Canciones que nos emocionan: Balls to The Wall, Accept

Ballas To The Wall, Accept

     En esta ocasión para hablar del tema que ocupará el espacio de esta sección tenemos que ir a Alemania, concretamente a la ciudad de Solingen, integrada en el sector administrativo de Düsseldorf, en Renania del Norte-Westfalia, de donde es originaria la banda de heavy metal Accept. Si bien la formación se funda en 1976, su origen se gesta a finales de los años 60.

Corre el año 1968, Y en la ciudad de Solingen, situada en la parte occidental de Alemania, y Udo Dirkschneider (voz), Michael Wagener (guitarra), Dieter Rubach (bajo) y Birke Hoe (batería) forman un grupo al que llaman Band X. El problema de la formación es la inestabilidad de la misma a causa del constante baile de músicos que entran y salen de la misma, lo que impide que ésta no acabe de arrancar profesionalmente, algo que al final provoca su separación.

En 1976 Udo Dirkschneider y Dieter Rubach deciden que es hora de crear su propio proyecto personal y se centran en crear su proxima banda, para ello cuentan con los servicios de los guitarristas Wolf Hoffmann y Gerhard Wahl y con el baterista Frank Friedrich. Acababa de nacer Accept. Ese mismo año consiguen tocar en el Festival Rock am Rhein y consiguen llamar la atención tanto de la gente como de la crítica, algo que no pasa desapercibido para el sello dicsográfico Brain Records que ofrece a la banda su primer contrato discográfico.

Se iniciaba la carrera de una de las mejores formaciones de heavy metal de finales de los años 80 y principios de los 90. La banda durante sus primeros años sufre varios cambios en su formación, y durante esa época ven la luz sus álbumes Accept (1979), I'm a Rebel (1980), Breaker (1981) y Restless And Wild (1982).

Y llegamos al año 1983, año que marcaría el punto de inflexión de la banda gracias a la publicación de su quinto álbum de estudio, Balls To The Wall; un álbum que llama la atención del mercado americano, tanto que sería publicado al año siguiente para éste país por el sello discográfico Portait. En 1983 sólo se había publicado para el mercado europeo a través del sello RCA Records. El grupo está conformado por entonces por Udo Dirkschneider (voz), Herman Frank (guitarra), Wolf Hoffmann (guitarra), Peter Baltes (bajo) y Stefan Kaufmann (batería).

Balls To The Wall es un álbum que generó cierta polémica ya que el mensaje de algunas canciones hablaban de la homosexualidad y la represión política. El grupo al respecto explicó que muchos temas del disco trataban de las minorías oprimidas en general. Incluido en el álbum encontramos el tema que da título al álbum, Balls To The wall, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan. El tema es compuesto por la banda y por el mánager de la banda por entonces, Gaby Hauke, quien lo hace a través del pseudónimo Deaffy.

Según el guitarrista de la banda Wolf Hoffmann al grupo siempre le había interesado la política y los derechos humanos y el tema trataba sobre los derechos humanos, querían transmitir que un día los torturados y oprimidos se levantarían y patearían el trasero de los opresores. El tema se gesta a raíz de una sesión en el estudio de grabación donde se encontraban el cantante Udo y el baterista Stefan; en aquella sesión mientras hablaban y pensaban en la composición del tema tomaron muchas copas, y en un momento dado durante aquella sesión donde el alcohol fue el claro protagonista surgió la frase "Balls To The Walls". A raíz de ahí el grupo y Hauke darían forma al tema.

