0173: No particular place to go - Chuck Berry

 

Este tema de Chuck Berry fue lanzado como single por el sello discográfico Chess Records en mayo de 1964. Posteriormente aparecería en el álbum St. Louis to Liverpool en noviembre de 1964. La canción fue compuesta por Berry cuando se encontraba en prisión (fue acusado de tráfico de personas tras ayudar a una niña de 14 años a cruzar la frontera) y no tenía, literalmente, “un lugar al que ir”. Pero No Particular Place huye de esa mala época de su vida y no es más que una oda vintage al simple placer de conducir con tu amada a tu lado y sin obligaciones en tu camino, la canción se convierte en una anécdota divertida cuando el protagonista no puede desabrochar el 'cinturón de seguridad' de la joven. En el fondo "No particular place to go" encarnaba la inquieta ociosidad de la juventud. La película American Graffiti construyó toda una historia en torno a un crucero. Por supuesto, Chuck Berry no era un adolescente cuando escribió la canción, pero realmente no tenía "ningún lugar en particular a donde ir". Chuck desarrolló una fórmula ganadora de su rock and roll, letras inteligentes e historias simples que atrajeron a un público mucho más amplio que el rhythm and blues con el que había crecido. Como Elvis, que mezclaba country y blues, Chuck Berry vino de la otra dirección. Su música tenía temas claramente rurales, y eso no era una casualidad. La canción fue la primera de sus grabaciones en saltar al estrellato después de la invasión británica, con los Beatles y los Rolling Stones. Musicalmente, es casi idéntico a “School Days” de 1957, pero la sección de batería suena más fuerte y Berry encuentra un nuevo y agradable gruñido vocal, y luego están sus solos de guitarra, que positivamente crepitan: el segundo corte cortante parece que está realmente enfadado, como si Berry estuviera dejando que sus verdaderos sentimientos tras su paso por la prisión se escapan a través de su amplificador.

Producido por Leonard y Phil Chess, y con el pianista Paul Williams, el baterista Odie Payne y un bajista desconocido. Ha contado con versiones de, entre otros, George Thorogood & The Destroyers, Status Quo, Eddy Mitchell, The Toy Dolls, Bo Diddley, Richard Clayderman, Jerry Lee Lewis, Little Feat, Cliff Richard, Mos Def o The Troggs.

0170: You never can tell - Chuck Berry

 

You Never Can Tell, Chuck Berry

     Cuando escuchamos You Never Can Tell, automáticamente nos viene a la mente la escena de la película Pulp Fiction, dirigida por Quentin Tarantino, y más concretamente esa maravillosa escena de la película donde Uma Thurman y John Travolta bailan en el concurso de baile del restaurante Jack Rabbit Slim y nos regalan uno de los bailes más famosos de la historia del cine.

Chuck Berry había salido de prisión en octubre de 1963, y su sello discográfico Chess Records y él deciden diseñar una estrategia para atraer a los compradores más jóvenes. el resultado es St. Louis to Liverpool, publicado en noviembre de 1964. El disco consigue alcanzar el puesto número 124 en la famosa lista estadounidense Billboard Album chart, y es considerado por algunos críticos como uno de los mejores discos de rock & roll jamás hechos. 

Incluido en el disco se encuentra el tema You Never Can Tell, también conocido como C'est la Vie o Teenage Wedding. El tema fue escrito por Chuck Berry mientras se encontraba en prisión por violar la Ley Mann, ley cuyo propósito era la de prohibía la esclavitud blanca, y  transformaba en delito el hecho de transportar mujeres de un estado a otro de país para propósitos inmorales. 

La letra del tema cuenta la historia de una joven pareja que se casa y se muda a vivir a un pequeño apartamento donde gozan de una relativa comodidad, y a medida que pasa el tiempo su amor se mantiene fuerte. Cada una de las estrofas de la canción acaba con la ya famosa frase "C'est la vie, say the old folks, 'it goes to show you never can tell." (Así es la vida, dicen los viejos, va a demostrar que nunca se sabe). Curiosamente en el tema hay muy poca guitarra y la base del tema está marcada por el piano y el saxofón. 

0076: It's now or never - Elvis Presley

Elvis Presley es un habitual entre los artistas con canciones históricas de finales de los 50 y principios de los 60, ya sea con temas compuestos para él, o versionando canciones de otros para hacerlas propias, dotándolas de su particular y característico estilo. Es el caso de, por ejemplo, It's Now or Never, grabada por "El Rey" y lanzada como single en 1960. Poco podía imaginar el de Memphis que esta versión de "O Sole mío", la popular canción napolitana, se convertiría en su sencillo de mayor éxito, con más de veinticinco millones de copias vendidas en todo el mundo. 

It's Now or Never fue un éxito absoluto, tanto en Estados Unidos como internacionalmente. La canción ya era un hit internacional en su versión italiana, popularizada por Mario Lanza, fallecido tan solo un año atrás, pero este más que probable homenaje de Elvis a la figura de su malogrado compañero de profesión fue catapultado a lo más alto de las listas de ventas de todo el mundo al estar interpretado en inglés.

La traducción y adaptación de la letra fue encargada a los compositores Aaron Schroeder y Wally Gold, que tuvieron lista la nueva letra en un tiempo récord. No sabemos los honorarios que percibieron por aquel breve encargo, pero en tan solo media hora tuvieron listo el que, a la postre, sería el mayor éxito de la carrera de Elvis Presley.

