Guns N' Roses - Lies (Mes Guns N' Roses)

El primer álbum de Guns N' Roses, Appetite for Destruction (1987), es sin duda uno de los debuts de larga duración más espectaculares de la historia de la música, no solo porque es el álbum debut más vendido de todos los tiempos, sino también considerando que es la razón de la mayor parte del legado de Guns N' Roses como una de las bandas absolutamente más queridas e influyentes que jamás haya existido. Pero la banda tardaría cuatro años en seguir realmente su debut con el grandioso tema de dos partes Use Your Illusion. Mientras tanto, entregaron a los fans un pequeño aperitivo resultado de juntar dos EP de cuatro pistas con sonidos muy diferentes para formar lo que se conocería como su segundo álbum Lies. Que también parece ser un álbum que solo ha sido de interés para los fans acérrimos. Cuando salió Appetite for Destruction yo tenía 15 años y, soy un adolescente que vive en una época en la que se lanza mucha música influyente. Con 16 años sigues como loco por ver lo que te pueden dar ese grupo, lo que no esperas es que, para su segundo álbum, se recluyan en un refugio de montaña y pases años jugando con la cosa hasta que la gente quiera escucharla solo para ver lo mala que es. En su lugar, se espera que regreses al estudio y trabajes en algo, sin importar la calidad, y luego posiblemente continúes haciendo tu obra maestra (si no te separas o mueres primero). A estas alturas, yo no me había dado cuenta de que Guns n' Roses no era precisamente una banda que le preocuparan esas cosas.

Comienza con el EP con "Reckless Life" una melodía punk de ritmo rápido que se trata de vivir el sueño salvaje del rock and roll, mientras que "Move to the City" ralentiza un poco el tempo con el tipo de música rock más funky que Guns dominaría más tarde mejor que nadie ha sido capaz de hacerlo. Y luego están la versión de "Nice Boys" de la banda australiana Rose Tattoo y la versión de "Mama Kin" de Aerosmith, la banda a menudo citada como una de sus mayores inspiraciones. El segundo EP presenta canciones de 1988 grabadas casi en su totalidad con instrumentos acústicos. Y la primera canción es "Patience", que es mi mayor favorita entre las baladas de la banda... 

"Don't Cry" (que saldría tres años después) podría ser más bella en melodía, pero "Patience" es definitivamente la mejor canción: los primeros 50 segundos con solo guitarras y silbidos valen por sí solos todas las escuchas repetidas. La segunda canción, "Used to Love Her", supuestamente se basó en una broma interna dentro de la banda, lo que probablemente explica el contraste absurdo entre los ritmos alegres y el canto, y las letras ligeramente perturbadoras. Este álbum también presenta una versión alternativa de "You're Crazy" de su álbum debut. Y aunque ese fue tocado de una manera rápida y enérgica, es la versión más lenta y relajada que se escucha aquí que se ha dicho que es la forma en que realmente pretendían que sonara desde el principio. 

Y luego está la última canción que es más conocida por su controvertida letra donde Axl ataca a los "maricas" y "niggers" entre otros, lo que resulta en cosas como "One in a Million" siendo la única canción de los primeros cuatro álbumes de Guns que nunca tuvo se ha realizado en vivo, por lo que he oído. Sin embargo, no creo que busquen ofender, saber que Axl es/era un gran admirador de artistas como Freddy Mercury y Elton John, y que su propio compañero de banda, Slash, es mitad afroamericano, hace obvio que era nunca una expresión de sí mismo como homófobo o racista. 

Puedo decir que a la edad de 16 años, estaba contento cuando salió este álbum, y a la mayoría de los que nos gustó G n 'R nos gustó Lies .. Al escucharlo de nuevo después de todos estos años, todavía encuentro que es un lanzamiento que vale la pena. Mostraba una banda abrumada por su repentino estrellato que era mucho más versátil de lo que la gente creía originalmente, amo casi todas las canciones aquí, y las pocas que no AMO, realmente me gustan, al menos. Pero al mismo tiempo, no puedo evitar dejar que mi opinión general se sienta un poco molesta porque se trata de dos EP completamente diferentes que en realidad no están hechos el uno para el otro. 

Y es por eso que no está bien colocar Lies junto a discos coherentes y brillantes, puede que se encuentre para siempre en las sombras tanto de su predecesor como de los dos álbumes posteriores, pero en mis oídos es un documento tan importante como esos otros, de la increíble magia que poseía Guns N' Roses en los seis años transcurridos desde 1986 a 1992.

Disco de la semana 335: The Silent Force - Within Temptation

 

The Silent Force, Within Temptation

     The Silent Force es el tercer álbum de estudio de la banda de metal sinfónico originaria de Países Bajos Within Temptation. Este trabajo fue grabado entre mayo y agosto de 2004 en varios estudios de Países Bajos, Bélgica y Rusia, bajo la producción de Daniel Gibson y Stefan Helleblad, y publicado el 11 de noviembre de 2004. En el Reino Unido fue publicado en agosto de 2005. El sello discográfico GUN Records se encargó de su distribución en Europa, mientras que Roadrunner Records lo hizo para el resto del mundo.

Este disco fue el primero en presentar a Ruud Jolie en la guitarra principal y a Martijn Spierenburg en los teclados, acompañando a Sharon de Adel (voz), Robert Westerholt (guitarra rítmica), Jeroen van Veen (bajo) y Stephen van Haestregt (batería).

The Silent Force fue concebido en un época lleno de acontecimientos que cambiarían el paso de la banda. Después del lanzamiento de Mother Earth (2000), el grupo grupo consigue una gran repercusión y éxito comercial, hecho que hace que el grupo empiece a notar la presión y se sienta vulnerable, ya que hasta entonces tocar música era principalmente un pasatiempo para sus miembros. A esto se suma la firma a un sello más potente, pues abandonan el sello discográfico independiente DSFA, con el que no acaban muy bien, y firman con los alemanes GUN Records.

El grupo ingresa en el estudio en verano de 2004 para la grabación del álbum, la escritura y composición les llevo entre cuatro y cinco meses, y la grabación 2 meses. El hecho de entrar en el estudio a las 9 de la mañana y salir a las 11 de la noche, unido a la propia oscuridad del estudio, hizo que un sentimiento oscuro y sombrío se apoderara de la banda. Para la grabación, el grupo contó con la colaboración de una orquesta de 80 musicos y de un coro ruso, y en cuanto a las letras, el disco se inspiró en la fantasía, la literatura y la vida personal de los miembros de la banda. El título, The Silent Force, se refiere a las fuerzas que a veces llevan  las personas a hacer ciertas cosas, fue tomado de un libro de principios del siglo XX de un escritor de Países Bajos, llamado Louis Couperus, y todas las canciones están de alguna manera conectados con el libro. En el plano comercial, el disco funcionó muy bien, obteniendo críticas en su mayoría favorables, lo que ayudó al grupo a aumentar su popularidad fuera de Países Bajos.

