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lunes, 22 de febrero de 2021

0053 La música en canciones: My baby just cares for me - Nina Simone

 

Para definir la experiencia de escuchar "Little Girl Blue", el que fuera disco de debut de Nina Simone en 1959, nada mejor que el subtítulo con el que, en ocasiones, se conoce y se nombra a este disco: "Jazz como se tocaría en un exclusivo club de Side Street". La atmósfera del álbum es precisamente esa, la de un pequeño local lleno de mesas redondas, iluminadas por la luz de las velas, mientras en un pequeño escenario una banda de jazz deleita a los asistentes con, por ejemplo, My baby just cares for me, el tema más famoso del disco, y una deslumbrante pieza en las manos de una pianista por entonces veinteañera, que aún se debatía entre dedicarse al jazz o continuar con su formación como concertista clásica.

My baby just cares for me fue escrita por Walter Donaldson y Gus Kahn en 1930 para la película Whoopee!, pero fue con la versión de Nina Simone con la que se convirtió en un auténtico himno del jazz, sobre todo desde que, en 1987 alcanzara el éxito masivo al ser usada como canción para un anuncio de Chanel Nº5, y ser promocionada en su versión completa a través de un vídeo musical en "claymation" que fue dirigido por Peter Lord.​

Pero volviendo a Little girl blue, la joven e inexperta Nina vendió los derechos del disco a Bethlehem Records por tan sólo tres mil dólares, sin saber que los beneficios que acabaría generando superarían ampliamente el millón, lo que le llevó finalmente a abandonar la discográfica, descontenta con las condiciones del acuerdo y la insuficiente promoción de su primera obra. Bethlehem Records aún llegó a publicar, sin permiso de la artista, el álbum "Nina Simone and her friends" con material sobrante y grabaciones inéditas disponibles del período en el que Nina trabajó con ellos, en un último intento de explotar a la gallina de los huevos de oro, que convertida ya en ave majestuosa, desplegaría sus alas y volaría en busca de su sueño, el de escapar de la melancolía de sentirse sólo una "pequeña chica triste".

jueves, 11 de febrero de 2021

0042: Johnny B. Goode - Chuck Berry

 

Johnny B Goode,Chuck Berry


     El 31 de marzo de 1958 se publica por primera vez como single Johnny B. Goode, publicado bajo el sello discográfico Chess Records, el sello de los hermanos Leonard y Phil. El tema aparece como cara A, siendo acompañado en la cara B por el tema Around & Around. El tema, recién salido, arrasa tanto en aceptación de la crítica como en ventas, ocupando inmediatamente el puesto número 2 en la famosa lista americana R&B Singles, y la octava posición en la lista Billboard Hot 100. Este tema es considerado como uno de los primeros temas del rock & roll. Debido a su gran éxito, posteriormente el tema es incluido en el tercer álbum de estudio de Berry, Chuck Berry Is On Top, en 1959. 

El tema había sido compuesto por Berry en 1955, y se inspira en su vida para escibirlo. Cuenta la historia de un niño muy humilde con un gran talento para la guitarra. Si bien es un tema autobiográfico, hay algunos detalles que Berry cambia, como la parte que originalmente alude a "un chico de color", que sustituye por "un chico de campo". Y es que Chuck era consciente que si no cambiaba esa frase, era más que probable que contara con el veto de las emisoras de radio estadounidenses.
En el tema también hace referencia a que Johnny apenas sabe leer ni escribir, y Berry no sólo sabía leer y escribir, también se graduó en una escuela de belleza, adquiriendo un título de peluquería y cosmética. En el tema también se refiere a Johnny como un chico de Lousiana, sin embargo él era de St. Louis, y en el título del tema hace referencia a la calle donde vivía, el 2525 Goode Avenue de St. Louis.
Como hemos comentado anteriormente, es un tema autobiográfico de Chuck, aunque en un principio se inspiró en el pianista que tantas veces le acompañó, Johnnie Johnson. Curiosamente hay fuentes que atribuyen la grabación de piano a Johnnie Johnson mientras que otras atribuyen tal honor al pianista Lafayette Leake. El resto del personal que acompañó a Chuck en la grabación fueron los habituales Willie Dixon al contrabajo y Fred Below a la batería, y el lugar donde es grabado, los estudios de Chess Records en Chicago.
Para la introducción del famoso riff de guitarra Chuck se basó en el tema Ain't That Like A Woman, del saxofonista, pianista y cantante Louis Jordan, y para el famoso sólo del tema se inspiró en el tema Strollin' With Bones del famoso guitarrista T-Bone Walker, el cual fue una clara referencia y fuente de  inspiración durante la carrera de Chuck Berry.

