1336 - Mr. D.J. (5 for the D.J.) - Aretha Franklin

En 1975 Aretha Franklin lanza el álbum n.° 28, You, y su segundo álbum que no salió en CD ni llegó a los servicios de transmisión, You tiene sentido que se haya quedado en el olvido. Solo comercialmente, fue un desastre, llegando al puesto n.° 83 en las listas de éxitos del pop, aunque no tanto como parece, llegando al puesto n.° 9 en las listas de R&B. Lo que sugiere que tal vez su alma no encajaba con la suficiente fluidez en el panorama disco, a pesar de sus esfuerzos o era demasiado negro para cruzar a las listas generales. En realidad, ninguna de las anteriores. Arruinó el audio subiendo los BPM para impresionar al público disco y no sucedió. Dicho esto, las canciones están lejos de la calidad a la que estamos acostumbrados. Cada vez que veas un crédito de Van McCoy, se te aconseja que recuerdes lo increíblemente concurrido que puede llegar a estar, y cuando el sonido, producido por Aretha y Jerry Wexler, lo deja metálico y un poco estridente, es muy probable que haya sido intencional. Sin embargo, You es un buen álbum. Nadie diría que You es una obra maestra, y aun así es Aretha y Aretha en su mejor momento a los 33 años, luce impresionante en la portada del álbum y tiene la fuerza para transformar material de segunda categoría. Cuando llegas a la canción principal, no importa si es disco o funk, es una canción llena de suspenso, una fiesta de baile desenfrenada y Atlanta necesitaba lanzar esto.

La primera canción, la propia Aretha la borda, titulada “Mr. DJ (5 for the DJ)” es un buen momento de música disco y, sí, fue emocionante con sus palmas vocales, las interrupciones de los instrumentos de viento y los lamentos que se descontrolan. Esa es razón suficiente para lanzar el álbum en servicios de streaming, pero es una gran canción que no logró alcanzar las alturas que Aretha esperaba. Aretha le agrega una voz conmovedora y poderosa, pero la letra se queda corta. La canción solo alcanzó el puesto 53 en las listas de éxitos. Realizó una interpretación entusiasta y prolongada de “Mr. DJ” en The Midnight Special en 1976. “Mr. DJ (5 For The DJ)” fue una de las 4 canciones de los 5 LP de Aretha que se reeditaron. Fue remasterizada para el box set de 1994 The Queen of Soul: The Atlantic Recordings .

1206.- They Won't Go When I Go - Stevie Wonder

No es de extrañar que Stevie sea uno de los hombres más famosos de la historia de la música. Su virtuosismo en el piano junto con sus habilidades absolutamente estelares para escribir canciones son un dúo implacable y como si eso no fuera suficiente, su voz altísima y poderosa es una de las más reconocibles del soul. Simplemente tiene tanto talento que es casi un hecho que haya alcanzado el estatus que tiene. La década de 1970 generalmente se conoce como su período dorado, debido al lanzamiento de una serie de fuertes esfuerzos, incluidos Innvervisions , Songs In The Key Of LIfe y Fulfillingness' First Finale. Este ultimo es quizás uno de los discos más pasados por alto de Stevie, eclipsado por el gigantesco legado dejado por los discos antes mencionados. Atrapado entre los dos, a menudo se olvida, pero de ninguna manera deja de ser memorable, es decididamente más tenue que la mayoría de sus discos, con diez pistas escasas, carece de las composiciones extensas presentes en Innervisions . Líricamente, es menos político en su mayor parte y más centrado en sí mismo, por lo que es un disco más personal que los trabajos anteriores. Quizás fue el accidente automovilístico casi fatal en el que se metió en 1973 lo que hizo que su música fuera más cautelosa. A pesar de esto, todavía contiene la mezcla característica de funk pegadizo, soul downtempo y baladas tranquilas.

El núcleo emocional de todo el disco es la dolorosamente desoladora They Won't Go When I Go, que se remonta en sonido a Look Around, pero en una versión más extendida y abarcadora, con un sonido igualmente claramente clásico (probablemente influenciado por finales del siglo XIX), se nota su parte de piano casi improvisada y su escalofriante TONTO, parecido a una flauta, crean su tono sombrío, casi desesperado. La magistral interpretación vocal arqueada de Stevie es lo que hace que la canción sea tan conmovedora, aumentando la ira y el dolor hacia la sección media con su ataque a los pecadores y los políticos corruptos antes de volver a la silenciosa tristeza del principio. Desde su bella y oscura introducción de piano hasta los siniestros sonidos de sintetizador que se tambalean detrás de las voces, es una melodía que justifica la voz más sobreexcitada de Wonder en el álbum, el dramatismo, el tono y el tiempo de ejecución de seis minutos. Stevie Wonder realizó una versión de la canción en el funeral de Michael Jackson el 7 de julio de 2009.

