0414.- The Tide Is High - Paragons

0414 - The Tide Is High - Paragons

The Tide Is High fue escrita por John Holt y grabada originalmente por la banda los Paragons, era un trío vocal de rocksteady, y acompañada por Tommy McCook y la Supersonic Band.

Esta banda fue producida por Duke Reid y publicada como single de 7 pulgadas en los sellos Treasure Isle y Trojan de Reid y como cara B del single Only a Smile.

La canción cuenta con el violín de "White Rum" Raymond, y fue popular tanto en Jamaica como en el Reino Unido cuando se lanzó una versión deejay de U-Roy en 1971. Ambos temas del single se incluyeron en la colección de 1970 On the Beach.

The Tide Is High es una canción rocksteady de 1967 escrita por John Holt, producida originalmente por Duke Reid e interpretada por el grupo jamaicano The Paragons, con Holt como cantante principal. La canción ganó atención internacional en 1980, cuando una versión del grupo estadounidense Blondie se convirtió en un número uno en EE.UU. y en el Reino Unido. 

La canción volvió a ocupar el primer puesto en la lista de singles del Reino Unido en 2002 con una versión del grupo de chicas británico Atomic Kitten, mientras que el rapero canadiense Kardinal Offishall tuvo un pequeño éxito con su interpretación en 2008.

Daniel 

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Disco de la semana 263: Live at the Boston Tea Party - Fleetwood Mac

 

Grabadas durante un legendario fin de semana en 1970, vamos a intentar condensar estas grabaciones en vivo de la formación de tres guitarras de Fleetwood Mac. Por primera vez en la historia del rock británico habría una banda con tres guitarristas permanentes sobre un escenario y serían muy bien recibido tanto por el público europeo como por el americano gracias al gran espaldarazo que recibieron por parte de Carlos Santana al versionar “Black Magic Woman". En abril del setenta recalaron en la ciudad de Boston para grabar un álbum en vivo y durante tres noches desplegaron todo su arsenal de buen blues mamado desde los días en que la juventud inglesa se agolpaba en los puertos en búsqueda de discos de los dioses del Mississippi. Por ese entonces la banda no pasaba por su mejor momento, aunque este detalle no hacia mella en lo artístico. Esta grabación permaneció celosamente guardada por muchos años sin conocer motivo alguno hasta su aparición en formato digital en 1998, aunque  tuvimos un adelanto en 1985 con solo siete canciones del concierto bajo los nombres de Live In Boston. Hoy te queremos acercar las tres noches completas en que los Fleetwood Mac demostraron porque fueron tan importantes para el blues anglosajón, al galope de sus temas clásicos, versiones de sus maestros (Elmore James, BB King) y alguna rareza como el Tutti Frutti de Little Richard o el Great Balls Of Fire del indomable Jerry Lee Lewis. Este encuentro tuvo como único invitado al siempre recordado Joe Walsh a la guitarra en el tema "Encore Jam" ya que los James Gang oficiaron el acto de apertura durante las tres

 

El Vol.1 comienza fuerte con "Black Magic Woman", luego entretejiendo sus líneas de guitarra líquidas se marcan una brutal y desgarradora versión lenta de "Jumping at Shadows" de Duster Bennett, para desencadenar en una versión de 25 minutos que antes no estaba disponible de "Rattlesnake Shake", Green canta y toca con una autoridad estremecedora esta versión extendida y demuestra que Green era un maestro de la improvisación, haciendo referencia a sus raíces de blues incluso cuando volaba por otros caminos al menos igual de fascinantes como las de Allman Brothers o Grateful Dead, lo que tenemos se puede resumir como una excelente oda a la masturbación y podría ser la mejor improvisación de Fleetwood Mac jamás realizada en su historia. Jeremy Spencer toma la delantera en dos divertidas versiones de Elmore James, "I Can't Hold Out" y "Got to Move", esta última viendo la luz del día después de estar escondida durante 29 años. Este primer volumen se cierra con el proto-metal de "The Green Manalishi" en una versión desenfrenada de 13 minutos que deja el single original de cuatro minutos como una curiosidad, con un solo de batería serpenteante y desenfocado. Sin duda este primer volumen es el más compacto y variado de los tres álbumes, y se recomienda para los recién llegados que no están interesados ​​en el conjunto completo.

 

El Vol.2 del concierto comienza fuerte con un “World in Harmony” flotante, la única pista coescrita por Peter Green/Danny Kirwin en el catálogo de Mac, y que, curiosamente, nunca apareció en un álbum de estudio. Un "Oh Well" abreviado pero agresivo (solo la apertura oscilante) da paso a un "Rattlesnake Shake" de media hora que es más estridente, impulsor e intenso que la versión de tono más bajo y ligeramente más rígida que en el Vol. 1. La interacción entre Kirwin y Green aquí es asombrosa, ya que se empujan mutuamente más allá de los límites anteriores, impulsados ​​por la contundente sección rítmica de John McVie y Mick Fleetwood. Jeremy Spencer recorre concisas versiones de "Stranger Blues" y "Red Hot Mama", dos versiones candentes y nerviosas de Elmore James. Pero el espectáculo se vuelve descuidado con su tributo al doo wop de los años 50 "Teenage Darling, la banda trota a través de algunas versiones de Little Richard aceleradas, entusiastas, pero no esenciales, redimidas por los tambores de Fleetwood que se entrelazan a lo largo de diez minutos de "Jenny Jenny". Puede que suene genial, pero las pistas no logran trasmitir lo que era el  impacto visual de los tres guitarristas contorneándose. Este vol 2 termina con un jam de 12 minutos nunca antes escuchado simplemente titulado "Encore", donde Joe Walsh de la banda de apertura The James Gang, se une para tener en el escenario una cuarta guitarra. Intermitentemente interesante, las guitarras cuádruples que intercambian pistas y riffs crean una música predeciblemente desordenada y desenfocada. Los seguidores de la banda durante estos primeros años pueden encontrarlo como una curiosidad pasajera, pero para la mayoría de la gente que estuvo en el concierto fue algo increíble.

 

El Vol.3 es una mina de oro para los fanáticos de esta línea de Mac, ya que presenta la increíble cantidad de seis pistas (más de 35 minutos) de material recién descubierto. Lo más importante es que casi toda esta música es de una calidad excepcional. Desafortunadamente, la pieza central del álbum, una intensa versión de blues lento de once minutos de "If You Let Me Love You" de BB King, está estropeada por el micrófono muerto de Peter Green, lo que le da a su voz una calidad hueca.

Pero su guitarra ataca con una claridad sorprendente, mientras empuja y se relaja alternativamente con estilo y moderación. Green masajea hábilmente su solo, y la banda le da mucho espacio para navegar, haciendo de esta una de las actuaciones más apasionantes de los tres discos. Una versión instrumental de "Coming Your Way" de Danny Kirwin es otra incorporación reciente y, a lo largo de sus siete minutos, las guitarras en duelo de Kirwin y Green pelean con los tambores tribales de Mick Fleetwood creando un torbellino rítmico que frustrantemente se desvanece antes de que termine. Jeremy Spencer saca cuatro versiones de Elmore James con una versión descubierta recientemente de "The Sun is Shining" como punto culminante. Surgen algunas viejas canciones de Little Richard, y una versión deshilachada pero propulsora de "Tutti Frutti", donde la banda se relaja y rockea con clase y moderación, muestra cuán innovadores podrían ser incluso trabajando con el material de tres acordes. Un cierre notablemente sutil, "On We Jam" de ocho minutos demuestra que incluso con tres guitarristas talentosos compartiendo pistas, las habilidades de improvisación de esta banda eran insuperables. No es el álbum más cohesionado del trío, seguramente tampoco será el más fácil de escuchar, lo que está claro que es algo que el amante de la música tiene que escuchar… sí o sí.

0413.- I can see for miles - The Who

I Can See for Miles ("Puedo ver a millas de distancia") fue el único single que The Who publicó de su disco The Who Sell Out, quizá por tratarse de un álbum que, en su mayor parte, parodiaba las canciones de las cuñas publicitarias radiofónicas, y no era fácil encontrar en él canciones que pudieran funcionar como sencillos. I can see for miles no solo lo hizo, sino que sigue siendo el sencillo de mayor éxito de la banda en los Estados Unidos, llegando al top 10 del Billboard. Su autor, Pete Townshend, la valoraba tanto que, pese a este éxito, se sintió decepcionado y consideró que no se había vendido lo suficiente.

Mucho se ha escrito sobre este tema de rotundas guitarras, intrincadas armonías vocales y complejas partes de batería, pero es especialmente curiosa la anécdota sobre la influencia que tuvo, sin siquiera haberla escuchado, en que Paul McCartney escribiera el tema Helter Skelter. Paul leyó una reseña de The Who Sell Out, en la que se tildaba a I Can See for Miles como la canción con el sonido más "pesado" ("heavy") que se había escuchado hasta el momento. Ese comentario alentó a McCartney a intentar escribir una canción cuyo sonido y estructura superaran en "peso" al tema de los Who.

La influencia de esta gran canción aumentó también, posteriormente, con su inclusión en la mítica película Easy Rider, y la gran Tina Turner la versionó en 1975 en su disco de debut en solitario. Algo de razón tendrían los que la catalogaron como una pieza marcadamente "heavy", porque fue uno de los temas que acabó formando parte de la banda sonora del juego Rock Band. Aunque Townshend se sintiera decepcionado, y hubiera esperado mucho más reconocimiento del que tuvo, la canción llegó tan lejos como la enorme capacidad de visión que su título indicaba. Se veía a la legua, o a millas de distancia, que acababan de entregar una de sus obras maestras.

