sábado, 10 de agosto de 2019

La música en historias: Tony Visconti

Tony Visconti




     En 7dias7notas nos gusta tener espacio no sólo para los músicos y los artistas, también nos gusta tenerlo para todos aquellos que sin serlo directamente, con su obra o trabajo ayudan a engrandecer este noble arte. En esta ocasión le toca el turno a Tony Visconti, y ¿Quién es Tony Visconti?

     Anthony Edward Visconti, más conocido como Tony Visconti nace en 1944 en Brooklyn, Nueva York (Estados Unidos), y a la edad de 5 años gracias a las enseñanzas de su padre ya toca el ukelele, posteriormente aprendería a tocar la guitarra. En su adolescencia estuvo ligado a bandas de música clásica y orquestas tocando la tuba y el contrabajo. También toca la guitarra, pero ya orientandose al estilo rock & roll. Todo esto a muy temprana edad, pues a los 15 años ya está fogueándose en la calle tocando en grupos locales de su Brooklyn natal.

     En 1960 realiza su primera sesión de grabación como músico, y durante esa década de los 60 se convierte en uno de los guitarristas más solicitados del ambiente de los clubs nocturnos de Nueva York. En 1966 edita junto a su pareja de entonces dos singles, de los cuales uno de ellos Long Hair, consigue cierta repercusión en Nueva York, pero poco más.

     En 1968 Tony empieza a trabajar como productor musical para The Richmond Organitation Inc (TRO), una de las organizaciones independientes de publicación de música más importantes del mundo, creada por Howard Spencer Richmond.
Con motivo de este trabajo Tony se acaba mudando a Londres, algo que marcaría para siempre su carrera. Uno de los primeros trabajos de
tony ya establecido en Inglaterra es la producción de un grupo galés llamado The Iveys, que más tarde se acabarían llamando Badfinger, (grupo que fue el primer grupo fichado por el sello Apple de los Beatles en 1968), dicho trabajo vería la luz bajo el sello Apple de los Beatles.


     En 1968 empieza a trabajar en la producción de un grupo llamado Tyrannosaurus Rex, grupo que posteriormente acabaría llamándose T. Rex, una colaboración que duraría desde 1968 hasta 1974 con la producción de varios álbumes del grupo. Destacar de todos ellos la producción del álbum Electric Warrior en 1971, un trabajo que serviría para encumbrar a la categoría de superestrella del lider del grupo Marc Bolan y consolidar dentro del grupo de grandes productores a Tony Visconti.








     En 1969, además de trabajar con T. RexVisconti empieza a trabajar con un joven David Bowie. La conexión Bowie - Visconti no puede ser más fructífera, encumbrando la carrera de ámbos.
De dicha relación saldrán los discos David Bowie (1969), The Man Who Sold The World (1970), David Live (1974), Young Americans (1975), Low (1977), Heroes (1977), Stage Live (1978), Lodger (1979), Scary Monsters (1980), Heathen (2002), Reality (2003), The next Day (2013), Blackstar (2016) y Welcome to The Blackout - Live London 1978 (2018).
Como anécdota contar que Tony fue protagonista por partida doble de uno de los temas más famosos e importantes de Bowie y por tanto de la historia musical. Ocurrió en Berlín en 1977, durante la grabación del disco Héroes perteneciente a su famosa Trilogía Berlinesa. Bowie se encontraba paseando por el famoso muro de Berlín, cuando en un momento dado se fijó en una pareja de amantes sentada en un banco al lado de dicho muro, ¿Por qué no podrían dos amantes reunirse en un banco ubicado justo debajo de la torreta de vigilancia de dicho muro?. Pues bien al parecer el hombre que había visto en aquél banco fue al mismísimo Tony Visconti junto a una mujer, algo que sería confirmado años después, concretamente en 2003, y Bowie decía al respecto que los amantes eran Tony y una mujer alemana que había conocido mientras se encontraban en Berlín, pero que decidió no decir nada ya que por entonces Tony estaba casado. Este hecho sería confirmado también por el propio Tony, que comentaba que se encontraba en aquel momento con la por entonces secretaria de Bowie y que efectivamente, ellos vieron pasear junto al muro a Bowie aquél día. Así es como además de producir Heroes se convirtió en protagonista involuntario del mismo.

     Tony no sólo produce a artistas y grupos relacionados con el Glam Rock por aquella época, en 1977 produce el disco Bad Reputation de Thin Lizzy, repitiendo en su siguiente disco en directo Live & Dangerous en 1978, y en el de estudio Black Rose en 1979, considerado para mí la obra maestra de los irlandeses (con permiso de Jailbreak, de 1976). La mano de Tony en la producción de los irlandeses se nota en la producción, dando un salto de calidad en las producción de éstos. También su paciencia es puesta a prueba pues hay que reconocer que  estos chicos eran muy buenos pero no era fácil trabajar con ellos.



     Entre sus trabajos se encuentran Paul McCartney & The Wings y su disco llamado On The Run (1973), en Idiot (1977) de Iggy Pop, Boomtown Rats (1980),  para los Mooddy Blues (1986 y 1988), Phillip Boa (1993 y 1994), Manic Street Preachers (2004), Morrisey (2006), The Good, The Bad & The Queen (2018), y una interminable lista de artistas que se me quedan fuera porque si no todavía estaría escribiendo este post.