1084.- Killing Me Softly With His Song - Roberta Flack

'Killing Me Softly With His Song' fue escrita por el equipo de compositores de Charles Fox y Norman Gimbel, la canción fue escrita para la cantautora de folk-rock estadounidense Lori Liebermann, quien originalmente grabó y lanzó la canción en 1972. Liebermann ha afirmado haber contribuido ella misma al proceso de composición, pero nunca ha sido acreditada oficialmente, fue después de que Lori Liebermann viera a Don McLean en concierto en el Troubadour Theatre de Los Ángeles, dijo que se sintió abrumada por la experiencia y escribió un poema para expresar cómo se sentía. Al día siguient le mostró el poema a Fox y Gimbel, quienes estaban en el proceso de escribir canciones para su próximo álbum, y ese fue el nacimiento de la canción. En una entrevista posterior, Gimbel reveló: "Ella nos habló de esta fuerte experiencia que tuvo escuchando a McLean, tenía la idea de que esto podría ser una buena canción, así que los tres lo discutimos, lo hablamos varias veces, tal como lo hicimos con el resto de los temas que escribimos para el álbum y todos sentimos que tenía posibilidades". Sin embargo, muchos años después, Fox desmintió la historia: "Es una leyenda urbana, realmente no sucedió así. Norman Gimbel y yo escribimos esa canción para una joven artista que se llamaba Lori Lieberman, me senté y la música fluyó junto con la letra. Y nos reunimos a la mañana siguiente e hicimos un par de ajustes y se la tocamos a Lori, y a ella le encantó, dijo que le recuerda estar en un concierto de Don McLean.”

La versión de Roberta Flack de 1973 es la versión definitiva, y la convitió en un clásico atemporal que ha resistido la prueba del tiempo, La letra de la canción es cruda y emotiva, y hablan directamente al corazón de cualquiera que alguna vez se haya sentido conmovido por el sonido de la música. Es fácil perderse en el brillo y el glamour de la música, pero en esencia, es un arte que toca el alma de las personas. La letra de “Killing Me Softly” captura perfectamente la esencia cruda y emocional de la música, hablan de alguien que escucha una canción que le habla directamente al corazón, lo que le hace sentir una profunda conexión emocional con la música, habla de la idea de que la música puede evocar diversas emociones y ser una fuente de consuelo, amor e inspiración. No es raro que una canción le hable a alguien de una manera que parezca casi sobrenatural, permitiéndole sentir una conexión emocional que trasciende las palabras, ese es el verdadero poder. La letra de “Killing Me Softly” es sólo la mitad de la magia, la otra mitad es la melodía, la voz de Roberta Flack es rica y conmovedora, y resalta los matices emocionales de la letra, el arreglo de la canción aumenta su profundidad emocional, la instrumentación delicada y minimalista centra toda la atención en la letra de la canción y la voz de Flack. La melodía es una parte esencial del significado de la canción, ya que transmite la idea de que la música puede ser una herramienta terapéutica, la melodía adecuada puede calmar la mente, sanar el corazón y traer esperanza a alguien que puede sentirse perdido o solo, es difícil imaginar a alguien que no se haya conmovido hasta las lágrimas al escuchar una canción que le habla al alma.

1080.- Angel - Aretha Franklin

El consenso general sobre el decimonoveno álbum de estudio de Aretha Franklin , Hey Now Hey (The Other Side of the Sky) de 1973, se divide en dos corrientes de opinión: El primer grupo suele criticarlo como uno de sus peores álbumes, el momento crítico en el que su influencia en el panorama del soul comenzó a desparecer. El segundo lo cita como una obra curiosa, aunque menor, en su largo y distinguido catálogo, destacando sus excentricidades un tanto vanguardistas, sin embargo, la afirmación que cruza estos dos campos es que el álbum sirvió como un punto de partida brusco en la trayectoria artística de Franklin en ese momento. Esta vez, tomó las riendas nuevamente como coproductora (un papel que ocupó por primera vez en Amazing Grace de 1972 ) y se asoció con el legendario Quincy Jones, que ya había ganado prominencia como músico, compositor, arreglista y productor respetado en el mundo del jazz y estaba avanzando en su carrera como artista discográfico por derecho propio. En la década de 1970, su trascendental destreza musical cobró gran importancia en el pop, con numerosas producciones y aclamadas bandas sonoras para cine y televisión en su haber. Pronto tendría la mira puesta en darle un toque imborrable al R&B. Era inevitable que Franklin se sintiera atraída por Jones, mientras buscaba expandirse musicalmente en una era de creatividad y posibilidades sin precedentes que estaba explotando en la música negra. Hey Now Hey presenta a Aretha Franklin en su forma más esotérica, abarcando psicodelia, funk, música clásica, jazz y blues, es también su álbum más extenso, es cierto que su concepción está sobrecargada, pero al mismo tiempo está muy bien organizada. Ausentes, en su mayor parte, están los dramáticos tópicos amorosos que posicionaron a Franklin como la principal experta del alma de toda mujer enamorada, tanto Franklin como Jones se esfuerzan por lograr algo teóricamente meditativo y musicalmente complejo: reflexivo, terrenal, caprichoso y tremendamente relajado. Algo mucho menos arraigado en lo convencional del clima anímico de la época y en cualquiera de sus respectivos caminos.

El solemne clásico "Angel", escrito por Carolyn Franklin (hermana de la cantante), fue el único éxito de este álbum, convirtiéndose en el decimotercer éxito de las listas de R&B de Franklin y en el Top 20 del pop en julio de 1973. En una era en la que la participación de Estados Unidos en la guerra de Vietnam trajo desafíos importantes en la evolución de la cultura, también alimentó la corriente subyacente obsesionada con las drogas. Angel es una hermosa balada con una canción, Franklin interpreta esta excelente canción con un amor fraternal respetuoso, no soy un gran fan de los cortes de saxofón en las baladas de los 70, pero este es un caramelito, elevando este impresionante blues moderno a otro nivel.

