viernes, 22 de enero de 2021

0022: Venus de Milo - Miles Davis




Venus de Milo es una de las canciones más destacables del disco Birth of The Cool de Miles Davis, publicado en 1957 en el sello Capitol. La historia de la canción se remonta a finales de los años cuarenta, una época en la que el apartamento de Gil Evans en la calle 55 de Nueva York era un lugar frecuentado por muchos músicos de jazz, que siempre encontraban la puerta abierta para pasar el rato improvisando con sus instrumentos. Varios de aquellos músicos (John Carisi, George Russell, John Lewis, Johnny Mandel y Gerry Mulligan) decidieron formar un grupo, y pensaron en Miles Davis como trompetista principal. Gerry Mulligan compuso la mayor parte del material para aquel grupo, incluyendo una canción llamada Venus de Milo, que acabaría formando parte del disco Classics in Jazz: Miles Davis, una primera versión, de solamente ocho temas, de lo que después sería Birth of the Cool. 

Venus de Milo es una grabación particularmente compleja, debido a la inclusión de una trompa y una tuba, instrumentos que tienen prestaciones más lentas que las del saxofón o la trompeta, por lo que fueron necesarios muchos ensayos y varias tomas para lograr ajustar toda la sección de vientos y lograr la ligereza en el ritmo que Mulligan había imaginado para la canción. Formó parte tanto de la primera versión del disco, como de la versión definitiva de 1957, ya bajo el título de Birth of the Cool, y con los once temas que se grabaron para el disco, entre los años 1949 y 1950 en los estudios WMGM de Nueva York.

La crítica trató bien a ambas versiones del disco, considerando la obra final como una de las referencias clave del jazz, creada por un Miles Davis inquieto y veinteañero, que se rodeó de solventes músicos de la efervescente escena jazz neoyorkina, para plasmar en el disco sus pioneras ideas sobre la improvisación, aplicando ese particular tratamiento a temas como Move, Jero, Budo o la ya mencionada Venus de Milo.

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El disco de la semana 209: Camel - Mirage

 

Mirage, Camel


     Para hablar de nuestra siguiente recomendación semanal pemitirme que primero me detenga en la llamada "Escena de Canterbury", también conocida como "Sonido de Canterbury", imprescindible para entender a uno de sus mayores precursores. Así se llama al grupo de músicos o bandas cuyo auge se sitúa a finales de los años 60 y principios de los 70, y que fue formado en torno a la ciudad de Canterbury. El denominador común fue la forma de entender la música, una magnífica mezcla de rock y jazz con tintes y aderezos de música psicodélica. 



Corría el año 1960, y un joven chico australiano llamado Daevid Allen se hospeda en la casa de huéspedes propiedad de los padres de Robert Wyatt, situada en la localidad de Lydden, a unos 16 km de Canterbury. Allen traía consigo una buena colección de discos de jazz, los cuales le influencian como músico. Allen y Wyatt hacen amistad, y en 1963, junto a Hugh Hopper fundan Daevid Allen Trío, que posteriormente pasaría a llamarse Wilde Flowers. Sería esa formación, Wilde Flowers, el caldo de cultivo que da orígen a todo el movimiento, pues en ella se encontraban los músicos que acabarían formando Soft Machine y Caravan, las cuales a su vez fueron las inspiradoras y precursoras de todas las bandas posteriores. En 1966 Daevid Allen, Kevin Ayers y Mike Ratledge fundan Soft Machine. Se acababa de asentar el movimiento de la Escena de Canterbury, alcanzando su pleno apogeo. Grandes bandas han representado este estilo, las citadas Soft Machine y Caravan, Gong, Hatfield and the North, National Heart, Egg, Gilgamesh, Quiet Sun, y la recomendada para ésta ocasión por 7dias7notas, Camel.

 Andrew Latimer (guitarra, flauta), Andy Ward (batería, percusión) y Doug ferguson (bajo), habían estado tocando como un trío llamado The Brew. En febrero de 1971 realizan una audición para ser la banda de respaldo del cantante Phillip Goodhand-Tait, con el que lanzan ese mismo año un álbum titulado I Think I'll Write A Song. El grupo decide reclutar al tecladista Peter Bardens y posteriormente cambian el nombre del grupo, acababa de nacer Camel. El 4 de diciembre de 1971 dan su primer concierto como Camel apoyando a Wishbone Ash en el Waltham Forest Technical College de Londres. Unos meses después, concretamente en agosto de 1972, consiguen su firmar con RCA Records, y en febrero de 1973 lanzan primer álbum de estudio, titulado Camel. El disco apenas tiene repercusión, lo que hace que el grupo cambie de discográfica, marchádose a Deram Records, subisidiaria de Decca Records

En noviembre de 1973, Latimer, Bardens, Ward y Ferguson graban entre los Island Studios, Decca Studios y AIR Studios, todos en Londres, el material que compondrá su segundo álbum de estudio. Un material que es publicado en marzo de 1974 bajo la discográfica Deram Records y bajo la producción de David Hitchcock. El título: Mirage. Un trabajo con el que Camel da un gran salto adelante para instalarse en el grupo de grandes formaciones de rock progresivo, y donde Latimer además de guitarrista, también se destapa como una gran flautista.



Abre este disco compuesto únicamente por cinco temas, Freefall, compuesta por Peter Bardens, donde nos encontramos las líneas maestras por las que va a discurrir el disco, una batería y un bajo marcando el rítmo y unos intercambios magníficos entre el teclado de Bardens y la guitarra de Latimer. Supertwister, suave tema instrumental dedicado a la formación holandesa Supersister , y donde destaca la elgante forma de tocar la flauta de Latimer y su exquisita técnica. The White Rider: Nimrodel/The Procession/The White Rider, compuesta por Latimer, podemos apreciar la influencia del escritor J. R. R. Tolkien en estos chicos. El tema consta de tres partes con una compleja composición y que ya deja entrever el camino que la banda seguirá en el futuro con la dificultad y maestría de estas composiciones. El tema nos relata la historia de Nimropel, una bella dama enamorada de Amroth, el rey élfo de Lothlórien. Un tema que es capaz de transmitirnos diferentes estados de ánimo según va avanzando, en definitiva, una maravilla dentro del rock progresivo. Earthrise, compuesta por Bardens y Latimer, tema donde cobran protagonismo los fuertes sólos de guiarra de Latimer acompañados de un trabajo descomunal de la batería de Ward. y llegamos al final con otra maravilla / obra maestra del rock progresivo, Lady Fantasy: Encounter/Smiles for You/Lady Fantasy, compuesta por los cuatro integrantes, Ferguson,Ward, Bardens y Latimer, dividido en tres partes y donde vuelven a demostrar la mestría a la hora de componer complejos temas. Es un épico tema y otro de los momentos cumbre del disco, donde podemos apreciar el clásico sonido rock que el grupo hace en su primer trabajo, y que según va avanzando el tema, va virando hacia un sonido más progresivo con los poderosos riffs de Latimer y un magnífico Bardens al frente del órgano Hammond. 

