0259: In my life - The Beatles

Recuerdo lugares del pasado, aunque ya no existan o hayan cambiado, porque las cosas que allí me ocurrieron dejaron una fuerte impronta en mi memoria, y de alguna manera me marcaron para el resto de mi vida. Lo mismo me ocurre con algunas canciones que para mí son relevantes porque han tenido su espacio y su lugar en un momento importante de mi vida. Así que al descubrir una canción de The Beatles que reflejaba exactamente eso ("Hay lugares que recordaré toda mi vida, aunque algunos han cambiado. Algunos para siempre, no para mejor. Algunos se han ido y otros permanecen, y todos esos lugares tienen sus momentos, con amores y amigos que todavía recuerdo") la convertí rápidamente en una de mis favoritas de la banda, pese a la aparente sencillez que transmite al compararla con muchas de las grandes creaciones de los de Liverpool.

 

Incluida en el disco Rubber Soul (1965), fue para Lennon un ejercicio de revisión y recuerdo de su infancia, a través de lugares que se habían quedado para siempre en su memoria. Y con la profunda sensibilidad de la letra, consiguió que la canción, a su vez, quedara para siempre en la memoria colectiva. Pese a que la versión original recreaba lugares concretos del recorrido de un autobús en Liverpool (incluyendo Penny Lane y Strawberry Field), Lennon la modificó para que los recuerdos específicos se convirtieran en reflexiones más generales sobre el pasado, que pudieran llegar a todos los que la escucharan.

 

Y lo consiguió. Pocas canciones tienen una letra tan universal o un efecto catalizador de las emociones y los recuerdos tan instantáneo, y es difícil encontrar una unidad de medida para estos intangibles. Podríamos quedarnos con que la revista Rolling Stone la situó en el puesto 23 de "Las 500 mejores canciones de la historia" o mencionar que la revista Mojo la coronó en el primer puesto de "Las mejores 100 canciones de todos los tiempos", pero en realidad todo se reduce a algo más simple y a la vez más poderoso, y es que, en el fondo, y como seres humanos, son muchas más las cosas que nos unen que las que nos diferencian, y esta canción toca una tecla que a todos nos remueve. 

 

McCartney colaboró de manera relevante en la construcción de la música, y entraron a grabarla al estudio el 18 de octubre de 1965. George Martin interpretó el solo de piano, con la velocidad alterada para cumplir la petición de un Lennon que quería "algo barroco" para esa parte de la canción. El embrujo de In my life ha perdurado hasta nuestros días, y por el camino, han sido muchos los que se han subido a aquel autobús, para hacer sus propias versiones: Dave Matthews Band, Crosby, Stills & Nash, José Feliciano, Rod Stewart, Ozzy Osbourne o Johnny Cash, entre muchos otros, la han interpretado, pero si tengo que elegir alguna, me quedaré siempre con la original. "Se que a menudo me pararé a pensar en ellos, pero en mi vida te quiero más a ti". Gracias Lennon.

0258.- Norwegian Wood (This Bird Has Flown) - The Beatles

0258.- Norwegian Wood (This Bird Has Flown) - The Beatles

Norwegian Wood (This Bird Has Flown) es una canción de los Beatles que apareció por primera vez en el álbum Rubber Soul de 1965.

La canción esta acreditada a Lennon y McCartney, pero en principio fue escrita por John Lennon, aunque los arreglos y partes de la canción son de Paul McCartney. Es una de las primeras canciones pop en incluir un instrumento indio, tenemos a John Lennon con su guitarra y acompañado por un George Harrison en el sitar, la canción es una balada con John Lennon en la voz y los coros armónicos de los Beatles en la parte del coro.

Norwegian Wood fue una de muchas canciones del disco Rubber Soul en presentar una relación antagónica con su pareja. Lo contrario de las anteriores canciones de los Beatles donde como en I Want to Hold Your Hand o She Loves You, se dice que las canciones de este disco presentan un lado más obscuro del romance.

La exótica instrumentación y curiosas letras del disco fueron las primeras señales que indicaban a los fans un nuevo enfoque experimental que The Beatles estaban rápidamente adoptando, sobre todo la influencia oriental. Esto se debe a que George Harrison comenzó a meter la cultura india en su vida, quien tomó la decisión de incluir un sitar en la canción mientras la grababan el 12 de octubre y el 21 de octubre de 1965. 

Norwegian Wood tiene una letra que narra un encuentro entre el cantante y una chica innombrada, la historia cuenta un encuentro entre ellos donde beben vino en la habitación de la chica y hablan en la noche, a las 2 de la mañana la chica dice que "es hora de ir a la cama" y el cantante "gatea para dormir en la tina". El nombre de Norwegian Wood hace mención al pino barato con que generalmente están construidas las casas de la clase media británica, así lo expresa la canción en el último verso donde dice que el cantante encendió un fuego, lo cual puede significar que quemó el piso como venganza por que la chica lo dejó solo.

Dichos por propio McCartney, el cantante de hecho quemó la casa de la muchacha. Como él dijo:

Peter Asher (hermano de su entonces novia Jane Asher) construyó su habitación de madera, y toda la gente estaba adornando su casa con madera. Madera Noruega. Esto era realmente pino, solo pino barato. Pero no era realmente un buen titulo, ya sabes "Pino Barato". Era un titulo paródico realmente, sobre esas chicas que cuando llegas a su departamento esta lleno de madera noruega. Esto era completamente imaginario desde mi punto de vista, pero no del de John. Se trataba de un drama que él tenía. Ella lo hizo dormir en el baño y a mi se me vino la idea de quemar la madera noruega. Ella lo llevó y dijo "más vale que duermas en el baño" y en nuestro mundo, eso significa que el chico tomaría algún tipo de revancha, así que eso significaba quemar el lugar.

Los dichos de McCartney tuvieron un cambio en una conferencia de prensa en Los Ángeles:

Reportero: Me gustaría preguntarle esto a los señores Lennon y McCartney. La revista Time se refiere a que Day Tripper es una prostituta...

Paul: Oh, si.

Reportero: ... y que Norwegian Wood es sobre una lesbiana.

Paul: Oh, si.

Reportero: Me gustaría saber que pensaban cuando escribieron eso, y cual es su postura sobre las criticas de la revista Time a las canciones que han escrito hoy en día.

Paul: Solo estábamos tratando de escribir canciones sobre prostitutas y lesbianas, eso es todo.

Daniel 

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Rory Gallagher - Calling Card (Mes Rory Gallagher)

 

Es curioso que cuando el mercado musical se vuelve más rockero con la llegada del punk y más variado en propuestas, es cuando Rory decide realizar un disco con influencias fuera de ese estilo, ha dejado de autoproducirse el disco como siempre había hecho, para colaborar en dicha producción con el bajista de Deep Purple, Roger Glover, quién sin duda realiza un espléndido trabajo en el estudio. Como músicos Gallagher cuenta con Gerry McAvoy al bajo, Lou Martin a los teclados y Rod de’Ath a la percusión, teniendo él todo el protagonismo a todos los niveles. Nunca su voz suena mejor, nunca su forma de componer es tan certera y como siempre, su guitarra dispara demoledores riffs, gran parte de culpa la tiene Roger Glover que le da a Rory una producción de estilo más 'rock' (era más conocido por producir Deep Purple y Black Sabbath) que funciona muy bien en pistas duras y funky como Moon child y Do you read me pero flojea cuando Rory quiere para centrarse en el blues, en otras canciones su banda suena como Thin Lizzy y se vuelve menos interesante. Manteniendo la bandera del blues rock ondeando a finales de los setenta con carisma y considerable habilidad, Calling Card es un sólido Rory Gallagher, una personalidad notablemente consistente y tan agradable como un largo dia de sol que te acaricia la cara y te hace un pelin de daño, y es que no solo se detiene en su rock blues, este álbum contiene brillantes momentos de jazz, verdadero bluesrock y mucho más material excelente.

