0284 Strangers In The Night - Frank Sinatra

0284 Strangers In The Night - Frank Sinatra 

Strangers In The Night, es objetivamente una de las canciones más populares de Frank Sinatra. La canción le permitiría alcanzar los premios Grammy por el disco del año y mejor interpretación vocal masculina.

Strangers in the Night, cuya traducción al español es Extraños en la Noche es una canción de 1966 compuesta por el croata Ivo Robic y después adaptada por Bert Kaempfert con letra de Charles Singleton y Eddie Snyder, que fue popularizada por Frank Sinatra.

Bert Kaempfert originalmente la llamo Beddy Bye como parte de la banda de sonido de la película A Man Could Get Killed. Y esta primera versión fue ofrecida a la cantante Melina Mercouri, quien se negó a cantarla por pensar que mejor la podría interpretar un hombre. 

Tras el rechazo de Mercouri, la canción se la ofrecieron a Frank Sinatra bajo el título de Broken Guitar. A Sinatra no le gustó la canción por ello eso hizo que la reeditaran y retitulada como Strangers in the Night. La canción fue finalmente grabada por Frank Sinatra el 11 de abril de 1966, un mes antes que el resto del álbum. La grabación contó con la colaboración de importantes músicos y una curiosidad en el final de la canción donde el artista finaliza con el memorable "doo-be-doo-be-doo" que trataré fue una improvisación del propio artista.

El sencillo alcanzó el número 1 de la lista Billboard Hot 100 del año 1966, que se convirtió en su álbum más exitoso. La canción también alcanzó el número 1 en la lista de sencillos del Reino Unido y en la lista de los 40 Principales de España. 

Tras el éxito de Frank Sinatra muchos otros artistas la interpretaron, entre ellos destacan Estela Raval (Primera versión castellana junto a Los Cinco Latinos), Richard Clayderman, Peggy Lee, Fausto Papetti, Petula Clark, Bobby Solo, Ray Conniff, Diana Ross, Matt Monro, Bette Midler, Luis Aguilé, José Guardiola, The Supremes, Mina Mazzini, Shirley Bassey, James Brown, Vikki Carr, Dalida, Connie Francis, Cake, Sandro, Marco Antonio Muñiz, José Feliciano, alta una versión de Julio Iglesias.

Daniel 

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0283 Out of time - The Rolling Stones

0283 Out of time - The Rolling Stones 

Out of Time en una tema de The Rolling Stones, que fue escrita por Mick Jagger y Keith Richards.

The Rolling Stones han hecho tres versiones de esta canción, la primera fue lanzada en la versión del Reino Unido de Aftermath en abril de 1966, luego por segunda vez fue lanzada en los Estados Unidos en el álbum recopilatorio Flowers, en 1967, y por último la banda la relanzo por tercera vez en el álbum Metamorphosis de 1975, aunque solo incluyendo la participación de Jagger.

Otros artistas han hecho una versión de la canción y la más famosa es la de Chris Farlowe, un cantante solista de origen Inglés. 

La versión de los Stones fue utilizada en la película de Hal Ashby Coming Home de 1978. La de Farlowe se usó en la serie de televisión británica Heartbeat.

Cada versión se puede destacar por, la versión del año 1966 por ser la versión más larga duración de 5:37, la versión más corta de las tres es la que se editó en el disco Flowers de 1967 y lanzada en los Estados Unidos, la última versión fue la versión donde la canta solo Mick Jagger fue incluida en el álbum recopilatorio Metamorphosis de 1975. 

The Rolling Stones han versionado varias veces esta canción pero ellos nunca la han llegado a tocarla en vivo. 

Daniel 

Instagram Storyboy ​

La musica en historia: Making Movies - Dire Straits #MesDireStraits

 

Me encanta este álbum, siempre he sido un hombre de los ochenta, si bien el exceso de sintetizadores llega a agobiarme, pero es la década cuando descubrí la música y si bien a principio de la década mi empanada me seguía transitando por el mundo de Enrique y Ana o de Parchis, ya sonaban ecos en mi mente de 9 años a rock and roll, a música adulta hasta que llego Thriller y la cabeza literalmente me explotó y mi vida cambió. Lo cierto es que los Dire Straits entraron en mi vida como el cielo, azul, con esa portada de Brothers in arms, y no es fácil entender en la tercera década del siglo XXI que recuperar música más allá de lo que sonaba en las radios del momento era harto difícil… método, ir a comprarte el disco, pega máxima, la paga de uno niño de 12 años daba para dos bolsas de pipas y una mora de golosina, pero todos hemos tenido amigos, y de esos amigos alguno tenia un hermano mayor, y entrar en su casa te abría un mundo de posibilidades…. Todo este camino recorrido para decir que Making Movies no ha sido un disco que escuchara con el nacimiento de mi música, es la realidad, no es de los que mas quiero, pero tampoco estoy subyugado emocionalmente a él, así que vamos a navegar por sus siete pistas.

La primera es Tunnel of love, una canción apasionante de principio a fin, cargado de fantásticos riffs de guitarra, ingeniosos cambios dinámicos y fuertes solos de Knopfler, es probablemente la melodía de principio a fin más emocionante que esta banda jamás haya creado, y resulta que es realmente efectiva, una odisea que dura más de ocho minutos que incluye una melodía de órgano anticuada que da paso a un riff tenso y es que el grupo usa por primera vez un teclado a las manos de un músico externo llamado Roy Bittan, nada menos que el pianista de la E Street Band detrás de Bruce Springsteen. Tremendo tema, el solo al final de Tunnel of Love es uno de los mejores momentos de Mark Knoffler como lo es la canción en sí, una de mis favoritas para siempre. Pero para mi personalmente la estrella del álbum es Romeo and Juliet por su valor sentimental puro, una canción de amor honesta, es solo amor y romance y la sensación de frescura y emoción, de caer en lo desconocido, la química perfecta con un perfecto desconocido todo compensado por guitarra suave y piano enfático. La suavidad de la voz de Mark Knopfler al comienzo de la canción, su inflexión en hey it's Romeo, y el piano y la guitarra que se unen en un crescendo al final del coro, todo en su punto máximo, y cómo la instrumentación encaja perfectamente con el oleaje y el estallido de la emoción, la voz de Knopfler es dinámica y versátil pero siempre medida a través de esta canción de amor, la peor canción de amor de todas, la única canción de amor que alguna vez importará….. la canción de amor que me dice que hay un lugar para nosotros, pero ese lugar no está aquí, nunca está aquí. No puede estar aquí. 

Skateaway es la canción más floja de la cara A, pero todo es relativo, es una canción dinámica, rápida y viva, Llevada en un tren infernal, endiabladamente funky, Knopfler cuenta la historia de esta chica, una patinadora QUE Sobrevive haciendo trabajos esporádicos que no son muy emocionantes, y solo se desahoga patinando a toda velocidad mientras escucha Rock'N'Roll para escapar de su mediocridad diaria. La construcción de la pieza es más sencilla, Knopfler distorsiona el tema, pero mantiene el tempo enérgico. pero está tan bien elaborado y es tan sincero que me lleva directo a mi lugar musical feliz. Expresso Love es maravillosamente enérgetica, cariñosa, romántica, todo lo que siempre quise pero el clima es más oscuro, evocando a una prostituta, el ritmo agotador de su trabajo, el ambiente turbio en el que vive, el torrente de emociones contradictorias que la asalta día a día. La guitarra ruge, ronca, áspera. El solo es un soplo en este polvo acre, con intensa melancolía.

 

El resto del disco es mas flojito, no pasa nada por bajar a la tierra después de haber subido al cielo, Hand In Hand es una hermosa balada Dylanian como el infierno, apoyada por piano y guitarra acústica. La melodía es típica de Dylan, auténticamente imbuida de este folk típicamente estadounidense de los años 60. Es una canción orgullosa, con un estribillo emocionante. Solid Rock es un regreso al rock más duro y amargo, tres minutos y medio de pura adrenalina, el homenaje de los niños ingleses a los pioneros estadounidenses: Chuck Berry, Eddie Cochran ... Siempre existe este tono americano característico, pero el riff está particularmente inspirado en el rock americano secular, no sin un pequeño desvío a través del Creedence Clearwater Revival en busca de electricidad y dureza musical. "Solid Rock" sera el final de los conciertos de Dire Straits durante los próximos cinco años. 