0412.- All you need is love - The Beatles

All you need is love (Todo lo que necesitas es amor) es un tema surgido de la mente creativa de John Lennon, aunque se acreditara, como el resto de canciones que firmaban uno y otro, a la dupla Lennon-McCartney. Interpretada en vivo el 25 de junio de 1967 para el programa "Our world" de la BBC, en la que sería la primera retransmisión vía satélite y a más de 30 países, es uno de esos temas que logran trascender más allá de los límites de una canción convencional, para convertirse en un himno ligado para siempre al sentimiento que describe. Si en los "streaptease" suena siempre You can leave your hat on de Joe Cocker, y celebramos las victorias de nuestro equipo con We are the Champions de Queen, para hablar de amor recurrimos inevitablemente al All you need is love de The Beatles.

El carácter internacional de aquella transmisión televisiva influyó en la estructura y contenido de All you need is love, como demuestran los guiños y referencias a himnos y temas clásicos como "La Marsellesa", la "Marcha Príncipe de Dinamarca" de Jeremiah Clarke o la "Invención n.º 8 en Fa" de Johann Sebastian Bach. Las referencias van incluso más allá, con pequeños retazos del tema tradicional inglés "Greensleeves" o del "In the mood" de Glenn Miller, terminando la canción con Paul McCartney cantando espontáneamente el "She Loves You" de John Lennon, a lo que su compañero responde mencionando el "Yesterday" de Macca.

Entre las múltiples curiosidades que podrían mencionarse sobre esta canción, destaca la presencia en los coros de personajes tan relevantes y variopintos como Mick Jagger, Keith Richards, Keith Moon o Eric Clapton, entre otros, todos ellos invitados por los Beatles al evento televisivo. Llama también la atención que All you need is love fuera escrita en un tiempo de 7/4, compartiendo con "Money" de Pink Floyd el honor de ser el único tema con esa estructura en llegar al top 20, pero mientras el tema de Pink Floyd se quedó en el nº 13 en 1973, la canción de los Beatles alcanzó lo más alto de las listas tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido. El amor le ganó la partida al dinero porque, en el fondo, "todo lo que necesitamos es amor".

#MesTheBeatles: Magical mistery tour - The Beatles

Magical Mystery Tour - The Beatles #mesTheBeatles

Magical Mystery Tour es un disco de la banda británica The Beatles que se publicó como un álbum doble en el Reino Unido y un solo álbum en Estados Unidos. Incluye la banda sonora de la película de televisión de 1967 del mismo nombre.

El álbum doble se publicó en el Reino Unido el 8 de diciembre de 1967 con el sello Parlophone, mientras que el lanzamiento del álbum en los Estados Unidos fue realizado por de Capitol Records el 27 de noviembre y contenía cinco canciones adicionales que se publicaron originalmente como singles ese año. En 1976, Parlophone publicó otro álbum con once canciones en el Reino Unido.

Al grabar sus nuevas canciones, The Beatles continuaron con la experimentación en el estudio que había caracterizado a Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967) y el sonido psicodélico que habían perseguido desde Revolver (1966). El proyecto fue iniciado por Paul McCartney en abril de 1967, pero después de que la banda grabara la canción "Magical Mystery Tour", quedó latente hasta la muerte de su representante, Brian Epstein, a finales de agosto de 1967. Las grabaciones se llevaron a cabo al mismo tiempo que el rodaje de la película y la edición, y mientras The Beatles seguían asociándose públicamente con la Meditación Trascendental del maestro Maharishi Mahesh Yogi.

Algunos biógrafos han calificado las sesiones de sin rumbo y desenfocadas, en las que los miembros del grupo se entregaron en exceso a la experimentación sonora y ejercieron un mayor control sobre la producción. McCartney contribuyó con tres de las canciones de la banda sonora, incluida la ampliamente conocida "The Fool on the Hill", mientras que John Lennon y George Harrison contribuyeron con "I Am the Walrus" y "Blue Jay Way", respectivamente. Las sesiones también produjeron "Hello, Goodbye", que se publicó como un sencillo que acompañaba al disco de la banda sonora, y elementos de música incidental para la película, incluyendo "Flying". Siguiendo el deseo de The Beatles de experimentar con los formatos y el diseño de los discos, el álbum doble y el álbum simple incluían un folleto de 24 páginas con las letras de las canciones, fotos en color de la producción de la película e ilustraciones de la historia en color del dibujante Bob Gibson.

A pesar de las críticas generalizadas de los medios de comunicación sobre la película Magical Mystery Tour, la banda sonora fue un éxito comercial y de crítica. En el Reino Unido, ocupó el primer puesto en la lista de álbumes recopilada por Record Retailer y alcanzó el número 2 en la lista de singles de la revista (más tarde la UK Singles Chart) por detrás de "Hello, Goodbye". El álbum encabezó la lista de los mejores álbumes de Billboard durante ocho semanas y fue nominado al premio Grammy al Álbum del Año en 1969. Con la estandarización internacional del catálogo de The Beatles en 1987, Magical Mystery Tour se convirtió en el único LP generado por Capitol que superó el formato previsto por la banda y formó parte de su catálogo principal.

The Beatles grabaron por primera vez la canción que da título a la película, y las sesiones tuvieron lugar en los estudios EMI de Londres entre el 25 de abril y el 3 de mayo. El 9 de mayo se grabó una improvisación instrumental para su posible inclusión en la película, aunque nunca se completó. 

Según el historiador de The Beatles Mark Lewisohn, las sesiones de Magical Mystery Tour "comenzaron en serio" el 5 de septiembre; y el rodaje empezó el 11 de septiembre, y las dos actividades se fueron "entrelazando" cada vez más durante octubre. La mayor parte de la sesión del 16 de septiembre se dedicó a grabar una pista básica para "Your Mother Should Know" de McCartney, sólo para que éste decidiera entonces volver a la versión que había descartado previamente, del 22 al 23 de agosto. Estas últimas sesiones fueron las primeras de The Beatles en cerca de dos meses y tuvieron lugar en unas instalaciones nuevas para la banda, los Chappell Recording Studios en el centro de Londres, ya que no pudieron contratar a EMI con poca antelación.

Muchos biógrafos de The Beatles caracterizan las sesiones de grabación del grupo tras el Sgt. Pepper de 1967 como sin rumbo e indisciplinadas. El uso de drogas psicodélicas como el LSD por parte de The Beatles estaba en su punto álgido durante ese verano y, en opinión del autor Ian MacDonald, esto dio lugar a una falta de criterio en sus grabaciones, ya que la banda adoptó la aleatoriedad y la experimentación sonora. George Martin, el productor del grupo, optó por distanciarse de su trabajo en esta época; dijo que gran parte de la grabación de Magical Mystery Tour era un "caos desorganizado". Ken Scott, que se convirtió en su ingeniero de grabación principal durante las sesiones, recordaba que "The Beatles se habían apoderado tanto de las cosas que yo era más su mano derecha que la de George Martin".

El 16 de septiembre se prepararon las primeras mezclas de algunas de las canciones de la película, antes de que The Beatles interpretaran las secuencias musicales durante un rodaje de seis días en RAF West Malling, una base de la Real Fuerza Aérea en Kent. Las sesiones de grabación continuaron junto con la edición de las secuencias de la película, que tuvo lugar en una sala de edición en el Soho y fue supervisada en su mayor parte por McCartney. El proceso dio lugar a una lucha entre él y Lennon sobre el contenido de la película. The Beatles también grabaron "Hello, Goodbye" para lanzarla como single que acompañara al disco de la banda sonora. El hecho de que su canción de la película "I Am the Walrus" fuera relegada a la cara B del sencillo, en favor de la canción de McCartney "Hello, Goodbye", de orientación pop, fue otra fuente de rencor para Lennon. Más tarde recordó: "Empecé a sumergirme".

Durante este tiempo, el compromiso de la banda con las enseñanzas del Maharishi se mantuvo firme. Barrow escribió más tarde que Lennon, Harrison y Ringo Starr tenían "ganas" de viajar a la India y estudiar con su maestro, pero acordaron posponer el viaje y completar la banda sonora y el montaje de la película. Harrison y Lennon promovieron la Meditación Trascendental con dos apariciones en el programa de televisión de David Frost The Frost Programme, y Harrison y Starr visitaron al Maharishi en Copenhague. Los cuatro miembros de la banda asistieron el 17 de octubre al servicio fúnebre por Epstein, celebrado en la Nueva Sinagoga de Londres en Abbey Road, cerca de los estudios EMI, y el 18 de octubre al estreno mundial de How I Won the War, una película en la que Lennon tenía un papel protagonista. La grabación de Magical Mystery Tour finalizó el 7 de noviembre. Ese día, la canción principal fue introducida por McCartney al estilo de un barker (sustituyendo el esfuerzo de Lennon, que sin embargo se mantuvo en la versión utilizada en la película) y se añadió un sonido de tráfico.

Se grabaron tres piezas de música incidental, pero se omitieron en la grabación de la banda sonora. En el caso de "Shirley's Wild Accordion", la escena fue cortada de la película. Con una partitura de acordeón del arreglista Mike Leander, fue interpretada por Shirley Evans con contribuciones de percusión de Starr y McCartney, y grabada en los estudios De Lane Lea en octubre. "Jessie's Dream" fue grabada en privado por The Beatles y los derechos de autor pertenecen a McCartney-Starkey-Harrison-Lennon, mientras que el tercer elemento era una breve pieza de Mellotron utilizada para orquestar la línea "The magic is beginning to work" en la película.