El bajo estado de ánimo de la banda se nota durante el proceso de escritura del disco, y se ve reflejado en el tono oscuro que rodea todo el álbum. El hecho de estar en un sello más potente se nota, más dinero y medios que permitieron al grupo lanzarcuatro vídeos para la promoción del álbum, correspondientes a Jillian (I'd Give My Heart), una hermosa y melódica balada que trata sobre un serie de telenovelas de fantasía llamadas Deverry Cycle, de Katharine Kerr, y que están ambientadas en la tierra ficticia de Deverry. La canción fue usada para promocionar el DVD en vivo The Silent Force Tour, editado en 2005; Stand My Ground, sin duda uno de los grandes momentos del álbum. Esta canción aborda la agitación política que había en los Paíes Bajos después del asesinato de Pim Fortuyn, hecho que afecto a la banda. Pim Fortuyn fue un político holandés que fue asesinado el 6 de mayo de 2002, nueve días antes de las elecciones generales del país. El grupo, a pesar de no estar de acuerdo con las opiniones políticas de Fortuyn, temían por su propio futuro y el futuro del país; Angels, canción que trata sobre el hecho de que las personas en las que uno confía a menudo luego nos sorprenden y realmente no son tan confiables. Aunque está escrita a través de metáforas, está claramente inspirada en las disputas discográficas que la banda tuvo con su sello discográfico anterior; y Memories, tema que fue lanzado como segundo sencillo del disco. 

Estos cuatro temas anteriores, unidos a otro puñado de buenos temas, redondean  un gran disco. Temas como Pale, una emotiva canción donde  la voz de Sharon den Adel crea un maravilloso ambiente atmosférico. Estamos sin duda ante otro de los grandes momentos del álbum; Forsaken, tema con un enfoque oscuro y pesado que nos habla sobre el abandono, la lucha y la redención, y que combina con mucho acierto guitarras pesadas con una combinación de voces melódicas y guturales; y Aquarius, que aborda la relación entre el amor y el miedo que la cantante Sharon tiene con el océano, un miedo que desarrolló después de ver siendo niña la película Tiburón (1975) de Steven Spielberg.

A pesar del difícil momento en el que fue concebido, The Silent Force fue un hito en la carrera de Within Temptation, ayudando al grupo a llegar a un grupo de audiencia más amplio, y ayudando también a posicionarse como una de las bandas líderes del metal sinfónico. 

Disco de la semana 330: Hail To The Heroes - Girish And The Chronicles

 

Hail To The Heroes, GATC

     En un país donde prácticamente toda la industria cinematográfica y musical se encuentra eclipsado por el mundo de Bollywood, es donde por casualidad encontré una banda que con un estilo comletamente diferente, está llamada, si no se tuerce por el camino, a ser una de las próximas dominadoras de la escena musical del heavy rock: Girish and the Chronicles.

Nos vamos a remontar a la juventud de los hermanos Pradhan, Girish y Yogesh. Según Girish, cuando su hermano Yogesh estaba aprendiendo a tocar la guitarra, él también se puso, y en el poceso descubrió que podía cantar y hacerlo mucho mejor cuando tocaba dicho instrumento. Así es como Girish comenzó en sus inicios a imitar a artistas como Bon jovi, Steven Tyler o Bruce Dickinson, estos dos últimos sus mayores influencias. En aquellos años, un amigo de Girish subió al famoso canal Youtube una versión que este había hecho de la canción I Don't Want To Miss a Thing de Aerosmith. A raíz de aquel vídeo empezaron a llegar comentarios y visitas de todas partes, lo que impulsó a Girish en 2008 a crear su  propio canal de youtube, un canal que ahora es un canal reservado para la banda.

Un año después es cuando nace Girish and the Chronicles, también conocidos por sus siglas, GATC, en la localidad india de Gangtok en 2009. A Girish (vocalista y guitarra rítmica) y Yogesh (bajo), se unen Suraz Sun (guitarra principal) y Nagen Mongrati (batería). Ese mismo año, en 2009, la banda lanza su primer sencillo promocional, Angel, al que segurían una serie de demos y lanzamientos entre 2011 y 2013, principalmente a través del canal Youtube. 

En el año 2014 llegará el primer álbum de estudio de la banda, su disco debut, Back On Earth. En un país donde por entonces Spotify todavía no se había lanzado al mercado indio e iTunes era algo a lo que no todos tenían acceso, únicamente les quedaba el canal Youtube, y sumado al hecho de que la banda estaba más enfocada en las giras, hizo que el grupo no tuviera excesivo interés en lanzar un disco. A principios de 2013, y sin estar seguros como iban a lanzarlo, la banda se muda a Bangalore para grabar el material del que ya disponían desde el año 2012, junto con algún que otro tema compuesto para la ocasión. A mediados de ese año se ponen en contacto con Universal Music India y consiguen llegar a un acuerdo para lanzar el disco debut. Back On Earth no llegó a tener un gran impacto. La banda conseguiría filmar el disco completo más tarde con Music Mojo (Kappa TV) y fue lanzado en Youtube, lo que ayudó a llegar a un público más amplio.

Después de algun que otro single la banda publica su segundo álbum de estudio en 2020, Rock the Highway. Este disco supone un punto de inlfexión de una banda que sigue creciendo y asentandose en el panorama muical. La revista Rolling Stone se llega a hacer eco de este álbum, llegando a decir del mismo que es "puro caos para cualquier fanático del rock y el metal de los 80", y la revista especializada Metalsucks incluyó este álbum en la tercera posición de su lista "Los 15 mejores álbumes de metal de 2020 de Vince Neilstein".

A principios de 2021 la banda firma un contrato con la discográfica Frontiers Records, convirtiéndose en la primera banda india en ser firmada por el sello. Así llega Hail to the Heroes, el disco recomendado para la ocasión, publicado el 11 de febrero de 2022. Con este tercer trabajo la banda demuestra una solida madurez, no han inventado nada, se mueven como peces en el agua en el heavy rock que tantas alegrías nos dio en la década de los años 80 y principios de los 90, pero con una producción adecuada al siglo XXI. Y nos lo van a demostrar durane los 12 temas que componen este disco. Temas como Primeval Desire, con un sonido muy norteamericano, temas más cañeros, como Children Of the Night, con una sección rítmica mucho más pesada que el tema anterior y con un rollo muy trash, Love's Damnation, que sigue una línea muy similar al tema anterior;, el melódico Clearing The Blur y el también rock melódico Lovers Train; Hail To The Heroes, que contiene una pequeña intro, y que es una clara muestra de las influencias del grupo en el hard rock de los 80, Shamans Of Time, donde Girish nos regala una interpreción vocal brutal, o Rock N' Roll Fever, donde cuentan con la colaboración del percusionista norteamercano Chris Adler, el guitarrista Rowan Robertson y del músico Myrone.

Hail To The Heroes, como su propio título indica, es todo un homenaje a los héroes del rock y de los que la banda se ha nutrido e influeciado en su carrera, rock de la vieja escuela de finales de los ochenta y principios de los noventa. El grupo ya se ha ganado el reconocmiento de la industria de la música dentro de su país, y ahora se encuentran en plena expansión fuera de sus fronteras, habiendo compartido escenario ya para grupos como Skid Row, Kamelot o Bonfire, y han sido sido anunciados como teloneros ni más ni menos que de Guns 'N Roses en el Etihad Arena de Abu Dhabi para su concierto el día 1 de julio de 2023. Este mismo año, la banda ha regrabado, mejorando la producción y el sonido, su álbum debut, Back On Earth, y además tienen anunciados cuatro conciertos en nuestro país, en Madrid (6 de julio, sala Revi Live), Burgos (7 de julio, festival Zurbarán Rock), Santander (8 de julio, Escenario) y Cangas do Morrazo (9 de julio, Salason), por lo que si puedes no deberías perderte el gran potencial de esta banda en directo.