Too many slaves in this world

Die by torture and pain

Too many people do not see

They're killing themselves - going insane

Too many people do not know

Bondage is over the human race

They believe slaves always lose

And this fear keeps them down

Watch the damned (God bless ya)

They're gonna break their chains (Hey)

No, you can't stop them (God bless ya)

They're coming to get you

And then you'll get your

Balls to the wall, man

Balls to the wall

You'll get your balls to the wall, man

Balls to the wall - balls to the wall

You may screw their brains

You may sacrifice them, too

You may mortify their flesh

You may rape them all

One day the tortured stand up

And revolt against the evil

They make you drink your blood

And tear yourself to pieces

You better watch the damned (God bless ya)

They're gonna break their chains (Hey)

No, you can't stop them (God bless ya)

They're coming to get you

And then you'll get your

Balls to the wall, man

Balls to the wall

You'll get your balls to the wall, man

Balls to the wall - balls to the wall

Come on man, let's stand up all over the world

Let's plug a bomb in everyone's ass

If they don't keep us alive - we're gonna fight for the right

Build a wall with the bodies of the dead - and you're saved

Make the world scared - come on, show me the sign of victory

Sign of victory - sign of victory

You better watch the damned (God bless ya)

They're gonna break their chains (Hey)

No, you can't stop them (God bless ya)

They're coming to get you

And then you'll get your

Tomado de AlbumCancionYLetra.com

Balls to the wall, man

Balls to the wall

Canciones que nos emocionan: Baby, Please Don't Go, Big Joe Williams

Baby Please Don't Go

     Para hablar del siguiente tema, otro de esos que a mí tanto me emocionan tenemos que fijarnos inevitablemente en la figura de Big Joe williams.

Joseph Lee Williams, más conocido como Big Joe Williams nace en Crawford, Mississippi (Estados Unidos) en 1903. Big Joe tuvo una infancia harto difícil, pues sufre malos tratos habitualmente por parte de su padrastro, lo que hace que a la edad de 9 años decida fugarse de casa, encontrando refugio en un Medecine Show. Los Medecine Shows eran espectaculos de vodevil (teatro de variedades) muy comunes en las zonas rurales del sur y el oeste de Estados Unidos, donde había payasos y espectaculos musicales que acompañaban a oradores cuyo objetivo era vender elixires y productos supuestamente medicinales.

Durante su estancia en el Medecine Show Big Joe conoce a numerosos músicos, entre los que se encuentran una de sus mayores influencias, Charlie Patton. También pasa una temporada en Texas, donde conoce a Leadbelly. Finalmente se muda a Chicago donde acaba conociendo a Sonny Boy Williamson I, y se une a él, impulsando entre los dos el nuevo estilo imperante en la ciudad de Chicago.

Big Joe desarrolla durante su carrera un estilo muy personal, muy cercano al tradicional blues del Delta, creando una tensión dramática muy intensa con su voz, acompañando ésta con unos bajos muy marcados que iba entrecrotando con notas muy agudas usando una guitarra de nueve cuerdas. Más tarde, en la década de los 60 incorporaría asiduamente el uso del Slide.

Big Joe comienza a grabar temas a mediados de la década de los años 30 para el sello discográfico Bluebird. Y unos de esos primeros temas, es precisamente Baby Please Don't Go, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan. El tema aparece publicado por el sello Bluebird en 1935 como single, siendo acompañado en la cara B por el tema Wild Cow Blues.

Big Joe Williams escribe Baby Please Don't Go basándose en el tema tradicional americano Long John, tema que había sido grabado por Alan Lomax un año antes, en 1934. Alan Lomax fue un etnomusicólogo estadounidense que se dedicó en vida a recopilar canciones populares del siglo XX para la Biblioteca Nacional del Congreso de Estados Unidos. Long John era una canción que cantaban los prisioneros negros que trabajaban en la Darrington State Prison Farm de Texas (Estados Unidos). Era un tema popular allí porque hablaba de Long John, un prisionero fugado que huía de las autoridades.

Big Joe Williams grabaría una segunda versión más modernizada del tema en 1941 también bajo el sello Bluebird. En 1947 grabará una tercera versión, esta vez con la discográfica Columbia Records. En 1953 Muddy Waters graba para el sello discográfico Chess Records el tema, bajo el título Turn The Lamp Down Low, conviritiéndose su versión en la que más influirá para la infinidad de versiones posteriores que irán apareciendo. Es Baby Please Don't Go uno de los temas más populares y reconocibles en la historia del blues estadounidense, siendo versionada por infinidad de artistas, de la talla de Lightnin' Hopkins, John Lee Hooker, Ted Nugent, Big Bill Broonzy, Muddy Waters, Van Morrison, AC/DC ó Aerosmith entre otros.