     Vaya mi reconocimiento y el de 7dias7notas para Tony Visconti, un hombre que antes de ser productor musical había sido músico, algo que seguro le serviría de ayuda a la hora de trabajar en la producción, un hombre tan importante para el noble arte de la música cómo importante es la música para él.


viernes, 9 de agosto de 2019

El disco de la semana 139: Leño, Leño

Leño, Leño (1979)










     Corría el año 1979, apenas un año después de su formación, y Leño sacaba a la luz su primer disco en estudio, titulado Leño. Acababa de echar a rodar un grupo que en plena transición democrática marcaría el camino para todas las siguientes generaciones del rock español. Leño con un sonido basado en el blues rock, el hard rock y el rock progresivo se convertirían además con sus letras en precursores y estandarte del llamado Rock urbano, que es basicamente una corriente musical que surgió en España aproximadamente en 1973, al final de la dictadura. Si bien originalmente el rock urbano se basaba en los sonidos blues rock, hard rock y rock progresivo, posteriormente y sobre todo durante los ochenta también se abriría a otras tendencias como el punk o el hardcore.

     Cuenta la leyenda que a finales de 1977, en el seno del grupo Ñu, el cuál lideraba José Carlos Molina, se produce una discusión entre sus integrantes, a raíz de la cuál Rosendo Mercado, guitarrista de la banda pronuncia estas palabras: "Chico, hasta aquí hemos llegado...." y abandona la formación. 
Unos días depués Rosendo se junta con un viejo conocido que había estado en la antigua formación de Ñu cuando esta se conocía como Fresa, el bajista Chiki Mariscal, y con el ex batería del grupo Coz Ramiro Penas (formación que sería el germen de la formación Barón Rojo) y juntos forman Leño.

    El nombre del grupo estaba claro, Leño, pues al parecer era lo que José Carlos Molina le decía a Rosendo sobre sus composiciones en Ñu: "Las canciones que haces son un Leño, tío". Aunque sobre esto José Carlos defendía otra versión, que el nombre se lo inventó él, pues cada vez que él hacía una composición heavy Rosendo siempre le decía: "¡Vaya leño de canción que has hecho!". De cualquier forma acababa de nacer Leño y nadie podría parar lo que serían capaces de hacer hasta su separación, en 1983.



     El 12 de febrero de 1978 Leño debuta en directo en la sala Alcalá Palace de Madrid como teloneros de Asfalto, y en mayo de ese mismo año publican su primer sencillo, Este Madrid / Aprendiendo a escuchar, el cuál a día de hoy es material de coleccionista. En mayo de 1979, y después de unos ajetreados meses donde el grupo ha estado concierto tras concierto, graban su primer álbum en directo, de nombre Leño, el disco recomendado para esta semana, grabado en apenas 72 horas y publicado por la discográfica Chapa/Zafiro. Si bien durante la grabación del disco  el bajista Chiki Mariscal decide abandonar la formación y regresar a Ñu (donde formó parte en sus origenes bajo el nombre Fresa), por lo que es sustituido por el bajista Tony Urbano. Todas las composiciones son grabadas al bajo por Chiki menos El Tren que ya es grabado por Tony.

      De ahí que en la portada de álbum original podemos observar a   Rosendo Mercado y Ramiro Penas sentados y a Chiki Mariscal abandonando el lugar mientras por el otro lado entra Tony Urbano. El disco contaría con la producción de Teddy Bautista que además de aportar su colaboración a los teclados también aporta el ya mítico sólo de armónica que aparace en el tema El Tren.
Leño es un álbum que maracaría el sonido característico de la banda, basado en el rock y el blues rock con tintes progresivos y hasta psicodélicos. 

     Abre la traca de este memorable disco Castigo, un tema de más de 10 minutos donde Leño demuestra que no tienen nada que envidiar a ningún power trío de la época de renombre, un tema prácticamente instrumental pues no tiene apenas letra,  donde Chiki y Ramiro están magníficos y donde Rosendo nos da un Master con su guitarra eléctrica.

     Le sigue El oportunista, un tema que abre con el conocido pasodoble El gato montés, toda una crítica en toda regla a esos empresarios y a toda esa gente que solo se arrimaron a las bandas rockeras y heavys cuando olieron negocio. la letra es toda una declaración de intenciones "...me he clavado un alfiler en el pescuezo, me he juntado con los punks, soy muy moderno, ahora me meo en el metro, nada me importa, y le pego hasta a mi padre, soy un pasota......"

     El Tren, con un metafórico contenido que habla de la droga y de su consumo, "...ví rostros deshechos de satisfacción, si controlas tu viaje serás feliz". Como comenté anteriormente sobre este tema, la armónica en el tema corre por cortesía de Teddy Bautista el cuál se marca un solo memorable que pone la guinda a este himno del grupo.
Este tema fue compuesto por Rosendo y José Carlos Molina cuando ambos estaban en Ñu, por eso Ñu decidió grabarla años más tarde con otro nombre y mucha gente pensó que estaban haciendo una versión de Leño cuando en realidad era un tema escrito por ambos.



