domingo, 21 de junio de 2020

Iron Maiden - Fear Of The Dark (Mes Iron Maiden)


Fear Of The Dark


     Finales de 1991, y Steve Harris (bajo), Bruce Dickinson (voz), Dave Murray (guitarra), Janick Gers (guitarra) y Nicko McBrain (batería) se meten en los Barnyard Studios de Essex (Inglaterra) para preparar y grabar Fear Of The Dark, que supondrá el noveno álbum de estudio de Iron Maiden. Éste disco marcaría el final de la etapa dorada de la banda, pues a partir de entonces y durante la década de los 90 el grupo inició una larga travesía por el desierto que no acabaría hasta el retorno de Bruce Dickinson y Adrian Smith a finales de los 90.

Muchos cambios simultáneos se producen en torno a este disco, que dan como resultado un disco excelente, pero la formación quedará tocada. Por una parte este supone el último disco que graba Bruce Dickinson, que después de la multitudinaria gira del disco llamada Fear of the Dark Tour decidiría abandonbar la formación, una despedida que si bien en un principio se produjo de forma amistosa al final acabaría dejando entrever los problemas entre Dickinson y Harris que fueron el detonante para que el vocalista decidiera centrarse en su carrera en solitario.
El grupo decide dejar de contar con los servicios de Derek Riggs,  ilustrador habitual hasta la fecha de la mascota Eddie y deciden contar con los servicios de Melvin Grant, pues al parecer la banda quería evolucionar a Eddie acorde a la década de los 90 y las contribuciones de Dereck Riggs no habían gustado. Un tercer hecho y que tuvo mucha importancia fue que Fear Of The Dark se convertiría en el último disco producido por el genio Martin Birch (compartiría producción con Steve Harris) quién después de este disco decide retirarse. El mago del sonido y la producción abandonaba a la Doncella a su suerte, era hora de separar los caminos.

El resultado de todos estos factores fue que Fear Of The Dark se convetiría en el último gran álbum de la banda hasta bien entrada la década de los 2000. Comercialmente el disco obtuvo buenas críticas si bien los especialistas en la materia lo comparaban con su etapa dorada de los 80, y es que las comparaciones son odiosas. Fear Of The Dark también supuso un cambio en el sonido de la formación, pues lo hacen algo más pesado y le dotan de cierta oscuridad, llegando a experimentar con sonidos como el trash metal. También se convierte en el primer doble álbum de la formación, pues hasta la fecha no había publicado todavía ningún trabajo en este formato.


Doce temas que abren con Be Quick Or Be Dead, compuesta por Dickinson y Gears. Tema donde la banda experimenta con un sonido más trash, y donde se hacen eco de varios escándalos políticos que habían tenido lugar, tales como el escándalo del banquero Robert Maxwell, la caía del Mercado de valores europeo ó el caso del BCCI (Banco de Crédito y Comercio Internacional). todo un trallazo y uno de los temas más cañeros de la banda de toda su carrera.
From Here To eternity, compuesta por Harris. Es el cuarto tema de la saga Charlotte The Harlot, y en esta ocasión nos relata un fatídico viaje de la prostituta en motocicleta con el diablo. tema con un sonido en una línea más hard rock.
Afraid To Shoot Strangers, compuesta por Harris. Tema que Harris escrbió durante la primera Guerra del Golfo y donde se hace eco de cómo políticos, generales y gobiernos usan a su antojo a los soldados como peones, unos soldados que realmente no quieren guerras ni tampoco matar a nadie. Estamos ante una de las joyas del disco, donde empiezan con cierta calma y el tema va in crescendo hasta acabar en una vorágine de cambios de ritmo de los que nos tienen acostumbrados.
Fear Is The Key, compuesta por Dickinson y Gears. Escrita cuando la banda se enteró de la muerte de Freddie mercury y donde ponen de manifiesto el miedo a las relaciones sexuales y que daban como resultado contraer la enfermedad del SIDA. Fiel reflejo de nuestra sociedad la frase donde Dickinson canta "A nadie le importa hasta que alguien famoso muera", Sólo cuando celebridades empezaron a morir a causa de la enfermedad las masas empezaron a preocuparse de verdad.
Destacables los sólos de guitarra con tintes árabes.
Childood's End, compuesta por Harris. tema donde Dickinson acompañado de McBrain a los timbales nos cuentan la historia de un desdichado que allá donde va sóloo encuentra sange, miseria, pobreza y dolor, y donde sólo sacan provecho los tiranos.
Wating Love, compuesta por Dickinson y Gers. una balada donde el protagonista se encuentra abatido y deprimido pues a perdido su oportunidad para amar, por lo que decide irse a vivir a un lugar frío y solitario donde le aguarda una muerte lenta.
The Fugitive, compuesta por Harris. El argumento de este animado y movido tema es el de un hombre que se ve obligado a huir pues es perseguido injustamente por la ley y quiere limpiar su nombre.
Chains Of Misery, compuesta por Dickinson y Murray. En este tema nos hablan de como ciertos entes intentar influenciar en nosotros para que hagamos lo que ellos quieren. Tema donde cambian ese halo de oscuridad que rodea al disco y le dotan de más alegría y luminosidad.
The Apparition, compuesta por Harris y Gears. Nos relatan una aparación que tiene el protagonista, la cuál le dice que sea fiel a sus principios y a sus amigos, y que en este mundo de confusión viva su vida con pasión.
Judas Be My Guide, compuesta por Dickinson y Murray. Otra de las joyas de este disco, con un comienzo demoledor donde un Dickinson lleno de rabia lo da todo, y donde los sólos encadenados de Gers y Murray dejan el listón muy alto.
Weekend Warrior, compuesta por Harris y Gears. Cómo buenos aficionados al fútbol en éste tema se hacen eco de esa lacra que lo rodea y que es el vandalismo en el mundo del futbol.
Fear Of The Dark, compuesta por Harris. Y para cerrar el álbum llegamos a la joya del disco, tema que tiene todo lo que suelen tener los grandes temas de Iron Maiden, historia, épica y mucho sentimiento, donde las melodías se entremezclan con la voz de Dickinson para regalarnos una de sus grandes joyas. Tema donde un hombre algo paranóico teme que en cualquier momento pueda surgir algo o alguien de la oscuridad. El tema fue compuesto por Harris para rememorar que él de pequeño también tenía miedo a la oscuridad.