Con este álbum The Beatles seguían volando alto y demostrando que estaban, por encima del resto de grupos de la época. Estos Álbumes publicado hace cerca de 50 años, Magical Mystery Tour puede que no sea un álbum como Sgt. Pepper's o un Revolver, pero es, canción por canción, absolutamente imprescindible

Daniel
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0411.- Strawberry Fields Forever - The Beatles

 

Strawberry Fileds Forever, The Beatles

     A finales de 1967 el grupo originario de Liverpool, The Beatles publican Magical Mystery Tour, su noveno álbum de estudio. En Reino Unido sería lanzado como un doble EP el 8 de diciembre de 1967 por el sello discográfico Parlophone, mientras que Estados Unidos el disco sería editado por Capitol Records y lanzado como un LP el 27 de noviembre de 1967.

Tras la publicación de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, Paul McCartney quería crear una película basada en el grupo y su música. La idea original era la de una película sin guión donde varias personas normales iban a viajar en autobús e iban a vivir aventuras mágicas. La película fue emitida originalmente por la BBC británica durante las navidades de 1967, y fue duramente criticada por los especialistas en la materia. La banda sonora tuvo una mejor acogida tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos. Incluido en el LP editado en Estados Unidos se encuentra Strawberry Fields Forever, tema acreditado al dúo Lennon/McCartney. Este tema fue grabado en los EMI Studios de Londres entre el 24 y el 29 de noviembre de 1966, y lanzado como sencillo el 13 de febrero de 1967 por la Capitol records, y el 17 de febrero de 1967 por Parlophone Records. 

Strawberry Field era el nombre de un orfanato del Ejército de Salvación en Liverpool, y Lennon y sus amigos de la infancia solían frecuentar aquel lugar. A la tía de John Lennon, Mimi, no le gustaba que él frecuentara quel lugar, ya que pensaba que frecuentar lo que era básicamente un orfanato acabaría desviando al artista. sin embargo a John le gustaba ir por allí ya que sentía cierta afinidad con los muchachos del orfanato, ya que él también había perdido  a su padre y más tarde a su madre. Cuando la tía de de John y él discutían sobre la conveniencia de no ir por allí, él solía responder: "Que van a hacer ahorcarme?. De ahí que la letra donde dice "Nothing to get hund about" (Nada de lo que preocuparse). En Estados Unidos estar "colgado" es preocuparse por algo, por eso los oyentes estadounidenses pensaron que la línea significaba que no era nada por lo que "colgarse".

Lennon comentó en una entrevista en 1980 que Strawberry field era un lugar real. Después de dejar Penny Lane, se mudó con su tía a un acogedor adosado que tenía un pequeño jardín. Era un lugar de gente acomodada y que nada tenía que ver con las viviendas subvencionadas por el gobierno donde vivían Paul, George y Ringo. Cerca de la casa estaba Strawberry Field, y cada verano se celebraban fiestas en el jardín en Calderstones Park, localizado a un lado de la casa del Ejército de Salvación. Lennon solía ir allí a divertirse con sus amigos de la infancia Nigel y pete. De ahí se obtuvo el nombre de la canción. 

Lennon escribió la canción mientras se encontraba en Almería, España, trabajando en una película llamada Sow I Won The War (Cómo gané la guerra). Al final del tema suena una voz distorsionada que parece decir: "Enterré a Paul", lo que alimentó los rumores de que McCartney estaba muerto. La voz en realidad es Lennon diciendo: "Cranberry sauce" (Salsa de arándanos). John Lennon donó dinero a Strawberry Field antes de su muerte. Uno de sus edificios se llama "Lennon Hall". Más tarde, en 1984, la viuda de Lennon, Yoko Ono, donaría 375.000 dólares a la casa.

Grandes éxitos y tropiezos: The Strokes

 

En esta nueva entrega de Grandes Éxitos y Tropiezos nos vamos hasta Nueva York, para hablar de un grupo que nos devolvió la ilusión por la música garaje rock en los albores del nuevo milenio. Tras comprobar que el mundo, no se autodestruía con el llamado "efecto 2000" de los ordenadores, sólo nos faltaba la irrupción de un grupo de rock que nos devolviera la efervescencia y el descaro que muchos dábamos ya por perdidos, cuando a finales de los noventa se apagaron los ecos del grunge, el brit pop y la nueva ola punk. Cuando parecíamos abocados a un largo camino de transición y decadencia, llamaron a la puerta del nuevo siglo unos descarados e insolentes The Strokes. El grupo que prometía reinar durante las próximas décadas nos regaló momentos fulgurantes, pero el gigante que llevaban dentro no pudo evitar que sus pies de barro les hicieran dar varios tropiezos. ¿Quieres comprar un disco de The Strokes? Esta es nuestra propuesta para que vayas sobre seguro.

Estás tardando en comprarlo: 

Is this it (2001) está considerado uno de los mejores discos de debut de una nueva banda, y muchos lo etiquetaron como el mejor disco de la década del 2000. La revista Rolling Stone le dio la máxima calificación posible (5 estrellas) en su crítica en el momento de su lanzamiento, y lo que es indiscutible es que prácticamente todo en este álbum es impactante, desde la controvertida portada de la cadera femenina y el guante de látex negro, pasando por la inesperada controversia del tema New York City Cops (que tuvo que ser eliminado de las reediciones del disco por criticar a los policías de Nueva York, en una letra sarcástica e inofensiva que se volvió inoportuna tras los atentados del 11-S), y terminando por el sonido áspero y directo de sus 11 temazos, entre los que se encuentran himnos de la banda como Take it or leave it, Last night, The Modern age o Hard to explain, por nombrar solo algunos.

La continuación de un bombazo de este calibre no debió ser fácil para The Strokes, pero si nos abstraemos del éxito de semejante hermano mayor, y consideramos Room on fire (2003) de manera aislada, estamos ante otra obra grande que encajaría en este apartado de recomendaciones. Las canciones de este disco nada tienen que envidiar a las del precedente, y la diferencia principal estriba en el enfoque que en el disco se le dio al sonido. Sin perder la potencia de los temas anteriores, la producción está mucho más cuidada, y con ello se prescinde de la aspereza y la urgencia de un primer disco que prácticamente se había grabado con tomas únicas. Todo está mucho más pulido en Room on fire, y como nunca llueve a gusto de todos, unos criticaron que el sonido fuera más limpio, y otros que el disco siguiera recordando al de debut y no hubieran dado un giro radical en la segunda entrega. Sin embargo, unos y otros estarían de acuerdo en que temas como Reptilia o 12:51 son auténticas joyas atemporales, y no son las únicas que brillan en un disco que es también imprescindible.
 

Si te queda pasta, llévate también:

Si la crítica fue positiva y unánime con Is this it, y ambivalente y bipolar con Room on Fire, fue bastante injusta y negativa con First Impressions of Earth (2006). Con este disco, la banda intentó dar ese giro que algunos sectores les demandaban, y abrir su paleta a nuevos y más variados colores. Cabe darles parcialmente la razón a los críticos en que el disco se hace largo, y que las canciones más alejadas del sonido de los primeros discos no terminan de despegar, pero un disco que contiene temas como You only live once, Heart in a cage y On the other side no baja nunca del notable en cualquiera de sus escucha.

Su último disco hasta la fecha, The New Abnormal (2020), lanzado durante el confinamiento por el Covid-19, es para muchos el esperado regreso del talento en bruto de una banda a la que todos esperamos ver de vuelta, pero quizá ese ansia nos ciega, y donde creemos ver renovadas excelencias solo hay en realidad algunos brotes verdes (The Adults Are Talking, Brooklyn Bridge To Chorus y sobre todo Bad Decisions), que en cualquier caso son de agradecer tras la travesía por el desierto que fueron discos tan extraños y flojos como los que os contamos en la siguiente sección.

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Tanto Angles (2011) como Comedown Machine (2013) son discos tan inexplicables como decepcionantes. En Angles, la obsesión por el innecesario cambio de rumbo en el grupo, les lleva a producir un incómodo disco que suena a tecno-pop ligero de los años ochenta, y del que apenas se salva el tema Machu Pichu, que destaca entre el batiburrillo general y es el único momento en el que brillan como antaño. Siendo un mal disco, les disculpa que al menos parecen tener un objetivo, lo cual no ocurre en Comedown Machine, un disco que transmite dejadez y desgana ya desde la insulsa y genérica portada. Era evidente que estaban agotados y necesitaban un descanso, y el período sabático y los proyectos paralelos les sirvieron para recargar pilas, y recuperar el tono en su reciente regreso con The New Abnormal (La nueva anormalidad). Nunca mejor dicho, porque lo normal hubiera sido que esta banda no se hubiera apeado nunca de lo alto de su, por entonces, merecido pedestal.