0075: Let it rock - Chuck Berry

 

Let It Rock, Chuck Berry

     En diciembre de 1959 Chuck Berry tiene que hacer frente a unas acusaciones muy graves. Chuck conoce en Juárez, Texas, a una joven apache llamada Janice Norine Escalanti, quién procedía de Yuma, Arizona y que al parecer había dicho a Berry que tenía 21 años, cuando en realidad tenía 14. Berry le ofreció trabajo de camarera en su club Bandstand, por lo que la llevó a Saint Louis con él. Unas semanas después Janice fue arrestada por ejercer la prostitución en un hotel de la ciudad, hecho que hizo que Berry fuera arrestado por infringir la Ley Mann, una ley que penaba transportar a una menor de edad a través de la frontera del estado para fines inmorales. El guitarrista fue condenado en principio a cinco años  de prisión, pero la sentencia fue apelada debido a los comentarios racistas efectuados por el juez del caso durante el juicio, y finalmente su condena fue rebajada a tres años.

Mientras se encuentra en prisión, su sello discográfico, Chess Records, publica el que supone el cuarto álbum de estudio del artista, Rockin 'at The Hops, un álbum en el que todos los temas que contiene menos cuatro (Down the Road a Piece, Confessin' the blues, Betty Jean y Driftin Blues) ya habían sido lanzados anteriormente como sencillos. 

Incluido en este álbum encontramos uno de esos temas que había sido lanzado con anterioridad, Let It Rock. El tema, como single, alcanza el puesto número 64 en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos, lo que fue aprovechado por Chess Records para incluirlo en el álbum Rockin 'at the Hops. Posteriormente el sello Pye Records lanzaría el sencillo en 1963 en el Reino Unido, donde alcanzaría el puesto número 6 en las listas de ventas de aquel país. 

El tema fue grabado en unas sesiones de Chuck Berry para Chess Records en Chicago, en julio de 1959, y contó con la colaboración de Johnnie Johnson al piano, Willie Dixon al contrabajo y Fred Bellow a la batería. El tema fue compuesto por Chuck Berry, y nos relata la historia contada desde la perspectiva de un trabajador del ferrocarril de Alabama que intenta pasar lo mejor posible la jornada laboral y ganar unos dólares. Al final de la jornada los trabajadores se encuentran jugando a los dados en las vías del tren hasta que son advertidos por el capataz de que se acerca un tren. 

0072: Only the lonely - Roy Orbison

Only the lonely fue uno de los primeros éxitos del cantante estadounidense Roy Orbison, y en ella encontramos todas las características que distinguieron a este artista, prolífico en la creación de sentidas y a la vez oscuras canciones sobre amores perdidos, afectadas por el derroche de una voz privilegiada que llegaba a las tres octavas, con la que abanderó una forma de cantar tan peculiar como apasionada, con registros e inflexiones que rozaban lo operístico, y que le hicieron ganarse el sobrenombre de "El Caruso del rock".

Los problemas oculares que padeció desde la infancia (que explican sus omnipresentes y míticas gafas) no impidieron que Orbison viera claramente el camino que quería seguir en su vida. Ya desde la escuela secundaria, comenzó a cantar en una banda de música country y rockabilly. Poco después, en 1956, firmaría con Sun Records, pero no saborearía las mieles del éxito hasta su etapa en Monument Records, con la que en 1960 lanzó el sencillo de Only the lonely ("Sólo los solitarios"), escrita por el propio Orbison y Joe Melson. La canción combinaba esquemas del rock and roll y el doo-wop, pero que al contrario que la mayoría de canciones de la época, se alejaba del optimismo y la ligereza de ambos estilos, creando un sonido oscuro y melodramático que resultó absolutamente pionero en el mundo de tipos duros (y tupés engrasados) que imperaba en aquellos tiempos.

Además de los efectivos coros doo-wop, que el ingeniero de sonido dejó en un primer plano, Orbison incluyó una sección de cuerdas, y utilizó el falsete para que su voz sonara aún más poderosa. La sección rítmica quedó de fondo, en un leve segundo plano, y dándole a la canción un sonido muy particular y característico, que Orbison replicaría en muchas canciones a lo largo de su carrera, convirtiéndolo en su marca y estilo personales. Dicen que el mismísimo Elvis Presley, al escuchar Only the lonely, encargó una caja de sencillos de la canción para regalárselos a sus amigos. Y debía de tener muchos amigos, porque la canción llegó al nº 2 en Estados Unidos y al nº1 en el Reino Unido, lugares de privilegio a los que suelen llegar "sólo los solitarios" como Roy Orbison, para emocionarnos desde lo más alto con la infinita sensibilidad de sus historias de desamor y soledad.

0070: The girl of my best friend - Elvis Presley

 

¡Elvis Is Back!

     ¡Elvis ha vuelto!, así se titulaba el cuarto álbum de estudio de Elvis Presley, ¡Elvis Is Back!, lo cual era cierto, pues desde 1957 con la publicación de su tercer disco de estudio, Elvis' Christmas Album, en 1957, no había vuelto a saberse nada de él. El motivo: sus compromisos con el servicio militar prestados en Alemania.

¡Elvis Is Back! es grabado en el RCA Studio B, de Nashville, Tennessee, entre los meses de marzo y abril de 1960, y publicado el 8 de abril de ese mismo año bajo el sello RCA Victor. Era el nuevo material que veía la luz desde que Elvis interrumpiera su carrera discográfica para cumplir con sus obligaciones con el servicio militar de Estados Unidos. Este disco fue el primero de Elvis en ser grabado y publicado en formato de sonido estereofónico. Para la grabación de este nuevo material Elvis cuenta  con la colaboración de su guitarrista de confianza Scotty Moore, su habitual baterista DJ Fontana, el pianista Floyd Cramer, el guitarrista Hank Garland, el bajista Bobby Moore, el percusionista Buddy Harman, y el cuarteto vocal The Jordanaires. 