Latimer, Bardens, Ward y Ferguson con éste segundo trabajo, Mirage, establecieron lo que sería el sonido de Camel y que a la postre influenciaría a tantas otras bandas de rock progresivo.Sin duda es éste un álbum imprescindible en la biblioteca de cualquier seguidor del rock progresivo.


jueves, 21 de enero de 2021

0021: School days - Chuck Berry

 

School Days, Chuck Berry


     School Days, también conocida como School Day (ring! Ring! goes the Bell), es un vibrante rock and roll compuesto por Chuck Berry. El tema fue grabado el el 21 de enero de 1957 en los Universal Recording Studios de Chicago, Illinois. La grabación es producida por los hermanos Phil y Leonard Chess, propietarios del sello Chess Records. Para la grabación, Chuck se encarga la parte vocal y la guitarra, y es acompañado en el estudio por Johnnie Johnson al piano, Hubert Sumlin a la guitarra, Willie Dixon al bajo y Fred Below a la batería, casi nada. El tema es publicado por el sello Chess Records como single en marzo de 1957, y en mayo de 1957 como tema incluido en el álbum de Chuck Berry After School Session.

El tema alcanzó el puesto número 5 en la lista Billboard Hot 100 y el puesto número 1 en la lista de Best Sellers de R&B, convirtiéndose también en el primer tema de Berry que se posiciona en la lista de singles del Reino Unido, alcanzando el puesto número 24. Hay gente que confunde el título de este tema, pensando que es la primera línea del último verso, "Hail, heil, rock 'n' roll". Esta línea se usó para dar título al documental que se hizo sobre Berry en 1988. 

La canción trata sobre la vida adolescente en la escuela secundaria en los años 50. Berry sabía que podía vender mucho si orientaba su música hacia el público adolescente. La temática versa básicamente en como pasar el día en la escuela mientras uno piensa en bailar y estar con su chica. Las paradas e inicio de la canción simulan y evocan las pausas en la escuela secundaria, cuando se pasa de una clase o actividad a otra diferente. Para Berry fue un gran cambio pasar de la escuela primaria, donde se permanecía todo el día en la misma clase, a la escuela secundaria, con todo el ajetreo que aquello suponía.


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La música en historias: El primer lanzamiento de Virgin Records

 

TubularBells, Mike Oldfield


     Finales de la década de los 60 y principios de los 70, un joven británico llamado Richard Branson se dedica a comprar discos pirata y de saldos para luego venderlos a través de outlets o desde su coche como improvisado punto de venta, y posteriormente se dedica a venderlos por correo bajo pedido. Este joven visionario y emprendedor consigue abrir a principios de los 70 un pequeña y modesta tienda de discos en situada en Oxford Street, Londres. Poco a poco va creciendo, y su siguiente paso es comprar con los beneficios obtenidos un lugar donde instalar un estudio de grabación.

Nos encontramos en 1972, y un joven multiinstrumentista británico llamado Mike Oldfield, había compuesto con tan sólo 17 años una pieza instrumental. Oldfield había ofrecido la maqueta de su composición a varias discográficas, pero no había consguido que ninguna se interesara por ella, la razón, se trataba de una composición instrumental muy extensa, a diferencia de las composiciones de la época, lo cual no hacía su producto atractivo de cara a la venta. 

Ese mismo año, 1972, Richard Branson, que poseía ya unas cuantas tendas de venta de discos a domicilio, funda Virgin Records, su propia discográfica junto a dos amigos más, Simon Draper y Nick Powell. El estudio de la compañía era una mansión llamada The Manor, situada en Oxfordshire, a las afueras de Londres, y era pionero en Inglaterra, pues allí las grabaciones se hacían de manera artesanal. A manos de Tom Newman y Simon Heyworth, que trabajaban por entonces en The Manor, llega la maqueta de Mike Oldfield y quedan fascinados e impresionados. Mike y Simon se la muestran a Richard Branson y hacen que éste se interese por ella. 

Richad Branson apuesta entonces por el joven Mike Oldfield, y graban la composición de éste. Al tratarse de una larga sinfonía ejecutada por multidud de instrumentos (Casi todos ellos grabados por Mike Oldfield), tuvieron problemas técnicos para poder grabarlos en The Manor, pues sólo disponian de una mesa de ocho canales para grabar todas las pistas, y tuvieron que recurrir a trucos artesanales para conseguirlo. El 25 de mayo de 1973 se publica la composición de Mike Oldfield, llamada Tubular Bells, bajo el sello discográfico de Virgin Records, convirtiéndose en el primer lanzamiento de la joven discográfica. Parte de la música de Tubular Bells también se usa para la banda sonora original de la película El Exorcista (1973), dirigida por William Friedkin

Los caminos de Richard Branson y Mike Oldfield se juntaron para conseguir algo muy grande, por una lado, convertir Tubular Bells, el primer lanzamiento de la joven compañía, en uno de los discos más vendido de la historia del rock, vendiendo más de 16 millones de copias en todo el mundo, encaramándose en las listas británicas de éxitos durante 279 semanas seguidas, y por otro lado dar un espladarazo fundamental a una compañía que creció hasta convertirse en una de las más potentes del mercado mundial, y que durante su historia ha conseguido tener un amplio catálogo de artistas como Roy Orbison, Keith Richards, Janet Jackson, Culture Club, Simple Minds, Lenny Kravitz, The Smashing Pumpkins y Avicii entre otros muchos.

miércoles, 20 de enero de 2021

0020: Long tall Sally - Little Richard


Perteneciente al primer album de estudio del artista, Here Little Richard, al que sin duda mas le debemos en el nacimiento del Rock and roll, suyas fueron las siguientes palabras en una entrevista realizada en 2013, "El rock comenzó conmigo y la gente de hoy no lo sabe", por supuesto Mr. Richard. Si preguntas a alguien quienes fueron Bill Haley o el creador de esta canción posiblemente no tengan ni idea, y sin embargo para la música moderna son dos de los colosos que dieron un paso de gigante en la música como hicieran Picasso en la pintura o Giacometti en la escultura. La dotaron de una fuerza y vitalidad tal que su impulso se mantiene hasta hoy en día, y olvidarse de ellos es algo que no podemos consentir desde este blog.

Buena parte del rock and roll encuentra su raíz en el blues. Y esa es, precisamente, la naturaleza de este Long Tall Sally, un blues de doce compases que se convertiría en uno de los éxitos más grandes de la carrera de Little Richard y que terminó de adquirir el estatus de clásico cuando los Beatles la hicieron suya. Richard escribió esto mientras trabajaba como lavaplatos en una estación de autobuses Greyhound en Macon (Georgia), es una canción que te deja boquiabierto, de una velocidad increíble, fuera de los estándares de ese 1956, que incluye el coro stop and go tan típico de esa época, pero ademas contiene un solo de saxofón brillante. La canción nos cuenta la historia del tío John que está fuera de casa porque dice que está enfermo, pero que en verdad se lo está pasando de miedo con la "larga y alta Sally". Su sobrino se entera y lleva a la tía Mary para que le cante las cuarenta mientras él se lo pasa en grande. Richard explicó que realmente existió una "Long Tall Sally", pero no era una travestí como a veces se informó, Sally era una amiga de la familia que siempre estaba bebiendo whisky, ella decía estar resfriada y que estaba bebiendo tés calientes para que la calmaran durante todo el día. Richard la describió como alta y fea, con solo dos dientes y con los ojos muy abiertos. 

