0322 For What It's Worth - Buffalo Springfield

 

For What It's Worth, Buffallo Springfield

     El 5 de diciembre de 1966 la banda de rock canadiense - estadounidense Buffalo Springfield, formada por Stephen Stills (voz, guitarra, teclados), Neil Young (voz, armónica, guitarra, piano), Richie Furay (voz, guitarra rítmica), Bruce Palmer (bajo) y Dewey Martin (batería), publica su álbum debut de título homónimo, Buffalo Springfield. El disco es grabado bajo la producción de Charles Greene y Brian Stone entre los Gold Star Studios de Los Angeles, California y los Columbia Recording Studio en Holliwood, California. El disco es publicado por el sello discográfico Atco Records y llega a alcanzar el puesto número 80 en la lista estadounidense Billboard Top Pop Albums.

En marzo de 1967 se lanza una reedición del álbum donde se incluye la canción For What It's Worth, la cual había sido lanzada como sencillo por Atco Records el 23 de diciembre de 1966. La canción es grabada en los estudios Columbia Square de Hollywood, y logra posicionarse en el puesto número 7 en la lista Billboard Hot 100, por lo que se decide incluirla en dicha reedición del disco debut de la banda. 

La canción fue escrita por Stephen Stills, quien el mismo relata que se basó para escribirla en los disturbios del toque de queda ocurridos en Sunset Strip en West Hollywood, California, en noviembre de 1966. La canción, en pro de la contracultura, trata de reuniones de jóvenes que protestaban contra las leyes de toque de queda y el cierre de la discoteca Pandora's Box de West Hollywood. Stills no se encontraba allí cuando cerraron dicha discoteca, pero se enteró porque sus compañeros del grupo se lo contaron. Stills tenía en en mente escribir una canción sobre la situación de los niños en el sudeste asiático y de como la situación se desmoronaba. Pero aquel día según bajaba  caminando a Sunset desde su casa, y observó como una gran multitud de jóvenes habían organizado un funeral a modo de protesta frente al Pandora's Box por el cierre del mismo y contra las leyes del toque de queda. Luego observó como la policía antidisturbios se posicionaba al otro lado de la calle con sus cascos y sus escudos frente a un gran número de jóvenes que se encontraban de pie en la calle, de forma pacífica, sin realizar ningún tipo de acción violenta. Sin embargo, aunque aquellas manifestaciones habían surgido de forma pacífica, acabaron surgiendo problemas.  Fue entonces cuando Stills se preguntó "¿Por qué están haciendo esto?", por lo que decidió que la canción original que tenía en mente sería For What It's Worth, y trataría sobre estos sucesos en West Hollywood.

Los sucesos en los que Stills se basó para escribir la canción se sitúan a mediados de 1966, los residentes y las empresas locales de West Hollywood se habían quejado y presionado a las autoridades del condado por la forma en que los jóvenes iban a los clubes de música de la zona, ya que causaban grandes congestiones de tráfico y molestias de ruído a altas horas de la noche. Las autoridades decidieron entonces aprobar unas estrictas leyes que incluían el toque de queda en la zona a partir de las 10 de la noche. La multitud de jóvenes, que únicamente querían disfrutar de la música, sintieron que esas restrictivas nuevas leyes infringían sus derechos civiles.

0312 The 59th Street Bridge Song - Simon & Garfunkel

0311 The 59th Street Bridge Song - Simon & Garfunkel 

"The 59th Street Bridge Song" es una canción del dúo británico de folk-rock Simon & Garfunkel, está canción fue escrita por Paul Simon e incluida en su álbum de 1966 Parsley, Sage, Rosemary and Thyme.

Paul Simon ya se había inspirado en historias asociando lugares y momento en sus canciones, con esta canción saca su nombre del puente de la calle 59, (conocido también como Ed Koch Queensboro Bridge) que es un puente de la ciudad de Nueva York que se completó en 1909.

En la versión de estudio participan los miembros del Dave Brubeck Quartet Joe Morello (batería) y Eugene Wright (contrabajo). En la película Monterey Pop de 1967 aparecen imágenes de Simon y Garfunkel interpretando la canción, En su gira de despedida, Simon se "penalizó" por interpretar erróneamente la letra de otra canción cantando este tema, que confiesa odiar.

