La música en historias: Slaves & Masters - #MesDeepPurple

 

Slaves & Masters, Deep Purple

     En 1987, y tras el exitoso regreso comercial tras la publicacón de Perfect Strangers (1984), la mítica formación Mark II de Deep Purle (Ian Gillan, Jon Lord, Ritchie Blackmore, Ian Paice y Roger Glover) publican The House of Blue Light (1987), el duodécimo álbum de estudio de la banda. Los fantasmas del pasado han vuelto al seno del grupo, pues durante la grabación de este último disco, cada decisión es una batalla entre Gillan y Blackmore. Este hecho golpea y mina la moral de todo el grupo, que se vuelve a resquebrajar a pasos agigantados. A todo esto hay que sumarle los evidentes problemas con el alcohol que Ian Gillan padece, y que se verán acrecentados por esta situación.

Así, el grupo inicia una gira que comienza en Europa en enero de 1987, apenas una semana después de la publicación de The House of Blue Light. Pero todo explota a  comienzos de 1989, cuando tras haber realizado una serie de conciertos desastrosa entre julio y octubre del 88, con suspensiones de conciertos por floja venta de entradas, sumado a las peleas de Blackmore y Gillan, y los problemas de un Gillan que ha tocado fondo por sus problemas con el alcohol, hacen que el vocalista sea despedido de la banda.

La banda se sumerge en la tarea de encontrar un vocalista, y al final se impone Blackmore, quien insiste en fichar a Joe Lynn Turner, vocalista con quien Blackmore había conquistado en los años 80 el mercado americano con sus Rainbow. El grupo puede terminar lo que le queda de gira con turner y  graba entre principios y mediados de 1990 el material que estará incluido en su siguiente álbum de estudio, en diferentes estudios, los Soundtec Studios de Connecticut, Greg Rike Productions de Altamonte Springs, Florida, y The Powerstation de Nueva York. 

El resultado es Slaves & Masters, el decimotercer álbum de estudio de la banda, publicado bajo el sello RCA/BMG el 5 de octubre de 1990. La fórmula de sonido del disco está entre el hard rock y AOR (Adult Oriented Rock), esa variante del rock clásico más comercial que Blackmore ya había utilizado con sus Rainbow. Particularmente, siempre he pensado que es un disco más que decente, pero se le juntaron varias cosas. Una de ellas fue que el disco estuvo muy por debajo de las pretensiones comerciales a modo de ventas del sello discográfico, desde Perfect Strangers, donde tuvieron un repunte espectacular, la banda venía cayendo en ventas con The House of Blue Light, y con Slaves & Masters seguía la caída libre. Otro aspecto que influyó fue el despido de Gillan, el grupo perdió una parte importante de fans defensores de Gillan. Otro más fue que Turner era un muy buen vocalista, pero no era Gillan ni tenía su carisma. El disco no pasó del puesto 45 en las listas del Reino Unido, y del puesto número 87 en las listas Billboard de Estados Unidos.  

Como ya he comentado anteriormente, no es un mal disco, no comparable a sus anteriores trabajos, Perfect Strangers y The House of Blue Light, y mucho menos a sus clásicos de los años 70. El motivo: con la marcha de Gillan, Blackmore ha ganado más fuerza en el seno del grupo, y esto se nota en el resultado del álbum, con un sonido orientado al AOR, y que tan buenos resultados le dió con Rainbow. Si nos olvidamos de nombres y escuchamos el disco, podemos comprobar que el  resultado del mismo es más que decente, con temas como la potente apertura del disco con King of Dreams, y la continuación con la espídica The Cut Runs Deep, buenas baladas como Truth Hurts y la maravillosa Love Conquers All, y otros dos temas llenos de fuerza en la cara B como Fortuneteller y Wicked Ways, que se encarga de cerrar el disco como empezó, con rabia y fuerza. El único problema es que este trabajo podría haber sido firmado por los mismísimos Rainbow de Ritchie Blackmore, y Deep Purple era Deep Purple, no Rainbow.

La musica en historias: Perfect Strangers #MesDeepPurple

 

Todo el mundo andaba emocionado cuando se lanzó Perfect Strangers en 1984. La formación volvía a publicar un álbum desde Come taste the band, de 1975 y el mundo del rock andaba entusiasmado, expectante, con muchas ganas de más Deep Purple. No podemos obviar lo transcendental que fue en el mundo del rock de la época ese momento, todos teníamos la esperanza de que aquel grupo no era cosa del pasado y que tenían mucho que dar…. Y lo hicieron. El álbum resultante, Perfect Strangers, era más moderno pero inconfundiblemente Deep Purple. Aprovecharon los estudios de grabación modernos y dio como resultado un álbum con ricos tonos instrumentales. Por muy buenos que fueran los álbumes clásicos de Deep Purple, Perfect Strangers tiene una nueva riqueza y claridad. El órgano de Jon es profundo y hermoso y el sonido de la batería de Ian Paice es monstruoso.

Knocking at Your Back Door fue el tema de apertura y comienza con el teclado siniestro de Jon, que al principio suenan como los tubos de la fatalidad. Entonces Roger comienza a tocar rápido, y Paice golpea la bateria, y piensas,…… ¡Dios mío, Deep Purple está de vuelta!..... Ritchie e Ian se unen a ellos para la primera epopeyadel álbum, ¡y en la primera pista, nada menos! "Knocking at Your Back Door" puede ser una broma líricamente, pero musicalmente es muy seria, es Deep Purple, pero optimizado, han descartado las cosas extrañas, ahora son más elegantes. La única decepción de la canción es en realidad el solo de guitarra, que parece fuera de lugar, hay una interpretación increíble en este solo de guitarra, pero algunas partes parecen muy exageradas. Ya tenemos la presentación con el típico hard rock de Deep Purple y una sensación muy positiva. Under the Gun es una canción que sonaría tan bien en vivo hoy, lástima que no se haya tocado en vivo en 30 años, no llego a entender porque ya que demuestra el ritmo aerodinámico que perseguía Purple en los 80, párate a escuchar la batería de Paicey, es implacable y poderosa, pero lo está haciendo de una forma más simple de lo que solía hacerlo. Nobody's Home le da a Jon Lord una ocasión para vacilar un poco con los sintetizadores, pero es solo un guiño ya que esta pista reescribe "Black Night" y la actualiza a 1984, lo une todo con una pequeña reverencia en menos de cuatro minutos. "¡Tus luces están ardiendo, pero no hay nadie en casa!" canta Ian, ¡por una vez sin hablar de Blackmore! Jon es el centro de atención con un bonito y rápido solo un sonido que no se escuchaba en 1984. Mean Streak cierra la primera cara, tiene una de esas letras extravagantes de Gillan que tanto me gustan. Es una pista de rock genial con un riff ruidoso, siempre una combinación mortal cuando la maneja Deep Purple y cuenta con uno de los solos más geniales de Ritchie en el álbum.

