La música en historias: Los Martes en Canciones

Los días de la semana han sido una gran fuente de inspiración para muchos músicos a lo largo de la historia. Este blog es, de alguna manera, un gran diario de nuestras experiencias en la vida, diseminadas en las historias que os contamos sobre los discos, artistas y canciones que nos han influenciado y acompañado a lo largo de todos estos años. Así que, en esta ocasión, vamos a apuntar en nuestro diario todo lo correspondiente a la página del MARTES.


MARTES



Mucho antes de convertirse en el mito que todos conocemos, David Bowie penó por diferentes estilos y propuestas en su infructuosa búsqueda del éxito. De esa etapa de duros comienzos y disparos errados, rescatamos Love you till Tuesday para hablar de las canciones de los Martes. Un curioso tema, que más parece sacado de una película infantil o una parodia televisiva que de las brillantes canciones del Gran Duque Blanco o del mesiánico Ziggy Stardust. "Te amaré hasta el Martes" tiene un ritmo pegadizo y unos arreglos orquestales curiosos, aunque su ritmo ha envejecido mal y, como decíamos, suena ciertamente paródica.

¿Y por qué hasta el Martes? Podemos entender, en positivo, que no quiere considerar a la otra persona un amor de fin de semana, y por eso va a mantener el sentimiento durante el Lunes, que ya hemos descrito como un día complicado hasta para el amor. Pero, por otro lado, no es muy alentador que le esté poniendo fecha de caducidad a la relación. No sabemos que tal le sentaría esto a la otra persona que, por qué no, bien podría haber sido una tal Ruby Tuesday. El "Martes Rubí" de los Rolling Stones es, en realidad, el pseudónimo con el que mantienen la intimidad de la chica que describen en la canción. Ruby es un espíritu libre y cambiante, un "culo de mal asiento" a la que siguen echando de menos, cada día más.

De modo que el Martes ya se ha ido, como en Tuesday's Gone de Lynyrd Skynyrd, o en el Tuesday's dead de Cat Stevens, y no ha sido un día amable, como daría a entender el Gentle Tuesday de Primal Scream. Por el contrario, si asumimos que es el día en el que David ha dejado a Ruby, estaríamos hablando de una dura ruptura amorosa, como la descrita por Stevie Wonder en Tuesday Heartbreak. Quizá por eso, la tarde del Martes (Tuesday Afternoon) no les parece divertida a los Moody Blues. The Pogues se lo toman de otra manera, mientras añoran estar tumbados junto a su amada en la mañana del Martes (Tuesday Morning). Es sólo un anhelo inalcanzable, porque Ruby nunca vuelve al mismo sitio, necesita el cambio como forma inevitable de vida. Y si algún día volviera, tendría razón Badfinger, y la mañana del Martes podría ser hasta dulce (Sweet Tuesday Morning).

De modo que los Martes, sin ser un día tan vilipendiado como los Lunes, tienen en muchas ocasiones una carga sentimental complicada. No renegamos de ella, porque nos ha dado, a cambio, un buen puñado de buenas canciones que han surgido de esas complicaciones sentimentales. Canciones como las que os hemos contado, y como muchas otras más que se han quedado fuera y que nos encantaría conocer, así que animaros a compartirlas con nosotros en Instagram, Twitter o Telegram. Hacedlo antes del Miércoles, ese ya será otro día. Y otra historia.

La música en historias: Randy Rhoads

Randy Rhoads

     Randy Rhoads nace en diciembre de 1956 en Santa Mónica (Estados Unidos), es el tercer y más pequeño hijo de Dolores Rhoads quien era maestra de música, hecho que influye para que Randy con poco más de tres años de edad empiece a tomar clases de guitarra bajo la tutela del profesor de guitarra Scott Shelly en la escuela de música Musonia, la cuál pertence a su madre.
Randy tiene como primera guitarra una Gibson acústica, heredada de su abuelo, parece haber encontrado su juguete preferido pues la lleva a todos los sitios y practica constántemente con ella.