Les Boys es una canción de homenaje a los soldados estadounidenses que partieron hacia Francia y se enfrentaron a los nazis. Tiene un poco de sabor anticuado, canción de color Country-Folk, y cuya melodía está inspirada en canciones de la década de 1940, en las que Knopfler injerta sus relajados coros de guitarra. A pesar de una línea melódica eficaz, sigue siendo la canción menos inspirada del disco, rica en suntuosas maravillas eléctricas… una bufonada.

 

0282: Uptight, Stevie Wonder

Uptight (Everything's Alright) de Stevie Wonder salió publicado como sencillo en 1965 y fue también incluida en el álbum Up-Tight de 1966. El chico de oro de Tamla Motown no defraudó y entregó una de sus canciones más populares, y el público y la crítica lo auparon a lo más alto (alcanzó el primer puesto del Billboard estadounidense, puesto que mantuvo durante cinco semanas, y fue nominada como mejor canción R&B y mejor interpretación R&B en los Grammys).

Uptight fue el espaldarazo definitivo de Wonder, que como (ya no tan niño) prodigio en ese momento generaba dudas en Motown, por el cambio que estaba sufriendo en la voz y por haber cosechado apenas un par de éxitos menores en las listas, corría incluso el riesgo de que prescindieran de sus servicios en la discográfica. Sin embargo, las nuevas y más maduras tonalidades de su voz encajaron a la perfección con una línea instrumental que el propio Wonder había compuesto inspirándose en los riffs de los Rolling Stones, con los que acababa de compartir gira.

El equipo de compositores de la Motown se apresuró a completar la letra de una canción de la que Wonder solo tenía la frase "Todo está bien, tenso". La versión definitiva, en la que un joven sin apenas recursos corteja a una chica rica e intenta que ella le valore y vea más allá de su pobreza, no estaba escrita en Braille el día de la grabación, por lo que Silvia Moy, una de las compositoras de la canción, actuó de apuntadora y le fue cantando las frases durante la grabación. Como no podía ser de otra manera, y más si hablamos de un tipo que se apellida Maravilla, Stevie Wonder no perdió en ningún momento el ritmo ni se equivocó al repetir las frases que Silvia le apuntaba, completando con éxito una grabación histórica.

Canciones que nos emocionan: Smokestack Lightning - Howlin' Wolf

 

Smokestack Lightning, Hwlin' Wolf

     En 1959 se publica el álbum debut del cantante, armonicista y guitarrista de blues Howlin' wolf, Moanin 'in the Moonlight. El disco es un compendio de grabaciones que el artista había realizado entre 1951 y 1959 para el sello Chess Records, que decide compilar las grabciones y lanzarlas en un disco. Recientemente, en el año 2020, Rolling Stone ubicó éste álbum en el puest número 447 de "Los mejores 500 álbumes de todos los tiempos".

Incluido en éste álbum debut se encuentra Smokestack Lightning, uno de los temas más poulares e influyentes de Howlin' Wolf, tema que se ha convertido por derecho propio en uno de los grandes clásicos del blues. El tema fue escrito y compuesto por Howlin' Wolf, apareciendo en los créditos con su nombre real, Chester Burnett. 

Smokestack Lightning se basa en canciones de blues anteriores, y Howlin' Wolf ya la había interpretado de una forma u otra a principios de la década de los años 30, cuando actuaba con el músico Charley Patton en pequeñas comunidades alrededor del Delta. El tema se basa en temas de blues anteriores, como Big Road Blues de Tommy Johnson, Stop and Listen Blues de los Mississippi Sheiks y Morning Going Down de Charley Patton. 

Howlin' Wolf se inspiró para grabar la canción mirando trenes en la noche, solía sentarse en el campo y ver pasar los trenes, viendo salir chispas de las chimeneas de los mismos. En 1951 Howlin' ya había grabdo la canción con el nombre de Crying at Daybreak. Habría que esperar hasta 1956 cuando graba el tema por primera vez como Smokestack Lightning. El tema sería grabado en Chicago en los estudios del sello Chess y publicado posteriormente como sencillo ese mismo año, 1956.

0281 Kicks - Paul Revere & The Raiders

Kicks, Paul Revere & The Raiders

     El 6 de mayo de 1966 se publica, bajo el sello discográfico Columbia Records, el quinto álbum de estudio de la banda estadounidense Paul Revere & The Raiders, bajo el título Midnight Ride. Dicho trabajo fue producido por el compositor, cantante y productor de discos Terry Melcher, figura my importante que jugó un papel decisivo en la configuración y desarrollo del llamado Sonido de California. Este disco llegó a alcanzar el puesto número 9 en la lista estadounidense U. S. Billboard 200, consiguiendo además la certificación de disco de oro en 1967.

Incluido en este exitoso disco se encuentra el tema Kicks, que a raíz del éxito cosechado como sencillo tras su publicación en febrero de 1966 (alcanzó el puesto1 en Canadá y el 4 en Estados Unidos), fue incluido en Midnight Ride. El tema fue compuesta por Barry Mann y Cynthia Well, quienes eran marido y mujer. Por aquel entonces esta pareja de compositores contaban con veintitantos años, pero ya se habían asentado como comppositores de garantías, pues ya habían compuesto otros temas de éxito como You've Lost That Lovin' Feelin, Blame It On The Boss Nova, o We Gotta Get Out Of This Place, este último llevado al éxito por The Animals. Cuando Terry Melcher se pone a trabajar con Paul Revere & The Raiders para este disco, contacta con la pareja pidiéndoles que escriban un tema. Barry y Cynthia le enviaron Kicks, un tema que habían escrito originalmente con la esperanza de que ayudara a un amigo a salir de las drogas. 

Kicks, considerado como uno de los primeros temas antidrogas, fue compuesto y lanzado en una etapa en la que la temática hippie, la pro-experimentación y los temas contraculturales estaban ganando popularidad en la radio en Estados Unidos. En el tema, Mark Lindsay, la vocalista del grupo, le dice a una chica que las drogas no llenarán el vacío que hay dentro de ella. En una época donde la proliferación de las drogas era emergente, la juventud lo único que quería oír era otro sermón en contra de las drogas. Sin embargo, Kicks ganó popularidad entre dicha juventud, pues más que un sermón sonaba como una honesta preocupación de un amigo. 

Disco de la semana 244: Lola vs Powerman & Themoneygoround, The Kinks

“La conocí en un club del viejo Soho, donde bebes Champagne y te sabe a Coca-cola... Se acercó a mí y me preguntó si quería bailar, le pregunté su nombre y con voz grave me dijo Lola..." Su nombre completo, o más bien el del disco, era Lola Versus Powerman and the Moneygoround, Part One​, la impresionante obra conceptual que The Kinks entregaron como octavo álbum de estudio. Pero todos la conocían por su nombre de pila: Lola, el título de su single más relevante y su mayor éxito desde Sunny Afternoon o el archiconocido You really got me.

​"No soy el tipo más fuerte del mundo, pero cuando me abrazó casi me rompe la columna. Oh mi Lola... Realmente, ese es el efecto que la fuerza satírica del disco ejerce contra las diferentes disciplinas del mundillo musical del momento, una auténtica patada en la espalda de una industria discográfica plagada de personajes oscuros y venenosas serpientes de diferentes colores: Ejecutivos y contables, críticos y periodistas, editores y sindicatos. Canción a canción, ninguno de ellos escapa a la afilada sátira y la crítica mordaz de los hermanos Davies y compañía.

Grabado en 1970 en los Estudios Morgan en Willesden (Londres), el disco se beneficio de la inclusión en sus filas del teclista John Gosling, y de la libertad creativa que suponía grabar en un estudio independiente. La sensación de trabajar sin barreras impregnó desde el principio el sonido de las primeras grabaciones, entre las que estaban ya temas como Powerman, Got to be free o la propia Lola, y fruto de ello el disco es un gran despliegue de estilos, principalmente el rock, el folk y los característicos toques de music hall británico, que tan bien se presta a la ironía y la sátira de las letras de The Kinks.