Inicia la cara B con Perfect Strangers que se abre con Jon, en esta ocasión es el viejo y fiel Hammond, y luego la banda choca con el riff para matar todos los riffs escuchados hasta ahora. Creo que, en algunos aspectos, esta canción se ha convertido en "Kashmir" de Deep Purple, especialmente cuando se toca en concierto. Ha evolucionado para volverse más exótico desde que se grabó por primera vez, las letras son ambiguamente hermosas. Blackmore la llamó su canción favorita de Deep Purple. Es una decisión difícil, pero Top Five seguro. No puedo sobrevivir sin esta canción en mi vida. A Gypsy's Kiss es lo más cercano a capturar la sensación de la alineación MK II de principios de los 70 y es maravilloso escuchar a Blackmore y Lord creando un nuevo combate de marca registrada. Wasted Sunsets es del tipo de balada poderosa que había demasiado en el panorama musical de la década de 1980. La contribución de Purple a esta dudosa categoría es típica de casi todas las canciones de este tipo. Letras cojas y obvias con imágenes obvias torpes, un acompañamiento musical "emocional" cursi… pero son Deep Purple. Para finalizar Hungry Daze contiene otro riff brillante de Blackmore, letras geniales y evocadoras junto con una sensación real de que la banda disfruta trabajando juntos (aunque ese no haya sido el caso), terminan el disco con fuerza como una retrospectiva de rock optimista de los primeros años de la banda. Aquí las voces de Gillan son más dinámicas y Paice proporciona una gran sección de batería durante una sección psicodélica extendida.

 

En general podemos hablar de un gran regreso y sirvió justo para lo que se necesitaba, agregar combustible a cualquier fiesta de verano en el patio trasero de la época. Ciertamente, el álbum era mucho más potente y rockero de lo que estaban creando bandas como Uriah Heep o Jethro Tull en esa época tiempo. Fue el último hurra para Purple como los reyes que habían sido. Un poco más comedidos aquí y allá, pero ya sabes, eran VIEJOS en el 84.

La música en historias: Deep Purple y los fuegos artificiales

 Deep Purple en el National Jazz & Blues Festival en Plumpton (1970)

     Que Deep Purple es una de las mejores bandas de Rock de todos los tiempos es una gran verdad, y que debías tener cuidado si se la jugabas, también....................

     Corría el año 1970, y el grupo, que estaba formado por Gillan, Blackmore, Glover, Lord y Paice , comenzaban a despegar como lo que eran, una súper banda. El 9 de agosto de 1970, Deep Purple formaban parte del cartel del "National Jazz & Blues Festival" que se celebraba en la localidad de Plumpton (Reino Unido), y además iba a ser el grupo encargado de cerrar el festival tocando en último lugar. En ese festival también iba a tocar la banda británica "Yes", la cuál comunicó a los organizadores del evento que bajo ningún concepto tocarían antes que Deep Purple y que serían ellos los que cerrarían el concierto. Los organizadores decidieron mantener el orden, por lo que los penúltimos en tocar serían "Yes" y cerrarían "Deep Purple". Pero los miembro de "Yes" decidieron idear una estrategia para ser los últimos en salir y decidieron llegar tarde y así no tendrían más remedio que salir antes "Deep Purple". Tal y como habían acordado cuando llegó el momento de que la banda "Yes" saliera a escena, esta no estaba, por lo que los organizadores del festival no tuvieron más remedio que obligar a salir a escena a los Purple.
     "Yes" se había salido con la suya......... ó no?. Llegaba el final de la actuación de los Purple, que cerraban con una versión del mítico tema de los Rolling Stones "Paint in Black", y Blackmore en ese momento pidió a uno de sus roadies que vaciara combustible encima de los equipos de sonido, encendió una cerilla, prendió fuego y siguió tocando en medio de las llamas. Los equipos quedaron seriamente dañados, y aunque la organización consiguió reparar algunos, cuando salió la banda "Yes" no consiguió superar esa noche a los Purple, que con ese apoteósico final se habían ganado al público, el cuál pensaba que formaba parte del espectáculo.

Deep Purple en el Festival California Jam (1974)

             Pero esta historia se volvió a repetir cuatro años después. Llega el año 1974, y la banda ha sufrido cambios, Roger Glover fue despedido por Blackmore, e Ian Gillan se marchó de la banda por desavenencias con Blackmore,  llegando para sustituirles Glenn Hughes al bajo y voces, y un desconocido David coverdale para el rol de vocalista principal. Esta formación, que disfruta de uno de los momentos más álgidos de la banda, son contratados para tocar en Estados unidos, en el festival California Jam, en la famosa pista de carreras californiana "Ontario Motor Speedway". La banda que llegó en su propio jet privado, se las prometían muy felices pues era la banda que iba a cerrar el festival, pero en el último momento los organizadores cambiaron el orden del programa dejando el honor de cerrar dicho festival a la banda también británica "Emerson Lake & Palmer". Este hecho fue tomado por los Purple como una humillación, en especial para Blackmore que decidió no salir a tocar. Blackmore al final es convencido de salir a tocar, pero tiene en mente su propia venganza.

     Blacmore pidió a su roadie personal que vaciara gasolina sobre los amplificadores, y cuando llegó el momento en el que la banda estaba tocando el último tema de su repertorio "Space Truckin'", pidió a su roadie que los prendiera fuego, rompió su guitarra sobre los amplificadores, tirando muchos de ellos al foso del escenario. La gente quedó encantada con el show de fuegos y explosiones mientras el resto de la banda seguía tocando. Los que no quedaron muy contentos fueron los organizadores del festival y las autoridades locales. Por cierto, los Purple tuvieron que emprender una espectacular huida en helicóptero para evitar ser detenidos.

     Como decía al comienzo del post, Deep Purple son una de las bandas de Rock más grandes de la historia y con ellos no se juega.



La música en historias: Come taste the band - Deep Purple

El décimo disco de estudio de Deep Purple era una auténtica invitación a lanzarse hacia algo nuevo, mostrando a su público un camino desconocido del que ni siquiera ellos parecían conocer el final. Esas dudas sobre el rumbo que estaban tomando se manifestaban ya en la portada, en la que parecieron debatirse entre una imagen del grupo, en su nueva formación (Mark IV) sin Blackmore, o buscar una imagen icónica sobre un fondo blanco, al estilo del plátano de la Velvet Underground & Nico. Y ese tira y afloja les dejó a medio camino, mostrando una copa de vino en la que, en su interior, aparecen los rostros de los cinco integrantes de la banda.