     Las primeras influencias musicales en la adolescencia de Randy son Led Zeppelin y Mountain, si bien va evolucionando en sus gustos influenciado por guitarristas como Mick Ronson (David Bowie), Glen Buxton (Alice Cooper), Leslie West (Mountain), Ronnie Montrose (Montrose), Michael Schenker, Ritchie Blackmore, Jeff Beck, Gary Moore, Eddie Van halen, Allan Holdsworth, Steve Lukather (Toto) ó Steve Morse entre otros.

     Con apenas 14 años forma su primera banda, Violet Fox, pero esta primera experiencia no dura mucho. Lejos de desanimarse Randy con 16 años coge por banda a su amigo Kelly Garni, le enseña a tocar el bajo, contactan con el batería Drew Forsyth y los tres fundan Quiet Riot, grupo que rápidamente coparía la escena musical de Los Ángeles junto a Van halen. Quiet Riot lanzan dos discos en el mercado gracias a un sello discográfico japones que se había interesado en ellos, Quiet Riot (1977) y Quiet riot II (1978).

     Por entonces Randy ya había llamado la atención dentro del panorama musical, entre ellos al bajista Dana Strum. Dana era amigo de Ozzy Osbourne, corría el año 1979 y sabía que despues de dejar Black Sabbath Ozzy iba a montar su propio proyecto en solitario y por ello estaba buscando un guitarrista de garantías. Dana le dice a Randy que haga una audición para Ozzy, pero Randy en un principio no quiere ya que no le gusta demasiado la línea de sonido y la imagen que Black Sabbath, el anterior grupo de Ozzy, proyecta. Sería la madre de Randy, Dolores, la que acaba convenciendo a Randy para que haga una audición. Por su parte Ozzy todavía se encuentra en Estados Unidos y está a punto de hacer las maletas y volverse a Inglaterra cansado de probar guitarristas sin encontrar ninguno que le convenciera, pero persuadido por Dana para que no se marche, decide esperar hasta las 2 de la mañana para probar a Randy, que al final había accedido a realizar dicha audición. Cuando llegó Randy y se puso a tocar, a Ozzy le bastaron unos segundos de escucha para decirle que estaba dentro de su grupo. Randy compartiría andanzas en este aventura con el propio Ozzy Osbourne (vocalista), Bob Daisley (bajo) y Lee Kerslake (batería).

     Con Ozzy Osbourne Randy publica dos discos, Blizzard of Ozz (1980) y Diary of a Madman (1981), los cuales tienen una gran aceptación en crítica y ventas. Después de haber editado este segundo álbum Randy ya le había dicho a Ozzy su intención de dejar la formación para dedicarse a estudiar guitarra clásica, no en vano la música clásica le gustaba mucho y junto a Ritchie Balckmore fue de los primeros guitarristas en incorporar dicho género en su forma de tocar.

     Pero desgraciadamente todos los proyectos y esperanzas de Randy se irían al traste el 19 de marzo de 1982. El día antes Randy había tocado junto a Ozzy en el Knoxville Civic Coloseum en Knoxville, Tennessee (Estados Unidos), al acabar el concierto cogieron como es costumbre el autobus para dirigirse a su siguiente concierto, el cuál sería en Orlando, Florida. Habían estado de viaje durante toda la noche, así que a última hora de la noche decidieron parar en un área de descanso donde había un pequeño aeropuerto. El conductor del autobús, Andrew Aycock, tenía una licencia de conducir avionetas aunque estaba caducada, pues bien, mientras los demás descansaban Andrew se llevó a Randy Rhoads y a una maquilladora del grupo, Rachel Youngblood, a dar una vuelta en una de las avionetas. Durante la excursión aérea, Andrew se dedicó a hacer pasadas una y otra vez sobre el autobus de la banda, con tan mala suerte que en una de esas pasadas la avioneta impactó con una de sus alas en el autobus y acabó estrellándose contra una casa cercana que allí había. El resultado fue que los tres ocupantes de la avioneta perdieron la vida, si bien los ocupantes del autobus resultaron ilesos.