El disco arranca en una sorprendente línea folk, con una breve introducción de voz, banjo y guitarra del Got to be free que cerrará el disco, abruptamente interrumpida por el rotundo riff de The Contenders, la primera de las gemas eléctricas del disco, aunque combine en sus cambios con tramos más pausados y acústicos. En esa línea acústica y sosegada va también Strangers, con cierto toque a The Band, mientras que en Denmark Street, diatriba sobre los editores de discos, aparecen los primeros guiños de teclado barroco y ambiente de music hall. La balada Get back in the line es una visión satírica sobre el papel del responsable del sindicato, que decide quien trabaja y quién debe "volver a la fila" de la oficina de empleo, y la última canción de un brillante bloque que funciona como eficaz ágape previo al suculento banquete que está por venir con Lola, el hit estelar del disco y merecedora de un capítulo aparte.

Lola fue uno de los primeros temas que se grabaron para el disco, y las sesiones de grabación fueron complejas e interminables, hasta que lograron conseguir el particular sonido que estaban buscando para la canción. Lo lograron tras una visita de Ray Davies a una tienda de instrumentos musicales londinense, a la que fue buscando la guitarra Martin que quería para la canción. Allí, además de la guitarra, encontró un viejo dobro de los años 30, que combinado con la guitarra y una fuerte compresión dio como resultado el sonido tan característico del que sería su mayor hit. Lola es brillante en sonido, pero destaca además en lo audaz de la letra para la época, narrando un encuentro romántico con una chica que resulta ser un chico travestido: "Bueno, no soy idiota, pero no puedo entender por qué ella habla como un hombre, y anda como una mujer..." 

Por si sola ya es brillante y atemporal, pero en el contexto del álbum su significado y su valía crecen de manera exponencial. En un disco plagado de personajes oscuros y cruelmente satirizados, la Lola de los Kinks es el personaje más honesto y humano de todos, el ninot que los Kinks salvan de la quema y se quedan consigo: "Bueno, no soy el hombre más masculino del mundo, pero sé lo que soy, estoy satisfecho de ser un hombre y también Lola..." Y Lola se lo agradeció con un éxito descomunal como sencillo, llegando a los primeros puestos de las listas británicas y al noveno del Billboard estadounidense (en una versión en la que en la letra sustituían "Coca-Cola" por "Cherry-Cola" para evitar contenciosos con la marca de refrescos y que pudiera ser emitida en la BBC).

La crítica sibilina del disco sigue su curso en la divertida y enérgica Top of the Pops, sobre los programas de actuaciones musicales de la época, la prensa y la manera en la que convertían canciones en éxitos. Después le llega el turno de pasar por la guillotina verbal a los contables y directivos de las discográficas en The Moneygoround, segundo tema en clave de cabaret y music hall, antes de regalarnos uno de los momentos álgidos del disco en This Time Tomorrow. Una melancólica revisión de la vida del músico en la carretera, a medio camino entre acústica y eléctrica, con brillantes armonías vocales y un mensaje de desorientación y desarraigo que, como buen disco conceptual, encadenan con la temática del siguiente tema, la nostálgica balada A long way from home (Muy lejos de casa).

El último tramo del disco vuelve a la senda rockera en temas de guitarras afiladas como Rats, y la sátira se mantiene intacta en canciones como Apeman, un tema de aires tropicales y planteamientos algo cómicos, que se convirtió en el segundo single del disco, para el que tuvieron que regrabar la frase "the air pollution is a-foggin' up my eyes" ("la polución del aire está nublando mis ojos") porque "Fogging" se confundía con otra palabra que empieza con "F". Tras un psicodélico arranque de sitar, Powerman se destapa como otro de los temas de cadencia hard rock del disco. Y no uno cualquiera, porque está entre las canciones más desarrolladas e impactantes del álbum, y funciona como potente y falsa coda final, antes de cerrar el disco como lo empezaron, con el calmado country-folk de Got to be free (Tenemos que ser libres).

 

Libres de abusivos contratos discográficos, de la avaricia desmedida de contables y directivos que solo quieren llenarse los bolsillos a costa de los músicos, de las excesivas limitaciones impuestas por los sindicatos, y de las interminables giras, plagadas de carreteras secundarias y moteles de mala muerte en los que acabas planteándote qué demonios estás haciendo allí, y lamentando estar tan lejos de tu casa, dónde quizá te esté esperando un hombre o una mujer importante en tu vida. Esa es la historia detrás de la lucha de Lola contra Powerman y Themoneygoround. Un disco apasionante... "Aunque, bueno, no soy el tipo más apasionado del mundo, pero cuando miré a sus ojos, casi caí por mi Lola, la-la-la-la Lola..."

0280: Under my thumb - The Rolling Stones

 

Vamos a detenernos en el cuarto tema del álbum Aftermath (cuarto album de estudio de The Rolling Stones en la versión Inglesa) aunque si bien esta canción nunca salió como single en la carrera de The Rolling Stones, lo cierto es que es un tema que tanto el público como los propios integrantes del grupo tienen una gran estima y una enorme presencia en todas sus giras y ha estado presente en varias de las recopilaciones que han publicado del grupo.

 

Under my thumb está firmada por el duo Jagger-Richards, si bien es de sobra conocido que la gran parte de la canción esta creada por Mick Jagger. A primera vista es una canción tranquila para lo que nos tenían acostumbrados, parte de la culpa la tiene el bajo de Bill Wyman que suena en un tono distorsionado y la incorporación de una marimba (instrumento de percusión compuesto por un conjunto de láminas de madera muy popular en America Central) con la que comienza la canción. El origen de la canción se remonta a cuando Jagger contaba con 19 años y siendo estudiante conoció a Chrissie Shrimpton, hermana pequeña de Jane Shrimpton, la primera top model, el icono de la Swinging London, era una oportunidad de hacerse conocer, y quedo perdidamente enamorado de aquella chica y por aquel mundo en el que ella vivía, Jagger y Shrimpton vivieron una relación tormentosa entre canciones de amor, infidelidades y peleas, pero con el paso del tiempo se cambiaron las tornas en la relación, ahora Jagger no estaba en boca de todos por ser el novio de ella, ahora tenía sus portadas y sus grupos de fans que le seguían por todo lado y le entregaban todo lo que querían, la historia había cambiado y si antes Jagger iba detrás de ella como un perrito, ahora era ella la que literalmente tenía que andar varios pasos por detrás de él, «Under My Thumb» ( bajo mi pulgar) es, según el mismo Jagger, un himno caricaturizado que compuso por la libertad emocional que sentía en el momento que él era consciente que tenía el control…. Pero la euforia hizo que todo se le fuera de la mano, empezando por la letra, una letra donde llega a humillar y caricaturizar a la persona que has querido, llamándola perro que se retuerce, o dulce mascota y que provocó el rechazo de gran parte de la sociedad ya que degradaba la figura de la mujer. Jagger lo ha negado por activa y por pasiva, en 1984 declaró al respecto: “La idea inicial era contar que era yo quien estaba bajo su control; ella me tenía en sus manos y yo estaba feliz de poder voltear los papeles”…. el único objetivo del tema era celebrar el haber ganado el control de su relación después de varios años de dominación por parte de Schrimpton: “Era mi respuesta hacia una mujer que había sido sumamente exigente y dura conmigo”.  