1002.- The Cisco Kid - War

War fue una banda conocida por su capacidad de combinar diferentes géneros musicales a la perfección. Los miembros de la banda procedían de diversos orígenes y etnias, incluidos afroamericanos, latinos y nativos americanos. Esta diversidad se reflejó en la música que crearon. La música de War era una fusión de rock, jazz, funk, latín y R&B. Sus canciones a menudo incluían letras en español u otros idiomas, lo que hacía que su música fuera accesible a una amplia audiencia aunque procedían de diferentes barrios de Los Ángeles y sus alrededores con orígenes dispares y edades diferentes, los músicos encontraron un hilo común de interés en la creación musical. "Mezclamos y mezclamos todo, incluso la música de mariachi", recordó el teclista de War, Lonnie Jordan. “Tocábamos blues constantemente. Intentábamos imitar lo que oímos, pero salió otra cosa”. Influenciados por la diversidad racial de los jóvenes músicos, también se combinaron elementos de soul, jazz, reggae y rock and roll convencional para crear una mezcla auditiva que definió el sonido distintivo de War. Después de una serie de nombres, incluidos los Creators, los Romeos y Nightshift, en 1969 en Hollywood, un productor discográfico los captó y les presentó a la superestrella británica Eric Burdon, quien recientemente se había separado de los Animals. Nightshift cambió su nombre a War y respaldó a Eric en el sencillo de MGM Records de 1970, "Spill the Wine", que indujo a la ensoñación y vendió millones de copias. . Además, la música de War no se trataba sólo de entretenimiento. Fue un reflejo de los tiempos y de las cuestiones sociales y políticas del momento. El mensaje de unidad y aceptación de War se adelantó a su tiempo y su música sirvió como vehículo para el cambio social.

 “The Cisco Kid”, publicada en 1973, fue el mayor éxito de War y cuenta la historia de un personaje icónico del oeste americano. Cisco Kid era un personaje de una serie de películas del oeste estadounidense que apareció por primera vez en 1914. El personaje fue creado por O. Henry, el seudónimo de William Sydney Porter, y luego se adaptó a cómics, películas y programas de televisión. Cisco Kid era conocido por su encanto, ingenio y sentido del humor. Siempre estuvo dispuesto a ayudar a los necesitados y sus aventuras a menudo transcurrieron en un contexto de injusticia y corrupción. En 1972, los productores de un nuevo programa de televisión, "The Cisco Kid", se acercaron a War y le pidieron a la banda que escribiera e interpretara el tema principal. War aceptó la oferta y “The Cisco Kid” se convirtió en un éxito instantáneo. La canción alcanzó el puesto número 2 en la lista Billboard Hot 100 y permaneció allí durante dos semanas. Sigue siendo una de las canciones más reconocibles del catálogo de War. El ritmo alegre de la canción y el estribillo pegadizo hacen que sea fácil bailar, pero la música también tiene un significado más profundo. La canción fue lanzada en 1973, una época en la que Estados Unidos enfrentaba agitación social y política. La música de War fue un reflejo de estos tiempos, y The Cisco Kid no fue la excepción. En esencia, The Cisco Kid es una canción de esperanza y unidad. Reúne a las personas, independientemente de su raza, etnia o estatus socioeconómico. El mensaje de la canción es simple: todos somos parte de la misma familia humana y debemos amarnos y respetarnos unos a otros.

1001.- You are the sunshine of my life - Stevie Wonder

Lanzada en 1972 dentro del álbum "Talking Book", "You Are the Sunshine of My Life" ("Eres el sol de mi vida") es una de las canciones más románticas de la carrera de Stevie Wonder, todo una declaración de amor arropada en suaves arreglos y un cálido ritmo de piano acompañando a la prodigiosa y apasionada voz del gran músico estadounidense, que regala a los oídos y los corazones de los oyentes una pieza melódica y cautivadora.

La canción es una optimista celebración del amor, y de la alegría y la felicidad de tener a la persona amada a tu lado, a priori un tema tan simple y tantas veces repetido, pero que en "You Are the Sunshine of My Life" está tratado con una belleza instrumental y lírica de lo más sencillas y, paradójicamente, de lo más impactantes. La imprescindible y característica armónica, tan presente en muchas de las grandes canciones de Stevie Wonder hace aquí también su aparición estelar, y el tema se completa con unos suaves coros que son el complemento perfecto para la voz principal.

Su mensaje es tan sencillo y, a la vez, tan universal, que la canción no ha quedado relegada al olvido ni ha sufrido las consecuencias del paso del tiempo como otras canciones de Wonder, sonando hoy en día con la misma vigencia e intensidad que antaño. Al fin y al cabo, el sol sigue saliendo cada día, y el sentimiento que produce tener a la persona adecuada a tu lado sigue siendo el mismo.

1000.- Superstition - Stevie Wonder

"Superstition" es, probablemente, la canción más icónica del músico estadounidense Stevie Wonder. Fue el gran single de su disco de 1972 "Talking Book". Considerada una de las grandes obras maestras del funk y el soul, su increíble ritmo de teclado, que tendría casi la categoría de "riff icónico", y su potente ritmo de acompañamiento con una batería y un bajo sensacionales, impresionan de principio a fin de la canción, y provocan que, para cuando la voz de Stevie Wonder entra en escena, estemos ya entregados a una canción legendaria.

Wonder le aporta además una interpretación vocal intensa y apasionada, alejada de la suavidad melódica de otras grandes piezas de su repertorio, y con una letra que explora la idea de la influencia negativa de la superstición en nuestro comportamiento y en las decisiones que tomamos en nuestras vidas, introduciendo una capa de crítica social al defender la importancia de mantenerse firme y no dejarse llevar por creencias falsas o irracionales que nos distraen de los problemas reales.