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domingo, 7 de febrero de 2021

0038 La música en canciones: Rock and Roll music - Chuck Berry

 

Cuando salió al mercado One Dozen Berrys (1958), el segundo disco publicado por Chuck Berry, la industria discográfica tenía su mayor filón en la publicación de singles, y los discos de larga duración eran básicamente una compilación de los últimos singles mezclados con grandes dosis de canciones de relleno. En este caso concreto, y con la excepción de cinco temas ("Rockin 'at the Philharmonic", "Guitar Boogie", "In-Go", "How You've Changed" y "It Don't Take but a Few Minutes"), el resto de canciones de One Dozen Berrys habían sido lanzadas previamente al mercado en formato single. 

De ellas, temas como Reelin' and Rockin' o, especialmente, Sweet Little Sexteen, fueron grandes éxitos, pero es probablemente Rock and Roll Music el tema de este disco que más ha trascendido, y cuyo influjo más ha perdurado hasta nuestros días, ganándose por propio derecho un sitio privilegiado en el "Olimpo" de temas de Chuck Berry, a la diestra de Roll Over Beethoven o del mismísimo Johnny B Goode, su tema más reconocido, en parte gracias a las revisiones que del mismo se han hecho en películas (Regreso al Futuro) y discos de otros artistas de generaciones posteriores (especialmente divertida es la "versión" publicada por los Sex Pistols, que en realidad no es más que un ensayo en el que Johnny Rotten la interpreta sin saberse la letra).

En el caso de Rock and Roll Music, son especialmente conocidas las versiones de los Beatles y los Beach Boys, pero son también dignas de mención las de bandas de la talla de Manic Street Preachers, Bill Haley & His Comets o REO Speedwagon, entre otros. La querencia de otras bandas por este tema no es casual, ya que en la letra encontramos toda una declaración de intenciones y preferencias frente a otros estilos musicales, que convierten al tema de Chuck Berry en un auténtico mantra para todos los fervientes admiradores del Rock and Roll: "Solo déjame escuchar algo de esa música rock'n'roll, de cualquier manera que elijas. Tiene un ritmo de fondo con el que es imposible perderse, todas y cada una de las veces que lo pongas. Tiene que ser música rock and roll, si quieres bailar conmigo"


miércoles, 3 de febrero de 2021

0034: Jerry Lee Lewis - Great Balls of Fire

 

Pertenezco a una generación que descubrió a Jerry Lee Lewis a través de la caracterización de Dennis Quaid en el biopic que, de su vida y obra, se realizó en el Hollywood de finales de los 80. Para escribir estas líneas, busqué información más detallada en google y, aún hoy en día, la primera entrada que aparece al escribir Great balls of fire es la del videoclip de la histriónica interpretación de Dennis Quaid en la película, moviendo los labios sobre la voz de Jerry Lee Lewis e incendiando su piano durante una interpretación de lo más enérgica.

El auténtico Jerry Lee Lewis grabó en 1957 Great Balls of Fire para la discográfica Sun Records, un tema escrito por los compositores Otis Blackwell y Jack Hammer, y el sencillo se convirtió de inmediato en un éxito de masas, llegando a vender un millón de copias en la primera semana de publicación en Estados Unidos. Siguiendo con los guiños cinematográficos, y por aquello de saborear el auténtico café en lugar de recurrir a sucedáneos, cabe destacar que el propio Jerry Lee Lewis y interpretan Great balls of Fire en la película Jamboree, de 1957, en la que también aparecen artistas de la talla de Fats Domino o Frankie Avalon.

Jerry Lee Lewis destacó especialmente por su arrogante personalidad y la fuerza que transmitían sus interpretaciones al piano en directo, y es miembro de pleno derecho de ese reducido y elitista grupo de auténticos pioneros del rock and roll, del que también formaban parte Chuck Berry o Little Richard, entre otros. Tuvo siempre la etiqueta de rival alternativo o aspirante al trono de Elvis Presley, pero los frecuentes y sonoros escándalos que protagonizó en su vida privada acabaron por lastrar su carrera. Afrontó la siguiente década al abrigo de la música country, y décadas después logró de nuevo el merecido reconocimiento, gracias tanto al ingreso en el Rock and Roll Hall of Fame en 1986 como, especialmente, a la repercusión de la película Great Balls of Fire de 1989, esa que hizo que, aún hoy, al escuchar la canción, no pueda evitar ver a Dennis Quaid rociando de alcohol el piano y encendiendo una cerilla con gesto desafiante. En ese momento mágico, sabes que irremediablemente todo va a arder.