 

Lo primero que te sorprende cuando empieza a sonar la primera canción de Calling Card, Do you Read me, es la pureza de sonido, y solo con los primeros acordes tienes claro que te va a tocar disfrutar, porque todo suena puro, desde la banda, a la voz de Gallagher y sobre todo cuando han pasado dos minutos esa guitarra que solo él sabía cómo domarla y llevarla por donde más le gustaba, ¿y que encontramos? una grandiosa entrada rockanrollera, Rory nos regala un perfecto blues rock con un sonido tan setenta que te mete directamente en la época. Country Mile, sigue la línea de la anterior, en esta ocasión el Blues Rock se acelera e incluye un solo de guitarra que solo por eso la canción ya merece la pena, pero no solo tenemos esto, ojo detente en Lou Martin y en sus grandes momentos con el piano, y sobre todo el final de la canción, una sobrada arrogante. Moonchild es tocar por momentos la cima, el cielo se roza con las yemas de los dedos, parece una canción sencilla, pero no lo es, probablemente estamos ante la canción más icónica de Rory y el material del que están hechos los héroes de la guitarra, para ello basta una melodía rockera con un ritmo asombroso y un solo de guitarra increíble al final, todo llevado con un ritmo rápido que se adapta a un viaje nocturno por carretera y que anticipa el tipo de solos que se convertirían en algo común en el rock de los ochenta, una brutalidad de tema que en su riff parece enseñar por donde deben ir los tiros en esto del hard-rock. Calling Card es un tema inclasificable, un tema demoledor de blues-rock con esencia jazzística, una canción que a nivel de composición resulta insuperable, bonita, deliciosa, mítica, seductora, otoñal… el bajo y los teclados vistiendo de gala el tema, y un Rory vocalmente perfecto, da la excusa perfecta para que el oyente se sitúe en un pub irlandés bebiendo cerveza aderezado por el piano de Lou Martin que contribuye en gran medida a la atmósfera de la canción, que es una de las más destacadas del álbum. Llega el momento de la pausa, Rory nos entrega I´ll admit your’re gone el titulo ya es demoledor, triste y sus primeras notas no van a la zaga, nos regala un tema folk con esencia “sixtie”, una canción dominada por la hermosa voz de Gallagher y su guitarra acústica slide que le da un toque de blues, la sensibilidad y la delicadeza se desborda a raudales.

 Con Secret Agent retoma Gallagher el camino del hard-rock, estamos ante un temazo para cargar pilas y desnucarse moviendo la cabeza al ritmo que marca la música, en ella podemos encontrar grandes riffs y la sección rítmica es muy potente, sin duda la influencia de Glover se siente aquí más que nunca, ya que la guitarra aullante, el órgano poderoso y los platillos pesados recuerdan al Deep Purple clásico. Jackknife Beat es un ritmo relajado marcado por la colorida interpretación de Gallagher y el bajo de McAvoy, vuelven los toques de jazz para una pieza tranquila y evocadora, sus más de siete minutos es suficiente para pasar por distintos estados. Edged in Blue es una de las canciones más subestimadas de Gallagher, una balada conmovedora bellamente ejecutada que saca a la luz uno de los elementos más importantes de la música de Gallagher: la emoción. No exagero cuando digo que algunas de las mejores piezas de guitarra de Gallagher se incluyen en esta pista, un tema que con las escuchas va enamorando y a día de hoy es uno de mis favoritos. Para terminar, tradición, Barley & Grape Rag es una canción tradicional irlandesa que versiona Rory a su propio rollo, metiéndole una guitarra muy Bluegrass y una harmónica que responde a cada verso que canta. Funciona muy bien como despedida por su sencillez y porque notamos con cada frase Rory está disfrutando.

 

En resumen, Calling Card es definitivamente uno de los mejores álbumes de Gallagher y posiblemente uno de sus mayorer logro. Seguiremos desgranando discos de Rory Gallagher que con su ropa de trabajador en el escenario se convertia en un anonimo héroe de la guitarra, un vecino con los pies en la tierra y si eliminamos toda la pirotecnia y la bravuconería de su forma de tocar la guitarra, una cosa destaca por encima de todo en la música de este hombre: emoción igualada solo por unos pocos en el negocio de la música.

0257: As tears go by - The Rolling Stones

 

«As Tears Go By» es una canción escrita por Mick Jagger, Keith Richards y Andrew Loog Oldham y se considera como la primera composición original de Jagger y Richards, se dice que el manager Andrew Loog Oldham los obligó a escribir alguna canción juntos llegando al punto de encerrarlos en una cocina hasta que lograran escribirla. La canción en un principio no fue del agrado de los componentes, ellos habían basado su música en el blues y una balada podría romper la dinámica y la imagen que hasta ese momento el grupo se había labrado. Este fue el motivo por el que su manager decidió darle la canción a Marianne Faithfull, una joven artista que también estaba a su cargo. Marianne Faithfull debutó en 1964 con esta canción y el tema fue un éxito en Inglaterra llegando a los puestos altos de las listas y posicionando a la cantante de cara a su debut discográfico un año después con ‘Come my way’ (Decca). Cuando Jagger escuchó la versión que había grabado Marianne, su opinión cambió. Ya no era tan blanda, tan femenina. Los Rolling Stones grabaron el tema un año después, y sería una de las tres composiciones que la banda tocó en su debut estadounidense en el Ed Sullivan Show y posteriormente fue lanzada el 4 de diciembre de 1965, las discográficas que estaban detrás de ella fueron Decca Records en el Reino Unido y London Records en los Estados Unidos. La influencia que tuvo Marianne Faithfull en la banda quedaría patente en algunas de las mejores composiciones del dúo. ‘Sympathy for the Devil’, uno de los emblemas de los Stones, se basa en el libro de Mikhail Bulgakov que Marianne había dejado a Mick Jagger, pero aquella no sería su única aportación. El estribillo de ‘Wild horses’ viene, según explica Richards en su biografía, de las primeras palabras de Faithfull tras salir de un coma por sobredosis.

 

Otro dato curioso para los cinéfilos es que, en 1966, el aclamado director francés
Jean-Luc Godard realizó la película Origen USA, película protagonizada por Anna Karina, László Szabó, Yves Afonso y Jean-Pierre Léaud. La historia gira en torno a Paula Nelson, una mujer que debe viajar de París a Atlantic City (Francia) para investigar la muerte de su amante, investigación que se presentará peligrosa debido a la atención que ésta consigue despertar entre los mafiosos de la ciudad. Si bien la protagonista del film es Anna Karina, la película cuenta con un momento muy especial protagonizado por Marianne Faithfull que seguramente será recordado por los fanáticos de The Rolling Stones que hayan visto el film. En una escena de la pelicula, Marianne Faithfull aparece en un café cantando la canción "As Tears Go By" a capella.

 

En definitiva, que es un tema que no os podéis perder, primero por ser una de las primeras baladas de los Stones, y también una de las mejores con una melodía muy hermosa y suave, lo cual es sorprendente considerando a lo que nos tenían acostumbrados sus satánicas majestades, y por otro lado disfrutar de la gran voz que Jagger nos ofrece para acompañar los arreglos de cuerdas.

Un país, un artista: Tanzania - Remmy Ongala

 

Remmy Ongala

     El siguiente país elegido por todos nuestros amigos y seguidores en esta sección ha sido Tanzania. y si hablamos de este país africano, uno de los nombres que nos viene a la cabeza es indudablemente Remmy Ongala.

Ramazani Mtoro Onngala, más conocido como Remmy Ongala, compositor, cantante, guitarrista y director de orquesta tanzano, nace en febrero de 1947 en Kindu, ciudad perteneciente al antiguo Congo Belga, ahora República Democrática del Congo, muy cerca de la frontera con Tanzania. Después de la muerte de sus padres, Remmy comienza a trabajar como músico, tocando la batería y la guitarra al estilo congoleño llamado Soukous, también conocido como rumba congoleña. El Soukous realmente es un derivado de la rumba congoleña que empezó a tocarse durante la década de los 60, alcanzado su mayor punto de popularidad  en la década de los 80 en Francia. El Soukous, aunque, como comentamos anteriormente, suele llamarse también rumba congoleña, en realidad difiere de ésta, ya que utiliza un tempo más alto y unas secuencias de baile más largas.

