viernes, 12 de abril de 2019

El disco de la semana 123: Prince "Purple Rain"




Queridos hermanos,
Nos hemos reunido aquí hoy para afrontar esta cosa llamada "vida".

Palabra eléctrica "vida", significa para siempre y eso es mucho tiempo

Pero estoy aquí para deciros que hay algo más... el más allá

Un mundo de felicidad sin fín, en el que siempre podréis ver el sol, de día o de noche
Así que cuando llaméis a ese tipejo en Beverly Hills, sabéis quién digo, el Dr. “Todo irá bien”

En lugar de preguntarle cuánto tiempo os queda,
preguntadle cuánto queda de vuestra mente.

Porque en esta vida, las cosas son mucho más difíciles que en el más allá.

En esta vida... Estás sólo

Y si el ascensor intenta llevarte abajo,

Vuélvete loco... ¡¡¡Pulsa el piso superior!!!

Este es el comienzo de "Let's  go crazy", el tema que abre "Purple Rain". Una impactante intro de teclado y voz salmódica que es una sátira de los discursos de los predicadores prometiendo el más allá, sólo que en este caso el predicador es Prince, que nos aconseja enloquecer y divertirnos antes de que los enterradores "nos metan en el camión". Algunos le hicimos demasiado caso y enloquecimos hasta el extremo de cantar esta canción en un concurso de flamenco, pero esa es otra historia (ver "La música en historias: Prince y el concurso de Flamenco" en este blog)


Tras esta particular reflexión sobre la vida y la muerte, explotan las guitarras y los teclados y ya no habrá tregua. En su propuesta musical y escénica, vestido como un Mozart que viajara en el tiempo y descubriera una guitarra eléctrica y un amplificador, Prince nos lleva a su particular más allá cuando la canción llega a su fin en un solo de guitarra electrificante al mas puro estilo Hendrix, hasta que desatado grita a la banda "Llévadme lejos", momento en el que todos los instrumentos estallan en un último golpe final.

¿Y cómo enganchar la siguiente canción con un final así? Solo podía ser arrancando de nuevo en lo más alto. Un épico redoble de batería que mantiene la adrenalina en los niveles en los que el anterior tema la dejó, hasta que la canción muta en un medio tiempo agradable marcado por el ritmo pegadizo de los teclados. Si antes nos invitaba a un viaje enloquecido,ahora "Take me with U" (Llévame contigo) es la respuesta a esa invitación. Subamos en la icónica moto púrpura y viajemos hasta el Lago Minnetonka o hacia dónde quiera que el genio de este artista quiera llevarnos.

El éxtasis vocal final de "The Beautiful Ones" en "Purple Rain"
Asumiendo la vida como una locura que hay que aprovechar, y aunque tengas a una bella acompañante sentada en el asiento de atrás de tu moto, aún necesitarás declararle tu amor de manera rotunda y convincente, para lo que la escucha de "The Beautiful Ones" será de gran ayuda. En uno de los temas más impactantes del disco, Prince pasa del enamorado falsete del primer tramo, a la rabia y pasión desmedida ante la indecisión de la mujer amada, "Le quieres a él, o me quieres a mí, porque yo te quiero a tí" grita desgañitándose, en un final de canción que es la declaración de amor más brutal que he escuchado en un disco.

Y entramos entonces en el tramo del disco más lascivo, el más Prince en cuanto a la temática sexual provocadora y controvertida. "Computer Blue" es una reflexión de un personaje solitario que no entiende por qué las relaciones de pareja no le han ido bien, sintiéndose como un triste computador que necesita ser reprogramado, pero comienza con una conversación entre Wendy Melvoin (guitarra) y Lisa Coleman (teclados), en lo que parece la conversación previa a darse un baño caliente juntas.

Musicalmente la canción vuelve a la senda rockera del inicio del disco, y contiene una de las transiciones instrumentales más brillantes del disco (con permiso del épico solo de guitarra de "Purple Rain") en el desarrollo guitarrístico de la segunda parte de la canción, con toda la banda tocando a tope hasta llegar al abrupto grito de Prince que marca el cambio a "Darling Nikki", la canción más polémica y oscura del disco, con una temática similar a la que desarrolló en "Little Red Corvette" (chico recordando una experiencia sexual con una chica mucho más experimentada y liberada).