     Este Madrid, todo un alegato contra la contaminación. Célebre es ya el estribillo "....es una mierda este Madrid que ni las ratas pueden vivir". Un de sus temas más famosos y uno de los máximos exponentes del llamado rock urbano que abanderaría este grupo.

     La Nana, un tema de más de siete minutos, donde lo que empieza como una nana en toda regla acaba desembocando en toda una pieza instrumental de rock progresivo donde Leño vuelve a demostrar la calidad instrumental que atesoraba.

     Sodoma y Chabola, un tema donde vuelven a poner la voz de alarma ante las desigualdades sociales, con un tema con tintes funk y envuelto de un poderoso sonido hard rock.

     El disco cierra con un corto tema instrumental llamado Se Acabó, con Rosendo en acústico tocando una deliciosa pieza con tintes folklóricos, demostrando Leño que si son capaces de tocar piezas con una fuerza y energía salvajes también son capaces de emocionarnos con delicadas piezas instrumentales.

     Leño, es el título homónimo y primer disco publicado por la banda, y es que Rosendo y compañía abrirían el camino para toda esa legión de bandas que aprovecharían la brecha abierta por ellos y darían continuidad a su trabajo. En 1983, apenas cinco años después de su formación y tras tres disco publicados en estudio y uno en directo, Leño decide poner punto y final, y lo hace con la gira organizada por Miguel Ríos "El rock de una noche de verano", dando su último concierto completamente gratuito en el Parque del Oeste de Madrid.
Según los miembros de la banda habían llegado a un callejón sin salida a nivel creativo, eso sí Leño lo dejaba en lo más alto, ahí queda eso.


jueves, 8 de agosto de 2019

Historia del rock and roll: 9.- Jerry Lee Lewis



Jerry Lee Lewis es una de las leyendas más legendarias de la historia de la música popular norteamericana, nacido el 29 de septiembre de 1935 en la localidad de Ferriday (Lousiana) en una familia con antepasados de colonos que se remonta al comienzo de la conquista del territorio Estadounidense, y de fuertes creencias religiosas. Desde muy joven Jerry se movía entre el lado bueno y el lado malo, por un lado la parroquia y la religión y en el otro ese impulso de tentaciones que le empujaban a las drogas, al rock and roll, al sexo, esta ambigüedad hizo que mostrara en el escenario esas dos facetas de forma magistral.

Su carrera comenzó a los 14 años, algunos años antes había descubierto el sonido del piano, y comprobando el talento que tenia, su familia se hipoteco para poder comprarle uno, así fue como en sus primeros años de adolescencia comenzó a acudir a los guetos negros para escuchar a los cantantes de blues. El 29 de septiembre de 1949 realizó su primera aparición pública en un espectáculo montado por la compañía de automóviles Ford en su ciudad natal, interpretando el tema "Drinkin wine, spoo-dee-o-dee". Pronto descubrió que con esas teclas podría tocar mucho tipo de música y a los quince años ya era capaz de tocar boogie, rhythm and blues y country swing para una emisora local, momento en el que decidió presentarse con sus canciones en el estudio de grabación Sun Whole lot of shakin going onen" convirtiendo al autor directamente en leyenda, ya que se vendieron más de un millón de copias de la canción, y Lewis consiguió convertirse en cuestión de meses en una estrella. La canción también generó mucha controversia, ya que las letras eran bastante lascivas e impactantes por lo que muchas emisoras se negaron a emitirla. A este hit le sucedieron canciones tan rotundas y apabullantes como Great balls of fire (1957), High school confidential (1958) y Breathless (1958), con las que confirmó su talento y clase para arrollar en las listas de éxitos con efectivas y contagiosas melodías llenas de un salvaje sonido. Todos los críticos y fans que tuvieron la oportunidad de verle en los años cincuenta recalcan la espontaneidad y fuerza de sus interpretaciones, muy distintas de las amaneradas y ensayadas apariciones de Elvis Presley. De ahí que cada una de sus actuaciones sea recordada como única. Esa puesta en escena tan particular hizo que rápidamente fuera conocido con el sobrenombre de "The Killer"
Records,, pero a este no le convenció el estilo, volvería mas tarde, después de depurarlo y tras varias visitas y otras tantas grabaciones, Sam Philips y Jerry Lee Lewis lanzaron la bomba: "

En 1958 Jerry decidió contraer matrimonio con Myra Brown. Fue un error del corazón ya que esta boda desató el escándalo al descubrirse que era el tercer matrimonio del cantante a lo que se sumaba que Myra contaba con 13 años de edad y era prima (en tercer grado) del cantante. Así fue como después de una breve pero muy exitosa carrera en el rock and roll que por aquel entonces encarnaba todo el mal de la música, los que estaban empeñado en acabar con esa música encontraron la excusa perfecta y le acusaron de corrupción de menores, terminando súbitamente su carrera, ya que con esa acusación se encontró que nadie quería contratarle. Sin giras, ni actuaciones ni presentaciones en las grandes cadenas de radio y televisión, se vio condenado al ostracismo y a tener que sobrevivir tocando en pequeños clubes y locales de mala muerte.


