0131: Blue Velvet - Bobby Vinton

 

Escrita y compuesta por Bernie Wayne y Lee Morris en 1950, "Blue Velvet” fue uno de los primeros éxitos de Tony Bennett que la interpreto en 1951. Desde entonces, la canción ha sido pieza de muchos intérpretes, despues de la versión de Tony Bennet, Blue Velvet fue grabada por los Clovers para su álbum del mismo nombre y publicada en 1955 a través de Atlantic Records pero nosotros nos vamos a detener en la versión de 1963 que hizo Bobby Vinton y que alcanzó el no. 1.

El nacimiento de la canción se produjo cuando en la visita a unos amigos en Richmond, Virginia, el compositor Bernie Wayne se hospedó en el Jefferson Hotel, y fue la visión de una mujer en una fiesta celebrada en el Jefferson lo que inspiró a Wayne a escribir la letra de "Blue Velvet".  Y llegamos a la interpretación más exitosa la publicada por Bobby Vinton en 1963, llegando al numero 1 en el  Billboard  Hot 100 donde se mantuvo durante las siguientes dos semanas. Stanley Robert "Bobby" Vinton, Jr. es un cantante y compositor estadounidense. En los círculos de la música pop, se hizo conocido como "El príncipe polaco de Poch", ya que su música rinde homenaje a su herencia polaca. Conocido por su voz angelical en las canciones de amor, la cancion "Blue Velvet", la interpret por casualidad, todo vino porque decidió grabar un álbum de canciones "Blue" ("Blue Moon", "Blue Hawaii", "Am I Blue", etc.). Mientras estaba comprando partituras en Nashville, Vinton recibió un regalo del editor Al Gallico. La canción encajaba muy bien con el proyecto de Vinton,

La canción apareció en la banda sonora de Blue Velvet, película dirigida por David Lynch, que si bien constaba de una banda sonora instrumental realizada por Angelo Badalamenti que crea un ambiente totalmente oscuro, aunque también aparecen canciones de los años 60 entre las que se incluyen este Blue Velvet o In dreams de Roy Orbison. Cuando rodaba en 1986 'Blue velvet', a Lynch se le puso en las narices que quería la canción de Vinton en la banda sonora. "Demasiado caro", le dijo Dino de Laurentiis. Bueno, pues para eso tenía Lynch a Angelo Badalamenti, que se marcó una cuasicopia instrumental. Luego se invitó a Bobby al estudio para regrabar las voces, y adiós a los leoninos derechos de autor. Problema: resultó que Vinton, ya cincuentón, era incapaz de llegar a los agudos, así que Baladamenti tuvo que bajar todo un par de tonos. Se repitieron y repitieron tomas, pero entonces Lynch empezó a torcer el morro: aquel no era el terciopelo azul que él quería (y lo quería para envolver la noche). De Laurentiis no dudó. Se imaginó una nueva catarata de neuras del director y cortó por lo sano: aflojó la pasta por la versión original y a correr.

Así fue como quedaron indisolublemente unidos uno de los cantantes más inocentes de los 60 y uno de los cineastas más culpables de la Historia: culpable de trastornarnos a todos con sus insoportables sueños, culpable de crear un increíble y penetrante universo onírico, culpable de inventarse un cine abstracto -por algo empezó pintando- que lo mismo atrae que cabrea.

0127: Blowin' in the wind - Bob Dylan

¿Cuántos caminos debe recorrer un hombre antes de que lo llames hombre? Ese primer verso de Blowin' in the wind es la gran pregunta con la que conseguir la respuesta definitiva en "La guía del autoestopista galáctico", la película de 2005 basada en la novela de Douglas Adams del mismo nombre, publicada en 1979. Todos somos, de alguna manera, autoestopistas en la vida, y tenemos que afrontar muchas experiencias hasta llegar al estado de madurez que nos defina como "hombres" y "mujeres".

Le pasó también a Bob Dylan y su evolución como músico. Hasta Blowin' in the Wind era un cantautor folk entre otros muchos, pero a partir de la publicación de este tema acústico e intimista, dentro de su segundo álbum, The Freewheelin' Bob Dylan (1963), le convirtió en una especie de profeta, un icono de la canción protesta y uno de los máximos abanderados de la lucha por los derechos civiles en los años sesenta.

Blowin' in the wind sigue una estructura de versos basados en preguntas retóricas sobre la paz y la guerra, y la libertad y su ausencia, que en el estribillo reciben una respuesta misteriosa y ambigua: "La respuesta, amigo mío, está soplando en el viento", que podría interpretarse como que la respuesta es tan intangible como la brisa, o tal vez tan simple y cercana como el viento que agita los cabellos de un autoestopista, empeñado en encontrar respuestas a los enigmas de la vida, mientras sigue su camino hacia alguna parte.

0120: Twist and shout - The Beatles

 

Twist and shout además de una de las canciones mas conocidas de la primera etapa de The Beatles fue el título del primer EP del grupo de Liverpool que incluían las canciones “Twist and Shout” y “A Taste of Honey” por la cara A y “Do you Want to know a secret?” y “There’s a Place” por la cara B. 

Estamos ante una de las grandes joyas del repertorio de los cuatro de Liverpool y, de hecho, solía ser el tema con el que abrían sus intervenciones cuando todavía tocaban en los salones de baile de su ciudad y en el emblemático Cavern Club. Entró en el repertorio en vivo de The Beatles en 1962, existe una versión grabada en vivo del Star-Club de Hamburgo en diciembre de ese año aunque nunca se ha editado. La primera versión conocida, sin embargo, fue grabada para el programa de radio Talent Spot de la BBC el 27 de noviembre de 1962 en el Paris Studio de la corporación en Londres. La canción había sido originalmente compuesta por Bert Berns, un pionero del rock and roll y de la música soul en los años sesenta y luego popularizada por los Isley Brothers en 1962.