Hay otros signos, más evidentes, de las dudas sobre el nuevo rumbo a tomar. Así, uno de los discos musicalmente más arriesgados de su carrera, en el que abrazan ritmos y tramos instrumentales cercanos al funk, y en el que destaca el sobresaliente trabajo del recién fichado Tommy Bolin a la guitarra, es también uno de los más denostados por los fans más puristas de los Purple, por haber virado hacia canciones mucho más comerciales (en el mal sentido de la palabra). Es esta excesiva carga comercial en algunos temas, y la obvia presencia de Coverdale llevando la voz cantante, la que hace que en algunos tramos el disco parezca más cercano a Whitesnake que a los discos clásicos de Deep Purple.

Discos con los que tampoco sería justo comparar este Come taste the band, que como reconocen los propios miembros de aquella formación, podían haber firmado con otro nombre y haberlo sacado como un (valiente e innovador) trabajo paralelo e independiente de la gran nave nodriza. Compararlo con In Rock o Machine Head sería un excesivo castigo para un disco que, aunque lejos de aquellas obras maestras, por contrapartida entraría sin problema en cualquier lista de los mejores discos de 1975, gracias a temas como Comin' Home, que actúa como efectivo pistoletazo de salida del álbum, uno de los temas en los que el hammond de John Lord encuentra su sitio, entre las brillantes guitarras de Tommy Bolin.

Lady Luck es el primer ejemplo de tema excesivamente encapsulado y comercial, y consigue que las ilusiones generadas por el arranque se desinflen un poco, pero entonces llega Gettin' Tighter y la montaña rusa púrpura vuelve a dispararse a las cotas más altas. El cambio de ritmo a mitad de canción es tan arriesgado como brillante, y la música y coros de ese segundo tramo son más funky que muchos de los temas que llevaron esa etiqueta durante los fructíferos setenta. Un buen ejemplo de las cosas que se atrevieron a hacer, una vez liberados del yugo del cascarrabias de Blackmore, aunque también hay temas en los que se le echa de menos, como en Dealer, un buen tema y un gran trabajo de guitarra solista, pero en el que se añora el toque épico y colorista del malhumorado genio de las seis cuerdas.

I need love parece volver en un primer tramo a una senda excesivamente comercial, pero la propuesta musical de fondo es, de nuevo, arriesgada y enriquecedora, con unos teclados que parecen sacados del decálogo del mismísimo Stevie Wonder, y acompañados de lo que, una vez más, es un ejercicio de guitarra sobrio y generoso. El riff pesado de Drifter nos devuelve a los Purple más duros, hasta que a los dos minutos y medios el tema se parte o y la banda se deja llevar en un tramo con matices de rock progresivo.

Love Child es Deep Purple en la piel de Led Zeppelin, hasta que unos efectos de teclados futuristas mal escogidos la derriban un poco del gran pedestal en el que se estaba afianzando. This time around / Owed to "G" es una suave balada que encajaría más en un disco de Queen que en el universo de Deep Purple, y es probablemente el sabor que más desentona en el paladar durante la cata de este disco. La excesiva suavidad dura poco en la garganta, porque You keep on moving tiene la mística y la fuerza de los mejores temas de la época, y cierra el disco con un regusto a trabajo bien hecho, dejándonos con ganas de volver a brindar, hasta apurar la copa que nos invitaban a probar en la portada de Come taste the band.

La música en historias: Burn - #MesDeepPurple

 

La música en historias: Burn - #MesDeepPurple

La banda Deep Purple estaba en lo más alto de su carrea, cuando los ánimos internos no eran los mejores, lo que desencadeno que Ian Gillan y Roger Glover dejaran la banda, así que la banda se quedaría con dos perdidas y una de ellas su vocalista.

Esto abría una pregunta, como continuar luego de los éxitos de In Rock, Machine Head y Made in Japan, los integrantes que seguirían en la banda, Ian Paice (batería), Jon Lord (teclados) y Ritchie Blackmore (guitarra), deciden unir a la banda a David Coverdale (quien luego formaría la banda Whitesnake) y a Glenn Hughes (bajista).

Con una banda renovada, el nuevo quintero se puso a grabar a fines de 1973, que estuvieran a la altura de todos los álbumes que ya eran un mito para la banda.

Los nuevos integrantes de la banda sumarian al estilo hard rock de Deep Purple, voces más blues de David Coverdale, y el soul de Glenn Hurghes, estos nuevos estilos harían corto circuito en la creación de un nuevo disco, pero Deep Purple lograría en noviembre de 1973 acabar con ochos canciones que finalmente se editarían en febrero 1974, y saldría a la luz el álbum Burn.

Burn se convertiría en el octavo álbum de la banda británica, y el primer tema del álbum será Burn tema que dio nombre al álbum, un tema rapidísimo en un riff de guitarra épico y duro, donde los vocalistas cambian voces, la batería suena con fuerza, comenzar con un tema así, hace un muy bueno inicio de álbum que da gusto escuchar.

La banda avanza con un funk en su segundo tema Might just take your life, que salió como un single ese mismo año, donde se destaca la voz y los estribillos de la canción, vuelve el toque funk que se mezcla en el tema Lay down, stay down, volviendo a tener el ritmo de la primera canción de álbum, la parte central del tema con el piano, el ritmo y las voces, sumando las voces de Glenn y David, convierte a uno de los temas favoritos de la banda en posteriores giras.

El álbum Burn pasa a tener palabras mayores con Sail away, donde encontramos la participación de David Coverdale con su guitarra hipnótica, mantiene toda la línea del Deep Purple anterior a David y Glenn, recoge los sonidos de blues y hard rock que te hacen mover la cabeza, un solo de guitarra sintetizada, un solo final con slide, todo eso hace que sea un tema soberbio.

You fool no one vuelve una batería rítmica junto al bajo, con un ritmo potente y complejo, las veces de Hughes y Backmore, interpretan a medias este comienzo del lado B de disco.

What´s goin´on here, le falta un poco de punch a lo que veníamos escuchando en las primeras canciones, pero no creo que sea mala, sino que el resto de las canciones del tema muestras la enormidad del álbum, Lord se destaca al piano, la guitarra de Ritchie aporta un toque diferente y Glenn avanza con su voz y estilo.

Mistreated, otro tema muy potente del disco, aunque tema lento y con fuerza sobre la que brilla la voz de Coverdale y fabuloso trabajo de Blackmore, toda la banda en este tema aborda muy bien su papel, las versiones en directo se alargaba todo lo necesario que fuera y lo pidiera el público.

El disco cierra con un tema instrumental A 200, donde se lucen los estilos de Jon Lord con sus teclados y sintetizadores.

Deep Purple re editara el álbum en su 30 aniversario, e incluirá el remix de sus canciones y Coronarias Redig del single que editaron con Might just take your life.

Daniel
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Las 5 canciones de Deep Purple

Deep  Purple

Todavía recuerdo como si fuera ayer aquel día de mi infancia en el que mi amigo Raul se presentó con aquel cassette doble que traía bajo el brazo y me presentó a Deep Purple. Aunque aquella primera toma de contacto con aquella música me pareció horrible. A día de hoy todavía le estoy y le estaré eternamente agradecido por darme a conocer a aquel horrible grupo.