 

Nuestro TOP 5

 

1.- Take it or leave it

2.- Reptilia

3.- On the other side

4.-Heart in a cage

5.- Machu Pichu

0410.- The fool on the hill - The Beatles

 

“The Fool on the Hill” es una canción de The Beatles, compuesta e interpretada por Paul McCartney. Fue incluida en el álbum de 1967 “Magical Mystery Tour” y también apareció en la película del mismo título. La canción fue compuesta al piano en la casa del padre de McCartney en Liverpool, Paul McCartney comento que “The Fool On The Hill era mi canción y fue escrita para alguien como Maharishi al que sus detractores lo llamaron tonto, debido a su risa, no fue tomado demasiado en serio. Era esta idea de un tonto en la colina, un gurú en una cueva, lo que me atraía”. Maharishi Mahesh Yogui alcanzó fama mundial mediante su relación con miembros de la contracultura de los años sesenta, especialmente estrellas del pop y el rock como “The Beatles”, “The Beach Boys” o el cantautor Donovan. El encuentro con Los Beatles fue en el año 1967 en que viajaron a la India. De su estancia en la India con el Maharishi, los Beatles sacaron lo mejor de su inspiración, motivo por el cual no puede desmerecerse totalmente la influencia del Maharishi. Posteriormente George Harrison, Paul McCartney y Ringo Star continuaron ligados a Maharishi, llegando a ofrecer conciertos en beneficio de algunas de sus iniciativas, aunque posteriormente romperían su relación con el Maharishi, por quererse aprovechar de la fama del grupo con intereses comerciales, esperando que éstos le donaran entre el 10 y el 25% de sus ingresos. De hecho, John Lennon, el que menos consideración le tenía, compuso una crítica canción contra él titulada «Sexie Sadie», a raíz de acusaciones de abusos sexuales vertidas contra el Maharishi. Sin embargo, Alistair Taylor en su libro "Yesterday" cuenta que un día paseando con Paul por Primrose Hill, mientras buscaban a su perra Martha, apareció una persona de forma repentina que vestía con un impermeable y les habló de las vistas que había de Londres desde allí, desapareciendo de nuevo misteriosamente. Sea como sea a Paul le sirvió para crear esta pieza maravillosa, donde la melodía tan cautivadora se acentúa por el efecto de las flautas que crean esa atmósfera folkie y melancólica. ¿Y de quién habla? Paul McCartney lo deja abierto. Hay quien opina que, de Jesús, de Martin Luther King, etc; es interesante la interpretación de Daniel Tenner. A mi juicio, todos somos un poco el loco en la colina, todos creemos, por lo menos a veces, que tenemos razón y los locos son los otros, y no siempre somos capaces, o queremos, comunicarnos con los demás. Sin embargo, en la historia se dan dado tantos casos de "locos" que resultaron ser sabios.

 

La primera aparición de “The Fool On The Hill” en la historia del grupo fue el 29 de marzo de 1967. John estaba en la casa de Paul en St. John's Wood, Londres, para continuar con la composición de una nueva canción para que Ringo la cantara en el Sgt. Pepper's. El biógrafo de los Beatles, Hunter Davies, estuvo presente ese día y, como se relata en su libro de 1968 "The Beatles", fue testigo del estreno de otra nueva canción: “Paul cogió su guitarra y comenzó a cantar y tocar una canción muy lenta y hermosa sobre un hombre tonto sentado en la colina. John lo escuchó en silencio, mirando fijamente por la ventana, casi como si no estuviera escuchando. Paul la cantó muchas veces, la-la-ing palabras en las que aún no había pensado. Cuando por fin terminó, John dijo que sería mejor que escribiera las palabras o las olvidaría. Paul dijo que estaba bien que no lo olvidaría. Era la primera vez que Paul se la tocaba a John. No hubo discusión. Luego encendían un cigarro de marihuana, repartiéndolo entre ellos”. Aunque la letra no se había completado en ese momento, parece que John no ayudó a Paul a terminar la canción. La inconmensurable «The Fool On The Hill» tiene una de las mejores letras de McCartney y destaca por su fabulosa secuencia de acordes y los acertados arreglos de flautas (la solista tocada por el propio McCartney).

0409.- Penny Lane - The Beatles

0409 - Penny Lane - The Beatles 

Penny Lane es una canción de la banda británica The Beatles de los años 1967, y fue compuesta principalmente por Paul McCartney y acreditada a Lennon-McCartney.

Si letra se refiere a los recuerdos de la infancia de Paul McCartney y John Lennon en los suburbios de Liverpool, cercano a sus casas, estos recuerdos se citan entre las calles Penny Lane con Smithdown Road. 

Desde que Paul McCartney escribiera la canción en 1967, la calle se ha convertido, junto con Abbey Road en una de las más famosas de todos los tiempos.

The Beatles publicaron la canción Penny Lane, en el sencillo Penny Lane / Strawberry Fields Forever que fue clasificado por los usuarios de Rateyourmusic.com como el cuarto mejor álbum de la historia. En 2004 la canción fue colocada en la posición n.º 449 de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos por la revista Rolling Stone.

Curiosamente la canción nunca fue interpretada en directo por The Beatles, ya que a mediados de 1966 dejaron de hacer giras. No obstante, con posterioridad, Paul McCartney sí la ha interpretado en sus giras en solitario.

Daniel 

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#MesTheBeatles: Revolver - The Beatles

 

Revolver, The Beatles

     Rubber Soul había marcado un verdadero paso adelante en la música de The Beatles, y con Revolver iban a dar otro más afianzando esa contínua evolución en su sonido. En Revolver los cuatro músicos se destapan con unas composiciones muy sofisticadas abarcando un amplio abanico de géneros musicales, que van desde arreglos de cuerda hasta el rock psicodélico. Es el primer álbum donde el grupo abandona la típica fotografía de los cuatro ocupando la portada del disco, siendo diseñada por su amigo, el diseñador, músico y fotógrafo alemán Klaus Voormann, al que conocían de sus días en Hamburgo. La portada consistía en un collage artístico en blanco  y negro que tenía caricaturizada la imagen de The Beatles en un corral de tinta al estilo del pintor e ilustrador británico Aubrey Beardsley.

Revolver, el séptimo álbum de estudio de la banda, fue grabado en los EMI Studios de Londres entre el 6 de abril y el 21 de junio de 1966, bajo la producción, como era habitual, de George Martin, y publicado el 5 de agosto de 1966 bajo el sello discográfico Parlophone. Como hemos comentado anteriormente, el disco supone una clara evolución en cuanto a sonido, abarcando desde los clásico arreglos de cuerda, hasta el art rock, rock pscodélico o el rock experimental. Además del grupo, que tenían ganas de experimentar cosas nuevas, se suma el hecho de que un jovencísimo Geoff Emerick es ascendido como ingeniero de sonido. En 1966 Norman Smith, el que había sido el ingeniero de sonido habitual de The Beatles desde su llegada a Abbey Road, dejaba su puesto de ingeniero para convertirse en productor, lo que dejaba la plaza ingeniero de sonido de The Beatles vacante. Así, de forma inesperada para él, Geoff con tan solo 19 años se convertía en el ingeniero de sonido de paul, John y compañía, y juntos  llevarían el sonido del grupo a otra dimensión.

En los meses anteriores a la grabción de Revolver, a Paul, Ringo, George y John les había picado la curiosidad por las grabaciones caseras y se habían comprado  magnetófonos. Paul había descubierto que el cabezal de borrado podía quitarse, lo que permitía añadir nuevos sonidos a los ya existentes cada vez que la cinta pasaba por encima del cabezal de grabación. Por aquel entonces la cinta se saturaba y empezaba a distorsionar, y era ese efecto el que atraía al grupo. El interés creativo y las ganas por probar cosas nuevas del grupo unido al mismo interés del nuevo ingeniero de sonido, Geoff Emerick, hizo que las sesiones de grabación del álbum se hicieran con rapidez y fluidez. La creatividad rodeaba todo el entorno del grupo, lo que se tradujo en un álbum con nuevos desarrollos estilísticos que serían más pronunciados en discos posteriores. Ideas como la de conseguir el característico sonido de batería de Ringo acercando micros y metiendo una manta dentro del bombo, o pasar la voz de John a traves de un altavoz Leslie para conseguir que su voz sonara como había pedido, "como cien monjes tibetanos".

Nos vamos centrar en la edición británica, que contiene tres temas más que la edción estadounidense. Abre la cara A Taxman, canción que era la primera de Harrison a la que se se le daba una posición tan destacada en un álbum, abriendo además el disco, lo que indicaba que era capaz de componer temas tan buenos como Lennon y McCartney. La grabación de Taxman comenzó el 20 de abril de 1966, sin embargo las tomas grabadas ese día no se utilizaron y el día siguiente se retomó la grabación, siendo grabadas ese día la batería, el bajo, la voz y las guitarras distorsionadas de Harrison, y los coros de Lennon y McCartney. La grabación del tema se terminaría el 21 de junio de 1066. Harrison le pidió a McCartney que colaborara con las guitarra y éste grabó el sólo de guitarra además del bajo, y Ringo, además de la batería, tocó la pandereta y el cencerro. Los Mr. Wilson y Mr. Heat de letra se referían a Harold Wilson y Edward Heath, quienes eran el primer ministro británico laborista y el líder conservador de la oposición, respectivamente en aquella época. Taxman hacía referencia al abusivo tipo de impuesto sobre la renta que pagaba la gente con grandes ingresos como The Beatles, que a veces llegaba a alacanzar el 95% de sus ganancias. Esto llevaría, en años posteriores, a muchos grupos de primera línea a exiliarse a otros lugares para evitar pagar impuestos. Eleanor Rigby,  escrita por Paul ayudado por John y acreditada al dúo como era costumbre. Contiene unos magníficos arreglos de cuerda ideados por Paul y grabados por George Martin bajo la dirección del propio Paul. El músico se inspiró para estos arreglos en la partitura que Bernard Herrmann había hecho para la película Fahrenheit 451, de François Truffaut. A Paul se le ocurrió el nombre de Eleanor de la actriz Eleanor Bron, quien apareció en la película del grupo Help! en 1965. Y Rigby se le ocurrió al ver una tienda en Bristol donde ponía "Rigby and Evens Ltd Wine and Spirit Shippers". Le gustó Eleanor Rigby porque sonaba natural y coincidía con el ritmo de la canción. Una bella canción que nos cuenta la historia de dos personas solitarias. I'm Only Sleeping, escrita por Lennon, es un tema donde las notas de guitarra principal y el doble sólo de guitarra fueron tocadas en orden inverso, y después revirtieron la cinta y la mezclaron de esta manera en la canción. Esta canción fue la primera donde se da un mensaje a la inversa. Fue un descubrimiento de Lennon después de estar cargando erróneamente una cinta de carrete hacia la inversa mientras se encontraba bajo los efectos de la marihuana. El efecto psicodélico de la canción se consiguió usando velocidades diferentes en los tonos de la canción. alrededor del minuto cincuentasiete de la canción se puede oir "Yawn Paul" (Bosteza, Paul), y a los 2:00 minutos de la canción se puede oir un bostezo. 