Un problema legal que tuvo la banda fue cuando se descubrió que el tema del programa de televisión infantil estadounidense H.R. Pufnstuf, compuesto originalmente por Sid y Marty Krofft, imitaba estrechamente "The 59th Street Bridge Song" después de que Simon lo demandara; posteriormente se añadió su crédito de autoría al tema de H.R. Pufnstuf.

Se han hecho varias versiones de esta canción, una de ellas la versión popular de 1967 fue grabada por el grupo californiano Harpers Bizarre, alcanzando el número 13 en el Billboard Hot 100 y el número 4 en la lista Easy Listening Su versión fue arreglada por Leon Russell, que tocó el piano en el tema. Otros músicos fueron Glen Campbell, Carole Kaye y el baterista Jim Gordon; también contó con una sección coral armónica a cappella y un cuarteto de vientos con flauta, oboe, clarinete y fagot.

Daniel 

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0311.- Scarbourg Fair / Canticle - Simon and Garfunkel

 

'Scarborough Fair / Canticle' como bien se comprueba en el titulo se compone de dos canciones, la primera Scarborough Fair es una canción cuya melodía y letra aparecieron alrededor del año 1300, que fue escrita y cantada por bardos medievales en toda la campiña inglesa. Se desconoce quién fue el autor de la canción de la que tratamos, ni tampoco en qué momento exacto se compuso o interpretó por primera vez, pero la hipótesis más aceptada sitúa su aparición en torno al siglo XII. En aquella época, la ciudad de Scarborough, ubicada en la costa oriental inglesa y bañada por el Mar del Norte, era uno de los nodos comerciales más importantes de la isla. De hecho, su feria -que comenzaba cada 15 de agosto- se prolongaba durante 45 días, atrayendo comerciantes de toda Gran Bretaña e incluso de la Europa continental, en un momento en el que el intercambio comercial era más intenso de lo que popularmente se suele creer. Como ocurre con la mayoría de la música folclórica, a medida que pasaba el tiempo, se añadían más letras y versos. Pero aparte sobre esa melodía Simon & Garfunkel agregaron "Canticle", la canción se vuelve legendaria no solo en un nivel estético sino en un nivel de genio. ENTONCES, agregue las octavas de rango inferior de Andy Williams y obtendrá ... una clase magistral de armonía. “Scarborough Fair” se basa en una balada inglesa y es más o menos una canción de amor. "Canticle" que es una reelaboración de "The Side of a Hill", con una nueva melodía compuesta principalmente por Art Garfunkel, incluyendo una letra antibélica que Paul Simon hizo en 1963 Es bastante común que ambas canciones se combinen en una, pero técnicamente son dos canciones separadas. Paul Simon conoció esta canción cuando estaba de gira por Inglaterra, donde la escuchó en boca de un popular cantante de folk llamado Martin Carthy. Cuando Carthy escuchó la interpretación de Simon & Garfunkel, acusó a Simon de robar la forma en que la cantaba él. Esto creo una serie de conflictos en tre Carthy y Simon que no se solución hasta el año 2000, cuando Simon le pidió a Carthy que la cantara con él en un espectáculo en Londres. Carthy dejó a un lado sus diferencias e hizo el espectáculo y en cierto modp Paul admitia que Carthy tuvo que ver mucho en la canción.

 

En cuanto a la temática, un joven le habla al oyente y le solicita que, en caso de que se dirija a la feria de Scarborough, hable con su antigua amada -que vive allí-, y le diga que solo podrá recuperar su amor en caso de completar una serie de tareas imposibles (que le teja una camisa de batista -un tejido de lino- sin costuras o remiendos, que le consiga un acre de tierra entre el agua del mar y la tierra, que siegue la tierra con una hoz de cuero…). En cada una de las estrofas se repite un verso: “parsley, sage, rosemary and thyme” (en español, “perejil, salvia, romero y tomillo”). Aunque no está del todo claro a qué se debe esta enumeración de hierbas, posiblemente se refiera a una pócima popular por aquel entonces se creía que si la tomabas podrías lograr el enamoramiento de la persona deseada.

0310 Homeward Bound - Simon & Garfunkel

 

Homeward Bound, Simon & Garfunkel

     El 24 de octubre de 1966 aparece publicado el tercer álbum de estudio de Simon & Garfunkel, Parsley, Sage, Rosemary and Thyme, bajo el sello discográfico Columbia Records. El disco es grabado entre diciembre de 1965 y agosto de 1966 en el estudio, y consiste en su mayor parte en piezas acústicas que fueron escritas en su mayoría durante el periodo que Paul Simon había pasado en Inglaterra el año anterior.