Una vez pasado el escándalo y ya metidos en los años 60, Jerry Lee Lewis encaro de otra manera la música que tocaba, realizo una extensisima gira por el Reino Unido y su sonido día paso hacia el country, haciéndose más reposado y nostálgico, había abandonado esa imagen de maldad y exageración aunque mas de uno vez pudo desarrollarla en algún concierto cuando se encendía mas de los normal. Su vida personal continuó inmersa en escándalos con el abuso de alcohol y drogas y muchos percances a pesar de el cambio de estilo musical.  Entre 1968 y 1973 consiguió más de una docena de éxitos en Mercury /Smash con títulos tan memorables como Another time, anotherplace (1968), What's made Milwaukee famous (1968) o Drinkin wine spo?dee o'dee (1973).
Poco después de tocar en España (Madrid y Barcelona) formando parte del paquete country de Marlboro (1985), fue operado a vida o muerte en EE UU de un problema en el estomago y a pesar de eso no le ha impedido, seguir grabando canciones y apareciendo en público, donde invariablemente ataca el piano con los tacones de sus botas.



Ya en 1989 se pudo ver en las pantallas de cine “Great Balls of Fire”, una película sobre su vida dirigida por Jim McBride y protagonizada por Dennis Quaid como Jerry Lee Lewis, Winona Ryder como Myra Gale y Alec Baldwin como su primo Jimmy Lee Swaggart.
Y es que Jerry Lee Lewis es de los que saben que el rock and roll vive de mitos como él, y siempre está dispuesto a satisfacer la curiosidad de los que van para ver cómo saca el peine del bolsillo de la camisa y lo pasa con toda chulería sobre su largo cabello ondulado, mientras espera los gritos de entusiasmo de sus fans. Aunque ahora ya nadie le insulta y siempre tiene el honor de cerrar los festivales en los que participa, como una leyenda que accede a dejarse ver y a oficiar el rito del rock and roll una vez más.


miércoles, 7 de agosto de 2019

Canciones que nos emocionan: A la sombra de un león, Ana Belen y Joaquin Sabina

Hoy vamos con una canción en castellano, ya que no nos prodigamos mucho en este idioma en la sección canciones que nos emocionan, y hay muchas de ellas que a un particular le gustan mucho. La elegida es una canción cuya versión mas famosa y emocionante esta interpretado por un dúo, como dúo fueron los creadores del tema, por un lado Josep Maria Bardagí se hizo cargo de la música, mientras que el Jienense, Joaquin Sabina, le puso música, siendo un pequeño homenaje a uno de los monumentos mas representativos de la ciudad que le acogió La cibeles, pero que se convierte también en homenaje a la ciudad de Madrid ya que no solo menciona a La Cibeles, sino que también hace referencia a otros edificios y negocios madrileños como son la administración de Lotería de Doña Manolita, los conocidos almacenes de El Corte Inglés, o el Banco Central.




El tema una vez compuesto fue un regalo que Joaquin Sabina le hizo a la cantante Ana Belen, que la publico en un disco en 1988 y pasó casi desapercibida, fue en 2001 en la gira 'Dos en la carretera' que hizo Ana Belen con su marido, Victor Manuel, cuando en un concierto se dispuso a interpretar el tema en solitario, cuando a mitad de canción y sin que nadie lo sospechara apareció en el escenario Joaquin Sabina cantando a duo con ella. Esta interpretación es sin duda la que ha quedado en la retina y en los oidos de muchos de los que amamos esta canción. Un magnifico dúo con las dos voces, con la ayuda de un publico entregado y fue mientras Ana Belen desparramaba su chorro de voz y la canción decía.. ¿Qué tal?, Estoy sola y sin marido, gracias por haber venido, a abrigarme el corazón.....  cuando Joaquin Sabina apareció, un mes después de que hubiera sufrido un grave infarto cerebral que con posterioridad lo sumó en una profunda depresión. Resulta emocionante la acogida del público al cantante y la manera en que las voces del dúo, por un lado la calidez de Ana Belen y por otro la por aquel entonces rota voz de Sabina se entremezclan con las del publico


La canción narra la historia de amor entre un internado que se ha escapado del manicomio de Ciempozuelos, un pueblo a unos 40 kilómetros de Madrid y que contaba quizás con el mas famoso de estos centros de la comunidad y la estatua que preside el edificio de correos en Madrid, la Cibeles. Una historia de amor imposible que por momentos se hizo real, una de esas punzadas que a veces nos dan en el corazón y que nos causa mas placer que dolor.




Llegó
con su espada de madera
y zapatos de payaso
a comerse la ciudad.
Compró
suerte en Doña Manolita
y al pasar por la Cibeles
quiso sacarla a bailar
un vals
como dos enamorados
y dormirse acurrucados
a la sombra de un león.
«¿Qué tal?
estoy sola y sin marido
gracias por haber venido
a abrigarme el corazón.»
Ayer
a la hora de la cena
descubrieron que faltaba
el interno dieciséis.
Tal vez
disfrazado de enfermero
se escapó de Ciempozuelos
con su capirote de papel.
A su estatua preferida
un anillo de pedida
le mangó en El Corte Inglés.
Con él
en el dedo al día siguiente
vio a la novia del agente
que lo vino a detener.
Cayó
como un pájaro del árbol
cuando sus labios de mármol
le obligaron a soltar.
Quedó
un taxista que pasaba
mudo al ver como empezaba
la Cibeles a llorar
y chocó contra el Banco Central.