El tema ha tenido multitud de versiones, sin duda una la mas conocida fue la de The Beatles, pero también artistas como Marty Robbins, Wanda Jackson, The Kinks (fue su primer single) o ya en el Siglo XXI el grupo Cinderella hicieron suya esa canción. Paul McCartney, llegó a confesar en cierta ocasión que “la primera canción que canté en público fue “Long tall Sally”, y para mí Little Richard es uno de los reyes del rock and roll. Además es un gran tipo, al que ahora considero mi amigo”.

La cancion la podemos encontrar en el album Here's Little Richard incluido en el libro 1001 un discos que debes escuchar antes de morir


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David Bowie - Station to Station (Mes David Bowie)

La música en historias: Station to Station - #MesDavidBowie


Un disco que ni se acuerda el propio David Bowie, según sus dichos por el mismo musico, porque fue una época muy compleja para el músico por su adicción a las drogas, pero este disco de apenas seis canciones.

Pero David Bowie hace una transición del funk y el soul, haciendo un salto hacia sintetizadores y ritmos motorik influenciados por bandas electrónicas alemanas. Una curiosidad del disco, todas las canciones de Station to Station, excepto la que da el título al álbum, eventualmente fueron publicados como sencillos.

Pero vamos con la producción del disco Station to Station fue grabado en 1975 en Cherokee Studios, Los Ángeles, la grabación fue realizada en 10 días de actividad frenética, pero no solo eso fue lo frenético de este disco, el propio David Bowie no recuerda casi nada de la producción del álbum, ni siquiera del estudio, admitiendo el propio artista en declaraciones que "Supe que estaba en L.A porque lo leí".​ El cantante no era el único que abusaba de la cocaína durante las sesiones, Carlos Alomar (Guitarrista) comentó, "Si había una raya de coca que te mantuviera despierto hasta las 8 de la mañana, entonces podías hacer tu parte en la guitarra, y seguías con la raya [...] el uso de coca es impulsado por la inspiración"

Al igual que Bowie, Earl Slick tiene pobres recuerdos de la grabación "El álbum es un poco borroso ¡por razones obvias! Estábamos en el estudio y fue genial, pasábamos ahí un montón de horas, un montón de noches".

Lo cierto es que pese al olvido de sus artistas Station to Station esta entre los mejores álbumes de Bowie y así lo afirmaron los especialistas, Station to Station fue lanzado en enero de 1976, y Billboard consideró que Bowie "había encontrado su hueco en la música", a raíz de temas como "Fame" y "Golden Years", aunque la "canción de diez minutos aburre" (en referencia a la canción "Station to Station"). Y NME lo llamó "uno de los álbumes más significativos de los últimos cinco años". 

Daniel
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martes, 19 de enero de 2021

0019: Lucille - Little Richard

 

Lucille, Little Richard


     En julio de 1956 Little Richard grababa Lucille, tema que sería publicado en febrero de 1957 como sencillo bajo el sello discográfico Specialty Records. Adelantado a su tiempo, este  es uno de los temas que marcarían el Rock and Roll que estaba por por venir en la década de los 60. El tema aparece acreditado a Albert Collins, que nada tiene que ver con el gran guitarrista de blues, y a Little Richard, aunque en las primeras ediciones de la discográfica aparecía únicamente acreditado Albert Collins, y al parecer Little Richard compró la mitad de lo derechos cuando Albert se encontraba en la Penitenciaría Estatal de Lousiana

El tema, un trallazo lleno de un vibrante ritmo, supuso un éxito, alcanzando el puesto número 21 en la lista Billboard R&B de música pop de Estados Unidos, y el puesto número 10 en las listas de ventas de Reino Unido. Little Richard se encarga del piano y la voz en la grabación, siendo respaldado por Lee Allen al saxo tenor, Alvin "Red" Tyler al saxo barítono, Roy Montrell a la guitarra, Frank Fields al bajo, y Earl Palmer a la batería. 

Al parecer, el origen de Lucille data de 1955, cuando Little Richard formaba parte de la banda de Johnny Otis. Ese año compone una balada llamada Directly From My Heart To You, tema que es lanzado como sencillo por la discográfica Peacock Records. Cuando la carrera de Little Richard despega, decide rescatar el tema y junto con Albert Collins decide utilizar el sonido, retocándolo y acelerando considerablemente el tempo. la letra es reescrita y se basa en una mujer que al parecer rompió el corazón de Little Richard en la vida real. Para los efectos y ritmos de Lucille, y al igual que en muchos de sus temas, Little Richard admitía que se basó en los trenes que pasaban por delante de sus casa, y que le solían servir de inspiración. 


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Un país, un artista: Cuba - Silvio Rodriguez

 




Cuba es música, sin duda, en el país del Caribe encontramos multitud de estilos y sus habitantes son unos grandes apasionados de la música, a primeros de los años 60 se desarrolló una revolución musical en Cuba con la aparición del movimiento Nueva Trova. Dentro de este fenómeno musical se destaca el cantautor Silvio Rodríguez, uno de los músicos cubanos más destacados y queridos por el público.

 

Silvio Rodríguez es un artista de origen cubano, destacado guitarrista, cantautor y poeta. Nació en 1949 en San Antonio de los Baños. De origen campesino de escasos recursos económicos. Hijo de Víctor Rodríguez, un agricultor que en sus buenos tiempos fue tallador de diamantes y ebanista y de Argelia Domínguez una ama de casa, aficionada al canto. A lo largo de su infancia participó en varios concursos uno de ellos auspiciados por la emisora CMQ, en el cual ganó el primer lugar con el bolero “Viajera”. Incursionó en la ejecución de la tambora con su tío Ramiro imitando la música de Benny Moré y la Orquesta Aragón. A los 7 años de edad, comenzó a estudiar piano en el Conservatorio La Milagrosa, pero abandonó estos estudios al poco tiempo. En 1959, estalla la revolución liderada por Fidel Castro que derrocó la dictadura de Batista y Silvio se alistó en las Juventudes Socialistas. En 1967 comienza su carrera musical debutando en el programa de televisión “Música y Estrellas” y en 1968, fue conductor del programa de televisión “Mientras tanto”. Junto con otros cantautores como Pablo Milanés, Vicente Feliú y Noel Nicola, conforma el grupo que inició el movimiento artístico, llamado La Nueva Trova Cubana que tuvo sus raíces en la trova tradicional, pero se diferenció de esta debido a que su contenido fue político, en un sentido muy amplio. La Nueva Trova combinó música popular tradicional con textos “progresistas” y frecuentemente politizados, y estuvo relacionada con el movimiento de la Nueva canción latinoamericana, especialmente con la argentina. Algunos de los miembros de la Nueva Trova fueron también influenciados por el rock y la música pop de su época.