Este tema siempre ha estado mal vista entre los miembros del grupo, creando polémicas que el tiempo y el éxito borraron, la más trascendente la protagonizaba Lennon ya que decía que se sentía incómodo por tocar ese tema cuando había un artista negro en el mismo evento que ellos. Al respecto, llegó a declarar públicamente en 1963: "No parece correcto. Me siento un poco avergonzado... Siempre siento que ellos podrían hacer la canción mucho mejor que nosotros". Y es que Twist and Shout nos pudo costar la existencia del grupo más grande de la historia, ya que cuando Lennon y sus compañeros finalmente grabaron la canción en 1963 como parte del disco Please Please Me, la interpretación vocal de John prácticamente desgarró sus cuerdas vocales, la historia es que estaban al final de la sesión de grabación y el cansancio hacia mella en músicos y cantante, nadie puede recordar quién lo hizo pero alguien sugirió cerrar la sesión con "Twist And Shout" (posiblemente George Martin), pero a pesar de que la voz de John se había ido especialmente en ese momento, accedió a regañadientes a cantarla. Lennon chupo un par de Zubes (dulces para la garganta), hizo gárgaras con un poco de leche, se quitó la camisa (por alguna razón) y regresó con la banda para grabar la última canción del día.  Debido al mal estado de la garganta de Lennon, todos sabían que tenían que hacerlo bien la primera vez, incluso en la cabina de control… y salió, no obstante, empezaron a grabar una segunda toma pero la voz de Lennon se quebró sin haberla terminado, con lo que esa primera toma seria la que incluirían en el álbum, The Beatles tocaron aquella noche en vivo exactamente lo que escuchas en el disco hasta el día de hoy, no se necesitaron sobregrabaciones. Esa actuación legendaria de aquella noche aproximadamente a las 10:15 pm tuvo un efecto tremendo en todos los presentes. Richard Langham, uno de los ingenieros presentes ese día histórico, calificó esta toma como "una demostración asombrosa". El propio George Martin exclamó asombrosamente en ese momento: “No sé cómo lo hacen. Hemos estado grabando todo el día, pero cuanto más avanzamos, mejor se vuelven”, para McCartney es una de las actuaciones vocales más memorables de la historia del grupo.

 

La versión fue publicada como sencillo en los Estados Unidos el 2 de marzo de 1964, con «There’s a Place» en la cara B, por el subsello discográfico Tollie, de Vee-Jay Records. En las listas de éxitos alcanzó el segundo puesto el 4 de abril de 1964, la semana en que los primeros cinco puestos del Top-Ten fueron ocupados por canciones de The Beatles.

0119: I saw her standing there - The Beatles

 

 

"Ella me miró, y yo pude ver que, en poco tiempo, me enamoraría de ella. Y ella no bailaría ya con otro, desde que la vi parada allí" cantaba Paul McCartney en el primer tema de "Please Please Me", el disco de debut de The Beatles en 1963. La canción, compuesta principalmente por McCartney, pero acreditada como todas al dúo Lennon-McCartney, es una celebración de los típicos guateques sesenteros, en los que las chicas esperaban en un rincón a que alguno de los chicos se atrevieran a sacarles a bailar.

Pese a ser una de las mejores canciones del disco, y la elegida para encabezar el listado de canciones del mismo, quedó relegada a la cara B del sencillo de "I want to hold your hand", uno de los temas de los Beatles que alcanzaron el número 1 en Estados Unidos, lo cuál no impidió que I saw her standing there estuviera durante más de tres meses en el Billboard Hot 100 en 1964, llegando a alcanzar el puesto 14. La revista Rolling Stone la situó en el puesto 139 en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, publicada en 2004. La canción se titulaba originariamente "Seventeen", en referencia a la edad de la chica, mencionada en el primer verso del tema. McCartney se inspiró en la canción tradicional "As I Roved Out", una versión a su vez del tema "Seventeen Come Sunday", y en la línea de bajo del "Talkin' About You" de Chuck Berry.

Tras darle varias vueltas a la letra y los acordes, terminó de completarla en la casa de los McCartney en Forthlin Road, con la ayuda de John Lennon, siguiendo el "modus operandi" con el que el dúo solía componer, en el que uno de ellos llevaba una canción casi acabada, y el otro sugería cambios y aportaba propuestas añadidas. Con I saw her standing there y la voz de McCartney contando "1,2,3,4" para que sus compañeros entraran al unísono, comenzaba la carrera discográfica de The Beatles, y desde ese momento en que les vimos parados allí, ya no quisimos bailar con ninguna otra banda.

0118: Love Me Do - The Beatles

 

Love Me Do, The Beatles

     Nos encontramos a finales de 1962, el año en el que aparece publicada la primera grabación en forma de sencillo de Los Beatles. Paul MacCartney y John Lennon compusieron Love Me Do cuando tenían 16 y 17 años respectivamente, en uno de eso días en los que se solían saltar las clases para componer canciones. Paul McCartney escribió la letra de la canción inspirándose en la que era su novia en aquel momento, Iris Caldwell, Joh Lennon contribuyó en la composición del puente musical.