La inclusión de una sección de vientos es la guinda perfecta para terminar de darle el efectivo toque funk a la pieza y elevarla hasta la categoría de obra memorable, que tras su lanzamiento se convirtió en uno de los mayores éxitos comerciales y de crítica de la carrera de Stevie Wonder, y que a lo largo de las décadas ha sido versionada y sobre todo, sampleada hasta la saciedad por un buen número de artistas, atrapados por el embrujo y la adictiva cadencia de su mágico ritmo de teclado. ¿Embrujo? ¿Magia? No seamos supersticiosos, es mucho más evidente hablar, directamente de "obra maestra".

0991.- Me and Mrs. Jones - Billy Paul

 

Kenny Gamble y Leon Huff fueron músicos y compositores que se conocieron mientras tocaban en la escena musical de Filadelfia a principios de los años 60. Y poco a poco fueron espesando su sonido, añadiendo cuerdas y arreglos de trompeta barrocos y efectos de guitarra psicodélicos. Junto con el genio de la producción Thom Bell, desarrollaron lo que se convirtió en el sonido soul de Filadelfia y con ese sonido crearon Philadelphia International Records que si bien no fue el primer sello que fundaron Gamble y Huff, si que fue el que consiguieron que perdurara. Comenzaron firmando un acuerdo de distribución con Clive Davis en CBS, para entonces, ya tenían su enfoque definido: escribir y producir ellos mismos, grabar todo en el mismo estudio (Sigma Sound) con el mismo grupo de músicos de estudio tremendamente talentosos (la banda que se conocería como MFSB). Todo esto venía directamente del manual de Motown, pero con su sonido aterciopelado y extravagante, Gamble y Huff aprovecharon las tendencias cambiantes, siguiendo la música pop en la dirección más suave y ornamentada en la que viajaba. Los éxitos empezaron a llegar de inmediato. En 1972, Gamble y Huff triunfaron con " Back Stabbers " de los O'Jays (alcanzó el puesto #3, a 9) y " If You Don't Know Me By Now " de Harold Melvin And The Blue Notes (también alcanzó el puesto # 3, 7). Y al final del año, Gamble y Huff obtuvieron su primer número uno con “Me And Mrs. Jones” de Billy Paul. No sería el último.

Billy Paul era un cantante veterano de discotecas casi una década mayor que Gamble o Huff. Paul, nativo de Filadelfia como Gamble y Huff, había comenzado a grabar sencillos de jazz a principios de los años cincuenta. Había tenido una carrera larga e irregular: cantaba con algunos grupos de R&B, entabló amistad con Marvin Gaye, intentó que Elvis se uniera a una banda con él cuando sirvieron juntos en el ejército en Alemania. Gamble y Huff habían lanzado un álbum de jazz en vivo de Billy Paul en 1968 en Gamble Records, uno de sus sellos anteriores a Filadelfia Internacional. Gamble y Huff iban a tomar algo todos los días al bar que estaba abajo en el edificio de oficinas de su sello, y todos los días, el mismo hombre reunía con una mujer en este bar, se sentaban juntos durante unos minutos, hablaban en voz baja y ponían algunas canciones en la máquina de discos para luego tomaban caminos separados. A Gamble y Huff se les ocurrió una historia sobre la historia de amor que imaginaban que estaba teniendo esta pareja y la convirtieron en una canción. Hay muchas canciones pop sobre la infidelidad, pero normalmente se cantan desde el punto de vista de la parte agraviada en cambio, en ese caso, el narrador de Billy Paul es el que tiene “algo” con una mujer casada. Es una especie de relación obsesiva. Se reúnen todos los días en el mismo café a la misma hora. Hablan y hacen planes, pero no pueden estar juntos, "Ambos sabemos que está mal", canta Paul, pero no parece que piense que esté mal ya que canta sobre ella con una especie de cálido anhelo y no tiene la intención de interrumpir las cosas: “Mañana nos encontraremos en el mismo lugar, a la misma hora”. Paul insinúa que él también está engañando a alguien: "Ella tiene sus propias obligaciones / Y yo también". Paul ni siquiera canta sobre sexo, simplemente canta sobre tomarse de la mano y escuchar juntos la máquina de discos, quizás ni siquiera sea una cuestión física, seguramente sea sólo emocional. Nunca juzga a sus personajes ni imagina una salida a su situación.

Musicalmente la composición es circular, mientras que la canción pop típica sigue una estructura de verso, coro, verso, coro, puente, etc., la canción realmente tiene un movimiento unidireccional que se repite. comienza con Billy Paul cantando el título de la canción, las cuerdas en cascada, estableciéndose en un delicado ritmo de 6/8, una declaración acentuada por un golpe de caja seguido de una puñalada orquestal, el ritmo se separa para convertirse en una acumulación y luego regresar al título de la canción cantanda en agonía contenida, hasta la saciedad.

Billy Paul nunca volvería a estar cerca del top 10, aunque pasó el resto de la década grabando para Philadelphia International. Un par de décadas después, demandó a Gamble y Huff por falta de derechos de autor en “Me And Mrs. Jones”, y ganó. Llegó a los 81 años, cuando el cáncer se lo llevó.