El disco fue considerado por parte de la crítica como un gran avance en el proceso de grabación del dúo y uno de sus mejores trabajos. Algo que se vio reflejado en las listas de ventas, alcanzando el puesto número cuatro en el Billboard Pop Album Chart de Estados Unidos, consiguiendo además la certificación triple platino en dicho país merced a sus ventas.

Incluido en dicho álbum se encuentra la canción Homeward Bound, compuesta por Paul Simon y producida por el conocido productor estadunidense Bob Johnston. La canción fue lanzada como sencillo el 19 de enero de 1966, fue grabada durante las sesiones de su anterior álbum, Sounds of Silence, e incluida en en ese disco en el Reino Unido, siendo incluida posteriormente en Parsley, Sage, Rosemay and Thyme. 

En Estados Unidos el tema alcanzó el puesto número cinco en la lista Billboard Hot 100, permaneciendo en dichas listas durante doce semanas. También consiguió buenas cifras en países como Canadá, Países Bajos, Nueva Zelanda, Sudáfrica, Reino Unido y Australia. En cuanto a la temática del tema, Paul Simon escribió la canción mientras vivía en Inglaterra, concretamente en Brentwood, Essex. Ideó la canción en la estación de tren mientras esperaba el tren de regreso a casa después de haber estado en Wigan, donde tocaba habitualmente. La canción tiene un doble significado, pues además de hablar literalmente de querer un ticket de regreso a su casa por entonces en Brentwood, también hablaba del anhelo del artista por regresar a su hogar en Estados Unidos.

0274 Eight Miles High - The Byrds

 

Eight Miles High, The Byrds

     El 18 de julio de 1966 se publica bajo el sello discográfico Columbia Records Fifth Dimension, el tercer álbum de estudio de la banda estadounidense The Byrds. El disco es grabado en los Columbia Studios de Hollywood entre el 24 de enero y el 25 de mayo de 1966. La mayor parte del álbum fue grabado con posterioridad a la marcha de Gene Clark, figura fundamental y compositor principal del grupo, y tiene la particularidad de ser el primer trabajo de la banda en no incluir ninguna canción escrita por Bob Dylan. La marcha de Clark se nota, y hace que el álbum sea considerado por la crítica como falto de cohesión y disperso. No obstante el disco alcanza el puesto 24 en la lista Billboard Top LPs Chart de Estados Unidos, y el puesto 27 en la UK Album Chart del Reino Unido.

Incluido en este álbum se encuentra el tema Eight Miles High, acreditada a Gene Clark, Jim McGuinn y David Crosby. El tema fue lanzado con anterioridad al disco como sencillo en marzo de 1966, y llegó a alcanzar el puesto número 14 en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos y el número 24 en la lista Uk singles Chart de Reino Unido.

La letra de la canción hace referencia al vuelo del grupo a Londres en agosto de 1965. Aunque los aviones comerciales vuelan a una altura de 6 o 7 millas, se decidió cambiar el título por Eight (ocho) ya que rimaba y pegaba más en la letra de la canción. Sin embargo la letra puede referirse a otro asunto, como las drogas, de hecho en Estados Unidos, al poco de salir la canción, fue prohibida en un medio radiofónico al que siguieron posteriormente los demás, al considerar que había connotaciones referentes a las drogas en la letra. Una de las teorías es que en aquel momento la banda había estado consumiendo muchas drogas, especialmente LSD, que podría ser la inspiración de la canció, pero la banda sabía que si admitían las referencias a las drogas podían despedirse de la radiodifusión y el apoyo comercial de la canción. Esto hizo que la canción se hundiera rápidamente en las listas estadounidenses. Al respecto de la polémica, Jim McGuinn afirmaba: "Bueno, se hizo un viaje de regreso en avión a Londres. No niego que The Byrds consumieran drogas en aquel momento, solíamos fumar marihuana, pero no se trataba realmente de eso".

0267 I Am A Rock - Simon & Garfunkel

 

I Am A Rock, Simon & Garfunke

     El 17 de enero de 1966, el dúo Simon & Garfunkel ve publicado su segundo álbum de estudio, Sounds of Silence. Este trabajo fue grabado durante el mes de diciembre de 1965 en los estudios CBS de Nashville, producido por Bob Johnson, y publicado bajo el sello discográfico Columbia Records.