La diferencia es que en la canción de 1999 el tono es nostálgico y más luminoso, sugiriendo a través de atrevidas metáforas, mientras aquí el lenguaje es totalmente explícito, hasta el punto de ser ésta canción la responsable de la inclusión de la pegatina "Parental Advisory: Explicit Lyrics" ("Aviso para padres: Letras Explícitas") en las portadas de los discos que incluyeran contenido considerado ofensivo o peligroso para la juventud estadounidense.

Para rebajar la tensión del tema más duro del disco, tanto en temática como en intensidad rockera, y para dar un final místico y esotérico a la cara A, la canción culmina con una parte coral en la que Prince hace todas las voces. Esta parte está grabada al revés, en un guiño al mito de los mensajes satánicos en los discos de rock. Como curiosidad, lo que dice reproduciéndolo correctamente es un mensaje religioso en lugar de satánico: "Hola, ¿cómo estás?, yo estoy bien porque sé que el Señor vendrá pronto"

La cara B abre con "When Doves Cry", uno de los temas emblemáticos del genio de Minneapolis, no solo por ser el single de adelanto del disco, sino porque para esta canción eliminó todas las líneas de bajo. Todos le dijeron que era una locura, no se podía hacer una canción de éxito sin bajo. No era Prince muy amigo de rectificar sus ideas por influencia de otros, así que la canción se quedó sin bajo y se convirtió en un éxito mundial, su primer  número uno en Estados Unidos y la canción más vendida del año.


La siguen dos canciones enlazadas, "I would die 4U" y "Baby I'm a Star". La primera es la canción más sencilla y corta del disco, lo cual no evita que brille con luz propia, aunque carece de la profundidad de matices y los cambios sorprendentes del resto. La segunda es la canción más funky del álbum, en la que la banda está más presente que nunca y en la que más se evidencia otra de las curiosidades sorprendentes de este disco: Gran parte de los temas están grabados en directo, en un concierto celebrado en 1st Avenue en 1983, en el mismo escenario en el que transcurren las actuaciones de la película. La calidad de los temas es tal, y fueron tan brillantemente aderezados con arreglos adicionales en el estudio, que cuesta creer que muchos de los temas sean en directo.

Así es queridos hermanos, cortes como la propia "Purple Rain", el grandioso tema que cierra y titula el disco, son en realidad canciones interpretadas en directo en lugar de creaciones de estudio. Puede apreciarse en la parte orquestal final, cuando la lluvia púrpura ya está amainando, y pueden oirse los silbidos y alabanzas del público. Ese público que, desde aquel día, ha reconocido y admirado la grandeza de un tema que, curiosamente, surgió de un intento de Prince de ¡hacer una canción country!, para acabar convirtiéndose en un himno atemporal surgido de una actuación irrepetible.

Poco más puedo decir de una canción y de un disco que no son abarcables con simples palabras, así que para cerrar la reseña voy a hacer mías las palabras del replicante de Blade Runner, que valoraba las cosas bellas de la vida más que muchos humanos:

"Yo he visto cosas que vosotros no creeríais... He cantado Let`s go crazy en un concurso de flamenco, he visto a un amigo subir a un risco a gritar The Beautiful Ones a los cuatro vientos dedicada a la chica de sus sueños, he grabado mi propia versión de Purple Rain en un local de ensayo con mis amigos los "Telelovers", me he emocionado al escuchar a mis hijos tocar When Doves Cry en sus clases de piano... Todos esos momentos se perderán en el tiempo... como lágrimas... en la lluvia púrpura".

jueves, 11 de abril de 2019

La redención del Heavy Metal en el Camino de Santiago


Mientras esperamos noticias del Tiburón Amarillo, vamos a embarcarnos en otra aventura relacionada con el libre albedrío de CDs por el mundo. Y lo vamos a hacer de la mano de nuestro flamante nuevo miembro Storyboy, al que vamos a enviar como corresponsal a hacer el Camino de Santiago el próximo 16 de Abril de 2019, para llevar un disco de heavy metal ("esa música del diablo") hasta los aledaños de la Catedral.


Una vez allí, lo regalaremos a quién quiera escucharlo, tras una larga peregrinación y con la esperanza de conseguir la ansiada redención de todos los pecados de los que se acusa a los intérpretes del género.