lunes, 1 de febrero de 2021

0032: Jailhouse Rock - Elvis Presley

 


Jailhouse rock, que luego se convertiría en el título de su tercera película, la primera con MGM (Metro-Goldwyn-Mayer), se grabó un 30 de abril de 1957. Fue la toma número 6 la elegida por RCA para que fuese la Cara A de un single que se publicó el 24 de septiembre de 1957, con "Treat Me Nice", también de Jerry Leiber & Mike Stoller, en la Cara B. Este dúo es el responsable de composiciones como Houng Dog o Stand By Me en compañía de Ben E. King.


Elvis quería adentrarse en la actuación cinematográfica y desligarla de su carrera musical, algo que nunca conseguiría, sin embargo las canciones en esta película son una parte esencial del argumento, algo que pocas veces ocurrió en su cine. A finales de 1957, las pantallas de cine se llenaron de "El Rock de la Cárcel", la película fue dirigida por Richard Thorpe, quien también haría lo propio en otra cinta protagonizada por Elvis, El idolo de Acapulco. La primera escena que se filmó fue precisamente la secuencia del baile de Jailhouse Rock y está considerado como el primer videoclip de la historia. Ahí es nada. 

Pero es que además de su impacto en las pantallas de cine, las radios no paraban de radiar uno de los temas más pegadizos que jamás se hayan realizado: Jailhouse Rock. La canción arrasó y fue el noveno número uno del cantante en las listas americanas a la que Elvis dio, como casi siempre, el toque especial la encumbró de rock, a un tema que por la letra y donde se produce, una cárcel, algunos críticos han considerado siempre de temática gay. Jailhouse Rock" tiene una de las intros más memorables en la historia del rock: dos acordes de guitarra con golpes de caja. La intro dura apenas seis segundos, pero el patrón se repite a lo largo de los versos, estableciendo un firme gancho musical que sigue siendo la envidia de los compositores. La canción tiene lugar en una cárcel y cuenta como un alcaide permite una fiesta. 


Se han hecho innumerables versiones entre las que destacan las realizadas por Bruce Springsteen, Rod Stewart, Queen, además de un largo etcétera de artistas que han rendido tributo a uno de los temas legendarios de la historia del rock. Su popularidad en España también fue muy alta, no solo la versión del propio Elvis, en particular Los Teen Tops hizo una muy aceptable versión en castellano, también Miguel Ríos hizo una estupenda versión, aunque bastantes años más tarde cuando ya tenía su carrera consolidada.




domingo, 31 de enero de 2021

0031: Peggy Sue - Buddy Holly

 

Peggy Sue, Buddy Holly


    El 20 de septimbre de 1957, bajo el sello Coral Records, se publica el tema Peggy Sue, grabado por Buddy Holly. Posteriormente, el 15 de noviembre de 1957, también se publica en el Reino Unido.

El tema fue escrito por Jerry allison, baterista de The Crickets, la banda de acompañamiento de Buddy Holly, y por Norman Petty, músico y porductor de discos que solía trabajar con Buddy Holly and The Crickets. La grabación del tema se produce entre el 20 de junio y el 1 de julio de 1957, y durante estas sesiones se encuentran presentes Norman Petty, que se encarga de la producción, y Buddy Holly acompañado del baterista Jerry Allison y del contrabajista Joe B. Mauldin, miembros de The Crickets, el grupo de compañamiento de Buddy.

El tema se iba a titular originalmente Cindy Lou, en honor a la hija de la hermana pequeña de Buddy, Pat Holley Kater. Cuando Jerry Allison se entera, le pregunta a Buddy si podría cambiar el título del tema por el de Peggy Sue, en honor a una chica con la que estaba saliendo, Peggy Sue Gerron, y con la que había discutido. La intención de Allison era salvar la relación con su novia Peggy, cosa que consiguió, y además de salvar la relación se casó con ella una año después, en 1958, aunque se acabarían divorciando 9 años después.