Pero esta canción no está solo ligada a esta polémica, sino que tiene otra, fruto de la casualidad y que ha marcado a aquella generación con unos sucesos que prácticamente cerraron la época del “Love & Peace”. Nos trasladamos al 6 de diciembre de 1969, y viajamos a Altamont, donde se realizaba un festival de música en el norte de California, en ese festival los Rolling Stones iban a cerrar su gira por Estados Unidos, en un concierto que sería el equivalente de Woodstock en la costa oeste. Todo iba mal hasta el punto que Grateful Dead habían renunciado a tocar y se habían ido del lugar preocupados por su seguridad cuando se enteraron de que uno de los Hells Angels (banda violenta de motoristas) había dejado inconsciente al cantante de Jefferson Airplane, Marty Balin, en una pelea cuerpo a cuerpo durante la actuación de su banda. Durante la actuación deThe Rolling Stones, un Hells Angel de 21 años llamado Alan Passaro apuñaló a un joven de 18 años que empuñaba un arma llamado Meredith Hunter y le mató a escasos metros del escenario donde estaba Mick Jagger que en este momento estaba interpretando "Under My Thumb". Todo el episodio sale reflejado en la película Gimme Shelter.

Un país, un artista: Okean Elzy - Ucrania

 

Formada en la ciudad de Lviv en 1994, la banda Okean Elzy ha reunido seguidores en toda Ucrania y más allá de sus fronteras con música y letras que resuenan con la audiencia de la banda. Los cinco miembros de Okean Elzy son Slava Vakarchuk (voz, compositor), Denis Glinin (batería), Denis Dudko (bajo), Milos Jelic (teclados, arreglos) y Vladimir Opsenica (guitarra) y sus álbumes de estudio incluyen Tamde nas nema ( 1998), Yan a nebi buv (2000), Model (2001), Supersymetriya (2003), Gloria (2005), Mira (2007), Dolce Vita (2010) y Zemlya (2013).

Su primer concierto tuvo lugar frente al Teatro de la ópera de Lviv el 14 de enero de 1995. Poco después de esa aparición lanzaron una cinta de demostración llamada 'DEMO 94-95'. En 1995 también participaron por primera vez en los dos festivales de música ucranianos más grandes de ese momento: Chervona Ruta y Melodiya, también participaron en Es, un proyecto personal del músico de Lviv Oleg Sook, donde interpretó la canción Hace mucho tiempo. La fama va creciendo y Okean Elzy actua en el mismo escenario que la legendaria banda Deep Purple en un festival de música europeo en 1996. En septiembre de 1998 lanzan un video musical de su canción Tam de nas nema y se convirtieron en la primera banda de Ucrania en emitir su video en MTV-Rusia y en el canal de televisión musical francés MCM. Hoy en día, los videos musicales de la banda son populares en varios canales de música de televisión. A finales de 1998, se publica el álbum debut de la banda, Tam de nas nema, fue bien recibido y llamó la atención del público amante de la música. 

A partir de mayo de 1999, Okean Elzy se convirtió en una presencia habitual en los festivales de música, pasando de ser una banda telonera a ser cabezas de cartel. A principios de 1999, Okean Elzy comenzó a trabajar en su segundo álbum. Ya na nebi buv ("Yo estaba en el cielo") y en mayo, el grupo decidió intentar expandir su música en Rusia dando su primer concierto fue en el festival Maxidrom donde había miles de personas que ya conocían sus canciones, y muchas las cantaban. El tercer álbum de estudio de la banda, Model , fue lanzado en 2001 y Okean Elzy se convirtió en el nuevo rostro de Pepsi Cola en Ucrania con la llegada del nuevo milenio con su tercer disco comenzaron una gran gira por Ucrania llamada "Ask For More" y en agosto comenzaron a trabajar en su cuarto álbum: Supersymetriya ("Supersimetría") álbum que finalmente fue lanzado en 2003 y motivo para realizar la gira más grande que se había conocido hasta entonces de un grupo local de Ucrania. El 22 de septiembre de 2005, Okean Elzy lanzó su nuevo álbum, GLORIA y en septiembre de 2005, Vakarchuk se convirtió en el Embajador de buena voluntad e inició una campaña conjunta con OIM y Fundación MTV Europa para la promoción de la cultura y lideró un gran proyecto social para propagar la lectura como un proceso natural. La idea general de este proyecto es llamar la atención de los jóvenes sobre los libros y ayudar a combatir el analfabetismo. En 2007 publicamn Mipa y ya en 2103 lanzan Земля - ​​La tierra un álbum con ecos a U2. Su último trabajo es de 2016 y lleva por título Без меж - Sin límites.

La música de la banda se inspiró principalmente en los Beatles, Queen, Pink Floyd, los Rolling Stones y Jim Morrison. La cantante Zemfira tiene un lugar de amigo en el grupo, la canción "Етюд" ("Estudio") fue dedicada a esta diva del rock ruso. Los diferentes estilos musicales (pop, rock, jazz, folk y blues) forman una mezcla musical donde todos pueden encontrar su espacio, el líder del grupo está interesado en el budismo y la cultura japonesa, lo que agrega un poco de exotismo a su música. Como, por ejemplo, el video musical y la canción "Друг" ("Amigo") están llenos de signos de la cultura asiática. En los textos de Okean Elzy se habla de sentimientos, de la vida cotidiana, de la gloria, de la nostalgia… Vakartchouk, autor de la mayoría de los textos, encuentra su inspiración en los libros de Murakami, Yukio Mishima y Serguiy Jadan, escritor ucraniano contemporáneo. Las cuestiones filosóficas, actuales, sociales y existenciales dejan su eco en las canciones de Okean Elzy, pero no solo es arte, la ciencia tiene su espacio ya que tras una clase en la universidad de Super-simetría de electrones en un campo magnético, dio origen a la canción “Susy” y su disco “Super-simetría”. ¿Es solo una coincidencia o la ciencia se ha incrustado en el trabajo musical?, incluso el cine encuentra su lugar en su música (el nombre de su álbum "Dolce Vita" es tomado de la película del director Federico Fellini ").

0279: Mother's Little Helper - The Rolling Stones

Mother's little Helper, The Rolling Stones

     El cuarto álbum de estudio de los británicos The Rolling Stones, titulado Aftermath, aparece pulicado, bajo el sello discogŕafico Decca Records el 15 de abril de 1966 en Reino Unido, y el 20 de julio de 1966 en Estados Unidos. Es el primer discco de la banda donde todas la composiciones están realizadas por Keith Richards y Mick Jagger, consolidando la calidad artística y creativa de la banda. También fue el primer disco grabado por la banda enteramente en Estados Unidos, concretamente en los RCA Studios de California, y su primer trabajo lanzado en estéreo.

Nos vamos a centrar en la edición publicada para Reino Unido, pues en ésta se incluye el tema Mother's Little Helper, el cual no está en la edición estadounidense, aunque se lanzó en dicho país como sencillo en julio de 1966, alcanzando el puesto 8 en la lista Billboard Hot 100.  El tema fue compuesto por Keith Richards y Mick jagger. 

La canción trata sobre la adicción a las drogas, concretamente a los ansiolíticos que solían ser recetados a las amas de casa, y los potenciales peligros a la sobredosis y drogadicción. Jagger nos relata la historia de una ama de casa que suele abusar de los ansiolíticos que le recetan para pasar el día. Jagger afirmaba que solía inspirarse en las cossas cotidianas que solían suceder a su alrededor, cosas sobre la vida cotidiana en las que solía fijarse. También afirmaba que había gente que pensaba que él era adicto, pues solía cantar siempe sobre temas relacionados con las drogas, y que esta gente estaba tan preocupada en pensar que este problema únicamente lo tenían las estrellas de rock, sin llegar a pensar que era un problema tan común que también lo tenía la gente mayor, no sólo los jóvenes.

En cuanto a la música del tema, está basado en acordes folk y contiene riffs con toques orientales. El singular sonido oriental, donde parece sonar un sitar que realmente no utilizan, fue logrado por Brian Jones, quien hace slide tocando la guitarra eléctrica de doce cuerdas y toca la tanpura (instrumento de doce cuerdas que proviene de la India y que se utiliza para mantener sonidos zumbantes constantes), y Keith Richards, quien hace también slide tocando una segunda guitarra de doce cuerdas. Otra curiosidad: Mick Jagger canta con Keith Richards en la voz de acompañamiento, una mezcla inédita hasta ese momento que da más repercusión e importancia a Richards en la voces.