El heavy metal, como subgénero de la música rock, surgió en Inglaterra y Estados Unidos a finales de la década de los 60, a partir del rock and roll, el blues rock, el rock psicodélico y la música clásica. Ésta última quizá os sorprenda más, y a diferencia de las otras, está históricamente más asociada con lo puro y lo sagrado.

En Inglaterra el género surgió en la ciudad industrial de Birmingham, en el marco propicio de una juventud sin recursos económicos y desilusionada con la realidad social del país. Se considera a Black Sabbath la primera banda de este género. En Estados Unidos aparecerán casi al mismo tiempo bandas como Led Zeppelin y Blue Oyster Cult, que serán también precursoras del sonido conocido como heavy metal, pero es Black Sabbath quién, según algunas teorías, le dió el nombre al género por sus guitarras distorsionadas emulando el sonido de las máquinas en las fábricas de acero de Birmingham.

¿Y por qué una música que nace como protesta por la situación política y social de un colectivo deprimido tiene que representar al Diablo? La música es un bien de todos, no entiende de bandos y no distingue entre ángeles y demonios, y con ese pensamiento nos planteamos compartirla. Y ya que pudieron ser los Black Sabbath los creadores de la discrepancia, será su disco "13" el que llevaremos hasta el final del camino, después de que lo recorra como cualquier peregrino en busca del final de una relación antagónica sin ningún sentido histórico. 


Storyboy nos irá enviando fotos de las aventuras que vaya viviendo junto al disco, y de la entrega como regalo a su nuevo dueño o dueña. No será un camino fácil, pero la empresa bien merece el sacrificio. Iremos cargados con toda nuestra buena intención y con la mano tendida a lo desconocido. Como dijo Jack Nicholson en su personaje de Presidente de los Estados Unidos en Mars Attacks:
"¿Por qué no podemos simplemente ser amigos?"

miércoles, 10 de abril de 2019

Rock Nacional Argentino: Sui Generis

Álbum: Pequeñas anécdotas
sobre las instituciones

Sui Generis

Como en una máquina del tiempo, me puedo permitir de volver a fines de la década del 60, más precisamente a 1969 donde dos jóvenes pioneros del rock se han conocido y en las letras de sus canciones nos dicen ".... Hubo un tiempo que fui hermoso
Y fui libre de verdad..." al comenzar una de las canciones escritas por Sui Generis.

Canción para mi muerte
https://youtu.be/-LKg9YNB1kw

Y esta será la banda de rock que les traigo hoy, donde conoceremos una parte de su historia y a sus integrantes, pero lo más importante será conocer su música.

Álbum: Vida
Está banda fue conformada por Charly García y Nito Mestre, dos referentes del rock nacional, ambos se conocieron cursando la escuela secundaria, en el barrio porteño de Caballito, pero no serán los único que conformarán la banda sino que por sus filas pasarán junto a ellos otros artistas, pero los vaivenes harán que se consolide como dúo y en 1972 editarán su primer disco de estudio llamado Vida.

Y pronto sus canciones serían interpretadas en los fogones de los campamentos juveniles y las reuniones de jóvenes, por su estilo suave y poéticos de sus canciones.

Consolidada a la banda, vendría en 1973 un nuevo disco de estudio "Confesiones de invierno", donde el sonido cambiaría a un estilo más roquero.


Rasguñas las piedras
https://youtu.be/cyE8z8YcNcc

Bienvenidos al tren
https://youtu.be/Ahjuwcjk-3A

Álbum: 
Confesiones 
de Invierno
(Contra tapa)
Rasguñas las piedras se volvería más tarde una de las canciones de la banda de sonido de La Noche de los Lápices, un film que hablar de la detención de un grupo de jóvenes estudiantes de la ciudad de La Plata que luchaban por el boleto estudiantil.