Now, baby please don't go

Now, baby please don't go home

Baby, please don't go

Back to New Orleans

And get your cold ice cream

I believe that a man done gone

I believe that a man done gone

I believe that a man done gone

To the county farm

Now, with his long chain on

Turn your lamp down low

You turn your lamp down low

Turn your lamp down low

I cried all night long

Now, baby please don't go

I begged you night before

I begged you night before

Begged you night before

Turn your lamp down low

Now, baby please don't go

I believe my baby done lied

I believe my baby done lied

I believe, my baby, she lied

Says she didn't have a man now

While I had my time

'Fore I'd be yo' dog

Play, I swore I'd leave your do

'Fore I'd be yo' dog

I'd pack my trunk this morning, baby

Go back to Rolling Fork

I believe I'll leave, here

I believe I'll leave you here

I believe I'll leaves you here

'Cause you got me way up here

An you don't feel my care

Now, baby please don't go

Oh baby, please don't go

Now, baby please don't go

Back to New Orleans

Even though I love you so

I believe you trying just leave me here

Why leave your daddy, here?

Why leave your daddy, here?

You got me way down here

And you don't feel my care

Canciones que nos emocionan: Ace Of Spades, Motörhead

Ace Of Spades, Motörhead

     Año 1979, la banda Motörhead con Lemmy Kilmister al frente había lanzado dos álbumes muy fructíferos y exitosos, Overkill y Bomber, y se habían ganado el respeto de una fiel manada de seguidores que disfrutaban con el estilo musical de la banda, una de las primeras bandas y precursoras del género trash metal, con un estilo muy particular que ganaba adeptos procedentes del punk y del heavy metal. De hecho, según la banda, ésta no encajaba en ninguna categoría y se definían como una banda de Rock 'N' Roll que ya nadie sabía comercializar.

Un año después, concretamente en agosto de 1980 la agrupación se marcha a los Jackson's Studios de Rickmansworth, Hertfordshire (Inglaterra), y allí preparan y graban el que supondrá su cuarto disco de estudio con  Vic Maile al frente de la producción, finalizando la grabación en septiembre de 1980. El 8 de noviembre de 1980 salía publicado el disco Ace Of Spades bajo el sello discográfico Bronze Records.

El disco gozó de muy buena crítica por parte de la prensa especializada y gran aceptación por parte de los fans. A pesar de que la banda siempre defendió que ellos hacían rock 'N' Roll éste disco se convirtió uno de los más influyentes para el desarrollo del género trash metal.
Incluido en el álbum se encuentra el tema que da título al disco, Ace Of spades, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan. El tema salió publicado como single y adelanto del disco en octubre de 1980 y alcanzó el puesto número 15 en la lista de singles del Reino Unido, convirtiéndose además en uno de los mas famosos e icónicos de la carrera de Motörhead.

La canción Ace Of Spades aparece acreditada a los por entonces tres componentes de la formación, Lemmy Kilmister, Eddie Clarke y Phil Taylor. Famosa es ya la introducción del tema con ese solo de bajo saturado a cargo de Lemmy. En cuanto a la letra del tema son metáforas y juegos de palabras sobre los juegos de azar, sobre todo cartas y dardos, aunque Lemmy afirmaba que le hubiera gustado más incluir en la letra las típicas máquinas recreativas de fruta que había en los casinos pero no lo hicieron porque no quedaría bien cantar sobre la fruta que gira y las ruedas que bajan.