La música en historias: Dire Straits - Comnuniqué #MesDireStraits

Dire Straits - Comnuniqué #MesDireStraits 

Este mes es el mes de una legendaria banda británica, dirigida por el guitarrista, cantante y compositor Mark Knopfler, y en este reconocimiento a la banda, queremos destacar su segundo álbum de estudio editado el 15 de junio de 1979.

Viajaremos a la Inglaterra de 1979, luego de que la banda tuviera una exitosa primera entrega con su homónimo álbum, con su contagioso título homónimo, que traduce quiere decir "estar en aprietos", Dire Straits cautivó a los alemanes, suecos y neo zelandeses con éste disco que logró posicionarse en el primer lugar en esos países.

Así que los hermanos Knopfler, con Mark Knopfler como líder compositor, cantante y guitarrista, y David Knopfler como segunda guitarra, tenían el camino abierto para ofrecer de modo convincente que ya eran una de las mejores bandas de rock del planeta.

La banda lograría editar y sacar al mercado Comnuniqué. Un disco de nueve canciones, pretendiendo que la banda se consagrarse como líder en la escena del rock. 

Comnuniqué, con una atractiva portada diseñada por la agencia Grant Advertising UK, se convirtió en la portada del año en la entrega de los premios New Musical Express, el prestigioso semanario musical inglés. La imagen de un sobre con una ensoñadora imagen despertaba el interés por descubrir a este millonario disco.

La banda así comienza con el repertorio inicial del disco con un intro de guitarra de Mark Knopfler en Once Upon a Time in the West, un coqueteo con el reggae y la siempre angular guitarra de Mark Knopfler quien nos canta: “Some people get a cheap laugh breaking up the speed limit, Scaring the pedestrians for a minute…”

La sinuosa rítmica cautiva nuestra atención que nos deja en espera de una canción más nostálgica News, donde la banda relata en su letra un breve episodio sobre la muerte de un ciudadano cuyo insignificante deceso no es noticia de nada, una ironía para aquellos que pasan desapercibidos. 

En tercer lugar con Where Do You Think You’re Going? “ en está su tercera canción y como las que la anteceden, se puede apreciar el peculiar estilo vocal de su vocalista Mark Knopfler, una mezcla entre lo taciturno y lo ligeramente aletargado, con ciertas reminiscencias a Bob Dylan.

Continuamos con la canción que da nombre al disco Communiqué, y así también la canción que cierra el lado A del disco, se puede destacar en la canción el piano de Barry Becker (B. Bear), el sólido bajo de John Illsley y un moderado solo de Mark Knopfler. 

El lado B del disco lo abre la exitosa canción Lady Writer, en la cual Mark Knopfler hace un solo reminiscente al que hiciera en Sultans of Swing, en el álbum predecesor. Es seguida por Angel of Mercy, en la cual la letra pareciera estar plasmada en la imagen de la portada. El tema encubre muy bien el tono sexual que aborda en versos como “Angel of Mercy, angel delight Give me my reward in Heaven tonight”.

El pianista Barry Beckett destaca con su piano nuevamente en la canción Portobello Belle, de sonido folk y de las últimas tres canciones del disco, donde Mark Knopfler con cierta crudeza nos canta la vida de una chica que se cree ruda por su forma de ser. 

Para ir cerrando el disco los Dire Straits nos relatan una triste historia en Single Handed Sailor, en la cual Mark Knopfler destaca con un buen solo que se extiende hasta el final. La siguiente canción del disco es Follow Me Home, inicia con una percusión que va emergiendo desde el fondo en tiempo lento-moderado en modo blues, este tema es autobiográfico. Mark Knopfler, nos cuenta que es una historia común a cualquier turista que dormita en una playa, se destaca, además de la guitarra, la sección rítmica de John Illsley la canción se desvanece con el piano de Barry Beckett, quien además co-produjo el álbum, contando con la ingeniería de Jack Nuber.

Como hemos dicho un disco de los hermanos Knopfler que vale la pena volver a escuchar, y en su mes lo recordamos de esta forma. 

Daniel 

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0278: Paint it black - The Rolling Stones

"Veo una puerta roja y quiero pintarla de negro... Ya no hay más colores, quiero que todos se conviertan en negro". Así empieza Paint it Black, uno de los mayores éxitos de los Rolling Stones, publicada como sencillo en 1966 e incluida en la versión estadounidense del disco Aftermath (en la versión inglesa fue sustituida por Mother's little helper). Compuesta por la dupla Jagger & Richards, llegó al número uno de las listas tanto de Estados Unidos como del Reino Unido.

La letra es un brillante ejercicio metafórico, con el color negro como protagonista, explotando la marcada asociación que ese color tiene con el luto ("Veo una hilera de carros, y todos están pintados de negro, con flores y mi amor... Ambos nunca volverán"), la depresión y la falta de esperanza ("Tengo que girar la cabeza, hasta que mi oscuridad se haya ido"). Temas todos inspirados en el libro Ulises de James Joyce, que trata igualmente sobre la oscuridad emocional y la desesperación ("Simplemente sucede todos los días, miro dentro de mi y veo que mi corazón es negro").

En el aspecto musical, es imposible no destacar la fuerza de la batería de Charlie Watts en la entrada y a lo largo de todo el tema, el sonido pesado del bajo de Bill Wyman, y los sutiles matices de la melodía de sitar de Brian Jones, que atravesaba un período de interés por los instrumentos orientales y la música de Marruecos, al tiempo que empezaba a desencantarse con su rol en la banda y el poco espacio que le dejaban las figuras emergentes de Jagger y Richards, que cada vez sujetaban con más firmeza el timón creativo de la banda. Todos ellos dieron, a una generación que viviría la oscuridad de una guerra, un desgarrador canto al que abrazarse con fuerza.

0277: La Bohème - Charles Aznavour

0277: La Bohème - Charles Aznavour

La Bohème es una canción escrita por Jacques Plante y Charles Aznavour. Fue grabada por primera vez por en 1966. Esta es una de las camiones más popular del artista Charles Aznavour así como uno de los temas básicos de la lengua francesa.

En los show el cantante la cantaba con un pañuelo blanco en la mano. Hay quienes dicen que el pañuelo significaba la juventud perdida de la que habla la canción. Otros que la usa a modo de paleta de pintor y le servía para acompañar con gestos su interpretación del artista bohemio.

La Bohème es un canto de nostalgia al pasado, a un tiempo duro para los artistas pero no por ello menos feliz. Los apuros económicos se solventaban con ingenio y mucha ilusión. Como hemos dicho esta canción nunca ha faltado en los recitales de Charles Aznavour y, el artista ha llegado a grabar versiones del tema en italiano, inglés, alemán y español.

Charles Aznavour escribió más de mil temas. Vendió más de cien millones de discos.

Cuentan que, en su juventud, Edith Piaf le propuso un trabajo. ¿Qué he de hacer con usted?, preguntó Charles Aznavour. Y ella contestó: "Serás mi acompañante, mi chófer, mi compañero de borracheras". Charles Aznavour aceptó en el acto.

Fue de los pocos hombres del séquito de aquel Gorrión de París que no se acostó con ella: "Yo la admiraba desde muy joven. Estuve enamorada de ella ocho días. Que no fuera amante suyo me permitió en cambio ser muy amigo suyo. La amistad dura más que el amor. Tampoco fui amante de Juliette Greco. Ni de ninguna otra mujer de mi mismo oficio".

El poeta, novelista, dramaturgo, pintor, ocultista, diseñador, crítico y cineasta francés Jean Cocteau dijo de él: "Antes de Charles Aznavour, no estaba bien vista la desesperación".

Daniel
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La música en historias: Dire Straits - #MesDireStraits

 

Dire Straits, Dire Straits

     Acabado el mes de septiembre, despedimos al genio de las seis cuerdas Rory Gallagher, del cual hemos  disfrutado enormemente, desgranando gran parte de su obra. Pero comienza un nuevo mes, octubre, y no nos queda más remedio que dejar volar al irlandés y dar la bienvenida al artista que nos acompañará durante todo el mes de octubre. la llamada "Banda de rock británica más grande de los 80", que ha sido capaz de vender más de cien millones de copias de sus disco en todo el mundo, convirtiéndola en uno de los grupos/artistas más vendidos del mundo. Bienvenidos al #MesDireStraits.