Incluido en este segundo trabajo del dúo encontramos el tema I Am a rock. Esta canción trata sobre un recluso que se encierra en sí mismo, alejándose de la vida misma y del mundo. De ahí la frase "I Am A Rock...", refiriéndose al hecho de que él es una roca, una isla, está lejos de todo y de todos. Curiosamente el uso de la palabra "rock" se solía asociar a la música rock y a su estilo de vida, pero en este caso Paul Simon, quien la había escrito, usó la palabra para referirse únicamente a su significado literal, un trozo de piedra, 

La canción fue escrita por Paul Simon antes de triunfar como músico, Primero se la ofreció al dúo Chad & Jeremy, quienes la rechazaron. Paul Simon decidió grabarla el mismo para su primer disco de estudio, The Paul Simon Songbook, publicado en Reino Unido en 1965, pero la canción pasó desapercibida.

A finales de 1965, el productor Tom Wilson había sobregrabado y remezclado el tema The Sound of Silence y se había convertido en un gran éxito, por lo que Simon & Garfunkel, que en ese momento se encontraban separados, fueron convocados de nuevo al estudio para grabar su siguiente álbum, Sounds of Silence. En esas sesiones de grabación se grabó I Am A Rock, que fue incluida en dicho disco y se convirtió en otro gran éxito del dúo.

0266 The Sounds of Silence - Simon & Garfunkel

 

The Sounds of Silence fue escrita por Paul Simon tan solo unos meses después del asesinato de John Fitzgerald Kennedy en noviembre de 1963, volcando sus sentimientos al respecto en la que sería una de las canciones emblemáticas del dúo Simon & Garfunkel. Ambos la grabaron en una (austera) primera versión que incluía tan solo sus voces y la guitarra acústica de Simon, para el disco Wednesday Morning, 3 AM, que sería el disco de debut de una de las parejas musicales más famosas de la historia de la música.

Poco después, y para la publicación en sencillo, se grabó una nueva versión arropada por batería, bajo y guitarra eléctrica, que acabaría siendo la versión más conocida y la que llegó a lo más alto de las listas de éxitos de Estados Unidos, apareciendo también en el siguiente álbum del dúo, titulado precisamente Sounds of Silence, en honor a un tema que es brillante ya desde la aparente contradicción de su título (Los sonidos del silencio)

La letra nos introduce en la sensación de tristeza y desorientación vivida tras uno de tantos episodios sin sentido en la historia de la raza humana, combinando un arranque en tono lúgubre ("Hola oscuridad, mi vieja amiga, he venido a hablar contigo de nuevo") y de desesperanza ("gente hablando sin hablar, escuchando sin escuchar, escribiendo canciones que las voces nunca comparten") con un toque de himno solemne que va creciendo en intensidad a cada paso, hasta esa apocalíptica visión del futuro al que, en los momentos más tristes, creemos estar abocados sin remedio. Un futuro en el que falsos dioses de neón nos recordarán que "Las palabras de los profetas están escritas en las paredes del metro y en los pasillos de las viviendas, y susurradas en los sonidos del silencio".

0251: Turn, Turn, Turn - The Byrds

 

"Hay una estación para todo", cantaba la banda de folk The Byrds en Turn, Turn, Turn, tema inspiracional y anti-belicista escrito a finales de los 50 por Pete Seeger, y que da título a su álbum de 1965. Una canción que, en el estribillo, tiene una estructura de bucólicos coros repitiendo el Turn, Turn, Turn (Cambia, cambia, cambia) como complemento o respuesta a cada una de las aseveraciones de la voz cantante: Para cada cosa (Cambia, cambia, cambia) hay una estación (Cambia, cambia, cambia) y un momento para cada propósito...

Las breves estrofas son un compendio de todas esas cosas que se pueden hacer en la vida, para las que siempre habrá un momento "para nacer y para morir, para reír y para llorar, para construir y derribar, para amar y odiar, para la guerra y para la paz" Lo queramos o no, la vida nos pondrá en todas esas tesituras contrapuestas, pero el mensaje subyacente de la canción es que, para muchas de ellas, tenemos la capacidad de poder cambiar para mejor, y en particular para evitar las confrontaciones y luchar por la paz en el mundo, esperanza reflejada en el último verso de la canción: "Un tiempo para la paz, juro que no es demasiado tarde". Esta última frase, junto con el "Turn, Turn, Turn" de los coros, fueron las únicas frases originales de la letra de Pete Seeger, ya que el resto eran prácticamente un calco de un pasaje bíblico del capítulo 3 del Libro del Eclesiastés, atribuido al famoso Rey Salomón, que declara la existencia de un tiempo y un lugar para todas las cosas: la risa y el dolor, la curación y la muerte, la guerra y la paz... 