Fear Of The Dark, el noveno álbum de estudio de la banda es un muy buen trabajo y al que nos agarramos como a un clavo ardiendo, pues a partir de ahí la banda inciaba una travesía por un desierto que tardarían años en cruzar, pero eso es otra historia...



sábado, 20 de junio de 2020

Canciones que nos emocionan: Breaking The Law, Judas Priest

Judas Priest


     Corre el año 1980, y Rob Halford (voz), K.K. Downing (guitarra), Glenn Tripton (guitarra), Ian Hill (bajo) y Dave Holland (batería), ó lo que es los mismo, Judas Priest publican el álbum que les consagra tanto en las listas de ventas como entre los fans del género heavy metal, e incluido en ese álbum se encuentra otro de esos temas que mí tanto me emocionan y en el que nos vamos a centrar...

Atrás quedaba ya cuando once años antes el grupo veía la luz en una pequeña localidad a 10 kilómetros de la ciudad inglesa de Birmingham, concretamente en West Bromwich, y empezaban a hacer sus pinitos. Se habían convertido por derecho propio en una de las referentes y grandes bandas del género heavy metal, siendo precursores además el sonido de las guitarras gemelas dentro del género.

En enero de 1980 el grupo decide meterse en el estudio para grabar el material que conformará su sexto álbum de estudio, Britsh Steel. Para ello vuelven a contar con los servicios del productor Tom Allom, con el que están muy satisfechos por su anterior trabajo con la banda, el álbum en directo Unleashed in the East, publicado en septiembre de 1979. Lo tienen tan claro que graban el material en tan sólo 28 días en los Startling Studios de Ascot, en el condado de Berkshire (Reino Unido), cuyos estudios eran de propiedad de Ringo Starr. Posteriormente emplean un par de meses para las mezclas, las cuales son realizadas en los CBS Recording Studios de Nueva York. El 14 de abril de 1980 salía publicado y veía la luz British Steel.

Con el paso del tiempo este disco ha sido señalado por revistas, críticos y sitios especializados como uno de los mejores álbumes del heavy metal. The Guardian lo citaba como uno de los 1000 discos que debes escuchar antes de morir; Classic Rock lo incluía entre los 200 grandes álbumes de los años 80; la revista Kerrang lo situó en el puesto número 12 de la lista de los mejores discos británicos; Y la revista Rolling Stone en 2017 lo situó en el tercer lugar de los mejores álbumes de heavy metal de todos los tiempos.

Incluido en British Steel se encuentra el tema Breaking The Law, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan. Compuesto por Rob Halford, K.K. Downing y Glenn Tripton y lanzado como segundo sencillo del álbum el 23 de mayo de 1980. Este tema se convirtió en una de los más grandes y revolucionarios temas de Judas Priest. El tema trata de una persona que está aburrida con la vida monótona y ordinaria que lleva y decide romper con esto, por lo que decide empezar a arriesgarse y para ello también comienza a violar la ley.

Este tema fue compuesto por Halford, Downing y Tripton en una época en la que en Reino Unido hubo mucha lucha con el gobierno, los mineros y los sindicatos del ramo del automóvil estaban en huelga, hubo mucha pelea en las calles y se produjeron multitud de disturbios. Fue un momento terrible, y esa fue según Halford la fuente de inspiración para componer este tema.
Como antes no existían los recursos de efectos de sonido que hay ahora, para hacer el sonido del cristal que se rompe que aparece en el tema el grupo utilizó unas botellas de leche que el lechero había llevado aquella mañana a los estudios propiedad de Ringo Starr, lugar donde estaban grabando, y procedieron a romper las botellas en el porche para grabar aquel sonido. En cuanto a la sirena que aparece, ésta fue grabada por el guitarrista K.K. Downing con el trémolo de su Fender Stratocaster, luego el productor Tom Allom revirtió y comprimió aquel sonido en el estudio dando como resultado la sirena.