También recuerdo como si fuera ayer la primera vez que los conseguí ver en directo el 30 de junio de 1994 en el antiguo Palacio de los Deportes de la Comunidad de Madrid. en aquella ocasión Ritchie Blackmore había abandonado la formación y Gillan, Lord, Paice y Glover recurrieron a un jovencísimo Joe Satriani, Memorable. El 4 de septiembre de 1996 repetiría la experiencia de ver a mis queridos Deep Purple, esta vez sería en el marco de las fiestas de la localidad de Mostoles (Madrid), donde por el módico precio de 1000 pesetas pude disfrutar de ellos. En esta ocasión la formación estaba compuesta por Gillan, Paice, Glover, Lord y el guitarrista Steve Morse, magnífico guitarrista recién fichado por el grupo y que ha día de hoy sigue dando caña en la banda. Otro concierto memorable.

Con ellos pasé mi adolescencia, crecí y  me hice adulto, han estado en mis penurias y también en mis alegrías, y de hecho es un grupo que sigue acompañándome a día de hoy allá donde voy, no en vano, como he comentado anteriormente, este grupo forma parte de la banda sonora de mi vida. 

Desde 7dias7notas os damos las gracias a todos los que habéis aportado vuestro granito de arena en la elección de las 5 canciones de este grupo, pues sin vosotros no sería posible. Y ya, sin más dilación, Con todos vosotros las 5 canciones de Deep Purple:

     

En quinto lugar con 47 puntos encontramos Strange Kind of Woman, editado en el quinto álbum de estudio de la banda, Fireball en 1971. Este sería el primer disco que Deep Purple situaría en la listas de éxitos británicas. Strange Kind of Woman fue editada como el primer sencillo del grupo y alcanzó el puesto número 8 en las listas británicas UK Charts. La composición del tema está atribuido a los cinco componentes del grupo, Gillan, Glover, Paice, Lord y Blackmore, y el tema hace referencia a un amigo de la banda que tras estar cortejando un tiempo a una mujer que ejercía la prostitución consiguió casarse con ella, pero tres días después de la boda ella falleció. El tema fue escrito por el grupo bajo presión, pues después de haber sacado a la luz el sencillo Black Night en 1970 y que este fuera un éxito, necesitaban seguir en esa línea para mantenerse en lo alto.

Sobre la composición del tema, éste fue compuesto en una casa llamada The Hermitage en el condado de Devon el cuál está situado al suroeste de Inglaterra. Roger Glover durante una entrevista a la revista Metal Hammer en junio de 1988 aseguró que la grabación del tema fue una locura debido a que esa fue una etapa muy loca en el seno del grupo y se dedicaban a realizar sesiones de espiritismo y que además hubo apraciones. Durante los años 70 era habitual que al interpretar el tema en directo Blackmore y Gillan regalaran al público un memorable duelo Guitarra/Voz como el que podemos disfrutar en su disco en directo Made In Japan por ejemplo.

En cuarto lugar con 59 puntos Burn, del álbum titulado también Burn, grabado en Montreux (Suiza) en noviembre de 1973 con el estudio móvil de los Rolling Stones y publicado en febrero de 1974. En éste disco la formación estaba compuesta por David Coverdale (vocalista), Glenn Hughes (bajista y vocalista), Ritchie Blackmore (guitarra), Ian Paice (batería) y John Lord (teclados). Como curiosidad sobre el álbum Burn, éste fue de los primeros que fue anunciado por televisión. Con la incorporación de Coverdale y Hughes se nota la influencia de estos y el disco Burn incorpora sonidos y elmentos funk y soul. El tema Burn en cuestión es un auténtico trallazo con unos riffs muy potentes y contundentes y donde Paice está soberbio a la batería. La autoría del tema está atribuida a los cinco componentes de la banda.

La melodía de la canción está inspirada en el tema de los Gershwin Brothers Fascinating Rythm. El tema trata de una mujer misteriosa y hechizante que llega a la ciudad y empieza a advertir a todo el mundo que el final se acerca, la gente no la cree y además se ríe de ella, hasta que la mujer pronuncia la palabra Burn y la ciudad empieza a ser destruida por las llamas que la mujer lanza contra la ciudad. Podría parecer que la letra está compuesta por Ritchie Blackmore, el cuál sentía fascinación por el ocultismo, la brujería y la edad media, pero no, en este caso el grupo dió un cassette con los temas en los que habían estado trabajando y mandaron al recién fichado (y desconocido entonces para el público) David Coverdale a Inglaterra para que trabajara junto con Glenn Hughes en la letra de Burn.

Este tema también se convirtió en el tema de apertura del grupo en los conciertos desde 1974 hasta 1976.

En tercer lugar con 79 puntos Smoke on the Water, perteneciente a su sexto álbum de estudio Machine Head, grabado en un hotel abandonado, el Grand Hotel de Montreux (Suiza) en diciembre de 1971 y publicado en marzo de 1972. Tema que contiene uno de los riffs más famosos de la historia de Rock. La composición del tema está atribuido a todos los componentes, Gillan, Blackmore, Paice, Lord y Glover. El tema trata el el conocido suceso que ocurrió en el Casino de Montreux el 4 de diciembre de 1971 durante un concierto que Frank Zappa estaba dando allí y donde los miembros de Deep Purple estaban presentes, y estaban allí presentes porque además justo después del concierto de  Frank el grupo tenía programado grabar allí su álbum Machine Head. Los miembros del grupo relatan como una persona que se encontraba sentada justo detrás de Ian Gillan lanzó dos bengalas que impactaron en una de las esquinas del recinto en la parte superior y rápidamente comenzó a prender todo el lugar, también recuerdan como Frank Zappa detuvo inmediatamente el concierto y tanto él como los componentes de la banda estuvieron ayudando a que todo el mundo saliera consiguiendo que la gente lo hiciera de manera organizada, evitando así que ocurriera un desastre aún mayor. Los miembros de Deep Purple al salir de allí estuvieron observando el incendio desde un restaurante cercano desde donde también podían divisar como una capa de humo cubría completamente el lago Leman, más conocido como el lago de Ginebra. Esto le dio una idea al grupo y mientras Roger Glover ideaba el título del tema Ian Gillan se ocupaba de escribir la letra. 

Al no poder grabar allí, el grupo se trasladó al Grand Hotel de Montreux y grabaron allí el álbum Machine Head usando el estudio móvil de los Rolling Stones. Allí nació el tema Smoke on The Water, un tema que fue grabado entre el 6 de diciembre y el 21 de diciembre de 1971 y que relataba los sucesos que acontecieron en el Casino de Montreux apenas unos día antes. El riff de guitarra fue ideado por Ritchie Blackmore. A Ritchie le gustaba mucho la música renacentista y un día viendo un documental de la BBC sobre las Esposas de Enrique VIII se le ocurrió el riff. Dicho riff  está grabado en una escala modal medieval y fue grabado con una guitarra Fender Stratocaster. El grupo jamás pensó que este tema fuera a convertirse en un éxito, de hecho este tema se popularizó un año después de su publicación cuando salió editado como sencillo en el mercado estadounidense.