Scorpions - Hour I (Mes Scorpions)

 

Humanity Hour I, Scorpions

     Mientras el mes de marzo va llegando a su fin, vamos a despedirlo dentro del ciclo que estamos dedicando este mes a Scorpions, con un álbum conceptual basado en la literatura de autores de ficción como Isaac Asimov y Philip K. Dick. A su vez, estas fueron mezcladas con la visión apocalíptica de humanos y androides del director de arte Liam Carl. Así cocinó Scorpions Humanity: Hour I en 2007, el decimosexto álbum de la banda germana, donde a través de todas esa ideas anteriores crean un cóctel y nos cuentan la historia de los supervivientes al final de la humanidad, y como estos, para organizarse nuevamente deben rescatar los valores más significativos de la raza; el amor, el compañerismo o la amistad entre otros. Según Klau Meine, querían hacer un álbum que estuviera actualizado, con un sonido más moderno pero sin perder la esencia del sonido del grupo. También afirmaba que "No era tanto experimentar, todavía queríamos un disco de Scorpions, pero no tanto un álbum de rock clásico como volver a los viejos tiempos, los años 80. Realmente queríamos que el disco sonara como ahora, en 2007".

Humanity: Hour I es grabado entre octubre de 2006 y febrero de 2007 entre varios estudios, los Little Big Guy Studios, Gentelmen's Club, Glenwood Place Studios, Track Record Studios, The Village y los estudios Record Plant. El disco fue lanzado en Europa el 14 de mayo de 2007 por el sello discográfico RCA / Sony BMG, y en Estados Unidos y Canadá el 28 de agosto de 2007 por el sello discográfico New Door / UME. Según Rudolf Schenker, la intención de este disco es que continuara donde su anterior disco, Unbreakable (2004) lo había dejado. El grupo tenía en mente contar para la producción del disco con Dieter Dierks, pero la cosa no cuajó debido a un desacuerdo sobre el contrato. Durante los conciertos del grupo en 2006, el grupo invitó a varios productores a venir a Alemania para una entrevista, pero los miembros de la banda no estaban muy contentos con lo que los productores ofrecían, por lo que al final eligieron al productor y compositor estadounidense Desmond Child y al productor, músico, compositor, cantante, ingeniero de sonido y mezclador estadounidense James Michael.

A finales de 2006, concretamente en octubre, la banda se trasladó a Los Ángeles para comenzar a grabar el material que comprendería este álbum. Estuvieron trabajando durante mes y medio en la grabación de pistas básicas para el disco. El grupo había llegado allí con 30 canciones ya escritas y poco después comenzaron el proceso de composición. Muchas de esas canciones tenían un tono demasiado oscuro desde el punto de vista lírico, por lo que optaron por eliminar muchas de esas canciones más oscuras y trabajar en temas más optimistas. Para que las canciones encajaran en el concepto del disco, los compositores tuvieron que reescribir las letras y los coros de las canciones. En el periodo comprendido entre octubre de 2006 y febrero de 2007 la banda consiguió grabar trece canciones, de la cuales fueron incluidas en el Humanity: Hour I. Una vez terminado el proceso de grabación, la banda comenzó inmediatamente la gira promocional, y dado que en ese periodo el material aún no estaba mezclado, el grupo tuvo que colaborar con Desmond Child a través de Internet en el proceso de mezcla, y para hacerlo tuvieron que descargar todo el álbum, obtener el sistema de altavoces apropiado y luego enviar comentarios a Child a través de la red. 

La portada del disco presenta a un robot humano con el logotipo de Scorpions en la parte posterior de su cuello. El disco recibió en general muy buenas críticas, destacando que el disco mostraba a una banda potente y poderosa como antaño, que su creatividad y musicalidad estaba aún intacta o que las ondas de la radio necesitaban mucho a Scorpions. Hay quien incluso catalogó este álbum como el mejor del grupo germano desde Crazy World (1990). Tampoco se libró de alguna que otra crítica negativa, hay quien afirmó que el disco sonaba más como si hubiera sido escrito para Aerosmith en vez de para Scorpions, o que era un disco plano y sin complicaciones. 

Humanity: Hour I me parece un disco más que interesante, nos encontramos ante un disco conceptual en el que curiosamente las canciones no están conectadas entre sí. Según Klaus Meine: "Es conceptual en el sentido de que 'Humaniti' es como un tema global que ronda y se repite a lo  largo de todas las canciones, pero no es conceptual en el sentido de que cada canciónestá conectada entre sí, como si fuese una historia". En cuanto al sonido, todo está en su sitio y se nota en el equilibrio que logran mantener entre el sonido nu metal y las melodías de los años 80 que tan bien saben manejar. Encontramos colaboraciones como la del multinstrumentista, compositor, cantante y fundador de The Hooters, Eric Bazilian, que toca la  guitarra en Love Will Keep Us Alive, o la de Billy Corgan (The Smashing Pumpkins) colaborando en las voces en The Cross. La banda suena compacta y contundente y Klaus Meine está a la altura, como podemos comprobar en temas como The Game of Life o We Were Born to Fly, temas que nos recuerdaa a esa poderosa banda de los 80 cuando estaban en pleno apogeo. Quizás uno de los momentos más planos del disco sea The Future Never Dies, donde el piano acústico de esta balada no es suficiente para hacerla despegar. Pero no importa, no deja de ser anecdótico, pues las guitarras de Matthias Jabs y Rudolf Schenker en You're Lovin' Me to Death hace que no enganchemos de lleno, en 321, un tema de corte nu metal, las melodías y el estribillo te contagia, o The Cross y Humanity, que se mantienen en una gran línea y hacen de este disco más que recomendable su escucha.

Scorpions - Crazy World (Mes Scorpions)

 

Los años 90 no fueron buenos para el Hard Rock y el Heavy Metal clásicos, pero el comienzo de esta década fue al menos decente para esos géneros, albumes como Painkiller de Judas Priest y el quinto álbum homónimo de Metallica representaban el Metal melódico mientras la escena del Metal extremo se estaba desarrollando. Pero ¿qué pasa con el metal comercial? Ya sabes, ¿todas esas bandas Glam? Bueno, eso es algo interesante porque algunos de ellos estaban desapareciendo debido a la llegada del Grunge y algunas bandas lograron sobrevivir debido al cambio de estilo. Scorpions comenzó esta década bastante bien desde el punto de vista comercial cuando lanzaron un álbum recopilatorio en 1989 y obtuvieron éxito en las listas de éxitos con los sencillos Wind of Change y Send Me an Angel. Crazy World será recordado por sus sencillos principales que mencioné antes y no es algo malo para la banda porque obtuvieron mucho dinero debido a esos éxitos, pero ¿qué pasa con los fans? Seguramente fue una especie de decepción ver a una banda de Metal que alguna vez fue brillante escribir estas pistas de relleno.