     El infortunio hizo que se truncara la carrera de Randy Rhoads, un jovencísimo guitarrista con una técnica y un estilo magníficos y que estaba llamado a ser uno de los grandes dominadores y referencia del mundo de la seis cuerdas.

Los relatos de 7notas: La Isla de Plástico

Escribí este relato corto para un concurso de cuentos, inspirado por el disco Plastic Beach de Gorillaz. A punto estaba de enviarlo, cuando leí más detenidamente las bases, y descubrí que el cuento debía ser para niños... Como no encajaba en esa categoría, finalmente no lo envié, pero como sí que estaba relacionado con la música, aquí es dónde la marea del Pacífico lo ha traído finalmente. 

LA ISLA DE PLÁSTICO

A Teo le habían robado la infancia, pero no la sonrisa. Trabajaba en un vertedero en una ciudad costera. Su vida transcurría entre enormes moles de desperdicios, y el paisaje de su mundo era una apocalíptica cordillera de plástico y residuos. Trabajaba duro, y a cambio recibía lo que de valor encontraba en la basura. Y entre todo aquello, de vez en cuando, Teo encontraba algún tesoro que dibujaba en su cara una bella sonrisa. A veces era un viejo juguete roto, un muñeco de plástico al que le faltara un brazo o unos cromos usados, o simplemente un palo que convertía en espada con la ayuda de la imaginación.

Un día cualquiera, rebuscando en la basura, se irguió para descansar y llevarse las manos a la dolorida espalda. En lo alto de una de aquellas montañas de desechos, vió varios círculos negros que emitían destellos con los reflejos del sol. Su padre le había hablado de aquellos círculos, incluso habían probado uno en un viejo aparato que apareció en la basura años atrás, y que aún conservaban. Su padre arregló una especie de brazo articulado que tenía una aguja y lo acercó al círculo negro. Ese día la música también consiguió dibujar una sonrisa en el rostro de Teo.

Corrió hacia la montaña de basura y escaló lo más rápido que pudo, temeroso de que otros pudieran llegar antes y arrebatarle aquel tesoro. En la cima, contempló por un instante la ciudad en toda su extensión, con el mar al fondo. Pensó en que otra vida era posible, pero estaba muy lejos en el horizonte, tan lejos como la “isla de plástico” de la que todos hablaban, una concentración de residuos que se acumulaba en mitad del Pacífico Norte.

Recogió los discos que no estaban rotos y los guardó en la bolsa de tela que llevaba colgada del hombro. Al llegar a casa, su padre puso uno en el viejo tocadiscos. "On Melancholy Hill" de Gorillaz empezó a sonar. Teo cerró los ojos, e imaginó que escapaba de la isla de plástico en la que vivía, a bordo de una barca construida con los objetos rescatados del vertedero, y llegaba finalmente a un mundo en el que no había dolor ni basura, solo música y sonrisas bajo la luz del sol.

Canciones que nos emocionan: Whipping Post, The Allman Brothers Band

The Allman Brothers Bamd

     Los hermanos Gregg y Duane Allman a mediados de la década de los 60 se habían estado batiendo el cobre con una formación que habían creado llamada The Allman Joys, un proyecto que los hermanos deciden abandonar en 1968, pues los dos discos publicados durante esa época obtienen una escasa repercusión. 

     Tras la ruptura de The Allman Joys, Gregg se queda en Hollywood debido a compromisos con su discográfica y Duane se marcha a Alabama para trabajar como músico de sesión. Durante su etapa como músico de sesión Duane graba con artistas de la talla de Aretha Franklin ó Wilson Pickett. 