En segundo lugar con 102 puntos Child in Time, publicado en el cuarto álbum de estudio de la banda, In Rock en junio de 1970. Tema que ya reseñamos en 7dias7notas cuando hablamos del disco In Rock de Deep Purple. Cómo ya comenté en aquel momento John Lord solía tocar en su teclado el tema Bombay Calling del grupo Its A Beautiful Day, los demás, Gillan, Blackmore, Paice y Glover pensaron que éste era un tema sobre el que podrían trabajar, después de unos cuantos arreglos surgiría Child in Time, un tema que quería reflejar el estado de ánimo que había en ese momento en la sociedad, por eso escogieron la temática de la Guerra Fría. 

Sobre éste tema siempre se ha especulado que en el directo Made in Japan, publicado en diciembre de 1972, durante su interpretación se escucha lo que parece ser un disparo, el grupo siempre ha desmentido que allí se produjera disparo alguno y que lo que realmente suena en la grabación es el sonido producido por los teclados de John Lord. 

Y la clara ganadora elegida por vosotros con 136 puntos es Highway Star, incluida en su sexto álbum de estudio Machine Head, publicado en marzo de 1972. anteriormente ya comenté que éste disco fue grabado en el Grand Hotel de Montreux, en Suiza, ya que la intención del grupo de grabarlo en el Casino de Montreux se fue al traste al arder éste por completo el 4 de diciembre de 1971.

La composición del tema está atribuida a sus cinco componentes, Gillan, Glover, Lord, Blackmore y Paice, y habla del amor de un hombre por su coche de gran potencia, un coche que no tiene rival y que puede con cualquier otro que se le ponga por delante. El tema fue ideado exactamente el 13 de septiembre de 1971 cuando el grupo se encontraba en el autobús de camino a Portsmouth (Inglaterra) donde tenían su siguiente concierto, su canción de apertura en los directos por entonces era Speed King y ya estaban un poco cansados de tocarla, así que se pusieron manos a la obra y se sacaron de la manga Highway Star, y esa misma noche en Portsmouth la tocaron en directo. El tema fue evolucionando en sus directos hasta que fue grabado definitivamente para Machine Head en diciembre de 1971. 

Hay quien considera este tema como el primer tema de la historia del género musical llamado Speed Metal, un subgénero del heavy metal que resultó de la fusión del hardcore punk y el NWOBHM (Nueva ola del heavy metal británico), un género donde dos de sus máximos exponentes son Motorhead y Metallica. El sólo de teclado de John Lord está inspirado en Bach y Gillan suele improvisar en los conciertos la letra del tema. 

 6- Lazy 43 p

 7- Hush 37 p

 8- Black Night 26 p

 9- Perfect Strangers 22 p

10- Mistreated 21 p

11- Space Trucking 17 p

12- Soldier of fortune 13 p

13- When a Blind Man Cries 13 p

14- Knocking at Your Back Door 12p 

15- Stormbringer 10 p

16- Fireball 8 p

17- Rat Bat Blue 8 p

18- You Fool no One 8 p

19- The Mule 7 p

20- Demons Eye 6 p

21- Woman From Tokio 6 p

22- A Gypsy's Kiss

23- Sometimes I Feel Like Screaming 5 p

24- Holy man 4 p

25- Help 4 p

26- Lady Double Dealer 4 p

27- Living Wreck 4 p

28- Mandrake Root 4 p

29- Maybe I'm a Leo 4 p

30- Painter 4 p

31- Shield 4 p

32 Bloodshucker 3 p

33- Flight of a Rat 3 p

34- Hard Loving Man 3 p

35- Kentucky Woman 3 p

36- Love Don't mean a Thing 3 p

37- Speed King 3 p

38- Anthem 2 p

39- Anya 2 p

40- Coming Home 2p 

41- Mary Long 2 p

42- Picture of Home 2 p

43- Sail Away 2 p

44- Under a Gun 2 p

45- Gettin' Tighter 1 p

46- Lady Luck 1 p

47- Place in the Line 1 p

48- Wasted Sunsets 1 p

49- You Keep a Moving 1 p

Deep Purple - Made in Japan (Mes Deep Purple)

 

Made in Japan, Deep Purple

     En dicembre de 1972 se publica, bajo el sello discográfico Purple Records, el primer álbum en directo de Deep Purple, Made in Japan. En Estados Unidos se publica posteriormente, en abril de 1973. El disco se convertirá en uno de los mejores directos publicados de la historia del rock. Made in Japan, considerado como una de las biblias del rock, curiosamente no se grabó en el entorno más adecuado, pues las relaciones entre los componentes del grupo no eran las más idóneas.

Deep Purple ya había grabado alguna actuación en vivo, pero siempre en plan promocional para escuchar en algún que otro programa de radio. El grupo nunca había quedado contento con la calidad de aquellas grabaciones, pues consideraba que la calidad y técnica de un estudio no podía ser superada por una grabación en directo. Este hecho había frenado a la compañía discográfica, aún sabiendo que un diecto se vendería muy fácilmente, y más teniendo en cuenta que precisamente el fuerte de Deep Purple eran sus potentes directos. 

Fue la división de la compañía en Japón la que insistió en grabar un álbum en directo durante la primera gira por el país nipón de la formación Mark II (Ian Gillan, Ritchie Blackmore, Ian Paice, John Lord y Roger Glover). Tras la imposición de la compañía, el grupo se lleva para producirlo al genio Martin Birch, que graba las sesiones en un magnetófono de bobina de 8 pistas para luego llevarse las cintas a Inglaterra y mezclarlas allí. Lo cierto es que el grupo no tenía demasiada ilusión ni interés en grabar ese directo. Valga como detalle que los únicos componentes que se presentaron en las sesiones de mezcla, fueron Glover y Paice, siendo ellos los responsables de la selección del material del directo. A todo esto hay que sumarle las tensas relaciones que había ya en el seno de un grupo en descomposición, pues Gillan y Blackmore ya ni se hablaban y sólamente coincidían en el escenario y lo imprescindible. Lo que no se esperaba la banda, es que un trabajo que costó 3.000 dólares fuera a conseguir a las dos semanas el Disco de Platino. 

El material extraído para el directo sale de las tres fechas que el grupo da en el país, los días 15, 16 y 1 de agosto de 1972, dos conciertos en el Koseinenkin Hall de Osaka, y la restante en el Budokan Hall de Tokio. El disco, incialmente iba a ser destinado al mercado japonés, pero se acabó editando a nivel mundial. 

