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viernes, 1 de diciembre de 2023

Disco de la semana 355: Welcome to Sky Valley - Kyuss

 


“Welcome To Sky Valley” siguió un camino musical bastante similar al de sus anteriores discos, todos los elementos que te atrapan en sus primeros trabajos seguían estando allí , pero de alguna manera parecían aún más atractivos esta vez, no podría decrite si hay más material psicodélico en esta ocasión, pero creo que los momentos más alucinantes son quizás más seguros y expansivos. Lo primero que te llama la atención es la forma de tocar la guitarra de Josh Homme, ha vuelto a mejorar notablemente y en este disco intenta algunas cosas mas desafiantes y extremas, y lo lleva a cabo perfectamente, puede que sea la primera vez donde descubrimo que tiene un pleno control en su instrumento y eso suena genial además la voz de John García es tan apasionante y vital como siempre y por encima de todo nos dan una composición de canciones de muy alta calidad, ya que hay muchos ganchos y aspectos destacados para atraer al oyente. Curiosamente, el álbum está organizado en tres suites, cada una con tres o cuatro canciones aparentemente no relacionadas, no tengo idea de por qué estructuraron las cosas de esta manera y debo admitir que lo encuentro un poco extraño, preferiría poder saltar de una canción a otra cuando quisiera en lugar de tener que avanzar rápidamente o escuchar varias pistas primero, esto no es algo determinante en el album, pero vale la pena avisarlo. Las dos primeras suites son impresionantes, estamos ante “rock fumeta” de la más alta calidad. A diferencia de los lanzamientos anteriores de Kyuss, no añoro la voz de John García durante las largas secciones instrumentales, la banda finalmente encontró la capacidad de involucrarme completamente en sus instrumentales y eso hace que la experiencia auditiva sea más placentera. La tercera suite comienza tan brillantemente como las dos primeras, pero las cosas comienzan a aplanarse un poco en el medio antes de convertirse en otra pista monstruosa épica al final. “Demon Cleaner” es mi canción favorita del álbum la razón es simple me llega mucho mas, dicho esto, realmente me encantan temas como “Gardenia”, “Asteroid”, “Space Cadet”, “Odyssey” y “Whitewater”, desafortunadamente, Kyuss ha vuelto a incluir una pista de broma completamente inútil al final del álbum. “Lick Doo” no tiene otro propósito que quitarle algo de brillo a un álbum que por lo demás es muy bueno. Sólo dura un minuto, pero mentiría si dijera que no me dejó un ligero mal sabor de boca al terminar el disco.

'Movement I' arranca el disco con el excelente 'Gardenia'. Junto con el conocido 'Demon Cleaner', 'Gardenia' fue sorprendentemente lanzado como single (sorprendente para mí, ya que no podía imaginar que esto alguna vez se vendiera como single, pero ¿qué iba a saber yo?) Kyuss no eran muy conocidos aquí, al menos no en los círculos principales, como otros han dicho, esta canción es la quintaesencia del rock fumeta: el estilo de guitarra característico de Josh Homme a todo volumen, cuando se le une Drums & Bass. Lo que me encanta de esta canción es su rebelión, insinuaciones sexuales mezcladas con algunos riffs y cantos funky. El solo de guitarra de Josh Homme es simplemente maravilloso, su Ovation GP realmente resalta esas notas altas de una manera que nunca había oído hablar. ¿Y qué pasa con la voz de García? ruda simplemente no hay una mejor manera de describirlos. 'Supa Scoopa and Mighty Scoop' es otro fantástico tema de rock fumeta, casi todas las virtudes más destacadas de 'Gardenia' están presentes aquí también, pero esta vez con una interpretación vocal más inspirada, aunque un poco más mesurada y menos "rudo". El riff es simplemente brutal, se integra en el coro épico con un ritmo de tambor militarista. 'Asteroide' separa estas dos pistas y es una grabación lenta que luego alcanza un clímax impresionante en sus últimos 90 segundos aproximadamente, una epopeya espacial, completa con efectos exagerados, reverberación y eco y demás (funciona aquí). Se vuelve más rápido e intenso hacia el final.


'Movement II' comienza con el corto y agudo '100°, rápido, enérgico, el efecto de desvanecimiento al final es genial. La pista del medio, 'Space Cadet', desafortunadamente es lo mas flojito de este álbum, no estoy en contra totalmente de la elección de la banda de insertar pistas con cambios más lentos, pero en este caso realmente altera el impulso del álbum, escrito por Josh Homme, su epifanía guitarrista mientras estaba en Kyuss. Termina con el contundente 'Demon Cleaner', la última pista es un poco más lenta, un poco sabática, con redobles geniales y voces espaciales, es una canción muy profunda, con una letra interesante. Recientemente vi una pieza en un foro de entrevista basada en la realización de este CD donde Josh Homme dice que esta canción en realidad pretende hablar sobre cepillarse los dientes, jaja, ese tipo tiene un gran sentido del humor.

'Movement III' comienza con otra porción del paraíso del rock fumeta 'Odyssey', que es un poco más espacial que fumetas anteriores, Es un rifferage de metal de ritmo rápido mezclado con un trabajo de guitarra muy psicodélico, guitarras al revés, guitarras distorsionadas, lo que sea. Conan Troutman es una verdadera golosina, la canción destaca por estar basado más claramente en el blues tradicional, pero aún funciona bien dentro del álbum con el tratamiento estándar. La última canción "real" del álbum 'Whitewater' es otra canción de calidad, esta vez con una introducción atmosférica realmente genial, tiene energía real... golpea tus oídos, voces distorsionadas y psicodélicas con un estribillo épico... luego todo se diluye en una agradable sesión de enfriamiento para deprimir al oyente.

Y finalmente, por supuesto, está la novedad no incluida en la lista 'Lick Doo', que es simplemente una canción carnavalesca con letras tontas de "single entendre". Es un poco divertido en ese momento en que las pistas no listadas/ocultas comenzaban a volverse populares.

En general, Welcome to the Sky Valley es una marcha constante a través del desierto nocturno, donde los únicos momentos de alivio son los breves descansos de suave improvisación que ofrecen algunos tonos más brillantes. Dado que estas cualidades tan extenuantes son el pan de cada día de la mayor parte de la música rock, no es difícil ver por qué este disco se ha vuelto querido por mucha gente. 


domingo, 15 de octubre de 2023

Black Sabbath - Sabbath Bloody Sabbath (Mes Black Sabbath)

SABBATH BLOODY SABBATH introdujo arreglos compositivos aún más complejos que incluían más estilos de teclado y también algunas cuerdas y otros toques, si bien se intentó incluir un sitar y una gaita, fueron rechazados de la edición final, lo cual probablemente fue un acierto. Con los pesados riffs introductorios de la canción principal y las visiones de pesadilla de la portada del álbum de Drew Struzan, SABBATH recapturó las imágenes oscuras y las vibraciones oscuras del álbum debut y "Paranoid", pero también mostró un enfoque musical más maduro que en sus comienzos, riffs de heavy metal fortalecidos por desviaciones hacia coqueteos más sofisticados hacia el mundo del rock progresivo donde vemos a los miembros de la banda domando a sus demonios y asumiendo desafíos para mejorar su musica y seguir siendo relevantes en un negocio musical en rápida evolución. A pesar de casi separarse a principios del año 1973, la banda compuso algunos de los mejores materiales de su carrera, Black Sabbath aplica sus nuevas ideas con más sensatez y siempre encajan perfectamente con las canciones, sin chocar nunca con ningún sonido clásico de Black Sabbath y sin dañar la cohesión del álbum, como si ser los progenitores del heavy, doom y sludge metal no fuera suficiente, Black Sabbath pondría aquí las primeras semillas de lo que se convertiría en metal progresivo.