Este disco representaba un nuevo sonido al que Elvis nos tenía acostumbrados, acercándose más si cabe a la música pop, aunque en este trabajo están presentes además otros sonidos como el rock, el rythm and blues y las baladas. A pesar del fuerte empeño de la discográfica el disco resulto ser un fracaso comercial, llegando apenas a unas 300.000 copias vendidas en Estado Unidos. 

Incluido en este disco podemos encontrar el tema The Girl Of My Best Friend, tema que había sido escrito y compuesto por Sam Bobrick y Beverly Ross, y grabado y publicado por primera vez por Charlie Blackwell en 1959. Sería la grabación de Elvis Presley en 1960 la que da impulso y populariza el tema.

Elvis, en The Girl Of My Best Friend, acompañado de los coros doo-wop de The Jordanaires, nos relata como se encuentra loca y perdidamente enamorado de la chica de su mejor amigo, y aunque le gustaría que ella supiera lo que él siente por ella, tiene miedo a decírselo por temor aque ella se sienta ofendida, y tampoco quiere hacer daño a su amigo. Decide esperar a que su maltrecho corazón se recupere algún día, y a conocer a su propio amor, una chica con las mismas características y atributos que la novia de su mejor amigo.

0060: I Got Stripes - Johnny Cash

 

I Got Stripes, Johnny Cash

     El 12 de marzo de 1959 Johnny Cash graba I Got Stripes, tema que es lanzado por el sello discográfico Columbia Records como single en julio de ese año junto con el tema Five Feet High And Rising en la cara B, el cual tamién fue grabado en esa misma sesión. El tema fue escrito por Johnny Cash y por Charlie Williams, un amigo suyo que trabajaba como DJ en Los Ángeles.

Para la composición de I Got Stripes se basan en la canción On a Monday (1943), de Lead belly. A su vez, para la composición de On a Monday Lead belly también se basó en un tema suyo de 1939, Yallow Women's. Lead Belly fue un músico y compositor estadounidense de blues y folk que destacó por sus claras y poderosas interpretaciones, de las cuales muchas se han convertiso en clásicas, y por el virtuosismo con que tocaba la guitarra de 12 cuerdas, si bien dominaba también piano, violín, acordeón y armónica.

I Got Stripes se apoya en una atractiva melodía donde predomina la guitarra en primer plano, mientras Johnny nos narra la amarga experiencia de ser arrestado y las limitaciones a las que está sometido mientras se encuentra en la carcel. La letra se basa en un sencillo patrón que se repite durante todo el tema, "El lunes me arrestaron... / El martes me encerraron en la carcel / El miércoles se celebró mi juicio / El jueves me declararon culplabe...". El tema no acabó de despegar todo lo que se esperaba en las listas de ventas, alcanzando el puesto número 43 en la lista estadounidense Billboard Hot 100, y el puesto número 4 en la lista Billboard Hot Country Songs.

0059: Maybellene - Chuck Berry

En los años 50 y 60, el formato single predominaba sobre el álbum, y era la mejor baza de los artistas para entrar en las listas de ventas y en las programaciones de las radio-fórmulas. En ese escenario, los discos eran, en su mayor parte, meras recopilaciones de los últimos singles de éxito, completados con material de relleno y versiones de temas de otros intérpretes. En esa categoría podríamos incluir a "Chuck Berry Is On Top", publicado en julio de 1959 en Chess Records, y compuesto casi en su totalidad de singles que Chuck Berry había publicado previamente (la única canción nueva era "Blues for Hawaiians").

Uno de esos singles era precisamente Maybellene, su primer sencillo y su primer número uno en las listas de ventas, considerado como uno de los primeros temas de "Rock and Roll" de la historia. La canción fue escrita por el propio Chuck Berry, que se basó en una melodía de violín de un tema western y swing llamado "Ida Red".

Las temáticas habituales dentro del género del Rock and Roll están ya presentes en la letra de este pionero tema, en el que las chicas y los coches tienen un lugar predominante. Un hombre persigue, preso de los celos, a su chica infiel por la autopista, y una carrera tan desenfrenada como esa no podía ser contada bajo los esquemas musicales clásicos del momento. Muy al contrario, requería lo que Chuck Berry le dio, una manera de tocar la guitarra que alumbraría un nuevo género. Larga vida al Rock and Roll.

0054: That´s all right - Elvis Presley

 

Vamos a dar un salto hacia atrás en el tiempo, en nuestro recorrido por la historia de la música en canciones, nos encontramos en el 6 de febrero de 1959, momento en el que sale a la venta el primer recopilatorio de ese chico de Memphis que había roto las barreras del éxito y había puesto el rock and roll en boca de todos, porque si bien el rock and roll llevaba varios años escuchándose en círculos más pequeños, fue Elvis quien logro darle el empujón que le hizo accesible a todo el mundo. Como íbamos contando en 1959 Elvis se encontraba realizando el servicio militar en Alemania, por lo que Sun Records decidió sacar un Lp recopilatorio con las primeras grabaciones del rey, para tratar de mantener en el mercado a su cantante, abriendo ese disco encontramos el tema “That´s all right”. 

 

Pero para hablar de la canción nos tenemos que trasladar al año 1954, Sam Phillips, el patrón de la discográfica Sun Records, buscaba desesperadamente “un blanco que tuviera un sonido negro y un sentimiento negro“, Elvis Aaron Presley, se había pasado por sus estudios, quería grabar un disco con dos temas, aunque fuera pagándolo de su bolsillo, para regalárselo a su madre, de esta manera también le daba la opción de que alguien de allí le gustara y pudiera iniciar una carrera como interprete de rock and roll actividad que compaginaba con su trabajo de camionero. Tras la grabación los trabajadores de Sun Records le dijeron que tratara de conservar su trabajo, ya que no tenía futuro en el mundo de la música, pero el disco en manos de Sam Phillips que pensó que aquel chico de Tupelo era ideal para cantar baladas y decidió montar una sesión de grabación con el guitarrista Winfield “Scotty” Moore, el contrabajista Bill Black y el propio Elvis.