La popularidad de la banda y un entorno  sociopolítical complicado de la Argentina, donde la vuelta de una democracia frágil por momentos, no detendría a Sui Generis y lograría editar un nuevo álbum llamado "Pequeñas anécdotas sobre las instituciones", este disco llega a finales de 1974 cargado de críticas a las diferentes instituciones políticas y sociales, y como hemos dicho el entorno sociopolítico complicado de la época, y la censura obliga a la banda a editar canciones y quitar canciones del disco, como ser:



Y las cosas ya no serían como antes, la banda sufriría constantes censuras e incluso serian detenidos en Montevideo - Uruguay por interpretar algunas de las canciones censuradas, esta situación sociopolítical y otras situaciones de estrés de la banda hace que en 1975 decidan disolver el grupo, dando fin a una de las mejores bandas de la historia del rock.


Álbum: 
Adiós 
Sui Generis
Pero no se iría sin antes dejar una serie de conciertos que se plasmaran en los discos de la banda en vivo llamados Adiós Sui Generis vol. 1 y vol. 2, y 18 años más tardes se editará una tercera parte (1994), de aquella despedida.

Sui Generis nos a dejado sobre todas las cosas un aprendizaje enorme en nuestra historia del rock, un rock que hoy sigue vivo en los fogones de los campamentos donde una guitarra criolla resuena con algunas canciones de la banda, y nos recuerda un tiempo que fue hermoso de verdad, y aunque no fui parte de esa historia la he aprendido al escuchar sus canciones.


Y quizás no habré sido ese espectador que habría deseado ser, pero imaginemos por un instante tener la posibilidad de viaje en el tiempo y ser parte de ese tiempo como espectador, dejemos que nuestra máquina del tiempo nos lo permita y sentir de esta forma haberlo vivido.

Daniel
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lunes, 8 de abril de 2019

Canciones que nos emocionan: Going Down, Freddie King

Freddie King
  

     En esta ocasión voy a hablar de uno de esos temas de blues que puedo estar escuchando en bucle una y otra vez sin parar, y es que la versión que se marca nuestro amigo Freddie King es brutal, espectacular. Y digo versión, si amigos, pues al principio cuando conocí este tema siempre tuve la certeza de que era de Freddie, (el tema en cuestión aparecía en su disco titulado Getting Ready - 1971), pues no, con el tiempo descubrí que ni era suyo ni fue el que primero lo grabó, pero su versión es para mí la mejor, pura emoción, fuerza y sentimiento.

    
I'm going, down, down, down

Down, down
Yes, I'm going down, yes
I'm going down, down, down
Down, down
Yes, I've got my feet in the window
Got my head on the ground
Let me down

And close that box car door
Yes, let me down
And close that box car door
Well, I'm goin' back to Chattanooga
And sleep on sister Irene's door
Hey!
Yes, I'm going down

I'm going down
I'm going, down, down, down
Down, down
Yes, I got my feet in the window

I got my head on the ground

     Después de descubrir que este tema no era de Freddie me puse manos a la obra y comencé a investigar, y descubrí que había sido compuesto por Don Nixon, el cuál es un músico, compositor, arreglista y productor estadounidense. Así de primeras este nombre puede no decirnos nada, pero esta persona tuvo un papel muy importante en la creación y desarrollo del llamado sonido Menphis soul, sonido que se desarrollo en los famosos estudios Stax Records y que tuvo cómo uno de sus máximos exponentes a los maravillosos Booker T & The MG's.

     Don nació en Memphis, Tennessee, y mientras su hermano Larry se dedicaba a la ingeniería musical (ingeniero de masterización y sonido para Stax Records y para los estudios Ardent Recording de Memphis) él comienza su carrera tocando el saxofón, y lo hace tocando para Mar-Keys. Mar- keys era una banda de sesión de los estudios Stax, y cuando Don abandona la banda, Mar-keys evoluciona y acaba adoptando el nombre de  Booker T & The MG's, casi nada.

     Y Don abandona la formación de Mar-Keys para trabajar en  la producción y composición para otros artistas, y la lista de gente con la que trabajó tanto en una faceta como en la otra es impresionante: George Harrison, John Mayall & The Bluesbrakers, Freddie King, Albert King, Jeff Beck, Brian May y Eric Clapton por citar sólo algunos.