Love To You es otra aportación de Harrison y una de las canciones más aclamadas del álbum. El tema contiene claras influencias de música oriental, siendo la primera canción del grupo en usar únicamente instrumentos indios. George había comenzado su particular viaje por la filosofía y música oriental, el cual culminaría en el álbum posterior, Sgt. Peppers and Lonely Hearts Club Band. George la escribió usando un sitar, instrumento que estaba aprediendo  a usar de la mano del gran maestro Ravi Shankar. Here, There and Everywere, escrita por Paul y según el mismo una de las mejores canciones que él escribió. La canción, que contiene un alegre ritmo de soft rock, se inspiró en el Pet Sounds de The Beach Boys, más concretamente en God Only Knows. Paul escribió la canción mientras descansaba en la piscina de la casa de Lennon. Paul trató de cantar esta canción al estilo de Marianne Faithfull, la popular cantante de la década de los 60 y que era novia de Mick Jagger. Yellow Submarine, escrita por Paul y acreditada al dúo John Y Paul. Cuando Paul terminó de escribirla se la ofreció a a Ringo Starr, pues la canción fue pensada para él. Fue concebida como una divertida canción para niños. Paul cuando se  iba a dormir por las noches le daba vueltas a la cabeza pensando en que si tuvieran una canción infantil, molaría estar en un submarino amarillo donde todos los niños iban a divertirse. Paul utilizó deliberadamente palabras cortas para escribirla porque quería que los niños se aprendieran la letra rápidamente y con facilidad. Entre los efectos especiales podemos oir a John y Paul haciendo burbujas en un recipiente de agua, al chófer del grupo, Alf Bicknell, sacudiendo una cadena en una tina, y al músico de The rolling Stones, Brian Jones, chocando vasos de cristal entre sí. Al salir la canción casi todo el mundo pensó erróneamente que ésta estaba relacionada con las drogas. Cierra la cara A She Said She Said, escrita por Lennon. El músico se inspiró en un viaje de LSD que tomó con unos amigos entre los que se encontraban George Harrison y Peter Fonda. En aquel "viaje" Peter no paraba de decir "I know what it's like to be dead" (sé lo que es estar muerto), frase que se acabó convirtiendo en una línea clave en la letra. Según Peter Fonda, Harrison estaba teniendo un mal viaje porlo que él intentaba tranquilizarle dciéndole que sabía lo era estar muerto y que no tenía por qué temer ya que él se llegó a pegar un tiro en el estomago y casi muere. Según Lennon, en un entrevista en 1980, afirmó sobre la canción que él estaba tratando de asimilar la belleza de las chicas de la fiesta y la atmósfera del lugar y Peter Fonda no hacía más que venir susurrando "sé lo que es estar muerto, hombre". A Lennon le pareció aquella situación bastante molesta. Sea como fuere de aquel incidente surgió una de las canciones más psicodélicas del grupo.

Abre la cara B Good Day Sunshine, acreditada en mayor parte a Paul aunque en realidad fue una colaboración entre los él y John. Es un simple tema lleno de energía y positividad con influencias del grupo neoyorkino The Lovin' spoonful, concretamente en su tema Daydream. La canción se grabó durante dos días, y el primer día se grabaron tres tomas de piano, bajo y batería y se elgió la mejor, y luego sobre eso se grabaron y se doblaron las voces de Paul, George y John. El segundo día Ringo agregó más partes de batería y el productor George Martin agregó el sólo de piano en una grabadora que funcionaba a un ritmo más lento para que sonara más acelerado,. Y por último se agregaron más armonías y aplausos. And Your Bird Can Sing, es otra de las contribuciones de Lennon.  El tema al parecer fue una respuesta a The Rolling Stones, a quienes Lennon veía a veces como imitadores de The Beatles, y más concretamente a Mick Jagger por haber intentado coquetear con Cynthia Powell, por entonces novia de John Lennon. Más adelante Lennon acabaría renegando de este tema diciendo que era una porquería. También hay quien sostiene que fue un toque a Mick Jagger por presumir de su por entonces novia Marianne Fatihfull (Bird / pájaro es la jerga británica para niña), de quien decía que era genial y podía cantar, y Lennon le dejó claro que por muy bien que vistieran Mick y los Stones nunca le podrían igualar a él y a The Beatles. For No One, escrita por Paul mientras se encontraba de vaciones. Fue compuesta tras una pelea entre Paul y u novia Jane Asher durante un viaje a los Alpes suizos a comienzos de 1966. Al parecer Paul quería que Jane se adpatara a su horario, le compañara en una gira y fuera la perfecta esposa Beatle, pero Jane tenía una vida y una carrera propias. El tema adquiere todo el sentido con un notable sonido pop barroco con un contenido nostálgico y triste. Muy notables también el piano manejado por Paul. Doctor Robert, concebido por Lennon, está basado en una persona real, al parecer en un doctor que los hizo probar el LSD. Una de las teorías defiende que se trata realmente de Bob Dylan, que fue el que hizo pobar la marihuana al grupo. Otra teoría defiende que el se trataba del doctor Robert Freymann, cuya farmacia estaba ubicada en la 78 East Street de Nueva York. En la década de los 60 la comunidad artística de Nueva York solía frecuentar al doctor, quien facilitaba todo tipo de sustancias lícitas e ilícitas. El mismo Lennon habría sido cliente del doctor. Y hay quien dice que es el pseudónimo del dentista John Riley, quien a espaldas de los cuatro músicos mezcló LSD con el té que les ofreció. Esta sería la primera vez que los cuatro probaron el LSD. 

I Want To Tell You, otra de las aportaciones de George, que en este disco demuestra estar al nivel compositivo de John y Paul. El guitarrista vuelve a inspirarse en la cultura india para escribir la canción, algo que deja muy patente con el sonido del bajo que predomina en el tema y con el piano distorsionado. En cuanto a la letra George nos habla de toda esa avalancha de pensamientos que son tan difíciles de escribir, contar o transmitir. Got to Get You into My Life, la última aportación que aparece en el álbum de McCartney. La canción fue un tributo a la música soul, y más concretamente un reconocimiento al sonido de Memphis del mítico sello discográfico Stax Records. Aunque pueda parecer que estamos ante una canción de amor y nos hable de un chico enamorado, en realidad es una oda a la marihuana. Cierra la cara B y el álbum Tomorrow Never Knows, escrita por Lennon. Estamos ante una de las primeras canciones piscodélicas que se grabaron en la época. La canción tiene cirtas influencias de la India al igual que las aportaciones de Harrison en el disco. La canción contiene varias innovaciones técnicas en el proceso de grabación tales como la guitarra inversa, los efectos procesados, la grabación vocal y el serpenteado de cinta. La letra se basó en un libro de Timothy Leary, The Psychedelic Experience: A Manual Based on the Tibetan Book of the Dead, el cual era un reinterpretación del libro Tibetan Book of the Dead (Libro tibetano de los muertos), que su vez era un libro que Lennon solía leer mientras tomaba LSD. El título proviene de un juego de palabras que solía usar Ringo Starr, quien solía decir que el mañana nunca llegaba, porque cuando llegara el mañana, éste se convertiría en hoy. 

Con Revolver Paul, John, Ringo y George daban un claro paso hacia delante y se marcaban un disco muy adelantado a su tiempo tanto en sonido como en innovaciones técnicas en el proceso de grabación del mismo.

0408.- Mr. Soul - Buffalo Springfield

0408 - Mr. Soul - Buffalo Springfield

Mr. Soul es una canción grabada por la banda de rock canadiense-estadounidense Buffalo Springfield en 1967. Fue lanzada el 15 de junio de 1967 como cara B de su cuarto single "Bluebird" y posteriormente incluida en el segundo álbum del grupo Buffalo Springfield Again.

"Mr. Soul" trata de los problemas personales de Neil Young con la fama y el desprecio hacia el estrellato del rock. 

Fue escrita por Young tras sufrir un ataque de epilepsia después de un primer concierto con Buffalo Springfield en San Francisco. Mucha gente del público se preguntaba si era parte de la actuación. 

Mientras era paciente en el Centro Médico de la UCLA, escribió la canción una vez que estaba despierto y recuperado y le dijeron que volviera para hacerse más pruebas. 

La letra reflejaba la experiencia de Young, que se sentía como si estuviera a punto de morir, a partir de entonces, su médico le aconsejó que no tomara nunca LSD ni ninguna otra droga alucinógena. 