La banda se forma en el año 1977 de la mano de los hermanos Mark (guitarra y voz) y David Knopfler (guitarra y coros), oriundos de Newcastle, al noreste de Inglaterra, y los amigos John Illsley (bajo y coros) Pick Withers (batería), de Leicester, al este de Midlands. De los cuatro músicos, Withers tenía una amplia experiencia en el negocio, pues llevaba ya 10 años en el negocio de la música ejerciendo como baterista de sesión, y había formado parte del grupo Spring, grabando un álbum de estudio en 1971. Por aquél entonces, Mark trabaja como profesor de inglés, Illsley cursa estudios, y David ejerce como trabajador social.  Mark y Withers habían coincidido unos años antes, en 1973, tocando en un grupo de que se dedicaba a tocar rock por los pubs, llamado Brewers Drop. 

Es en 1976 cuando Mark decide formar una banda llamada Café Racers para tocar en pubs y escuelas cercanas al colegio donde imparte clases. Por aquel entonces, David, tras unas semanas alojado en casa de Mark, se muda a vivir en Farrer House, un bloque de apartamentos al sudeste de Londres, donde comparte piso con el bajista Illsley. Una mañana, Illsley, al regresar al piso después de estar fuera toda la noche, se encuentra a Mark durmiendo en el salón. Sería allí donde se conocen y una noche, el bajista de Café Racers, se encontraba enfermo, por lo que Mark le pidió a Illsley que le sustituyera. Era el comienzo de una larga y duradera colaboración. Illsley y Mark se dan cuenta de que a pesar de tener una buena reputación con Café Racers tocando en pequeños locales, tienen un limitado futuro.

Por todo ello, en abril de 1977, Mark se muda a vivir al piso de Illsley y David. Mientras mantiene su puesto como profesor de inglés, Ilslley trabaja en una tienda de discos, y David trabaja como trabajador social. Los tres se dedican en su tiempo libre a componer y ensayar en el piso, y animados, deciden entonces formar una banda, aunque les falta un baterista. Mark lo tiene claro, piensa enseguida en Pick Withers, con quien ya ha coincidido. La llegada de Withers, con su exeriencia, le da al grupo lo que necesita para crecer en sus aspiraciones. Desde el comienzo, Mark ya destaca como un excelente músico y compositor, sumado a su gran personalidad y autoexigencia por crear una banda con un estilo propio. 

Comienzan tocando bajo el nombre Café Racers, con el que debutan tocando composiciones propias y covers,  y se estrenan en directo en julio de 1977 tocando en un concierto punk en la explanda que hay detrás del bloque de apartamentos donde viven. De hecho, para tocar tienen que tomar la electricidad del piso dode viven. A este concierto le siguen más pequeños conciertos e interminables ensayos que les dan para pagar el alquiler del equipo de sonido y poco más. El nombre Café Racers no convence al grupo, por lo que deciden cambiarlo, y será un amigo de Withers el que les propone adoptar el nombre de Dire Straits, en alusión a su penosa situación económica (en castellano significa "graves problemas" o "problemas económicos").

El 27 de julio de 1977, y tras reunir unas 120 libras esterlinas, el grupo consigue pagarse la grabación de una maqueta. Las canciones grabadas en dicha maqueta son Wild West End, Down to the Waterline, Water of Love, Sacred Loving y su mítico Sultans of Swing. La maqueta acaba en manos del reputado crítico musical Charlie Gillet, conocido de John Illsley, y decide emitirla el 31 de julio de 1977 en el programa Honky Tonk, el cual presenta por aquel entonces en la BBC Radio London. Aquella retransmisión no acaba desapercibida, y el 9 de diciembre de 1977 firman un contrato exclusivo con el sello discográfico Vertigo Records, subsidiario de Phonogram Records. 

El grupo graba entre el 13 de febrero y el 5 de marzo de 1978 en los Basing Street Studios de Londres el material que formará parte de su primer álbum de estudio, de título homónimo, Dire Straits. Un material escrito y arreglado completamente por Mark Kopfler. El 7 de octubre de 1978 el disco es publicado a nivel internacional por Vertigo Records, en Estados Unidos por Warner Bros. Records y en Canadá por Mercury Records. El grupo no puede tener un estreno mejor, pues el disco alcanza el puesto número 1 en Alemania, Australia y Francia, el número 2 en Estados Unidos y el número 5 en Reino Unido. Tanto en Estados Unidos como en Reino Unido el álbum consigue la certificación de doble platino gracias a sus ventas. 

Entramos en materia y abre la cara A Down to the Waterline, uno de los temas incluidos en la maqueta de demostración. Un tema lleno de energía y garra donde Mark nos habla de una breve cita sexual. Para escribir la canción, Mark se inspiró en un breve romance que tuvo en su juventud. Water of Love, otra de la canciones incluidas en aquella primera maqueta del grupo. Fue el segundo tema del disco lanzado como sencillo, alcanzando buenas cifras en las listas australianas y de los Países Bajos. Es otro de los temas donde Mark nos habla de las relaciones, en este caso es una relación infeliz. Hay una vertiente que cree que la escribió inspirándose en la ruptura de su matrimonio. El guitarrista comentaba sobre este tema que lo había escrito porque estaba harto, sentía que su vida no iba hacia ningún lado y el futuro que se le presentaba era largo y sombrío. En Setting Me Up, Mark nos habla de una relación caótica y desordenada, y lo hace desde una inteligente perspectiva, mezclando el humor y la amargura. Un tema rockabilly que contiene un solo con un toque country marca de la casa del artista. La lenta y tierna Six Blade Knife, donde la sensibilidad de la guitarra y la voz de Mark tienen todo el protagonismo, y es la antesala del último tema que cierra la cara A,  Southbound Again, del que se afirma se inspiró en una historia de amor del guitarrista que salió mal, y él entonces decidió dejar su casa de Newcastle para buscar fama y fortuna en la capital. Por aquel entonces, Mark estuvo trabajando como reportero en un periódico de Leeds, donde se graduó en la universidad de dicha ciudad, y posteriormente se mudó a Londres, donde consiguió un puesto como profesor en una universidad de Loughton, Essex.

Comenzamos la cara B con uno de los grandes temas de siempre de la banda, Sultans of Swing, primer sencillo del álbum y otro de los temas grabados en aquella bendita maqueta de demostración de la banda. La canción trata sobre un grupo de chicos que después del trabajo van a escuchar música y se divierten. Están ahí por la música que escuchan y no les importa la imagen que pueda tener la banda. Mark tuvo la idea de la canción a ver una actuación de una mediocre banda en un vació pub de Londres. Cuenta la historia que el guitarrista se encontraba en Ipswich y la noche era lluviosa. Entonces entró en un pub donde un grupo estaba tocando para la escasa clientela que había en el lugar. Al acabar la actuación el cantante de la banda dijo a los presentes: "buenas noches y gracias, somos los Sultanes del swing". Aquello le hizo gracia a Mark, pues obviamente aquellos muchachos, con su aspecto cansado, apariencia desaliñada y sus jerseys, no parecían ni de lejos a unos Sultanes del Swing. Mark compuso la canción en una guitarra National Steel, y en un principio le pareció aburrida, hasta que compró su primera Fender, una Stratocaster del 61, en 1977 y la tocó con esa guitarra. La canción cobró vida al instante. In the Gallery, tema que compuso como tributo a su amigo y artista de Leeds Harry Phillips, quien murió en 1976, dos años antes del lanzamiento de este disco debut. Después de graduarse en la Universidad de Leeds se mudó a Londres, y mientras estuvo allí pasó mucho tiempo en West End, como se conoce al área urbana incluida en la ciudad de Westminster. Un día visitó una galería de arte situada en Shaftesbury Avenue, y lo que allí vió no le impresionó nada en absoluto, de hecho aquel arte le pareció ridículo. Para él todo aquello era una gran estafa que estaba siendo subvencionada con dinero público, mientras artistas genuinos y de verdad como Harry Phillips pasaban completamente desapercibidos y eran ignorados. El área de West End también le sirvió para inspirarse en los dos últimos temas del disco, Wild West End, otra de las incluidas en la famosa maqueta y lugar del que disfrutaba paseando siempre con la mirada puesta en las atractivas mujeres que por allí transitaban, y Lions, inspirada en las figuras de los leones situados en Trafalgar Square, esculpidas por Sir Edward Landseer en 1868, y que son una de las grandes atracciones turísticas de la ciudad desde entonces. 