Jerry Allison estaba teniendo problemas para grabar el ritmo de de la batería de la canción, pues no acababa de coger el tempo en el que había sido escrita. Para motivarle, el productor Norman Petty le dijo: "Si no lo haces bien en la siguiente toma, cambiaremos el nombre de la cación de nuevo a Cindy Lou"; ni que decir tiene que aquello espoleó y motivó lo suficiente al baterista y grabó la toma siguiente satisfactoriamente. Inicialmente el tema estaba únicamente acreditado a Norman Petty y Jerry Allison, Buddy Holly sería acreditado como coguionista después de su muerte ante la insistencia de jerry Allison. El tema tiene un curiosidd, fue el primer éxito acreditado a Buddy Holly sin su banda, en aquellos tiempos las canciones de Holly eran publicadas por los sellos Coral Records y Brunswick Records, ambos pertenenientes a Decca Records, y la primera edición con Coral sólo se le acreditaba a él, mientras que una posterior con Brunswick acreditaba también a The Crickets.


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domingo, 24 de enero de 2021

0024: All Shook Up - Elvis Presley

0024 La música en canciones: All Shook Up - Elvis Presley

Vamos hablar de uno de los clásicos de Elvis Presley, que uno de los grandes éxitos de su carrera como artista, estamos hablando del clásico All Shook Up, que fue escrito por Otis Blackwell, con arreglos del propio Elvis (Presley), que el propio Elvis, durante una entrevista el 28 de octubre de 1957, dijo: "Nunca tuve una idea para una canción. Solo una vez, tal vez. Me fui a la cama una noche, tuve un gran sueño y me desperté todo agitado. . Llamé a un amigo y le conté. Por la mañana, tenía una nueva canción, 'All Shook Up' ".

La fuerza de Elvis hizo que All Shook Up lograra entrar a todas las listas más importantes de Estados Unidos (pop, country y R&B), permaneciendo en todas ellas durante ocho semanas en 1957, desde el 13 de abril hasta el 27 de mayo. El sencillo fue certificado 2x Platino por la RIAA.​ En la lista de R&B, "All Shook Up" fue el segundo sencillo de Elvis en alcanzar el número uno.

"All Shook Up" se a definido dentro del rock como un género de rock suave. Esta canción también ha demostrado ser una versión cada vez más popular entre los amantes del rock, obteniendo versiones de Paul McCartney, Carl Perkins, Jeff Beck, Ry Cooder, Suzi Quatro, Cliff Richard, Albert King, Jim Dale y Humble Pie, entre otros. 



Daniel
Instagram Storyboy



miércoles, 20 de enero de 2021

0020: Long tall Sally - Little Richard


Perteneciente al primer album de estudio del artista, Here Little Richard, al que sin duda mas le debemos en el nacimiento del Rock and roll, suyas fueron las siguientes palabras en una entrevista realizada en 2013, "El rock comenzó conmigo y la gente de hoy no lo sabe", por supuesto Mr. Richard. Si preguntas a alguien quienes fueron Bill Haley o el creador de esta canción posiblemente no tengan ni idea, y sin embargo para la música moderna son dos de los colosos que dieron un paso de gigante en la música como hicieran Picasso en la pintura o Giacometti en la escultura. La dotaron de una fuerza y vitalidad tal que su impulso se mantiene hasta hoy en día, y olvidarse de ellos es algo que no podemos consentir desde este blog.

Buena parte del rock and roll encuentra su raíz en el blues. Y esa es, precisamente, la naturaleza de este Long Tall Sally, un blues de doce compases que se convertiría en uno de los éxitos más grandes de la carrera de Little Richard y que terminó de adquirir el estatus de clásico cuando los Beatles la hicieron suya. Richard escribió esto mientras trabajaba como lavaplatos en una estación de autobuses Greyhound en Macon (Georgia), es una canción que te deja boquiabierto, de una velocidad increíble, fuera de los estándares de ese 1956, que incluye el coro stop and go tan típico de esa época, pero ademas contiene un solo de saxofón brillante. La canción nos cuenta la historia del tío John que está fuera de casa porque dice que está enfermo, pero que en verdad se lo está pasando de miedo con la "larga y alta Sally". Su sobrino se entera y lleva a la tía Mary para que le cante las cuarenta mientras él se lo pasa en grande. Richard explicó que realmente existió una "Long Tall Sally", pero no era una travestí como a veces se informó, Sally era una amiga de la familia que siempre estaba bebiendo whisky, ella decía estar resfriada y que estaba bebiendo tés calientes para que la calmaran durante todo el día. Richard la describió como alta y fea, con solo dos dientes y con los ojos muy abiertos. 