Love Me Do fue un tema que Los Beatles grabaron hasta en tres ocasiones, la pimera fue grabada el 6 de junio de 1962 con Pete Best a la batería, como parte de la audición que hicieron para los EMI Studios de Londres. La segunda vez que grabaron el tema fue el 4 de septiembre de 1962, ya que al productor del grupo, George Martin no le habia convencido la interpretación a la batería de Best en la anterior grabación, por lo que en esta segunda ocasión fue Ringo Starr el que se ocupo de la batería. 

La tercera grabción que existe de Love Me Do, fue realizada el 11 de septiembre en los EMI Studios. En dicha sesión ya habían grabado también P.S. I Love You y el grupo estaba entusiasmado con el resultado, por lo que llegaron a valorar la posibilidad de utilizarlo como cara A. Dicho entusiasmo no fue el mismo que mostró George Martin, consideró que estaba bastante bien pero sugirió que intentaran otra vez la grabación de Love Me Do, pero esta vez con el baterista de sesión Andy White, que ya se había ocupado de la percusión tambien en P.S. I Love, quedando Ringo Starr relegado en ese tema al uso de unas maracas. En Love Me Do White volvería a hacerse cargo de la percusión y a Ringo en esta ocasión le pidieron que se uniera a la grabción del tema usando una pandereta.

La grabación de Love Me Do con Ringo Starr a la batería se convirtió en el primer sencillo de la banda, publicado por la discográfica Parlophone el 5 de octubre de 1962, siendo acompañado en la cara B por P.S. I Love You. La versión grabada con Andy White aparecería publicada en el prime álbum de estudio de la banda, Please Please Me, publicado el 22 de marzo de 1963. La primera versión del tema con Pete Best a la batería permaneció inédita hasta el año 1995, cuando es incluido en la recopilación del grupo llamada Anthology I. 

0117: Surfin' USA - The Beach Boys

Hablar de Surfin' USA, escrita por Brian Wilson para sus Beach Boys, es hablar también de "Sweet Little Sixteen", el mítico tema de Chuck Berry del que ya hemos hablado a lo largo de estas páginas, y de la polémica surgida entre ambos "genios" (entre comillas por el doble sentido que esta palabra adquiere, cuando la utilizamos para referirnos a estos dos irascibles y a la vez geniales músicos) por estar la primera inspirada en la melodía de la segunda.

Brian Wilson reconoció haber compuesto el tema influenciado por Chubby Checker (Twistin' USA) y el propio Chuck Berry (Sweet Little Sixteen), pero no consideró que esa influencia fuera tan relevante como para incluir a Berry en los créditos de la canción. Berry la reclamó como suya, y se le acabó reconociendo como autor tanto de la melodía como de la letra, a pesar de que ésta última era obra de Wilson, inspirado en el mundo del surf (en la canción se mencionan hasta 16 enclaves surferos, la mayoría en California, pero también en las no menos surferas Hawai y Australia).

Pese a ser obra de Wilson (o de Berry, si hacemos caso a sus reivindicaciones de derechos), la canción está interpretada por Mike Love, el otro vocalista de la banda, que también acabó reclamando su parte en la autoría de la misma. Sea de quién fuere, se convirtió al momento en uno de sus temas de mayor éxito, y uno de los clásicos más reconocibles de "Los chicos de la playa". Además de su publicación como sencillo, Surfin' USA dio nombre a su álbum de 1963, en el que los cinco músicos asumieron la totalidad de los instrumentos del disco, prescindiendo de la ayuda de músicos de sesión. Ellos sólos se bastaban y sobraban para surfear aquellas olas solos, al ritmo de temas como "Shut Down", "Lonely Sea" o, especialmente, Surfin' USA.

0108: Green Onions - Booker T. And The MG's

 

Green Onions, Booker T. & The MG's

     Nos encontramos a mediados de 1962, y Booker T & The MG's, la banda de respaldo de los estudios Stax, se encuentran respaldando a Billy Lee Riley, por entonces una de las estrellas de Sun Records. En aquel momento los músicos de respaldo eran el joven tecladista de 17 años Booker T Jones, el guitarrista de 20 años Steve Cropper, el bajista Lewis Steinberg y el baterista Al Jackson Jr.

Durante uno de esos ratos de inactividad y mientras se encontraban esperando a Billy Lee, comenzaron a improvisar sobre unos acordes de blues que Booker tocaba con un órgano Hammond M3. Jim Stewart, uno de los propietarios junto a su hermana de los estudios, que además era el productor e ingeniero de aquellas sesiones de Billy Lee, se encontraba en la cabina de control en aquel momento y comenzó a grabar aquella improvisación, pues le estaba gustando. El tema es una melodía instrumental, un blues de 12 compases simple pero inusual, de hecho Booker T. Jones comentaba al respecto que a pesar de ser un tema aparentemente sencillo, siempre que lo tocaba debía prestar mucha atención, pues tenía que recordar constantemente el orden de las teclas ya que no era tan simple como parecía.

Jim Stewart decide lanzar aquella pieza, Green Onions, como Cara B del single Behave Yourself, cuyo tema surge en aquella misma sesión al recordar el guitarrista Cropper un riff que Booker T. había ideado unas semanas antes. Así es como ve la luz Green Onions por primera vez, como cara B de otro sencillo en mayo de 1962, pero el tema resulta ser un auténtico pelotazo y obtiene un gran éxito, por lo que es reeditado como sencillo ocupando la cara A en septiembre de 1962.