There I was completely wasted, out of work and down

All inside it's so frustrating as I drift from town to town

Feel as though nobody cares if I live or die
So I might as well begin to put some action in my life
Breaking the law, breaking the law

Breaking the law, breaking the law

Breaking the law, breaking the law
Breaking the law, breaking the law
So much for the golden future I can't even start

I've had every promise broken, there's anger in my heart

You don't know what it's like, you don't have a clue
If you did you'd find yourselves doing the same thing too
Breaking the law, breaking the law

Breaking the law, breaking the law

Breaking the law, breaking the law
Breaking the law, breaking the law
You don't know what it's like
Breaking the law, breaking the law

Breaking the law, breaking the law

Breaking the law, breaking the law
Breaking the law, breaking the law
Breaking the law, breaking the law

Breaking the law, breaking the law

Breaking the law, breaking the law
Breaking the law, breaking the law

viernes, 19 de junio de 2020

El disco de la semana 181: Charles Bradley - Changes


El disco recomendado esta semana encajaría perfectamente en nuestra sección de "La música en historias", y es imposible que el hilo conductor en el que se base esta reseña no sea la complicada vida de Charles Edward Bradley (5 de Noviembre de 1948 – 23 de Septiembre de 2017). Nació y vivió hasta los ocho años en Gainesville (Florida), al cuidado de su abuela después de que su madre marchara a Nueva York y lo abandonara a los ocho meses de edad, por no poder hacerse cargo de él. Con ocho años, su madre decide por fin hacerse cargo, y Charles viaja a Nueva York para conocerla y empezar una nueva vida en el barrio de Brooklyn, dónde las cosas tampoco serían fáciles.

La situación económica de la recién unificada familia era angustiosa, pero cuando Charles tenía catorce años, su hermana pequeña encontró la manera de conseguir entradas para un concierto de James Brown en el Apollo Theater en Harlem (actuación que se grabó para la historia en el disco James Brown Live At the Apollo). Charles quedó tan impresionado, que empezó a imitar en casa la forma de cantar y los gestos del Padrino del Soul.

Ese mismo año, cansado de pasar penalidades, decide marcharse de casa, y durante dos años vive en la calle y duerme en vagones y estaciones de metro, o en coches abandonados. Charles empieza entonces a ganarse la vida con trabajos temporales, trasladándose en "auto stop" allí donde surjiera cualquier oportunidad. Cocinero de beneficencia en Maine, pescador de temporada en Alaska o encargado de mantenimiento de edificios, esto último de vuelta de nuevo a Nueva York. En paralelo, algún intento de formar un grupo, que tuvo poco recorrido porque al resto de componentes les acabaron alistando para la guerra de Vietnam, y un dinero extra haciendo imitaciones de James Brown en actuaciones en pequeños locales, en los que actuaba con nombres artísticos como "The Screaming Eagle of Soul", "Black Velvet" o incluso "James Brown Jr."


Ya entrado en los cincuenta, tocando como "Black Velvet" en uno de esos conciertos de imitación de James Brown, es descubierto por  Gabriel Roth (también conocido como "Bosco Mann"), fundador del sello Daptone, en cuyas oficinas Bradley había hecho precisamente trabajos de mantenimiento. Roth le presenta a Tom Brenneck, que acabaría siendo el productor de los discos de Charles y que le invita a los ensayos de la banda en la que toca la guitarra, la Menahan Street Band, que acabaría siendo la banda de acompañamiento que toca en todos los discos de Bradley.

Tras unos años de actuaciones con la banda, habría que esperar hasta 2011 para que la vida le diera por fin su primera oportunidad en el mundo de la música. Ese año, Brenneck y Bradley seleccionan diez grabaciones que conformarán el disco de debut: "No time for dreaming". No se puede decir que el título esté mal escogido, ya que con 63 años cumplidos, no había mucho tiempo para perder en sueños, si quería por fin abrirse paso y darse a conocer. A este disco le seguirían Victim of love (2013) Changes (2016), nuestro protagonista de hoy.


CHANGES

Changes es orgullo, historia y actitud. El orgullo de pertenencia a su patria, reflejado en el gospeliano arranque de God Bless America (Dios bendiga América) y del soul-funk desgarrado de Good to be back home (Es bueno estar de vuelta en casa). Es historia de la música negra, por el cuidado sonido retro de sentidas baladas como Nobody but you, y es actitud en temas como Ain't gonna give it up, dónde solo alguien que ha conocido los infiernos puede desgarrarse y decirnos que no va a rendirse, sin que nos quede ninguna duda de que va totalmente en serio.