lunes, 5 de agosto de 2019

Canciones que nos emocionan: One, Metallica

One, Metallica




     En 1980 un joven llamado Lars Ulrich, originario de Dinamarca, emigra junto con toda su familia a Los Ángeles, el motivo de tal viaje es el hecho de que Tobby, el padre de Lars, que había sido tenista profesional quería preparar en Estados Unidos la carrera tenística de su hijo Lars el cuál tenía un futuro más que prometedor. Pero esa era la idea del padre, no la de Lars que tenía una gran afición a la música, en concreto al heavy metal y tocaba la batería. Es por ello que Lars, en 1981 decide poner un anuncio en una revista llamada Recycler en el que buscaba un guitarrista para formar una banda. A dicho anuncio contesta James Hetfield, un joven hijo de un propietario de una empresa de camiones y una cantante de ópera. Para ocuparse del bajo recurren a un amigo de Hetfield, Ron McGovney al cuál le enseña a tocar dicho instrumento el propio Hetfield. Ya sólo necesitaban a un guitarrista solista, fichando en un principio a Lloyd Grant, con el que graban la primera demo del grupo, si bien poco después abandona el grupo y acaba siendo sustituido por Dave Mustaine.
Acababa de nacer Metallica, compuesta por Lars Ulrich (batería), James Hetfield (guitarra y voz), Ron McGovney (bajo) y Dave Mustaine (guitarra solista).
Meses después la formación sufriría un cambio, Lars y Hetfield ya estaban barajando la posibilidad de cambiar de bajista, por lo que Ron decide dejar el grupo pasa a ocuparse del bajo Cliff Burton. A principios de 1983 Dave Mustaine sería despedido por sus graves problemas con las drogas y acabarían fichando a Kirk Hammett.
Lars Ulrich, James Hetfield, Cliff Burton y Kirk Hammett, ésta sería la formación definitiva de Metallica hasta la trágica muerte de Cliff en septiembre de 1986. El grupo decide continuar y fichan a Jason Newsted, el cuál permanecería en la formación hasta 2001, siendo sustituido por Robert Trujillo.

     Me voy a centrar en el año 1988, año en el que la formación, que está compuesta por Lars Ulrich, James Hetfield, Kirk Hammett y Jason Newsted saca a la luz su cuarto álbum de estudio, ...And Justice For All.
En este disco se encuentra el que es para mí uno de los mejores temas del grupo, One.
El tema fue compuesto por Lars Ulrich y James Hetfield, y se basaron en la famosa novela de Dalton Trumbo Johnny cogió su fusil. Concretamente el tema se inspiró en una reflexión de éste libro: "¿Cómo podría un hombre perder tanto de mí como yo y aún vivir?"

I can't remember anything

Can't tell if this is true or dream

Deep down inside I feel to scream

This terrible silence stops me
Now that the war is through with me

I'm waking up, I cannot see

That there is not much left of me

Nothing is real but pain now
Hold my breath as I wish for death

Oh please, God, wake me
Back to the world that's much too real

In pumps life that I must feel

But can't look forward to reveal

Look to the time when I'll live
Fed through the tube that sticks in me

Just like a wartime novelty

Tied to machines that make me be

Cut this life off from me
Hold my breath as I wish for death

Oh please, God, wake me
Now the world is gone, I'm just one

Oh God, help me

Hold my breath as I wish for death

Oh please, God, help me
Darkness imprisoning me

All that I see

Absolute horror

I cannot live
I cannot die
Trapped in myself
Body my holding cell
Landmine has taken my sight

Taken my speech

Taken my hearing

Taken my arms
Taken my legs
Taken my soul
Left me with life in hell

     En el tema, a un soldado que se encuentra en el frente le explota una granada de mortero en la cara. Como resultado de éste incidente queda postrado en una cama sin brazos ni piernas, y tampoco puede ver, oir ni oler. Los médicos están preocupados por él porque sufre espasmos todo el tiempo. Los médicos deciden llamar a su General el cuál se presenta con otro soldado, siendo este soldado el que reconoce que no sufre espasmos y que en realidad esos espasmos son código Morse. El General le pregunta que está diciendo a lo que el soldado le responde Kill-Me (mátame) una y otra vez.     

domingo, 4 de agosto de 2019

La música en historias: Muddy Waters y la armónica

 Muddy Waters



     La armónica es un instrumento de viento que tiene lengüetas individuales para cada nota musical. La presión creada en cada una de las lengüetas a la hora de soplar o aspirar crea unas vibraciones que producen un sonido. 
     Este instrumento fue inventado en China allá por el año 3000 a. C., y fue sufriendo durante su historia numerosas modificaciones hasta llegar al año 1830, donde un inventor de Bohemia (República Checa) llamado Ritcher ideó el instrumento tal y como lo conocemos en la actualidad. Si bien originalmente éstas eran de madera ahora casi todas son de latón ó acero. Existen diferentes tipos de armónicas, pero no voy a adentrarme en más detalles pues he de decir que no soy ni mucho menos un experto en tal instrumento, pero lo que si voy ha hacer es comentar la importancia que tuvo una persona que sin tocar dicho instrumento tuvo para la repercusión del mismo dentro del blues, Muddy Waters.