Según Booker T., el tema iba a ser llamado en un principio Funky Onions, pero Estelle Axton, la hermana de Jim Stewart y copropietaria de los estudios, pensaba que el título sonaba como una palabrota, por lo que el título acabó modificándose y llamándose Green Onions. Según Steve Cropper, el título del tema no hacía referencia a la marihuana en absoluto, y fue sacado del gato llamado Green Onions, un gato de una conocida marca de productos para gatos llamada Green Gadget. Por otro lado, y según Booker T., Jim Stewart le preguntó como se llamaba el tema, y el respondió Green Onions, al preguntarle Jim por qué ese título, Booker respondió que era los más desagradable que se le había ocurrido en aquel momento, ya que aludía a algo que desechabas y tirabas. Al principio, al escuchar la grabación del tema por primera vez, Booker T., Cropper y compañía no quedaron tan impresionados como Jim Stewart, pero en esta ocasión Jim no se equivocaba y el tema se ha convertido a día de hoy en un clásico imprescindible.

0098: Back Door Man - Howlin' Wolf

 

Howin' Wolf álbum

     En 1962 el sello discográfico Chess Records recopila varias canciones grabadas  por Howlin' Wolf y que ya habían sido publicadas por el propio sello como sencillos, y las publica todas juntas conformando el álbum titulado Howlin' Wolf. El disco contiene 12 temas de los cuales 10 habían sido compuestos por Willie Dixon, quedando de manifiesto la importancia que este tenía dentro de Chess Records, pues se había convertido en uno de sus grandes valuartes, tanto en la composición de temas, como en la interpretación. 

Incluido en el disco se encuentra Back Door Man, el cual fue grabado en junio de 1960 en los estudios del sello Chess en Chicago, y publicado por primera vez como sencillo en 1961. Howlin' fue respaldado en las sesiones de grabación del tema por Otis Spann (piano), Hubert Sumlin (guitarra), Freddy Robinson (guitarra), Fred Below (batería) y Willie Dixon (contrabajo), quien además de compositor del sello, también realizaba por aquel entonces las funciones de músico de sesión. 

En cuanto a la temática de este blues, Willie Dixon lo compuso en referencia a la frase Back door man (hombre de la puerta trasera), que en la cultura sureña hacía referencia a cuando un hombre tenía una aventura con una mujer casada, siempre usaba la puerta trasera para escapar antes de que el marido regresara a casa. De hecho la temática del hombre de la puerta trasera fue bastante recurrente en muchas otras canciones de blues de la época.

Se ponía de manifiesto la importancia que tuvieron para el blues de Chicago tanto Howlin' Wolf como Willie Dixon, quienes son considerados dos de los grandes precursores del género, y que colaboraron en numerosos temas, Dixon a la composición, y Wolf a la intepretación, y que queda ya para los anales de la historia del blues.

0096: Can't Help Falling In Love - Elvis Presley

Estamos antes una de las canciones más atemporales y duraderas de todos los tiempos que haya lanzado el rey del rock and roll, la escalofriante balada de amor, "Can't Help Falling in Love". En la primavera de 1961 Elvis Presley triunfaba en todos los cines con Blue Hawai, una comedia musical que se convertiría en el éxito cinematográfico más recordado del Rey del Rock. En la película, Elvis interpreta al hijo de una familia que tiene una plantación de piñas en este archipiélago del Pacífico que reniega del negocio familiar para hacer de guía turístico. 

 

Can’t Help Falling in Love es el tema más famoso de Blue Hawai, pero la historia de esta canción se remonta un par de siglos atrás, ya que está basada en una obra musical de 1784 titulada La Romance du Chevrie. Este es un tema de Jean Paul Égide Martini, un compositor francés de origen alemán conocido por ser el autor de la música de la boda de Napoleón Bonaparte y Josefina de Beauharnais. Martini creó La romance du Chevrie a partir de un poema de Jean-Pierre Claris de Florian recogido en la novela Nouvelle Célestine y el tema, convertido en un clásico de la época, ha llegado a nuestros días como Plaisir d’Amour. El hacer la versión de una especie de rock and roll de esta canción no fue fácil, el tempo original era demasiado lento, lo que requería que Presley hiciera una pausa entre cada palabra de la letra. Se sintió cada vez más frustrado a medida que aumentaba el número de grabaciones en falso o abandonadas por lo que decidieron aumentar el tempo lo que finalmente permitió a Elvis establecer una pista vocal suave que lo dejo satisfecho.

 

En  Blue Hawaii , Elvis no cantó esta canción de amor a su novia, sino a su abuela en su fiesta de cumpleaños. Cuando abrió la caja de música que le había dado, Elvis cantó “Can't Help Falling in Love” mientras sonaba la música. Desde el lanzamiento de la canción, Presley cantó "Can't Help Falling in Love" en vivo cientos de veces. Lo interpretó en directo durante la grabación de su especial de 1968 "Comeback" en la televisión NBC. Y con el comienzo de su compromiso de 1969 en Las Vegas en el International Hotel. Cabe señalar que "Can't Help Falling in Love" fue la última canción que Elvis cantó en público antes de su muerte en 1977. Fue el cierre de su último concierto en Market Square Arena en Indianápolis el 26 de junio de 1977. Pasa el tiempo y "Can't Help Falling in Love" sigue siendo la canción más versionada de Elvis. Entre las docenas de otros artistas que lo grabaron se encuentran Keely Smith, Andy Williams, Al Martino, Bob Dylan, The Stylistics, Shirley Bassey y U2. Además de Blue Hawaii , la canción ha aparecido en muchas otras películas, como  Coyote Ugly  (2000) y Lilo & Stich de Disney   (2002).

0091 Hit The Road Jack - Ray Charles

 

Hit The Road Jack, Ray Charles

     LLegamos a uno de los mayores cláscos de todos los tiempos de Ray Charles, un tema que combina magistralmente rock, soul, pop, jazz y gospel. Nos estamos refririendo a Hit The Road Jack. 