El álbum comienza con la canción principal, que bien podría ser la mejor canción del album "Sabbath Bloody Sabbath" muestra el nuevo sentido de dinámica de la banda, ya que la canción se abre típicamente con un riff brutal y letal a la que se une a la habitual voz vengativa de Ozzy Osbourne. Sin embargo, la canción te hace saber que esta vez te espera algo diferente, ya que cambia abruptamente a un tono más suave, con Ozzy siguiendo su ejemplo en su voz y la pesada guitarra eléctrica de Iommi siendo reemplazada por una sensible guitarra acústica. Luego, cuando crees que la canción ha mostrado sus cartas, justo después de la mitad, Iommi, desde un solo, conduce a un riff completamente diferente, incluso más pesado, que lidera el resto de la canción con la voz de Ozzy sonando más enfurecida que nunca. El último minuto de la canción termina con otro riff nuevo, galopando más rápido que en cualquier otra parte de la canción hasta la línea de meta antes de desvanecerse repentinamente y apagarse en un ataque de rareza psicodélica. "A National Acrobat" es otro punto destacado, pero desafortunadamente utiliza exactamente la misma melodía vocal que los versos de "Sabbath Bloody Sabbath", sin embargo, tiene un riff único y el toque psicodélico en el solo después del punto medio es magistral. La ultima parte de la canción avanza con un trabajo rápido de guitarra que en realidad tiene una especie de tono optimista. Lo que lleva a "Fluff", el único instrumental del álbum, un instrumental acústico alegre al que se une sólo ocasionalmente un piano. Quizás sea el mejor instrumental de Black Sabbath, pero está drásticamente fuera de lugar en este álbum, donde está ahora, perjudica el flujo del álbum, a pesar de su calidad como pista instrumental singular. "Sabbra Cadabra" también podría considerarse la canción principal del álbum, comienza como un verdadero heavy metal sobre un hombre enamorado de una mujer, poco después, en la canción, un sintetizado (tocado nada menos que por Rick Wakeman de Yes ) se coloca encima del riff de Iommi para lograr un efecto sorprendente y complementa los acordes a la perfección. La voz de Ozzy pronto regresa con un extraño efecto de estudio que lo hace sonar más genuinamente demoníaco que nunca. Un piano de blues es el último en unirse a esta fiesta y, como todo lo demás en el álbum, se desliza suavemente y encaja perfectamente. "Sabbra Cadabra", muestra que Black Sabbath ha aprendido el poder de la dinámica dentro de una canción y cómo controlar adónde lleva al oyente, y es el viaje más emocionante del álbum.



"Killing Yourself to Live" no tiene la nueva paleta sonora de las pistas anteriores, pero no obstante es una canción clásica de Sabbath: un punto culminante del álbum con excelentes interpretaciones instrumentales y fuertes ganchos. La canción no cambia mucho hasta el último minuto, donde nuevamente acelera y hace referencia nuevamente al espíritu del rock and roll raíz que surgió en "Sabbra Cadabra". "Who Are You?" es la única canción del álbum impulsada por un sintetizador, más específicamente el sintetizador Moog de Ozzy que compró antes del álbum a pesar de no saber tocarlo. Es una canción un poco tonta en retrospectiva (como todo lo que alguna vez tocó un Moog), pero es adorable por su cursi y el piano que se une más adelante en la canción casi hace que la pista suene como si fuera una especie de obertura para la épica del heavy metal y las oberturas de sintetizador que se convertirían en un pilar eventual de los álbumes de metal progresivo, por lo que al menos esta es otra canción históricamente pionera, incluso si no es un punto culminante por sí solo. "Looking for Today" regresa al formato basado en guitarra, pero esta vez es la batería de Bill Ward lo más destacado de la canción, así como las flautas que se unen a la voz de Ozzy en el coro. Tonalmente, esta es la canción que suena más alegre del álbum, Ozzy gritando el título de la canción suena incluso optimista, pero la canción es crítica con la persona a la que se dirige, alguien cuya vida pasa de largo porque solo vive en el presente. "Spiral Architect" retoma las cosas nuevamente con una de las mejores canciones del álbum, que comienza con una delicada guitarra acústica antes de que suene el sonido eléctrico. El estribillo de la canción suena retorcido con los violines y la voz desafinada de Ozzy. Es un final radical para un álbum excelente y un buen resumen de los elementos que hacen de Sabbath Bloody Sabbath el mayor logro de Black Sabbath.



“Sabbath Bloody Sabbath” es probablemente el lanzamiento más progresivo en la discografía de la banda y por lo tanto debería escucharse más de una vez antes de calificarlo, no me gustó nada cuando lo escuché por primera vez pero creció en mí. y ahora lo considero como uno de los mejores álbumes de la banda. De modo que Sabbath ciertamente ha experimentado cambios y, a través de ellos, ha producido su primera obra maestra, todavía no es perfecta, debido a algunos problemas menores de ritmo y secuencia, pero en Sabbath Bloody Sabbath, la banda ha demostrado ampliamente que el metal puede ser colorido, diverso, melódico, pegadizo y conmovedor en igual medida sin sacrificar su esencia pesada. Escucha esencial, no sólo para los recién llegados a Sabbath, sino como algo que muy probablemente convertirá a aquellos que no están tan enamorados de los primeros álbumes de Sabbath o del heavy metal en general. Y a partir de ahí solo mejorarían...


miércoles, 11 de octubre de 2023

BlackSabbath - Vol. 4. (Mes Black Sabbath)

 

Vol. 4, Black Sabbath


     En mayo de 1972 el grupo británico Black Sabbath se encierra en los Record Plant Studios de Los Angeles para grabar su cuarto álbum de estudio, Vol. 4. Este disco será el primero que no produzca Rodger Bain, recayendo tal tarea en el que era por entonces mánager del grupo, Patrick Meehan y en la propia banda. Pero quien realmente asumió prácticamente las tareas de producción fue el guitarista Tony Iommi. Sobre la producción del disco, Ozzy Osboune afirmaba: "Es el primer álbum que hemos producido nosotros mismos...  Anteriormente teníamos a Rodger Bain como productor, y aunque es muy bueno, realmente no sentía lo que estaba haciendo la banda. Fue una cuestión de comunicación. Esta vez lo hicimos con Patrick Meehan, nuestro mánager, y creo que todos estamos muy contentos... Fue genial trabajar en un estudio americano". El disco fue publicado en septiembre de 1972 por el sello discográfico Vertigo Records



La grabación no estuvo exenta de problemas, la mayor parte de ellos por el abuso de drogas. Habitualmente el grupo solía recibir en el estudio altavoces llenos de cocaína, lo que da una idea de como eran la sesiones de grabación. Sobre este asunto de las drogas, Ozzy en su biografía habla sobre las sesiones de grabación en Los Angeles: "A pesar de todos los problemas, musicalmente esas pocas semanas en Bel Air fueron las más fuertes que jamás hayamos tenido". También admitía: "Con el tiempo empezamos a preguntaros de dónde carajo venía toda la coca... esa coca era la sustancia más blanca, más pura y más fuerte que jamás puedas imaginar. Una inhalación y eras el rey del universo". Ozzy tambén relata la constante preocupación y ansiedad por la posibilidad de ser arrestados por este asunto en Estados Unidos, y que empeoró a raíz de ver la banda en el cine la película The French Connection (1971), sobre policías encubiertos en la ciudad de Nueva York que desmantelaban una red internacional de contrabando de heroína. Ozzy recordaba: "Cuando llegaron los créditos estaba hiperventilando". Geezer Butler también afirmaba que no fue consciente del problema que tenían hasta que llegó a casa y la chica con la que estaba no le reconoció.

La portada del disco presenta una fotografía monocromática de Ozzy Osbourne con las manos levantada haciendo el signo de la paz. Dicha foto fue tomada por Keith Mcmillan durante un concierto del grupo en el Ayuntamiento de Birmingham en enero de 1972. El disco llegó a alcanzar en menos de un mes el disco de oro, y fue el cuarto lanzamiento consecutivo en conseguir vender más de un millón de copias en Estados Unidos. Toda la música fue escrita por el grupo, mientras que la letra corrió a cargo del bajista Geezer Butler.