La canción esta compuesta con una guitarra acústica de doce cuerdas, la canción oscura y malhumorada está afinada en doble D, que Young utilizó en otras canciones, como "Ohio" y "Cinnamon Girl" En la tercera pista de Sugar Mountain - Live at Canterbury House 1968, Young declaró: "Muchas canciones tardan mucho en escribirse. Generalmente se tarda una hora y media o dos horas en escribirlas. Pero ésta sólo me llevó cinco minutos". Posteriormente, Young grabó otras versiones de la canción, a menudo con marcados cambios estilísticos.

Daniel 

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Disco de la semana 262: Girando - Los Ratones Paranoicos

Disco de la semana 258: Girando - Los Ratones Paranoicos 

Hoy les propongo una banda que lleva el estilo de las grandes bandas de rock, donde destaca el sonido del rock pasional, ortodoxo e indestructible, proponemos Girando álbum de la banda Argentina Los Ratones Paranoicos.

Y me refiero al sentir de, darle al play y escuchar cualquiera de los álbumes de bandas inglesas y norteamericanas que, periódicamente aparecen como salvadoras del rock, pero en cambio estamos hablando de Los Ratones Paranoicos que basta con un riff tan contundente como el de la canción Sigue girando, los críticos se desharía en elogios antes de llegar al segundo estribillo. 

Los Ratones Paranoicos nos sorprende, es porque estas estrellas del rock, quienes vienen de tierras Argentinas nos tienen malacostumbrados: después de tantos temas indestructibles, tantos shows incandescentes y tanto tiempo encarnando el espíritu vivo del rock & roll. 

Girando es el décimo álbum de estudio de la banda de rock argentina Los Ratones Paranoicos, y fue editado en 2003. Lo dicho 10 álbumes han pasado y la esencia del rock intacta. 

El sonido del grupo sigue teniendo esa cosa salvaje que hasta los Rolling Stones parecen ya haber perdido. Producidos con inteligencia por Toth y Guyot, los Ratones mantienen la llama encendida. Juanse su líder es un rock & roll animal , pero también tiene el corazón en su lugar y –esto es indudable– una vocación muy clara, casi de cruzado: “Ya no puedo dejar mi banda de rock& roll”, canta por ahí, como para que quede claro que esto es un monstruo de cuatro cabezas, donde sus integrantes, el Zorrito Von Quintiero ya logró la difícil tarea de reemplazar a Pablo Memi. Los temas rockeros siguen marcando los puntos más altos del disco, el principio, con “Girando”, “No me importa tu dinero” y ‘Cristal” es impactante, pero las baladas aportan un toque sensible que equilibra el ya clásico frenesí paranoico.

Alguna vez, hace unos diez años, don Andrés Calamaro comentaba, ante un auditorio escéptico, que había que ver qué temas podía llegar a componer si esa respuesta la tennis hoy con un Juanse una década más tarde. Es el tiempo, que no espera nadie, pero que a veces está de nuestro lado, y ese tiempo le ha dado razón, hoy, los chicos ya son hombres grandes. Y ya no tienen temitas de relleno, sino que sorprenden con reflexiones místicas como en “Simpatía”, o con un bello instrumental como “Exsitar”, con el que cierran un disco que pide el repeat automático. Sigue girando.

Daniel 

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0407.- Nights in white satin - The Moody Blues

 

Incluida en el álbum Days of Future Passed, y publicada como sencillo en 1967, Nights in White Satin es el éxito más recordado de The Moody Blues pese a que, en el momento de su publicación, no obtuvo gran reconocimiento por parte del público. Este relativo fracaso pudo deberse a que, a finales de los sesenta, el mundo de la música seguía girando alrededor de las principales emisoras de radio y los programas de actuaciones musicales, que impulsaban un formato de canción de menos de 3 minutos, y los más de siete minutos de las largas noches de blanco satén soñadas por The Moody Blues no encajaban bien en ese formato.

Pese a reducir la versión del sencillo a poco más de cuatro minutos, el tema acabó estancándose en el puesto 19 de las listas británicas. Pero ese no fue el final para Nights in White Satin ya que, aprovechando el boom posterior de otros temas largos y elaborados como el Hey Jude de los Beatles o el Layla de Eric Clapton con sus Derek & The Dominos, el tema fue relanzado en 1972, y para entonces la película cambió radicalmente para The Moody Blues, que alcanzaron el segundo puesto de las listas de ventas estadounidenses, el primero en las de sus vecinos canadienses, y el noveno puesto en las listas británicas que tanto se les habían resistido tres años atrás.

Inspirada literalmente en un juego de sábanas de satén que le habían regalado a su autor (Justin Hayward), Nights in White Satin es una romántica pieza de añoranza de un amor lejano, ya perdido o no correspondido, elevada a los altares musicales con la ayuda de los arreglos orquestales y los coros de la London Festival Orchestra, que brilla especialmente en la versión original del tema, barajada como primera opción para la apertura del film Apocalypse Now, antes de que los Doors le ganaran la partida y se llevaran el gato al agua con The End.

0406.- Alone again or - Love

1967 nos dejó The Summer of Love (El verano del amor) y uno de los grandes representantes de ese movimiento fue el álbum Forever Changes de Love, grabado durante ese verano, pero lanzado en noviembre es uno de los mas reconocidos ejemplos de lo que fue la música de ese mágico verano. Si bien el álbum no fue un éxito comercial cuando salió, a lo largo de los años se convirtió en un conocido ejemplo de la música psicodélica que arrasó la costa oeste de EE. UU. en la última parte de los años 60, un período de experimentación musical alimentado por sustancias químicas que llevó a los artistas a romper con los moldes convencionales y tratar de sonar diferente de cualquier manera posible: presentar instrumentos que se expandieron más allá de la guitarra/bajo/batería estándar, mezclar influencias étnicas de todo el mundo y lo más importante, pasar más tiempo en el estudio elaborando su música. Todo eso se puede encontrar en los tres minutos perfectos de Alone Again Or, una canción que pone el ánimo del oyente en un péndulo, oscilando entre la alegría y la desesperación. Love firmó con Elektra Records de Jac Holzman en 1966. El sello se especializó en música folk y blues durante los años 50 y principios de los 60 y comenzó a buscar talentos tocando un tipo de música diferente que surgió a mediados de los 60. Su primera incursión en el ámbito amplificado fue la Blues Band de Paul Butterfield, con la que tuvieron una gran racha de álbumes en los años 60. Su segundo fichaje fue Love, un movimiento que llevó al sello a la costa oeste en busca de otras bandas.

Alone Again Or se grabó en las sesiones finales del álbum en septiembre de 1967. La canción fue escrita por Bryan MacLean, quien también toca la hermosa introducción de guitarra acústica, influenciada por el flamenco, el baile español que su madre solía bailar en su juventud. Increible esa parte de guitarra, que abre cada uno de los versos vocales, y también el patrón que entra con las voces. Interesante uso de una mezcla estéreo, con la parte de guitarra de apertura completamente hacia un lado y la batería entrando por el otro lado. Arthur Lee tuvo la idea de agregar cuerdas y metales, y Botnick encontró a David Angel, un músico de jazz que trabajaba en Hollywood y hacía arreglos para cine y televisión, Lee cambio las cuerdas y las líneas de metales, quien las compuso y las arregló para una sección de cuerdas de siete piezas y una banda de mariachis de cinco piezas que tocaron en un álbum reciente de Tijuana Brass, también diseñado por Bruce Botnick. El uso de cuerdas y metales a lo largo de la canción es de buen gusto, y la guinda del pastel es el breve solo de trompeta, que proviene directamente de los álbumes de Tijuana Brass de Herb Alpert que eran tan populares en ese momento. Una cancion maravillosa, puede que sea porque su melodía está inspirada en la de "El Teniente Kijé" del grandísimo compositor ruso Prokofiev. Por cierto, el título original era "Alone again", pero Lee le añadió el "or" para darle un aire más misterioso, cosas que tenia el verano del amor y las sustancias que pululaban, pero claro que el rubiales Bryan McLean no se iba de rositas ya que poco después dejaría el grupo para dedicarse al ministerio cristiano de una iglesia llamada "the Vineyard", parece ser que como homenaje a su hermosa madre, bailarina de flamenco, (seguro que la canción os suena con aires españoles).

Grandes exitos y tropiezos: Duncan Dhu

 

Con Grandes éxitos y tropiezos iniciamos una nueva sección en 7días7notas, en las que os ayudaremos a elegir los mejores discos de los grupos y artistas más relevantes de la historia de la música, casi como si os estuviéramos acompañando en una de esas viejas tiendas de discos de segunda mano, esas pequeñas y escondidas anomalías que aún pueden encontrarse dentro del Matrix en el que se está convirtiendo este mundo en el que vivimos. Hoy hablamos de Duncan Dhu, una de las mejores bandas que dio el panorama nacional en los años 80,. Fue alla en 1984 cuando tres amigos de San Sebastián, Mikel Erentxun, Diego Vasallo y Juan Ramón Viles, forman una de las bandas a la postre más exitosas de nuestro país. Como cualquier banda novel, empiezan a tocar en distintos cafés y pequeñas salas por poco o nada dinero, con un estilo rockabilly muy original y alejado del rock radical vasco imperante en la época. Se hacían llamar Duncan Dhu, como un personaje de “Las Aventuras de David Balfour (Secuestrado)” (1886) de Robert Louis Stevenson, un jefe de un clan escocés que había fascinado a Mikel por aquel entonces. Vamos a la tienda.