Hit The Road Jack es grabado por primera vez como una demo a capella por Art Rupe, pero será la grabción de Ray Charles, publicada en junio de 1961 por el sello discográfico ABC-Paramount, la que haga despegar el tema y convertirlo además en uno de los más emblemáticos del artista. Para la grabación del tema, Ray cuenta con la colaboración de Margie Hendrix, quien fuera vocalista de su grupo de apoyo, The Raelettes, y con quien Ray tuvo una relación durante un tiempo.

El tema grabado por Ray alcanzó el puesto número 1 en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos durante dos semanas, ganando también un premio Grammy a la mejor grabación de Rhythm and Blues. El tema fue compuesto por Percy Mayfield, amigo de Ray, quien tuvo mucho exito como interprete de R&B en la década de los 50, y que había perdido cierto protagonismo a principios de la década de los 60, en parte debido a un accidente automovilístico que le dejó gravemente desfigurado, hecho que hizo que redujera sus giras y se centrara en destacar como un prolífico compositor. La letra del tema es una despedida en toda regla donde Ray relata con resignación que tendrá que hacer las maletas e irse, mientras que la mujer le dice que no vuelva más. Muchos son los artisas que han versionado este tema, entre los que se encuentran John Cougar Mellencamp, The Residents, Jerry Lee Lewis o Suzi Quatro entre otros, pero ninguno ha sido capaz de acercarse a la memorable grabación de Ray Charles.

0090: Stand by me - Ben E. King

 

En Stand by me (Quédate junto a mí) podemos, en primer lugar, deleitarnos con la escucha de la que seguramente sea la línea inicial de bajo más adictiva y reconocible de los años sesenta, y quién sabe si de la historia de la música. La canción tiene, además, su propia historia, marcada por los avatares del destino, que hizo que pese a estar planificada parar ser parte del repertorio de The Drifters, tras el rechazo por parte del manager del grupo, acabara siendo interpretada por Ben E. King, que había compuesto el tema junto a la pareja Leiber-Stoller (los compositores habituales de las canciones de Elvis Presley, entre otros).

En segundo lugar, Stand by Me es una de las composiciones que mejor han reflejado el sentimiento de la amistad, y la lealtad que conlleva, en los versos de una canción. El mítico e intenso Darling, Darling! del estribillo nos hace cantar a voz en grito, y con los ojos cerrados, en cada escucha de la canción, pero también nos lleva al error de pensar que es una canción de amor. Puede serlo, en honor a la verdad, pero sobre todo es un canto a la amistad y el compañerismo, un You'll never walk alone en modo soul.

Son innumerables las versiones que, de esta mítica canción, han hecho otros cantantes y grupos. Las revisiones de Otis Redding (1964) y John Lennon (1974) quizá sean las más brillantes, pero no podemos dejar sin mencionar otras tan variopintas como la de los argentinos Sumo (1983), la de Seal (2008) o, más recientemente, la versión para la banda sonora de Final Fantasy XV de Florence and the Machine (2016) y la de los estadounidenses Weezer en 2019. Todos pedían lo mismo, porque en el fondo es lo que todos buscamos, que la gente a quien queremos este siempre a nuestro lado, y que no nos sintamos nunca solos. Para la soledad hay muchas otras canciones, pero para evitarla yo me quedo con Stand by me. Así que: ¡Darling, Darling... Quédate junto a mí!

0087: At Last! - Etta James

 

At Last! ("Al final"), la canción que daba nombre al primer disco de estudio de Etta James, fue escrita inicialmente por los compositores Mack Gordon y Harry Warren para Sun Valley Serenade, una película musical de 1941. Antes de que Etta James grabara la versión "definitiva" de este tema, Glenn Miller y su Orquesta ya la habían grabado en varias versiones, llegando con una de ellas incluso al número dos del Billboard.

La versión de Etta James fue grabada, junto al resto de canciones del disco, entre enero y octubre de 1960. El disco fue publicado en noviembre de 1960 por Argo Records, una filial de Chess Records, y contó con otros singles de mérito como "I just wanna make love to you" o "Something's Got a Hold on Me", completando lo que fue un prometedor trabajo de debut.

At Last! tuvo unas modestas posiciones en las listas de ventas, pero acabaría convirtiéndose, con los años, en el tema más emblemático y recordado de su carrera, y en todo un clásico del R&B, llegando en 1999 a ser incluida en el Grammy Hall of Fame, y elevando "al final" a Etta James a la categoría de "diva del soul", reservada únicamente a grandes féminas de la canción como Aretha Franklin o Dionne Warwick, entre otras.

0085: Are you lonesome Tonight? - Elvis Presley

A pesar de que la canción es de 1926 estamos ante un tema que íntimamente asociada con Elvis Presley a pesar de que numerosos cantantes lo grabaron antes que él. Are You Lonesome Tonight? Fue escrita por Lou Handman y Roy Turk, en 1927, ambos estaban fallecidos cuando Elvis hizo su versión. Es difícil precisar qué inspiró a Elvis a grabar una de las canciones más tristes jamás escritas, donde nos encontramos a Elvis preguntándole a su ex si está sola y triste, pensando en los buenos momentos que tuvieron y esperando su regreso. Algunas fuentes citan que fue el coronel Parker quien le sugirió que hiciera una versión, aunque otras versiones hablan que Elvis se encapricho con ella tras escucharla cantarla a Jaye P. Morgan, que alcanzaria el puesto 65 en las listas en 1959. En ese momento, Elvis estaba en el ejército y buscaba canciones que grabar a su regreso. Elvis era un rockero transgresor, pero en esta época grababa canciones antiguas. Su sencillo anterior, también un gran éxito, fue " It's Now Or Never ", que utilizó la melodía de la vieja canción italiana O Sole Mio " asi que Elvis la grabó en Nashville en las primeras horas de la mañana del 4 de abril de 1960. Los músicos que trabajaron en la sesión fueron los guitarristas Scotty Moore y Hank Garland, el bajista Bob Moore, los bateristas DJ Fontana y Buddy Harman y el pianista Floyd Cramer. Los Jordanaire proporcionaron su habitual acompañamiento vocal.