Remmy, mientras toca ya en bandas de Zaire y Uganda, ya se dedica a escribir canciones comprometidas, canciones con mensaje. En 1978 se muda a Dar Es Salaam, la ciudad más grande de Tanzania y epicentro del negocio del país. Es en la gran ciudad donde se incorpora a la Orquesta Makassy, reputadísima banda de Soukous compuesta por músicos de Uganda y Zaire (ahora República Democrática del Congo). Remmy compone con esta orquesta su primer sencillo de éxito, Sika Ya Kufa ("The Day I Die"). 

Pasado un tiempo, Orquesta Makassy se traslada a Kenia, y Remmy decide quedarse y funda su propia banda, Orchestre Super Matimila, grupo que lleva el nombre del empresario que había comprado los instrumentos a la banda. Con su propia banda ayuda a transmitir el estilo Soukous a la cultura musical de Tanzania, mezclándolo además con elementos musicales de Kenia y Tanzania. Todo esto contribuyó a su vez al desarrollo del hip-hop en Tanzania durante la década de los años 90. La popularidad de Remmy ve creciendo, pero también la aversión del país tanzano hacia él, debido a sus letras francas, directas y comprometidas que hace. De hecho el gobierno de Tanzania considera expulsarlo del país, pero al final, Remmy acabará recibiendo la nacionalidad Tanzana. 

Un amigo británico se lleva unas grabaciones en cassette de Remmy a Inglaterra y las muestra. Los organizadores del Festival Womad (World Of Music, Arts & Dance), festival que incluye música popular, música étnica, artesanía y otras actividades lúdicas, escuchan las grabaciones y quedan encantados, invitando a Remmy con su Orchestre Super Matimila a tocar en el Festival Womad de 1988 celebrado en Reading, Inglaterra. En Inglaterra Remmy graba los álbumes, bajo el sello Real World (sello fundado por Peter Gabriel), Songs for the Poor Man (1989) y Mambo (1992). Ambos discos contenían canciones en inglés y swahili. Durante la década de los 90 Remmy junto con su banda realiza giras por África, Europa y Estado Unidos.

Remmy Ongala ya es una superestrella en África Oriental, y como hemos comentado anteriormente, gracias al apoyo del sello Real World alcanza bastante popularidad durante la década de los años 80 y 90, realizando giras europeas y americanas. En 2001 el artista sufre un serio traspiés para su salud, pues un derrame cerebral paraliza parte de su cuerpo, pero el artista sigue actuando ayudándose de una silla de ruedas. Durante sus últimos años de vida, Remmy decidió dedicarse a la música gospel, siguiendo los deseos de su madre por consejo de un curandero tradicional. 

Remmy Ongala, quien se llamaba a sí mismo "Sura Mbaya" (cara fea), y cuyos seguidores y fans llamaban "Doctor", fallecía el 13 de diciembre de 2010, a los 63 años de edad. Nos dejaba un artista comprometido, y que a través de sus mensajes sociopolíticos luchaba y trabajaba firmemente en la abolición del racismo y la injusticia social. Remmy también mostró su compromiso a través de su música abordando otros muuchos problemas, como la pobreza, el SIDA o la vida en famila.

0256: Get off of my cloud - The Rolling Stones

Get off of My Cloud (Sal de mi nube) fue escrita para complementar y continuar el éxito de (I can't get no) Satisfaction, y consiguió su objetivo al llegar a los primeros puestos del Reino Unido y erigirse en el segundo nº 1 consecutivo de los Rolling Stones en las listas estadounidenses.

Se grabó en los RCA Studios de Los Ángeles, y fue lanzado en Estados Unidos como sencillo en septiembre de 1965, con I'm free en la cara B. En Reino Unido aún hubo que esperar hasta octubre para disfrutarla, y allí la cara B elegida para acompañar a Get off of My Cloud fue The Singer not the song.​ Adicionalmente, fue incluida en el disco December's Children (and Everybody's) de finales de 1965.

Dónde (I can't get no) Satisfaction reflejaba la profunda insatisfacción de Jagger & Richards, en Get off of my cloud reaccionan airadamente contra el excesivo entorno mediático que les rodeaba desde el aumento de popularidad y repercusión que el éxito del sencillo anterior había provocado.

Con esa premisa, el tono del tema es duro, con una rotunda intro de batería de Charlie Watts y un cruce de guitarras a cargo de Brian Jones y Keith Richards, y la letra es un agresivo ejercicio de rebeldía y una airada manifestación de Jagger de su deseo de alejar a incómodos personajes que llaman a su puerta con peticiones absurdas: ​"Entonces viene un tipo que parece vestido con la Union Jack, me dice que ganaré cinco libras si tengo el tipo de detergente que promociona (...)¡Hey, tú!, bájate de mi nube, no te quedes por aquí porque dos son multitud"

0255 The Yardbirds - I'm a man

0255 The Yardbirds - I'm a man

La banda de rock inglesa The Yardbirds grabó una versión en vivo de "I'm a Man", "I'm a Man" es una canción de Rhythm and blues escrita y grabada por Bo Diddley en 1955.

La versión de The Yardbirds fue para su primer álbum británico Five Live Yardbirds con Eric Clapton en 1964. Luego se incluyó en su segundo álbum estadounidense Taking a Rave Up with The Yardbirds.  

En 1965, durante la primera gira americana de The Yardbirds con Jeff Beck en la guitarra, grabaron una versión de estudio de "I'm a Man", que también se incluyó en Have a Rave Up. Sus versiones cuentan con su arreglo característico de "rave-up", cuando el ritmo cambia a tiempo doble y la instrumentación aumenta en forma progresiva. Beck agregó una técnica de "scratch-picking" para producir un efecto de percusión durante la sección instrumental de la canción. El crítico Cub Koda señala "proporciona el clímax en la versión de estudio de 'I'm a Man', quizás The Yardbirds más famoso delirio de todos ". 

La grabación tuvo lugar en los Chess Studios de Chicago, con una grabación adicional en los Columbia Studios de Nueva York.  Fue lanzado como single y luego incluido en su álbum de Epic Records de 1965, Taking a Rave Up.  

La versión de The Yardbirds (con "Still I'm Sad" como cara B, lanzada por Epic Records en los EE. UU.) Alcanzó el puesto 17 en el Billboard Hot 100 en 1965.  La canción fue lanzada posteriormente en el Reino Unido en 1976. Diddley elogió su versión como "hermosa" y ha sido llamada "un momento decisivo para la banda". 

Además de la versión en vivo de 1964 con Clapton, existen otras versiones en vivo, incluyendo las de Jeff Beck en 1965 Yardbirds, On Air, lanzado en 1991 y Jimmy Page 1968 Live Yardbirds: Featuring Jimmy Page, lanzado en 1971 y Yardbirds '68, lanzado  2017.

Daniel 

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Rory Gallagher - Blueprint (Mes Rory Gallagher)

Rory Gallagher - Blueprint #mesRoryGallagher

Rory Gallagher llevaba ya unos años  demostrando su música con dos álbumes de estudio de primerísima calidad como el homónimo debut y el Deuce, más con un disco en vivo Live In Europe!. 

Así que fruto de sus éxitos, este tomó la decisión de que su banda dejara de ser un Trío e incorporó al teclista Lou Martin a su formación, sumo a Rod De’Ath como batería. Estos músicos sumados a un grande como el bajista Gerry McAvoy conformaron la formación más estable y que estuvo presente en muchos de los mejores discos de Rory Gallagher. Con esta nueva fórmula, el músico irlandés vio la posibilidad de hacer un disco más variado que los dos anteriores, cosa que terminó logrando y que llevaría el título de Blueprint. 

Rory Gallagher era un tipo muy maniático y perfeccionista, aunque no tenía fama de dictador. Mencionó esto porque la portada del disco, aunque parece simple, tiene un trasfondo más complejo. Detrás de la foto del guitarrista, es verdad que hay otra versión en la que aparece el propio guitarrista fusionado con el fondo, pero en esta en particular lo que se ve es el esquema real un circuito real del circuito del amplificador Stramp Power-Baby que el guitarrista mandó a diseñar para que le entrace en el maletero de su coche, que era un Volkswagen Beetle, toda una curiosidad en torno a la portada del disco. 