El álbum Dire Straits supuso un gran debut para la banda, con un sonido donde se entremezclan rock, folk y música country, y con unas letras inteligentes e ingeniosas que ponen de manifiesto no sólo la calidad de la banda y de Mark Knpfler como guitarrista, también la gran calidad que atesoraba éste como compositor, y que iba a seguir demostrando en sus siguientes trabajos.

0276: River deep, mountain high - Ike & Tina

River Deep - Mountain High fue editada tanto en sencillo como dentro del disco de estudio del mismo nombre, publicado por Ike & Tina Turner en 1966. Considerada por su productor Phil Spector como el momento cumbre de su técnica del "muro de sonido", alcanzó el tercer puesto en las listas de ventas del Reino Unido, pero en Estados Unidos se estancó en un decepcionante puesto 88, provocando que el polémico productor se retirara temporalmente del mundo de la música durante dos largos años.

Este tema sobre el amor y la lealtad fue compuesto por el matrimonio formado por Jeff Barry y Ellie Greenwich y el propio Spector, que aportó su recargado estilo de producción, Para lograr su famoso "muro de sonido" se empleó una orquesta de más de veinte músicos y otros tantos coristas, utilizando tres pianos diferentes y triplicando las pistas de guitarras en la mezcla final.

Para conseguir el control absoluto en el estudio, y evitar un choque de trenes con el siempre controlador Ike Turner, Spector incluyó en los términos de su contrato una cláusula que impedía a Ike el acceso al estudio (a cambio de una generosa suma de dinero) por lo que, paradójicamente, en la que sería la canción más recordada y representativa del grupo, solo participó realmente Tina Turner, a la que Spector exigió repetir innumerables tomas durante interminables horas, hasta llegar a conseguir la desenfrenada e inigualable interpretación de potente e intenso R&B que todos conocemos.

0275: You Don't Have to Say You Love Me - Dusty Springfield

 

Mary Isabel Catherine Bernardette O’Brien nació el 16 de abril de 1939 y murió, como Dusty Springfield, el 2 de marzo de 1999 a los 59 años, está considerada por muchos como la mejor voz blanca de la historia, a la altura de la mismísima Aretha Franklin, la carrera de Dusty Sprinfield tocó todos los palos, Dusty presentó programas de televisión, se convirtió en una de las más grandes cantantes del Reino Unido, incluso en un icono de la cultura gay. Sus primeros pasos en la música los realizo cuando tenía 11 años, Mary Isabel había crecido en una familia donde su padre tenía una gran pasión por la música y desde muy pequeña fue un espejo donde reflejarse. A principios de la década de 1960, después de unirse brevemente a un acto de cabaret llamado Lana Sisters, Mary se reunió con su hermano para formar un nuevo grupo, The Springfields. Dion había comenzado a trabajar con otro vocalista, Tim Field, e inspirado por su apellido, el trío adoptó el nombre, The Springfields. Además, los hermanos adoptaron nombres artísticos para ellos mismos. Mary llegó a ser conocida como Dusty Springfield y su hermano como Tom Springfield. El estilo del grupo, folclórico con el tipo de sonido amapola que más tarde impulsaría la Beatlemanía, llegó en el momento justo. Los Springfield grabaron varios éxitos británicos Top Five, como "Island of Dreams" (1962) y "Say I Won't Be There" (1963). Incluso disfrutaron de algo de atención estadounidense, algo raro para los grupos británicos en ese momento, con el lanzamiento de 1962 de "Silver Threads and Golden Needles", que alcanzó el número 20 en las listas estadounidenses. Aunque su mayor éxito fue un álbum titulado Dusty in Memphis, pasaba una mala racha ya que la llegada del rock psicodélico y la cultura hippie estaban acallando su voz de jazz y soul, cuando.

 

La canción en la que nos detenemos antes de llegar al gran álbum se titula You Don't Have to Say You Love Me, y es una versión en inglés de la canción original de Pino Donaggio que canto en el festival de San Remo. En ese festival se encontraba Dusty Springfield cuando la interpreto el artista Italiano, y fue tal la conmoción que provoco en la cantante que sin llegar a entender nada de lo que decía, provocó una gran tristeza y llanto, desde ese momento tuvo la convicción de que esa canción tenía que hacerla suya y llevarla al idioma de Shakespeare, como así fue como junto al productor de The Yardbirds y Vicki Wickham le dieron forma a la nueva letra y quedo lista para hacer furor en los seguidores de Springfield, y tanto que lo hizo, con una poderosa instrumentalización donde el viento, la percusión y los coros tienen una gran presencia acompañando a esa voz tan grande mientras nos cuenta una historia de un amor roto, y donde una parte no se resigna a perderlo y suplica, implora y reza porque la otra parte dé marcha atrás y no le deje vacía en este mundo, le necesita a su lado y no pondrá ninguna condición.

La música en el cine: (Everything I Do) I Do It For You - Robin Hood: Príncipe de los ladrones

 

(Everything I Do) I Do It ForYou, Bryan Adams

     En 1991 se estrenaba la película de aventuras Robin Hood: príncipe de los ladrones, dirigida por el director y guionists estadounidense Kevin Reynolds, y portagonizada entre otros por Kevin Costner, MOrgan Freeman, Elizabeth Mastrantonio, Alan Rickman y Christian Slater. La película, bajo la producción de Warner Bros. Pictures, fue estrenada concretamente el 14 de junio de 1991 en Estados Unidos, llegando a la gran pantalla en España una semana despues, el 21 de junio.

La trama de la película gira en torno al personaje de Robin de Locksley, más conocido como Robin Hood, interpretado por Kevin Costner. Robin es un noble inglés que, unido al rey Ricardo, Corazón de León en la tercera cruzada, es encarcelado en una prisión de Jerusalén. En su huida de la prisión conoce al también preso Azeem (Morgan Freeman), quien agradecido porque Robin le ha salvado la vida, decide quedarse con él hasta devolverle el favor. Cuando Robin y Azeem llegan a la tierra del inglés, ésta está gobernada por el déspota sheriff de Nottingham, quien está ayudado por su primo Guy de Gisborne y la bruja Mortiana. Robin descubre que su padre, Lord Locksley, ha sido asesiando por no querer juntarse con el malvado sheriff, por lo que decide urdir una venganza ayudado por Azeem, y empieza a robar a la nobleza y la iglesia para repartir su riqueza con los más desfavorecidos.

La sonora de la película fue compuesta, orquestada y dirigida por el compositor británico Michael Kamen. Incluida en la banda sonora de la película se encuentra la canción (Everything I Do) I Do It For You, interpretada por el canadiense Bryan Adams. El tema fue un auténtico éxito, alcanzando el puesto número uno en una treintena de países, incluyendo Reino Unido, donde permaneció en ese lugar durante dieciseis semanas, y Estados Unidos, donde permaneció durante siete semanas. 

El tema forma parte del álbum que se comercializó de la banda sonora de la película. El tema se basó en la música orquestal de Kamen y fue escrita y arreglada por Bryan Adams y Robert "Mutt" Lange, siendo éste último también el productor de la canción. El tema fue escrita en Londres, en el estudio en el que trabajaba Bryan Adams, quien tardó unos 45 minutos en escribir la letra junto a Lange. fue grabada en el estudio por Bryan Adams (voz principal, coros y guitarra rítmica), Bill Payne (piano), Mickey Curry (batería), Larry Klein (bajo), Keith Scott (guitarra solista y coros) y Mutt Lange (sintetizadores). La canción, que no hace referencia alguna a la película, funcionó a las mil maravillas fuera de ésta, convirtiéndose en todo un éxito como Bryan Adams nos cantaba su devoción por  una chica, haciéndole saber que valía la pena morir por su amor. 