Pero Duane, cansado de ejercer como músico de sesión decide crear su propio proyecto en forma de grupo y firma un contrato de cinco años de duración con los estudios FAME. Para ello ficha a varios músicos entre los que se encuentran al batería Jai Johanny "Jaimoe" Johanson y el bajista Ben Oakley. Sin embargo el proyecto no cuaja porque Duane estaba cansado de tocar como un robot para los estudios FAME, así que a principios de marzo de 1969 decide abandonar el proyecto y se marcha a Jacksonville, lugar al que le acompaña Jaimoe, y allí invitan a todo el que quiera unirse para tocar e improvisar. El batería Butch Trucks acude a la llamada, también se apunta el bajista Berry Oakley que trae consigo a un amigo, el guitarrista Dickey Betts. Al proyecto se uniría también el vocalista Reese Wynams.

     El grupo, que todavía no tiene nombre, comienza realizando actuaciones gratuitas en el parque Willow Branch en Jacksonville. De todo esto Duane saca una conclusión, cree que el puesto de vocalista le iría como un guante a su hermano y le llama, uniéndose al proyecto el 26 de marzo y sustituyendo como vocalista a Reese Wynams, encargándose además de los teclados. Cuatro días después el grupo, conformado por Duane Allman (guitarra), Dickey Betts (guitarra), Gregg Allaman (voz y teclados), Berry Oakley (bajo), Jai Johanny "Jaimoe" Johanson (batería y percusión) y Butch Trucks (batería y percusión), debutan en la armería de Jacksonville. El grupo tras estudiar varios nombres se acaba decantando Por The Allman Brothers Band. Acababa de echar a rodar esta mítica formación.

     El grupo a finales de 1969 publica su primer LP con las discográficas ATCO Records y Capricorn Records, titulado The Allman Brothers Band. En éste disco debut de la banda se encuentra otro de esos temas que tanto me emocionan, el tema en cuestión es Whipping Post (Poste de flagelación).

I've been run down and I've been lied to.

And I don't know why, I let that mean woman make me a fool.

She took all my money, wrecks my new car.

Now she's with one of my good time buddies,

They're drinkin in some cross-town bar.

Sometimes I feel, sometimes I feel,

Like I been tied to the whippin' post.

Tied to the whippin' post, tied to the whippin' post.

Good Lord, I feel like I'm dyin'.

My friends tell me, that I've been such a fool.

But I had to stand by and take it baby, all for lovin' you.

Drown myself in sorrow as I look at what you've done.

But nothing seemed to change, the bad times stayed the same,

And I can't run.

Sometimes I feel, sometimes I feel,

Like I been tied to the whippin' post.

Tied to the whippin' post, tied to the whippin' post.

Good Lord, I feel like I'm dyin'.

Sometimes I feel, sometimes I feel,

Like I been tied to the whippin' post.

Tied to the whippin' post, tied to the whippin' post.

Good Lord, I feel like I'm dyin'.

     Whiping Post fue compuesta por Gregg Allman, y la letra, que está escrita en un sentido metafórico, trata de una mujer malvada que ha traicionado a un hombre el cuál esta atado a un poste y está esperando su castigo. Gregg escribió este tema una noche sobre una tabla de planchar utilizando cerillas quemadas, pues en ese momento en mitad de la noche no fue capaz de encontrar un lápiz o bolígrafo y la escribió sobre la citada plancha. El tema se convirtió en un clásico en sus conciertos, tocándola además siempre a modo de Jam Session para evitar que el tema sonara igual dos veces. Una vez Gregg Allman fue preguntado cómo se le había ocurrido componer temas como Whipping Post donde las progresiones no tenían nada que ver con el blues o el rock & roll típico, a lo que respondió que realmente no sabía lo que estaba haciendo y que simplemente lo hizo.