 

En 1969, debido a algunos comentarios hechos sobre la popular banda inglesa The Beatles , Silvio fue despedido de su trabajo en televisión. En este momento decide emprender un viaje por mar a bordo del arrastrero Playa Girón. En un viaje que duraría 4 meses, Silvio compuso un total de sesenta y dos canciones, que grabaría en tres casetes de 90 minutos cada una. De aquí surgió una de las canciones más conocidas de Silvio: Ojalá. Además, compuso en este viaje Resumen de noticias , Fábula de Océano , Cuando digo futuro , Hoy no quiero estar lejos de la casa y el árbol , Cleopatra y Playa Girón , entre otros.


El primer disco de gran disco de Silvio fue Dias y Flores, no nos muestra un músico primerizo, sino un músico que ya llevaba muchos años de carrera a sus espaldas, habiendo editado algunos sencillos y participado en obras colectivas. Silvio Rodríguez rompe con esta magnífica obra algunos de los tópicos que suelen atribuirse a la canción de autor, en estos momentos aún llamada "canción protesta", entre ellos el supuesto panfletarismo. Y sí, Silvio Rodríguez tiene canciones políticas, entre muchas otras temáticas, pero haciéndolo siempre desde un enfoque político o inusual, siendo uno de los más claros ejemplo la canción "Días y flores" que da título al disco, cómo desde una sencilla canción de amor se transita a una canción de rabia ante los males que afligen al mundo. También hay espacio para reflexiones filosóficas ante la vida y la existencia, y ante el propio ejercicio de hacer canciones. En 1978 lanzaría su segundo disco, Al final de este viaje , solo con instrumentos acústicos, una de las mejores grabaciones de la historia en español. Este álbum reúne las canciones que demuestran su gran talento, letras íntimas, que incluyen principios políticos y personales, todo cantado una de las mejores voces de la trova. Incluso si uno no fuera seguidor de los valores de la Nueva trova, es innegable la habilidad de Rodríguez para aplicarle poesía sensible a sus ideales. Sencillamente, no se puede discutir con el manejo de las palabras de este señor, pero no son solo las letras, descubrimos un excelente trabajo en guitarra, a la que Silvio sabe sacarle la melancolía y la pasión que su voz encarna. Este disco tendría canciones tan reconocidas como La era está pariendo un corazón, Canción del elegido y Ojalá. Silvio Rodríguez fue a partir de entonces una de las figuras más reconocidas en los escenarios nacionales y uno de los representantes más queridos de la música isleña en el exterior. Mujeres es otro disco casi redondo nuevamente las letras y la guitarra juegan y se entrelazan con la elegancia, vestidas de poesía con mayúsculas en algunos de sus temas. Creo que es uno de los imprescindibles de Silvio más cuando podemos escuchar el tema Te doy una canción. 

Rabo de nube apareció en 1980, dedicado al vigésimo aniversario de la revolución cubana. Causó

sensación la portada, un collage hecho por la pequeña hija de un escritor amigo llamado Gregorio Selser, vemos un tornado acompañado de rayos y truenos que barre la isla, la canción que da título al álbum habla de cómo “en Cuba a la gente del campo les llama rabo de nube, hay que crecer, vivir el mundo y darse cuenta de lo necesarios que serían, si barrieran con todas las tristezas que no les deja disfrutar. Esta canción significa comunicarme con un sentimiento de todos, seamos de donde seamos y pensemos como pensemos”. Unicornio es un álbum de principios de los ochenta, que era el tipo de época en la que la buena música iba a morir. El álbum tiene su parte de sonidos de sintetizador locos y orquestación exagerada, pero admirablemente mantiene la voz de Rodríguez y la guitarra de cuerdas al frente como protagonista del álbum, en este album Silvio sería acompañado por primera vez por una orquesta y será este disco el que ganaría fama internacional, especialmente en países latinoamericanos. Su historia es más larga pero no queremos abrumar traten de disfrutar de sus primeras cinco joyas.

 

Silvio Rodríguez se ha ganado la admiración de sus oyentes con su voz suave, sus melodías únicas y sus letras llenas de emoción. Sus presentaciones en teatros y barrios de Cuba siempre se caracterizan por una enorme asistencia. Si es música cubana, es una de las grandes que no se escuchan. Silvio Rodríguez sigue siendo un referente de lo mejor de la Isla, en lo que al escenario musical se refiere

lunes, 18 de enero de 2021

La musica en canciones: Canciones reseñadas de 1956

La música es como el amor, bueno, es amor, todos tenemos el nuestro y no a todos nos tiene que gustar lo mismo, esta lista no son las mejores canciones, ni siquiera tus favoritas o nuestras favoritas (bueno eso casi que si), simplemente nuestras elegidas, y a modo de índice os dejamos una lista de todas las canciones de 1956 reseñadas para que puedas conocer mas sobre la canción, además de una lista creada en Spotify con todos los temas para escucharlas.

Clickea sobre el titulo de la canción y te llevara al articulo de cada una de las 17 canciones reseñadas de 1956. Disfrútenlas




Be bop a Lula - Gene Vincent

Blue suede shoes - Carl Perkins

Blueberry Hill - Fats Domino



Heartbreak Hotel - Elvis Presley



In The Wee Small Hours Of The Morning - Frank Sinatra

I walk the line - Johnny Cash

Katie Dear - The Louvin Brothers

Love me tender - Elvis Presley 


Shake, Rattle & Roll - Elvis Presley






0018: Brilliant Corners - Thelonious Monk




Brilliant Corners es la canción que da título al tercer álbum del músico de jazz Thelonious Monk. Publicado por Riverside Records en 1957, fue el primero en el que este reconocido músico de jazz incluyó composiciones propias. Para la interpretación de la canción, tanto el perfeccionismo del artista como la complejidad que quiso darle al tema principal del disco, desembocaron en largas sesiones que dieron como fruto una gran cantidad de tomas previas, cuando para el resto del álbum  se destinaron solamente algunas sesiones adicionales. Sólo para la melodía, se realizaron 25 tomas incompletas, y la versión final de la misma se construyó mezclando varias de esas tomas.

La canción se basa en una melodía de 22 compases extraordinariamente compleja, con una estructura bastante alejada de los arquetipos de las composiciones de jazz o de blues de la época. El esfuerzo acabo mereciendo la pena, porque Brilliant Corners fue aclamado por la crítica especializada, que lo consideró como la cima creativa de su carrera hasta ese momento. Thelonious Monk se labraría desde entonces una merecida fama de músico de jazz arriesgado, y que aportaba un registro muy diferente a todo lo que se hacía por entonces.