 

Comenzando el álbum, “Tease Me Please Me” es un rockero puro al estilo de los ochenta con riffs buenos y profundos y una voz majestuosa del cantante principal Klaus Meine, el coro de la canción tiene un gancho pegadizo con acentos rudimentarios, una apertura divertida con un riff genial, un trabajo de guitarra desagradable, la voz arenosa de Klaus y, en general, pegadizo como el infierno, es puro rock & roll sucio. "Don't Believe Her", sigue en la misma línea que el tema de apertura, de hecho, esta canción es tan similar que podría ser la segunda parte de una suite de varias partes (que no lo es), con los mismos compositores, no es algo para destacar, pero sigue siendo una canción divertida y optimista, aunque el coro es bastante débil. “To Be with You in Heaven” comienza con un simple golpe de batería de Herman Rarebell junto con una creciente retroalimentación de guitarra antes de que los dos instrumentos unan sus fuerzas al unísono, moderada y metódica en todo momento. Pensé que iba a ser una balada, pero es demasiado optimista y demasiado rockera para serlo. Rarebell tiene un ritmo de percusión como base para la canción, el gancho esta en que tiene esas letras románticas que esperarías de una balada y Klaus las ejecuta impecablemente, pero no es una balada con ese trabajo de guitarra dual de Jabs y Schenker. “Wind of Change” fue escrita únicamente por Meine y es el verdadero clásico de este álbum (sin mencionar uno de los clásicos del rock de todos los tiempos), la introducción silbante de la canción está acompañada por una combinación perfecta de una guitarra acústica y dos guitarras eléctricas de Matthias Jabs y Rudolf Schenker. Puede ser la canción por la que todos conocen al grupo, la letra surge a raíz de la caída del Muro de Berlín y pronostica un cambio similar en Rusia (que en realidad sucedió al año siguiente, justo cuando la canción estaba en su apogeo). “Wind of Change” tiene el récord del sencillo más vendido de un artista alemán, encabezando las listas en siete países de todo el mundo (incluida Alemania) y alcanzó el Top 5 tanto en los EE. UU. como en el Reino Unido. Obviamente, después de este punto culminante, el álbum nunca mejora, pero todavía hay algunos momentos interesantes. “Restless Nights” contiene un blues crunch metódico con versos interesantes y melódicos, el bajista Francis Buchholz tiene unos momentos para brillar, pero todo es un poco oscuro y aprensivo. Incluso Klaus la canta con un poco de pesimismo hasta su coro más lucido Jabs establece un gran solo entre los gritos de Meine.

 

La segunda cara original del álbum comienza con un par de pistas estándar de hard rock. el tema bastante académico "Lust or Love" una diversión bastante descabellada con un gran ritmo y un estribillo que persiste mucho después de que se ha ido y te encuentras cantándola en la casa y tu esposa te mira con un mal de ojo sospechosamente extraño. Es un himno de metal entusiasta... bueno, está cerca. Despues viene "Kicks After Six", es más de lo mismo, rock & roll tentadoramente divertido, debo admitir que me gustan los rockeros estridentes, sórdidos y sucios, son divertidos, alegres y ponen un poco animo en mi día a día. En esta ocasión la canción abre con un riff realmente genial, Rarebell golpea el ritmo de conducción y la canción me da una patada en el culo. Ah, y el solo... no olvides el solo. “Hit Between the Eyes” sigue con algunos buenos rudimentos de estilo fire-one y un hiper arreglo en todas partes, que incluye un genial dúo de guitarras dirigido por Jabs y Schenker. Klaus esta brutal cuando ataca los versos con una energía que aún no hemos visto en este álbum. Luego llega "Money and Fame", que presenta un efecto de caja de diálogo genial de Jabs, quien coescribió la canción con Rarebell. La canción principal, “Crazy World”, tiene progresiones de acordes interesantes y una armonía profunda y suave durante el estribillo. Sin embargo, con cinco minutos de duración, esta pista se alarga demasiado. Los "ooohs" de Klaus son un buen toque, especialmente acompañados de algunos riffs geniales. Esta es una pista diferente del resto del álbum, un poco más trabajada, un buen cambio de ritmo y un corte bastante profundo que tal vez debería haberse colocado antes en el set.  Vallance toca algunos teclados malhumorados junto con la acústica elegida por Schenker en “Send Me an Angel”, una balada que es a la vez melancólica y esperanzadora, vemos a Klaus dar su mejor interpretación vocal mientras transmite una sensación melancólica pero donde queda una luz brillante de esperanza. Los teclados se suman a la tristeza y están a cargo de Jim Vallance, quien en realidad también coescribió 7 de las pistas aquí. Hay una desesperación en la letra porque se siente tan perdido, pero la esperanza de que un ángel vendrá y hará que todo sea mejor. Una pista realmente hermosa y que nunca me canso de escuchar.

 

Scorpions - Savage Amusement (Mes Scorpions)

#MesScorpions - álbum Savage Amusement 

Seguimos recorriendo la discografía de la banda Scorpions en su mes, y en esta entrega vamos con Savage Amusement que es el décimo álbum de estudio de la banda alemana de hard rock y heavy metal Scorpions, publicado en 1988 a través de Mercury Records. Es el último trabajo de los alemanes en ser producido por Dieter Dierks, ya que durante las grabaciones tuvieron serias diferencias de opinión, que provocó que la banda no renovara contrato con él.

Las grabaciones de todas las canciones se realizaron entre mediados de 1987 y principios de 1988, en los Dierks Studios y en los Scorpio Sound Studios, este último propiedad de Rudolf Schenker. 

Dentro de este proceso la banda invitó a la canadiense Lee Aaron, que colaboró en los coros de «Rhythm of Love» y al bajista de Accept, Peter Baltes, que también colaboró en los coros de varios temas entre ellas «Every Minute Every Day». 

Durante su grabación, Scorpions y el productor Dieter Dierks comenzaron a tener serias diferencias de opinión, que provocó que la banda no renovara contrato con él dando, fin a la colaboración en noviembre de 1988. 

Para esta nueva producción, Scorpions adoptó algunos sonidos más accesibles con la idea de obtener mayor radiodifusión, lo que se ve demostrado en canciones como «Passion Rules the Game» y «Walking on the Edge». De acuerdo a Barry Weber de Allmusic, este cambio de sonido estuvo inspirado en el éxito radial de bandas como Def Leppard, que a pesar de ser bueno, no se puede comparar con la música de sus álbumes anteriores.

Savage Amusement se publicó el 16 de abril de 1988 en Europa por Harvest/EMI y en los Estados Unidos, a través de Mercury Records. A los pocos días de su lanzamiento, recibió un gran éxito en las listas musicales del mundo, donde se ubicó dentro de los top veinte de varios países. Por ejemplo, en los Estados Unidos alcanzó el quinto puesto en los Billboard 200, superando así lo conseguido con Love at First Sting. Además, y solo meses después, fue certificado con álbum de platino en el mercado estadounidense tras vender más de un millón de copias.​

Para promocionarlo se lanzaron tres canciones como sencillos; «Rhythm of Love» publicado en mayo, que logró el sexto lugar en la lista estadounidense Mainstream Rock Tracks, la power ballad «Believe In Love» que se ubicó en la posición 12 de dicha lista y «Passion Rules the Game», lanzado meses más tarde.​ Cabe destacar que las tres pistas fueron promocionadas con vídeos musicales, con gran rotación en la MTV. Por otro lado, en abril del mismo año iniciaron la Savage Amusement Tour que destacó por poseer diez presentaciones en Leningrado en la Unión Soviética, que los convierte en la segunda banda de rock en tocar en dicho país gobernado por el comunismo.

El 6 de noviembre de 2015 y debido a la celebración del 50° aniversario de la banda, el disco fue remasterizado bajo el nombre de Savage Amusement 50th Anniversary. Esta reedición contó con seis pistas adicionales; Can't Explain —cover de The Who—, las versiones demo de «Edge of Time», «Living for Tomorrow» y «Dancing with the Moonlight», y las maquetas de «Taste of Love» y «Fast and Furious», canciones que fueron registradas durante el proceso de grabación, pero que al final fueron descartadas.