     McKinley Morganfield, más conocido como Muddy Waters nace en 1913 en Rolling Fork, Mississippi, y es considerado como uno de los padres del llamado blues de Chicago
Fue grabado por primera vez en una plantación del delta del río Mississippi por Alan Lomax, un importante etnomusicólogo estadounidense que fue uno de los grandes recopiladores de las canciones populares del siglo XX. Alan que trabajaba por entonces en la Biblioteca del Congreso (donde además de libros y documentos se conservan canciones que se consideran importantes para la historia de Estados Unidos) graba a Muddy en 1940 para dicha biblioteca.
Posteriormente Muddy hace las maletas y se muda a Chicago, Illinois, donde cambia la guitarra acústica por la guitarra eléctrica. Con el tiempo Muddy fue haciéndose muy popular entre los músicos negros de la época. En las primeras grabaciones que hace Muddy en aquella época para la discográfica Chess Records lo hace con su guitarra y con un contrabajo, si bien con el tiempo acabaría añadiendo a sus formaciones percusión, armónica y hasta piano.

     Por la banda de Muddy han pasado auténticos virtuosos de sus instrumentos, tales cómo Willie Dixon al bajo, Pinetop Perkins al piano ó Buddy Guy a la guitarra. También pasa lo mismo con la armónica, instrumento que Muddy consideraba fundamental e indispensable en su sonido, pues consideraba que "La armónica es la madre de la banda", y siempre se preocupó de tener a los mejores. Algunos de los músicos que pasaron con su armónica por la banda de Muddy fueron:

     Sonny Boy Williamson II, durante la década de los 30 recorrió parte de Mississippi y Arkansas trabajando al lado de Robert Johnson, Robert Lockwood Jr y Elmore James entre otros. Sería ya en la década de los 40 cuando su fama crecería al trabajar en el espectáculo llamado King Biscuit Time, la publicidad de una marca de galletas de la estación de radio KFFA, dicha popularidad le llevaría a tocar al lado de músicos como Muddy Waters, Willie Dixon y Jimmy Rogers. Ya en la década de los 60, durante su estancia en Inglaterra grabaría con artistas cómo The Animals ó Jimmy Page.

Sonny Boy Williamson II

     Little Walter, considerado como uno de los padres del sonido de Chicago, con una revolucionaria forma de tocar la armónica, comparable a lo que hicieron Jimi Hendrix con la guitarra eléctrica o Charlie Parker con el saxo. Abandonó su Luisiana natal a los 12 años llegando a Chicago con 16 años, donde acabaría trabajando con Muddy Waters y juntos irían dando forma al famoso sonido de Chicago.

Little Walter

     Junior Wells, del cuál ya hemos dedicado espacio en nuestro blog (La armónica de Junior y El disco de la semana: Hoodoo Man Blues), el cuál llegó a recibir clases del mismísimo Sonny Boy Williamson II. Intentó entrar con apenas 16 años en la banda de Muddy Waters, pero no fue fichado sencillamente porque no llegaba al micrófono, logrando entrar en la misma dos años después sustituyendo a Little Walter. Muy célebres sus colaboraciones también con Buddy Guy y sus giras apoyando a los Rolling Stones.

Junior Wells

     James Cotton, también fue alumno de Sonny Boy Williamson II. James la primera vez que escuchó a Sonny Boy Williamson II en la radio lo tuvo claro, se fue de casa y se mudo a Helena, Arkansas, donde encontró a Sony con el firme propósito de que le enseñara a tocar la armónica. James estuvo en la banda de Muddy Waters a mediados de los años 50.

Jame Cotton

     Jerry Portnoy, músico que nació y creció en Chicago, el primer contacto con el blues fue en el mercado de Maxwell Street, donde su padre tenía una tienda de alfombras y era habitual que fuera del mercado se juntaran músicos para tocar blues. Curiosamente Maxwell Street era un lugar famoso porque allí tocaban por ganarse propinas los músicos de blues, en aquel lugar se ganaron la vida en sus comienzos gente como Little Walter, Jimmy Rogers ó Johnny Young entre otros.
Empezó profesionalmente en 1970 tocando en la banda de Johnny Young, y en 1974 se unió a la banda de Muddy Waters, donde permaneció hasta 1980.

Jerry Portnoy

     Paul Oscher, empezó a tocar la armónica a los 12 años, y a los 15 ya estaba tocando para el músico Little Jimmy Mae. Tocó en la formación de Muddy Waters desde 1967 hasta 1972, y tiene el honor de ser el primer blanco que formó parte de la banda de Muddy.

Paul Oscher

     Big Walter Horton, músico caracterizado por utilizar un sonido bastante particular con su armónica con suaves fraseos y un timbre muy particular. Entró en la banda de Muddy Waters a finales de 1952 sustituyendo a Junior Wells, permaneciendo hasta 1953.

