo de Los Gatos, pero no estuvieron solos en esta movida del rock nacional, eran parte de un grupo de artistas que frecuentaban la noche porteña, y se juntaban en diferentes bares, uno de ellos La Perla en el barrio porteño del Once, donde fue compuesta la canción "La balsa", todos estos artistas más adelante llegarán con nuevas propuestas musicales, entre ellos se encontraban Miguel Abuelo que formaría la banda Abuelos de la Nada, Pappo Napolitano que formaría parte de Los abuelos de la nada y luego con el tiempo sería parte de Riff, Oscar Moro quien formaría parte de Los Gatos y también sería parte de Serú Girán otra de las bandas más importante de la historia de la cual seguro hablaremos y podríamos seguir nombrando más artistas de rock, pero me quedaría sin próximas historias que contar.

La historia se ha escrito con las palabras de quienes han vencido y no con los que la han vivido, por ello trato de entender que pasaba en esa época, más allá de los textos de historia del colegio donde no me han contado la historia del rock, sino simplemente me han hablado de historia, pero creo que la verdadera historia está escrita tras las letras de las canciones, la historia que nos han contado y nos seguirá contando esas canciones, o al menos eso quiero creer, ya que no quiero una historia bien contada, quiero la historia de sus protagonistas.

Patricio Rey y sus redonditos de ricota - Vencedores vencidos
https://youtu.be/dN40iL0Qy5c

Pedro y Pablo - Marcha de la bronca
https://youtu.be/FqB4vZupsPQ

Los twist - Pensé que se trataba de cieguitos
https://youtu.be/U0EcmseuV60

León Gieco - todo está guardado en la memoria
https://youtu.be/NCpg230B4M8

Por todo esto a llegado el tiempo del rock, y en él como suelo decir mi tiempo como espectador.

Daniel
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El disco de la semana 121: Depedro - Todo va a salir bien

Me han asignado la difícil tarea de hablar de un disco y un intérprete de los que conocía poco o nada hasta el momento de escucharlos. Están sonando las últimas notas de "Miguelito", última canción del disco, y acabo de superar el síndrome de la "hoja en blanco" diciéndome a mí mismo que "Todo va a salir bien".


Hablamos de un disco "aniversario", celebración de 10 años publicando trabajos, y sin embargo en lo que se refiere a Depedro yo debo haber hecho un "Walt Disney", un estado de aparente hibernación que, por una razón u otra, me ha llevado a desconocer su trayectoria y sus canciones. Pero esta privación sensorial afortunadamente ha terminado hoy con las primeras notas de "Hombre Bueno", canción de sonido cuidado y toques de cantautor, en la que la sección de viento le da un leve toque a blues. Como curiosidad, contiene la frase que da título a esta colección de canciones.

Hablamos también de un disco recopilatorio, sin llegar a serlo realmente porque las canciones han sido interpretadas y grabadas de nuevo en semi-directo (la banda tocando en directo pero sin público y haciendo varias tomas de cada canción) en el Estudio Uno de Colmenar Viejo durante dos días completos, y porque incluye algunos temas nuevos como la pintoresca "Flores y Tamales", a medio camino entre la canción de autor y una tonada de tintes cubanos.

Y sobre todo hablamos de un disco de "duetos", de canciones revisitadas con colegas de profesión, como la magnífica "Déjalo ir", acompañado de Coque Malla, que ya sabe lo que es hacer un disco en parecidas circunstancias con su disco "Mujeres", que coincide bastante con este disco en metodología de grabación y en contenido (canciones revisitadas en directo y con una larga lista de invitados).


Y larga es también la lista de colaboradores / colegas invitados a participar para que "todo vaya bien": Luz Casal, Santiago Auserón, Fuel Fandango, Izal, Amparanoia, Amparo Sánchez, Camilo Lara, Vetusta Morla o el ya mencionado Coque Malla prestan sus voces y su talento para aportar un toque diferente a las grandes canciones de Depedro.

El toque a canción de autor y el tono melancólico se mantienen presentes en temas como "Tu mediodía" o "Como el viento" (dónde hace su aparición estelar Santiago Auserón).


Tras un breve pero intenso recorrido por "Panamericana", la carretera de 48.000 km que une Buenos Aires y Alaska, aún me quedan fuerzas para seguir el camino de la mano de una Luz Casal que es pura emoción en la voz en "Te sigo soñando", uno de los momentos cumbre del disco.

Y el viaje sigue, del toque country de "La memoria" al regusto popular de "La llorona" con Fuel Fandango, para llegar a la orilla del segundo tema nuevo de esta colección: "Por qué, cómo y cuándo". La vuelta al formato colaboración nos trae a la palestra a Vetusta Morla. El tema "Diciembre" tuvo el privilegio de ser el tema de lanzamiento, sabia elección porque es una de las mejores canciones del disco. 

Con "Vidas autónomas" se cierra el capítulo de los temas nuevos, pero es el primero de éstos en los que tienen cabida las colaboraciones, por partida doble con la presencia de Camilo Lara y Amparo Sánchez (Amparanoia). Le sigue una correcta "¿Hay algo ahí?" para la que la única respuesta posible es: "Claro, hay un saxofón al final del tema que es una maravilla". Casi sin respiro arranca otro gran tema de la mano de Izal, soplando fuerte para que se muevan en el horizonte las "Nubes de papel".