El tema ha tenido multitud de versiones, sin duda una la mas conocida fue la de The Beatles, pero también artistas como Marty Robbins, Wanda Jackson, The Kinks (fue su primer single) o ya en el Siglo XXI el grupo Cinderella hicieron suya esa canción. Paul McCartney, llegó a confesar en cierta ocasión que “la primera canción que canté en público fue “Long tall Sally”, y para mí Little Richard es uno de los reyes del rock and roll. Además es un gran tipo, al que ahora considero mi amigo”.

La cancion la podemos encontrar en el album Here's Little Richard incluido en el libro 1001 un discos que debes escuchar antes de morir


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martes, 19 de enero de 2021

0019: Lucille - Little Richard

 

Lucille, Little Richard


     En julio de 1956 Little Richard grababa Lucille, tema que sería publicado en febrero de 1957 como sencillo bajo el sello discográfico Specialty Records. Adelantado a su tiempo, este  es uno de los temas que marcarían el Rock and Roll que estaba por por venir en la década de los 60. El tema aparece acreditado a Albert Collins, que nada tiene que ver con el gran guitarrista de blues, y a Little Richard, aunque en las primeras ediciones de la discográfica aparecía únicamente acreditado Albert Collins, y al parecer Little Richard compró la mitad de lo derechos cuando Albert se encontraba en la Penitenciaría Estatal de Lousiana

El tema, un trallazo lleno de un vibrante ritmo, supuso un éxito, alcanzando el puesto número 21 en la lista Billboard R&B de música pop de Estados Unidos, y el puesto número 10 en las listas de ventas de Reino Unido. Little Richard se encarga del piano y la voz en la grabación, siendo respaldado por Lee Allen al saxo tenor, Alvin "Red" Tyler al saxo barítono, Roy Montrell a la guitarra, Frank Fields al bajo, y Earl Palmer a la batería. 

Al parecer, el origen de Lucille data de 1955, cuando Little Richard formaba parte de la banda de Johnny Otis. Ese año compone una balada llamada Directly From My Heart To You, tema que es lanzado como sencillo por la discográfica Peacock Records. Cuando la carrera de Little Richard despega, decide rescatar el tema y junto con Albert Collins decide utilizar el sonido, retocándolo y acelerando considerablemente el tempo. la letra es reescrita y se basa en una mujer que al parecer rompió el corazón de Little Richard en la vida real. Para los efectos y ritmos de Lucille, y al igual que en muchos de sus temas, Little Richard admitía que se basó en los trenes que pasaban por delante de sus casa, y que le solían servir de inspiración. 


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sábado, 16 de enero de 2021

0016: Love me tender - Elvis Presley


0016 La música en canciones: Love me tender - Elvis Presley 

"Love Me Tender" una canción de la autoría de Elvis Presley, que fue interpretada por primera vez en el Show "The Ed Sullivan" el 9 de Septiembre 1956, fue un estreno un tiempo antes de lanzar el single, y un mes antes del estreno de la película. 

Ya se anticipaba que iba hacer un éxito, El Rey (Elvis Presley) había hecho la grabación original de la canción, y el sello discográfico RCA, ya había recibido un millón de pedidos anticipados de ventas, lo que hizo que Love me tender fuera ya disco de oro antes incluso de su lanzamiento. 

Pero Love me tender, fue más que una canción, el estudio 20th Century Fox pronto al estreno de una película interpretada por Elvis Presley, queriendo aprovechar la popularidad de la canción, decide cambiar el nombre original que se iba a llamar "The Reno Brothers", pasara a llamarse "Love Me Tender"

La autoría fue dada a Elvis (Presley) y Vera Matson, pero esto fue por un acuerdo publicitario, pero el autor principal de la letra de la canción fue escrita por Ken Darby (el esposo de Matson), cuando al propio Darby porque había dado la autoría Elvis y su esposa, Darby respondió: "Porque ella tampoco la escribio" 

Pero hablemos de los logros de esta canción, Love Me Tender alcanzó el número uno en las listas de Billboard la semana del 3 de noviembre de 1956 y permaneció en esa posición por 5 semanas, llegando al puesto 11 en el Reino Unido. «Love Me Tender» también alcanzó el número tres por tres semanas en las listas R&B. ​También fue un logro porque «Love Me Tender» sucedió a otro sencillo de Presley, «Hound Dog/Don't Be Cruel» en el número uno. Esto marcó dos eventos importantes en la historia de Billboard. Durante ese tiempo, Elvis alcanza otro récord: mayor tiempo consecutivo en el número uno de un artista (16 semanas).