Cuando se lanzó a principios de noviembre de 1960, tanto Variety como Billboard predijeron el estado de éxito que iba a tener, considerando los dos sencillos anteriores de Presley ese año, Stuck on You y It's Now or Never lo había disparado a lo más alto de las listas. La reseña de Billboard decía: "Elvis Presley ofrece una actuación cálida y conmovedora, que también presenta una parte recitada en vez de cantada". Porque precisamente esa fue la huella personal que Elvis trajo a la canción. La parte hablada no formaba parte de la letra original publicada, por lo que creció la especulación sobre quién había escrito esas palabras. Se ha sugerido que se basó en el discurso de Shakespeare, puede que sea así, pero ¿quién escribió las líneas adaptadas para la canción? En un breve artículo de su edición del 12 de diciembre de 1960, Billboard afirmó haber encontrado la respuesta. “Después de mucho trabajo por parte de The Billboard”, explicó la revista, “desvelamos esta semana que el autor de la parte recitada en la canción fue escrita por el veterano músico y escritor Dave Dreyer

Elvis no fue el único en sacar provecho de su exitosa grabación. Al menos cinco cantantes se subieron al carro de Presley grabando sus versiones. Mientras tanto, el coronel Parker estaba extasiado por todo el furor creado por el último mega éxito de Elvis. En los premios Grammy de 1960, fue nominada a "Mejor interpretación de un artista pop individual" y "Mejor interpretación vocal" de un artista masculino. Perdió en ambas categorías ante Ray Charles y su grabación de Georgia on My Mind. 

0082: Georgia on my mind - Ray Charles

 

Pocas canciones pueden presumir de haberse convertido en el himno de un estado. El de Georgia (Estados Unidos), en este caso. El honor correspondería al compositor Hoagy Carmichael y la letra de Stuart Gorrell, que en 1930 crearon Georgia on my mind, pero mucho tuvo que ver en ello la popular versión realizada por Ray Charles en su disco The Genius Hits the Road (1960), ya que no sería hasta 1979 cuando el estado de Georgia la declararía su himno oficial.

Es muy larga la lista de artistas se han rendido, en algún momento de sus carreras, a los encantos de la canción sobre el estado de Georgia. The Band, Willie Nelson, James Brown o Coldplay, entre muchos otros, grabaron o interpretaron en vivo sus propias versiones, pero ninguna de ellas puede compararse al sentimiento que transmite la de Ray Charles. Quizá porque él era precisamente de Georgia, y eso pudo darle el plus de emoción que le llevó a impulsarla por encima del resto, y hasta lo más alto del Hot 100 de la revista Billboard, y a ser incluida en la posición 44 en la lista de las mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone en 2003.  No está nada mal para ser "sólo una vieja y dulce canción, que mantiene a Georgia en mi mente..."

0077: Hoochie Coochie Man - Muddy Waters

 

At Newport 1960, Muddy Waters

     El 15 de noviembre de 1960, el sello discográfico Chess Records publica el primer álbum en directo del bluesman Muddy Waters. El disco no es ni más ni menos que la grabación de la actuación de Muddy Waters con su banda en el Festival de Jazz de Newport, en Rhode Island (Estados Unidos), celebrado el 3 de julio de 1960. 

La banda que acompaña a Muddy en aquella época está compuesta por Otis Spann (piano, voz), Pat Hare (guitarra), James Cotton (armónica), Andrew Stephens (bajo) y Francis Clay (batería). Incluido en el repertorio del álbum se encuentra el tema Hoochie Coochie Man, Origianalmente titulado I'm Your Hoochie Coochie Man. Aunque en esta edición y en algunas posteriores el tema aparece acreditado a Muddy Waters (McKinley Morganfield), el tema fue compuesto por Willie Dixon. 

El tema de Dixon fue grabado y publicado por primera vez por Muddy Waters en 1954, y además de convertirse en uno de los temas más populares de Muddy Waters, ayudó a consolidar el papel de Willie Dixon como compositor principal del sello Chess Records. Hoochi Coochie Man es un clásico del blues de Chicago, y la letra, además de tener algunas referencias sexuales, también trata de la mística. El término Hoochie Coochie es un eufemismo para referirse a la vagina, y también se llamaba así a un baile provocativo aparecido a finales del siglo XIX. En su autobiografía I Am The Blues, Dixon decía que Hoochie Coochie Man era un ejemplo de las conexiones que existían entre los videntes y clarividentes con el folclore del sur de estados Unidos. Dixon, en una entrevista en 1988 también declaró sobre este tema que "...La gente cree en cosas místicas, en la astrología, etc. Eso ha estado sucediendo durante generaciones desde los días bíblicos. Gente de todo el mundo ha estado creyendo en esto incluso antes de que Jesús naciera. Los sabios vieron las estrellas del Este y fueron capaces de predecir cosas. Todo esto se basa en cosas místicas, igual que los hombres Hoochie Coochie ó también llamados hombre vudú, que están adivinando el futuro..." 