El resto de canciones del álbum tampoco desmerecían en términos de calidad, con temas también destacables como Pannonica, Bemsha Swing o la elegante versión de I surrender dear, esta última con Monk en solitario al piano. Y como prueba de su relevancia, cabe mencionar que fue incluido en el Salón de la Fama de los Grammy en 1999, y que forma también parte de los "1001 discos que hay que escuchar antes de morir" de Robert Dimery. En definitiva, estamos ante una canción y un disco que, vistos desde cualquiera de sus múltiples "vértices" o "esquinas" musicales, resultan siempre igual de brillantes.

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domingo, 17 de enero de 2021

0017: Day-O (The Banana Boat Song) - Harry Bellafonte

 


0017 La música en canciones: Day-O (The Banana Boat Song) - Harry Bellafonte 

Quien no ha escuchado "Banana Boat Song", y si no la recuerdas seguro has visto Beetlejuice, y lo recordaras por la escena donde todos bailan al rededor de la mesa. 

Pero Banana Boat Song por si no lo sabias es un ritmo tradicional jamaiquino llamado Mento, el Mento es el precursor de los estilos Ska y Reggae, así que a no confundir esta fantástica canción, que fue popularizada por Harry Bellafonte en el año 1956, la canción cuenta la historia de unos trabajadores que después de realizar la carga de un barco de plátanos durante una noche, esperan recibir la paga para volver a sus hogares. 

Por hacer un poco de historia la canción se grabó por primera vez en Inglaterra en 1954 no por Harry Bellafonte, sino por el actor y vocalista de Trinidad Edric Connor. Connor la llamó Day Dah Light (Banana Loaders Song) y la incluyó en un disco de canciones folclóricas jamaicanas que no tuvo gran difusión. Y ya en 1956 dos nuevos arreglos introducidos en la canción, permitió que se grabara de forma independiente por el cantante caribeño-estadounidense Harry Bellafonte y por The Tarriers, un grupo estadounidense que interpretaba canciones folclóricas, la adaptación por el compositor Irving Burgie, se llamó Day-Oh y salió tanto como sencillo como en su disco de calypso. The Tarriers habían oído la canción de otro intérprete de música folk, Bob Gibson, quien había viajado a Jamaica.

Su versión, llamada The Banana Boat Song, es en realidad una mezcla con otra canción folk jamaicana: Hill and Gully Rider. Tanto la versión de The Tarriers como la de Bellafonte alcanzaron las listas de éxitos a principios de 1957.

Esta canción fue interpretada por diferentes artistas, e incluso estos artistas han jugar con la improvisación, por ello la diferentes versiones que existen, pero la popularidad impuesta por Harry Bellafonte, permitió que esta canción pasara por los show de los Muppets o ser la base musical de la película Beetlejuice, que recordábamos al principio del post.

Así que pon The Banana Boat Song y baila alrededor de la mesa.

Daniel
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David Bowie - Diamond Dogs (Mes David Bowie)


Diamond Dogs - #MesDavidBowie

Estamos ante el sexto disco de David Bowie, es el disco donde David Bowie se encuentra entre el Glam de Ziggy y las nuevas vías de expresión del Bowie pre-soul/funk. 

De entrada sorprendió que, a pesar de estar disueltos los Spiders From Mars, no contara con las habilidades de Mick Ronson en la guitarra. David Bowie asumió el trabajo de guitarrista en casi todos los temas del disco y podemos decir que salió airoso. 

El primer disco de David Bowie sin los Spiders desde 1969 se esperaba con una mezcla de expectativa y escepticismo y el cantante era consciente de ello. Hablamos de los días en que David Bowie se encontraba dentro del círculo Stones; colaboró en los coros y creativamente en el single It’s Only Rock & Roll y se le veía mucho en compañía del andrógino Mick Jagger versión 1973. Por todo esto no es de extrañar ese sonido tan Stones en el tema Diamond Dogs

David Bowie se instaló con su equipo en los Olympic Studios. estamos hablando de octubre de 1973. pero no finalizaria aquí posteriormente continuará las sesiones en los Island Studios y en los Ludolf Studios de Hilversum (Holanda). Los músicos elegidos para darle forma al disco fueron, Herbie Flowers (un habitual en las grabaciones de Lou Reed). Otra novedad fue que Tony Visconti volvió junto a David Bowie, aportando arreglos de cuerda y mezclando el disco. 


Las sesiones se alargaron hasta febrero de 1974. El arte de portada, creado por Guy Peellaert, muestra un híbrido David Bowie/Canino que causó revuelo porque mostraba los genitales del perro de ojos bicolor. El retoque fue inevitable y eso elevó a precios prohibitivos los discos con la portada original. 

Finalmente Diamond Dogs fue lanzado el 24 de mayo de 1974. Cuando le preguntaron a David Bowie su opinión sobre el nuevo disco no dudó en valorarlo "un álbum muy político. Mi protesta … más ‘yo’ que nada de lo que he hecho anteriormente". Con este disco se consumó su abandono del Glam para adentrarse en otros estilos. 

Fue número uno en el Reino Unido y quinto en Estados Unidos, aunque no le faltaron detractores (por ejemplo Rolling Stone le dio apenas dos estrellas y media sobre cinco). Diamond Dogs es un álbum de suma importancia en la carrera de David Bowie, sus guitarras ásperas y empíricas se consideran como protopunks. Diamond Dogs es, a su manera controversial y poco complaciente, un clásico por derecho propio.

Daniel 
Instagram Storyboy


sábado, 16 de enero de 2021

0016: Love me tender - Elvis Presley


0016 La música en canciones: Love me tender - Elvis Presley 

"Love Me Tender" una canción de la autoría de Elvis Presley, que fue interpretada por primera vez en el Show "The Ed Sullivan" el 9 de Septiembre 1956, fue un estreno un tiempo antes de lanzar el single, y un mes antes del estreno de la película. 

Ya se anticipaba que iba hacer un éxito, El Rey (Elvis Presley) había hecho la grabación original de la canción, y el sello discográfico RCA, ya había recibido un millón de pedidos anticipados de ventas, lo que hizo que Love me tender fuera ya disco de oro antes incluso de su lanzamiento. 

Pero Love me tender, fue más que una canción, el estudio 20th Century Fox pronto al estreno de una película interpretada por Elvis Presley, queriendo aprovechar la popularidad de la canción, decide cambiar el nombre original que se iba a llamar "The Reno Brothers", pasara a llamarse "Love Me Tender"

La autoría fue dada a Elvis (Presley) y Vera Matson, pero esto fue por un acuerdo publicitario, pero el autor principal de la letra de la canción fue escrita por Ken Darby (el esposo de Matson), cuando al propio Darby porque había dado la autoría Elvis y su esposa, Darby respondió: "Porque ella tampoco la escribio" 

Pero hablemos de los logros de esta canción, Love Me Tender alcanzó el número uno en las listas de Billboard la semana del 3 de noviembre de 1956 y permaneció en esa posición por 5 semanas, llegando al puesto 11 en el Reino Unido. «Love Me Tender» también alcanzó el número tres por tres semanas en las listas R&B. ​También fue un logro porque «Love Me Tender» sucedió a otro sencillo de Presley, «Hound Dog/Don't Be Cruel» en el número uno. Esto marcó dos eventos importantes en la historia de Billboard. Durante ese tiempo, Elvis alcanza otro récord: mayor tiempo consecutivo en el número uno de un artista (16 semanas).