Y montado en una nube (de papel) he llegado al final del disco, al momento y la canción con los que comenzaba esta reseña (Están sonando las últimas notas de "Miguelito", última canción del disco y acabo de superar el síndrome de la "hoja en blanco"...).

Desconozco si Depedro tuvo, en alguno de los 10 años de carrera que resume este disco, ese dificil momento en el que las ideas y las palabras no salieron ante la hoja en blanco, antes de empezar a crear alguna de estas grandes canciones. Si le ocurrió, es evidente que lo superó animándose a sí mismo con un contundente "Todo va a salir bien".

Canciones que nos emocionan: Rose Tattoo, Dropkick Murphys

Signed and Sealed in Blood - Dropkick Murphys

     En esta ocasión para hablar de otra de esas canciones que nos emocionan y nos ponen los pelos de punta cruzamos el charco y nos detenemos en Nueva York, allí se fundó Dropkick Murphys en 1996, banda que combina varios tipos de sonido como punk rock, folk, folk rock, rock o hardcore. Los integrantes del grupo proceden de los barrios de trabajadores inmigrantes irlandeses de Boston, y tienen variadas influencias como The Pogues, The Clash o AC/DC, lo que da una idea de su variedad de sonido.

Sobre el origen del nombre según uno de los integrantes de la banda, Dropkick viene de un centro de rehabilitación de alcohólicos y Murphy era la persona que se encargaba de ir rescatándolos de las calles.

     En el año 2011 el grupo saca a la luz su séptimo álbum de estudio llamado Going Out In Style, y durante la gira de dicho álbum el grupo va componiendo material para su siguiente disco, que vería la luz en el año 2013 y se llamaría Signed and Sealed in Blood, donde aparece el tema en el que nos vamos a detener hoy, Rose Tattoo, si bien este tema ya lo tocaron durante esa gira mientras se encontraban en tierras europeas.

The pictures tell the story

This life had many shades

I'd wake up every morning and before I'd start each day

I'd take a drag from last nights cigarette

That smoldered in it's tray

Down a little something and then be on my way

I traveled far and wide

And laid this head in many ports

I was guided by a compass

I saw beauty to the north

I drew the tales of many lives

And wore the faces of my own

I had these memories all around me

So I wouldn't be alone

Some may be from showing up

Others are from growing up

Sometimes I was so messed up and didn't have a clue

I ain't winning no one over

I wear it just for you

I've got your name written here

In a rose tattoo

In a rose tattoo

In a rose tattoo

I've got your name written here

In a rose tattoo

This ones for the mighty sea

Mischief, gold and piracy

This ones for the man that raised me

Taught me sacrifice and bravery

This ones for our favorite game

Black and gold, we wave the flag

This ones for my family name

With pride I wear it to the grave

Some may be from showing up

Others are from growing up

Sometimes I was so messed up and didn't have a clue

I ain't winning no one over

I wear it just for you

I've got your name written here

In a rose tattoo

In a rose tattoo

In a rose tattoo

I've got your name written here,

In a rose tattoo

In a rose tattoo

In a rose tattoo

I've got your name written here

In a rose tattoo

This one means the most to me

Stays here for eternity

A ship that always stays the course

An anchor for my every choice

A rose that shines down from above

I signed and sealed these words in blood

I heard them once, sung in a song

It played again and we sang along

You'll always be there with me

Even if you're gone

You'll always have my love

Our memory will live on

Some may be from showing up

Others are from growing up

Sometimes I was so messed up and didn't have a clue

I ain't winning no one over

I wear it just for you

I've got your name written here

In a rose tattoo

In a rose tattoo

In a rose tattoo

I've got your name written here,

In a rose tattoo

In a rose tattoo

In a rose tattoo

With pride I'll wear it to the grave for you

In a rose tattoo

In a rose tattoo

I've got your name written here,

In a rose tattoo

In a rose tattoo

In a rose tattoo

Signed and sealed in blood I would die for you

        Rose Tattoo es un tema de corte folk rock, y al comenzar a sonar me parece estar en la típica taberna irlandesa delante de una buena pinta. La letra está inspirada en los tatuajes que tiene por todo su cuerpo el bajista del grupo Ken Casey, tatuajes en los cuales cada uno tiene su propio significado, fechas, horarios, cosas que son importantes para él, familia, personas que desgraciadamente ya no están con él, cosas que según el han sido importantes en su vida y que ha querido documentar a través de los tatuajes. Y entre todos esos tatuajes, en uno de sus brazos se encuentra el tatuaje de una rosa, la rosa a la que se refire la canción, un tatuaje que Casey se hizo en honor a su abuelo, pues fue el que se ocupó de él y le crió después de la muerte de su padre, y del cuál aprendió muchísimo y le enseñó la mayoría de las cosas que le hacen ser quien es ahora. Cuando está bajo de ánimo Casey que mira el tatuaje y su estado de ánimo cambia automáticamente pues recuerda a su abuelo y lo fuerte que era.

     Rose Tattoo se volvió a grabar en abril del año 2013 con motivo del atentado de la maratón de Boston en honor a las víctimas para el Boston Charity EP, esta vez en la grabación aparecen las voces de diversos invitados entre los que se encuentra la voz de Bruce Springsteen, esto hizo que esta versión alcanzara el puesto número 25 en el Billboard Hot Rock Songs chart de Estados Unidos.
      
     Rose Tattoo, un tema que rezuma el sonido de los origenes del grupo y que nos cuenta una historia real a través de un simple tatuaje, una gran historia para un tema todo inspiración.