 

 

Estás tardando en comprarlo:

“Autobiografía” fue su tercera entrega y podemos asegurar sin ningún género de dudas que está entre los discos nacionales más importantes de los años 80, seguramente uno de los de más calidad musical y donde podemos escuchar distintos géneros musicales, Popvigorizado, campanillero, sinfónico, afrancesado, garajista, hawaiano, radiofórmula, folk, baladista, jazzero, pianístico, stoniano, beatle, dylaniano, rocanroleante, afrocaribeño...todos brillando con luz propia. No os asustéis a ver que es un doble LP y además muy extenso con 30 canciones que sin duda podría haber sido sometido a un filtrado previo, pero hay muchas buenas, y las que no lo son tanto, tampoco desentonan demasiado, las canciones presentan variedad emocional y temperamental, las hay enérgicas, animosas y extrovertidas; también delicadas, melancólicas o recogidas. Y es un acierto que Diego cante algunas ya que a pesar de poseer una voz muy limitada aporta matices diferentes. Aparecen múltiples instrumentos y voces corales, bajo, batería, guitarras -eléctricas, acústicas, española, de doce cuerdas-, metales, cuerdas, piano, órgano, contrabajo, violines, acordeón, mandolina, armónica.

 

Si te queda pasta, llévate también:

Con poco menos de 3 años de existencia, la banda integrada aun por Juan Ramón Viles, Diego Vasallo y Mikel Erentxun, se lanzaba a la aventura de grabar el que sería su tercer disco (si incluimos su EP de debut) de estudio, "El Grito del Tiempo", que fue la consagración del grupo, vendiendo 400.000 copias. Con este disco la banda toca el cielo en popularidad, incluso en Latinoamérica, es un álbum con el aroma que desprenden los grandes clásicos de los 80. Y es que… ¿quién no ha oído alguna vez aquello de «una calle de París / me recuerda todo aquello que no fuí»? El resultado fue un disco exquisito, en el que el rock y el folk brillan intensamente. La producción está bastante cuidada, logrando una claridad sónica resaltable, sin llegar a sonar sobre producido. El valor de este disco no se limita al hit “En algún lugar”, destacan también “Tú sonrisa”, canción sumamente emotiva, la balada retro “Al caer la noche”, la intensa “La tierra del amor”, la campirana “Dirección sur”, la bellísima “Paloma blanca” y “Una calle en París”.

 

Vuelve a dejarlo en el expositor:

"Supernova" es la demostración de que habían agotado los últimos restos de inspiración, el dúo donostiarra entrega un disco mediocre, de sonido sintético, dominado por unas baterías tan limpias que me suenan falsas, dominado en definitiva por una higiene que llega a la asepsia. Muy poco que echarse a la boca en la continuación del magnífico "Autobiografía" (1989), un esfuerzo torrencial que aquí se ve que los había dejado totalmente exhaustos. Aquí me quedo con la canción titular, "La casa azul", "Marionetas" y "Oro blanco". Chispazos que captan mi atención en medio de uno de los momentos más grises del dúo. Remontarían un poco con Piedras, sin llegar a la magia de sus tres primeros álbums, un disco pausado, en el que Mikel y Diego saben lo que quieren hacer y lo ejecutan a la perfección lejos de la experimentación que no les dio buenos resultados en Supernova.

Nuestro TOP 5

1.- Una calle de Paris

2.- Rosa Gris

3.- Mujer sobre el papel

4.- En algun lugar

5.- Cien gaviotas.

0405.- The fairest of the seasons - Nico

 

Nacida como Christa Päffgen el 16 de octubre de 1938 en Colonia (Alemania), Nico fue una de las artistas más enigmáticas e inclasificables de la música pop, sigue siendo más conocida por su breve permanencia como cantante en Velvet Underground y su aparición en las películas y producciones teatrales de Andy Warhol durante la década de 1960. Dotada de una voz de contralto inquietantemente profunda, Nico se convirtió en una cantautora, creando un sonido gótico único y austero. Mientras estaba en Inglaterra, Nico conoció al genio del arte pop Andy Warhol, quien la animó a viajar a Nueva York para formar parte de su círculo de "superestrellas". A principios de 1966, Warhol incorporó a Nico a Velvet Underground, un cuarteto de rock de vanguardia que dirigía, conocido por sus canciones decadentes y su sonido abrasivo y cargado de retroalimentación, pero aquello no funciono y Nico comenzó a cantar en el Dom, un club nocturno de Nueva York. Estas actuaciones prepararon el escenario para su primer álbum en solitario, Chelsea Girl, lanzado en 1967 por Verve Records. Ataviada con arreglos barrocos de cuerdas, Chelsea Girl solo insinúa el camino musical que seguiría más tarde.

 

Dentro de ese álbum destacamos “The Fairest of the Season” que fue la pista con la que empezaba su LP Chelsea Girl, una fusión perfecta de estética contracultural genial sin esfuerzo combinada con folk-pop. La canción (junto con varias otras pistas del álbum) fue escrita por un Jackson Browne antes de que saltara a la fama, quien también respalda a Nico en la mayor parte del disco. A él se unen los colaboradores anteriores de Nico, Lou Reed (quien también era su amante), Sterling Morrison y John Cale, todos de la Velvet Underground. La canción tiene unos brillantes arreglos de cuerdas, a cargo de Larry Fallon (quien también trabajó con Van Morrison, The Rolling Stones, Gil Scott-Heron y Jimmy Cliff, jactándose de haber arreglado créditos en discos clave de esos artistas). La canción (y el disco en su conjunto) logra mezclar el folk de cámara con el pop de los 60, y Nico logra darle su propia mirada profundamente iconoclasta al material entregando una música casi única y original. Si bien el disco no vendió muchas copias en 1967, después de aparecer en películas de Wes Anderson y Gus Van Zandt, finalmente encontró la audiencia más amplia que Nico anhelaba (aunque póstumamente), las pocas copias originales del LP son un codiciado objeto de coleccionismo. Temáticamente "The Fairest Of Seasons" nos presenta a Nico que está meditando si su relación amorosa tiene que seguir adelante, aunque ella no está segura. ¿Debería dejarlo mientras las cosas están bien? Parece que los sentimientos se han minimizado y tiene la sensación que no era el amor de su vida lo que estaba buscando, aunque sin duda es una relación muy cómoda que le reconforta. Cuando llega la mañana, comienza a ver las cosas un poco más claras, aunque todavía reconoce que irse será una decisión difícil. ¿Y si ella se arrepiente? Seguro que es joven. Hay mucho tiempo para encontrar a alguien. ¿Quién dice que no podría volver si cambia de opinión de todos modos? Al final, Nico decide que ahora es el momento de irse. Le trae una especie de alivio mientras que antes estaba aterrorizada. Entonces, decide irse en la más bella de las estaciones.

#MesTheBeatles: Help - The Beatles

 

A mediados de los años 60, la Beatlemanía se había apoderado de todo el planeta después de que se completara la invasión británica en estados Unidos y los “Fab Four” no podían producir suficiente producto como para satisfacer a un público rabioso obsesionado con sus íconos favoritos. Después de que la película "A Hard Day's Night" demostrara ser un éxito rotundo, había pocas dudas de que THE BEATLES continuarían con sus aventuras de comedia musical en forma cinematográfica mientras pudieran salirse con la suya. La banda no perdió tiempo en concebir una secuela en forma de Help! que vio a THE BEATLES alejarse de las travesuras de baja produccion de su primera película a un tipo de película encaminada al éxito de taquilla multicolor con un alto presupuesto que se filmó en una variedad de lugares extranjeros exóticos. Si bien “A Hard Day's Night” se basó en la locura que había con la Beatlemania que se desarrollaba en torno a los integrantes del grupo y sus reacciones al respecto, Help! se tomó libertades al establecer una trama artificial sobre un culto oriental que necesitaba sacrificar una mujer a la diosa Kaili, pero se dio cuenta de que no llevaba el anillo de sacrificio que de alguna manera se envió a Ringo Starr en una carta de fan. La película se desarrolla a través de una serie de travesuras caricaturescas que giran en torno al culto malvado que sigue a THE BEATLES para recuperar el anillo perdido y poder llevar a cabo sus prácticas rituales. Si bien podría extenderme mucho sobre la película, el tema de esta reseña es la banda sonora musical que la acompaña, que de acuerdo con el año de 1965 variaba según el lado del Atlántico en el que residías, sin mencionar que la banda sonora de la película es bastante diferente al álbum del mismo nombre.

 

Help! Sirvió para abrir el álbum y titular la película y el álbum, el título original de la canción y la película era "Eight Arms To Hold You". Las primeras copias del sencillo decían que era de la película "Eight Arms to Hold You". En una entrevista de 1971 con Rolling Stone, Lennon dijo que este es uno de sus discos favoritos de los Beatles porque "lo decía todo en serio, era real". El ex Beatle agregó: "La letra es tan buena ahora como lo era entonces. No es diferente, y me hace sentir seguro saber que era tan consciente de mí mismo entonces. Era solo yo cantando “ayuda” y solo quería decir eso ya que Help! reflejaba el estado de ánimo de un Lennon abrumado por el vertiginoso éxito de los Beatles, y agobiado por la espiral de acoso que vivían tanto por parte de los fans como de los medios. Es, por tanto, una de las canciones más personales y honestas que escribió para los Beatles, y una de sus favoritas de aquella época. Lennon concibió la canción en un tiempo más lento que el que finalmente tuvo, pero al ser un encargo para el disco y la película, la aceleraron y edulcoraron para convertirla en el inmenso hit que llegó a ser. Él siempre consideró que al cambiarla la cargaron de una ligereza que impidió que el mensaje original llegara de una manera más clara a los que la escucharan, porque lejos de estar escribiendo una canción bailable, en palabras del propio Lennon: "En realidad estaba pidiendo ayuda a gritos...". The Night Before es una de las canciones menos conocidas de los Beatles, muchos fanáticos la consideran una de sus piezas más subestimadas. Es una canción pop ligera sobre problemas en las relaciones, con las armonías de John Lennon y George Harrison respaldando la voz principal de Paul McCartney que fue el autor de la canción. La canción sale interpretada en Salisbury Plain en la película, Help!. John Lennon tocó un piano eléctrico Hohner Pianet en esta pista y se le puede ver en la película. 