​The Byrds decidieron hacer una versión de la canción durante un viaje en el autobús de la banda en una gira por Estados Unidos, cuando el cantante Roger McGuinn la interpretó en un tono más rockero que el de la versión folk original. La grabaron en septiembre de 1965 y la publicaron como single un mes después, siendo un gran éxito de ventas hasta el punto del llegar al número 1 del Billboard estadounidense. "Para todo hay un momento", y esa era la canción perfecta y el mensaje adecuado en el apogeo del folk-rock y la era hippie que se estaban viviendo en todo el mundo.

0234: Mr. Tambourine Man.- The Byrds

El debut de The byrds fue exultante, en un abrir y cerrar de ojos la gloria los montó en su nube y les subio al cielo, y parte de la culpa fue este tema que encandilo e incluso hizo dudar del camino que había tomado el mismísimo Bob Dylan, ya que a ojos del publico, de la critica e incluso para sus mismos ojos, esta versión de su canción era sin duda superior a la que él meses antes había publicado. Fusionando con visión propia elementos del beat británico, fundamentalmente de los Beatles, y su querencia por el folk de Bob Dylan (especialmente Robert (Jim) McGuinn), los Byrds lograron establecerse como uno de los grupos más influyentes de la epoca y un nombre esencial de la música americana por su contribución a multitud de formas sonoras (jangle pop, folk, country, psicodelia, rock, folk-rock, country-rock, country-pop, bluegrass, power-pop…) ante la invasion britanica que sufría EEUU. Las composiciones propias de los Byrds por ese momento estaban dominadas por el espléndido talento de Gene Clark, quien concedió un tono entre nostálgico y sentimental a sus melódicos temas. La canción arranca con unas notas agudas de guitarra, pandereta y bajo que dan paso a las armonías vocales de singular belleza del grupo.

 

Los Byrds, que recientemente firmaron con Columbia Records, tuvieron acceso a una versión de demostración de “Mr. Tambourine Man” incluso antes de que su compañero de sello Bob Dylan tuviera la oportunidad de grabarlo para su próximo álbum. El 20 de enero de 1965, entraron al estudio para grabar lo que se convertiría en la canción principal de su álbum debut y, dicho sea de paso, la única canción de Bob Dylan en alcanzar el número 1 en las listas de éxitos de Estados Unidos. "¡Vaya, hombre, incluso puedes bailar con eso!" fue la reacción de Bob Dylan al escuchar lo que habían hecho los Byrds con "Mr. Tambourine ". Apenas unos días antes de que el enormemente influyente álbum del mismo nombre fuera lanzado al público el 21 de junio de 1965, el propio Dylan estaría en un estudio de grabación de Nueva York con una guitarra eléctrica en sus manos, dando los toques finales a “Like A Rolling Stone ”Y preparando el escenario para su controvertida actuación“ Dylan se vuelve eléctrico ”en el Festival Folk de Newport solo un mes después.

 

Con el objetivo consciente de lograr un estilo vocal entre el de Dylan y el de Lennon, McGuinn cantó como solista, con Gene Clark y David Crosby proporcionando la compleja armonía que, junto con la tintineante guitarra eléctrica Rickenbacker de 12 cuerdas de McGuinn, formaría la base del sonido característico de los Byrds. Sin ánimo de entrar en polémica sobre qué versión es mejor, lo cierto es que la propuesta de The Byrds fue un triunfo rotundo y que tuvo una importancia capital como creadora de estilo; es cierto que muchos aficionados y críticos musicales prefieren la de Dylan y tal vez tengan razón, al menos desde el punto de vista artístico; sin embargo, “Mr. Tambourine” de The Byrds fue la primera canción de éxito que fusionó estilos como el folk, el pop, el country y el rock, y suele ser considerada como el punto de partida del folk-rock. De hecho, no puede entenderse el country-rock de Gram Parsons, de The Flyin’ Burrito Brothers o de los propios Eagles sin antes entender la labor pionera desarrollada por The Byrds.