 

La jornada 5 de julio de 1954, estaba siendo desesperante hasta que Elvis en un descanso tomó su guitarra y tocó “That’s All Right”, un viejo blues grabado inicialmente por Arthur “Big Boy” Crudup en 1946. El guitarrista Moore, que se encontraba allí comenta que “De golpe, Elvis comenzó simplemente a tocar la canción, saltando y haciendo tonterías, pero después Bill tomó su contrabajo y comenzó también a tocar y a hacer tonterías, hasta que comencé a tocar con ellos. Creo que Sam tenía la puerta de la cabina de control abierta, (…) sacó su cabeza afuera y dijo: ‘¿Qué estáis haciendo?’ y le contestamos ‘no lo sabemos'”. Sam Philips les pidió que volvieran a hacerlo y grabarlo, tres días después envió esta grabación a la radio; los oyentes llamaron a la emisora para conocer el nombre del cantante “negro” que interpretaba aquella canción. El 19 de julio de 1954, se publicó el primer single de Elvis Presley: ‘That’s All Right’. Distribuido por Sun Records con una tirada de 7.000 copias, se convirtió en un éxito, aunque solo local en la zona de Memphis, aun así, tiene el honor de ser la primera canción editada de una leyenda llamada Elvis Presley.

0048: La bamba - Ritchie Valens

La corta vida de Richard Steven Valenzuela Reyes, nombre de pila de Ritchie Valens, dejó un gran legado para el rock and roll, ya que fue el punto de partida para que se diera origen a lo que llamamos hoy en día Rock en Español. Hijo de unos inmigrantes mexicanos cuya pasión por la música popular de su país de origen, su padre pronto sembró la semilla en Ritchie del cariño a la tradición, y la música, animándole a que aprendiera a tocar algún instrumento. En la casa paterna aprendió los ritmos populares de sus ancestros, que combinó con el rock and roll y las melodías de Little Richard, el roquero que más influyó en su estilo musical. Su fulgurante fama solo le duró nueve meses, pero fue tan intensa que todavía hoy, 56 años después, su recuerdo sigue vivo entre quienes lo consideran el padre del rock latino. 

La canción la bamba es una canción folclórica Mexicana del genero musical “son Jarocho”, el cual es muy popular en el sur de México y es reconocida como un himno popular de la ciudad de Veracruz. La versión realizada por Ritchie Valens, fue una idea que se le ocurrió a este artista al viajar a Tijuana con su hermanastro Bob, entraron a un prostíbulo donde se estaba interpretando esta canción, la cual él quiso seguir con su guitarra para aprenderse sus acordes. A su regreso le comenta la idea a su manager y productor Bob Keane, que pensaba que aquella canción, cantada en español, no sería bien aceptada por el público norteamericano y hundiría la carrera de su joven estrella. Sin embargo, para sorpresa de todos obtuvo en éxito fulgurante y alcanzó en poco tiempo los primeros puestos de las listas. "La Bamba" aparece citada con frecuencia entre las mejores canciones de la historia del rock & roll, y ha sido versionada por multitud de artistas. Incluso en 1987 se hizo una película con el mismo nombre que cuenta la vida Ritchie Valens.

 La inclusión de ritmos latinos, que hoy se hace con bastante frecuencia en distintos subgéneros del rock, hizo de Ritchie Valens el gran pionero del rock en español, un adolescente de 17 años que con solo 8 meses de carrera obtuvo la fama que en mucho tiempo muchos artistas no ha podido obtener y que pudo haber sido mayor, pero el 3 de febrero de 1959, en medio de la gira Winter Dance Party el bus en el que los músicos viajaban se rompió y decidieron trasladarse en avión, pero solo había tres plazas. Para definir quién viajaría, (Buddy Holly y "The Big Bopper" ya tenían su lugar reservado), Ritchie tiró la moneda con su colega Tommy Allsup y ganó… o perdió. Al poco tiempo de despegar, en medio de una tormenta de nieve, la avioneta se estrelló en Iowa. Todos los pasajeros murieron: Valens, los músicos Buddy Holly  y "The Big Bopper" y el piloto Roger Peterson. Ninguno de los cuatro llegaba a los treinta años. Años más tarde, aquella triste fecha seria recordada como "el día que murió la música".

0047: C'mon Everybody - Eddie Cochran

 

C'mon Everybody, Eddie Cochran

     C'mon Everybody es uno de los temas más exitosos de Eddie Cochran. El tema es compuesto por el compositor y director musical estadounidense Jerry Capehart y por el mismo Eddie Cochran. Este imponente rock and roll es grabado el 10 de octubre de1958 en el estudio por Eddie Cochran, quien se encarga de las tareas vocales y la guitarra, y es apoyado por Connie "Guybo" Smith al bajo, Earl Palmer a la batería, Ray Johnson al piano, y el mismísimo jerry Capehart a la pandereta.

C'mon Everybody es publicado como single ocupando la cara A, siendo acompañdo en la cara B por el tema Don't Ever Let Me Go, y publicado el mismo mes de octubre por el sello discográfico Liberty Records para el mercado estadounidense, y por el sello London Records para el mercado británico. Cochran además graba una versión alternativa de la canción a la que titula Let's Get Together, y que será publicada en un recopilatorio en la década de los 60. El único cambio en la nueva versión fue en la frase "C'mon everybody", que sustituye por "Let's get together". El tema alcanza un un gran éxito en las listas de ventas británicas, alcanzando en 1959 el puesto número 6 en dichas listas. Éste tema sería el último gran éxito antes de su muerte en un accidente automovilístico en 1960, precisamente en el Reino Unido, Cochran tenía únicamente 21 años. 