You've Got to Hide Your Love Away es una clara muestra de la influencia de Bob Dylan sobre las composiciones de Lennon, y una de las primeras donde participa otro músico ajeno a la banda (tocando la flauta). El texto de la canción tiene referencias a la homosexualidad entre líneas, estando indirectamente dedicado al gerente del grupo, Brian Epstein. En apoyo de esta idea lo sostuvo el músico / cantante Tom Robinson, quien señaló que, de hecho, Epstein tuvo que "esconder su amor" en un momento en que la homosexualidad todavía era un crimen en Gran Bretaña. Escrita por John Lennon (pero también acreditado a Paul McCartney), es una de las primeras grabaciones del grupo en verse afectada por la influencia del folk americano y Bob Dylan, contaminación presente en muchas de las canciones del propio álbum, así como futuros, como por ejemplo Norwegian Wood, contenida en Rubber Soul. Lennon, en el momento de la grabación del álbum Help! estaba impresionado por Bob Dylan, tanto por la composición como por la forma de cantar, y se inspiró en una canción de él de 1964 titulada I Don't Believe You. You've Got to Hide Your Love Away suena en la película Help!, cuando el jefe de la secta Clang (Leo McKern) aparece debajo de los alcantarillados de la Ailsa Avenue, Londres. La canción es interpretada en el apartamento de Lennon, donde la banda está vigilada por Ahme (Eleanor Bron). Al final de la canción, George se desmaya al ver la jeringa gigante que Ahme saca para Ringo, el portador del anillo. 

I need you fue escrita por George Harrison para su novia Pattie Boyd que ha sido la inspirado par muchas canciones como Something y Eric Clapton escribió "Layla" y "Wonderful Tonight" para ella. Ella y Harrison se divorciaron oficialmente en 1977. Ella y Clapton estuvieron casados ​​entre 1979 y 1988. El extraño sonido de guitarra es Harrison tocando con un pedal de tono. Dado que esta fue la única canción suya en la película. Another Girl nos da la oportunidad de escuchar a Paul con buen humor y es sorpresa en sí misma. Las armonías son fuertes, la voz segura de sí mismo de Paul es divertida, pero el verdadero deleite aquí es la guitarra. You're Going To Lose That Girl tiene un gran arreglo y nos cuent como un tipo va a robarte a tu novia que abandonastes Me encanta la alegría en sus voces cuando exclaman "Me aseguraré de quitártela", a lo que Paul y George siguen. "mira lo que haces". Incluso aquellos que no han visto la película seguramente notarán el debut de Ringo en uno de mis instrumentos favoritos, los bongos, que en sí mismo lleva a esta canción a la grandeza. Ticket To Ride es un medio tiempo, amargo y disonante, con un ritmo pesado repleto de guitarras eléctricas y timbales, de hecho, este tema fue considerado por John Lennon como "Una de las primeras grabaciones de heavy metal". El tema tiene el honor de ser la primera grabación de los Beatles que sobrepasaba la barrera de los tres minutos. En cuanto a la temática del tema, ha sido objeto de multitud de interpretaciones a lo largo de los años. Hay quien sostiene que hacía referencia a los ferrocarriles británicos y "ticket" se refería a boleto y "Ride" se refería a la ciudad de Ryde, en la isla de Wight, donde la prima de McCartney y su marido regentaban un pub que los Beatles habían visitado. También hay otra teoría que apunta a que el tema se refiere a las enfermedades de transmisión sexual y que fue inspirado por las prostitutas que el grupo había conocido en una gira anterior por Alemania. En cualquier caso, Paul McCartney comentó sobre el tema que si bien trataba principalmente de una chica que al sentirse atada abandonaba al narrador, era consciente del potencial doble sentido del tema.

Act naturally fue originalmente grabada por Buck Owens, y era una canción de Country y Western que llego al número 1 en 1963. Esta canción fue escrita por Johnny Russell y Voni Morrison. Russell fue un prolífico compositor de música country y Morrison fue miembro de la banda de respaldo de Owens. La letra de Russell se inspiró en lo que le dijo a su novia cuando ella le preguntó por qué se fue a Los Ángeles: "Me van a poner en el cine, me van a convertir en una gran estrella". Ringo cantó el plomo en esto. Era fanático de la música country, y esta se convirtió en su canción principal. Los Beatles tocaron esto en su tercera aparición en vivo en el Ed Sullivan Show. Le dio a Ringo la oportunidad de cantar en el programa. Grabado poco después de la filmación de Help!, la letra trata sobre aparecer en películas. Sobre It's Only Love John Lennon dijo una vez que esta era la única canción que escribió que realmente odiaba. Lennon le dijo al periodista británico Ray Connolly: "Es la canción más vergonzosa que he escrito. Todo rimaba. Letras repugnantes. Incluso entonces estaba tan avergonzado de las letras que apenas podía cantarlas. You like me too much, la composición de canciones de George Harrison evolucionaría en los próximos años y florecería con composiciones introspectivas como "Something" y "Within You Without You", pero en esta canción, escribió sobre estar enamorado de una chica y saber que, a pesar de sus amenazas, ella se enamorara de ti, nunca dejes de intentarlo, después de todo, a ella le gustas demasiado. En esta canción se utilizaron tanto un piano de cola Steinway como un piano eléctrico Hohner Pianet. Tell Me What You See es una pista de relleno, quizás la peor del álbum, está escrita por John y Paul. Tanto Ringo como George aportan una interesante percusión, en claves y guiro respectivamente, al servicio de una canción que no merece tanta atención. I've Just Seen a Face, suena revolucionada en su prisa por describir a la chica de la que te has enamorado instantáneamente, y la melodía basada en guitarra acústica tiene que darse prisa para alcanzarlo. 

Yesterday es uno de los muchos himnos, y porque no, el más reconocible que nos dejó como legado la banda de Liverpool, es una de esas canciones que captura de una forma u otra, los momentos más grandiosos de sus vidas e incluso tiene la capacidad de disolverlos en la realidad del presente. Es todo un logro, la capacidad que tienen sus notas para lograr una fotografía brillante del pasado y ponerla en valor de nuevo, sintiendo como el amor, la verdad o el deseo permanecen por mucho que las personas asociadas a ellos se hayan ido de nuestras vidas. La magia que siempre vuelve y que nos deja ante el poder imborrable de las marcas del tiempo en nuestra memoria. Lunes 14 de junio de 1965, era el momento de grabar Yesterday y una melodía con la que Paul se despertó un día en su cabeza y que no lograba recordar donde la había escuchado, hasta el punto que estaba convencido que la melodía le vino en un sueño, con más miedo que ilusión se la toco al grupo, y les explico que, seguro que esta melodía tan perfecta tiene dueño, pero nadie del grupo la conocía y decidieron tirar hacia adelante. Paul tenía la melodía, pero faltaba acompañarla de un letra a su altura, letra que no llegaba así que las primeras pruebas las hizo con la frase “Scrambled eggs, oh baby how I love your legs” ("huevos revueltos, oh baby, como amo tus piernas")… vale, no estaba a la altura pero casaba perfectamente con la melodía, finalmente Paul McCartney compuso la mayor parte de la letra durante un viaje en carretera de cinco horas a Portugal en 1965 cuando estaba de vacaciones con Jane Asher que en aquel año era su novia, pero aún faltaba el título y quería que fuese solo una palabra, había considerado Yesterday como una opción, cursi, pero una opción, hasta que George Martin lo convenció de que esta era la opción correcta. Y de paso le impuso una locura, incluir un cuarteto de cuerdas clásico para acompañar el tema, Paul no estaba muy convencido. “Oh no, George. Somos una banda de rock 'n' roll y no creo que sea una buena idea”, dijo. Finalmente cedió y Yesterday se convirtió en una de las primeras canciones de pop en incluir elementos de música clásica en su melodía. La letra, ensalza la añoranza del ayer, el amor perdido y las oportunidades que no vuelven, se convirtió en el emblema de toda una generación, incluyendo la cultura hippie, esta inocente canción, que apunta al ayer con un dejo de melancolía, realmente se inspira en que el ayer es como una especie de animal salvaje, que asalta el pensamiento y los recuerdos cuando uno menos se espera. Yesterday sigue siendo una de las canciones más populares del siglo XX, de hecho, es la canción con más versiones de la historia, así a bote pronto estamos ante una canción de la que han hecho su propia versión los siguientes artistas: Ray Charles, Elvis Presley, Aretha Franklin, Marvin Gaye, Frank Sinatra, Bob Dylan ... podríamos seguir mencionado a los más de 1600 artistas que la han hecho suya, pero con esta retahíla sobran lo demás…. Disfruten del ayer, disfruten de The Beatles y dejen correr una lagrimita de emoción cuando escuchen los primeros acordes…. Los recuerdos nos hacen sentir más vivos.