Changes es descaro y locura. El descaro de versionar un tema de Black Sabbath y dejarnos impresionados con la forma en la que la lleva a su terreno, transformándola como si se la hubiera realmente llevado del Birmingham industrial a las orillas del Mississipi en los años 60, en un tremendo viaje en el espacio y en el tiempo. Descaro además por reconocer, abiertamente, que lo que hace puede ser pecado (Ain't it a sin) pero no le importa, porque está bien hecho. Son las cosas que se hacen por amor (Things we do for love), y eso lo justifica todo. Incluso la locura (Crazy for your love), que puede llevarte a cometer imprudencias o tonterías, pero que también puede ser el vehículo que te lleve a entregar un disco cuidado hasta el detalle, una auténtica golosina para los oídos, algo en lo que sin duda influyó el sello Daptone, una referencia imprescindible para todos los amantes del soul, por el cuidado con el que siguen facturando discos que suenan como en los sesenta, pero creados por músicos de esta generación actual. El que no me crea, o se quede con ganas de más, puede escuchar discos de Sharon Jones & The Dap-Kings o de Naomi Shelton & The Gospel Queens y repetir viaje en el tiempo todas las veces que quiera.

De modo que Changes es también respeto. Por las raíces y los sonidos. La manera en la que, a lo largo de los temas, se cuidan y se respetan los sonidos del género, es una de las grandes armas de este disco. No hay más que escuchar You think I don't know (but I know) para comprobarlo. Y saco este ejemplo porque, siendo difícil elegir un tema por encima del resto, el ritmo y la cadencia de los coros gospel me resulta absolutamente hipnótico, y el poder de esa hipnosis está en la música y la voz, y en cómo te hacen cerrar los ojos para trasladarte a otra época, para que negarlo, mejor en lo que a música se refiere.

Y por último, y como no podría ser de otra manera, Changes es cambio. Un cambio que Charles considera necesario en el mundo (Change for the world). El disco cierra con la aterciopelada balada Slow love, haciendo honor a su apodo de "Black Velvet" pero, afortunadamente, muy lejos de aquellos tiempos de penurias y sinsabores. Esta fue su brillante despedida, casi cuando acababa de empezar, antes de que un año después un cáncer de estómago se lo llevara.

Si hacemos caso de la temática de la mayoría de canciones gospel, Charles fue al cielo a reencontrarse con el Señor. Y seguro que, una vez hechas las presentaciones, encontró un momento para dejarse caer por el Teatro Apolo (en concreto por la sucursal que del mismo debe haber en el más allá) para saludar a James Brown y contarle cómo sus andanzas habían estado irremediablemente ligadas a su figura en las diferentes etapas de su vida, a veces en lo bueno y, muchas otras, en lo malo. Pero eso es lo que tienen los cambios. ¿No?

jueves, 18 de junio de 2020

La música en el cine: Jailhouse Rock, Elvis Presley

Jailhouse Rock


     Quien no ha movido los pies al ritmo del Rock de la cárcel, y quien no ha visto ya no toda la película pero sí la escena donde Elvis Presley interpreta este tema realizando un más que marchoso baile.

     En 1957 se estrenaba la película Jailhouse Rock (El Rock de la Cárcel), película dirigida por Richard Thorpe tenía como protagonista a Elvis Presley interpretando la figura de Vince Everett, un hombre que es condenado a un año de prisión por haber matado accidentalmente a un hombre en una pelea en un bar. Una vez en prisión será su compañero de celda quien haga que vince se interese por el R & R. Una vez fuera de prisión se convierte en una estrella, se le sube a la cabeza, sus amigos rehuyen de él, etc., lo que viene a ser un guión de este tipo de películas.

     Elvis estuvo acompañado por la actriz Judy Tyler, que encarna la figura de una promotora musical que le ayuda, Mickey Shaughnessy en la figura de su compañero de celda, Vaughn Taylor como el abogado que lleva los asuntos de Elvis, Jennifer Holden como la coestrella de los estudios que tienen fichado a Elvis, y Dean Jones, como la persona que difunde la grabación que hace famoso a Elvis. Esta fue la primera película filmada por Elvis para los estudios MGM, y rodada antes de que éste realizara el servicio militar.

     Para la retina queda ya la famosa escena donde suena en la prisión el tema Jailhouse Rock, un tema que Elvis canta además de realizar un elaborado número de baile. Para la realización del baile los coreógrafos se inspiraron en movimientos de baile de Fred Astaire y Gene Kelly. En cuanto al tema de la escena, Jailhouse rock fue una canción compuesta por Jerry Leiber y Mike Stoller. El tema fue lanzado primero como sencillo por la discográfica RCA en septiembre de 1957, y le seguiría el estreno de la película en noviembre de 1957.

     El tema se convirtió rápidamente en un éxito, siendo incluida por la revista Rolling Stone en el puesto número 67 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. También fue incluida entre las 500 canciones que conformaron el Salón de la fama del Rock and Roll. En el año 2004 se realizó una encuesta para decidir las 100 mejores canciones del cine estadounidense y Jailhouse Rock alcanzó el puesto número 21, y en 2016 fue incluida en el Salón de la Fama de los Grammy.