Love Me Tender, un clásico que también fue interpretado por muchos más artistas, marcando el legado del Rey

Daniel 
Instagram Storyboy


jueves, 14 de enero de 2021

0014: Cheek to Cheek - Ella Fitzgerald and Louis Armstrong



"En el el cielo, estoy en el cielo",
escuchando a Ella Fitzgerald y Louis Armstrong en "Ella and Louis", uno de los varios discos que realizaron juntos la genial cantante y el virtuoso trompetista en la década de los cincuenta para Verve Records, y que tiene en el tema Cheek to Cheek su pieza más representativa y más conocida. La habéis escuchado en multitud de películas y anuncios televisivos, y en cada una de sus escuchas, la característica voz rota de Louis Armstrong y la aterciopelada garganta de Ella Fitzgerald nos siguen transportando a ese cielo idealizado, que el autor de la canción sintió al bailar "mejilla con mejilla" con su anónimo amor.

Para grabar las canciones que componen el disco, en su mayoría duetos en los que siempre había además espacio para los solos de trompeta de Armstrong, se rodearon del cuarteto de Oscar Peterson, formado por Ray Brown al contrabajo, Herb Ellis a la guitarra, Buddy Rich a la batería y el propio Peterson al piano. Temas como Can't we be friends, Moonlight in Vermont, Tenderly o April in Paris son igualmente destacables, pero fue Cheek to Cheek la que trascendió más allá de las fronteras de una obra conjunta que fue grabada con la delicadeza y virtuosismo de dos monstruos del jazz vocal en estado de gracia.

Para crear la base del disco, Norman Granz (fundador de Verve Records) seleccionó las once piezas, principalmente baladas, para que Fitzgerald y Armstrong añadieran su genial interpretación. El éxito del disco fue tal, que generó hasta dos secuelas posteriores: Ella and Louis again y Porgy and Bess, y las tres obras fueron publicadas posteriormente en conjunto, para hacer las delicias de los seguidores de estos dos grandes intérpretes y de la saga de sus discos a dúo, prolongando al máximo el efecto "cielo" que producía bailar "mejilla con mejilla" mecidos por su música.

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miércoles, 13 de enero de 2021

0013: Don't Be Cruel - Elvis Presley

 

Don't Be Cruel, Elvis Presley


     El 2 de julio de 1956, durante unas sesiones de grabación de los estudios RCA en Nueva York, Elvis Presley graba entre otros temas Don't Be Cruel, Hound Dog y Any Way You Want Me. El 13 de julio de 1956 aparece publicado bajo el sello discográfico RCA victor, el tema Don't Be Cruel como cara B del sencillo Hound Dog, tema del que ya hemos hablado anteriormente. 

Para la grabación de Don't Be Cruel, Elvis cuenta con la participación de los músicos de sesión Scotty Moore a la guitarra, Bill Black al bajo y D. J. Fontana a la batería y coros. El tema rápidamente alcanza el puesto número 1 en las listas de ventas en Estados Unidos, convirtiendo el sencillo que contenía los temas Hound Dog / Dont' Be Cruel en el único sencillo de la historia en el que sus dos lados alcanzan el puesto número 1 en las listas de ventas.

El tema está acreditado a Elvis Presley y al famoso cantante, pianista y compositor afroamericano Otis Blackwell. En navidad de 1955, a Otis las cosas no le iban muy bien por entonces, pero sigue escribiendo canciones nuevas, consiguiendo vender seis de ellas a una editorial por 25 $ cada una. A esta editorial le gustan tanto las composiciones que le ofrecen un trabajo a tiempo completo, Otis acepta de inmediato. Al poco tiempo a Otis le comunican que hay una estrella de rock emergente llamada Elvis Presley que quiere trabajar con el y sus composiciones, pero le imponen una condición, tenía que ceder el 50 % de las regalías de los temas. Otis en un principio se niega, de ninguna manera quiere renunciar a la mitad de un trabajo que es completamente suyo, pero sus amigos logran convencerle, la mitad es mejor que nada. Más tarde se supo que no era Elvis quien quería y gestó ese suculento acuerdo por los derechos de los temas, fue su mánager el coronel Tom Parker. Don't Be cruel se convirtió en uno de los éxitos más grandes de Elvis, y Otis trabajó con Elvis asiduamente y compuso más temas de éxito para él.