Este disco tiene su importancia, pues muestra un cambio, una evolución en el sonido de Black Sabbath, alejándose del enfoque puramente oscuro y pesado de sus primeros discos. El disco comienza con Wheels of confusion, tema que comienza con un riff poderoso y complejo que muestra ya desde el inicio la habilidad y maestría musical de la banda. La canción nos introduce en la vorágine de estar perdido entre las ruedas de la confusión, que es la forma en la que alguna vez nos hemos encontrado en la vida, perdidos sin rumbo. Tomorrow's Dream es una canción con rápido ritmo con el distintivo estilo de Iommi donde podemos apreciar el caracter potente y pesado de la banda, acompañado por la melancólica letra que canta Ozzy. Aunque el disco conserva el característico estilo pesado del grupo, en alguna canción se abren y muestran su lado más sensible, como en Changes, una balada de piano con mellotron. La canción se inspiró en la ruptura que el baterista Bill Ward había sufrido con su primera esposa. Iommi aprendió a tocar solo el piano después de encontrar uno en el salón de baile de la mansión de Bel Air que el grupo había alquilado. En aquel salón fue donde compuso la canción. Según Ozzy: "Tony simplemente se sentó al piano y se le ocurrió esta hermosa melodía... Yo me puse a tararear una melodía exagerada y Geezer escribió estas desgarradoras letras sobre la ruptura que Bill Ward estaba pasando con su esposa". La canción es toda una rareza en la obra del grupo, pues no incluye ni guitarra ni batería. Fx es una breve canción instrumental que consta de ruídos de eco del crucifijo que Tony Iommi lleva al cuello, golpeando su guitarra con efectos de eco adicionales. La canción surgió de forma espontánea, pues después de fumar hachís, el crucifijo que llevaba al cuello Tony Iommi empezó a golpear accidentalmente las cuerdas de su guitarra, y los demás miembros del grupo se interesaron por aquel extraño ruido. Tony definía esta canción como "Una broma total". Cierra la cara A Supernaut, canción que contiene unas crípticas letras que nos hablan del escapismo añadiéndole un toque de fantasía, y un poderoso riff de guitarra de Iommi, que no deja indiferente, pues el músico Beck Hansen ha catalogado este riff como su favorito de todos los tiempos. No solo a él le parece prodigioso, pues tanto John Bonham como el mismísimo Frank Zappa también lo nombran como uno de sus temas favoritos de siempre.



Snowblind
abre la cara B, que es una clara referencia de la banda a la cocaína, la droga que consumían por aquel entonces. En las notas el grupo hace un juego de palabras de agradecimiento a "la gran COKE-cola Company", otra clara alusión a dicha sustancia. La banda quería que este tema fuera el título del álbum, pero la compañía discográfica se negó por razones obvias. Según Ozzy: "Snowblind fue uno de los mejores álbumes de Black Sabbath, aunque la compañía no nos permitió conservar el título... Porque en aquellos días la cocaína era un gran problema y no querían la molestia de una controversia". En esta canción colabora una orquesta en su grabación. Cornucopia es otra canción pesada con un pesado ritmo y con un excelente trabajo de Iommi con la distorsión de la guitarra. Es otro de los temas donde permanece intacto el característico estilo pesado del grupo. En Laguna Sunrise  el grupo muestra su evolución de sonido, un evocador instrumental de corte neoclásico. Después de estar despierto toda la noche y contemplar el amanecer en Laguna Beach, Tony Iommi compuso la canción. En el estudio, una orquesta acompaño al guitarrista, aunque dicha orquesta se negó a actuar hasta que sus partes estuvieran escritas adecuadamente. Es la misma orquesta que colaboró en Snowblind. El disco acaba con dos temas, la corta y enérgica St. Vitus' Dance, que muestra la versatilidad de la banda, y Under the Sun, que cierra el álbum con un poderoso riff mientras Ozzy nos habla de la inevitabilidad del cambio, un cambio que ni ellos mismos habían podido evitar al concebir este disco.

Vol. 4 muestra una firme evolución del grupo pero sin perder de vista su esencia, y además de estar considerado como uno del los discos clásicos del grupo, se convirtió en una clara influencia para infinidad de bandas de heavy metal que fueron surgiendo con posterioridad. 

miércoles, 4 de octubre de 2023

Black Sabbath - Black Sabbath. (Mes Black Sabbath)



¿Fue el 13 de febrero de 1970 la fecha en la que nació el heavy metal? Antes de esa fecha, grupos como Led Zeppelin o Deep Purple habían bebido del blues y de esquemas clásicos para crear un rock eléctrico de gran intensidad y complejos desarrollos instrumentales, pero en la fecha antes comentada se publicó un disco que cambiaría el paisaje sonoro reinante hasta el momento: el álbum debut de Black Sabbath.

El disco "Black Sabbath" no solo abrió la puerta a un nuevo género musical marcado por una mayor oscuridad y dureza de sonido con respecto a bandas y conceptos anteriores, sino que lanzó internacionalmente a Black Sabbath como uno de los grupos más influyentes e icónicos del género recién creado y de la historia del rock en general. Formados en Birmingham en 1968, los Black Sabbath se componían de Tony Iommi (guitarra eléctrica), Geezer Butler (bajo), Bill Ward (batería) y el carismático Ozzy Osbourne como vocalista.

El disco comienza con la canción que da título tanto al álbum como a la banda, la inquietante "Black Sabbath" y su célebre introducción conocida como el "Trítono del diablo", un icónico riff de guitarra que al instante se convirtió en referencia para los seguidores de la banda y del naciente heavy metal en general. Sombría y misteriosa, la canción describe a una figura oscura y siniestra, en un tono y una atmósfera lúgubres que predominarán a lo largo de las ocho canciones del álbum. Casi tan oscura es "The Wizard", pero aquí la banda da rienda suelta a un mayor derroche de destreza instrumental, y la inclusión de una hipnótica armónica la convierte en una pieza destacada y distintiva. El mago del título no es otro que Gandalf, el personaje de "El Señor de los Anillos", aportando al disco ese toque de fantasía épica y medieval que tan habitual sería después en el género del heavy metal.

Igualmente inquietante es "Behind the Wall of Sleep", con una marcada línea de bajo y una intensa interpretación vocal, y añadiendo para la ocasión un cierto aire psicodélico. La oscuridad sigue reinando en los surcos con "N.I.B.", en la que de nuevo es el potente bajo el que marca el camino hacia las sombras. Ozzy Osbourne pone aquí voz a un Lucifer enamorado, mientras la aportación de la guitarra eléctrica de Tony Iommi hace que la canción roce la categoría de obra maestra.

Tras tanta oscuridad, una canción como "Evil Woman" es, por su sonido más abierto y de blues rock, un resquicio de luz colándose entre los barrotes de una lúgubre mazmorra. Se trata de una versión de un tema de la banda británica Crow, pero encaja igualmente en el conjunto del disco. La luz que ha dejado entrar el blues no se disipa en el siguiente corte, "Sleeping Village", pieza instrumental que trae consigo inesperados aires frescos y melódicos, y que funciona como efectivo interludio antes de la de la gran pieza final.

Un disco tan oscuro solo podía terminar con una gran coda final. "Warning" es una gran versión extendida de la canción "Retaliation" de Aynsley Dunbar, plagada para la ocasión de largos solos de guitarra que la dotan de una intensidad y una energía enormes. Es una muestra más de la influencia del blues rock en el género, pero con un tratamiento totalmente diferente al de los anteriormente mencionados Led Zeppelin o Deep Purple, que tocaban con las cortinas descorridas, mientras que los Black Sabbath lo hicieron desde lo más profundo de un oscuro sótano, en el que reinan la oscuridad y la crudeza más opresivas.

viernes, 29 de septiembre de 2023

El disco de semana 346: Electric Pentagram - Lovebites

 

Electric Pentagram, Lovebites


     En esta ocasión viajamos a Japón para escuchar el trabajo que catapultó fuera de dicho país al grupo de power metal Lovebites. Este grupo se formó en 2016 y actualmente está compuesto por cinco mujeres, Haruna (batería), Midori (guitarra y voces), Miyako (guitarra, teclado y voces), Asami (vocalista), y Fami (bajista), que llegó en 2021 para sustituir a la bajista Miho. Lovebites se forma en Tokio en 2106, cuando Destrose, el grupo en el que se encuentran Miho y Haruna, se disuelve. Deciden las dos reclutar a la guitarrista Midori y a otra guitarrista y tecladista de apoyo, Miyako. que más tarde será miembro de pleno derecho. Después las cuatro deciden fichar a la vocalista Asami basándose en una demo que esta había realizado. Para el nombre de la banda, el grupo se inspiró en una canción del grupo Halestorm, llamada precisamente Lovebites.

rupo debuta en mayo de 2017 con el EP The Lovebites EP. Realmente era una demo para conseguir atraer a algún sello discográfico, pero al sello Victor Entertainment le gustó tanto que decidió publicarlo como EP. Ese mismo año la banda debuta con su primer disco de larga duración, Awakening From Abyss, publicado en Japón, y América el 25 de octubre de 2017, y dos días después en el Reino Unido. Gracias a este trabajo, a finales de año el grupo ya está dando conciertos fuera de Japón. En diciembre de 2018 el grupo lanza su segundo álbum de estudio, Clockwork Inmortality, publicado por el sello discográfico Victor Entertainment. El grupo sigue con con un sonido dedicado al power metal, pero influenciado por el NWOBHM (Nueva ola de heavy Metal británico). El disco es lanzado en Japón, Europa, Nueva Zelanda y Australia, y consigue ir expandiendo el sonido y el nombre del grupo en el extranjero. Pero no será hasta la publicación de su tercer álbum de estudio, Electric Pentagram, cuando el grupo de el verdadero salto internacional haciéndose un nombre fuera de Japón.