The warden threw a party in the county jail

The prison band was there and they began to wail

The band was jumpin' and the joint began to swing

You should've heard them knocked-out jailbirds sing
Let's rock everybody, let's rock

Everybody in the whole cell block

Was dancin' to the Jailhouse Rock
Spider Murphy played the tenor saxophone

Little Joe was blowin' on the slide trombone

The drummer boy from Illinois went crash, boom, bang

The whole rhythm section was the Purple Gang
Let's rock everybody, let's rock

Everybody in the whole cell block

Was dancin' to the Jailhouse Rock
Number forty-seven said to number three

"You're the cutest jailbird I ever did see

I sure would be delighted with your company

Come on and do the Jailhouse Rock with me"
Let's rock everybody, let's rock

Everybody in the whole cell block

Was dancin' to the Jailhouse Rock
Sad sack was sittin' on a block of stone

Way over in the corner weepin' all alone

The warden said, "hey, buddy, don't you be no square

If you can't find a partner, use a wooden chair"
Let's rock everybody, let's rock

Everybody in the whole cell block

Was dancin' to the Jailhouse Rock
Shifty Henry said to Bugs, "For Heaven's sake

No one's lookin' now's our chance to make a break"

Bugsy turned to Shifty and he said, "Nix, Nix

I want to stick around a while and get my kicks"
Let's rock everybody, let's rock

Everybody in the whole cell block

Was dancin' to the Jailhouse Rock
Dancin' to the Jailhouse Rock

Dancin' to the Jailhouse Rock

Dancin' to the Jailhouse Rock

Dancin' to the Jailhouse Rock

Dancin' to the Jailhouse Rock

miércoles, 17 de junio de 2020

Iron Maiden - Live after death (Mes Iron Maiden)

"Que no está muerto lo que yace eternamente, y con el paso de los eones aún la muerte puede morir..."
Ciudad sin nombre, H.P. Lovecraft
  
Esa es la inquietante frase que puede leerse en la lápida de la tumba de la que Eddie, la mascota del grupo, sale en la portada de Live After Death, en una especie de renacimiento de entre los muertos. Esta enérgica y visual vuelta a la vida, obra de Derek Riggs, su creador y diseñador habitual hasta 1992, nos transmite que el poderío musical de la banda está de vuelta, en forma de trepidante disco en directo, grabado en el Long Beach Arena de Los Ángeles. Esta "falsa resurrección" era en realidad una confirmación de un estado de gracia, ya que la banda atravesaba uno de sus mejores momentos, con el reciente disco Powerslave (1984) que promocionaban en la gira “World Slavery tour” de la que saldría este "directo después de la muerte", en el que despacharon con increíble calidad y fuerza algunos de los mejores temas de su carrera hasta el momento. Estamos ante uno de los mejores discos en directo de la historia, y probablemente uno de los pocos que, además, mejoran los originales en algunos de los temas. Si esto es lo que nos traen los Maiden después de la muerte, pido de antemano disculpas por la referencia a una irreverente y olvidable película, pero yo solo puedo decirles que, definitivamente, "La muerte os sienta tan bien".


LIVE AFTER DEATH (1985)

El álbum comienza con Aces High, que arranca tras el discurso de Winston Churchill al pueblo británico en 1940 desde la Cámara de los Comunes, ante el inminente bombardeo de Londres por parte de la aviación nazi en la Segunda Guerra Mundial:


"… Iremos hasta el final, pelearemos en Francia, pelearemos en los mares y océanos, pelearemos con creciente confianza y creciente fuerza en el aire, defenderemos nuestra isla, cueste lo que cueste, pelearemos en las playas, pelearemos en las pistas de aterrizaje, pelearemos en el campo y las calles, pelearemos en las colinas, nunca nos rendiremos…"
 


A la altura del "nunca nos rendiremos", o incluso desde las primeras palabras de la famosa arenga, un cosquilleo nos recorre el cuerpo, ante lo que sabemos es la eminente llegada de la batería y la guitarra de apertura de uno de los temas míticos de la banda. En una de las mejores aperturas de concierto de la historia de la música, tras este enérgico y patriótico tema, llega la no menos mítica 2 minutes to midnight y, sin posibilidad de respiro, atacan después la irrepetible The Trooper. Como si fueran conscientes de que semejante shock podía desbordar las consultas de los cardiólogos de Los Ángeles, bajan algo el ritmo, que no la calidad, con el tema Revelations,  y tras una buena revisión del tema Flight of Icarus, el disco vuelve a la senda del excelso nivel, y de la épica de alto voltaje, con Rime of the Ancient Mariner, una maravilla irreprochable a lo largo y ancho de sus 13 minutos.



A partir de ahí, y como ya nos había avisado Winston Churchill, "no nos rendiremos nunca". El pistón ya no bajará, y los rotundos temas irán cayendo uno a uno como fichas de domino. Empezando con Powerslave, de cuyo impacto no llegas a salir porque al instante suenan los memorables acordes del inicio de The Number of the Beast, y cuando piensas que no es posible superar lo insuperable, compruebas que aún se puede volar más alto, porque suenan las fúnebres campanas de esa joya absoluta que es Hallowed be thy Name. Simplemente no hay palabras para definir una de las mejores canciones de la historia del rock.