Love Me Tender, un clásico que también fue interpretado por muchos más artistas, marcando el legado del Rey

Daniel 
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Ruta 77: Las 7 canciones de @AngelPlaza63

 



     Nos hemos despedido en Donostia de nuestros queridos amigos @Argentinosaurix y @Roxyblues a los cuales estamos muy agradecidos por los magníficos momentos que nos han regalado con su compañía, y nos encontramos en el euskotren camino de nuestro próximo destino el cuál no está lejos, la localidad vecina, Bilbao. Allí hemos quedado con nuestro siguiente amigo, Ángel, otro habitual de las tertulias musicales de 7ias7notas, y que atiende al nombre de @AngelPlaza63 en Twitter. 

El viaje transcurre entre charla y charla con mis queridos amigos Chema, Storyboy y Nevermind, un viaje que se me hace muy corto, pues cuando nos queremos dar cuenta llegamos a nuestra parada de destino en Bilbao, San Mamés. Tras recoger nuestro equipaje, compuesto de una pequeña maleta que portamos cada uno, nos dirigimos a la salida de la estación donde hemos quedado con nuestro amigo, y antes de que nos de tiempo siquiera a mirar a los lados, nos saluda efusivamente con lo brazos levantados Ángel, que se encuentra de frente a nosotros a unos 5 metros. Tras darnos los correspondientes abrazos, Ángel nos comenta que al ser ya mediodía, nos tiene preparada una ruta turística por Bilbao, y que el plato fuerte, donde nos mostrará 7 de esos temas que forman parte de su vida, será al día siguiente con la sorpresa que nos tiene preparada. Así que nos pide que le sigamos para que dejemos el equipaje en su coche que tiene convenientemente aparcado, y así poder empezar la jornada turística que nos tiene preparada.



Ha querido que quedemos en ese punto porque allí se encuentra nuestra primera parada, el estadio de fútbol de San Mamés, donde juega el equipo de sus amores, el Club Athletic de Bilbao, que tantas tardes de gloria, nervios, risas, y alguna lagrimita que otra le ha hecho derramar, y que está ubicado junto a la ría de Bilbao y frente al Hospital Universitario de Basurto. Después de la magnífica visita guiada que nos hace del estadio y de contarnos la historia del club, del estadio y alguna que otra anécdota, nos dirigimos nuevamente al coche, y tras un corto viaje de unos 10 minutos, dejamos el coche estacionado en los aledaños de la magnífica Plaza Nueva, que está porticada por sus cuatro lados, desde donde entre pintxos típicos y txakoli, Ángel nos sigue contando cosas de su querido Bilbao. Paseamos por las Siete Calles, el núcleo antiguo de la ciudad, visitamos la Catedral de Santiago, un edificio gótico enclavado en el mismo centro del casco viejo, conocemos el Paseo del Arenal, que bordea la ría y delimita el casco histórico con la parte moderna de la ciudad, Visitamos el Guggenheim y el museo de Bellas Artes, dos de las mayores atracciones turísticas de la ciudad. La noche va cayendo a lo largo de la ría, y Ángel nos emplaza a recogernos para dormir, pues hay que estar descansados para lo que nos tiene preparado mañana. Le comento entonces que nos tiene muy intrigados, y que nos lleve entonces a algún alojamiento recomendable donde pasar la noche. Ángel se ríe y dice que ya está gestionado, vamos a dormir en su casa pues tiene espacio de sobra y no acepta un no por respuesta. Agradecidos, nos subimos todos en el coche con destino a su casa a recargar pilas para la jornada que nos espera.

Tras dormir en su casa, nos hemos levantado temprano, aún no sabemos que vamos a hacer, y tras acabar de desayunar, nuestro querido amigo decide poner fín al misterio, vamos a hacer una ruta en moto, cosa que para un motero empedernido como yo no puedo dejar pasar, ¡que emoción!. Nos desvela que la ruta comienza aquí en Bilbao y acaba en Tolosa, y la ruta transcurre por la parte más montañosa de Guipúzcoa, unos 110 km,  con unos puertos con unas extraordinarias panorámicas. El recorrido transcurre por lo que en su día fue la Euskadi rural y de la que ya apenas quedan algunos vestigios en vía de extinción, nuestro amigo no ha dejado nada al azar. En la puerta tiene preparadas 4 Ducati Monster 796 iguales a la suya que ha conseguido para la ocasión, y en las habitaciones nos ha dejado preparados los correspondientes trajes de cordura, botas, guantes, espalderas, etc., pues la seguridad lo es todo, y unos cascos con intercomunicadores que ha enlazado convenientemente para que podamos comunicarnos entre los 5 y por los que podremos escuchar la emocionante banda sonora del viaje que nos tiene preparado. 

Tras escuchar todos atentamente los detalles y recomendaciones de Ángel, que es quien conoce perfectamente la ruta, nos organizamos. Evidentemente nuestro amigo irá en cabeza abriendo ruta, al que seguirán Storyboy, Chema y Nevermind por ese orden, quedándome yo el último para cerrar el grupo atento a cualquier incidencia o percance que pueda surgir. Iniciamos la marcha, salimos de casa de Ángel camino de la autovía A 8 mientras nuestro amigo nos comenta que no vale la pena coger la nacional, pues está tan saturada de tráfico que llega a ser un incordio circular por ella. Casi sin darnos cuenta estamos transitando por Durango mientras nuestro guía de lujo nos cuenta que éste es casi el centro geográfico del País Vasco, que en el centro del pueblo se encuentra una de las mejores esculturas góticas vascas, la cruz de Kurutziaga, y que no podemos dejar de ver el ayuntamiento y los restos de la antigua muralla. 



Estamos saliendo de Durango, y mientras curveamos y vamos disfrutando de una panorámica que va cambiando según nos vamos acercando a Elorrio, Ángel a través de los intercomunicadores nos suelta el primero de esos siete temas que forman y han formado parte de la banda sonora de su vida, no sin antes contarnos que el vinilo donde está este tema es el primer recuerdo que él tiene de estar escuchando rock. Los domingos solía ir a comer a casa de su abuela con quién por entonces todavía convivía su tío, al que le encantaba el rock. Uno de los vinilos que tenía su tío allí era Slayed? de Slade, un vinilo que solía escuchar siempre que iba allí. Entre risas nos comenta que una de las razones de ir todos los domingos a comer allí, además de ver a su querida abuela, era por poder escuchar ese vinilo. Dicho esto se hace un silencio y empiezan a sonar los primeros acordes de Gudby T' Jane, incluido en el citado Slayed?, el tercer álbum de la banda publicado en 1972, y escrito por el vocalista Noddy Holder y el bajista Jim Lea. No podíamos comenzar la ruta musical de mejor manera. Acabado el temazo, es Nevermind quien nos relata que la idea del tema se le ocurrió a Jim Lea mientras el grupo se encontraba de gira por Estados Unidos mientras se encontraba sentado en una piscina en San Francisco, completando la canción en el baño del avión en el que regresaba a casa. Posteriormente Holder completaría la letra. El personaje principal se basó en una mujer real, Jane, que por entonces era copresentadora de un programa de televisión de San Francisco a quien el grupo conoció mientras el grupo se encontraba de gira por el país norteamericano. 