Big Walter Horton

     Nos hacemos una idea de la importancia de Muddy Waters en el blues y más concretamente en el sonido de Chicago si echamos un vistazo a la cantidad de músicos de enorme calidad que pasaron por ella, pero lo que estaba claro es la importancia que Muddy le daba a la armónica. A la vista está los músicos que la tocaron en su banda, a cada cuál mejor.

viernes, 2 de agosto de 2019

El disco de la semana 138: Divididos - Narigón del Siglo




Año 2.000, Londres, una banda de rock Argentina, logra llegar al mítico estudio Abbey Road, pero esa banda no es nueva en el mundo del rock, y está allí para grabar su sexto disco de estudio.

Pero este disco no será uno más, sino que marcara para Divididos la madurez como banda, ese momento donde las bandas se hacen grandes de verdad, nacerá Narigón del Siglo, como hemos dicho su sexto álbum de estudio, y tendrá este disco canciones que serán himnos para la banda.

Por qué Narigón del siglo, Ricardo Mollo (guitarra y voz) nos cuando que “Le pusimos Narigón del siglo porque los que marcaron los 80 y los 90 fueron los narigones, o sea, los mentirosos y los que toman cocaína. Lo de narigón es nuestro símbolo para hablar del vicio y la hipocresía de estos últimos años." de este modo tan vigentes como en las letras del rock de comienzo de los años 80, finalizando la dictadura militar, pero esta vez en el año 2.000, el rock nacional no pierde su crítica a la sociedad. Otro dato del disco es que su portada fue dibujada por Diego Arnedo (bajista).

Pero pasemos a lo que nos ha reunido hoy, el conocer este disco de Divididos, lleno de diferentes matices y sonidos, y debo decir que nuevamente el folklore argentino se hará cada vez más presente en los discos de la banda.

Contra tapa del disco
El disco comiendo con “Casi estatua”, con un sonido hindú en su comiendo, pero demostrará la potencia del disco y lo que está por venir, “Par mil” uno de los principales cortes de difusión, que fue difundido en diferentes radios, el tercer tema “Tanto anteojo”, nuevamente la crítica se centra en lo social, vendrá luego "Que pasa conmigo" con una guitarra marcada a lo Hendrix.

Hasta acá nos han mostrado solo una parte de todo lo que nos puede dar esta fabulosa banda de rock, pero creo que al siguiente “Spaghetti del rock”, para mí uno de los mejores temas del disco, donde muchos dirán que es una canción de amor que fue escrita a Erica García, y otros una crítica a los medios de comunicación que usan a las bandas de rock en benéfico propio, sea una cosa o la otra, no deja de ser la mejor de las canciones de este disco.

Izq. Diego Arnedo  
Der. Ricardo Mollo
Seguirá “Elefantes en Europa”, vuelve a poner arriba el sonido de este disco luego de escuchar una balada, “Vida de topos” que según su autor demuestra la vida interior de las personas, “La ñapi de mamá” un rock monolítico con violines, y a continuación nos deslumbra con “Como un cuento” una especie de Reggae, que contendrá una de las frases más recordadas haciendo mención a un grupo de folklore argentino diciendo “un chalchalero no es un rolling stone”, los últimos temas del disco serán “Sopa De Tortuga” con un sonido funk, nuevamente un rock fuerte “Pasiones Zurdas Derechas”, y los dos últimos temas de relleno “La gente se divierte” y “La firma del opa” este con un sonido de charango fusionando el rock con el folklore nacional, fusión que ira repitiendo la banda en sus futuros discos como ya hemos dicho, e incluso hasta llegar a representar el folklore nacional argentina en su octavo disco de estudio que se llamara Amapola del 66.

Queridos amigos no dejen de escuchar este fabuloso álbum de esta banda que supo y sabe ganarse a su gente, en particular un ferviente fan.

Lista de Canciones del Disco, con los link para que lo puedas escuchar

Casi Estatua -  https://youtu.be/3iAkjrRTUFo
Que Pasa Conmigo - https://youtu.be/o3yHodyeL7A
Spaghetti Del Rock - https://youtu.be/TP0XLiJRFl8
Elefantes En Europa - https://youtu.be/cwCI0l_U-No
La Ñapi De Mamá - https://youtu.be/d1kYIE6Vq9Y
Como Un Cuento - https://youtu.be/RBvODQYklA4
Sopa De Tortuga - https://youtu.be/_WMfjnW55A8
Pasiones Zurdas Derechas - https://youtu.be/pJ1eZ8o9wPw
La Gente Se Divierte - https://youtu.be/sHOniMCH-Gs
La Firma Del Opa - https://youtu.be/I7kgpwyF_Mw

Por todo esto Narigón del siglo de Divididos es mi recomendación de esta semana, y espero que lo puedan disfrutar tanto como lo suelo hacer, porque el corazón no entiende de razón y en la música se viven las historias.

Daniel
Instagram Storyboy


jueves, 1 de agosto de 2019

Historia del rock and roll: 8.- Año 1956

Después de haber repasado 3 de las figuras mas destacadas que emergieron en esta época, vamos a hacer un pequeño repaso a lo que sonaba durante el año 1956


Elvis Presley publico por primera vez con RCA, la canción elegida fue un clásico de Ray Charles titulada "I got a woman" de 1954. Esta canción fue versionada también posteriormente por The Beatles. "Heartbreak Hotel", "Don´t be cruel" o "Love me tender" fueron otros éxitos que puso en órbita el artista.