El increíble derroche de calidad y decibelios no podía quedar en el anonimato, por lo que, a continuación, sacan pecho con la homónima Iron Maiden, antes de huir desesperadamente hacia las colinas en Run to the Hills, para llegar al lugar en el que, por fin, poder correr en libertad al ritmo de Running Free, el gran final de este impresionante cuento épico, presentado bajo la forma de tremendo disco en directo, y del no menos impactante documental de promoción.


Pero nosotros queremos más, y como en la edición de 1998 se incluyeron cinco temas adicionales, grabados en la misma gira en un concierto anterior en el Hammersmith Odeon de Londres, hemos decidido que iremos hasta el final, como el chico airado de Wrathchild, para seguir peleando en las calles, incluyendo una breve parada en el 22 de Acacia Avenue. Pelearemos en los mares y océanos, defendiendo a los hijos de los condenados (Children of the Damned), defenderemos nuestra isla, cueste lo que cueste, hasta morir con las botas puestas (Die with your boots on), y nunca nos rendiremos… aunque todo se acabe, incluyendo este enorme disco, que se apagará inevitablemente con los últimos compases de Phantom of the Opera, otro de los grandes temas de la banda, que nos lleva en volandas hasta el final, con creciente confianza y fuerza en el aire, a bordo del bombardero en el que nos devolvieron a la vida después de la muerte.

lunes, 15 de junio de 2020

Canciones que nos emocionan: Californication, Red Hot Chili Peppers

Californication, RHCP


     Principios de 1998, Red Hot Chili Peppers se encuentran sin guitarrista tras la salida de la misma de Dave Navarro al ser despedido por la banda. En ese momento Flea se empieza a cuestionar el futuro del grupo y si merece la pena seguir en la brecha, y aunque piensa en la separación decide hacer un último intento por mantener vivo el proyecto. Para ello decide volver a llamar a John Frusciante quien ya había completado un programa de rehabilitación por su adicción a la heroína y se encontraba limpio. John, emocionado acepta la llamada de inmediato pues su adicción le ha dejado literalmente en la ruina. Así se gestaba la vuelta de John Frusciante a la banda en abril de 1998.

     una vez juntos otra vez Anthony Kiedis (voz), John Frusciante (guitarra y coros), Flea (bajo y coros) y Chad Smith (batería), comienzan a trabajar en lo que será su próximo álbum, Californication, que supondrá el séptimo trabajo en estudio de la banda. El disco es concebido en las casas de los miembros del grupo, donde Kiedis y Frusciante como antaño, cogen la batuta compositora del disco.

     Con el material ya preparado, en diciembre de 1998 se meten en los Estudios Cello de Los Ángeles, California, donde graban el material de su nuevo disco, acabando el proceso de grabación en marzo de 1999. El resultado es Californication, publicado en junio de 1999, disco que contiene 15 temas donde en la temática del grupo además de las habituales insinuaciones sexuales también tienen cabida la muerte, la lujuria, el suicido ó las drogas.

     Incluido en el álbum nos encontramos con el tema que da título al mismo, Californication, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan. Acreditada la composición a los cuatro componentes de la banda, es un tema donde se habla de la parte oscura de Hollywood, del deterioro de la sociedad y como las drogas hacen mella en ésta, donde la pornografía y la cirugía plástica están a la orden del día. También tienen menciones hacia Kurt Cobain, hacia iconos de la cultura pop como el álbum Station To station de David Bowie ó la revista Celebrity Skin, y también hacen referencia al planeta Alderaan, el ficticio planeta del que es originaria la princesa Leia de Stars Wars, planeta que fue destruido por El Imperio, al igual que el nuestro que está siendo abocado a la destrucción. En definitiva es un tema donde el grupo quiso dejar patente el deterioro de la sociedad, el cual se está volviendo superficial al igual que California que no iba a ser menos, lugar que ellos conocen muy bien.

Psychic spies from China try to steal your mind's elation

And little girls from Sweden dream of silver screen quotation

And if you want these kind of dreams it's Californication
It's the edge of the world and all of western civilization

The sun may rise in the East at least it's settled in a final location

It's understood that Hollywood sells Californication
Pay your surgeon very well to break the spell of aging

Celebrity skin is this your chin or is that war you're waging?
Firstborn unicorn

Hardcore soft porn

Dream of Californication

Dream of Californication

Dream of Californication

Dream of Californication
Marry me girl, be my fairy to the world, be my very own constellation

A teenage bride with a baby inside getting high on information

And buy me a star on the boulevard, it's Californication
Space may be the final frontier but it's made in a Hollywood basement

And Cobain can you hear the spheres singing songs off Station To Station?