Además, se agregó un DVD con el video completo de To Russia With Love and Other Savage Amusement y los videos musicales de «Rhythm of Love», «Passion Rules the Game», «Believe In Love» y «Can't Explain». Por último, se incluyó un documental sobre la historia del álbum que posee entrevistas a Klaus Meine, Rudolf Schenker, Matthias Jabs y Herman Rarebell.

Daniel 

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Scorpions - Love At First Sting (Mes Scorpions)

Lo que me ha ocurrido al escuchar Love at First Sting (1984) el que fuera noveno disco de Scorpions fue sin duda "Amor a primera vista" o, para ser más fieles a la traducción del título, "Amor al primer picotazo". Nunca he sido un gran fan de esta banda alemana de heavy rock, pero me encantaban algunas de las canciones sueltas, esas que todo el mundo ha escuchado y que han pasado a la historia del heavy rock, como por ejemplo "Still loving you", "Big city nights" o "Rock you like a hurricane". Cuál sería mi sorpresa cuando, al ver las canciones que componían el disco antes de ponerlo en el reproductor, comprobé que todas ellas estaban incluidas en Love at First Sting.

Tras el éxito de su anterior disco Blackout (1982), el disco sigue una línea continuista en cuanto al sonido, aunque el giro hacia canciones de corte más comercial es bastante evidente. Con este "picotazo", los Scorpions pretendían por fin alcanzar el éxito en Estados Unidos, que hasta ese momento se les seguía resistiendo. Love at First Sting recibió muy buenas críticas por parte de la prensa especializada, que destacó especialmente el sonido y el gancho comercial de sus sencillos, entre los que estaban los tres ya mencionados "Rock You Like a Hurricane", "Still Loving You" y "Big City Nights", y un cuarto single ("I'm leaving you"), publicado únicamente en Estados Unidos, en un nuevo ejemplo de la obsesión del grupo por hacerse un nombre más allá de Europa. Lo consiguieron gracias a este disco, y gran parte de la culpa la tuvo la power ballad "Still Loving You", que obtuvo un éxito masivo en Europa, y que a día de hoy sigue siendo la más reconocible y aclamada de aquellas gloriosas "baladas heavies" de los ochenta.

El guitarrista Rudolf Schenker fue el compositor de la música de todas las canciones del disco, siguiendo la pauta marcada por la discográfica de que las canciones fueran más "radiables". Para ello, toda la banda siguió durante un tiempo y con extrema atención el tipo de canciones que se emitían en las radios musicales estadounidenses de la época, y adoptaron algunas de esas pautas de sonido ochentero sin dejar de lado su estilo heavy, llegando a un cuidado equilibrio entre el rock y las baladas comerciales. En el lado más rockero estarían temas como "Bad Boys Running Wild" o "Rock You Like a Hurricane", uno de los temas más comerciales del disco junto con "I'm Leaving You", la canción que mejor ejemplifica el cambio estilístico de la banda, porque tras un riff rockero, la canción cambia repentinamente y adopta el tono suave y relajado con el que terminaron ganándose el favor del gran público.

A medio camino entre un sonido y otro estaría "Coming Home", que hace el camino opuesto a "I'm leaving you", arrancando como una balada triste que después va mutando y acelerando gracias a un efectivo riff rockero. A continuación llega la canción más "metalera" del disco, "The Same Thrill", llena de poderosas guitarras y una estructura simple y efectiva. Entre las dos canciones, calientan los motores para la llegada de otros de los grandes himnos comerciales de la banda, la pegadiza y hard rockera "Big City Nights", inspirada en unas vistas de la ciudad de Tokyo, desde la habitación de un hotel durante la gira anterior. En este tema, así como en "As Soon as the Good Times Roll" y "Still Loving You" fue el propio Schenker el que se encargó de los solos de guitarra, en lugar del habitual Matthias Jabs. Ambos guitarristas brillan especialmente en "Crossfire", una de las joyas ocultas de este álbum, más cercana a la línea que los fans primigenios de la banda hubieran preferido.

El disco cierra con "Still loving you", su gran apuesta por las power ballads, y la canción más épica de toda su discografía. Un tema cuya creación databa de varios años atrás, pero solo en un disco tan cuidado como éste pudo al fin tener cabida una canción que, a la postre, acabaría siendo histórica, el picotazo definitivo de los escorpiones alemanes en las listas de ventas, y el cierre perfecto para uno de los mejores discos de heavy metal de los ochenta. Con un disco tan robusto bajo el hombro, la banda emprendió una gira (Love at First Sting Tour) de más de 180 conciertos para promocionarlo, y entre otros hitos, actuaron en el primer Rock in Rio de Río de Janeiro, el 15 y 19 de enero de 1985. También pasearon su Love at First Sting por el festival Monsters of Rock de Inglaterra (16 de agosto de 1986) y concluyeron su larga y exitosa gira precisamente en Madrid, el 5 de septiembre de 1986, donde un público entregado les declaró a los Scorpions su amor a primera vista por el nuevo sonido y la calidad de las nuevas composiciones, algunas de las cuales siguen hoy en día ocupando un lugar privilegiado en nuestra memoria, y siguen arrancándonos una sonrisa cada vez que vuelven a sonar en la radio. Nos enamoraron entonces, y las seguimos queriendo.

Scorpions - Lovedrive (Mes Scorpions)

 

Estamos antes el sexto trabajo de la banda, a priori la partida de Uli Jon Roth debía haber sido un gran handicap para los Scorpions, Roth aportó un enfoque similar al de Hendrix con su guitarra hipnótica y, aunque su voz dejaba mucho que desear, escribió algunas canciones brillantes y su forma de tocar la guitarra fue lo más destacado de los álbumes Vigin Killer y Taken By Force, además de ser una gran presencia en el Tokyo Tapes doble disco en directo, pero Scorpions no estaban preocupados, un cambio en el sello discográfico de RCA a EMI Harvest y un cambio de dirección ayudado por la incorporación del guitarrista Matthias Jabs permitió que la música de Scorpions se volviera más compacta, y los álbumes que siguieron sin duda se volverían más consistentes con un borde distintivo de hard rock/metal. Los recién formados Scorpions eliminaron todas las influencias del rock psicodélico, el krautrock y el blues y se convirtieron en una banda pura de hard rock. Su sexto álbum de estudio, "Lovedrive", se grabó en 2 meses y se lanzó en febrero de 1979, la decisión de convertirse en una banda de hard rock fue la correcta, porque "Lovedrive" se convirtió en su álbum más exitoso en 1979 y conquistaron el mercado de Estados Unidos con los álbumes posteriores "Blackout" y "Love at First Sting" que los convirtieron en estrellas de todo el mundo, pero este álbum fue la piedra angular de este éxito mundial. Lovedrive también fue el álbum que vio la introducción de baladas en el repertorio de Scorpions un movimiento muy inteligente, esa mezcla entre rápido y furioso y deliciosamente lento es simplemente irresistible. Este modus operandi continuó con gran éxito con álbumes posteriores como Blackout  o Love at First Sting.