Las influencias de la banda pasan por el sonido de la vieja escuela NWOBHM, el hard rock o  el heavy metal Así por ejemplo, las influencias de Miho pasan por bandas como Iron Maiden, Pantera, Mötely Crüe, y Anthrax. Haruna siempre ha nombrado como una de sus grandes influencias Helloween y su álbum Master of the Rings. Los guitarristas que han influenciado en el estilo de Midori, según ella, han sido, Kiko Loureiro, Nuno Bettencourt o Yngwie Malmsteen entre otros. Las influencias de Miyako pasan por clásicos como Deep Purple o Rainbow, y por grupos más actuales como Polyphia y sus dos guitarristas, Timothy Henson y scott LePage. Sin embargo las influencias de la vocalista Asami vienen del R&B y la música soul, y llegó a estudiar cuando se mudó con 16 años jazz y danza hip - hop. 

Toda esta mezcla de géneros han influenciado en el sonido Lovebites, que contiene influencias del hard rock clásico, del heavy metal y el power metal clásico de finales de los años 80 y 90 mezclado con el power metal más actual y que podemos  comprobar en su tercer álbum de estudio, Electric Pentagram, el recomendado para la ocasión. Este disco fue publicado el 29 de enero de 2020 por el sello discográfico Victor Entertainment en Japón y dos días después en Estados Unidos por el sello discográfico JPU Records. Llegó a alcanzar un meritorio decimosegundo puesto en la lista japonesa Billboard Japan

El grupo había estado muy ocupado durante la primera mitad del año 2019, pues la gira japonesa de su segundo álbum de estudio había comenzado en enero de ese año. La preproducción de Electric Pentagram comenzó precisamente durante la gira de su segundo disco, Clockwork Inmortality. Miyako, compositora de la música de la mitad de los temas, comentaba al respecto que había estado escribiendo canciones desde finales de 2018 hasta marzo de 2019, y luego trabajó en los arreglos de marzo a mayo, comenzando a grabar en junio de 2019. Las restantes canciones fueron escritas entre Miho, Midoi y Asami, contando con la colaboración de la tecladista Mao, del grupo Light Bringer. Durante la referida gira de 2019,despues de los conciertos, la bajita Miho y la vocalista Asami se quedaban en las habitaciones de los hoteles escribiendo las letras de las canciones. 



El título del álbum, Electric Pentagram, significa que Lovebites está "protegiendo el heavy metal", ya que los pentagramas también se asocian a los amuletos utilizados para la protección, y los cinco puntos del pentagrama representan a las cinco miembros del grupo. Había cierto miedo entre algún que otro sector de los seguidores de la banda porque su popularidad iba en aumento y temían que el estilo de la banda cambiara y se volvieran hacia el pop, algo que el grupo se encargó de desmentir, seguirían el camino del metal. Para la portada del álbum, donde aparece un lobo y un pentagrama, Lovebites recurrió al dúo de artistas españoles, David López Gómez y Carlos Vicente León a través de su empresa The EasyRabbit CreArtions. El disco
sería publicado en enero de 2020 por el sello discográfico Victor Entertainment.

Comienza el álbum con Thunder Vengeance, caracterizado por su potente riff. Miho creó el riff después de ver a Slayer en el Download Festival Japan el 21 de 2019. Holy War es la única canción donde está acreditada toda la banda en la composición de la letras. El grupo se inspiró en el grupo brasileño Angra para escribir esta canción, y en los solos de su ex guitarrista Kiko Loureiro. Golden Destination fue escrita en honor y para honrar el metal británico, una de las grandes influencias de la banda. Un tema con ciertos toques de AOR y que nos recuerda por momentos mucho a una de las grandes precursoras del power metal, Halloween. Raise Some Hell, con su toque de hard rock, se inspiró en el grupo Halestorm. Las letras del grupo generalmente son bastante serias y la banda quería hacer una canción con letras menos serias. Después de la descarga de Today Is the Day, le llega el turno a When Destinies Align, con la que llegamos al ecuador del disco, una pista descrita por la propia banda como speed metal melódico. Asami escribió la letra sobre las cinco componentes del grupo. La música fue escrita por Miyako, que había titulado originalmente la canción Lovebites, quería usar el nombre de la banda para titular alguna canción que merecise tal honor. Finalmente acabó cambiándose el título.

A Frozen serenade surgió como un apuesta personal de Asami, la cantante quería una "triste balada de invierno". La cantante quería incluir una guitarra acústica en este tema, aún sabiendo que es más difícil que la guitarra eléctrica en el sentido de que se notaría el más mínimo error, algo que no llegó a suceder, pues el resultado es más que notable. Dancing With The Devil es la primera canción donde Midori aparece como compositora de la banda, escribiendo la letra con Asami. Mientras que la música fue escrita por Mao y la propia Midori. En realidad esta canción había sido escrita para su álbum anterior, pero esta no encajaba. Para ser incluida en este tercer álbum se reelaboraron los riffs y los arreglos de guitarra. La canción Sign of Deliverance en realidad había sido escrita a principios de 2018 y el grupo la había estado tocando en directo desde julio de 2019, cuando no tenía ni siquiera título. La canción se caracteriza porque sus dos guitarristas, Miyako y Midori tocan realzando la técnica del Tapping, Miyako quería precisamente una canción donde las dos guitarristas tocaran utilizando dicha técnica. Set The World Fire, con su toque de trash metal, es una de las canciones más potentes del álbum, mientras que The Unbroken, según Miho, fue la canción más difícil del disco, tanto por sus arreglos como a la hora de grabarla. Cierra este notable disco con Swan song. Miyako, para escribir la música, combinó elementos de sus clásicos favoritos, Revolutionary Étude (Estudio Revolucionario) de Frédéric Chopin, y New World Symphony (Sinfonía del Nuevo Mundo) de Antonín Dvorák. Posteriormente Asami escribió las letras de forma que estas coincidieran y transcurrieran a la par que el estado de ánimo de la canción. La formación clásica de Asami le hizo pensar en el El lago de los cisnes, y basándose en el tema agregó un coro de acompañamiento similar a una ópera, y también agregó un piano, el cual representa en su parte final la muerte del cisne.

Electric Pentagram es un disco más que recomendable, pues además de su gran evolución con respecto a trabajos anteriores, el grupo muestra una solidez, una compenetración y una técnica increíbles, y una gran madurez en la composición de las canciones.

viernes, 25 de agosto de 2023

Disco de la semana 341: Metallica - Metallica

 

Metallica, Metallica



     En San Francisco, Estados Unidos, establecerá su base y crecerá y forjará su leyenda una banda que lleva hasta la fecha alrededor de unos 120 millones de copias de sus discos, habiéndose ganado a pulso la consideración de una de las grandes bandas del trash metal, sino la mejor. Metallica nos ha deleitado con su gran calidad no sólo con sonidos trash metal, también con otras vertientes del género, como el heavy metal, speed metal o el hard rock.