0274 Eight Miles High - The Byrds

 

Eight Miles High, The Byrds

     El 18 de julio de 1966 se publica bajo el sello discográfico Columbia Records Fifth Dimension, el tercer álbum de estudio de la banda estadounidense The Byrds. El disco es grabado en los Columbia Studios de Hollywood entre el 24 de enero y el 25 de mayo de 1966. La mayor parte del álbum fue grabado con posterioridad a la marcha de Gene Clark, figura fundamental y compositor principal del grupo, y tiene la particularidad de ser el primer trabajo de la banda en no incluir ninguna canción escrita por Bob Dylan. La marcha de Clark se nota, y hace que el álbum sea considerado por la crítica como falto de cohesión y disperso. No obstante el disco alcanza el puesto 24 en la lista Billboard Top LPs Chart de Estados Unidos, y el puesto 27 en la UK Album Chart del Reino Unido.

Incluido en este álbum se encuentra el tema Eight Miles High, acreditada a Gene Clark, Jim McGuinn y David Crosby. El tema fue lanzado con anterioridad al disco como sencillo en marzo de 1966, y llegó a alcanzar el puesto número 14 en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos y el número 24 en la lista Uk singles Chart de Reino Unido.

La letra de la canción hace referencia al vuelo del grupo a Londres en agosto de 1965. Aunque los aviones comerciales vuelan a una altura de 6 o 7 millas, se decidió cambiar el título por Eight (ocho) ya que rimaba y pegaba más en la letra de la canción. Sin embargo la letra puede referirse a otro asunto, como las drogas, de hecho en Estados Unidos, al poco de salir la canción, fue prohibida en un medio radiofónico al que siguieron posteriormente los demás, al considerar que había connotaciones referentes a las drogas en la letra. Una de las teorías es que en aquel momento la banda había estado consumiendo muchas drogas, especialmente LSD, que podría ser la inspiración de la canció, pero la banda sabía que si admitían las referencias a las drogas podían despedirse de la radiodifusión y el apoyo comercial de la canción. Esto hizo que la canción se hundiera rápidamente en las listas estadounidenses. Al respecto de la polémica, Jim McGuinn afirmaba: "Bueno, se hizo un viaje de regreso en avión a Londres. No niego que The Byrds consumieran drogas en aquel momento, solíamos fumar marihuana, pero no se trataba realmente de eso".

Disco de la semana 243: Ice Pickin' - Albert Collins

  

Ice Pickin' , Albert Collins

     Para la recomendación de esta semana nos vamos a Texas, Estados Unidos, concretamente a la localidad de Leona, donde nace Albert Collins, guitarrista e intérprete de blues con un estilo muy característico y particular que solía utilizar unas afinaciones modificadas y un capo (dispositivo que se utiliza en el mástil de los instrumentos de seis cuerdas para cambiar y acortar la longitud reproducible de las cuerdas, aumentado así el tono).

Albert Collins, conocido también como The Ice Man, The Master of the Telecaster y The Razor Blade, nace en Leona en 1932. Su primo Lightnin 'Hopkins, que vivía también en Leona, le presentó la guitarra cuando era niño, amor a primera vista. En 1938 Albert y su familia se muda a Marquez, Texas, y en 1941 a Houston, donde estudia en la Jack Yates High School. En su juventud tomaba lecciones de piano, y cuando su profesor no estaba disponible, su prima Willow Young le prestaba a Albert su guitarra y le enseñaba la afinación modificada que utilizaba, una afinación que Iceman utilizará a lo largo de su carrera. A los dieciséis años, y después de escuchar el tema Boogie Chillen de John Lee Hooker, tuvo claro que quería dedicarse a tocar la guitarra eléctrica. 

A los dieciocho años funda su primera banda, The Rhythm Rockers, con la que pule y perfecciona su estilo. Mientras, y para ganarse la vida trabaja durante cuatro años en un rancho, y posteriormente, doce años como camionero en diversas empresas. En sus inicios, Iceman toca con una Epiphone, pero después de ver a Clarence "Gatemouth" Brown tocar con una Fender Esquire, decide comprar una Fender. Realmente quería una Telecaster, pero debido al alto precio de ésta, únicamente puede adquirir una Esquire, pero la modifica y le pone un mástil de una Telecaster. Sería esta la guitarra que le acompaña hasta que se muda a California, y con la que realiza sus primeras grabaciones.

Iceman, a mediados de los 50, ya se ha ganado una buena reputación como destacado guitarrista local, tocando regularmente en garitos del área de Houston. El saxofonista y profesor de música Henry Hayes conoce a Collins, y después de verlo en directo le anima a grabar en directo un sencillo para el sello discográfico Kangaroo Records. Debuta así con el tema Freeze en 1958 respaldado por Hayes con el saxo. En esa época las bandas de Texas solían incorporar secciones de vientos, y Collins, gracias a Henry Hayes, llegó a dominar con gran habilidad los arreglos de las secciones de vientos. 

En 1965 Collins debuta con su primer álbum de estudio, The Cool Sound of Albert Collins, una serie de temas instrumentales que habían sido lanzados con anterioridad. Comenzaba la carrera de un gran guitarrista que debería esperar hasta el año 1978, con la publicación de su sexto disco de estudio, Ice Pickin', el recomendado para la ocasión, para marcar un punto de inflexión y marcar un antes y un después en su carrera. 

Corría el año 1976, y Bruce Iglauer, quien marcaba lo designios del sello Alligator Records, andaba a la caza de de figuras de blues de antaño para reforzar el prestigio del sello discográfico. Alguien le habla de una tal Albert Collins, quien además de haber publicado varios discos, y después de algún que otro sencillo de modesto éxito, había reemplazado al mismísimo Jimi Hendrix en la banda de Little Richard y había teloneado a los mismísimos Allman Brothers en las míticas sesiones en el Filmore East. Pero había un problema, nadie sabía donde se encontraba Iceman. Collins, desmotivado por el decadente panorama musical que tenía ante sí había decidido volver a su Texas natal, donde se dedicó a trabajar en el sector de la construcción. Una vez encontrado, y tras unas negociaciones donde fue clave la figura de la mujer del guitarrista, Gwen, quien logra convencerle para retomar su carrera, hacen que éste fiche por Alligator Records y se meta en el estudio para preparar sus propias canciones. 

Ice Pickin' fue grabado en los Curtom Studios de Chicago, y para su grabación Collins contó con Larry Burton (guitarra), Allen Batts (teclados), Aron Burton (bajo), Casey Jones (batería), AC Reed (saxo tenor) y Chuck Smith (saxo barítono). El álbum fue el primero del guitarrista publicado bajo el sello discográfico Alligator Records, concretamente en 1978. Iceman había conseguido un distintivo sonido afinando su guitarra en un acorde D menor y usando un capo en lo alto del mástil para lograr un efecto de sonido nítido y brillante. Este revolucionario disco llegó a ser nominado a un premio Grammy en 1979. 

La explosiva mezcla de la alegre y desenfadada voz de Collins, sumado a la innovadora afinación del guitarrista, hace que la crítica se rinda ante este trabajo del artista. El disco marcó el estilo y sentó las bases de todos los discos posteriores del artista. En Ice Pickin', Collins es capaz de capturar su lado más salvaje y desenfrenado, y transmitir además un ambiente divertido y desenfadado, regalándonos un disco atemporal con temazos como Honey, Hush! (Lowell Fulson, Washington), Ice Pick (Collins), Cold, Cold Feeling (Jesie Mae Robinson)  o Too Tired (Saul Bihari, Mxwell Davis, Johnny "Guitar" Watson). Es cierto que Collins no destacaba por ser un gran cantante, pero en Ice Pickin' se defiende bastante bien, y con ese sonido punzante y frío de su guitarra eleva el nivel del disco para convertirlo en su obra más preciada y en uno de los mejor álbumes de blues editados de la década de los 70.