El disco Blueprint abre de manera estelar con Walk On Hot Coals, un Blues-Rock de la vieja escuela alargado hasta los 7 minutos donde pueden comenzar a verse las primeras grandes aportaciones de Lou Martin tras los teclados, el segundo tema también es grandioso. Daughter Of The Everglades es una balada fabulosa dentro del catálogo del irlandés. Solo puedo encontrar elogios para esta canción. 

Seguimos con un poco Blues, se viene Banker's blues de Big Hill Broonzy, en el que hay arpegios gloriosos, slide, una interpretación elegante tras el micrófono de Rory Gallagher y un teclado siempre presente. Realmente la incorporación de Lou Martin fue un éxito para la banda. Otro ejemplo es Hand Off, tema en el que la guitarra y el piano se intercalan con momentos solistas. 

Race The Breeze, otro tema extenso que mezcla el Country con el Blues-Rock, y la posterior Unmilitary Two-Steps aportan algo más de color y variedad al disco. En medio de estas dos canciones está todo un clásico de Rory Gallagher como es Seventh Son Of A Seventh Son que llega hasta los 8 minutos y medio  y que vuelve a mostrar la riqueza sonora que originaban conjuntamente la guitarra del irlandés con unos siempre presentes teclados.

La segunda balada del álbum es If I Had A Reason en la que el artista nos traslada al Lejano Oeste con un Country precioso logrado a partir de la inclusión del Lap-Steel y el Honky Tonk de Martin. 

El disco, en su versión original ya habría acabado, pero la reedición de 1999 rescató dos extras nada desechables como la eléctrica Stompin' Ground y  Treat Her Right

Blueprint vino a confirmar que los éxitos, que había tenido la banda hasta ese momento, y las decisiones tomadas por Rory Gallagher no habían sido fruto del azar. Este es un disco ambicioso, con canciones de extensión atípica y con el acierto ya dicho a favor de tener ya a Lou Martin en sus filas. 

Daniel
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La música en historias: El saxo del irlandés

Rory Gallagher en el Beat Club 

(Show en Alemania, 1970)

     En esta ocasión voy a volver a hablar de la figura de Rory gallagher, un artista por el que en 7dias7notas tenemos devoción, y del que ya hemos hablado en varias reseñas. Un artista para mí especial, para él siempre prevaleció la música por encima de todo, la música para la gente, jamás sacó un single, no buscó nunca las listas de éxitos ni de ventas, la calidad de su música siempre estaba por encima de todo lo demás. Este hecho ha hecho quizás que su nombre no suene tanto cómo el de otros grandes guitarristas de la historia de la música, pero puedo asegurar que Rory forma parte de ese selecto grupo por derecho propio.

     De sobra es conocida la calidad y la maestría de Rory gallagher a la guitarra, y más aún si tenemos en cuenta el hecho de que Rory aprendió a tocarla de forma completamente autodidacta. Pero además de la guitarra, durante su carrera también fue habitual verle hacer las delicias del público con el banjo, el dobro, la mandolina, el sitar ó la armónica.

     Pero además hay un instrumento que también tocó, sobre todo durante los inicios de su carrera y que posteriormente poco a poco fue dejando arrinconado en algún cajón, el saxo. ¿Rory tocando el saxo? sí, también aprendió de forma autodidacta y como no podía ser de otra forma lo tocaba con maestría. Una pena que cada vez fuera prodigándose menos. 

     Cuando Rory formó Taste era bastante frecuente verle en los directos del grupo agarrar el saxo y hacer disfrutar al personal de su magia con él. La lástima es que apenas existen grabaciones de él tocando dicho instrumento, pero si rebuscáis un poco por la red todavía podéis encontrar una grabación de Rory de las sesiones en el Beat Club en Alemania deleitándonos con el tema It's Happened Before, It'll Happen Again, un tema con aire de jazz brutal.

     Si rebuscamos un poco en su extensa discografía en solitario podemos encontrar algún que otro tema dónde aparece Rory utiliza el saxo. En su disco homónimo, el primero después de abandonar Taste, Rory Gallagher utiliza el saxo para la grabación del álbum, ahí podemos encontrar la maravillosa y delicada pieza Can't Believe It's True.

     Rory utilizaría el saxo en la grabación de dos discos más, Blueprint (1973) y Tattoo (1973), dos discos además absolutamente recomendables. Es una pena que Rory no quisiera sacar más partido al saxo, daba igual el instrumento que cayera en sus manos, banjo, armónica, saxo o guitarra, pues con todos ellos hacía maravillas. No en vano cada vez coincido más con el Maestro Rosendo sobre la figura de Rory, pues artistas cómo él hay pocos.

0254 Heart Full of Soul - The Yardbirds

 

Herat Full le Soul

     En noviembre de 1965 el grupo The Yardbirds publica, bajo el sello discográfico Epic, el álbum Having a Rave Up. Este es el último disco donde aparece Eric Clapton como guitarrista principal, quien fue reemplazado en el mismo por un jovencísimo Jeff Beck. Clapton había dejado el grupo debido al cambio en la dirección musical el mismo y con el que no estaba de acuerdo. Con la llegada de jeff Beck a la formación, el grupo, inspirado por el  joven guitarrista, empezó a experimentar con otros estilos musicales. Beck también aportó y usó efectos de guitarras mejorados electrónicamente.

Incluido en Having a Rave Up se encuentra el tema Heart Full of Soul. Este tema fue el primer sencillo que lanzó el grupo con Jeff Beck como guitarrista principal, quien había sustituido a Eric Clapton. El grupo realizó una primera grabación de esta canción utilizando un músico tocando el sitar, quien interpretaba diversas figuras instrumentales. Sin embargo, el grupo no había quedado satisfecho con el resultado, por lo que Jeff beck desarrolló las partes de guitarra eléctrica, utilizó un fuzz box, y emuló el sonido del sitar. Beck dió al tema un toque oriental, algo que fue descrito por la crítica musical como una de las primeras introducciones de estilos de guitarra de influencia india a la música rock. 

Heart Full of Soul fue compuesto por el cantante, músico, y cantautor inglés, fundador y miembro del grupo 10cc Graham Gouldman. Gouldman, además de componer otros dos éxitos más aparte de éste para The Yardbirds, Evil Hearted You y For Your Love, compuso canciones para grupos como The Hollies, Cher, The Shadows y Herman's Hermits entre otros.

0253 I Can't Help Myself (Sugar Pie Honey Bunch) - Four Tops

 

I Can't Help Museo, Tour Tops

     En noviembre de 1965, el exitoso grupo de R&B Four Tops, publica su segundo álbum de estudio, Four Tops Second Album. El disco fue en el studio A de Hitsville, Estados Unidos y supuso un gran éxito en las listas de ventas, alcanzando el puesto número 3 en la Billboard Black Albums, y el puesto número 20 en la Billboard 200.

El disco contiene tres de los sencillos más exitosos del grupo, y nos vamos a centrar en uno de ellos, concretamente I Can't Help Myself (Sugar Pie Honey Bunch). Este tema alcanzó el puesto número 1 en las listas de ventas Black Singles y Pop Singles de Estados Unidos, siendo además el primer tema del grupo en alcanzar el puesto número 1 en dichas listas.

El tema fue compuesto por el famoso equipo de compositores del sello Motown, el trío Lamont Dozier, Brian Holland y Eddie Holland, quienes además produjeron este tema y todo el resto del exitoso álbum. La canción está interpretada por el cantante de Four Tops Levi Stubbs, quien está acompañado a los coros por los demás integrantes del grupo, Abdul "Duke" Fair, Renaldo "Obie" Benson y Lawrence Payton, y también por el grupo femenino de sesión del sello Motown The Andantes. 