     Entre sus composiciones se encuentra Going Down, tema que compuso Don y que vio la luz por primera vez de la mano de un grupo llamado Moloch en 1969 en su álbum homónimo. Un tema que ha sido versionado por gente de la talla de Jeff Beck, JJ Cale, Bryan Ferry, Pearl Jam, Gov't Mule, Deep Purple, Stevie Ray Vaughan, Joe Satriani, Led Zeppelin, Joe Bonamassa ó Sami Hagar entre otros. Y de todas la versiones yo me quedo con la de Freddie King, que para mí fue el que mejor ha sabido transmitir "el alma" de este maravilloso tema.

domingo, 7 de abril de 2019

Rock Nacional Argentino: Los Abuelos de la Nada


Los Abuelos de la Nada

Vamos hablar de otra banda de rock nacional Los Abuelos de la Nada, no se si muchos sabrán fue una banda que se conformo en la década del '60 en su formación inicial con Miguel Abuelo (voz), Alberto Abuelo Lara (bajo), Héctor Pomo (percusión), Miguel Lara (guitarra), Eduardo Fanacoa (teclados), Pappo (guitarra) y Claudio Gabis (guitarra).
Qué duro poco, ya que la relación con sus miembros, no fue muy buena, y otra vez la escena de la historia se mezcla con el rock, y un nuevo gobierno militar hace que Miguel Abuelo tome la decisión de emigra a Europa y luego tras una década en el exilio vuelve a la Argentina.

Los Abuelos de la Nada
Ahora de regreso Miguel Abuelo conforma una nueva formación para Los Abuelos de la Nada, Miguel Abuelo en voz y Cachorro López bajista y los demás integrantes, Daniel Melingo en saxo, Polo Corbella batería, Gustavo Bazterrica guitarra y un joven Andrés Calamaro en teclados.

Nuevamente nos encuentra la década de los '80, para contar una nueva historia de Rock, y descubrir cuáles fueron las canciones que marcaron a esta banda de rock, y sobre todo a su líder.

Festival Rock&Pop, 1986:
Miguel Abuelo cantando
Himno de mi corazón.

La memoria me trae esos lugares comunes y me recuerda las primeras canciones que he escuchado de Los Abuelo de la Nada

No Te Enamores Nunca de Aquel Marinero Bengalí
https://youtu.be/_pUUjjsybLQ

Lunes por la madrugada
https://youtu.be/KiZgw5WYln0

Himno de mi corazón
https://youtu.be/nBS9BQXFSnU



Y otra vez el estilo de música divertida toma presencia en otra banda de rock argentino, con mezcla de pop rock y rock and roll.

La banda comienza a tener éxito, y dejará para el rock nacional canciones coreadas por todos, quien nunca ha coreado los estribillos de "mil horas" tras oírla sonar


Las letras de las canciones no son sólo de Miguel Abuelo, un joven Andrés Calamaro es el encargado de escribir canciones para la banda como ser "costumbres Argentinas"

Costumbres Argentinas
https://youtu.be/sZrqqyEeY30

Andrés Calamaro deje la banda, nuevamente Los Abuelos de la Nada entra en un nuevo cambio y tras esto nuevos cambios nuevas cosas sucederán en la vida de Miguel Abuelo.

Los cambios en la banda y un permanente estado de sentirse enfermo, a Miguel Abuelo le descubre que tiene Sida, y ahora todo cambia.

Miguel decide dar fin a Los Abuelos de la Nada en el año 1988, y ese mismo año tras un problema de salud fallece.

Miguel Abuelo
La vida de Miguel Abuelo para mi es el reflejo de Los Abuelos de la Nada su creación, una banda de rock nacional que nos ha dado mucho.

Los Abuelos de la Nada tanto en la formacion inicial como en su segunda etapa albergó músicos de la talla de Pappo Napolitano y Andrés Calamaro, figuras del rock que pienso hoy que gracias a ellos 

Los Abuelos de la Nada, nunca habrían sido lo que fue y sobre todo gracias a ese incansable espíritu del rock que fue Miguel Abuelo.