Para esta semana vamos a recomendar su álbum Metallica (1991), disco que apostó por un cambio de sonido más contundente, perdiendo parte de esas raíces que provenían del trash metal. Con un cuidado extremo en la producción, el disco contó con varas innovaciones técnicas para aportar un sonido que se acercara lo máximo posible al directo. En un principio este disco recibió malas críticas de un sector que no entendió el cambio de estilo de la banda, más cercano al hard rock, pero con el tiempo se ha convertido en un disco que suele figurar en los puestos más altos en todas las listas que circulan por ahí de los mejores trabajos del grupo. Temas como Enter Sandman, Nothing Else Matters o The Unforgiven han pasado a ser parte imprescindible en la historia de la banda e hicieron que una nueva legión de adeptos se fijaran en la banda y pasaran a seguirla de forma incondicional.

Metallica, también conocido omo The Black album, es el quinto disco de estudio de la banda de San francisco. Grabado ente octubre de 1990 y junio de 1991 en los One on One Studios de Los Angeles, fue producido por  los miembros del grupo James Hetfield y Lars Ulrich, y por Bob Rock, y publicado el 12 de agosto de 1991 por el sello discográfico Elektra Records. Las sesiones de grabación no fueron especialmente fáciles, pues el grupo durante los ocho meses que duraron las sesiones, se encontraron frecuentemente con el desacuerdo el productor Bob Rock. El resultado fue un álbum que marcó un cambio en el sonido de la banda, la cual en sus cuatro discos anteriores había apostado por un estilo hacia el trash metal, por un sonido más lento, pesado y refinado. 

De este disco se lanzaron cinco sencillos para promocionarlo: Enter Sandman, The Unforgiven, Nothing Else Matters, Wherever I May Roam y Sad But True. La canción Don't Tread on Me, a pesar de haberse emitido en las cadenas de radio no fue lanzada como sencillo. A pesar de recibir en un principio algunos detractores por el cambio de sonido, en general recibio buenas críticas, convirtiéndose en el álbum más vendido de la banda hasta la fecha. Fue el rpimer disco del grupo en encabezar las listas de éxitos de Estados Unidos, situándose durante cuatro semanas consecutivas en el primer puesto de la lista Billboard Hot 200. Con más de 30 millones de copias vendidas. A día de hoy es uno de los disco más vendidos en todo el mundo.

Las canciones de la banda fueron escritas principalmente por James Hetfield y Lars Ulrich, con Hetfield como letrista. El dúo solía componer juntos en casa de Ulrich en Berkeley, California. A pesar de llevar el gran peso de la composición, otros miembros de la banda contribuyeron ideas y conceptos en algunos temas. El grupo tuvo muchos debates sobre el título del álbum, en un principio ibn a llamarlo Five o usar el título de una de las canciones, pero finalmente eligieron Metallica porque era el nombre del grupo y porque querían algo simple. La portada del disco muestra el logo del grupo en ángulo en una esquina y una serpiente enroscada en la esquina contraria.



Entramos en materia y el disco abre con uno de sus grandes éxitos de siempre, Enter Sandman, escrita por Hetfield y Ulrich. La canción trata sobre pesadillas y cosas que acechan en la noche. Es, con diferencia, la canción más reproducida del grupo en la radio. La letra originalmente trataba sobre el síndrome de la muerte súbita del lactante, cuando un bebé muere inexplicablemente en su cuna. El productor Bob Rock consiguió convencer a Hetfield para que o cambiara e hiciera la letra algo más accesible. El grupo tenía la política de no comentar las contribuciones individuales de los demás, pero el productor no era miembro y se sentía libre de hablar y opinar. Sad But True es una canción que trata sobre la relgión y hasta donde es capaz de llegar la gente para practicar su fe. Hetfield tuvo la idea de la letra al ver la película Magic de Anthony Hopkins de 1978, donde un ventrilocuo es controlado por su títere malvado. El productor Bob Rock llegó a pensar que Holier Tahan Thou trataba sobre él, de hecho aborda la irritación de Hetfield con aquellos que trabajan en la industria musical y se apresuran a señalar con el dedo los errores de los demás. El mismo Hetfield admitiría más tarde en una entrevista en 2001 que esta fue "una de las canciones más tontas que había escrito". The Unforgiven es otro de los grandes temasde siempre de la banda. Acreditada a Hetifel, Ulrich y Kirk Hammett. La banda se sumergió en un nuevo estilo con esta canción, querían probar un tema con un verso pesado y un estribillo suave, algo que rara vez se escucha en el hard rock o el metal. La introducción se basó en una partitura de una película occidental y se invirtió para que no se pudiera identificar. El grupo, obviamente nunca reveló la película para evitar problemas legales, aunque se especula que fue La muerte tenía un precio (1965) interpretada por Clint Eastwood. Kirk Hammett había compuesto dos riffs de guitarra basados en el sonido del gran guitarrista Gary Moore, los cuales acabó utilizándo en esta canción. Wherever I May Roam, lanzado como sencillo, nos habla sobre la vida en la carretera, y todo lo que conlleva, el cansancio y el agotamiento. El instrumento que suena al principio en un sitar eléctrico tocado por kirk Hammett, y el extraño sonido, como un crujido, que se escucha a lo largo del tema proviene de un bajo de 12 cuerdas tocado por el bajista Jason Newsted. Cierra la cara A Don't Tread On Me (No me pises) proviene de un lema muy popular en la América colonial. Dicha frase se combinó con la imagen de una serpiente de cascabel de madera estadounidense y se imprimió en una famosa bandera conocida como "Gadsden Flag" (Bandera de Gadsden). El uso de esta bandera y sus variaciones por parte de de soldados, marineros e infantes de marina creció rápidamente y se generalizó durante la Revolución estadounidense. El riff de guitarra de apertura del tema fue tomado de la canción America del musical de 1957 West Side Story.



Trough The Never
se encarga de abrir la cara B. Sobre esta canción el productor Bob Rock llegaría a admitir que le costó bastante tiempo darse cuenta de lo bueno que era este tema. Otro ejemplo de los contínuos encontronazos que surgieron entre el productor y la banda durante las sesiones de grabación del disco. Nothing Else Matters se ha convertido por derecho propio en otro de los grande temas de siempre del grupo. Compuesta entre Hetfield y Ulrich, Hetfield afirmó que escribió la letra de esta canción sobre una novia que tuvo una vez. La orquestación de la canción contó con los arreglos hechos por Michael Kamen, quien también dirigió la Orquesta Sinfónica de San Francisco que tocaría en vivo junto al grupo en su álbum en vivo S&M (1999). También contó como fuente de inspiración de la canción las constantes giras y las innumerables horas de autobús y hotel que el grupo pasaba. Es uno de los únicos temas donde el solo de guitarra es tocado por Hetfield en lugar de Kirk Hammett. A Hetfield al principio le preocupaba escribir una canción de amor, pues luego tendría que tocarla para el resto del grupo. Sobre esto afirmaba: "Al principio ni siquiera quería tocarla para los muchachos. Pensé que Metallica solo podíamos ser nosotros cuatro. Estas son canciones sobre destruir cosas, golpear la cabeza, sangrar para la multitud, lo que sea, siempre y cuando no se tratara de chicas y coches rápidos, aunque eso es lo que nos gustaba. La canción era sobre una novia en ese momento. Resultó ser una canción bastante importante". Le sigue Of Wolf and Man es una canción sobre la que el productor Bob Rock en un principio tenía dudas por la letra que Hetfield había escrito, le parecía una  tontería escribir sobre un lobo. Más adelante se fue dando cuenta de que la canción no era en absoluta tonta, pues tenía más trasfondo del que en principio parecía. The God That Failed nos habla sobre la fe. 
Durante la adolescencia de James su madre enferma de cáncer, y resulta que la doctrina religiosa a la que pertenece su familia prohibía el uso de medicinas para la curación. Su madre, fiel a los dictámenes de su doctrina, rehúsa tomar medicina alguna confiando únicamente en la fe como remedio para su enfermedad. La madre de James fallece debido a su enfermedad cuando éste tiene 16 años. Este hecho influirá en en el músico, produciéndose en su interior un conflicto entre la perdida de fe y las enseñanzas y doctrinas practicadas por su familia, las cuales le habían enseñado desde pequeño. El conflicto entre la doctrina religiosa y si la gente se apoya demasiado en ésta buscando la solución a sus problemas ha quedado reflejado por James en otras composiciones con Metallica, tales como Dyers Eye (...And Justice For All, 1988), The God That Failed (The black Álbum, 1991), Mama Said y Until It Sleeps (Load,1996). My Friend of Misery es una canción que tiene que ver con el estado de ánimo. El origen de la canción se encuentra en un riff que el bajista Jason Newsted había compuesto. A partir de ahí el productor y la banda se dedicó a desarrollar ese gran riff. The Struggle Within se encarga de cerrar este magnífico álbum. La canción surge en un momento en que Hetfield admitía haberse quedado sin energía, en un momento en el que sentía ira por este hecho, y la lucha interna que tenía, pues estaba lidiando con ello. Pues no se le dio nada mal tanto a él como al resto de la banda ni esta canción ni las otras 11 que componen este brillante "Álbum negro".

domingo, 30 de julio de 2023

Guns N' Roses - Chinese Democracy (Mes Guns N' Roses)




Chinese Democracy, el sexto álbum de estudio de la banda estadounidense Guns N' Roses, es una obra que ha sido ampliamente debatida y criticada desde su lanzamiento en 2008. Con un proceso de gestación que duró más de una década y un cambio radical en la alineación de la banda, este disco ha generado opiniones encontradas entre los fanáticos y críticos de la música. En esta reseña, exploraremos las canciones que componen Chinese Democracy y analizaremos los aspectos positivos y negativos que definen este trabajo icónico.