Ace Of Spades (As de espadas) era conocida como la mano del hombre muerto, ya que esta era la mano que llevaba el famoso Sheriff Wild Bill Hancock cuando fue asesinado a tiros durante el transcurso de una partida de póker. Wild Bill Hancock (1837 - 1876) fue un famoso explorador, aventurero, jugador, pistolero y sheriff del Oeste de Estados Unidos .
El tema tardó en convertirse en un éxito pues al principio Lemmy y Cia. llevaban tocando el tema durante dos años y medio y nadie había reparado en él. También afirmaba Lemmy que si bien estaban cansados de tocar el tema decidieron mantenerlo en el repertorio porque no sería correcto quitarlo, haciendo un símil: "Si yo voy a ver a Little Richard espero escuchar Good Golly, Miss Molly, y si no la escucho me cabrearía mucho".

If you like to gamble, I tell you I'm your man

You win some, lose some, all the same to me

The pleasure is to play, makes no difference what you say

I don't share your greed, the only card I need is the Ace of Spades

The Ace of Spades

Playing for the high one, dancing with the devil

Going with the flow, it's all a game to me

Seven or eleven, snake eyes watching you

Double up or quit, double stake or split, the Ace of Spades

The Ace of Spades

You know I'm born to lose, and gambling's for fools

But that's the way I like it baby

I don't wanna live for ever

And don't forget the joker!

Pushing up the ante, I know you gotta see me

Read 'em and weep, the dead man's hand again

I see it in your eyes, take one look and die

The only thing you see, you know it's gonna be the Ace of Spades

The Ace of Spades

Canciones que nos emocionan: 2112, Rush

2112, Rush

     Hace mucho tiempo ya que me interesé por el rock progresivo, y como no podía ser de otra forma todas las busquedas, pesquisas e indagaciones sobre grupos de éste género me acabaron conduciendo Rush, el genial trío canadiense.

Año 1968, en un barrio de Toronto, Ontario (Canadá) llamado Willowdale se gesta Rush, conformado originalmente por tres amigos, Alex Lifeson (guitarra), Jeff Jones (voz y bajo) y John Rutsey (batería). Una formación que dura apenás dos semanas pues el bajista Jones dura poco y es sustituido por un amigo del colegio de Lifeson, Geddy Lee, que ocupará el puesto de bajista, teclista y vocalista. El grupo empieza a curtirse y forjarse dentro del circuito de pequeños locales y bares hasta que en 1973 publican su primer sencillo, Not Fade Away en la cara A, cover del tema de Buddy Holly, y una composición propia del grupo en la cara B, You Can't Fight It. El sencillo recibe una floja acogida, lo que sumado a las diferencias del grupo con la discográfica hace que abandonen ésta.

Los chicos de Rush deciden crear su propio sello discográfico independiente llamado Moon Records. Con la ayuda de su por entonces mánager Ray Danniels y el ingeniero de sonido Terry Brown consiguen lanzar su primer álbum de estudio titulado Rush, disco con grandes influencias de Led Zeppelin. En un principio el disco pasa inadvertido hasta que en Cleveland, Ohio (Estados Unidos) la emisora de radio WMMS de la mano de su disc jockey y directiva por entonces Donna Halper empieza a pinchar habitualmente el tema Working Man. El álbum rápidamente empieza a gozar del popularidad y reconocimiento dentro del mundo del rock hasta el punto que es relanzado por el sello discográfico Mercury Records en Estado Unidos.

Después del lanzamiento del álbum debút el batería John Rutsey tiene que ser sustituido por problemas de salud. Despues de diversas audiciones, el 24 de julio de 1974 el batería Neal Peart pasa oficialmente a formar parte de Rush. A partir de aquí se forjará la leyenda de una de las mejores bandas de rock progresivo de la historia, una banda que se caracteriza por sus complejas composiciones y por el eclecticísmo de sus letras donde predominan la fantasía, la ciencia ficción y la filosofía, si bien también tienen hueco para la temática social, humanitaria y medioambiental. En cuanto a sonido han ido evolucionando, y partiendo de influencias del heavy metal y el blues fueron virando hacia el hard rock y el rock progresivo. De hecho estos canadienses han sido fuente de inspiración para bandas como Metallica, The Smashing Pumpkins, Primus, Dream Theater ó Queensrÿche entre otras.