Daniel
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sábado, 6 de abril de 2019

La música en historias: Funky junction y el Magnate

Funky Junction, Play a tribute to Deep Purple



     Corría el año 1972, y Phil Lynott, Brian Downey y Eric Bell, quienes formaban Thin Lizzy  ya habían sacado a la luz dos discos, el primero homónimo llamado Thin Lizzy (1971) y Shades of a Blue Orphanage (1972), pero su suerte no había cambiado demasiado porque lo que era ganar dinero habían ganado más bien poco, o mejor dicho, andaban bastante tiesos de pasta.
Su suerte cambiaría temporalmente cuando un empresario discográfico alemán de nombre Leo Müller contactó con ellos ese mismo año y les ofreció la nada despreciable cantidad de 1000 libras esterlinas por grabar un disco compuesto por cinco versiones de Deep Purple y algún que otro tema más. Tentados por el dinero ofrecido y por las pelusas de los fondos de sus bolsillos Lynott y compañía acceden a realizar el disco para este empresario. ¿Pero quien era en realidad este empresario?
Leo Müller ni se llamaba así ni era alemán. Su nombre real era Dave L. miller y el nombre de Leo era el pseudónimo  que usaba dentro del mundillo del coleccionismo de discos, ya que Leo era un reputadísimo coleccionista y comprador de discos además de ser productor y fundador de numerosas compañías de discos de bajo presupuesto.

     Dave L. Miller realmente nació en 1925 en Filadelfia, Pensilvania, y sirvió en la Segunda Guerra Mundial, a la vuelta de ésta, para ganarse la vida empieza con su cuñado grabando bodas directamente en discos. Dave durante una visita a una planta de prensado de la discográfica RCA en Nueva Jersey lo tuvo claro y decidió que quería crear su propia discográfica, y junto a su hermano Paul y su padre Albert y los ahorros que todos tienen consiguen fundar su primera compañía, Palda Records.
Dave durante su vida fundó de varias compañías discográficas más, como Essex Records en Pensilvania, Somerset Records también en Pensilvania, Europa Records en Alemania ó Stereo Gold Award en Reino Unido.

     Una vez descubierta la identidad de Leo Müller, volvamos a su proposición y a Thin Lizzy. Leo había hecho la propuesta a Thin Lizzy, y estos que estaban pelados aceptaron de inmediato, 1000 libras esterlinas a cambio de un día de grabación. Lynott tenía muy clara una cosa, no quería cantar en las grabaciones pues consideraba que su registro distaba mucho de paracerse al de Ian Gillan, así que para ocuparse de la parte vocal el grupo fichó a Benny White, cantante del grupo dublinés Elmer Fudd ya que tenía experiencia tocando con su grupo covers de Deep Purple. Y como Thin Lizzy tampoco tenían teclista acabaron fichando para la ocasión a Dave "Mojo" Lennox, también teclista de Elmer Fudd. Una vez completada la formación para la ocasión (Lynott al bajo y coros, Downey a la batería, Bell a la guitarra, "Mojo" a los teclados y White encargado de la parte vocal) se metieron en los estudios De lane Lea de Londres y se pusieron manos a la obra, grabando cinco covers de Deep Purple, Fireball, Black Night, Strange Kind of Woman, Hush y speed king. Además de esos cinco covers la formación grabó cuatro temas de corte instrumental, Dan tema basado en el tema tradicional irlandés Londonderry Air, Danny Boy otro tema tradicional tocado en un estilo muy a lo Hendrix, Rising Sun que era una versión del famoso tema The house of Rising Sun de los Animals y Corina, figurando en estos 4 temas instrumentales Leo Müller en los créditos cómo compositor de las mismas.
Evidentemente el nombre de Thin Lizzy no parecería por ninguna parte, apareciendo como grupo acreditado Funky Junction y título del disco Play a Tribute to Deep Purple. Y para la portada del disco aprecía un grupo diferente, llamado Hard Staff, grupo que curiosamente acabó firmando por el propio sello discográfico de Deep Purple.

     Lynott, Bell y Downey por una parte no eran partidarios de grabar el citado disco de covers, ya que estaban buscando su propio sonido y además consideraban que el producto y la grabación no parecía un producto demasiado digno, pero mil libras eran mil libras.....

viernes, 5 de abril de 2019

El disco de la semana 122: B B King - Completely Well

Completely Well, B. B. King



     Para el disco de semana 122 me van a permitir que más que hablar de él, cosa que creo que no hace mucha falta pues su figura es tan grande que se han escrito infinidad de artículos, reseñas, libros, etc, en sus más de 60 años de carrera musical, sí amigos más de 60 años, hable de cómo este artista consiguió que me enganchara al blues. Un hombre que dedicó su vida a la música, concretamente al blues acompañado de su inseparable Gibson ES-335 Lucille, no podía ser otro que el maestro B. B. King.