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martes, 12 de enero de 2021

0012: Hound Dog - Elvis Presley

 

Hound Dog, Elvis presley


     En 1952, la famosa dupla compuesta por el letrista Jerry Leiber y el compositor Mike Stoller componen y escriben un blues de doce compases llamado Hound Dog. El tema es grabado por primera vez por la cantante de blues Big Mama Thornton en agosto de 1952 y publicado en febrero de 1953 por el sello discográfico Peacock Records. Hound Dog se convierte en el único tema de éxito de Big Mama Thornton, vendiendo más de 500.000 copias y permaneciendo unas 14 semanas en las listas estadounidenses de R&B. De este tema se han grabado más de 250 versiones, y nos vamos a centrar en la más conocida y que más éxito tuvo, la realizada por Elvis Presley.

A principios de 1956 Elvis Presley comienza una gira por el medio de oeste de Estados Unidos, y durante aquella gira tiene la oportunidad de asistir a conciertos de Freddie Bell and The Bellboys en Las Vegas. Freddie Bell había lanzado una versión de Hound Dog en 1955, una versión que a Elvis le fascinó. El grupo realizaba una especie de versión cómica del tema, con una letra que difería algo de la original grabada por Big Mama Thonton. Elvis graba, bajo el sello discográfico RCA Victor, su versión de Hound Dog en julio de 1956 usando la misma letra que habían utilizado Freddie Bell and The Bellboys. El tema con el paso del tiempo se ha convertido en una de los sencillos más vendidos de todos los tiempos, y la revista Rolling Stone lo sitúa en el puesto número 19 de su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. 


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sábado, 9 de enero de 2021

0009 La musica en canciones : I walk the line - Johnny Cash.




Johnny Cash nace en una granja de Arkansas en 1932. Son los años de la Gran Depresión y su infancia fue lugar de penalidades, trabajo duro, la muerte de su hermano mayor en un accidente laboral en un molino le marcaría profundamente. Empezó en la música merced a su madre que le enseña a tocar la guitarra y a aficionarse al góspel


I walk the line fue grabada el 2 de abril de 1956, en un principio Cash soñaba con una balada lenta, pero el productor Sam Phillips le convenció de que hiciera un tema más rápido y fue un acierto absoluto, el single fue número uno durante seis semanas en la lista de música country y llegó a encaramarse al puesto 19 en las listas de pop. La guitarra marcando el “Freight Train” (un ritmo de tren de carga), el juego de bajos, y esa imperturbable y característica voz grave con ese zumbido gutural de Cash eran ingredientes suficientes para el éxito, pero nadie pensaba que iba a llegar tan alta. El tema habla de lo que le supuso al cantante llevar sus días al límite, atrapado en una profunda adicción al alcohol y las anfetaminas, un infierno de donde logró salir gracias al cariño y apoyo incondicional de June Carter, que fue quien recogió los pedazos de su vida y en cierta manera le hizo resucitar, y juntos pasarían el resto de sus vidas y Cash en su autobiografía mencionaría que “….June era mis señales del camino, me hacía alzarme cuando estaba débil, me animaba cuando me desanimaba, y me amaba cuando estaba solo y me sentía desamparado. Es la mujer más grande que jamás he conocido. Nadie más, excepto mi madre, se le acerca….”

 

Estamos ante una canción excelsa, que cuenta con cerca de 160 versiones y regaló a Cash su primer número uno, pero, por encima de esto, fue una de las bases sobre las que Cash asentaría su estilo, unas canciones nacidas del country y con tendencia marcadamente rockabilly. Tal fue el impacto que solo en su año de lanzamiento ya se habían grabado dos versiones, las de Carole Bennett y la de Benny Barnes.





viernes, 8 de enero de 2021

0008: Roll Over Bethoven - Chuck Berry

 

Roll Over Beethoven, Chuck Berry


Nos encontramos en abril de 1956, fecha en la que Chuck Berry se mete en el estudio y graba en Chicago, Illinois el tema Roll Over Beethoven. El tema es producido por los hermanos Leonard y Phil Chess, y publicado en mayo de 1956 bajo el sello discográfico de éstos, Chess Records. Chuck Berry fue acompañado en la grabación del tema por Johnnie Johnson al piano, Willie Dixon al bajo, y Fred Below a la batería.