 

El álbum comienza con la letra positiva y seria de "Loving You Sunday Morning", impulsada por la primera participación de Mathias Jabs como guitarra principal, todo fluye maravillosamente bien para abrir el álbum de una manera genial, el nivel de intensidad no es tan alto, pero esta canción suena bastante fuerte, los ritmos suaves y pegadizos mezclados con una fuerte complejidad instrumental se fusionan de una manera única, Klaus no podría haber hecho un mejor trabajo, mostrando una gran habilidad de falsete. Esta es la forma correcta de atraer y enganchar al público a un disco. A esto le sigue el duro rock y la irónica relación lírica de "Another Piece of Meat", una de las canciones favoritas de los fans desde su lanzamiento, no solo por el maravilloso rango vocal de Klaus, sino también por el ritmo acelerado que golpea la canción, mientras que el hijo pródigo que regresa, Michael Schenker, y brilla en la cima con su solo para la canción, y Mathias lanza sus lamidas de plomo en todo momento. Una cancion que te lanza un golpe de metal rápido uno tras otro. 

"Always Somewhere" es una canción que, por cualquier otra banda en cualquier otro álbum, podría destrozar el disco, siguiendo los pasos de una canción tan estridente, si esto no se hubiera manejado a la perfección, habría que más de uno desechara la escucha tras tal aberración, sin embargo, estos son los Scorpions y, sorprendentemente, parece encajar perfectamente, es imposible no dejarse llevar por cambios tan peculiares en el estado de ánimo y el género de la canción. Y es que en el fondo es el truco del álbum, cada pieza del rompecabezas parecía encajar en cada sección. El instrumental "Coast to Coast" es la canción del disco, simplemente me encanta esta pieza musical, una obra simple y básica, ¡pero qué sonido tan fantástico! La batería de 2/4 con el bajo trabajando al lado, permitiendo que las guitarras hagan sus cosas por encima de esto. Para mí, está siempre ha sido una pista edificante, un cambio de humor, en toda su simplicidad pero marcado con sus intrincadas piezas de guitarra. Un ganador.

 

La cara dos del álbum comienza de nuevo con los elementos más pesados ​​y estridentes de "I Can't Get Enough", una vuelta a los viejos tiempos para hacer que te levantaras y volvieras el vinilo.  Y luego, tal es la alegría de este álbum, que ni siquiera puedes sentir que el disfrute se desvanece cuando notas por primera vez el completo reggae-ness de "Is There Anybody There?" De hecho, te mueves dentro y a través de la canción como si fuera algo de lo más normal en un álbum basado en las raíces del hard rock y el heavy metal de los 70 tener una canción con tanto sabor a reggae. La increíble voz de Klaus es la estrella del espectáculo. Después surge el regreso optimista de ese mágico sonido pesado de Scorpions en la canción principal "Lovedrive", impulsado por ese magnífico ritmo de batería y ese pesado riff de guitarra rítmica que fluye de la guitarra de Rudolf, y complementado por los protagonistas de Mathias y Michael. Impresionantes riffs, simplemente geniales, simplemente una gran canción. La canción de cierre, "Holiday", regresa a la tranquila mitad melódica del sonido de Scorpions, dominada en la primera mitad por la increíble armonía vocal de Klaus sobre la guitarra acústica, antes de que la banda entre en la mitad de la canción para resaltar la plenitud de la canción. En la casa de campo que teníamos había un disco que sonaba una y otra vez, Gold Ballads, y muchas veces se quedaban en bucle en las dos primeras canciones, abría el EP la mítica Still Loving you, sonaba a continuación Holiday, y la pandilla debatía que canción gustaba más…… Yo siempre lo tuve claro, tiene Holiday un poder de evocación fascinante, y más con 15 años que no tienes ni idea de lo que te están contando.

 

Para concluir, la sensación me deja es que es un álbum bastante asombroso, dados los cambios y vueltas que da la música, o como diríamos en castizo, pasa del frio al calor, del lado pesado al lado reflexivo sin inmutarse, y, sin embargo, nada de eso suena fuera de lugar, como suele decirse de los álbumes de las bandas de power metal de finales del siglo pasado y principios de este siglo. Scorpions es una banda que tiene sus dos caras, y especialmente en Lovedrive se fusionan como una mezcla perfecta.

Scorpions - Taken By Force (Mes Scorpions)

Taken By Force - #MesScorpions 

En el mes de Scorpions vamos con el álbum número cinco de estudio de la banda.

Taken By Force es el álbum que marca un periodo clásico en la carrera de la banda Scorpions, y también la salida del grupo de Uli Roth. 

La decisión Uli Roth de dejar la banda,  era firme y la salida de Uli Roth de la banda no únicamente tenía motivos obvios como el desgaste de las relaciones entre los músicos, sino la toma de conciencia por parte de Schenker y Meine respecto a la nueva dirección que tomaria el grupo. 

Taken By Force es un álbum que hay que escuchar, todas sus canciones son perfectas, y si no lo ves así, creo que deberías volver a escuchar. 

Si vamos en orden Pictured Life es una de las canciones que demuestran la transición del nuevo sonido de Scorpions clásico al sonido de los años dorados. 

Otra de las canciones, fundamentales del álbum es Steamrock Fever desempeña un papel crucial en este proceso de cambio de la banda, de su etapa tradicional con aquello, que también iba ser muy grande, que todavía estaba por llegar.

We'll Burn the Sky otro temazo Top-10 de las canciones de la banda y sin margen de error una de las performances más increíblemente sentidas y profundas de Meine a lo largo de toda su carrera, que no es poco. Con letras de Monika Dannemann, We'll Burn the Sky representa fácilmente todo lo que hace de Scorpions uno de los mayores exponentes de la música Rock de todos los tiempos y es que aquí no hablamos tan solo de enormes guitarras, una sección rítmica perfectamente cohesionada, una perfecta orquestación o una prodigiosa voz que eriza los pelos, sino sencillamente de magia. Magia que únicamente unos pocos pueden ser capaces de reproducir. 

Con I’ve Got to Be Free volvemos a contemplar la cara más salvaje de Uli Roth, al punto que a ese otro Meine más descarado y visceral. Excelente rock y sublimes armonías, a continuación. Dos canciones que sin ningún problema pueden incluirse entre los temas más selectos de la banda.

The Riot of Your Time nos muestra por enésima de todo que Meine dominando su instrumento. Exactamente igual como patinan y deslizan las notas que expulsa de su guitarra en el fraseo inicial de la inmortal The Sails of Charon, que gracias a un riff de aire pseudo-arabesco, por decir una tontería, convierte a este tema en uno de los mayores estandartes del sonido de Scorpions de los 70’s. No existe margen posible al error; para aquellos que conozcan los estilos de uno y de otro, bastará sólo la mitad de un nanosegundo para certificar que un temazo como este, únicamente podía salir de la pluma de Roth. Indiscutiblemente, estamos hablando de uno de los momentos más inspirados en la carrera de la banda. De eso no tengo la menor duda.

Your Light, de nuevo con la firma del genio de Düsseldorf, y los calificativos se agotan para describir los niveles de talento, calidad y feeling de un guitarrista, que si bien no alcanza al nivel de Hendrix, no puede más que ser reconocido como uno de sus pupilos más aventajados. Descomunal Uli Roth con su sencillez en el estilo y al mismo tiempo con ese carácter tan desbordante y pasional.

Vamos enfilando las últimas vueltas en torno al plato y lo hacemos revisando otro clásico básico indispensable y de verdadero culto entre los fans de la banda. El tema en cuestión no es otro que ‘He's A Woman / She's A Man’ con un Rudy Schenker explendido al frente y el resto de la banda siguiendo sus pasos, sin temor alguno a agarrar con fuerza el cetro que ya por entonces ostentaban como leyendas eternas del Rock.