Abre la cara A del primer disco Highway Star, extraído del concierto de Osaka el 16 de agosto de 1972. El tema pertenece al sexto disco de estudio, Machine Head (1972). Este mítico tema fue ideado el 13 de septiembre de 1971, cuando el grupo se encontraba en el autobús de camino a Portsmouth (Inglaterra) para dar un concierto. Estaban ya cansados de tocar su tema de apertura Speed King, y se sacaron de la manga ese tema para abrir los conciertos. Hay quien considera este tema como el primero de la historia del género musical llamado Speed Metal, un subgénero del heavy metal que surgió de la fusión del hardcore punk y el NWOHBHM (Nueva Ola del Heavy Metal Británico). El otro tema que cubre esta cara A es el mítico Child in Time, extraído también de la actuación de Osaka en 16 de agosto. el tema pertenece a su cuarto álbum de estudio, In Rock (1970). John Lord solía tocar en su teclado un tema del grupo It's A Beautiful Day llamado Bombay Calling. Los demás pensaron que este era un tema sobre el que podían trabajar, así que se puesieron manos a la obra, y depués de unos cuantos arreglos aquí y allá nació esta maravillosa canción. el tema quería reflejar el estado de ánimo que había en ese momento en la sociedad, por eso la temática de la canción fue la Guerra Fría. 

Smoke on the Water, extraído de la actuación de Osaka el 16 de agosto, se encarga de abrir la cara B del primer disco. Perteneciente a su sexto disco de estudio, Machine Head (1972), la canción nos relata los sucesos acontecidos en el Casino de Montreux, el 4 de diciembre de 1971, durante un concierto de Frank Zappa, y que desembocaron en el incendio del casino. Los miembros del grupo, que tenían programado grabar allí su disco Machine Head, habían asistido a ver el concierto de Zappa. Durante el concierto, alguien que se encontraba justo detrás de Ian Gillan, lanzó una o dos de bengalas (unos dicen que una, y otros que dos) que impactaron en la parte superior de una de las esquinas del recinto, el cual comenzó a arder rápidamente. Frank Zappa detuvo inmmediatamene el conicerto, y junto con su banda, estuvo ayudando a que todo el mundo saliera de manera organizada, evitando así que ocurriera un desatre mucho mayor. Lo miembros de Deep Purple, al salir del casino, estuvieron obesevando el incendio desde un restaurante cercano desde donde también podían divisar como una capa de humo cubría completamente el lago Leman, más conocido como lago Ginebra. Esto le dió una ideal al grupo, y minetras Roger Glover ideaba el título del tema, Ian Gillan escribía la letra, y Ritchie Blackmore ideaba uno de los riffs (con aires clásicos y renacentistas) más famosos de la historia del rock. Es cerrada la cara B del primer disco por The Mule, estraída de la actuación en Tokio el 17 de agosto. Incluida en el quinto disco de estudio de la banda, Fireball (1971), es el tema donde Ian Paice desplega todas sus cualidades a la batería, marcándose un sólo antológico. Curiosamente, el sólo de batería, ideado para la version de estudio, no pudo ser grabado debido a un error que hizo que casi la mitad de las pistas de audio de batería fueran borrardas mientras se grababa la canción para la versión del disco Fireball.

La cara A del segundo disco comienza con Strange Kind of Woman, extraído de la actuación de Osaka el 16 de agosto. A quién no se le ha puesto el pelo de punta escuchando el ya mítico duelo de la voz de Gillan con la guitarra de Blackmore en el escenario, y eso que no se podían ni ver ya. El tema fue lanzado como sencillo de adelanto del disco Fireball (1971). El tema en un pirncipio iba a llamarse Prostitute, pero el grupo decidió cambiarlo para así vitar porblemas con la censura. El otro tema que ocupa esta cara es Lazy, extraído de la actuación de Osaka el 17 de agosto. Incluido en el sexto álbum de estudio de la banda, Machine head (1972), al contener una intro saturada del órgano Hammond de Lord, seguida de un riff de guitarra de Blackmore, y luego un intercambio de sólos entre los dos, éste era un tema ideal para las improvisaciones en directo. En esta versión del directo, Blackmore, en el sólo de guitarra interpreta el tema Swedish Rhapsody, del compositor, director y violinista sueco Hugo Alfvén, y Lord, en la introducción interpreta con los telcados el riff del tema C Jam Blues, un etándar de jazz compuesto en 1942 por Duke Ellington.

El único tema que ocupa la cara B del segundo disco, y que cierra uno de los mejores directos publicados de la historia del rock es Space Truckin, extraído de la actuación en Osaka el 16 de agosto. El tema, que apenas sobrepasa los cuatro minutos y medio en la versión de estudio de Machine Head (1972), en el directo se estira hasta los casi 20 minutos. El tema nos habla del espacio y de un viaje salvaje a traves del mismo. El tema surgió a raíz de un riff que Blackmore llevó al estudio. Dicho riff estaba basado en el tema musical del programa de televisión Batman, compuesto por el trompetista, compositor y arreglista de jazz estadounidense Neal Hefti. 

Como hemos comentado, las relaciones internas del grupo estaban al borde de la ruptura, como así sucedió poco después, pero esto no impidió que nos reglaran un directo épico, imprescindible y memorable. 

Deep Purple - Machine Head (Mes Deep Purple)

Machine Head – Deep Purple

En 1971 casi 50 años de que la banda haya grabado el disco Machine Head esta tan vigente como el primer día, Deep Purple había estado de gira durante dos años y álbumes de estudio anteriores, como Deep Purple in Rock (1970) y Fireball (1971) se grabaron entre presentaciones en vivo.

La banda sentía que sus trabajos de estudio no sonaban tan bien como sus presentaciones en vivo y quería grabar en un escenario. El baterista Ian Paice grabó su kit en el pasillo para algunas de las sesiones de Fireball, creyendo que sonaba mejor y quería encontrar un entorno de grabación alternativo lejos de un típico estudio insonorizado. Se recomendó a Deep Purple que grabara fuera del Reino Unido, ya que no tendrían que pagar tantos impuestos.

El grupo realizó una gira por el Reino Unido de septiembre a octubre de 1971, y realizó una vista previa de material nuevo que finalmente fue lanzado en Machine Head. Luego comenzaron una gira por Estados Unidos, pero esta terminó siendo cancelada luego de dos conciertos debido a que el cantante Ian Gillan contrajo hepatitis. El guitarrista Ritchie Blackmore comenzó a pensar en un posible trabajo en solitario para el futuro, y Deep Purple en su conjunto esperaba con ansias un poco de tiempo para poder dedicarlo para grabar, alejándose de las presiones de las giras.