Treinta años después, en 1988, el tema es reeditado consiguiendo situarse en el puesto número 14 en las listas británicas y en el 35 en la lista Billboard Hot 100 en Estados Unidos. Parte de la culpa del resurgir del tema la tuvo la compañía Levi Strauss & Co., que utilizó éste tema para promocionar su gama de jeans 501. El anuncio fue dirigido por Syd Macartney, y contaba la historia ficticia de como la narradora, Sharon Sheeley (Sharon tenía una relación con Cochran y viajaba junto a éste y Gene Vincent en el vehículo accidentado que costó la vida al artista) había atraído a Cochran usando dichos pantalones. 

PULSA PARA ESCUCHAR EN SPOTIFY

0046: Summertime Blues - Eddie Cochran

Una de las mejores medidas de la relevancia o de la calidad de una composición, además de las inevitables referencias a su posición en las listas de ventas, puede ser el número de versiones que, en busca de repetir el éxito de la canción original, otros artistas contemporáneos o posteriores acaben realizando del mismo tema. Si lo medimos por el criterio más ortodoxo (las listas de ventas), el Summertime Blues escrito por Eddie Cochran y Jerry Capehart, y publicado en 1958, no es más que un pegadizo tema sobre las inquietudes y problemáticas de la adolescencia, que llegó hasta el octavo puesto en el Billboard estadounidense. Pero si lo medimos con el baremo alternativo de los artistas que posteriormente se interesaron en versionar esta canción, entonces estamos, sin duda alguna, ante uno de los temas más relevantes de la historia de la música.

La "tristeza veraniega" ha contagiado a grupos y artistas que ya traían la melancolía "de serie" como Olivia Newton-John, Alan Jackson o los mismísimos Beach Boys, pero también a rockeros y bluseros más agerridos como los Who o los Black Keys. Otras versiones fueron también relevantes, como la del grupo estadounidense Rush, popularizada a través de la WWE (emporio audiovisual de la lucha libre estadounidense) o la que los Stray Cats hicieron para la popular película La Bamba, sobre la vida y obra de Ritchie Valens, pero la lista de homenajes y versiones en directo es todavía más impresionante: Bon Jovi, Bruce Springsteen, The Clash, The Flaming Lips, Joan Jett, Motorhead, T. Rex, Rolling Stones, Van Halen... y un largo etcétera de grupos y artistas que sucumbieron a la tentación de hacer un poco suyo a este auténtico himno generacional de Eddie Cochran, un músico de Minnesota que, siendo solo un adolescente, se convirtió en uno de los pioneros del rock and roll gracias a temas como Twenty-Flight Rock, C'mon Everybody, Somethin' Else o, especialmente, Summertime Blues. 

Quién sabe qué otros temas eternos nos habría regalado este artista, de no haberse cruzado la muerte de manera tan repentina en su camino. Con sólo 21 años, y mientras se encontraba de gira por el Reino Unido, un trayecto en taxi después de una actuación en Bristol fue el último viaje de Edward Ray Cochran. Su muerte sumió al mundo de la música en un estado de profunda "tristeza veraniega" que no hemos logrado superar, por más que lo hayamos intentado miles de veces, en otras tantas y tantas versiones posteriores.

PULSA PARA ESCUCHAR EN SPOTIFY

0042: Johnny B. Goode - Chuck Berry

 

Johnny B Goode,Chuck Berry

     El 31 de marzo de 1958 se publica por primera vez como single Johnny B. Goode, publicado bajo el sello discográfico Chess Records, el sello de los hermanos Leonard y Phil. El tema aparece como cara A, siendo acompañado en la cara B por el tema Around & Around. El tema, recién salido, arrasa tanto en aceptación de la crítica como en ventas, ocupando inmediatamente el puesto número 2 en la famosa lista americana R&B Singles, y la octava posición en la lista Billboard Hot 100. Este tema es considerado como uno de los primeros temas del rock & roll. Debido a su gran éxito, posteriormente el tema es incluido en el tercer álbum de estudio de Berry, Chuck Berry Is On Top, en 1959. 

El tema había sido compuesto por Berry en 1955, y se inspira en su vida para escibirlo. Cuenta la historia de un niño muy humilde con un gran talento para la guitarra. Si bien es un tema autobiográfico, hay algunos detalles que Berry cambia, como la parte que originalmente alude a "un chico de color", que sustituye por "un chico de campo". Y es que Chuck era consciente que si no cambiaba esa frase, era más que probable que contara con el veto de las emisoras de radio estadounidenses.

En el tema también hace referencia a que Johnny apenas sabe leer ni escribir, y Berry no sólo sabía leer y escribir, también se graduó en una escuela de belleza, adquiriendo un título de peluquería y cosmética. En el tema también se refiere a Johnny como un chico de Lousiana, sin embargo él era de St. Louis, y en el título del tema hace referencia a la calle donde vivía, el 2525 Goode Avenue de St. Louis.

Como hemos comentado anteriormente, es un tema autobiográfico de Chuck, aunque en un principio se inspiró en el pianista que tantas veces le acompañó, Johnnie Johnson. Curiosamente hay fuentes que atribuyen la grabación de piano a Johnnie Johnson mientras que otras atribuyen tal honor al pianista Lafayette Leake. El resto del personal que acompañó a Chuck en la grabación fueron los habituales Willie Dixon al contrabajo y Fred Below a la batería, y el lugar donde es grabado, los estudios de Chess Records en Chicago.