Este álbum cierra con otra de las grandes y olvidadas canciones interminable de estos magos sajones. Born to Touch Your Feelings es la canción que cierra el álbum, extendiéndose por casi ocho minutos y en plan balada. 

Llegamos de este modo al fin del álbum un clásico setenteros de Scorpions y decimos una vez más, por si no ha quedado claro, que aquí no sólo estamos en frente de uno de los mejores trabajos de la banda, sino también con uno de los mayores logros del género de la década de los setenta, que no olvidemos, que es aquella en la que el Hard Rock reinó por lo alto y como nunca jamás ha vuelto a hacerlo. 

Daniel
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Scorpions - Virgin Killer (Mes Scorpions)

Nueva parada en el recorrido por el #MesScorpions, en esta ocasión para hablar del disco Virgin Killer (1976), el cuarto álbum de estudio de la banda alemana. Aunque el proceso de grabación fue similar al de su predecesor In Trance (1975), para Virgin Killer contaron con más medios y con una grabadora de 32 pistas, que les permitió añadir más capas de sonido y mejorar sensiblemente la producción de los temas. Esto hizo que el disco tuviera mayor repercusión que otras entregas anteriores, dando por fin el salto a ser conocidos más allá de las fronteras de Alemania, y comenzando a expandir por Europa su efectiva mezcla de hard rock y heavy metal. Siguiendo la línea ya marcada en In Trance, nada queda ya en las canciones de Scorpions de sus orígenes psicodélicos, y como ya hicieron en aquel disco, las canciones de Virgin Killer son nuevamente cortas y directas, repitiendo la fórmula con la que, ahora sí, lograrían visibilidad internacional.

El álbum comienza con Pictured Life, escrita por Schenker y dotada de una letra críptica y de aires místicos. Todo lo contrario que Catch Your Train, de letra más sencilla sobre ganarse la vida trabajando duramente día a día. Lo más destacable de la canción es, realmente, el excelso solo de guitarra, que paradójicamente, es lo que Schenker trabajó más duramente. Después hay espacio para las baladas rockeras (In your park) y pegadizas piezas de efectivo hard rock con toques sureños (Backstage Queen) hasta llegar a uno de los momentos cumbres del disco con Virgin Killer, la composición de Roth con la que se bautizó al álbum, un poderoso heavy rock de afiladas guitarras, inspirado en la manera de componer canciones de Kiss, compañeros durante la gira de In Trance.

Roth se inspiró en la manera de tocar la guitarra de Jimi Hendrix para la creación de Hell Cat, pero él mismo reconoció después que el resultado, aunque de algún modo innovador para Scorpions, no llegó a alcanzar el nivel de las composiciones del genio Hendrix. Tras este fallido intento, la última canción de Schenker para el disco (Crying days) remonta el vuelo con su aire oscuro y taciturno, en una de las piezas más complejas y profundas del disco. La oscuridad y la melancolía están también presentes, aunque en menor medida, en el último tramo del álbum, en dos canciones firmadas por Roth. Polar Nights va en la línea que ya había explorado en Hell Cat, pero con mejores resultados, y Yellow Raven cierra el disco de manera brillante y ensoñadora.

Virgin Killer tuvo que lidiar en su lanzamiento con la fuerte polémica generada por su portada, en la que aparecía una niña desnuda, con un efecto de vidrio quebrado cubriendo sus partes íntimas. El objetivo era que la portada generara revuelo y ayudara a incrementar las ventas del disco, pero claramente se pasaron de frenada, y en la mayor parte de los países la consideraron de mal gusto e inmoral, llegando en muchos casos a cambiar la portada por una foto de la banda, o a tapar la portada original con un plástico negro. En la mayor parte de las reediciones posteriores, se optó por la portada "alternativa" en la que aparecía la banda, desterrando el concepto original para no generar nuevas polémicas, mientras la ya casi desaparecida portada original ha sido incluida en muchas listas de "las peores portadas de todos los tiempos".

Polémicas aparte, el contenido de Virgin Killer fue alabado desde el principio como un gran disco de heavy metal, una impactante muestra de lo que Scorpions eran capaces de dar, y abrió el camino sonoro que emprenderían desde entonces, varios años antes de la llegada de los grandes éxitos comerciales de la banda. Una pena que los ecos de sus brillantes canciones fueran rápidamente apagados por el ruido generado por la desafortunada portada, que probablemente consiguió el efecto contrario al deseado, enterrando uno de sus mejores discos de los setenta entre una maraña de escándalos y protestas. No me negaréis que el destino tuvo su punto de ironía, porque fue la "asesina virgen" la que acabó matando a este disco.

Scorpions - In Trance (Mes Scorpions)

 

In Trance, Scorpions

Entrado el mes de marzo toca despedir a la genial cantante y compositora islandesa Björk y dar la bienvenida al artista que nos va a acompañar todo este mes. Banda fundada en Hannover en 1965 a la que no le llegaría el éxito hasta casi una década después con el lanzamiento de su tercer álbum de estudio, In Trance. Desde entonces y hasta la fecha no han abandonado dicho éxito, el cual que dura ya casi 40 años. Nos estamos refiriendo, por si no lo habéis adivinado ya, a la banda alemana de hard rock y heavy metal Scorpions.

Como en toda banda que se precie, los inicios no fueron fáciles. A pesar de haber surgido en 1965, no sería hasta octubre de 1971, con el apoyo del sello discográfico Brain, cuando se trasladan a Hamburgo y en tan sólo una semana graban su primer álbum de estudio, Lonesome Crow, el cual salió a la venta en febrero de 1972. El disco fue una mezcla de ritmos pesados y ritmos psicodélicos, y apenas consiguió repercusión, vendiendo apenas unas 10.000 copias. Tras varias aventuras, el grupo consigue un contrato con RCA Records para grabar cinco álbumes. Así, en 1974 publican su segundo álbum de estudio, Fly to the Rainbow, publicado el 1 de noviembre de 1974, un disco donde el grupo ya se va encaminando hacia el hard rock más claramente, pero manteniendo todavía detalles psicodélicos de sus primer disco.

Para que esta banda, sobrada de calidad, de el salto hacia la internacionalidad se dará un hecho fundamental, la llegada del productor Dieter Dieks, conocido como el sexto hombre de la banda. En un concierto en Essen, alemania, el grupo conoce a Dieter, a quien le gustó mucho como Scorpions se había ganado al público en aquel concierto. Dieter seguro del potencial de la banda, y que en su exitosa y larga trayectoria había trabajado con artistas de Krautrock y rock progresivo, pero no de hard rock, decide apostar por ellos y firmar un acuerdo para producir sus siguientes álbumes. La banda, consciente de la inexperiencia en el género hard rock de Dieter, decide apostar también por él. No podría salir mejor aquella alianza, la cual se prolongará hasta 1988. Comenzaba a macerarse el camino al éxito y la internacionalización con su siguiente trabajo, In Trance, un disco que ayudó a establecer la característica combinación de hard rock y heavy metal que se convertiría en el santo y seña de la banda germana. El enfoque de Dieter en el sonido del grupo será determinante para que el grupo se convierta ese año en el líder en ventas en Japón con In Trance, lo que les abrirá las puertas para tocar por primera vez en otros países como Suecia, Dinamarca, Reino Unido y Suiza, además de telonear a Kiss en algunos de sus conciertos de su primera gira por Europa. 