      Cómo ya había comentado en la reseña del disco de Triana, yo me había criado escuhando flamenco, pero los designios de la vida hicieron que descubriera el rock. Corría el año 1993 y ya estaba completamente enganchado a la música, por entonces contaba con 19 años y ya había empezado a escuchar cosas sueltas sobre artistas de blues, artistas cómo Muddy Waters, Buddy Guy, Freddie King, John Lee Hooker, Willy Dixon ó B. B. King. Si bien es cierto que me gustaba no le prestaba la suficiente atención. Fue entonces cuando me enteré de que una conocida emisora de radio estaba promoviendo una serie de conciertos, y uno de ellos iba dedicado al género del blues, y para la ocasión habían conseguido traer para tocar en el mísmo día a Johnny "Guitar" Watson, Jeff Healey y B. B. King. Decidí pues hacerme con una entrada para asistir a aquel concierto, había dos precios 2.500 y 3.500 de las antiguas pesetas, evidentemente me hice con la de 2.500 pesetas, pues por entonces era lo que me permitía mi bolsillo.

     El días 5 de julio de 1993, a media tarde allí estaba yo en el interior de la plaza de toros de Las
Ventas, la verdad es que no sabía que esperar, pues si bien es cierto que lo que había escuchado me gustaba, pensaba que en mi corazón sólo había hueco para el rock (y el flamenco que he mamado desde bien pequeño). Abrió aquel concierto un desconocido canadiense (para mí), Jeff Healey con su banda, un bluesman  ciego que tenía una peculiar forma de tocar la guitarra, sentado con ella apoyado sobre sus rodillas. Una técnica que no había visto yo por entonces nunca, me impresionó, y más me gusto su concierto, tema tras tema tocando con una agilidad y una facilidad increíbles. De momento la cosa iba bien, se estaba confirmando que mis escarceos con el blues eran acertados. En siguiente lugar tenía que salir  Johnny "Guitar" Watson, pero al parecer B. B. King solicitó hacerlo él pues si salía el el último sería muy tarde para él debido a su edad, no olvidemos que en ese año B. B. sólo tenía 68 años, casi nada. Solucionado esto el segundo fue B. B. pero me  lo voy a dejar para el final y voy a hablar de Johnny, el cuál apareció en último lugar en el escenario y regaló a los presentes un torbellino de temas que se fundían entre el pop y soul, el blues y el funky, un gran cierre de concierto.

     Retomo ahora cuando Jeff Healey abandonó el escenario y los pipas y demás personal preparaban el escenario para la salida de B. B. King. LLegado el momento apareció en el escenario acompañado de la gran cantidad de gente que componían su banda, bajista, batería, sección de viento, coristas, etc. Una vez preparado todo comenzó su primer tema de la noche y la banda empezó a tocar, y B. B. empezó a tocar sus primeras notas, fue en ese preciso instante cuando esas notas, el sonido de guitarra más puro y limpio que había escuchado en mi vida atravesaron mi corazón como un estilete y quedaron grabadas a fuego en mi corazón, me acababa de enamorar de B. B., del blues, de su forma de tocar. Desde ese preciso instante ya había un hueco reservado en mi corazón para el Blues.

     Riley Ben King, más conocido cómo B. B. King nació en 1925 en Itta Bena, Misisipi (Estados Unidos), sus padres se separaron cuando el tenía unos cinco años, y esto sumado al hecho de que su madre no disponía de demasiados medios para cuidarlo y que fallecío cuando el tenía 9 años B. B. fue criado prácticamente por su abuela materna. Creció cantando en el coro de la iglesia baptista de Kilmichael, lugar dónde se crió,  y a los doce años compró su primera guitarra por unos quince dólares.

     En 1943 B. B. abandonó Kilmichael para trabajar cómo conductor de tractores y comenzó a tocar
la guitarra con el grupo Famous St. John's Quartet. Es en ese momento cuando comenzó la carrera de B. B. King. Lo que pasó a partir de aquí con B. B. King, en que se convirtió y la importancia que tuvo para la divulgación y la expansión del blues es de sobra conocido. Un ejemplo de la importancia de la música de B. B.: En 1964 edita el disco en directo "Live at The Regal", grabado el 21 de noviembre en el Theatre de Chicago, considerado cómo uno de los mejores álbumes de blues jamás grabados, del cuál se conserva una copia original en Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso en los Estados Unidos.