Para la introducción del famoso riff de guitarra Chuck se basó en el tema Ain't That Like A Woman, del saxofonista, pianista y cantante Louis Jordan, y para el famoso sólo del tema se inspiró en el tema Strollin' With Bones del famoso guitarrista T-Bone Walker, el cual fue una clara referencia y fuente de  inspiración durante la carrera de Chuck Berry.

PULSA PARA ESCUCHAR EN SPOTIFY

0040: At hop - Danny & The juniors

 

Danny and the Juniors fue un grupo vocal de doo wop de Filadelfia, Pensilvania. El doo wop es un estilo musical que se caracteriza por sus contenidos de voces a capela​ y por consistir en melodías en las que un vocalista principal es acompañado por los coros y frases del resto del grupo, el cual usualmente se compone de tres cantantes o más. ​ Las composiciones incluyen un amplio rango de voces; contratenor, falsete, tenor, barítono y bajo vocal. Danny and the Juniors formado en 1955, estaban encabezados por el cantante principal Danny Rapp  y estaban formados por otros miembros: el tenor Dave White, el segundo tenor Frank Maffei y el barítono / bajo Joe Terranova. Los cuatro chicos cantaban en fiestas escolares y otras funciones locales. Una noche decidieron ir a la esquina de una calle donde vivía un productor de discos local llamado John Madara. Después de decirles a los chicos que "se pierdan" unas cuantas veces, Madara finalmente bajó las escaleras para escucharlos, “No estaban mal”, pensó para sí mismo. Tenían escritas un par de canciones, una de ellas era una canción de baile titulada "Do the Bop”. Al productor Artie Singer le gustó “Do the Bop” y pronto hizo que el grupo hiciera una demostración para que él la probara con los DJ locales.

 

Despues del recorrido por las radios tomaron dos decisiones, acortar el nombre del grupo de Juvenaires a Juniors, y que cambiaran el término "bop", usado en "Do The Bop", ya que la canción estaba referida a un baile que estaba de moda entre la juventud de Bandstand llamado Bop, pero eso eran modas y desaparecería y decidieron cambiar la palabra "bop" por "hop". Los “saltos” van a durar mucho, mucho tiempo. El grupo cambió su nombre a Danny & The Juniors. El productor Artie Singer publicó el disco en su sello Singular Records, pero cuando salió "At the Hop" por primera vez, no recibió mucha atención. Sin embargo, eso pronto cambiaría. El 2 de diciembre de 1957, Singer recibió una llamada telefónica de Dick Clark que tenía contactos con él y era el encargado de un programa de música de la televisión, donde le explicaba que uno de los grupos que iban a aparecer en el programa Bandstand , no iban a acudir y Clark necesitaba una actuación de inmediato. Singer envió a Danny & the Juniors para que hicieran una presentación de sincronización de labios al aire de su nueva canción, "At the Hop". Después de la actuación, la centralita Bandstand se bloqueó con cientos de personas que querían saber sobre el grupo y la nueva canción.

El sello discográfico Paramount de ABC rápidamente se dio cuenta de la nueva canción popular, compró las grabaciones maestras y reeditó el sencillo bajo su sello ABC-Paramount. Para el 9 de diciembre de 1957, una semana después de que Danny & The Juniors hicieran su aparición de "emergencia" en Bandstand, “At The Hop" llegó a la lista de éxitos de Billboard, y en un mes se convirtió en el número uno en Estados Unidos. De la noche a la mañana, pasaron de ser desconocidos a estrellas de la música” y el Doo Wap

0039: Sweet Little Sixteen - Chuck Berry

 

Sweet Little Sxiteen, Chuck Berry

     En enero de 1958 la discográfica Chess Records publica el sencillo Sweet Little Sixteen de Chuck Berry. Dicho sencillo será utilizado junto a otros seis ya publicados anteriormente también como singles (Blue Feeling, La Juanda, Oh Baby Doll, Reelin' and Rockin', Rock and Roll Music y Low Feeling), y cinco nuevos, para publicar, también con Chess Records, el segundo álbum de estudio de Chuck Berry, One Dozen Berrys.

Tanto Sweet Little Sixteen, como los demás temas que componen este segundo disco de estudio de Chuck, son realizados en dos sesiones de grabación en el Sheldon Recording Studio de Chicago Illinios, la primera entre el 6 y el 15 de mayo de 1957, y la segunda entre el 29 y el 30 de diciembre de 1957. Chuck es acompañado en ambas sesiones de grabación por Hubert Sumlin a la guitarra eléctrica, Johnnie Johnsony y Lafayette Lake quienes se reparten las sesiones al piano, Willie Dixon al bajo y Fred Below y Ebbie Hardy que se reparten las tareas a la batería. 

El tema que nos ocupa, Sweet Little Sixteen, es grabado durante las sesiones que realiza Chuck en diciembre de 1957, y son Lafayette Lake, Fred Below y Willie Dixon los que realizan la gración del tema junto con Berry. El sencillo tiene un gran éxito, alcanzando el puesto número 2 en la famosa lista estadounidense Billboard Hot 100, y el puesto número 16 en las listas del reino Unido. La revista Rolling Stone clasificó esta canción en el puesto 272 de su lista "Las 500 mejores canciones de todos los tiempos" en 2004. 