And Alderaan's not far away, it's Californication
Born and raised by those who praise, control of population

Everybody's been there and I don't mean on vacation
Firstborn unicorn

Hardcore soft porn

Dream of Californication

Dream of Californication

Dream of Californication

Dream of Californication
Destruction leads to a very rough road but it also breeds creation

And earthquakes are to a girl's guitar, they're just another good vibration

And tidal waves couldn't save the world from Californication
Pay your surgeon very well to break the spell of aging

Sicker than the rest, there is no test but this is what you're craving?
Firstborn unicorn

Hardcore soft porn

Dream of Californication

Dream of Californication

Dream of Californication

Dream of Californication

domingo, 14 de junio de 2020

Iron Maiden - Powerslave (Mes Iron Maiden)






Descubrí a Iron Maiden casi como todo el mundo, a través de la recomendación de un amigo ("¿Que no has escuchado a los Maiden?") y, sobre todo, gracias a la tienda de fotocopias que tenían mis padres cuando yo era pequeño. Ya comenté en un artículo de este blog sobre el Nevermind the bollocks de los Sex Pistols llamado "La Zona Punk" que, cuando los adolescentes acudían a la tienda para fotocopiar las portadas de las cassettes de música, yo  hacía dos copias de aquellas que más me impresionaban, para quedarme con una y entretenerme con las ilustraciones, imaginando como sonarían aquellas canciones sin todavía conocerlas. Prácticamente el 100% de las caratulas de cassette que pasaban por allí eran de heavy metal, y Iron Maiden eran mis favoritos por sacar en todas las portadas al famoso monstruo Eddie, en situaciones diferentes en cada disco. Uno de aquellos impactantes discos era Powerslave, en el que para la ocasión Eddie aparecía transformado en una monumental estatua esculpida en la entrada de una enorme pirámide, escoltado por dos grandes chacales a los lados y dos esfinges que reposan majestuosas a sus pies. Como curiosidad, la portada del disco incluye además muchos detalles escondidos, como el logotipo de su creador (Derek Riggs), referencias a Indiana Jones y hasta una ilustración de Mickey Mouse.​



Dicen que no hay que juzgar a un libro por su portada, y eso aplica también a los discos, pero he de reconocer que es una práctica habitual cuando me lanzo a la búsqueda de discos y artistas que no conozco. Incluso diría que, en los raros casos en los que portada y contenido coinciden en calidad, la satisfacción es doble. Powerslave es uno de esos casos. Un disco a la altura de The number of the beast por el nivel de calidad del contenido, pero muy por encima en cuanto a portada, que además refleja a la perfección la propuesta lírica de las canciones, que contienen la carga épica habitual y se inspiran en algunos momentos en la simbología del Antiguo Egipto y en la figura del faraón y el culto/miedo a la muerte. No en vano, la idea del disco surgió tras una visita del grupo a las Pirámides y al templo de Abu Simbel, en un cuya famosa entrada esculpida en la montaña se basa la portada de Powerslave.


POWERSLAVE

El famoso discurso de Churchill en el que arengaba a sus conciudadanos a luchar en las calles y en todos los sitios posibles contra la amenaza nazi en la Segunda Guerra Mundial ha quedado como intro perfecta de Aces High, uno de los clásicos de la banda y un homenaje a los cazas británicos que defendieron Londres de los bombardeos de los cazas del III Reich. Del patriotismo al antibelicismo, nos llevan al filo de la medianoche en 2 minutes to midnight, otro de los temas bandera del grupo. Entre las dos hacen del arranque del disco uno de los momentos más potentes del conjunto.

Es cuestionable la decisión de colocar Losfer words en tercera posición, quizá es demasiado pronto para un tema instrumental, que aunque no desmerece en calidad ni en fuerza, parte de alguna manera el disco y separa el brillante comienzo del núcleo central de la obra. Tras este paréntesis, con Flash Of The Blade regresan al terreno de las historias épicas que tan bien le sientan al grupo y, en concreto, a este disco. La épica y el enfoque histórico-medieval llega incluso a cotas mayores en The Duellists, en la que, apoyada en una brillante y vigorosa instrumentación, se relata uno de esos duelos con espadas en el que uno de los participantes recuperaba el honor, mientras que el otro encontraba la muerte como premio de consolación por la derrota.


Back In The Village arranca con un riff marca de la casa, y en líneas generales mantiene el tipo, pero palidece ante las brillantes joyas del disco, y el problema es que tiene una justo a continuación para que las comparaciones sean odiosas. El tema que da título al disco, Powerslave, con sus guiños de sonido arabesco y su temática faraónica, es una pieza memorable de principio a fin. Habría sido el final perfecto para el disco, si no fuera porque el final perfecto para el disco estaba por venir.
En Rime Of The Ancient Mariner, sin duda una de las tres canciones que compondrían el podio de obras maestras de los Maiden (junto a Hallowed be the name y The Trooper, en mi humilde opinión), despliegan a lo largo de sus 13 minutos de duración una cantidad de cambios de ritmo y de texturas melódicas ante los que sólo podemos hincar la rodilla en el suelo y rendir pleitesía. El nivel lírico es, de nuevo, apabullante, con una letra basada en el poema de Samuel Taylor Coleridge sobre la maldición que sufren unos marineros de camino a la Antártida, cuando uno de ellos mata accidentalmente a un albatross. Ese signo de mal fario les acompañará durante el viaje y les condenará a la muerte en vida. Y con este épico e impactante cuento tétrico se despiden de nosotros.
En aquellos tiempos, el silencio que dejaba el cassette al final del disco era la antesala de una larga espera hasta la publicación del siguiente disco. Hoy en día, como buenos esclavos del poder, podemos encontrar alivio instantáneo en la escucha on line de cualquier disco de su discografía. Puede que algunos suenen hoy diferentes, descoloridos en parte por el paso del tiempo, pero otros como Iron Maiden, Killers, The Number of the Beast y este Powerslave, parecen haber firmado el mismo pacto de inmortalidad con el diablo que en su día firmó Eddie, y que le permitió ser la icónica imagen de muerte y destrucción de todos esos álbumes. Yo hacía dos copias para preservarlo, porque sabía que, cuando todo fallara, cuando las tropas enemigas bombardearan, saquearan y destrozaran todo cuanto encontraran a su paso, un monstruo cadavérico se erguiría entre las cenizas para sostener amenazante y con puño de hierro la raída bandera de la resistencia humana.