Nos vamos al año 1976, el grupo tiene serios problemas financieros y su sello discográfico Mercury Records tiene la intención de dejarlos abandonados a su suerte, pero el máger Ray Danniels consigue que la discográfica les de cuartel y les concede la grabación de otro álbum, pero les exige que graben material más comercial. Lejos de arrugarse, Geddy Lee (bajo y voz), Alex Lifeson (guitarra) y Neil Peart (batería y percusión) publican el que será su cuarto álbum de estudio titulado 2112 con la ayuda en la producción de su productor habitual Terry Brown. En marzo / abril de 1976 salía publicado el álbum.

Y digo lejos de arrugarse porque porque estos chicos en un momento crucial para el futuro de la banda decidieron hacer lo que realmente querían hacer, seguir evolucionando pasase lo que pasase. Y así nace 2112, una de las obras maestras del rock progresivo. Incluido en el álbum nos encontramos con el primer corte del disco, de título homónimo 2112, el cuál ocupa todo el lado de la cara A del disco pues tiene una duración de más de 20 minutos. La letra del tema está basada en la novela Himno del novelista judío-estadounidense nacido en Rusia Ayn Rand. El tema nos cuenta una historia ambientada en la ciudad de Megadon en el año 2112, donde el individualismo y la creatividad están prohibidos y penados. Una ciudad que está controlada por unos sacerdotes malvados que residen en los Templos de Syrinx. Hay una guerra en la galaxia que provoca que todos los planetas se unan para luchar contra la Federación Solar, que se encuentra simbolizada por la Estrella Roja de la portada del álbum.

El tema como si de una suite se tratase se divide en siete partes, La primera Obertura, es la introducción al año 2122 que comienza con la letra "Y los humildes heredarán la tierra...", referencia a los pasajes del Libro de Salmos 37:11 y San mateo 5:5; la segunda Los Templos de Syrinx, trata de estos mismos y los sacerdotes que los habitan; la tercera Descubrimiento, relata el descubrimiento por parte de un hombre de un artilugio antíguo que en realidad es una guitarra; la cuarta Presentación, relata la presentación de ese artilugio a los sacerdotes y éstos destrozan la guitarra considerando que no es necesario ese camino; la quinta Oráculo, relata como el hombre vuelve a su cueva a dormir y sueña con que el Oráculo ó raza mayor lo lleve de vuelta a su mundo, lejos de los lazos implacables de la Federación controlada por los sacerdotes; la sexta Soliloquio, nos relata como el hombre ya no puede más y no quiere estar bajo el control de la Federación, y para ello su única esperanza es la muerte. Cree que así se librará del control de los sacerdotes; y la séptima y última parte Gran Final, que deja paso al final del tema con un gran final instrumental.

2112 es una obra maestra, tanto el tema como el álbum, y si te gusta el rock progresivo lo debes de escuchar al menos una vez en la vida, si no lo has hecho ya...

Canciones que nos emocionan: Ghost Riders In The Sky (A Cowboy Legend)

Stan Jones

     En 1914 nace en Douglas, Arizona (Estados Unidos) Stanley Davis Jones, más conocido como Stan Jones. Su infancia la pasa criándose en un rancho hasta la muerte de su padre, momento en el que su madre dedcide trasladarse junto con toda su familia a Los Ángeles, California. Es allí donde Stan cursa sus estudios universitarios en la Universidad de Berkeley a la vez que compite en el rodeo por razones meramente económicas.