Y así, entre curva y curva, y mientras admiramos los parajes y charlamos de este primer temazo, llegamos a Elorrio, de la cuál Ángel nos cuenta que tiene una de las calles más señoriales de todo el País Vasco, pues es la calle que mayor número de blasones luce en sus fachadas de toda la comunidad. También nos habla de la bonita y pintoresca plaza Gernikako Arbeloa, nos comenta que aquí se encuentra la basílica de la Purísima Concepción, donde se encuentran los restos del único santo vizcaíno, San Valentín, y que no podemos dejar de visitar la zona del ayuntamiento, dotado de una fachada de piedra junto a la que se encuentra una bonita galería que alberga algunas terrazas donde poder disfrutar del buen comer y buen beber. Dejamos Elorrio atrás y según encaramos el puerto de Elgeta, donde vamos a poder sacar más partido de nuestras motos, y mientras admiramos el tupido pinar y los caseríos que recorren el puerto, Ángel suelta el segundo tema, no sin antes comentarnos que el vinilo que tiene este tema es uno de los primero que tuvo, el cual compró con el dinero que iba ahorrando de su paga. Un tema que es interpretado por su querido Bon Scott y que no se cansa de escuchar. De hecho, este disco se lo ha comprado ya tres veces, pues lo raya de tanto escucharlo. A los dos segundos reconozco inmediatamente el tema, Touch Too Much, de AC/DC, ubicado en su álbum Highway To Hell (1979). Tras disfrutar de este auténtico pelotazo comento que no puedo estar más de acuerdo y que es uno de mis temas preferidos también, y Storyboy nos recuerda que este tema también es uno de los preferidos de nuestro querido amigo el Pibe (@Argentinosaurix), y que el tema trata de los excesos, con los cuales la banda australiana estaba más que familiarizada, pues el grupo era conocido también por sus fiestas salvajes. 



Encaramos con las motos la entrada a Bergara, de la que Ángel nos cuenta que merece la pena darse una vuelta por su monumental plaza, y que aquí hasta hace no mucho se fabricaban una de las piezas clásicas de la indumentaria vasca: Los azules de Vergara, unos pantalones de laborar que se usaban hasta hace poco también para el día a día. Dejamos Bergara, y antes de encarar el puerto de Elosu, puerto que transcurre por sombrías galerías de robles y del cual vamos a disfrutar de unas impresionantes vistas arriba, nuestro amigo nos suelta el siguiente temazo, pues quiere que lo disfrutemos mientras atacamos las curvas del puerto. Un tema que él siempre se pone precisamente mientras se prepara para salir en moto, pues le pone las pilas. Mientras curveamos por el puerto suena de fondo Iron Maiden con su Run To The Hills, que gozada!. Acabado el tema, es Chema quien emocinado nos relata que esta magistral composición relata desde varias perspectivas cuando los europeos empezaron a llegar a las costas de América del Norte y empezaron a tener contacto con los indígenas. El primer verso relata la situación desde la perspectiva de los indígenas, el segundo verso lo hace desde la perspectiva de los colonos, y el tercer verso lo hace desde la perspectiva imparcial de una tercera persona. En definitiva, toda una obra maestra incluida en el disco The Number Of The Beast (1982). Cuando quiero darme cuenta estamos bajando este bonito puerto y encarando Azkoitia.



Ángel nos dice que lo más interesante de visitar de esta localidad, Azkoitia, es quizá la basílica de Loiola, una basílica de dudoso gusto arquitéctonico pero que es uno de los grandes centros espirituales el País Vasco. Según vamos abandonando la localidad camino del puerto de Iturburu, empieza a sonar el siguiente tema, Sweet Child O' Mine, de cuál nos comenta que si bien no es fan al 100% de esta banda, este es un temazo y además lo tiene de sintonía en su teléfono móvil. El tema, de Guns & Roses, está incluido en su álbum de 1987 Apetite for Destruction. Curiosamente, Nevermind nos relata que este tema comenzó con un fraseo de guitarra que Slash estaba tocando sin tomar muy en serio, y Adler y Stradlin al oir aquel fraseo se unieron con la batería y la guitarra rítmica. aquello acabó encajando como un guante con un poema que Axl Rose había escrito a su novia y que había titulado Sweet Child Of Mine



No nos hemos repuesto del temazo cuando nos disponemos a encarar con las nobles Ducati's el puerto de Iturburu, dotado de un asfalto en perfecto estado que permite tirar sin miedo y contemplaciones la moto para atacar curva tras curva. Mientras todo esto sucede, Ángel ya ha soltado el quinto de los siete temas escogidos que componen la banda sonora de su vida, un tema que siempre le pone de buen humor, le alegra el día y le anima a no quedarse parado y a hacer cosas. Tiene algo que no puede explicar, pero que siempre le pone las pilas. Éste  tema lo suele poner mucho cuando viaja en coche. El tema en cuestión es Rock & Roll All Night, del grupo Kiss, publicado en su tercer disco de estudio, Dressed To kill (1975). El tema rápidamente se convirtió  en un himno y buque insignia para la formación, de hecho suelen cerrar su concietos con este trallazo. El coro y melodía del tema fue creado por Stanley, mientras que la letra fue compuesta por Simmons. El tema surgió de la necesidad de la banda por crear su propio himno, su grito de guerra, y vaya si lo consiguieron.



Acabamos de descender Iturburu, y en apenas 4 kilómetros nos disponemos a atacar el siguiente puerto, el puerto de Bidania, un puerto que al igual que el anterior, esconde unas vistas espectaculares por los dos márgenes de la vía, y donde el arbolado que nos rodea por ambos lados forma una preciosa galería sobe la carretera. Justo antes de empezar la subida Ángel lanza el sexto y penúltimo tema, no sin antes advertimos que este tema es de su banda preferida, no hay otra igual para él. Esta banda le ha marcado mucho musicalmente, tanto que le gusta todo de ella, y para él, este tema refleja sin duda alguna lo que es el rock, su esencia. Y dicho esto comienza a sonar Rock And Roll de Led Zeppelin, mientras ya nos encontramos en faena atacando las curva y tirando la moto en las curvas de éste bonito puerto. El tema está incluido en el disco Led Zeppelin IV, publicado en 1971 y compuesto por Page, Plant, Bonham y Page. Y como muy bien dice nuestro amigo, este tema capta lo que es la esencia del R&R, pues es un rock and roll acelerado y aderezado por un capa de guitarras muy contundentes. Éste tema esconde también una curiosidad, es uno de los pocos temas donde aparece un músico adicional a la formación, se trata del tecladista de los Rolling Stones Ian Stewart, que participó en la jam-session donde se gestó la canción. 