El disco de la semana 142: Audioslave - Audioslave

El disco de la semana 142: Audioslave - Audioslave

Quien te ha visto y quien te ve, diría alguna amigo mío, haciendo reseñas de discos o bandas que en algún caso he escuchado muy poco, pero aquí me tienes justo a tiempo para hacer una reseña de Audioslave, una banda que te diría hace una semana no me atrevería decir que la conocía. 

Pero me tienes leyendo paginas y paginas en internet, y aprendiendo de esta banda de rock que ni más ni menos es la unión de dos bandas de rock que de seguro te sonaran mucho más, Soundgarden y Rage Against The Machine. 

Pero como para los que hasta esta reseña no sabían nada de esta banda, les diría que luego de la separación de Soundgarden su vocalista Chris Cornell, fue atraído por los integrantes de Rage Against The Machine, donde uno de sus fundadores Tom Morello, que por aquel tiempo también estaban en busca de un remplazo ya que se había alejado su vocalista, y en esta perfecta conjunción de planetas alineados, estas dos grandes bandas de rock dieron origen a Audioslave, de hecho el cambio de nombre fue producto de Chris Cornell, por ser uno de los requisitos para unirse a la banda.

Así que luego de esta unión, no perdieron el tiempo y esta superbanda saco su disco Audioslave, que es el disco nos convoca. 

Pero como se merece toda reseña, comenzaremos hablando de su portada, cuyas fotos fueron tomadas en un paisaje volcánico de la isla de Lanzarote, en las islas Canarias territorio Español, y cuyo autor declararía que “los volcanes se adecuaban a la inquietante amenaza de Audioslave”.

Pero sin más vamos a la lista de canciones del disco, y realmente es un acierto de esta superbanda comenzar tan arriba con “Cochise” donde la aportación de Chris Cornell impone con su voz. 

El segundo tema del disco “Show Me How To Live" me gusta sobre todo el sonido de la guitarra y aquí Tom Morello hace un excelente trabajo, pero no me daré de experto del tema, por ello te invito a que lo descubras por vos mismo. 

Los siguientes temas del disco “Gasoline” y “What You Are” vuelve a destacar Chris Cornell con su voz, pero en "What You Are" los especialistas dicen que contiene una colérica dedicatoria a su exnovia logra que los estribillos suenen como nunca. 

Pero uno de los temas que más me a gustado de este disco es “Like A Stone”, así que lo dejo a la cabeza de la discográfica que he escuchado de la banda. pero todo cambia con "Set It Off" la banda hace un cambio de sonido a lo que veníamos escuchando. 

“Shadow On The Sun”, vuelve al genialidad de la voz de Chris Cornell, “I Am The Highway” y “Getaway Car” será de los siguientes temas que en forma de balada gustan mucho y “Exploder” nos sorprende al finalizar esta canción con un tarareado de Chris Cornell.

“Hypnotize” con un sonido más alternativo, y rematando la faena “Bring Em Back Alive” o “Light My Way”, vuelven a demostrar la fuerza de la voz de Chris Cornell. 

Chris Cornell

El disco termina con “The Last Remaining Light”, una canción melódica de más de cinco minutos merecido final para un álbum debut.

Realmente es un muy buen trabajo de esta superbanda, que podría haber pasado sin pena ni gloria, como tantas otras bandas que nacieron a la sombra dos otras grandes bandas, pero claramente la genialidad de Chris Cornell que lo demuestra en todo el disco por su voz, y Tom Morello uno de los 40 mejores guitarristas según la revista Rolling Stones, me obliga a recomendar que no duden en escuchar a esta banda y este disco en particular. 