0132: Skylark - Aretha Franklin

 

Laughing on the Outside no es ni mucho menos de los mejores discos de la gran diva Aretha Franklin, sin embargo una vez mas ralla a un nivel muy alto, el quinto disco de la artista, se publico nuevamente en Columbia, la discográfica dispuesta a no arriesgar y a crear unos albums muy agradables de escuchar sin reparar en el potencial artístico de Aretha, pero como no podía ser de otra manera el recital que da es sublime una mujer de 21 años estaba descolocando y retocando clásicos a su estilo voz con una claridad inaudita. Dentro de todo lo que nos regala, puedo destacar el tema Skylark, cancion de 1941 con letra de Johnny Mercer y música de Hoagy Carmichael, un tema con una dificultad vocal que salva perfectamente Lady Soul y es que durante los apenas tres minutos que dura la cancion las distintas tonalidades que le da a su voz te llevan del cero al infinito, y su voz se eleva hasta el cielo como el pájaro al que canta en la canción. Mucho nos tendría que dar a la música y a los amantes de la misma la cantante, pero nos resulta muy interesante detenernos en esas primeras obras, que si bien no tienen la fama y la admiración que sus trabajos más conocidos, sí que nos brindan la oportunidad de descubrir en sus años más jóvenes a una de las voces más importantes de la historia, tomar el vuelo con este Skylark y que no es detenga nadie en el cielo, la voz de Aretha es lo único que necesitamos para volar.

0130: Busted - Ray Charles

 

Busted, Ray Charles

     En julio de 1963 Ray Charles publicaba el disco Ingredients In A Recipe Of Soul. El material que componía el álbum fue grabado entre febrero de 1960 y abril de 1963, y publicado por el sello discográfico ABC. El disco fue producido por el productor, director de orquesta y arreglista estadounidense Sid Feller, que colaboró durante su carrera en cientos de canciones de Ray Charles, incuida Georgia On My Mind. Ray Charles sabía de la importancia de Sid del que llegó a afirmar. "Si a mí me llaman genio, entonces Sid Feller es Einstein".

Incluido en este álbum se encuentra el tema Busted, el cual fue escrito por el prolífico y legendario compositor estadounidense Harlan Howard, que cuenta con una carrera que comprende más de seis décadas principalmente centrada en la música country. De hecho, este tema fue grabado también ese mismo años por Johnny Cash. La versión de Cash alcanzó un notable éxito, pero sería la de Ray Charles la que alcanzara cotas más altas realiando una versión soul de este tema. 

El tema nos habla desde la perspectiva de un granjero que se encuetra en apuros económicos y necesita dinero para seguir saliendo a flote. Trata de pedir dinero prestado pero nadie puede dárselo, pues están en la misma situación que él. Incluso se dirige a pedirle ayuda a su hermano, pero éste iba a acudir a él también para pedirle ayuda, pues está en la misma situación que él. Al final, el granjero, resignado, asume que se mudará con su familia a otro lugar en busca de una vida mejor. El tema gano un premio Grammy en 1963 a la mejor canción de R&B.

0109: Fingertips - Stevie Wonder

 

Fingertips, Stevie Wonder

     Nos encontramos en el año 1962, año en el que un jovencísimo Stevie Wonder con 12 añitos graba un tema que le catapultará al año siguiente, con la grabación de una segunda parte, hacia uno de sus primeros éxitos, Fingertips.

Fingertips fue compuesto originalmente por el compositor, productor y cantante Clarence Paul y por el compositor, arreglista, productor  y músico Henry Crosby. El tema fue grabado originalmente como un instrumental de jazz para el primer álbum de estudio de Stevie Wonder, The Jazz Soul Of Little Stevie, quien en aquel momento debido a su edad era conocido como Little Stevie Wonder. El disco fue lanzado en septiembre de 1962 por el sello discográfico Tamla Records, y ya nos da muestras del enorme talento musical de aquel chiquillo que con tan sólo 12 años ya componía y tocaba la percusión, la armónica y los teclados.

Sería un año más tarde, en 1963, cuando Fingertips se convierte en un éxito tras la grabación de una versión en vivo compuesta por dos partes, la primera parte, la original que es instrumental, y la segunda parte donde Stevie Wonder alienta al público cantando unas pocas estrofas mediante el conocido método musical de preguntas y respuestas. 

La edición de ese poterior sencillo compuesto por Fingertips part I en la cara A, y Fingertips part II en la cara B, fue publiado en mayo de 1963 por Tamla Records, y recoge la versión que hizo Little Stevie durante un concierto en el Regal Theatre  de Chicago en junio de 1962. La segunda pate empieza cuando Stevie grita: "Everybody Say 'Yeah", inciando un intercembio con el público de llamadas y respuestas. Sería esta edición lanzada en 1963 de aquel concierto de 1962 la que asomaría al artista por primera vez a las famosas listas Billboard de éxitos de Estados Unidos. 

0103: You don't know me - Ray Charles

You Don't Know Me fue escrita originariamente por Cindy Walker, basándose a su vez en un título que Eddy Arnold le había sugerido. "Tengo el título de una canción para tí...No me conoces", a lo que Walker bromeó contestando: "Pero yo sí te conozco". El propio Arnold grabó la primera versión de la canción en 1955 y la lanzó como sencillo en 1956, pero habría que esperar a 1962 para encontrarnos con la versión más vendida y reconocida del tema, cuando Ray Charles la incluyó en su exitoso álbum "Modern Sounds in Country and Western Music" e impulsó el sencillo hasta el número 2 del Billboard Hot 100. 