Chuck Berry se inspira para escribir esta canción cuando se encuentra viajando de gira, y en dicha gira se encuentra a una adolescente que se había propuesto conseguir el autógrafo de todos los cabezas de cartel de la gira en la que Chuck estaba participando. Los Beach Boys se inspiraron en este tema para componer su famoso éxito Surfin' USA, acreditado en un principio a Brian Wilson. Pero a partir de 1966, y bajos las presiones del editor de Chuck Berry, éste tambíen sería acreditado junto a Wilson en la autoría del tema de los Beach Boys.

PULSA PARA ESCUCHAR EN SPOTIFY

0038: Rock and Roll music - Chuck Berry

 

Cuando salió al mercado One Dozen Berrys (1958), el segundo disco publicado por Chuck Berry, la industria discográfica tenía su mayor filón en la publicación de singles, y los discos de larga duración eran básicamente una compilación de los últimos singles mezclados con grandes dosis de canciones de relleno. En este caso concreto, y con la excepción de cinco temas ("Rockin 'at the Philharmonic", "Guitar Boogie", "In-Go", "How You've Changed" y "It Don't Take but a Few Minutes"), el resto de canciones de One Dozen Berrys habían sido lanzadas previamente al mercado en formato single. 

De ellas, temas como Reelin' and Rockin' o, especialmente, Sweet Little Sexteen, fueron grandes éxitos, pero es probablemente Rock and Roll Music el tema de este disco que más ha trascendido, y cuyo influjo más ha perdurado hasta nuestros días, ganándose por propio derecho un sitio privilegiado en el "Olimpo" de temas de Chuck Berry, a la diestra de Roll Over Beethoven o del mismísimo Johnny B Goode, su tema más reconocido, en parte gracias a las revisiones que del mismo se han hecho en películas (Regreso al Futuro) y discos de otros artistas de generaciones posteriores (especialmente divertida es la "versión" publicada por los Sex Pistols, que en realidad no es más que un ensayo en el que Johnny Rotten la interpreta sin saberse la letra).

En el caso de Rock and Roll Music, son especialmente conocidas las versiones de los Beatles y los Beach Boys, pero son también dignas de mención las de bandas de la talla de Manic Street Preachers, Bill Haley & His Comets o REO Speedwagon, entre otros. La querencia de otras bandas por este tema no es casual, ya que en la letra encontramos toda una declaración de intenciones y preferencias frente a otros estilos musicales, que convierten al tema de Chuck Berry en un auténtico mantra para todos los fervientes admiradores del Rock and Roll: "Solo déjame escuchar algo de esa música rock'n'roll, de cualquier manera que elijas. Tiene un ritmo de fondo con el que es imposible perderse, todas y cada una de las veces que lo pongas. Tiene que ser música rock and roll, si quieres bailar conmigo"

PULSA PARA ESCUCHAR EN SPOTIFY

0034: Great Balls of Fire - Jerry Lee Lewis

 

Pertenezco a una generación que descubrió a Jerry Lee Lewis a través de la caracterización de Dennis Quaid en el biopic que, de su vida y obra, se realizó en el Hollywood de finales de los 80. Para escribir estas líneas, busqué información más detallada en google y, aún hoy en día, la primera entrada que aparece al escribir Great balls of fire es la del videoclip de la histriónica interpretación de Dennis Quaid en la película, moviendo los labios sobre la voz de Jerry Lee Lewis e incendiando su piano durante una interpretación de lo más enérgica.

El auténtico Jerry Lee Lewis grabó en 1957 Great Balls of Fire para la discográfica Sun Records, un tema escrito por los compositores Otis Blackwell y Jack Hammer, y el sencillo se convirtió de inmediato en un éxito de masas, llegando a vender un millón de copias en la primera semana de publicación en Estados Unidos. Siguiendo con los guiños cinematográficos, y por aquello de saborear el auténtico café en lugar de recurrir a sucedáneos, cabe destacar que el propio Jerry Lee Lewis y interpretan Great balls of Fire en la película Jamboree, de 1957, en la que también aparecen artistas de la talla de Fats Domino o Frankie Avalon.

Jerry Lee Lewis destacó especialmente por su arrogante personalidad y la fuerza que transmitían sus interpretaciones al piano en directo, y es miembro de pleno derecho de ese reducido y elitista grupo de auténticos pioneros del rock and roll, del que también formaban parte Chuck Berry o Little Richard, entre otros. Tuvo siempre la etiqueta de rival alternativo o aspirante al trono de Elvis Presley, pero los frecuentes y sonoros escándalos que protagonizó en su vida privada acabaron por lastrar su carrera. Afrontó la siguiente década al abrigo de la música country, y décadas después logró de nuevo el merecido reconocimiento, gracias tanto al ingreso en el Rock and Roll Hall of Fame en 1986 como, especialmente, a la repercusión de la película Great Balls of Fire de 1989, esa que hizo que, aún hoy, al escuchar la canción, no pueda evitar ver a Dennis Quaid rociando de alcohol el piano y encendiendo una cerilla con gesto desafiante. En ese momento mágico, sabes que irremediablemente todo va a arder.

0033: Twenty Flight Rock - Eddie Cochran

 

Twenty Flight Rock, Eddie Cochran

     Twenty Flight Rock es una canción escrita por Ned fairchild y Eddie Cochran. El tema aparece por primera vez en 1956 en la comedia cinematográfica The Girl Can't Help It, donde Eddie Cochran intepreta éste rock and roll dándole una aire rockabilly. Posteriormente el tema sería lanzado como sencillo en 1957.

En 1956 se graba una primera versión del tema en los Gold Star Studios de Los Ángeles, donde Eddie Cochran se hace cargo de las tareas vocales y la guitarra, y es acompañado por Connie "Guybo" Smith al contrabajo y Jerry Capehart golpeando un cartón. Entre mayo y agosto de 1957 Eddie vuelve a grabar en los mismos estudios el tema, ésta vez acompañado por Perry Botkin Sr. a la guitarra ritmica, Connie "Guybo" Smith al contrabajo y los Johnny Mann Chorus a los coros.