Así que Deep Purple inicialmente planeó grabar Machine Head en el Casino de Montreux en Suiza durante diciembre de 1971. Habían reservado los Rolling Stones Mobile Studio y habían hecho reservas de hotel. El casino era un gran estadio que contenía varias instalaciones de entretenimiento. La banda había actuado allí en mayo de 1971 y se hizo amigo de Claude Nobs, fundador y director general del Festival de Jazz de Montreux. Entre otros, Led Zeppelin, Pink Floyd y Black Sabbath se habían presentado en el casino, y cerraba por reformas cada invierno, lo que le permitía utilizarlo como lugar de grabación. Deep Purple llegó allí el 3 de diciembre de 1971. Después de un concierto final, tendrían la ubicación para ellos solos. A cambio, la banda propuso tentativamente realizar un espectáculo en el casino, lo que les habría permitido lanzar un álbum doble, mitad en vivo y mitad en estudio.

El último concierto en el Casino de Montreux fue una matinée de Frank Zappa y Mothers of Invention. En ese momento, el grupo incluía a los cantantes Flo & Eddie, el multi instrumentista Ian Underwood y el baterista Aynsley Dunbar. Durante el espectáculo, un miembro de la audiencia disparó una bengala al techo del edificio. Aunque la audiencia inicialmente no se dio cuenta del incidente porque el techo estaba cubierto por un falso techo de bambú, aproximadamente una hora después del set, la gente comenzó a ver surgir chispas. El grupo dejó de tocar; según el bajista Roger Glover, Zappa dijo que "nadie debería entrar en pánico, pero ... ¡FUEGO!" Después de esto, la dirección ordenó una evacuación controlada. No hubo víctimas mortales, pero un grupo quedó brevemente atrapado en el sótano del casino antes de ser rescatado por Nobs. Poco después de que todos fueron evacuados de manera segura, el edificio se incendió.

Nobs trasladó Deep Purple al Pavilion, un teatro cercano, donde grabaron las pistas básicas de una canción llamada provisionalmente "Título No. 1". Glover recordó haberse despertado una mañana diciendo en voz alta el título "Smoke on the Water". A partir de esto, Gillan escribió la letra que describe la experiencia en Montreux. En la portada desplegable del álbum se incluyó una fotografía del Casino de Montreux en llamas.

Resultó poco práctico grabar en el Pabellón, ya que los residentes cercanos se quejaron a la policía por el ruido. Aunque los roadies intentaron evitar que la policía entrara manteniendo las puertas cerradas, la banda fue rápidamente desalojada. Buscaron otros lugares de grabación y se establecieron en el Grand Hotel vacío, en las afueras de Montreux. Con la unidad móvil estacionada en la entrada principal, Deep Purple se instaló al final de uno de los pasillos del vestíbulo principal. Se instaló una variedad de equipos y colchones insonorizantes, lo que significó que la banda tuvo que caminar por las habitaciones y los balcones para llegar a la camioneta de grabación. Esto resultó tan arduo que Deep Purple dejó de escuchar las reproducciones de sus grabaciones, y en su lugar actuó hasta que estuvieron satisfechos. Se instaló un sistema de televisión de circuito cerrado para que la banda pudiera comunicarse con el ingeniero Martin Birch y permitir que el personal de la sala de control del estudio pudiera verlos.

Machine Head comienza con el tema de apertura, "Highway Star", se escribió mientras el grupo viajaba en autocar a la fecha de su gira por el Reino Unido en Portsmouth el 13 de septiembre de 1971. La dirección de la banda organizó un viaje al concierto con un grupo de periodistas musicales que pudieran entrevistar a la banda en su tiempo libre. Uno de ellos le preguntó a Blackmore cómo escribía las canciones, a lo que dijo, "like this", tomó la guitarra y tocó el riff de apertura de la canción. Gillan improvisó una serie de letras en torno a "Estamos de gira, somos una banda de rock'n'roll". El resto de la banda completó el arreglo durante los ensayos y se agregó al espectáculo la noche del concierto. Blackmore basó su solo de guitarra en torno a una figura que aprendió de Johnny Burnette, y le gustó su parecido con Johann Sebastian Bach.

"Maybe I'm A Leo" fue bajo el título provisional de "One Just Before Midnight", que aparece en una imagen de una hoja de grabación en la carátula del álbum.  El título y la letra terminados se refieren al signo de nacimiento de Gillan. Glover escribió el riff principal de la canción después de escuchar "How Do You Sleep?" De John Lennon, y disfrutó de que el riff no comenzara en el primer tiempo del compás. La canción se tocó en vivo una vez en 1972 en una presentación de BBC In Concert. Se convirtió en un favorito en vivo años más tarde, después de que Joe Satriani se uniera temporalmente a la banda en 1993.

"Pictures of Home" describe las vistas e imágenes del área local alrededor de Montreux, lejos de casa. La pista se grabó inicialmente con una introducción de batería, que se dejó fuera de la grabación original; sin embargo, se agregó para la reedición del 25º aniversario. La pista también se tocó en vivo después de que Satriani se uniera a Deep Purple. "Never Before" fue considerada por la banda como la pista más comercial del álbum y fue lanzada como single.  La canción se tocó en vivo una vez en el programa BBC In Concert.

"Smoke on the Water" documenta las experiencias de grabación de Machine Head, incluido el incendio y la evacuación del casino, y las sesiones en el Grand Hotel. El título se refería al espeso humo negro del fuego que colgaba sobre la orilla del lago de Ginebra. La pista de acompañamiento fue el único material utilizable proveniente de las grabaciones del Pabellón, antes de que la policía cerrara las sesiones. Blackmore contribuyó con el riff de guitarra de apertura, y luego dijo que era popular debido a que era simple y se basaba en cuatro notas, comparándolo con el fraseo musical de apertura de la Quinta Sinfonía de Beethoven. Aunque la pista es una de las más famosas de Deep Purple, y de la música rock en general, la banda no pensó que tuviera mucho potencial comercial, y fue una de las últimas pistas de Machine Head que se tocaron en vivo. Posteriormente, la canción fue un gran éxito en las listas de Estados Unidos, alcanzando el número cuatro en el Billboard Hot 100.  Además de Deep Purple, Gillan ha interpretado la canción en vivo como parte de su carrera en solitario y durante su breve tiempo con Black Sabbath en 1983.

"Lazy" se tocó por primera vez en vivo durante la gira de 1971 por el Reino Unido y se mantuvo durante el año siguiente. Se realizó hacia el final del show en vivo, reemplazando el entrenamiento instrumental "Wring That Neck", y luego se movió a mitad del set a principios de 1972. Glover dijo que la canción se basó aproximadamente en una canción de Oscar Brown, "Sleepy", mientras que Blackmore dijo que se inspiró en "Stepping Out" de Eric Clapton. La canción fue diseñada para ser un vehículo para varias presentaciones instrumentales, incluida una introducción al órgano sin acompañamiento y la armónica de Gillan. Blackmore grabó los solos de guitarra en secciones en dos días diferentes, que luego se unieron.