Como curiosidad, este intenso tema de amor platónico y no correspondido es la única canción de Ray Charles que aparece en los dos discos de Ray Charles que lograron alzarse con el puesto más alto de las listas de ventas, ya que el artista estadounidense la grabó por segunda vez junto a Diana Krall para su disco de duetos Genius Love Company, interpretada esta vez junto a Diana Krall.

Además de Krall, artistas con registros vocales muy diferentes se rindieron a los encantos de la canción y la grabaron en sus propias versiones. Nada extraño, por otra parte, porque la canción refleja un sentimiento y una tristeza casi universales ¿Quién no ha sentido alguna vez esa sensación de estar ante la persona amada, con el corazón latiendo fuerte, y no atreverse a confesar sus sentimientos? Le pasó hasta a Elvis Presley, o incluso a Bob Dylan. Ambos clamaron, lastimeros, aquello de: "Para ti solo soy un amigo, eso es todo lo que he sido. No, no me conoces...". 

0102: Ac-Cent-Tchu-Ate the Positive - Aretha Franklin

 

El tercer disco de Aretha Franklin tuvo el muy convincente nombre de “The Electrifying Aretha Franklin” aunque, a decir verdad, esos primeros discos grabados para Columbia, no sacaron ni por asomo el potencial que la artista poseía, es cierto que es su primera gran incursión en el Soul, pero estaba muy lejos de lo que podía y nos iba a ofrecer más adelante. No sabemos bien lo que buscaba la discográfica con estos primeros discos, posiblemente acercar a la artista al universo de Ray Charles y encontrar la versión femenina de un estilo musical que le estaba dando grandes beneficios, pero creo que lo único que consiguió, además de un puñado importante de ventas, es apagar o dejar a un lado la fuerza vocal de Aretha. No hay absolutamente nada de malo en el material de este álbum, excepto que ya se ha hecho cientos de veces durante las décadas anteriores, tomar canciones clásicas y tratar de hacer un remix con los estilos que estaban de moda en el momento, pero poco más.

La canción que hemos elegido es quizás la más destaca del álbum, “Ac-Cent-Tchu-Ate the Positive” es una canción compuesta en 1944 por Harold Arlen (música) y Johnny Mercer (letra) para la banda sonora de la película Here Come the Waves (1944), una comedia musical romántica dirigida por Mark Sandrich y protagonizada por Bing Crosby y Betty Hutton, y ambientada en torno a la Marina de Estados Unidos. Más tarde aparecería en L.A. Confidencial e incluso Clint Eastwood realizaría su versión para su película “Medianoche en el jardín del bien y del mal”.

La letra hace referencia a dos historias bíblicas: Jonás y la ballena y Noé y el arca. En el Libro de Jonás, la figura del título huye del mandato de Dios de advertir a la ciudad corrupta de Nínive de su inminente perdición, y él termina en el vientre de una ballena. De manera similar, en el Libro del Génesis, a Noé se le ordenó construir un arca para su hogar y animales específicos para escapar de una devastadora inundación global. La canción pregunta: "¿Qué hicieron cuando todo se veía tan oscuro?" la respuesta en la canción…  es mejor que acentuemos lo positivo y eliminemos lo negativo, aferrémonos a la verdad”. Tal cual con este tema.

0097: Gin House Blues - Nina Simone

 

Gin House Blues, Nina Simone

     Forbidden Fruit fue el segundo álbum de estudio de la cantante Nina Simone para el sello discográfico Colpix. El disco fue grabado en Nueva York entre 1960 y 1961 por Nina Simone, que estuvo respaldada por Al Shackman a la guitarra, Chris White al bajo y Bobby Hamilton a la batería. Incluido en este álbum se encuentra el tema Gin House Blues. Gin House Blues es el título de dos canciones de blues diferente que a menudo se suelen confundir, y en el caso de Nina Simone así ocurrió.

La canción que originalmente se tituló Gin House Blues, fue compuesta por Fletcher Henderson, con letras de Henry Troy, y fue grabada por primera vez por Bessie Smith junto con el propio Henderson en marzo de 1926. El tema comienza así: "I've a sad story today / I'm goin' to the gin when the whistle blows...".

Pero realmente, la canción a la que nos estamos refiriendo en esta ocasión, cuyo título es el mismo, Gin House Blues, y que Nina grabó, comienza con las siguientes líneas: "Stay away from me 'cause i'm in my sin / If this place gets raided, it's just me and my gin...". Se trata de un tema que se tituló originalmente Me and My Gin, y fue escrita por Harry Burke, del cual se cree que es un pseudónimo del pianista y compositor estadounidense James C. Johnson. La gente acabaría conociendo el tema como Gin House o Gin House Blues. Curiosamente fue grabada por primera vez también por Bessie Smith, concretamente en agosto de 1925 y publicada por Columbia Records. Esta fue la canción que realmente grabó Nina Simone, y que erroneamente se confunde con la otra canción anteriormente mencionada, confundiéndose en ocasiones también la autoría de la misma, pues en la grabación de Nina hay lugares donde se acredita a Henderson y Troy, cuando en realidad su autor fue Harry Burke.