Carl Perkins
Carl Perkins publica su famosisimo "Blue Suede Shoes" que tantas versiones tuvo, la canción fue grabada en Memphis para Sam Phillips en Sun Records. Mientras conducía para hacer su primera aparición nacional para promocionarlo, tuvo un accidente que lo hirió gravemente y mató a su hermano. Perkins nunca se recuperó completamente, ni emocional ni profesionalmente, podría haber sido el Elvis de la época. Otro de los temas que publico en este año fue "Honey Don't"

Este fue el año que por primera vez publicaría un disco Jerry Lee Lewis, debutaría con la canción End of the road, en el sello Sun Records, la misma casa donde lo hiciera Elvis Presley.


Fats Domino
Fats Domino editaría uno de los éxitos que le acompaño durante su carrera, "Blueberry Hill", un tema de Vincent Rose, Al Lewis y Larry Stock que fue interpretado por múltiples orquestas durante los años 40 y que Domino convertiría en rock and roll dándole un especial protagonismo al piano.






Little Richard entra en la listas Billboard con "Long Tall Sally", una de sus canciones mas redondas, pero también nos regalaría "Miss Ann""Ready Teddy" o  "Rip It Up" dando al rock and roll una dimensión hasta ahora desconocida.
Por su parte Chuck Berry edita su clásico "Roll over Beethoven" archiconocida canción que también seria versionada años mas tarde por The Beatles.
Disfrutamos de otro de los temas que han quedado para la historia, con el titulo de "Be-Bop-a-Lula" lanzando al estrellato a Gene Vincent & His Blue Caps, que lamentablemente no tuvieron demasiado recorrido en el tren del éxito por diversas circunstancias.



James Brown publica "Please Please Please", nos encontramos ante la primera grabación comercial del artista de Barnwell, una canción llena de fuerza. Ray Charles también publica "Lonely Avenue", uno de sus primero grandes éxitos.  Little Willie John  cantante estadounidense de R&B que actuó en "Fever" una canción que hemos podido ver en muchas películas. Howlin' Wolf publica "Smoke Stack Lightning" y con su profunda voz consiguió uno de los éxitos del año.
Howlin Wolf
los años cincuenta y principios de los sesenta publico su gran éxito
Si hay una cancion que se identifica con el año 1956, siendo el mayor exito de ese año fue el tema de Screamin' Jay Hawkins titulado "I Put a Spell on You" escrita por el mismo Hawkins el tema es una balada lamentando la pérdida de una novia que quería recuperar, pero uan vez editada decidio darle un giro a la cancion transformandola en una historia espeluznante sobre poner una maldición sobre una chica para que pudiera poseerla. Hawkins desarrolló un espectáculo escénico extraño alrededor de esto. Salía en un ataúd en llamas y empuñaba un cráneo en un palo.
The platters seguian con su maravilloso sonido coral y publicaban  "My prayer" y "The Great Pretender", esta ultima cancion fue el primer Doo Wop en llegar al numero uno en los EE. UU.

Johnny Cash y Elvis Presley

El cantante country Johnny Cash, lanza uno de sus temas mas laureados "I Walk The Line", titulo
de la pelicula realizada sobre el cantante en 2005, en ella detalla los valores y el estilo de vida que llevaba a pesar de ser una estrella, por encima de todo el tenia la promesa de permanecer fiel a su primera esposa, Vivian, mientras él está en el camino.

Anthony James "Lonnie" Donegan​ fue un músico británico de estilo skiffle. Se le conoció como el "Rey del Skiffle" (tipo de música originada por trabajadores pobres negros en Estados Unidos en la década de 1920, basada en armonías sencillas y ejecutada con instrumentos acústicos, baratos y caseros, que permite un amplio acceso para músicos de las clases populares sin entrenamiento musical) ese año publicó "Rock Island Line". A Donegan se el considera el artista con mas exito en Gran Bretaña antes de la llegada de The Beatles.

En este año Harry Belafonte pulverizo las listas con su cancion "The Banana Boat Song (Day-O)", una cancion popular Jamaicana, que los nativos cantaban cuando estabana cargando barcos de bananas, años mas tarde la rescato Tim Burton en la pelicula Bitelchus". Belafonte fue proclamado el rey del calypso, genero musical muy popular en las Antillas y el norte de Sudamerica y que tiene como particularidad el uso de unos tambores metalicos






Frank Sinatra lanza uno de sus grandes exitos "I've Got You Under My Skin", cancion compuesta por Cole Porter y que fu nominada para el premio Oscar a la mejor canción original de ese año. Se convirtió en una canción insignia de Frank Sinatra y años mas tarde seria popularizada por Bono de U2. Otras canciones que publico Sinatra fueron Ebb Tide o Who Wants To Be A Millionaire. Ella Fizgerald seguia su carrera, considerada la gran dama del Jazz y una de las interpretes mas influyentes en el genero, en este 1956 salieron a la luz temas como "April in Paris" , "Every Time We Say Goodbye" o "My Heart Stood Still" y Doris Day interpretaba su famosisimo "Que Sera, Sera (Whatever Will Be, Will Be)" en la pelicula de Alfred Hitchcock, El hombre que sabia demasiado.