Lamont Dozier relataba que el tema surgió a raíz de una experiencia que tuvo siendo niño cuando tenía unos 11 o 12 años. Por aquél entonces estaba con su abuela, y ésta tenía su propio salón de peluquería y belleza en casa. Mientras las mujeres estaban en el salón arreglándose el pelo, su abuelo solía aparecer por el jardín y se dedicaba a coquetear con las clientas, diciéndoles cosas como "How you doin', sugar pie? Good morning , honey bunch" / "¿Cómo estás pastel de azúcar? Buenos días, cariño". La casa tenía un gran ventanal en la parte delantera de la casa desde donde solía observar su abuela mientras decía "Mira ese viejo imbécil, él cree que no le veo. sé lo que está haciendo". Años después, Lamont Dozier estando sentado al piano le vinieron a la mente esos recuerdos de infancia, por lo que tuvo claro que tenía que escribir sobre ello.

Disco de la semana 241: Assembly - Joe Strummer

 

Assembly, Joe Strummer

     Para la recomendación de esta semana vamos a rescatar la figura de Joe Strummer, quien marcó una época con la banda The Clash y  posteriormente con The Mescaleros y en solitario.

John Mellor, más conocido posteriormente como Joe Strummer, nace en 1952 en Ankara, Turquía. Su madre, escocesa, era enfermera, y su padre era diplomático del servicio consular de la India. Debido a esto, la familia solía viajar con asiduidad, Y Joe pasó su infancia en ciudades como El Cairo, Ciudad de México o Bonn. A los nueve años ingresa en la escuela City of London Freemen's School de Surrey, Reino Unido. Es en esa época cuando empieza interesarse por la música, escuchando a The Beatles, The Beach Boys y Woody Guthrie. A pesar de ser zurdo aprende  tocar la guitarra como un diestro. El suicidio de su hermano David, a pesar de no tener una relación muy estrecha le marcará en cuanto a la forma de ver la vida. Al acabar la escuela se muda a Londres para estudiar en la Escuela de Arte, Arquitectura y Diseño de la ciudad. Es en Londres donde comparte vivienda con Tymon Dogg, quien posteriormente colabora en los proyectos musicales de Strummer. 

En 1973 se muda a Newport, Gales, para estudiar en el Newport College of Art, pero pronto abandona dichos estudios y forma junto a unos amigos la banda The Vultures, donde canta y ejerce de segundo guitarrista, a la vez que trabaja como sepulturero para ganarse la vida. Al año siguiente Joe vuelve a Londres y se reencuentra con Tymon Dogg, y los dos empiezan  actuar como músicos callejeros hasta que, junto a otros compañeros con los que comparten apartamento, forman la banda The 101'ers, nombrada así por la dirección donde vivían. En 1975 Joe, quien hasta entonces actuaba bajo el pseudónimo Woody Mellors, se cambia éste por el de Joe Strummer. 

En 1976 es tentado para unirse a una nueva banda, acepta a dicho ofrecimiento y junto a Mick Jones (guitarra), Paul Simonon (bajo), Keith Levene (guitarra) y Terry Chimes (batería) forman el grupo The Clash. El grupo debuta en julio de 1976 teloneando a los Sex Pistols en The Black Shaw (Ahora The Boardwalk) en Sheffield. En enero de 1977 la banda consigue un contrato con CBS Records a pesar de sufrir las salidas de Levene y Chimes. A la banda se unirá Topper Headon, convirtiendose esa en la clásica formación del grupo (Jones, Simonon, Strummer y Headon). Con The Clash, una de las bandas más polivalentes de la primera oleada punk, y una de las más politizadas, Strummer marcará una época. Las temáticas de la decandencia social, la ignorancia, el desempleo, la brutalidad policial, la represión política y cultural, el militarismo, así como la implicación de Strummer en diversas campañas en la liga Anti-Nazi, y conta el racimo, les hizo tener a él y al grupo bastantes conflictos con la ley. Los problemas de Headon con la heroína, la expulsión de Mick Jones, y a pesar de incorporar nuevos miembros, hará que tras la decepcionante acogida de su álbum Cut the Crup (1985), la banda finalice su andadura en 1986. Se acababa la andadura de una de las bandas más influyentes del género.

Un año después de la disolución de The Clash, Joe se sumerge en diferentes proyectos, compone varias canciones para la película Sid and Nancy, trabaja en el nuevo proyecto de Mick Jones, Big Audio Dynamite, y actúa en las películas Walker y Straight to Hell, dirigidas por Alex Cox. En 1989 coolabora en la película Mistery Train, y en 1990 participa como actor secundario en la película I Hired a Contract, de Aki Kaurismäki. Durante esa época se centra en la industria cinematográfica, componiendo y produciendo gran cantidad de canciones para bandas sonoras. durante esos años también graba con la banda The Latino Rockabilly War el disco Earthqure Weather (1989), pero resulta ser un fracaso. En 1991 sustituye brevemente a Shane MacGowan como vocalista de The Pogues. También mantiene en esa época una disputa con Sony BMG Music Entertainment, la discográfica de The Clash, hasta que éste le permitió publicar sus trabajos con otras discográficas a condición de que si The Clash se vuelve a juntar, el grupo lo haga bajo Sony BMG.

A finales de los 90 Strummer reúne a un grupo de músicos destcados para formar una nueva banda, The Mescaleros. El grupo firma por Mercury Records y debuta en 1999 con su primer álbum, Rock Art and the X-Ray Style, y realizan una gira por Reino Unido y Estados Unidos. En 2001 la banda firma con la discográfica punk California Hellcat Records y lanza su segundo álbum de estudio, Global A Go-Go, volviendo a realizar una gira por Reino Unido Y Estados Unidos, incluyendo además en su repertorio temas de The Clash. El último show de Strummer fue en la Academia de Liverpool el 22 de noviembre de 2002, poco antes de su muerte. Había compuesto junto a Bono (U2) la canción 46664, en favor de la campaña contra el sida en África, iniciada por Nelson Mandela. Strummer se había comprometido a tocar en un concierto en Robben Island en febrero de 2003 para apoyar dicha campaña, pero un fallo cardiaco congénito no diagnosticado el 22 de diciembre de 2002 hizo que ese concierto nunca llegara a producirse. Joe Strummer nos dejaba a los cincuenta años de edad. En el momento de su muerte, Strummer trabajaba en un nuevo disco con The Mescaleros, el cuál se editó de manera póstuma en octube de 2003, bajo el título Streetcore.  

A comienzos de este año salía a la luz, bajo el sello discográfico Dark Horse Records, Assembly, una recopilación de temas realizados durante la carrera de Joe Strummer junto a The Clash, The Mescaleros y en solitario. Una recopilación donde encontramos temas como Coma Girl, Johnny Appleseed y Yallayalla. También hay contribuciones a bandas sonoras, como Love kids, tres versiones inéditas de temas clásicos de The Clash, Junco Partner (versión acústica), y I Fought The Law y Rudie Can't Fall (interpretadas por Joe Strumer & The Mescaleros). Encontraremos incluso una gran versión del legendario Redemption Song de Bob Marley. Esta recopilación está acompañada y enriquecida por algunos textos escritos para la ocasión por Jakob Dylan, hijo de Bob Dylan y reconocido seguidor de la obra Joe Strummer.

En 7dias7notas creemos que es un buen momento para recordar la figura de Joe Strummer y su obra, y que mejor manera de hacerlo, con Assembly, el reciente recopilatorio que hace un repaso por su vida y obra a través de una excelente selección de temas escogidos para la ocasión.

0252: The Paul Butterfield Blues Band - Born in chicago

0252: The Paul Butterfield Blues Band - Born in chicago

Paul Butterfield fue un músico de blues nacido a finales de 1942 en la ciudad de Chicago. Está considerado como uno de los armonicistas más importantes del blues, y uno de los primeros artistas en difundir este género entre la población blanca aficionada al rock. 

Durante su juventud estudió música y practicó atletismo, el cuál tuvo que abandonar debido a una lesión de rodilla. Así que refugiado en la música, a finales de los cincuenta, conoció al cantautor Nick Gravenites, y juntos comenzaron a tocar en los locales de la capital de Illinois donde se tocaba blues en directo. En aquellas incursiones conocieron a otras leyendas del blues como Howlin’ Wolf, Otis Rush, Little Walter o Muddy Waters, quienes a menudo los animaban a participar en aquellas improvisadas sesiones. 