0093: Mr Postman - The Marvelettes

 

The Marvelettes eran conocidas como The Marvels cuando realizaron su segunda audición para el sello Tamla de Motown en la primavera de 1961, cantando una canción de blues sobre la espera de una carta. Fue escrito por William Garrett, un amigo del grupo, y retocada por la entonces cantante principal Georgia Dobbins. Estamos ante el grupo que abanderó el nacimiento de las girl groups (grupos de chicas) en el mundo del pop añadiendo composiciones de frenesí juvenil y arreglos sobresalientes que marcaron una época en los dorados sesenta en estados Unidos. Este Please Mr. Postman no es solo la canción más representativa de su discografía, sino que ostenta el honor de ser el primer nº 1 de Tamla Records, subsidiaria de Motown, gracias a su ritmo y estribillo contagiosos, acompañados con palmas y dulces coros, el tema fue toda una sensación nacional. Conquistaron con música negra sofisticada al público joven y blanco, capaz de gastarse los dólares, era el pistoletazo de salida para el sonido de la joven América y la leyenda del pop con marca de la casa Motown. A mediados de los 60, Wanda Young asumió la voz principal del grupo, con estas dos importantes cantantes The Marvelettes pasaron por cinco formaciones distintas, manteniendo siempre un estilo similar y un alto nivel en sus grabaciones, aunque poco a poco fueron decayendo por la falta de apoyo desde la Motown, especialmente después de la aparición de The Supremes con Diana Ross. 

 

Al frente del grupo y como cantante principal encontramos a Gladys Horton, una canción construida sobre una idea simple, y esas son a menudo las mejores. Gladys Horton, la quejumbrosa cantante principal de The Marvelettes, está esperando una carta de su novio que está muy lejos o aunque sea simplemente una tarjeta, cualquier tipo de señal de vida le serviría. Ansiosa, temerosa y sola, la voz de Horton te deja preguntándote si está esperando en vano, incluso hay momentos que no puedes evitar sentir pena por el pobre cartero enfadado ante tanta insistencia, y a la vez resignado porque todo lo que puede hacer es entregar lo que tiene.  El disco fue una obra maestra de R&B, transmitió su mensaje directo y podías sentir tristeza en cada palabra, además estaba compuesto astutamente para incluir líneas en las que algunos de los instrumentos desaparecieran para que las súplicas de Horton parezcan aún más solitarias y desesperadas, “Please Mr. Postman” pasó casi medio año en la lista de Estados Unidos, alcanzando el número 1 en diciembre de 1961, un resultado impresionante para un grupo de chicas de Inkster, Michigan, en su primera visita a un estudio de grabación. El baterista de la sesión era otro intérprete sin experiencia, un flaco aspirante de 22 años llamado Marvin Gaye. Esta canción ha sido versionada frecuentemente, quizás la que todos conocemos es la versión a cargo de The Beatles para su segundo álbum británico With the Beatles, publicado en 1963.

0091 Ray Charles - Hit The Road Jack

 

Hit The Road Jack, Ray Charles

     LLegamos a uno de los mayores cláscos de todos los tiempos de Ray Charles, un tema que combina magistralmente rock, soul, pop, jazz y gospel. Nos estamos refririendo a Hit The Road Jack. 

Hit The Road Jack es grabado por primera vez como una demo a capella por Art Rupe, pero será la grabción de Ray Charles, publicada en junio de 1961 por el sello discográfico ABC-Paramount, la que haga despegar el tema y convertirlo además en uno de los más emblemáticos del artista. Para la grabación del tema, Ray cuenta con la colaboración de Margie Hendrix, quien fuera vocalista de su grupo de apoyo, The Raelettes, y con quien Ray tuvo una relación durante un tiempo.

El tema grabado por Ray alcanzó el puesto número 1 en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos durante dos semanas, ganando también un premio Grammy a la mejor grabación de Rhythm and Blues. El tema fue compuesto por Percy Mayfield, amigo de Ray, quien tuvo mucho exito como interprete de R&B en la década de los 50, y que había perdido cierto protagonismo a principios de la década de los 60, en parte debido a un accidente automovilístico que le dejó gravemente desfigurado, hecho que hizo que redujera sus giras y se centrara en destacar como un prolífico compositor. La letra del tema es una despedida en toda regla donde Ray relata con resignación que tendrá que hacer las maletas e irse, mientras que la mujer le dice que no vuelva más. Muchos son los artisas que han versionado este tema, entre los que se encuentran John Cougar Mellencamp, The Residents, Jerry Lee Lewis o Suzi Quatro entre otros, pero ninguno ha sido capaz de acercarse a la memorable grabación de Ray Charles.

0090: Stand by me - Ben E. King

 

En Stand by me (Quédate junto a mí) podemos, en primer lugar, deleitarnos con la escucha de la que seguramente sea la línea inicial de bajo más adictiva y reconocible de los años sesenta, y quién sabe si de la historia de la música. La canción tiene, además, su propia historia, marcada por los avatares del destino, que hizo que pese a estar planificada parar ser parte del repertorio de The Drifters, tras el rechazo por parte del manager del grupo, acabara siendo interpretada por Ben E. King, que había compuesto el tema junto a la pareja Leiber-Stoller (los compositores habituales de las canciones de Elvis Presley, entre otros).

En segundo lugar, Stand by Me es una de las composiciones que mejor han reflejado el sentimiento de la amistad, y la lealtad que conlleva, en los versos de una canción. El mítico e intenso Darling, Darling! del estribillo nos hace cantar a voz en grito, y con los ojos cerrados, en cada escucha de la canción, pero también nos lleva al error de pensar que es una canción de amor. Puede serlo, en honor a la verdad, pero sobre todo es un canto a la amistad y el compañerismo, un You'll never walk alone en modo soul.