"Space Truckin" fue escrito como un pastiche de las letras del rock' n 'roll de los años 50, pero con un tema de ciencia ficción. Deep Purple comenzó a pensar en frases sin sentido como "música en nuestro sistema solar" que encajarían. Paice tocó un breve solo de batería en la pista. Se tocó por primera vez en vivo en enero de 1972 en el próximo concierto después de las sesiones de Montreux, y condujo a la sección instrumental del showcase en vivo anterior "Mandrake Root" como el número de cierre. La canción siguió siendo el último número del set después de que Gillan y Glover dejaron la banda en 1973, incluida una actuación memorable en el California Jam al año siguiente, donde Blackmore prendió fuego a sus amplificadores y destruyó una cámara de televisión con su guitarra. La canción fue reproducida regularmente como una llamada de atención por la tripulación a bordo del programa de vuelo STS-107 del Transbordador Espacial en 2003.

Una balada titulada "When a Blind Man Cries" se grabó durante las sesiones de Machine Head, pero no se incluyó en el álbum. En cambio, se usó como cara B en el single "Never Before". La canción aparece como un bonus track en la edición del 25 aniversario de Machine Head, tan vigente como el primer día.

 

Daniel
Instragram Storyboy

Deep Purple - Fireball (Mes Deep Purple)

 

Fireball, Deep Purple

     El quinto álbum de estudio de Deep Purple, Fireball, es grabado en diez meses, un periodo que puede parecer mucho, pero la realidad fue otra bien diferente. En el periodo que comprende la grabación del material que comprende Fireball, el grupo da nada menos que 120 conciertos, a los que podemos sumar las grabaciones de los proyectos en solitario Gemini suite de John Lord y Jesucristo Superstar de Ian Gillan. La actividad del grupo es frenética, quizás porque John Colleta y Tony Edwards, los mánagers que guian los designios de la agrupación púrpura, ya habían saboreado las mieles del éxito y no querían que sus gallinas de los huevos de oro dejaran de producir.

El resultado es Fireball, publicado en 1971 por la discográfica Warner Bros. Records. Para la grabación del disco se utilizaron tres estudios, los De Lane Lea Studios y los Olympic Studios, ambos de Londres, y The Hermitage, en Welcombe, una localidad al norte de Devon, Inglaterra. como promoción del disco fue lanzado el single Strange Kind of Woman, un tema que no fue publicado en la edición europea, pero sí en la que se edita en Estados Unidos, Canadá y Japón. En la europea fue incluido el tema Demon's Eye, que incompresiblemente se quedó fuera de la edición para Japón, Canadá y Japón.

Musicalmente, el disco tiene toques muy rockeros, pasando por momentos folk y psicodélicos. Ninguno de los componentes del grupo, Gillan, Blackmore, Lord, Glover y Paice, quedaron contentos con el resultado, pues el disco, al contrario de su antecesor, In Rock, no tenía una dirección clara en cuanto a sonido. el grupo achacó este desconcierto compositivo al hecho de tener que componer y grabar el material a ratos, mientras estaban inmersos en la agotadora gira de conciertos del disco In Rock. Sin embargo, el disco alcanzó el puesto número 1 en Reino Unido, Bélgica, alemania, Dinamarca y Suecia, convirtiéndose además en el primer disco que triunfaba en el mercado japonés.

Abre el disco Fireball, tema acreditado, al igual que el resto de los temas, a los cinco componentes de la banda. Roger Glover sugirió al productor del disco, Martin Birch, que el sonido de una máquina en marcha sería el comienzo ideal de la canción y del disco. A Birch no se le ocurría nada que pudiera encajar con la petición, pero el ingeniero asistente Mike Thorne tuvo una idea, utilizar el sonido de una unidad de aire acondicionado. Así comienza un tema que tampoco tiene sólo de guitarra, el cual es sustituido por un sólo de bajo de Roger Glover, seguido de un sólo de teclados de John Lord. En cuanto a la temática, una chica tiene al cantante en puro estado de nerviosismo, ella es una mujer mágica que está destruyendo el alma del cantante, puede que ni siquiera sea de éste planeta, pero él la ama. Con el sonido del aire acondicionado se quiso emular el sonido de una bola de fuego que atraviesa el espacio, dando al disco un comienzo furioso y futurista. Este tema también tiene otra curiosidad, está considerado como el primero del hard rock en usar doble bombo en la batería. No No No, tema vibrante pero quizás algo repetitivo en la letra. Según algunas fuentes, apuntan a que para componer el tema, se basaron en el cantante, compositor y multiinstrumetista estadounidense Johnny Shuggie Otis. Strange Kind of Woman, otro de los momentos grandes del álbum junto con Fireball. Lanzado como sencillo de adelanto del disco, el tema cuenta la historia de una mujer llamada Nancy, quien a pesar de no tener un bello rostro, vuelve locos a todos los hombres. Sobre el tema, Gillan ha dado diversas interpretaciones, una decía que el tema trataba de uno de sus amigos que estuvo cortejando a una mujer, consiguió casarse con ella, pero tres día después de la boda ella murió. También comentó que el tema trataba de una prostituta que intenta librarse de su profesión. De hecho el tema debía llamarse Prostitute, pero sabiendo que iban a tener problemas con la censura, cambiaron el título. En directo no concebimos este tema sin el mítico duelo que se marcaban al final del tema Gillan con la voz y Blcakmore con la guitarra. El tema, incomprensiblemte no fue editado en la versión europea, y en su lugar se incluyó el blusero Demon's Eye, temazo que también debería haber sido incluido en la edición para Estados Unidos, Canadá y Japón. Cierra la cara A Anyone's Daughter, un curioso tema tocado a modo de country blues donde disfrutamos de la humorística interpretación de Gillan, que nos relata las desventuras de un hombre con la hija de un granjero y la hija de un juez antes de casarse con la hija de un hombre rico.

Abre la cara B The Mule, el tema que cierra el poker de ases del disco junto a Fireball, Demon's Eye y Strange Kind of Woman. La canción empieza con el sonido de un tambor durante unos diez segundos, para después entrar el bajo, la guitarra y los teclados, y entonces Gillan empieza a hablar de The Mule, quien es Lucifer, y algunos de sus amigos que se encuentran en el lugar esa noche. También hay quien dice que el tema se inspiró en el personaje The Mule, de la novela Foundation e Empire de Isaac Asimov. Este tema se convirtió en un clásico en directo, pues al final del tema Ian Paice se marca un sólo de batería demoledor. El sólo no está incluido en la versión de estudio debido a un error que hizo que aproximadamente la mitad de las pistas de audio de batería fueran borradas mientas se grababa la canción en el estudio. Fools, quizá uno de los momentos más flojos del disco, donde el grupo flirtea con el rock progresivo. El disco cierra con No ONe Came, donde tema donde los potentes riffs blackmore se entremezclan con los teclados de Lord para regalarnos un digno cierre de un disco. Fireball, aún no siendo un disco tan redondo como el anterior, In Rock, y con una temática de sonido algo dispersa, es un disco indispensable en cualquier biblioteca musical de rock que se precie.