Daniel 

Instagram Storyboy

Historia del rock and roll: 12.- Johnny Cash

Hemos hablado de Elvis Presley, también dedicamos otro articulo a Jerry Lee Lewis y a Carl Perkins le dedicamos una historia de la música y es el turno del cuarto grande de Sun Records, que junto a los tres anteriores formaron lo que se denomino Million Dollar Quartet (o el Cuarteto del millón de dólares) estamos hablando de Johnny Cash.
Nacido en Kingsland, Arkansas, el 26 de febrero de 1932 Johnny Cash fue bautizado con las siglas de J. R. Cash debido a que sus padres no pensaron en ningún nombre. Cuando se alistó en las Fuerzas Aéreas, no le dejaron utilizar sus iniciales como nombre, por lo que comenzó a llamarse John R. Cash. En 1955, cuando firmó su primer contrato discográfico con Sun Records, comenzó a utilizar Johnny Cash como nombre artístico. Con apenas cinco años comenzó a trabajar en los campos de algodón. Con trece años, Cash sufrió la muerte de su hermano mayor, Jack. En mayo de 1944, Jack se acercó accidentalmente a una sierra eléctrica en el molino donde trabajaba y sufrió severos cortes. Los primeros recuerdos de Cash estuvieron dominados por la música gospel y la radio, así como por la música tradicional irlandesa que oía con frecuencia en el programa de radio de Jack Benny. Comenzó a tocar la guitarra y a componer canciones con apenas doce años, y una vez en la escuela, comenzó a cantar en una estación de radio local. En 1954, trasladaron su residencia a Memphis, Tennessee, donde comenzó a vender electrodomésticos mientras estudiaba para ser locutor de radio. Por la noche solía tocar con el guitarrista Luther Perkins y el bajista Marshall Grant, ambos conocidos como Tennessee Two. Cash reunió el coraje suficiente para visitar el estudio de grabación de Sun Records, con la esperanza de obtener un contrato discográfico. En 1955, Cash grabó su primera canción con Sun Records, "Hey Porter" y "Cry! Cry! Cry!", publicadas a finales de junio y con cierto éxito en la lista de éxitos musicales de country. El siguiente sencillo, "Folsom Prison Blues", entró en el Top 5 de la lista de country, mientras que "I Walk the Line" llegó al primer puesto de las listas de éxitos.  Cash se sentía limitado porque solo obtenía un 3% de las regalías, en lugar del 5% habitual, asi un año mas tarde abandono Sun Records fichando por Columbia Records, con quien "Don't Take Your Guns to Town" se convirtió en uno de sus sencillos más exitosos.

A finales de la década de 1950, Cash comenzó a beber con frecuencia y se hizo adicto a las anfetaminas y los barbitúricos. Aunque en el plano personal Cash seguía una espiral fuera de control, su creatividad seguía produciendo nuevos éxitos como "Ring of Fire", que alcanzó el número uno en la lista de éxitos de country, o "Jackson" cantada a duo con su mujer, uno de los pilares mas importantes a lo largo de su vida. Entre 1965 y 1967 Johnny Cash llegó a ser encarcelado en siete ocasiones, por causas que incluyen desde el incendio forestal que fue provocado cuando su camión apareció ardiendo, al hallazgo de un pequeño alijo de drogas en el interior de su guitarra cuando intentaba cruzar la frontera por El Paso, Texas. Cash publicó varios álbumes conceptuales como Sings the Ballads of the True West (1965), un álbum experimental con canciones de la frontera entremezcladas con narraciones, Bitter Tears (1964), entre otras canciones. En esa época, su adicción y su comportamiento autodestructivo estaban en un punto cúspide pero iba a cambiar, dejó de consumir drogas durante varios años a partir de 1968, tras una epifanía espiritual en Nickajack Cave, donde intentó suicidarse. El músico comentó estar exhausto y sentirse al final de sus fuerzas cuando sintió la presencia de Dios en su corazón y le mandó salir de la cueva, siguiendo una luz tenue y una ligera brisa. Entre 1969 y 1971 Cash presentó su propio programa de televisión, The Johnny CashShow, en la cadena ABC.