Vamos dejando atrás Bidania, y según nos vamos acercando a nuestro destino, donde acaba la ruta, Ángel nos comenta que nos tiene preparado como colofón y último tema un grupo de la tierra, los bilbaínos Doctor Deseo. Éste grupo ha formado siempre parte de su vida, y tiene unas canciones tremendas y unas letras alucinantes. Ellos son de Bilbao, él es de Bilbao, y también le gustaría morirse en Bilbao, su tierra, donde si no?. El tema no puede ser otro que Morirse En Bilbao. Mientras suenan los últimos acordes del tema del genial grupo de rock bilbaíno, hacemos nuestra particular entrada triunfal en Tolosa, nuestro destino, y digo triunfal porque hemos disfrutado de una ruta con unas vistas maravillosas, con un compañía excepcional que nos ha hecho de guía de lujo y que nos ha desgranado detalles de la ruta durante la misma, y con una banda sonora muy especial de fondo, la banda sonora de Ángel, que ha querido hacernos partícipes de su gran pasión por la música, su tierra y las motos. Aparcamos las motos en los aledaños del casco histórico, y Ángel nos comenta que ya es la hora de comer y que tiene reservado un lugar ideal para ello. Y así, mientras los cinco vamos paseando por el casco histórico de Tolosa hacia el lugar donde repondremos fuerzas con las viandas, vamos hablando de la maravillosa ruta, los lugares y los parajes que Ángel nos ha descubierto, de los temas elegidos, de las motos con las que hemos disfrutado, se puede pedir más...? Eskerrik Asko @AngelPlaza63 por regalarnos tan maravillosos momentos.

viernes, 15 de enero de 2021

0015: Old shep - Elvis Presley

Old shep - Elvis Presley


Old Shep es una canción escrita y compuesta por Red Foley y Arthur Willis, y originalmente interpretada por Foley, sobre un perro que Foley había tenido cuando era niño. El tema que narra la amistad y el amor que nace entre las personas y las mascotas pertenece al cantante Red Foley, quien dedicó la canción a su perro de la infancia que murió envenenado por su vecino. Lo que nunca imaginó es que, años más tarde, “El Rey” la interpretaría.

Old Shep supuso la primera aventura de Elvis sobre un escenario ocurre como parte de su primera etapa escolar. En septiembre de 1941 comenzó el primer grado en la escuela East Tupelo Consolidated, donde sus maestros lo describieron como un alumno «promedio» y hasta le dicen «solitario». Durante su estancia en dicha institución, fue animado a participar en un concurso de canto tras haber impresionado a su maestra durante los rezos matutinos con una interpretación de la canción de estilo country, más tarde en un concurso, llevado a cabo en la Feria anual Mississippi-Alabama el 3 de octubre de 1945, fue donde realizó su primera presentación en público: vestido de cowboy, Presley de apenas diez años de edad se subió en una silla para alcanzar el micrófono y cantó «Old Shep», tema por el cual le habían animado a concursar. Lo curioso de la historia es que Elvis no ganó el concurso, ya que quedó en segundo lugar. De todos modos, la experiencia sobre un escenario le sirvió para perfilar su gusto por la música hacia una carrera musical que -como sabemos ahora- tendría un glorioso final. Tras estos acontecimientos y con este valor sentimental Elvis no dudó en incluirla en su segundo álbum titulado Elvis, por el mismo valor todos deberiamos escucharla y conocer cual fue el primer paso del artista que mas mítica a dado la historia del rock.

El disco de la semana 208: Los Tipitos - Armando Camaleón


El disco de la semana 208: Los Tipitos - Armando Camaleón

Esta semana hemos sacado del arcón de los discos de rock que fueron en cierta forma revelaciones para su época, y el disco que resonaba en el año 2004, era un disco de la banda Los Tipitos, una banda de Rock Alternativo oriundos de la ciudad de Mar del Plata, provincia de Buenos Aires, Argentina.

Una banda de carrera que estaban en al escena del rock desde 1994, y hasta entonces había tenido muy buenas producciones, pero le faltaba a Los Tipitos un paso más para lograr el reconocimiento del publico. 

Luego de editar otros discos que llevaron menos repercusión, sale a la luz "Armando Camaleón", bajo la producción de Pablo Guyot, haberlo elegido a Pablo fue un gran acierto, él sabía cómo lograr que Los Tipitos transformaran sus canciones en verdaderos hits. Willy Piancioli y Raúl Ruffino integrantes de la banda, encontraran en la producción de Pablo la pieza que faltaba para que sus letras lleguen a los lugares desconocidos hasta el momento para Los Tipitos. La banda tenía diez años de vida y seis discos en la calle, y era el momento justo de madures para salir con "Armando Camaleón"

Recorramos cada una de las canciones del disco Armando Camaleón, donde encontraremos el primer corte del disco “Campanas en la noche” (que se convirtió con el tiempo el mayor hit del disco), “Brujería” (primer corte de difusión que eligió la banda) y “En el cielo” estas tres primeras canciones del disco conforman la apertura y presentación perfecta para que te enganche con el disco. Estribillos potentes que quedan grabados en la cabeza de quien los escucha, y estas melodías simples permiten que Los Tipitos popularicen rápidamente sus canciones. 

“Algo”
es una vieja canción de la banda, con otro coro pegadizo, que aparece entre “Sábados blancos”, “Silencio“ y “Por qué”, nuevamente la banda construye un bloque de canciones que pegan más en lo emocional bajando el ritmo, pero no por esa bajada de ritmo escatiman en calidad. La aparición de León Gieco en “Solo figuras”, una de esas canciones que se tocan frente al fogón que tan bien les salen a Los Tipitos, sigue marcando el crecimiento en intensidad del disco. No hay que olvidarse de “Mil intentos”,  y su frase “Tan cansado estoy de oírme y no quiero quedarme callado”.

El disco se despide con tres últimas canciones que son “Habla conmigo”, “Para entender” y “Camaleón”, logrando un excelente resumen de las otras nueve. 

Cada una de las distintas facetas de este disco demuestran la calidad de la producción que hace que sea único en la carrera de Los Tipitos, disco que fue presentado en el Teatro Gran Rex de la Ciudad de Buenos Aires, y les permitió fama y reconocimiento hasta el punto de editar su primer DVD de la banda (TipitoRex, 2006).

Los Tipitos una banda de carrera que llego a lo más alto de su carrera a través de este disco "Armando Camaleón". La banda no llegara a tener nuevamente ese pico de popularidad con los álbumes siguientes, pero lograron acceder a un lugar en la historia del Rock, por ello queremos recomendarte este disco para la que disfrutes. 

Daniel 
Instagram: Storyboy