     El disco recomendado para la ocasión es Completely Well, editado en 1969, es el decimoséptimo álbum de estudio que B. B. sacaba al mercado, disco fundamental, que contiene 9 temazos, entre los que se encuentran la maravillosa obra The Thrill Is Gone, tema que fue escrito por el bluesman Roy Hawkins en 1951. Por entonces B. B. trabajaba cómo
DJ en una emisora de radio de Menphis y solía tocar en directo el tema, un tema que habla de una relación sentimental que no ha salido bien. King tuvo que grabar varias veces el tema, pues no le convencía el resultado, hasta que quedó satisfecho con él. Un tema que supuso su primer gran éxito tanto en las listas cómo en las ventas.

     Completely Well, un gran disco del maestro B. B. King al cuál quiero dar las gracias por haber hecho que me enamorara del Blues,

Gracias B. B.

miércoles, 3 de abril de 2019

Rock Nacional Argentino: Virus




Virus

Una nueva entrega del rock nacional les he preparado para que podemos compartir, vamos hablar de una banda que influencio a la escena del Pop Rock argentino por su estilo vanguardista de la época.

Sus orígenes a comienzo de los años 80 en la ciudad de La Plata - provincia de Buenos Aires, con el característico género de música divertida con críticas a la clase política y a la sociedad de esa época, sin más preámbulos les presento a Virus conformada originalmente por los hermanos Moura, Federico, Marcelo y Julio Moura, los acompañarán en esta primera formación del grupo los hermano Serra Ricardo y Mario y por último a Enrique Mugetti.

Virus Vivo el sexto álbum y
primer disco en vivo 
Los hermanos Moura junto a Virus producirán su primer disco a finales de la dictadura militar en diciembre 1983 "Agujero Interior" que les dará el salto a la masividad, pero la banda tiene sus primeras bajas, se aleja Ricardo Serra de la banda y fue reemplazado por Daniel Sbarra.

La banda tras el cambio, también da un vuelco en su música, introduce más sintetizadores  y teclados en sus canciones, y en 1984 saca su segundo álbum llamado "Relax".

La fama de la banda hace que un año más tarde de salir Relax, vuelva a editar un nuevo álbum llamado Locura, y correr ya el año 1985.

Los años siguientes la banda se embarcará en una gigantesca gira por latinoamericano que incluirá Perú, Chile entre otros países. 

Álbum Locura
Finalizada la gira Virus logra sacar nuevamente un disco de estudio llamado Superficies de placer en 1987, costará mucho grabar este disco, tras una fuerte neumonía de Federico y estar enfermo varios meses un médico de la época le recomienda hacer un test de HIV, el cual da positivo, esto provoca un shock en la banda, lo que hace que Federico deje Virus, pero ordena al resto de la banda a seguir y su hermano Marcelo pasa a ser el vocalista.

Pero hasta acá no hemos escuchando nada, por ello los invito a descubrir sus canciones.

Una luna de miel en la mano
https://youtu.be/XLSR7rqjilU

Imágenes paganas

Pronta entrega

Podemos decir que Virus es la primera banda de rock que se valió de la tecnología para desarrollar su música.

Federico Moura
Y su influencia ha aportado mucho al rock, fue productora de otras bandas de rock, por ello cabe destacar que Federico Moura fue quien produjo el álbum debut de otra gran banda de rock que es Soda Stereo.

Ambas bandas compartirán escena más adelante en un homenaje a Federico Moura en una agrupación que llamarían Vida (Virus + Soda), interpretando canciones de ambos grupos.

Amor descartables (Virus)

Tras la muerte de Federico Moura en 1988, la banda continuo su camino ahora como vocalista su hermano Marcelo como lo habría pedido Federico. 

En 2015 editarán "30 años de locura" donde la banda rememora sus canciones y el recuerdo de Federico sigue presente en cada momento de este nuevo disco. 
Virus ya es parte de la historia del rock argentino, y para mi que he tenido la suerte de escucharlos será parte de mi historia como espectador.

Daniel
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