Entrada la década de 1970, Cash adoptó el apodo de «The Man in Black» (que en español puede traducirse como: «El hombre de negro»), debido a que vestía con frecuencia largos abrigos de color negro hasta las rodillas, compuso la canción "Man in Black" en la que explicaba las razones de su nueva conducta, según la cual el color negro en nombre de la pobreza, del hambre y de «los presos que han pagado demasiado por su crimen», pero esta seria su década del declive, ya en 1975 sus discos pasaban sin pena ni gloria por las listas de éxitos.




En 1980, Cash se convirtió en el cantante más joven en entrar en el Museo y Salón de la Fama del Country con 48 años. Sin embargo, su repercusión mediática y popular en la época, debido a un menor interés popular por el country y a la popularidad de nuevos géneros musicales, siguió declinando. Su carrera profesional alcanzó su punto mínimo a finales de la década de 1980. Tras treinta años en Columbia Records, el músico observó que su compañía se mostraba indiferente con él y que no le promocionaba adecuadamente. Sin embargo fue en esta epoca donde publico uno de sus temas mas recordados "Hurt" donde versionea el clásico de Nine Inch Nails una tristisima canción que narra su estado mental después de la vida que había llevado, el amor y las drogas fue donde giró su existencia y con voz pausada y triste narra sus sentimientos. Es quizás el vídeo musical mas triste de la historia. En 1997, a Cash fue diagnosticado con una enfermedad neurodegenerativa conocida como síndrome de Shy-Drager, un diagnóstico posteriormente reemplazado por el de neuropatía autonómica asociada a la diabetes. El 12 de septiembre, apenas cuatro meses después de la muerte de su mujer, Cash falleció en el Baptist Hospital de Nashville por complicaciones de diabetes.

Canciones que no soporto: We're Not Gonna Take It, Twisted Sister

We're Not Gonna Take It, Twisted Sister

     En esta ocasión voy a hablar de un tema de la banda estadounidense de heavy metal Twisted Sister. Como siempre digo en esta sección no pongo en duda nunca la calidad de los temas, simplemente expongo temas que por alguna que otra ciscunstancia a mí no me acaban de llegar ó gustar.

     Twisted Sister tiene sus orígenes en Nueva York (Estados Unidos), donde se crea en febrero de 1973. Antes de esa fecha, el guitarrista Jay Jay French había estado tocado en varios grupos locales, incluso había llegado ha realizar una prueba para Wicked lester (este grupo se convertiría posteriormente en Kiss), pero el destino le lleva a unirse a una banda llamada Silverstar, quedando conformada la formación por el guitarrista Jay Jay French, el vocalista Michael Valentine, el bajista Kenny Neill, el batería Mel "Starr" anderson y el guitarrista Billy "Diamond" Stiger. Este grupo se acabaría cambiando el nombre en febrero de 1973 a petición de su vocalista Michael Valentine, el nuevo nombre, Twisted Sister. A finales de 1974 deciden dejar la formación Billy "Diamond" y Michael Valentine, por lo que se quedan sólo Kenny, Mel y Jay que ante la falta de un vocalista coge las riendas de la parte vocal.

     Desde finales de 1974 hasta principios de 1976 la banda va sufriendo diversos cambios en su formación hasta conseguir cierta estabilidad con la entrada en el grupo de Dee snider, el cuál cogerá un peso muy importante en la formación, pues además de ser el vocalista del grupo también se convertirá en el compositor principal. El grupo parece haber encontrado cierta estabilidad con Dee Snider (vocalista), Jay Jay French (guitarrista), Eddie "fingers" Ojeda (guitarrista), Kenny Neill (bajo) y Tony Petri (batería). Es a partir de aquí cuando el grupo empiezan a variar su sonido basado en el glam metal y comienzan a realizar un sonido más pesado y metalero pero sin abandonar su estética puramente glam.