Son innumerables las versiones que, de esta mítica canción, han hecho otros cantantes y grupos. Las revisiones de Otis Redding (1964) y John Lennon (1974) quizá sean las más brillantes, pero no podemos dejar sin mencionar otras tan variopintas como la de los argentinos Sumo (1983), la de Seal (2008) o, más recientemente, la versión para la banda sonora de Final Fantasy XV de Florence and the Machine (2016) y la de los estadounidenses Weezer en 2019. Todos pedían lo mismo, porque en el fondo es lo que todos buscamos, que la gente a quien queremos este siempre a nuestro lado, y que no nos sintamos nunca solos. Para la soledad hay muchas otras canciones, pero para evitarla yo me quedo con Stand by me. Así que: ¡Darling, Darling... Quédate junto a mí!

0086: I Just Want To Make Love To You - Etta James

 

I just Want To Make Love To You

Nos encontramos todavía en el año 1960, año en el que asoma la cabeza por primera vez Jamesetta Hawkins, más conocida como Etta James, la magnífica y versátil cantante estadounidense que abrazó diversos estilos durante su carrera, como blues, soul, R&B, rock and roll, jazz y gospel entre otros.

Etta James acaba de firmar un contrato con Chess Records, y a través del sello Argo Records, el cual pertenece a Chess Records, debuta con su primer álbum de estudio, At Last!. Etta James graba el material del disco entre enero y octubre de 1960, y el 15 de noviembre de ese mismo año es publicado por Argo Records. El disco, aunque no consigue ser todo lo exitoso que se espera de él, consigue alcanzar el puesto número 12 en la lista estadounidense Billboard Top Catalog Albums chart.

Incluido en el álbum, concretamente como primer tema de la cara B, se encuentra el tema I Just Want To Make Love To You, compuesto por Willie Dixon, que en aquella época trabaja para el sello Chess Records como músico de respaldo y que además había conseguido establecerse como uno de los compositores principales del sello. El tema fue escrito en 1954 y grabado por primera vez por Muddy Waters. Habría que esperar 6 años para deleitarnos con la versión que de este clásico hace Etta, que además introdujo variaciones en la letra con respecto a la versión de Muddy Waters. Si en la versión de Muddy, él no espera que ella asuma las responsabilidades domésticas como hacer la cama, cocinar, lavar la ropa o limpiar, pues hacer el amor con ella es lo único que necesita, en la versión de Etta, ella dice claramente que ella sí quiere realizar todas esas tareas y además hacer el amor con su chico. 

0082: Georgia on my mind - Ray Charles

 

Pocas canciones pueden presumir de haberse convertido en el himno de un estado. El de Georgia (Estados Unidos), en este caso. El honor correspondería al compositor Hoagy Carmichael y la letra de Stuart Gorrell, que en 1930 crearon Georgia on my mind, pero mucho tuvo que ver en ello la popular versión realizada por Ray Charles en su disco The Genius Hits the Road (1960), ya que no sería hasta 1979 cuando el estado de Georgia la declararía su himno oficial.

Es muy larga la lista de artistas se han rendido, en algún momento de sus carreras, a los encantos de la canción sobre el estado de Georgia. The Band, Willie Nelson, James Brown o Coldplay, entre muchos otros, grabaron o interpretaron en vivo sus propias versiones, pero ninguna de ellas puede compararse al sentimiento que transmite la de Ray Charles. Quizá porque él era precisamente de Georgia, y eso pudo darle el plus de emoción que le llevó a impulsarla por encima del resto, y hasta lo más alto del Hot 100 de la revista Billboard, y a ser incluida en la posición 44 en la lista de las mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone en 2003.  No está nada mal para ser "sólo una vieja y dulce canción, que mantiene a Georgia en mi mente..."

0071: (What a) Wonderful World - Sam Cooke

 

Wonderful World, Sam Cooke

     En 1960 se publica el temazo Wonderfoul World, de la mano de uno de los padres del soul, Sam Cooke, tema que nada tiene que ver y no debemos confundir con el temazo de Louis Armstrong.

El tema es escrito por el famoso mánager, compositor y productor discográfico Lou Adler y el cantante y trompetista Herb Alpert, y los arreglos musicales corren a cargo del compositor, pianista, arreglista, director de orquesta y productor Belford Hendricks. La canción en un principio trata de como ni la educación ni el conocimiento pueden dictar los sentimientos, y de como el amor puede vencerlo todo y hacer del mundo un lugar maravilloso. Sin embargo Sam Cooke que quiere orientar la canción hacia el tema de la escolarización, decide revisarla y retocar la letra. 

El tema aparece acreditado al trío Adler, Alpert y Cooke bajo el pseudónimo Barbara Campbell (así se llamaba su segunda esposa de Cooke), y es grabado en una sesión de grabación el 2 de marzo de 1959 en los estudios Radio Recorders de Los Ángeles, y publicado por el sello discográfico Keen Records. Éste tema es grabado por Sam Cooke poco antes de abandonar dicho sello discográfico por una disputa por los derechos de autor surgidos en 1959. Sam cooke ya había fichado por RCA Records cuando Keen Records lanzó en abril de 1960 el sencillo Wonderful World al poseer los derechos de autor del tema. El tema fue uno de los 29 sencillos de cooke que a lo largo de su carrera alcanzaron el top 40 en las listas de éxitos estadounidenses, alcanzando el puesto número 2 en la lista Billboard R&B de Estados Unidos, el número 12 en la lista Billboard Hot 100 también de Estados Unidos, y el puesto número 27 en las listas de sencillos del Reino Unido.