sábado, 13 de junio de 2020

Canciones que nos emocionan: Stranglehold, Ted Nugent

Ted Nugent


     Hace ya mucho tiempo que descubrí este tema en una de esas jornadas en la que suelo perder el tiempo a la búsqueda de temas y artistas nuevos nuevas para mí. El sólo inicial del tema me pareció absolutamente brutal, potente, demoledor, de esos que te enganchan tras los primeros 3 segundos de escucha. Por eso no podía faltar en la sección este tema de Ted Nugent.

     Ted Nugent nace en Redford, Michigan (Estados Unidos) en 1948, y es criado bajo una estricta educación religiosa, de hecho provenía de una familia con raíces militares y su padre era sargento militar de carrera.
Los primero pinitos de Ted los realiza a mediados de los años 60 en un grupo llamado The Amboy Dukes mientras cursa sus estudios de secundaria. La banda va creciendo y asentándose poco a poco, consiguiendo en 1973 un contrato con la discográfica DiscReet Records propiedad de Frank Zappa, con la que publican el álbum Call OfThe Win, y al año siguiente Tooth Fang & Claw. Sin embargo la banda es un constante ir y devenir de músicos que entran y salen constántemente, lo que provoca que ante la falta de estabilidad de la misma Ted Nugent decida salir de la misma y emprender su carrera en solitario.

     Ted consigue en 1975 un contrato con Epic Records, grabando con ésta discográfica su primer álbum en solitario. Los músicos que forman la primera agrupación de Ted son el rpopio Ted Nugent (guitarra y voz), Derek St. Holmes (guitarra y voz), Rob Grange (bajo) y Clifford Davies (batería). El resultado es el disco titulado Ted Nugent que sale a la venta en septiembre de 1975. El debut en solitario le sienta más que bien, consiguiendo con este disco posicionarse en la famosa lista estadounidense Billboard Top 30 y consiguiendo además la certificación de disco multiplatino.

     Incluido en el álbum encontramos el tema Stranglehold, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan. Tema de más de 8 minutos de duración con una introducción brutal de guitarra de Ted. El sólo del tema que se marca Ted fue catalogado por la revista Guitar Wolrd en el puesto número 31 de los mejores solos de todos los tiempos.
En cuanto a la composición de tema está acreditado a Ted Nugent y Rob Grange. Ted comentaba que la canción no sólo tenía connotaciones sensuales y sexuales, también era una canción de desafío pues ese es el tipo de música que a la gente le encantaba y durante los más de 300 conciertos anuales que solía dar, el público la vivía enfervorecida y las chicas la bailaban como si no hubiera un mañana. El tema era interpretado en un principio por Derek St. Holmes, pero Ted Nugent consideraba que esto hacía que su estatus en el escenario se resintiera, por lo que decidió cantar él mismo ya no sólo este tema sino todos sus éxitos. Para Ted Nugent sólo podía haber una lobo alfa en el escenario y ese era él, todo genio y figura. Cierto es que Ted Nugent es un personaje controvertido, pero en 7dias7notas nos centramos siempre en el aspecto musical, del resto dejamos que saqueis conclusiones vosotros mismos.

Here I come again now baby

Like a dog in heat

Tell it's me by the clamor now baby
I like to tap the streets
Now I've been smoking for so long

You know I'm here to stay

Got you in a stranglehold baby
You best get out of the way
The road I cruise is a bitch now baby

You know you can't turn me 'round

And if a house gets in my way baby
You know I'll burn it down
You remember the night that you left me

You put me in my place

Got you in a stranglehold baby
You're gone, I crushed your face
Yeah, sometimes you want to get higher

A sometimes you gotta start low

Some people think they gonna die someday
I got news you never got to go old
Come on, come on up

Come on, come on up

Come on, come on up
Come on, come on up
Come on, come on baby
Come on, come on, come on, come on up
Come on, come on, come on, come on baby
Come on, come on, come on
The road I cruise is a bitch now baby

You know you can't turn me 'round

Yeah and if a house gets in my way
You know I'll burn it down
You remember the night that you left me
You put me in my place
I got you in a stranglehold baby
Last night I crushed your face