     El grupo (que sigue sufriendo algún que otro cambio en su formación) ante la falta de interés que sufren por parte de los sellos discográficos deciden a principios de los años 80 abandonar el país y se mudan a Reino Unido en busca de oportunidades, y allí consiguen fichar por una pequeña discográfica llamada Secret Records, un sello que curiosamente se didicaba sobre todo al género punk.
En 1982 el grupo, que está conformado por Dee Snider (vocalista), Jay Jay French (guitarra), Eddie "Fingers" Ojeda (guitarra), Mark "El Animal" Mendoza (bajo) y A. J. Pero (batería), publican su primer LP de título Under The Blade, un disco que a pesar de su mala producción consigue cierto éxito en Inglaterra. esto le vale al grupo para fichar con el poderoso sello discográfico Atlantic Records, con el que publican su segundo LP, You cant' Stop Rock 'N' roll, álbum que les empieza a dar el reconocimiento en su patria, donde consiguen vender más de 500.000 copias.

     Y llegamos al año 1984, año en el que publican su tercer LP, Stay Hungry, también bajo el sello Atlantic, un álbum con el que conseguirían el ansiado reconomiento de la crítica y la fama. El álbum es un tiro en ventas, sólo en Estados Unidos vende más de 3.000.000 de copias.
Este álbum está considerado cómo el mayor éxito del grupo y un clásico del heavy metal. Pues bien en éste mítico álbum podemos encontrar su archiconocido tema We're Not Gonna Take It, un tema que a base de ponerlo a todas horas y en todos los sitios acabé odiando, ya digo que nada tiene que ver con su calidad, eso dejo que lo valoréis vosotros, tiene que ver con el hecho de cómo los medios pueden llegar a cansarnos a base de repetir todo el santo día y a todas horas el mismo tema una y otra vez.

Oh, we're not gonna take it

No, we ain't gonna take it

Oh, we're not gonna take it anymore

We've got the right to choose it

There ain't no way we'll lose it

This is our life, this is our song

We'll fight the powers that be, just

Don't pick our destiny 'cause

You don't know us, you don't belong

Oh, we're not gonna take it

No, we ain't gonna take it

Oh, we're not gonna take it anymore

Oh, you're so condescending

Your gall is never ending

We don't want nothin', not a thing from you

Your life is trite and jaded

Boring and confiscated

If that's your best, your best won't do

Whoa, oh oh

Whoa, oh oh

We're right (yeah)

We're free (yeah)

We'll fight (yeah)

You'll see (yeah)

Whoa, whoa, we're not gonna take it

No, we ain't gonna take it

Oh, we're not gonna take it anymore

We're not gonna take it

No, we ain't gonna take it

Oh, we're not gonna take it anymore

No way

Whoa, oh oh

Whoa, oh oh

We're right (yeah)

We're free (yeah)

We'll fight (yeah)

You'll see (yeah)

We're not gonna take it

No, we ain't gonna take it

We're not gonna take it anymore

We're not gonna take it (no)

No, we ain't gonna take it

we're not gonna take it anymore

Just you try and make us

We're not gonna take it

(Come on!)

No, we ain't gonna take it

(You're all worthless and weak)

We're not gonna take it anymore

(Now drop and give me twenty)

We're not gonna take it

(A pledge pin)

No, we ain't gonna take it

(On your uniform)

We're not gonna take it anymore

     El tema empezó a ser compuesto por Dee Snider en 1980, pero no acababa de redondearla porque según él no acababa de encontrar la melodía adecuada para la letra. Así que en 1983 Dee se pone a estudiar el trabajo del productor y compositor Mutt Lange con Deff leppard, lo que le dió una idea y la solución que estaba buscando para We're Not Gonna Take It.
En cuanto a la letra, compuesta también por Dee, ésta es un arenga a no rendirnos y luchar contra los poderes fácticos que nos oprimen, ya sean tus padres, tu profesor ó el político de turno. De hecho este tema ha sonado en infinidad de eventos deportivos, manifestaciones y protestas políticas. El tema quedaría finalmente acabado y preparado en abril de 1984 para ser publicada dentro del álbum Saty Hungry.