0071: (What a) Wonderful World - Sam Cooke

 

Wonderful World, Sam Cooke

     En 1960 se publica el temazo Wonderfoul World, de la mano de uno de los padres del soul, Sam Cooke, tema que nada tiene que ver y no debemos confundir con el temazo de Louis Armstrong.

El tema es escrito por el famoso mánager, compositor y productor discográfico Lou Adler y el cantante y trompetista Herb Alpert, y los arreglos musicales corren a cargo del compositor, pianista, arreglista, director de orquesta y productor Belford Hendricks. La canción en un principio trata de como ni la educación ni el conocimiento pueden dictar los sentimientos, y de como el amor puede vencerlo todo y hacer del mundo un lugar maravilloso. Sin embargo Sam Cooke que quiere orientar la canción hacia el tema de la escolarización, decide revisarla y retocar la letra. 

El tema aparece acreditado al trío Adler, Alpert y Cooke bajo el pseudónimo Barbara Campbell (así se llamaba su segunda esposa de Cooke), y es grabado en una sesión de grabación el 2 de marzo de 1959 en los estudios Radio Recorders de Los Ángeles, y publicado por el sello discográfico Keen Records. Éste tema es grabado por Sam Cooke poco antes de abandonar dicho sello discográfico por una disputa por los derechos de autor surgidos en 1959. Sam cooke ya había fichado por RCA Records cuando Keen Records lanzó en abril de 1960 el sencillo Wonderful World al poseer los derechos de autor del tema. El tema fue uno de los 29 sencillos de cooke que a lo largo de su carrera alcanzaron el top 40 en las listas de éxitos estadounidenses, alcanzando el puesto número 2 en la lista Billboard R&B de Estados Unidos, el número 12 en la lista Billboard Hot 100 también de Estados Unidos, y el puesto número 27 en las listas de sencillos del Reino Unido. 

0059: Maybellene - Chuck Berry

En los años 50 y 60, el formato single predominaba sobre el álbum, y era la mejor baza de los artistas para entrar en las listas de ventas y en las programaciones de las radio-fórmulas. En ese escenario, los discos eran, en su mayor parte, meras recopilaciones de los últimos singles de éxito, completados con material de relleno y versiones de temas de otros intérpretes. En esa categoría podríamos incluir a "Chuck Berry Is On Top", publicado en julio de 1959 en Chess Records, y compuesto casi en su totalidad de singles que Chuck Berry había publicado previamente (la única canción nueva era "Blues for Hawaiians").

Uno de esos singles era precisamente Maybellene, su primer sencillo y su primer número uno en las listas de ventas, considerado como uno de los primeros temas de "Rock and Roll" de la historia. La canción fue escrita por el propio Chuck Berry, que se basó en una melodía de violín de un tema western y swing llamado "Ida Red".

Las temáticas habituales dentro del género del Rock and Roll están ya presentes en la letra de este pionero tema, en el que las chicas y los coches tienen un lugar predominante. Un hombre persigue, preso de los celos, a su chica infiel por la autopista, y una carrera tan desenfrenada como esa no podía ser contada bajo los esquemas musicales clásicos del momento. Muy al contrario, requería lo que Chuck Berry le dio, una manera de tocar la guitarra que alumbraría un nuevo género. Larga vida al Rock and Roll.

0058: Mack the knife - Bobby Darin

 

La canción cuenta la historia de un asesino en serie que mata a sus víctimas con una navaja  y aunque para muchos el asesino de "Mack the Knife" se basaba en el infame y misterioso asesino en serie de la vida real Jack el Destripador del Londres de la década de 1880, nada más lejos de la realidad, el verdadero origen de la canción está en “The Beggar´s Opera”, que el inglés John Gay, dio al mundo en 1728 al popular personaje de un salteador de caminos llamado capitán MacHeath, basado en un criminal real llamado Jack Sheppard que había sido ejecutado cuatro años antes. Dos siglos después, el compositor Kurt Weill y el dramaturgo Bertolt Brecht decidieron actualizarlo, pero eliminaron los rasgos caballerosos del personaje y lo hicieron más cruel, además de darle a la obra el consabido matiz político anticapitalista propio de Brecht. Ese musical fue un gran éxito, quizá el mayor del género durante la República de Weimar, y la canción donde presentaban la entrada a la acción del protagonista lo fue aún más, rara era la noche en que no sonaba en los cabarets.

En Alemania llegó al poder Adolf Hitler, y Kurt Weill tuvo que huir a Estados Unidos, aquella composición quedó en el olvido, hasta que en Estados Unidos, Marc Blitzstein decide hacer una versión dándole el toque clásico de Jazz para homenajear a Weill. La propuesta llegó a oídos del jefazo de la Columbia Records que quedó prendado ofreciéndosela a distintos cantantes, entre ellos a Louis Armstrong. De este movimiento tuvo conocimiento la MGM que hizo su versión en piano, regalando a Bobby Darin un numero uno incontestable, hubo quienes creían que grabar una canción de una ópera podría dañar su carrera, en ese momento Darin era más conocido como uno de los primeros artistas del rock & roll, y su mayor éxito hasta ahora había sido "Splish Splash" que durante 1958 había estado entre los 5 primeros de la lista de éxitos, pero nada mas lejos de la realidad, "Mack the Knife" daría un cambio absoluto a la carrera de Bobby Darin convirtiéndole en una de las estrellas de la Lounge Song.