Sin embargo Stan no llega a finalizar sus estudios universitarios y se alista en 1943 en la Armada de los Estados Unidos. Tras licenciarse de la Armada Stan desempeña diversos trabajos para ganarse la vida, tan dispares como minero, bombero ó guardabosques. Stan en sus ratos libere escribe canciones, y trabajando como asesor técnico de rodaje hace amistad con el director de cine John Ford, lo que le abre las puertas de Hollywood. Stan llegaría a grabar más de 100 composiciones suyas, además escribe numerosas canciones para varias películas del género western. Llegó a interpretar pequeños papeles en el cine del género western y llegó a trabajar componiendo canciones para la trodopoderosa Walt Disney.

Stan llegó a hacerse un nombre dentro del género de la música para western y country. Uno de esos numerosos temas que compuso en sus ratos libres llegará a hascerse mundialmente famosa, siendo versionada hasta la saciedad por infinidad de aritstas de renombre. Ocurre en 1948 mientras trabaja como guardabosques para Servicio de Parques Nacionales en el conocido Valle de la Muerte en California, cuando compone Ghost Riders In The Sky (A Cowboy Legend), otro de esos temas que a mí tanto me emocionan.

El tema aparece publicado por primera vez por el propio Stan en octubre de 1948 bajo el sello discográfico Mercury Records. La temática del tema habla de un vaquero que tiene una extraña visión: un gigantesco rebaño de vacas con los ojos rojos va cruzando el cielo al galope y unos vaqueros fantasmas que están malditos van conduciéndolas. En un momento dado uno de ellos avisa a nuestro protagonista que tenga cuidado porque si no cambia su actitud terminará persiguiendo al ganado del diablo a lo largo y ancho del infinito cielo cuán vaquero maldito como el que le habla.

En cuanto a la melodía del tema este se basa en el tema When Johnny Comes Marching Home, el cual es una canción popular de la Guerra de Secesión de Estadoos Unidos y que expresaba el deseo de la gente de que sus familiares y amigos allegados regresaran de la cruel guerra en la que se encontraban combatiendo. Un tema que a lo largo de la historia ha sido cubierto por artistas de la talla de Johnny Cash, Bing Crosby, Frankie Laine ó Tom Jones. Incluso artistas españoles como Raphael ó los Pekenikes llegaron a hacerse eco del tema y no dejaron pasar la oportunidad de rendierle homenaje con sus propios covers.

An old cowboy went riding out one dark and windy day

Upon a ridge he rested as he went along his way

When all at once a mighty herd of red eyed cows he saw

A-plowing through the ragged sky and up the cloudy draw

Their brands were still on fire and their hooves were made of steel

Their horns were black and shiny and their hot breath he could feel

A bolt of fear went through him as they thundered through the sky

For he saw the riders coming hard and he heard their mournful cry

Yippie yi ooh

Yippie yi yay

Ghost riders in the sky

Their faces gaunt, their eyes were blurred, their shirts all soaked with sweat

He's riding hard to catch that herd, but he ain't caught 'em yet

'Cause they've got to ride forever on that range up in the sky

On horses snorting fire

As they ride on hear their cry

As the riders loped on by him he heard one call his name

If you want to save your soul from hell a-riding on our range

Then cowboy change your ways today or with us you will ride

Trying to catch the devil's herd, across these endless skies

Yippie yi ooh

Yippie yi yay

Ghost riders in the sky

Ghost riders in the sky

Ghost Riders in the sky

Canciones que nos emocionan: Call It Stormy Monday, (But Tuesday Is Just Bad) T-Bone Walker

Call It Stromy Monday

     En esta ocasión vamos a reseñar uno de los estándares de blues más populares y versionados de la historia, compuesto a su vez por un artista que a su vez inspiró e incito a coger una guitarra a gente como B B King. Nos referimos al tema Call It Stormy Monday (But Tuesday Is Just Bad) de T-Bone Walker.

Aaron Thibeaux walker, más conocido como T-Bone walker nace en Linden, Texas (Estados Unidos) en 1910, de ascendencia Cheroqui de pequeño se muda con su familia al sur de Dallas y es allí donde ejerce de lazarillo de Blind Lemon Jefferson, el influyente guitarrista de blues ciego. Es con Blind lemon con quien T-Bone aprende técnicas de cómo tocar la guitarra. Sería en 1929, contando con 19 años cuando T-Bone debuta con su primer sencillo, Wichita Falls Blues / Trinity River Blues. En 1942 publica el tema Mean Old world bajo el sello Capitol, un tema que contiene unos solos y unos riffs de guitarra que empiezan a sentar las bases de la guitarra eléctrica en el blues.