1. "Chinese Democracy":
El tema principal y título del álbum se abre con una introducción orquestal épica que establece un tono grandioso y ambicioso. Axl Rose demuestra su habilidad vocal en esta canción, que aborda temas de opresión y represión. La complejidad musical y las capas instrumentales hacen de esta una canción destacada en el disco.

2. "Shackler's Revenge":
Con una fuerte influencia industrial y electrónica, esta canción es energética y poderosa. Los riffs de guitarra y los elementos electrónicos se combinan para crear una atmósfera intensa. Sin embargo, algunos críticos consideran que la producción excesiva puede opacar la esencia de Guns N' Roses.

3. "Better":
Uno de los puntos más destacados de Chinese Democracy, "Better" muestra a la banda en su mejor momento. La guitarra de Robin Finck y el solo de Buckethead son brillantes, mientras que la letra refleja la búsqueda de redención y superación personal. Es un claro ejemplo de la capacidad compositiva de Axl Rose.

4. "Street of Dreams":
Una balada conmovedora, "Street of Dreams" destaca por la emotividad de la voz de Axl Rose. La instrumentación melódica y las letras introspectivas crean una atmósfera melancólica. Sin embargo, algunos críticos consideran que la canción se extiende demasiado, perdiendo parte de su impacto.

5. "If the World":
Esta canción presenta una mezcla de estilos, desde el rock hasta el rap, con un enfoque en la lírica. Aunque tiene un ritmo pegajoso y una producción sólida, algunos oyentes pueden encontrar que no encaja completamente con el estilo característico de Guns N' Roses.

6. "There Was a Time":
Una épica canción que supera los nueve minutos de duración, "There Was a Time" es una muestra de la habilidad compositiva de Axl Rose. Con cambios de tempo, secciones instrumentales complejas y letras profundas, esta canción se convierte en una experiencia auditiva inmersiva. Sin embargo, su extensa duración puede ser desafiante para algunos oyentes.

7. "Catcher in the Rye":
Inspirada en la novela homónima de J.D. Salinger, esta canción es una balada con una instrumentación rica y emotiva. Axl Rose muestra su capacidad para transmitir emociones con su voz única. Sin embargo, la estructura de la canción puede resultar confusa para algunos, ya que mezcla diferentes secciones sin una transición clara.

8. "Scraped":
Con una energía frenética y un enfoque más directo, "Scraped" muestra una faceta más agresiva de Guns N' Roses. La canción cuenta con riffs de guitarra potentes y la voz enérgica de Axl Rose. Sin embargo, algunos críticos consideran que carece de la profundidad lírica y la complejidad musical de otras canciones del álbum.

9. "Sorry":
Una balada cargada de emociones, "Sorry" muestra la vulnerabilidad y el arrepentimiento en la voz de Axl Rose. La instrumentación es suave y complementa la letra introspectiva. Es una de las canciones más accesibles del álbum y destaca por su calidad lírica.

10. "I.R.S.":
Con una influencia marcada del rock industrial, "I.R.S." es una canción llena de energía y actitud. Los riffs de guitarra potentes y los elementos electrónicos se fusionan para crear una atmósfera intensa. Sin embargo, algunos críticos consideran que la canción puede sonar un tanto repetitiva.

11. "Madagascar":
Esta canción es notable por su uso de samples y su mensaje político. Combina fragmentos de discursos famosos y la voz de Martin Luther King Jr. para crear una declaración poderosa. La instrumentación y la producción son sólidas, aunque algunos oyentes pueden encontrarla excesivamente densa.

12. "This I Love":
Una balada emocional y desgarradora, "This I Love" muestra la sensibilidad lírica de Axl Rose. Con una instrumentación melódica y la voz llena de sentimiento, es una de las canciones más conmovedoras del álbum. Sin embargo, algunos críticos consideran que la duración de la canción puede ser excesiva.

Chinese Democracy de Guns N' Roses es un álbum que ha generado opiniones encontradas desde su lanzamiento. Con canciones que abarcan una amplia gama de estilos y emociones, este álbum demuestra la diversidad musical y la capacidad compositiva de Axl Rose. Si bien algunas canciones son destacables por su intensidad, emotividad y calidad lírica, otras pueden resultar excesivamente largas o con una producción excesiva. En general, Chinese Democracy es un disco polarizante que muestra el talento y la evolución de Guns N' Roses, pero no logra alcanzar la misma grandeza que sus álbumes clásicos.

Daniel
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domingo, 23 de julio de 2023

Guns N' Roses - Live Era 87-93 (Mes Guns N' Roses)



Tras el derroche creativo que supuso la creación de Use Your Illusion I & II (1991), los chicos malos de Guns and Roses parecían haber agotado todos sus recursos, con un decepcionante disco de versiones (The Spaghetti Incident, 1993) del que apenas un par de canciones recordaban lo que habían sido capaces de ofrecer en discos anteriores. Para paliar la larga travesía del desierto, y con el grupo ya roto por las rencillas internas y los choques entre los grandes egos de sus integrantes, en 1999 decidieron sacar un disco que lograra atrapar la fuerza de la banda en directo, durante su período de máximo esplendor artístico.

Así surgió la idea para lo que acabó llamándose Live Era '87–'93, un doble álbum en directo que, como su nombre indica, estaba compuesto por grabaciones de conciertos entre los años 1987 (durante la gira del álbum Appetite for destruction) y 1993 (hasta el final de la larga gira mundial de los "Use your Illusion"). La selección de temas corrió a cargo de Del James, un colaborador cercano a la banda, que trabajó con la supervisión directa de Axl Rose, que hacía de filtro y que, a través de sus abogados, compartía los temas seleccionados con Slash y Duff McKagan para que dieran su aprobación, en lo que sirve de claro ejemplo de las frías relaciones que mantuvieron durante la segunda mitad de los noventa. Slash valoró el resultado final del disco, reconociendo que sonaba demasiado rudo y sin pulir, pero mostrándose satisfecho con lo fiel que éste era al sonido de los conciertos que daban por entonces. Para el guitarrista, no tenía que sonar perfecto, tenía que sonar a Guns & Roses, y ese objetivo lo cumplía con creces. En sus propias palabras: "No suena bonito y tiene algunos errores de directo, pero esto es Guns & Roses, no la puñetera Mahavishnu Orchestra".

Pocos datos se incluyeron sobre las fechas y los lugares en los que se grabaron las canciones incluidas en el disco. El único comentario hace referencia a que fueron "grabadas a lo largo del universo entre 1987 y 1993", y solo recurriendo al truco de buscar la presencia de Steve Adler (primer batería de la banda) en las canciones para verificar que, salvo en los tres temas en los que se le acredita, el resto de disco proviene de grabaciones de la gira de "Use your Illusion". Como todo disco de Guns & Roses, no estuvo exento de cierta polémica, y en este caso a nivel interno, porque no fue un plato de buen gusto que miembros de la banda que tocaban en la mayor parte de los temas, como Matt Sorum (que ya era responsable de la batería en los "Illusions") o Gilby Clarke, que sustituyó a Izzy Stradlin nada más publicarse los dos míticos discos, fueran acreditados solamente como "músicos adicionales".