Así fue como empezaron a tocar en algunos locales de la ciudad, como el dúo Nick & Paul. A comienzos de la década de 1960, Paul Butterfield conoció al guitarrista Elvin Bishop, y eso fue lo que completo la idea de formar Paul Butterfield Blues Band, grupo al que acabaron uniéndose el bajista Jerome Arnold, el batería Sam Lay, y por  último el guitarrista Mike Bloomfield.

Éstos fueron los músicos que se comprometieron con la discográfica Elektra para grabar su primer álbum, titulado “The Paul Butterfield Blues Band” (1965). En él se incluyeron versiones de músicos de blues como Elmore James, Willie Dixon, Muddy Waters o Junior Parker, además de temas escritos por los miembros de la banda. 

El disco comienza con el tema “Born in Chicago”, compuesto por el ya mencionado Nick Gravenites, Paul Butterfield y Mike Bloomfield, tocaban esta canción en algunos clubs de Chicago a principios de los sesenta. Fue precisamente Bloomfield quien propuso grabar esta melodía; aunque al principio Butterfield se negó, finalmente acabaron por grabarla, primero en una versión para un álbum de muestras de Elektra Records, después, la definitiva que formó parte del disco, con el apoyo del teclista Mark Naftalin. 

La letra hace referencia a la vida violenta en las calles de Chicago, donde los chicos desde jóvenes se acostumbran y sufren con el uso de armas de fuego. Aunque hay bastantes versiones de “Born in Chicago”, sólo voy a mencionar dos que son para mí las más conocidas, y tienen un registros diferentes;, por un lado, la grabada por la banda de rock alternativo Pixies, incluida en el disco recopilatorio “Rubáiyát: Elektra’s 40th Anniversary” (1990) y, por otro, un interesante directo de Tom Petty junto a sus Heartbreakers.

Daniel

Instagram Storyboy

0251: Turn, Turn, Turn - The Byrds

 

"Hay una estación para todo", cantaba la banda de folk The Byrds en Turn, Turn, Turn, tema inspiracional y anti-belicista escrito a finales de los 50 por Pete Seeger, y que da título a su álbum de 1965. Una canción que, en el estribillo, tiene una estructura de bucólicos coros repitiendo el Turn, Turn, Turn (Cambia, cambia, cambia) como complemento o respuesta a cada una de las aseveraciones de la voz cantante: Para cada cosa (Cambia, cambia, cambia) hay una estación (Cambia, cambia, cambia) y un momento para cada propósito...

Las breves estrofas son un compendio de todas esas cosas que se pueden hacer en la vida, para las que siempre habrá un momento "para nacer y para morir, para reír y para llorar, para construir y derribar, para amar y odiar, para la guerra y para la paz" Lo queramos o no, la vida nos pondrá en todas esas tesituras contrapuestas, pero el mensaje subyacente de la canción es que, para muchas de ellas, tenemos la capacidad de poder cambiar para mejor, y en particular para evitar las confrontaciones y luchar por la paz en el mundo, esperanza reflejada en el último verso de la canción: "Un tiempo para la paz, juro que no es demasiado tarde". Esta última frase, junto con el "Turn, Turn, Turn" de los coros, fueron las únicas frases originales de la letra de Pete Seeger, ya que el resto eran prácticamente un calco de un pasaje bíblico del capítulo 3 del Libro del Eclesiastés, atribuido al famoso Rey Salomón, que declara la existencia de un tiempo y un lugar para todas las cosas: la risa y el dolor, la curación y la muerte, la guerra y la paz... 

​The Byrds decidieron hacer una versión de la canción durante un viaje en el autobús de la banda en una gira por Estados Unidos, cuando el cantante Roger McGuinn la interpretó en un tono más rockero que el de la versión folk original. La grabaron en septiembre de 1965 y la publicaron como single un mes después, siendo un gran éxito de ventas hasta el punto del llegar al número 1 del Billboard estadounidense. "Para todo hay un momento", y esa era la canción perfecta y el mensaje adecuado en el apogeo del folk-rock y la era hippie que se estaban viviendo en todo el mundo.

Rory Gallagher - Deuce (Mes Rory Gallagher)

Dentro del #MesRoryGallagher que acabamos de iniciar, llega el turno de Deuce (1971), su segundo álbum de estudio, publicado en Polydor Records tan solo seis meses después de Rory Gallagher, su disco de debut. Pese a que las primeras críticas no fueron del todo positivas por la calidad de la producción, es uno de los discos que, con el tiempo, se ha ganado su sitio privilegiado entre los mejores discos del genial guitarrista irlandés, que ante las críticas alegó haber buscado un sonido más crudo que en la primera de sus entregas.

En Deuce encontramos influencias de Jimi Hendrix y Led Zeppelin, pero también de los grandes del blues y el folk de raíces americanas, en una nueva demostración de talento y versatilidad musical al alcance de muy pocos. El disco arranca con Used to be, uno de los platos fuertes del disco, con guitarras a la altura del mejor Page o el mencionado Hendrix. Tras la descarga de decibelios inicial, el disco pone rumbo hacia orillas más tranquilas con el folk acústico de I'm not awake yet y las influencias de Dylan en Don't know where i'm going y la alternancia entre el rock y los pasajes melódicos de Maybe I will.

Con el rock de aires épicos de Whole lot of people el disco sigue dando muestras de la creatividad y versatilidad de Rory, además de la omnipresente habilidad para dotar de intensidad a los solos de guitarra. El disco va sumando grandes temas uno a uno, y In your town es una demostración de como facturar una canción en la que el blues y el rock se den la mano y se fundan en uno. Más clásica y blusera es Should've learnt my lesson, en la que, más que aprender la lección, es Rory quien la imparte con maestría, al igual que sucede con There's a light, el tema más experimental y otro de los momentos álgidos de un disco que no tiene relleno ni desperdicio.

En Out of my mind hay una vuelta al tono americano y acústico de algunas canciones del disco, con toques country y sabor a música tradicional. Y ahí podía haber quedado la cosa, pero para ser completamente excelso, a este disco le faltaba la guinda de Crest of a wave, con un riff de guitarra y un ritmo que la convierten en una obra maestra, y que le da a Deuce el espaldarazo definitivo hacia la cresta de la ola, antes de romper con fuerza en la playa de los discos imprescindibles. El oleaje nos trajo también la sorpresa de Persuasion, un tema inédito en la reedición en CD de 1999, que no solo no desmerece, sino que suma quilates al conjunto como la joya inesperada y brillante que es.

0250: Farewell, Angelina - Joan Baez

En el año 1965, el movimiento folk andaba sin tener muy claro cuál era su camino y el destino de su estilo musical, se estaban produciendo muchos cambios, y no todo el mundo sabia que tren tomar en su carrera musical. Una de las que lo tuvieron siempre muy claro fue
Joan Baez, que mantuvo su estilo musical tradicional, ella no iba a cambiar, es cierto que su voz era su mejor carta de presentación, una voz fuerte y a la ex inquietantemente hermosa, que acompañaba en muchas de las ocasiones con unas muy bellas canciones.

"Farewell, Angelina" es una hermosa canción compuesta en los años más creativos de la primera época artística de Bob Dylan, fue un descarte de las sesiones de grabación de Bringin 'It all Back Home , el quinto álbum de estudio de Bob Dylan, fue descartada del elepé, pasando a circular durante años en discos piratas distribuidos en el mercado negro estadounidense y del Reino Unido. Nadie está seguro de por qué la canción se dejó fuera del álbum, pero Dylan se la dio a Joan Baez, quien la convirtió en la canción principal de su álbum lanzado en octubre de 1965. Báez incluyó otras tres canciones escritas por Dylan en ese álbum, más una cuarta que apareció como bonus. Joan Baez, la grabaría en 1965, en Nueva York para el sello Vanguard, si bien cambió algunas palabras, modificó ligeramente algún verso y suprimió una estrofa, imprimiendo a su versión un halo antibelicista, popularizando así esta composición de gran dimensión musical y poética y es que con la forma en la que la canta no parece una canción en absoluto, sino un verdadero recital de la cantautora, de la pacifista, de la poeta. Deteniéndonos en la canción podemos descubrir que tiene casi todo lo que necesitamos, la voz, la textura, ese leve toque de guitarra y una crítica política, o más bien crítica a la idea de la política moderna, un alejamiento, un dolor que reverbera en casi todas las líneas de la canción y una filosofía más amplia, más libre pero hermosa.