El tema es lanzado como sencillo por el sello Liberty Records en noviembre de 1957, ocupando la cara A y acompañado en la cara B por el tema Cradle Baby. La letra del este marchoso rock and roll nos habla de un novio que va visitar a su novia la cual tiene su apartamento en el piso 20 de un edificio, con tan mala suerte que el ascensor no funciona, y cuando por fín el novio llega al apartamento lo hace completamente agotado. Si bien en Estados Unidos el tema alcanzó un éxito moderado, fue en Europa donde se hizo muy popular y mantuvo buenas ventas durante un largo periodo de tiempo.

0032: Jailhouse Rock - Elvis Presley

 

Jailhouse rock, que luego se convertiría en el título de su tercera película, la primera con MGM (Metro-Goldwyn-Mayer), se grabó un 30 de abril de 1957. Fue la toma número 6 la elegida por RCA para que fuese la Cara A de un single que se publicó el 24 de septiembre de 1957, con "Treat Me Nice", también de Jerry Leiber & Mike Stoller, en la Cara B. Este dúo es el responsable de composiciones como Houng Dog o Stand By Me en compañía de Ben E. King.

Elvis quería adentrarse en la actuación cinematográfica y desligarla de su carrera musical, algo que nunca conseguiría, sin embargo las canciones en esta película son una parte esencial del argumento, algo que pocas veces ocurrió en su cine. A finales de 1957, las pantallas de cine se llenaron de "El Rock de la Cárcel", la película fue dirigida por Richard Thorpe, quien también haría lo propio en otra cinta protagonizada por Elvis, El idolo de Acapulco. La primera escena que se filmó fue precisamente la secuencia del baile de Jailhouse Rock y está considerado como el primer videoclip de la historia. Ahí es nada. 

Pero es que además de su impacto en las pantallas de cine, las radios no paraban de radiar uno de los temas más pegadizos que jamás se hayan realizado: Jailhouse Rock. La canción arrasó y fue el noveno número uno del cantante en las listas americanas a la que Elvis dio, como casi siempre, el toque especial la encumbró de rock, a un tema que por la letra y donde se produce, una cárcel, algunos críticos han considerado siempre de temática gay. Jailhouse Rock" tiene una de las intros más memorables en la historia del rock: dos acordes de guitarra con golpes de caja. La intro dura apenas seis segundos, pero el patrón se repite a lo largo de los versos, estableciendo un firme gancho musical que sigue siendo la envidia de los compositores. La canción tiene lugar en una cárcel y cuenta como un alcaide permite una fiesta. 

Se han hecho innumerables versiones entre las que destacan las realizadas por Bruce Springsteen, Rod Stewart, Queen, además de un largo etcétera de artistas que han rendido tributo a uno de los temas legendarios de la historia del rock. Su popularidad en España también fue muy alta, no solo la versión del propio Elvis, en particular Los Teen Tops hizo una muy aceptable versión en castellano, también Miguel Ríos hizo una estupenda versión, aunque bastantes años más tarde cuando ya tenía su carrera consolidada.

0031: Peggy Sue - Buddy Holly

 

Peggy Sue, Buddy Holly

    El 20 de septimbre de 1957, bajo el sello Coral Records, se publica el tema Peggy Sue, grabado por Buddy Holly. Posteriormente, el 15 de noviembre de 1957, también se publica en el Reino Unido.

El tema fue escrito por Jerry allison, baterista de The Crickets, la banda de acompañamiento de Buddy Holly, y por Norman Petty, músico y porductor de discos que solía trabajar con Buddy Holly and The Crickets. La grabación del tema se produce entre el 20 de junio y el 1 de julio de 1957, y durante estas sesiones se encuentran presentes Norman Petty, que se encarga de la producción, y Buddy Holly acompañado del baterista Jerry Allison y del contrabajista Joe B. Mauldin, miembros de The Crickets, el grupo de compañamiento de Buddy.

El tema se iba a titular originalmente Cindy Lou, en honor a la hija de la hermana pequeña de Buddy, Pat Holley Kater. Cuando Jerry Allison se entera, le pregunta a Buddy si podría cambiar el título del tema por el de Peggy Sue, en honor a una chica con la que estaba saliendo, Peggy Sue Gerron, y con la que había discutido. La intención de Allison era salvar la relación con su novia Peggy, cosa que consiguió, y además de salvar la relación se casó con ella una año después, en 1958, aunque se acabarían divorciando 9 años después.

Jerry Allison estaba teniendo problemas para grabar el ritmo de de la batería de la canción, pues no acababa de coger el tempo en el que había sido escrita. Para motivarle, el productor Norman Petty le dijo: "Si no lo haces bien en la siguiente toma, cambiaremos el nombre de la cación de nuevo a Cindy Lou"; ni que decir tiene que aquello espoleó y motivó lo suficiente al baterista y grabó la toma siguiente satisfactoriamente. Inicialmente el tema estaba únicamente acreditado a Norman Petty y Jerry Allison, Buddy Holly sería acreditado como coguionista después de su muerte ante la insistencia de jerry Allison. El tema tiene un curiosidd, fue el primer éxito acreditado a Buddy Holly sin su banda, en aquellos tiempos las canciones de Holly eran publicadas por los sellos Coral Records y Brunswick Records, ambos pertenenientes a Decca Records, y la primera edición con Coral sólo se le acreditaba a él, mientras que una posterior con Brunswick acreditaba también a The Crickets.

PULSA PARA ESCUCHAR EN SPOTIFY