Llama también la atención que dos temas habituales de aquella gira, "Live and Let Die" y "Civil War" fueran descartados para el disco, mientras que temas menos habituales como "Pretty Tied Up" o "Move to the City" fueran de la partida, y no menos curioso es que algunos de los temas incluidos ya hubieran sido publicados en otros formatos por la banda. El caso más llamativo quizá sea "Knockin' on Heaven's Door", porque la interpretación corresponde a la del concierto de homenaje a Freddie Mercury, que había sido ya publicada por Guns & Roses como cara B del single de la versión de estudio. Igual ocurre con la versión en directo de "Yesterdays", que es la misma que ocupó la cara B del single de la canción de Use your Illusion.

La cosa no queda ahí, porque las grabaciones de "Estranged," "Don't Cry," "November Rain," "Pretty Tied Up", "You Could Be Mine" y "Move To The City" son los audios del concierto de la gira de Use your Illusion que fue publicado en vídeo, pero ejercicios de reciclaje aparte, es difícil resistirse a una compilación de interpretaciones en directo que cuente, además de las ya mencionadas, con la plana mayor de Appetite for destruction: "Nightrain", "Mr. Brownstone", "It's So Easy" "My Michelle", "Rocket Queen", y por supuesto "Welcome to the Jungle", "Sweet Child O' Mine" o "Paradise City", o los mejores momentos de Lies (1988), con "Patience", "Used to love her" (más eléctrica que en la versión original), "You're crazy" (más blusera y a medio camino entre la versión eléctrica del "Appetite" y la acústica de "Lies") y la ya mencionada "Move to the City".

Como últimas curiosidades, la banda incluyó una versión del tema "It's Alright" de Black Sabbath y, en la versión japonesa, una versión en directo de "Coma", también procedente de las grabaciones de la gira de Use Your Illusion. Como en toda compilación o concierto, habrá quién eche de menos algunas canciones, y también (como yo) quien no entienda que otras canciones sí que fueran incluidas (en mi caso, Out to get me o Dust and bones me parecen canciones menores) pero lo cierto es que Live Era '87–'93 roza el sobresaliente como documento de la era triunfal de unos Guns & Roses que nunca volvieron al nivel de aquellos conciertos, en los que estuvieron tocados por la varita mágica del talento y la actitud rock.

viernes, 21 de julio de 2023

Disco de la semana 336: Use you Illusion II - Guns & Roses (Mes Guns N' Roses)



La publicación conjunta de los discos Use your Illusion I y Use Your Illusion II (1991) fue un auténtico golpe sobre la mesa de una banda que mostraba orgullosa toda la fuerza y la capacidad creativa que habían moldeado y trabajado en la cocina desde el genial Appetite for destruction (1987) y el deslavazado Lies (publicado en 1988 con una cara en directo y otra de apreciables temas acústicos), pero aunque en realidad ambas "Ilusiones" fueran parte de la misma obra, la distribución de las canciones en uno u otro les dotó (sorprendentemente, porque afirmaron haberlas repartido por sorteo) de una identidad diferencial muy marcada y característica.

Así, dónde en Use your illusion I predomina el rock rotundo y luminoso (Right next door to hell, Double Talkin' Jive) complementado por grandes baladas de heavy épico (November Rain, Don't Cry), en Use your Illusion II las canciones tienen una carga de reflexión y melancolía que no encontramos en ningún otro disco de la banda californiana, haciendo de este disco una curiosa gema de su discografía. Pero hablar del tono de tristeza y oscuridad que transmiten letras como la de la larga e intensa Civil War con la que comienza el disco ("en mis primeros recuerdos dispararon a Kennedy, y me volví insensible cuando aprendí a ver") o la desgarrada mirada al pasado de 14 years ("Han sido catorce años de silencio, catorce años de dolor") no significa que nos encontremos ante un disco lento o musicalmente apagado. Todo lo contrario, estamos ante un mastodóntico disco de rock, en el que la tristeza de las composiciones viene acompañada siempre de una buena dosis de rabia contra lo establecido, y tanto Slash como Stradlin dan buena cuenta de ella con sus afiladas guitarras.

La mirada melancólica al pasado continúa en los primeros versos de Yesterdays, pero la rabia se abre paso y la banda parece rebelarse contra su propia melancolía ("De repente, en este momento, he descubierto que estoy solo y en la calle, y los días de ayer no me aportan nada, son solo viejas fotos que siempre estoy mirando"). Es la rabia del que se sabe deprimido y al borde del abismo, y la diferencia conceptual respecto al primer "Illusion" es todavía más clara si nos fijamos en una curiosa pauta: Cada "Illusion" incluye una versión de una canción de otro artista, pero si en el primero optaron por el luminoso y orquestal Live and let die ("Vive y deja morir") de Wings, en éste optan por una intensa revisión del melancólico Knockin' on heaven's door ("Llamando a las puertas del cielo") de Bob Dylan.

Get in the ring, con efectos de falso directo o de la audiencia de un combate de boxeo, es la pieza más rabiosa del álbum, en la que un presentador radiofónico presenta a los Guns & Roses en un lado del cuadrilátero, mientras en el otro van desfilando, con nombre y apellidos, y a través de la desafiante voz de Axl Rose, un buen puñado de críticos musicales a los que el cantante desafía a subirse al ring. La intensidad no decae en Shotgun blues, tan acelerada que no merece el calificativo de "blues", y que habría encajado más en la dinámica de temas de Use your Illusion I. ¿A cambio de qué canción? A estas alturas del disco, una canción como Dead Horse habría encajado mucho más dentro del disco más introspectivo e inquietante de unos Guns & Roses en estado de gracia.

Cambios deseados aparte, la sensación de bajada de pistón de Shotgun blues dura poco, porque una canción tan oscura y reflexiva como Breakdown, y a la vez tan rotunda y rabiosa, resucitaría cualquier momento valle de cualquier disco. Recuperada de nuevo la "ilusión", llega el momento de la polémica misógina de Pretty tied up, un tema que habría encajado en cualquiera de las dos entregas, y de la brillante Locomotive, un tema largo e intenso que es como una gran locomotora atravesando el disco a gran velocidad. Una pena que todo descarrile en So fine, la aportación compositiva del bajista Duff McKagan, que queda sosa en un conjunto de tanta profundidad lírica y de tanta intensidad sonora.

No puedo evitar rasgarme las vestiduras, al pensar en lo que habría sido terminar el subidón de Locomotive y, casi sin pausa, haber empezado con el piano y la dolorosa voz de Axl Rose en el arranque de Estranged, probablemente la obra maestra del disco, un tema largo, épico y desgarrador en el que toda la banda está a un nivel excelso, pero en el que la voz desgarrada de Axl destacan sobre el conjunto, aderezados por los siempre efectivos solos de Slash. Y en este punto, sí que consiguen mantener la llama en todo lo alto, porque el último redoble de batería de Estranged encaja a la perfección con el rotundo ritmo de batería con el que Matt Sorum comanda el arranque de You could be mine, un éxito mundial que no necesita presentación. Fue el tercer sencillo de mayores ventas de la banda (solo por detrás de Sweet Child o' Mine y November Rain), llegando a vender más de 7 millones de copias. Buena parte de la culpa de su éxito la tuvo, sin duda, que fuera incluida como tema principal de la banda sonora de Terminator 2: El Juicio Final, y que el mismísimo Arnold Schwarzenegger participara en el videoclip promocional de la canción.