El tema es lanzado como cara A del single, ocupando la cara B del mismo el tema Drifting Heart. El tema rápidamente se convierte en un éxito, alcanzando el puesto número 2 en la lista Billboard R&B, y el puesto 29 en la listas pop del país estadounidense. En el año 2003 es elegida por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos para agregarse al Registro Nacional de Grabaciones. En 2004 la revista Rolling Stone posiciona el tema en el puesto número 97 de su lista Las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

Chuck se inspiró en la rivalidad que tenía con su hermana menor Lucy y escribió el tema para burlarse de ella, pues solía tocar música clásica en el piano de la familia, mientras que Chuck quería tocar R & R. La letra del tema alude a los compositores Beethoven y Tchaikovsky, quienes se revuelven en sus tumbas al escuchar que la música clásica ha dado paso al R & R. La letra del tema también hace alusión a canciones de otros artistas, como Early In The Mornin' (Louis Jordan), Blues Suede Shoes (Carl Perkins), o la canción infantil Hey Diddle Diddle (grabada por Bo Diddley). En aquel momento muchos críticos especializados de la época descartaron la música rock, entendiéndola como una moda pasajera. Cuánto se equivocaban...







     




jueves, 7 de enero de 2021

0007: Heartbreak Hotel - Elvis Presley

 

Heartbreak Hotel fue grabada en enero de 1956 en Nashville, y lanzada como single a finales del mismo mes, con la canción "I Was the One" en la cara B. El sencillo se convirtió en su primer n.º 1 en las listas de ventas de Estados Unidos. La canción fue originariamente escrita por Thomas Durden, guitarrista de Smiling Jack Herring and his Swing Billies, y Mae Boren Axton, publicista de Hank Snow, cantante de country que por aquel entonces estaba también representado por el Coronel Tom Parker, el férreo manager de Elvis.

El propio Presley apareció en los créditos como co-autor, tras los grandes cambios que realizó sobre el tema original, un tema de estructura blues al que le dio un importante giro tanto en el ritmo como en la letra, terminando de hacerla suya con su particular interpretación vocal y su guitarra rítmica. Acompañaron a Elvis en este mítico tema los músicos Bill Black al bajo, Scotty Moore a la guitarra, DJ Fontana a la batería y Floyd Cramer al piano, dando juntos forma a una de las grabaciones más laureadas del cantante de Memphis.


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sábado, 2 de enero de 2021

0002: Shake, Rattle & Roll - Elvis Presley

 

El álbum debut de Elvis Presley llevaba como título su propio nombre, y fue publicado en 1956 en RCA Records, basado en las primeras grabaciones realizadas en los estudios Sun Records de Nashville y en los de la propia RCA en Nueva York. El álbum incluye canciones que luego serían clásicas del cancionero de Elvis, como Heartbreak Hotel o Blue Suede Shoes (popularizada también por Carl Perkins en una versión que también está incluida en esta recopilación de "Historia de la música en canciones". El álbum pronto se disparó al nº 1 de las listas de ventas, y en 2003 la revista Rolling Stone le incluyó en el puesto 55 de los 500 mejores álbumes de la historia, y es uno de los "1001 discos que hay que escuchar antes de morir" de Robert Dimery, tanto por las canciones mencionadas como por versiones de temas tan conocidos como Blue Moon, Tutti Frutti o la protagonista de este artículo: Shake, Rattle and Roll.

Shake, Rattle and Roll es una canción de estructura de blues de doce compases, interpretada en formato rock and roll. Fue escrita por Jesse Stone (más conocido por el pseudónimo de Charles E. Calhoun) e interpretada originalmente por Big Joe Turner. La interpretación de Turner fue elegida en el nº 126 de la lista de 500 mejores canciones de todos los tiempos por la revista Rolling Stone. Otras versiones, como la de Bill Haley & His Comets tuvieron gran éxito comercial, mientras que la versión de Elvis Presley quedó un poco oculta dentro de su álbum de debut, a la sombra de los éxitos rutilantes que fueron Heartbreak Hotel y Blue Suede Shoes

Elvis grabó dos versiones de la canción, una primera versión demo se registró en Sun Records, pero fue la segunda versión, grabada en RCA Studios, la que acabó formando parte del disco "Elvis Presley", con una letra que mezclaba las de las versiones de Turner y Haley, y un ritmo y arreglos más rápidos que los de los Comets. Sea en la versión que sea, estamos ante un clásico del rock and roll de los años 50, y en la voz del "Rey" se convierte en una de las joyas de su corona.


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