En noviembre de 1947 publica bajo el sello discográfico Black & White el tema Call It Stormy Monday (But Tuesday Is Just Bad), otro de esos temas que a mí tanto me emocionan. Hay informaciones que situan la grabación de este tema en 1940 justo antes de que Estados Unidos ingresara en la II Guerra Mundial, otras la situan en marzo 1942 y no fue lanzada por falta de disponibilidad. y otras la sitúan en 1947 durante la tercera sesión de grabación para el sello discográfico Black & White. Lo que si está claro es la fecha de la publicación, noviembre de 1947. El tema nos decribe a un hombre que se encuentra constantemente atromentado y reza todos los días para que su chica regrese

Call It Stormy Monday es uno de los estándares de la historia del blues, un tema al que culpa B B King de querer coger una guitarra eléctrica tras escucharlo, y uno de los temas más versionados de la historia del blues. En 1961 sería el cantante Bobby Blue Bland el que se encargaría de grabarla y popularizarla aún más. Diez años después serían Allman Brothers Band quienes se encargarían de engrandecerla más con su grabación realizando una versión extendida incluida en su mítico y primer álbum en vivo en 1971, At Filmore East. El mísmo B B King también se encargaría de grabarla, así como artistas tan dispares como Jethro Tull, Count Basie, James Brown, Eric Clapton, Freddie Fender, Buddy Guy, Roberta Flack, The Jackson 5, Albert King, Etta James, Albert Collins, Freddie King, Gary Moore ó Leslie West entre otros. Que artistas tan grandes como los mencionados se hagan eco, versionen y graben este tema nos da una idea de la importancia del mismo y reflejan la importancia de un guitarrista que sentó las bases del futuro de la guitarra eléctrica en el blues.

They call it stormy Moday, but Tuesday's just as bad

They call it stormy Moday, but Tuesday's just as bad

Wednesday's worse, and Thursday's also sad

Yes the eagle flies on Friday, and Saturday I go out to play

Eagle flies on Friday, and Saturday I go out to play

Sunday I go to church, then I kneel down and pray

Lord have mercy, Lord have mercy on me

Lord have mercy, my heart's in misery

Crazy about my baby, yes, send her back to me

Canciones que nos emocionan: Kozmic Blues, Janis Joplin

Janis Joplin

     Janis Joplin graba en 1968 con la Big Brother And The Holding Company el álbum Cheap Trills. Aquella combinación de música psicodélica, acid rock y la imponente voz de Janis Joplin había causado furor y rápidamente lanzó hacia el estrellato a Janis. El disco en tres días alcanzó el disco de oro y el primer mes ya había vendido más de un millón de copias. A la prensa especializada también le encanta esa explosión de sonido, tanto que se empiezan a centrar más en la figura de Janis Joplin. El hecho de que la prensa se centrara más en en la cantante afirmando que estaba muy por encima del resto del grupo sumado al hecho de que Janis quería hacer una música de un estilo más blues y soul acaba generando una tensión en el seno del grupo. Una tensión que acaba propiciando que Janis abandone la Big Brother And The Holding Company.

Después de marcharse, Janis Joplin junto con su mánager Albert Grossman deciden lanzarse a la búsqueda de los mejores músicos del país para formar una nueva banda. Así es como nace a principios de 1969 la Kozmic Blues Band, una formación que irá sufriendo cambios constantes en la formación a lo largo del año aproximado que dura.