Dicen los buenos contadores de historias que hay que saber terminarlas en un punto alto, y en You could be mine debería haber acabado este disco, porque ni la alternativa versión de Don't cry, que no mejora la incluida en el primer disco, ni la anecdótica pseudo canción electrónica de My world, deberían siquiera haber sido parte de ese sorteo con el que aparentemente decidieron las canciones que irían a uno y otro Illusion. Y si el azar les puso en bandeja la creación de dos discos tan acertados y con una personalidad tan propia y diferente, no habría estado de más algún que otro pequeño ajuste para que ambos discos hubieran sido, si cabe, aún más "ilusionantes". No hacía falta tocar mucho, simplemente darse cuenta de que, descartando los temas ya mencionados, una canción tan depresiva y atormentada como Coma habría tenido más sentido y sitio como cierre de este segundo disco. Pero no fue así, y a cambio hizo también más grande a su hermano gemelo, y entre los dos lograron que, en los albores de los noventa, no perdiéramos nunca la ilusión por el rock.

miércoles, 19 de julio de 2023

Guns N' Roses - Use Your Illusion I (Mes Guns N' Roses)

 

Use Your Illusion I, Guns N' Roses

1991 sería un año para recordar para el grupo estadounidense Guns N' Roses, pues el 17 de septiembre de ese año aparecen publicados sus determinantes Use Your Illusion I y Use Your Illusion II. Nos vamos a centrar en el primero, Use Your Illusion I, del cual se han vendido la nada despreciable cifra de alrededor de 17 millones de copias en todo el mundo.

Use Your Illusion I es grabado en varios estudios de California (Estados Unidos) y Ontario (Canadá), bajo la producción de Mike Clink y los propios Guns N' Roses, y publicado bajo el sello discográfico Geffen Records en formatos de vinilo, cassette, CD, descarga digital y streaming. Este disco comenzó arrasando desde su publicación, alcanzando el puesto número 1 en las listas de ventas de Estados Unidos, alzándose 7 veces con el ansiado disco de platino. Fuera de casa también consiguieron cifras demoledoras en todo el mundo, en países como Argentina, Canadá, Reino Unido, Australia, Nueva Zelanda, Alemania, Japón, Islandia O Noruega. Todo esto se vería recompensado en 1992 con un premio Grammy

Use Your Illusion I representa un punto de inflexión y un cambio en el sonido del grupo, pues a pesar de no dejar de lado sus influencias con el hard rock, se atreven con otros estilos como el blues, la música clásica, el heavy metal, el punk rock o el rock n' roll de la vieja escuela. Para la grabación del álbum, el grupo tuvo que prescindir del batería Steven Adler, que no había superado superar sus problemas con las drogas, y sustituirlo por Matt Sorum. Varios temas habían sido ya escritos en los primeros días de la banda, temas como Back Off, Bitch, Bad Obsession, Don't Cry, November Rain y The Garden, atreviéndose también con una versión de Live and Let Die de Paul y Linda McCartney

Otra de las diferencias con sus inicios es que apuestan por un formato de canciones más largas, como por ejemplo November Rain, con una duración de casi 9 minutos, y Coma, que tiene una duración de más de 10 minutos. También apuesta el grupo por temas cantadas por otro de los integrantes de la banda aparte de Axl Rose, así Dust N' Bones, You Ain't the first y Double Talkin' Jive fueron interpretadas por Izzy Stradlin. Para la portada usaron una sección de la pintura "La escuela de atenas" de Rafael, que fue creada por el artista estonio -estadounidense Mark Kostabi. Dicha portada, de color roja y amarilla, fue utilizada también para el Use Your Illusion II, con la particularidad de que se usaron los colores púrpura y azul. 



Entramos a desgranar este apasionante doble álbum, el cual abre la traca con Right Next Door to Hell, la cual trata sobre la discusión que Axl Rose tuvo con su vecina de West Hollywood, Gabriella Kantor, y que denunció a Axl cuando este le arrojó una botella de vino en 1990. Dust N' Bones, escrita por Slash, izzy Stradlin y Duff McKagan. Como hemos comentado anteriormente, es la primera canción en ser interpretada por Izzy Stradlin en vez de Axl. También es la primera donde aparece el tecladista Dizzy Reed al piano y contiene una guitarra con el efecto Talkbox. Live and Let Die es un cover de la banda inglesa Wings, y fue compuesta por Paul y Linda McCartney. Don't Cry es uno de los grandes momentos del disco. Este es un tema anterior a los inicios del grupo, y fue escrita por Axl Rose e Izzy Stradlin después de que ambos se enamoraran de la misma chica. Ella no quiso elegir y le dijo a Axl mientras estaba sentado en un banco en el parque: "Don't Cry Bill", lo que dio origen al título. Intentaron grabar este tema para su Appetite for Destruction (1987), pero tuvieron que dejarlo al no obtener el sonido que buscaban para la canción. Cierra la cara 1 Perfect Crime, tema que fue escrito por Axl rose, mientras que la música corrió a cargo de Slash e Izzy Stradlin

La cara 2 comienza con You Ain't the First, uno de los pocos temas del disco que no contiene guitarras eléctricas, en su lugar se usaron guitarras acústicas, siendo una de ellas tocada con la técnica del Slide. Bad Obsession, escrita por Izzy Stradlin y West Arkeen. Una canción que habla de la adicción a las drogas que había perseguido a la banda antes de que se hicieran famosos. En la versión de estudio colabora Michael Monroe, de Hanoi Rocks, quien toca la armónica y el saxofón. Back Off Bitch, otra de las canciones escrita en los comienzos de la banda. Esa canción ya hbia sido interpretada por el grupo en conciertos antes el lanzamiento de Appetite For Destruction (1987). Double Talkin' Jive cierra el lado 2. Es otro de los temas escritos y cantados por Izzy, y el final de la canción contiene un particular solo de guitarra de estilo flamenco, interpretado por Slash. Sin embargo, en vivo la canción solía ser interpretada por Axl incluso cuando todavía estaba Izzy



El lado 3 abre con otro de los grandes momentos del disco, la balada November Rain. 
La letra está basada en una historieta escrita por el músico, escritor, periodista y artista estadounidense Del James, y que forma parte de una colección llamda The Language Of Fear. La versión original de la canción tenía una duración de unos 25 minutos, y finalmente fue acortada hasta los casi 9 minutos de duración. The Garden cuenta con la colaboración de Alice Cooper, quien se marca un interesante duelo con Axl Rose. Comienza Rose cantando sobre la bonanzas de un jardín, pero Cooper se encarga con su voz amenazante, de hablarnos de los inconvenientes de ese jardín. Hay quien interpreta este tema como una referencia a las drogas, de como surge la atracción por ellas, y como los inteligentes, en voz de Cooper, saben arreglárselas sin ellas. Garden of Eden, escrita por Axl y Slash, fue escrita mientras la banda se encontraba ensayando en Chicago. Don't Damn Me se encarga de cerrar el lado 3. La canción fue escrita como respuesta a la polémica que surgió en torno al grupo después del lanzamiento de G N' R Lies (1988), que contenía pistas con contenido explícito, como One in a Million. Esta es la única canción del álbum que nunca ha sido interpretada en vivo. 

El lado 4, y último de este álbum doble, es abierto por Bad Apples, escrita durante la estancia del grupo en Chicago. Esta canción si ha sido tocada en vivo, aunque únicamente un par de veces. Dead Horse fue escrita por Axl rose, quien además toca una guitarra acústica. La canción tiene dos curiosidades más, la primera es que al interpretarla en vivo en algunos conciertos, Axl Rose tocaba la guitarra acústica al comienzo, y la otra es que al comienzo de la canción se escucha un efecto como el rebobinado de un cassette. Llegamos al final del álbum con el tema más largo, Coma, con una duración de más de 10 minutos. La letra corrió a cargo de Axl, mientras que la música fue obra de Slash, aunque Axl siempre la  ha descrito como el "bebé" de Slash. Axl escribió la letra cuando tuvo una sobredosis, la cual fue, según el propio Axl, provocada por el estrés: "Tomé un frasco de pastillas en una discusión y me las tragué... Terminé en un hospital, pero me gustó que ya no estaba luchando. Mis primeros pensamientos reales fueron, 'no has trabajado lo suficiente, el disco va a ser olvidado, tienes trabajo que hacer, vete de esto', y me desperté. Pero al describir esto, la  gente podría malinterpretarlo y pensar que significa ponerse en coma". También comentaba Slash sobre la canción, "Escribí 'Coma' en mi delirio de heroína... Esa es una canción de la que todavía estoy orgulloso, no hay mucha técnica, pero tiene un enfoque bastante directo". también comentaba el genial guitarrista que lo realmente interesante de la canción era la progresión de acordes giratoria que nunca terminaba, la misma progresión de acordes cada vez, pero que seguía cambiando de tono. Todo un descubrimiento musical matemático para Slash, "Me topé con él y es mucho yo haciendo lo mío...pero funcionó"