Es sin duda una de las canciones más querida por la artista y por el público, que ha interpretado en multitud de ocasiones, un tema fijo en sus conciertos más importantes y representativos.

Un país, un artista: Suecia - The Cardigans

 

El sonido de los Cardigans, fue definido "lounge pop descabellado de los sesenta endulzado con voces femeninas melancólicas, “aunque ellos preferían decir que hacían música alegre, pero no es ninguna tontería, tiene algo de emoción real. Siempre estamos felices, tristes, ese es el estado mental de los Cardigans". Sin embargo, sus canciones a menudo exploraban la lírica oscura temas; los Cardigans incluso lograron saludar sus raíces del metal en un disco, haciendo versiones de canciones de los titanes del hard rock Black Sabbath.. y no hacían más que reivindicarse como lo que son “…La gente siempre quiere etiquetarte. Es un trabajo difícil describir la música, y supongo que esa es la única forma en que algunos críticos pueden hacerlo ". Los críticos, sin embargo, en su mayoría se enamoraron de la banda, al igual que el público de Japón, Gran Bretaña y Estados Unidos.

 

La banda se creó a finales de 1992 en la ciudad de Jonkoping. La guitarra Peter Svensson, el bajista Magnus Svenigsson, el guitarrista y teclista Lars-Olof Johansson y el baterista Bengt Lagerburg estuvieron cuando la banda hecho a rodar, los cinco cohabitaban en una casa lo suficientemente grande para sus intereses eclécticos, y pronto crearian el material que sería en su debut sueco, Emmerdale. El álbum fue grabado por el productor Doc-Tore y al álbum le fue bien no solo en la tierra natal de la banda, sino también en Inglaterra, donde todo tipo de pop nostálgico asaltaba las listas de éxitos, y Japón, donde los fanáticos sin duda apreciaron las melodías espumosas de los Cardigans y la ternura. Un entusiasmo similar recibió su segundo álbum, Life, que fue album de platino en Japón. La penetración de la banda en los EE. UU. Fue en gran parte clandestina, pero parece que se encontraron con numerosos fanáticos gracias a la transmisión por radio universitaria de la versión estadounidense de Life, que combinó material de los dos primeros lanzamientos suecos y apareció en el respetado sello independiente Minty Fresh en 1996. El pop juguetón de la banda recordaba todo, desde las grabaciones "lounge" y "exóticas" recién resucitadas de los años 60 hasta el pop sofisticado de Burt Bacharach. Los Cardigans también le dieron un toque delicado a la canción antes mencionada de Black Sabbath, "Sabbath Bloody Sabbath". Según la crítica musical no fue una buena idea, "Los generosos préstamos de la banda de la paleta del pop de los sesenta son los vehículos perfectos para el romanticismo esponjoso". Este tipo de comparaciones, incluso cuando iba acompañada de tantos elogios, molestó mucho a los Cardigans. Si bien admitieron admiración por las superestrellas del pop sueco de los 70 ABBA, a quienes Svenigsson llamó "grandes, grandes compositores" y "una banda de pop brillante". El interese mostrado por Life llevó a un acuerdo con el sello estadounidense Mercury, que lanzó el próximo trabajo de Cardigans, First Band on the Moon, en 1996. Esta vez la banda endureció un poco su sonido y exploró un territorio lírico más oscuro. "Las letras de la vida eran muy superficiales, historias sobre nada, en realidad", insistió Svenigsson en Rolling Stone. "Creo que al menos 10 de las 11 canciones del nuevo álbum tratan sobre cosas realmente profundas y serias". El crítico de Addicted to Noise, Gil Kaufman, proclamó que con First Band, los Cardigans "brindan una ráfaga de aire fresco a la moribunda nación alternativa". En ese álbum encontramos "Lovefool", una canción de masoquismo romántico colocada en un ambiente musical alegre y jovial. La canción terminó en la banda sonora de la exitosa versión cinematográfica del director Baz Luhrmann de Romeo y Julieta de Shakespeare, así, la canción se convirtió en un gran éxito en los Estados Unidos, pasando de las estaciones de radio de rock alternativo al Top 40. Los Cardigans eran estrellas de rock en Estados Unidos.

 

Despues de tanto ajetreo, la banda espero hasta junio de 1998, momento en el que el grupo empezó a grabar su nuevo disco. El CD sale a la venta en octubre de ese mismo año, y fue llamado Gran turismo en homenaje al juego de vídeo de automóviles, este fue el álbum con el que alcanzaron la madurez, que hasta ese momento no habían alcanzado con sus anteriores discos. Este álbum, además, les dio la oportunidad de ganar cuatro Grammys, a las categorías de Mejor álbum, Mejor grupo/pop-rock, Mejor compositor y Mejor productor. Después de otra intensa gira promocional, Nina, Magnus y Peter decidieron a principios del año 2001 iniciar proyectos como solistas, hasta que en 2003 publicaron Long gone before daylight, y en este disco dan un cambio drástico y emocional, hacia un sonido más puro y sencillo que en sus anteriores discos. Super extra gravity es su última producción editada en 2005, que demuestra estilos más extravagantes, atrevidos, y buscando separarse del sonido maduro que aporto a su anterior trabajo.

0249: Barbara Ann - The Beach Boys

Los Beach Boys versionaron Barbara Ann, un tema que habían cantando previamente The Regents, como parte de las canciones que formaron el disco Beach Boys Party (1965). La versión de los Beach Boys, publicada por Capital Records como single el 20 de diciembre de 1965 y sin contar con el permiso de los miembros de la banda, se convirtió rápidamente en un tema de éxito que eclipsó a la versión original de The Regents, llegando al segundo puesto del Billboard americano y al tercer puesto en las listas del Reino Unido.

La canción fue interpretada en el estudio por Brian Wilson y Dean Torrence, del dúo californiano de rock and roll Jan and Dean, pero Dean nunca fue acreditado en el disco, pese a que al final de la canción puede oírse a Carl Wilson agradecerle su participación con un "Gracias, Dean".

También reseñables son otras curiosas versiones posteriores de esta canción, como la de The Who sólo un año después, para la película The kids are allright, e interpretada por el batería Keith Moon, o la parodia que aparece en las diferentes entregas de la película Despicable me (en España Gru: Mi villano favorito) cuando los Minions cantan una Barbara Ann transformada en The Banana Song.​

Rory Gallagher - Rory Gallagher (Mes Rory Gallagher)

Rory Gallagher álbum

Si bien vamos a centrarnos en la etapa en solitario de Rory Gallagher, queremos realizar una breve introducción de su etapa anterior en el grupo Taste, donde se dió a conocer. Con 15 años, Rory, que tiene claro a lo que quiere dedicarse, debuta como profesional en una banda llamada Fontana. En 1966 dejará esta formación para crear su propio grupo, banda en formato power trío llamada The Taste, que al cabo de poco tiempo acabará llamándose Taste, compuesto por el propio Rory a la guitarra y voz, Richard "Charlie McCracken al bajo y John Wilson a la batería.

Con Taste, Rory consigue el reconocimiento fuera de las fronteras de Irlanda, llegando a tocar en el mítico Festival de la Isla de Wight. Es precisamente, después de éste festival, cuando, harto de dar conciertos sin parar, usando viejos equipos de sonido usados, y sin dinero nunca en el bolsillo, y todo ésto sumado al hecho de que los otros dos miembros de la banda y el mánager quieren dar otra dirección al grupo, Rory se harta y decide disolver el grupo. Atrás quedan los dos magníficos álbumes de estudio con Taste: Taste (1969) y On the Boards (1970), sumados a dos directos: Live Taste y Live Taste at the Isle of Wight, todos publicados con el sello discográfico Polydor. 