Como curiosidad y para entender hasta donde llegó el tema, contaros que Pedro Navaja, la famosa canción de Ruben Blades no es ni más ni menos que una versión en salsa de este Mack the knife y si queremos redondear la curiosidad el protagonista de los tebeos de “Makinavaja: el último choriso” de Ivá tiene su origen también en la canción creada por Bretch. La revista Rolling Stone clasificó a "Mack the Knife" como la canción número 251 más grande de todos los tiempos y el magnate de la música pop y el juez de reality shows Simon Cowell dijo en "Desert Island Discs" de BBC Radio 4 que "Mack the Knife" es la mejor canción jamás escrita

0057: How Many More Years - Howlin' Wolf

 

Moanin' In The Moonlight, Howlin' Wolf

     En 1959 se publica bajo el sello discográfico Chess Records, Moanin' In The Moonlight, el primer álbum de estudio de Howlin' Wolf. Dicho disco es un compendio de canciones grabadas y publicadas anteriormente como singles. Nos vamos a detener en el tema del disco titulado How Many More Years, un tema que fue escrito y grabado por primera vez en 1951 bajo el sello discográfico Chess Recrods, y fue lanzado como cara B, ocupando la cara A Moanin' In he Midnight. El tema pese a ocupar la cara B, se convirtió en el tema más exitoso de Howlin' Wolf.

Corre el año 1948, y Howlin' después del servicio militar ya ha conseguido establecerse dentro de la comunidad de Memphis como una celebridad local del blues, y ya ha formado su propia banda llamada The Howlin' Wolf. El tema es grabado en 1951 el Memphis Recording Service de Memphis, que posteriormente se convertiría en los estudios Sun Records, ubicado en 706 Union Avenue, y Howlin' se encarga de las tareas vocales y la armónica, siendo acompañado por Ike Turner al piano, Willie Johnson a la guitarra y Willie Steele a la batería.

Howlin' por entonces trabajaba en un programa local de radio donde tenía un espacio de unos 15 minutos que le ayudaban a publicitarse. El tema es grabado bajo la producción del sello Chess Records en los citados estudios Sun Records, fundados por Sam Phillips, que también había escuchado a Howlin' en su programa de radio radio y sabía de su potencial. Por entonces era habitual que Chess Records alquilara los estudios Sun Records para realizar las grabaciones de sus artistas. El tema se convertirá a la postre en el mayor éxito de Howlin', alcanzando el puesto número 4 en la lista de discos de R&B de Juke Box, y el puesto número 8 en las listas de discos de R&B de Estados Unidos. Gente como el famoso músico, compositor y productor discográfico T-Bone Burnett, citan How Many More Years como el primer tema de Rock and Roll de la historia.

0054: That´s all right - Elvis Presley

 

Vamos a dar un salto hacia atrás en el tiempo, en nuestro recorrido por la historia de la música en canciones, nos encontramos en el 6 de febrero de 1959, momento en el que sale a la venta el primer recopilatorio de ese chico de Memphis que había roto las barreras del éxito y había puesto el rock and roll en boca de todos, porque si bien el rock and roll llevaba varios años escuchándose en círculos más pequeños, fue Elvis quien logro darle el empujón que le hizo accesible a todo el mundo. Como íbamos contando en 1959 Elvis se encontraba realizando el servicio militar en Alemania, por lo que Sun Records decidió sacar un Lp recopilatorio con las primeras grabaciones del rey, para tratar de mantener en el mercado a su cantante, abriendo ese disco encontramos el tema “That´s all right”. 

 

Pero para hablar de la canción nos tenemos que trasladar al año 1954, Sam Phillips, el patrón de la discográfica Sun Records, buscaba desesperadamente “un blanco que tuviera un sonido negro y un sentimiento negro“, Elvis Aaron Presley, se había pasado por sus estudios, quería grabar un disco con dos temas, aunque fuera pagándolo de su bolsillo, para regalárselo a su madre, de esta manera también le daba la opción de que alguien de allí le gustara y pudiera iniciar una carrera como interprete de rock and roll actividad que compaginaba con su trabajo de camionero. Tras la grabación los trabajadores de Sun Records le dijeron que tratara de conservar su trabajo, ya que no tenía futuro en el mundo de la música, pero el disco en manos de Sam Phillips que pensó que aquel chico de Tupelo era ideal para cantar baladas y decidió montar una sesión de grabación con el guitarrista Winfield “Scotty” Moore, el contrabajista Bill Black y el propio Elvis.

 

La jornada 5 de julio de 1954, estaba siendo desesperante hasta que Elvis en un descanso tomó su guitarra y tocó “That’s All Right”, un viejo blues grabado inicialmente por Arthur “Big Boy” Crudup en 1946. El guitarrista Moore, que se encontraba allí comenta que “De golpe, Elvis comenzó simplemente a tocar la canción, saltando y haciendo tonterías, pero después Bill tomó su contrabajo y comenzó también a tocar y a hacer tonterías, hasta que comencé a tocar con ellos. Creo que Sam tenía la puerta de la cabina de control abierta, (…) sacó su cabeza afuera y dijo: ‘¿Qué estáis haciendo?’ y le contestamos ‘no lo sabemos'”. Sam Philips les pidió que volvieran a hacerlo y grabarlo, tres días después envió esta grabación a la radio; los oyentes llamaron a la emisora para conocer el nombre del cantante “negro” que interpretaba aquella canción. El 19 de julio de 1954, se publicó el primer single de Elvis Presley: ‘That’s All Right’. Distribuido por Sun Records con una tirada de 7.000 copias, se convirtió en un éxito, aunque solo local en la zona de Memphis, aun así, tiene el honor de ser la primera canción editada de una leyenda llamada Elvis Presley.