In Trance es grabado durante el año 1975 en los estudios propiedad de Dieter Dieks, los Dierks Studios de la localidad de Stommel, en Colonia, Alemania, bajo la producción del productor alemán y publicado el 17 de septiembre de 1975 por el sello discográfico RCA Records. La agrupación está formada en aquel momento por Kalus Meine (voz), Uli Jon Roth (guitarra líder, coros y voz), Rudolph Schenker (guitarra rítimica y coros), Francis Buchholz (bajo y coros) y Ruddy Lenners (batería). La voz principal corrió a cargo de Klaus Meine en todos los temas excepto en Dark Lady y Sun in My Hand, donde la voz la puso Uli Jon Roth. Como hemos comentado anteriormente, la banda empieza a acortar la duración de las canciones en este disco, y a dejar atrás las influencias del rock psicodélico para centrarse en un sonido más orientado hacia el hard rock. La grabación se realizó durante el verano de 1975 por un periodo de tres semanas. Según Uli Jon Roth todo el material se registró en unos diez días, primero comenzaron con la sección rítmica, luego las voces y al final las guitarras. Lo que molestó a Uli fue el hecho de tener muy poco tiempo para trabajar con las guitarras, ya que tanto estas como en las partes rítmicas apenas se emplearon dos días. Diter Dierks resultó ser muy perfeccionista y aplicado, y le gustaba que todo estuviera perfecto y en su sitio. De hecho fue él quien sugirió acortar la duración de los temas y eliminar las influencias de rock psicodélico de sus anteriores trabajos con el fin de potenciar la carrera del grupo en los mercados internacionales.

La portada fue creada por el estudio CoDesign/Dirichs, y la tipografía empleada proviene de un cartel de la película de ciencia ficción Rollerball de 1975. La imagen principal fue tomada por el fotógrafo Michael Von Gimbut y muestra a una modelo sobre la Fender Stratocaster de Uli Jon Roth mostrando además parte de su seno derecho. Este último y pequeño detalle de la portada generó bastante controversia en algunos mercados, sobre todo el estadounidense, que se echaron las manos a la cabeza, por lo que posteriormente se oscureció el seno con manchas negras. Sobre esta polémica Uli afirmaba que aquello fue horrible, "La idea fue del discográfico, pero no nos opusimos. Eso sí, la culpa fue de nosotros. Estas portadas fueron probablemente lo más vergonzoso en lo que he participado". La calidad de la banda, unida a las ideas y sugerencias del productor Dieter, consiguieron potenciar al grupo fuera del mercado alemán, consiguiendo ser el trabajo del sello RCA Records más vendido en Japón ese mismo año. Posteriormente llegarían a alcanzar un Disco de Oro por vender más de 500.000 copias a nivel mundial. La banda acababa de despegar a nivel internacional.

El disco abre con Dark Lady y Uli Jon haciéndose cargo de la voz principal. Es sin dudad uno de los temas más potentes y metaleros del álbum y nació en una espeice de jam session. La introducción tiene unos efectos de guitarras de Uli Jon experimentando con su amplificador y su pedal wah-wah. La canción fue escrita por Uli Jon, y a pesar de tratarse de una cantante enamorada y solitaria, según el guitarrista, no tenía ningún mensaje en especial, únicamente estaba disfrutando "del ritmo boogie, con la conducción de la doble armonía de arpegios" Le sigue el tema que da título al disco, In Trance, un interesante tema acreditado a Schenker y Meine  que trata sobre el control de los excesos físicos y mentales. Rudolph Schenker comentaba que el tema podría relacionarse con el alcoholismo y contiene un solo de guitarra que refleja el estado de ánimo en la canción. Life's Like a River, es una power ballad que trata temas místicos como la mortalidad, la soledad y la trascendencia. El tema está acreditado a Schenker, Roth y Corinna Fortmann, esta última por entonces esposa de Dieter Dierks, quien colaboró como letrista en el tema. La introducción contiene el llamado sonido de twin guitars o guitarras gemelas, pero Roth no quedó muy contento con el resultado y no se pudo cambiar pues apenas quedaba tiempo ya. Esta es una de las canciones donde colabora con la banda el tecladista Achim Kirschning. Top of the Bill, acreditada Schenker y Meine, un poderoso y roquero tema que contiene unas armonías vocales muy contundentes. El grupo germano se demostraba así mismo con este tema que eran capaces de escribir buenos temas de hard rock, enérgicos y pesados. Cierra la cara A Living and Dying, escrita por Schenker y Meine, es un tema que trata sobre la soledad y contiene uno coros más que destacables.

Abre la cara B la trepidante Robot Man, acreditada a Schenker y Meine. En esta canción Uli Jon Roth vuelve a experimentar con su amplificador y su pedal wah wah para hacer un tema con un rollo muy punky. También se atreven con Evening Wind, un oscuro blues donde Roth vuelve a demostrar su destreza con las seis cuerdas. Le sigue Sun in My Hand, un tema que sigue el mismo rollo blusero que el tema anterior. Es el otro tema, junto a Dark Lady donde se encarga Uli Jon Roth de las tareas vocales. Contiene un solo de guitarra muy metalero que tiene un cierto aire celta. Nos vamos acercando al final de este más que interesante álbum con dos temas, Loging for Fire, un refinado tema de corte pop blues que contiene una interesante línea de bajo, y Nigh Lights, compuesta por Roth mientras se encontraba improvisando. Roth afirmaba que este tema poseía ciertas influencias del gran guitarrista Jeff Beck.

I'm the law - Anthrax

Hoy tenemos una reseña de canción extra y especial, firmada por "DMG", uno de los amigos de 7días7notas que se ha animado a escribir en nuestro blog:

I'm the law - Anthrax

"I'm the law". Con esa frase se identificaba a Anthrax como uno de los mejores ejemplos de thrash metal allá por 1987. El single I'm the law hizo viajar a los temas de la banda al futuro post apocalíptico de Juez Dredd. En este single se aprecian dos cosas: el amor de Anthrax por los comics y la capacidad creativa de la banda.

Tiene referencias a algunos de los arcos mas importantes de Dredd de la etapa clásica, como la Guerra del Apocalipsis, o los Jueces Oscuros, ambos iconos de Dredd a día de hoy. Esta canción fue la que me introdujo a Anthrax y al Juez Dredd, todo gracias a que cierto "czarniano" la tarareaba en su moto en un gran comic. Ese comic fue de los primeros de Lobo que conseguí, en una tiendecilla de comics de segunda mano. Eso también me hizo querer saber mas sobre Dredd, y años mas tarde, decidí coleccionar sus comics, que se encuentran entre mis favoritos actualmente.

La canción es un estándar de thrash metal ochentero. Comienza con un riff clásico, pesado y que, a día de hoy, es sinónimo de Anthrax. Tienes la batería, manejada por Charlie Benante, potente y con doble bombo. La guitarra rítmica acompaña con unos riffs contundentes, con peso, compensados por riffs mas ligeros en la guitarra líder. Aquí brilla Scott Ian, sin dudarlo, acompañado de Frank Bello, que como siempre, hace un trabajo maravilloso en el bajo.

Como curiosidad, la gira del álbum Among the living (1987), en el que I'm the law aparece, empezó de manera no oficial con un corto tour japonés, y siguió con un tour donde los icónicos Metal Church hacían de teloneros. A día de hoy, esta canción y su álbum son considerados clásicos absolutos del thrash, y son esenciales a la hora de entender la evolución del metal y sus subtipos.

DMG