Tras dejar Taste atrás, Rory decide emprender su carrera en solitario, y para dicha aventura decide apostar por el sonido del power trío que tanto le gusta, fichando al bajista Gerry McAvoy y al baterista Wilgar Campbell, ambos del grupo Deep Joy, a los que había conocido durante su etapa en Taste. Rory tiene claro el sonido que quiere, y tiene más claro aún, que por encima de las listas de éxitos y singles superventas, va a primar la calidad de su música, algo que mantendrá durante toda su carrera. En 1971, y bajo el sello Polydor, el genial guitarrista debuta con su primer disco en solitario y de título homónimo, Rory Gallagher. El disco es grabado en febrero de 1971 en los Advision Studios de Londres, producido por el propio Rory, y publicado el 23 de mayo de 1971. El irlandés nos regala un gran trabajo de blues rock aderezado con muy buenos momentos de jazz y folk. 

El disco, donde todos los temas están compuestos por Rory, abre con Laundromat, un tema con un riff brutal. Este tema fue escrito durante la fase de ruptura de Taste. Rory se inspiró en una lavandería pública que había cerca de Earls Court, en el barrio de Kesington, Londres, donde el grupo tenía un dormitorio en un sótano. Le sigue Just the Smile, una delicia de corte folk donde Rory nos deleita con su guitarra acústica Martin D-35, la cual solía usar también habitualmente. Este tema muestra la influencia que tuvieron en Rory músicos populares ingleses como Richard Thompsom, Davy Graham o Bert Janchs entre otros. I Fall Apart, uno de los grandes momentos del álbum, una maravillosa balada con toques de jazz llena de sensibilidad donde la guitarra de Rory se compenetra a la perfección con el bajo de Gerry McAvoy. Volvemos al folk acústico con tintes bluseros en Wave Myself Goodbye, otro tema de corte acústico donde destaca el piano con un sonido al estilo de Nueva Orleans. Dicho piano fue grabado por Vincent Crane, de la banda Atomic Rooster (El hermano de Rory, Donald, fue mánager de Atomic Rooster durante una gira). Cierra la cara A Hands Up, un desbocado blues rock, uno de esos temas que tocados por Rory solían ganar muchos enteros en directo.

La cara B comienza con Sinner Boy, continuando como cerró la cara A, con un contundente blues rock donde el guitarrista nos deleita con su maestría con el slide guitar. No olvidemos que fue uno de los grandes dominadores de ésta técnica. For the Last Time, una maravillosa balada prácticamente instrumental, pues apenas tiene letra, donde Rory se luce con su inseparable Fender. Un tema que me recuerda siempre que lo escucho a una de su grandes joyas de siempre, A Million Miles Away. It's You, un tema con genuino sabor americano, gracias al toque country que Rory imprime al tema, donde además de volvernos a deleitar con el slide guitar, toca también la mandolina. En I'm Not Surprised, vuelve a las raíces folk que tanto le gustaban, y vuelve a contar con la colaboración al piano de Vincent Crane, de Atomic Rooster. El disco cierra con la que es, en mi modesta opinión, la joya absoluta de este magnífico disco, Can't Believe It's True, un increible tema donde Rory fusiona con un gusto exquisito el blues rock con el jazz. Y atentos, porque el saxo de esta delicada y maravillosa pieza lo graba el mismísimo Rory Gallagher. No sería la única vez que Rory tocara el saxo, pues también lo usaría para grabar sus álbumes Blueprint (1973) y Tattoo (1973). Una pena que no se prodigara más con este instrumento.

Este maravilloso disco ha sido reeditado en numerosas ocasiones, y en alguna de ellas podéis encontrar dos temas añadidos, los clásicos  It Takes Time, de Otis Rush, y Gypsy Woman, de Muddy Waters.

0248 It's My Life – The Animals

0248 It's My Life – The Animals

It's My Life es una canción escrita por los compositores de Brill Building Roger Atkins y Carl D'Errico. La canción fue originalmente interpretada por la banda inglesa The Animals, quienes la lanzaron como single en octubre de 1965.

La canción se convirtió en un éxito en varios países y desde entonces ha sido grabada por varios artistas. D'Errico, quien escribió la música, y Atkins, quien escribió la letra, eran compositores profesionales asociados con la escena de Brill Building en la ciudad de Nueva York, en 1965 estaban trabajando para Screen Gems Music, pero sólo habían tenido un éxito menor en el mejor de los casos.

It's My Life fue escrita específicamente para The Animals porque su productor Mickie Most estaba solicitando material para las próximas sesiones de grabación del grupo.

It's My Life se estrenó visualmente en el programa de televisión estadounidense Hullabaloo en el otoño de 1965, donde el grupo cantó voces en vivo con música enlatada en un plató tipo den que presentaba a mujeres jóvenes y atractivas, It's My Life fue parte de una ola de canciones en 1965 de artistas como The Beatles, The Rolling Stones y Bob Dylan, que marcó el comienzo de un nuevo papel para la música rock como vehículo de percepción común y fuerza de conciencia social. El escritor Craig Werner considera que la canción refleja el deseo tanto de The Animals como de su audiencia de definirse a sí mismos aparte de la comunidad de la que provienen. El escritor Dave Thompson incluye la canción en su libro 1.000 Songs that Rock Your World, simplemente diciendo: "No hay declaración de independencia más aireada que esta". Billboard dijo de la canción que "la letra poco convencional y el ritmo de baile lento muestra estar en lo más alto de las listas de éxitos".

Daniel
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0247: Si yo tuviera una escoba - Los Sirex

 

Después de la aparición de Los Brincos, el siguiente grupo español que se sumergió en el mundo del rock nacional fueron Los Sirex, un grupo surgido en Barcelona en 1959 cuando tres chicos que vivían en los aledaños de la Gran Vía de Barcelona forman un conjunto para imitar los éxitos rocanroleros que venían de los Estados Unidos. Inicialmente estuvo formada por Guillermo Rodríguez Holgado, Antonio Miers y Manuel Madruga (Manolo), luego se incorporó brevemente el vocalista Santi Carulla en 1960, posteriormente cantante de Los Mustang. En 1961 se presentan en El Pinar, una cita obligada para los conjuntos barceloneses de la época, una especie de explanada semicubierta en la que una autoescuela hacía sus prácticas, pero que los domingos ofrecía actuaciones de grupos musicales, y es allí donde se consagran como ídolos jóvenes y son contratados en varios barrios para amenizar sus fiestas. En esa época Los Sirex visten de cuero, se tiran por el suelo, y ponen poses de rockers made in USA. Tras muchos bolos y una aparición en el cine, Vergara los ficha y a principios de 1964 aparece su primer EP, cambian sus cazadoras de cuero por trajes al puro estilo mod, van abandonando el rockabilly inicial y se adaptan a los gustos beat que imperan en el momento, aunque manteniendo un inconfundible estilo y evitando en lo posible hacer covers de grupos ingleses, aunque en sus inicios no tuvieron más remedio que tragar con la costumbre impuesta por las casas discográficas de versionar en español temas que habían triunfado en los mercados anglosajones, pero su nombre aun solo es conocido en círculos muy locales, hasta que llega el gran triunfo que les pondrán en el mapa de toda España….

 

La escoba, título que a menudo es evocado como "Si yo tuviera una escoba", frase del estribillo que hoy podría ser perfectamente atribuida a cuanta corrupción nos rodea en la esfera política. La canción se corresponde en realidad a otra adaptación, en este caso de una canción flamenca de Vicente Marí Bas (el mismo autor de "Triana Morena" y "Monísima"), sólo que su original sonaba como una rumba y a los Sirex en un principio no les gustó nada, pero Leslie modifica la letra y Guillermo, a regañadientes, acepta hacer un arreglo moderno consiguiendo darle un tono más pop, consecuencia, nº 1 absoluto en 1965 y uno de los temas más populares del pop español de todos los tiempos, el EP supera los cien mil ejemplares. En 1965 se calcula que el número de tocadiscos en España debía andar por medio millón o poco más. Así que calculen cómo sería el tamaño del éxito, y porque no ocultarlo, ¿No me digáis que no es una canción emblemática? Cuantas veces nos habremos preguntado cuántas cosas barreríamos si tuviéramos la escoba por la que preguntaba este grupo, con una música alegre y rítmica esta canción y su letra que no pasa de moda.