Con la Kozmic Blues Band Janis Joplin publica su tercer disco de estudio, I Got Dem OI Kozmic Blues Again Mama!. El disco es lanzado al mercado el 11 de septiembre de 1969 bajo el sello discográfico Columbia Records y a los dos meses ya había alcanzado la certificación de disco de oro. Sin embargo ese cambio de estilo de Janis, dejando de un lado el Acid-Rock para centrarse en sonidos más blues, rock y soul no gusta a gran parte de la crítica y de sus seguidores, quienes piensan que ha traicionado su propio estilo y sonido y que tan brillantemente ha reflejado en Cheap Trills. Con el tiempo se acabará demostrando cuán injustas fueron todas aquellas críticas a su trabajo. Unas críticas que agudizaron más la presión sobre una Janis que acaba enganchándose a la heroina y al consumo desmedido de alcohol.

Sin embargo I Got Dem OI Kozmic Blues Again Mama! fue el resultado de la constante inquietud, incoformismo y ganas de Janis Joplin por evolucionar, abranzo sonidos como el rock, el blues ó el llamado southern soul de de Memphis. Un álbum con una producción muy buena donde cobran mucha importancia los instrumentos de viento y los temas interpretados con mucho ritmo.

Incluido en I Got Dem OI Kozmic Blues Again Mama! se encuentra otro de esos temas que amí tanto me emocionan y que además da nombre a la banda, Kozmic Blues, un tema de los pocos que escribió durante su carrera Janis, compartiendo composición con el productor Gabriel Mekler. Kozmic Blues es un tema donde Janis nos habla que no importa la esperanza que tengas y lo positivo que seas ante las adversidades pues al final éstas te acabarán derribando. Curiosamente Janis comentaba que no solía escribir canciones porque para hacerlo necesitaba estar en una estado profundamente traumático y emocinalmente depresivo para hacerlo, y Kozmic Blues es un tema que describía como se sentía Janis en aquel momento, un canto al desamor y la desesperanza...

Time keeps moving on,

Friends they turn away, Lordy Lord.

Well, I keep moving on

But I never found out why

I keep pushing so hard a dream,

I keep trying to make it right

Through another lonely day.

Whoa don't discover it lasts

Honey, time keeps a-moving on, hey yeah, yeah yeah.

Well, I'm twenty-five years older now

So I know it can't be right

And I'm no better baby and I can't help you no more

Than I did when I was just a girl. Yeah!

But it don't make no difference baby, no, no,

Cause I know that I could always try.

There's a fire inside of everyone of us, huh-uh,

I'm gonna need it now,

I'm gonna hold it yeah,

I'm gonna use it till the day I die.

Don't, honey, don't you expect any answers, dear,

Ah, I know they don't come with ease, no, no, no, no.

Hey, I ain't never gonna love you any better baby

Cause I'm never gonna love you right

So you better take it now, I said right yes now, yeah.

But it don't make no difference baby, no, no,

Cause I know that I could always try.

There's a fire inside of everyone of us, huh-uh,

I'm gonna need it now,

I'm gonna use it yeah,

I'm gonna hold it till the day I die.

Don't make no difference babe, no, no, no,

Honey, I hate to be the one.

I said you're gonna live your life

And you're gonna love, love, love your life.

I'm gonna need it now,

I'm gonna hold it yeah,

I'm gonna use it, say, whoa

Don't make no difference, baby, no, no, no,

Honey, I hate, I hate to be the one.

I said every time you're gonna want to love somebody,

Every time you're gonna want to need somebody,

You're gonna want to turn around, I'm gonna be there.

No no no no no, no no no no no, no no no no.

When you're gonna put out your hand,

All your want is some kind of lovin' man,

He ain't gonna be there, I said, not here.

No no no no, no no no no, no no no no,

No no no, no no no, no no no no,

No no no no, whoa, whoa, whoa, whoa, whoa, whoa

Whoa, wah wah, whoa,

Whoa, whoa, whoa, whoa, whoa, whoa

Honey when I want to reach out my hand

I said darling all I ever wanted

Was for you to understand me now, whoa

Ah baby, I want to sing about me Lord, honey, every day yeah