Un país, un artista: Granada - Mighty Sparrow

 

Mighty Sparrow

     El calipso o calypso es un género musical que se originó entre principios y mediados del siglo XIX en Trinidad y Tobago y que se hizo muy popular también en las Antillas, en las islas de San Andrés y Providencia, colombia, Panamá, Venezuela y gran parte de la costa caribeña centroamericana. La lengua de interpretación del calipso puede ser tanto el ingles como el francés, y en los países donde se habla mayoritariamente español, sus letras también incluyen letras en este idioma. La peculiaridad de este género es la utilización como instrumento principal de tambores metálicos fabricados a partir de barriles de petróleo reciclados, llamados Steel drums o tambores metálicos de trinidad. 

Slinger Francisco, más conocido como Mighty Sparrow, es un compositor, vocalista y guitarrista de calipso, conocido por el apodo de "Calipso King of the World" (Rey de calipso del mundo), un apodo que se ha ganado por ser unos de los músicos de calipso más conocidos y exitosos del mundo. De hecho se ha alzado con dos de los galardones de música calipso más importante del mundo varias veces, el Trinidad's Carnival Road March ocho veces y el Calypso King/Monarch otras ocho veces.

Mighty Sparrow nace el 9 de julio de 1935 en un pueblo pesquero de la isla caribeña de Granada llamado Grand Roy. Con un año de edad se muda con su madre a Trinidad y Tobago, donde se uniría su padre un año después, en 1937. Mighty crece y se cría en Puerto España, donde empieza cantar ya desde pequeño y se une al coro de la Newton Boys Catholic School. Con 14 años se une a un grupo de Steelpan (banda de acero, como se conocen a las bandas cuyo instrumento musical son los tambores metálicos ) de su barrio con la que actúa en los carnavales. 

En sus comienzos musicales es apodado Little Sparrow por sus enérgicas actuaciones teatrales, normalmente los cantantes de las bandas de calipso solían permanecer firmes cuando cantaban, y Sparrow cuando cantaba se emocionaba y se movía como el mismo dice, como James Brown, por lo que los cantantes veteranos le solían decir que se dedicara a cantar en vez de moverse como un gorrión pequeño (little sparrow). Pasados un par de años se cambiara el apodo por Mighty Sparrow. Al salir de la escuela alterna su trabajo para la Junta de Control del Gobierno con sus actuaciones cantando calipso, convirtiéndose en una estrella local gracias a sus actuaciones en el famoso Lotus Club. 

Su primera actuación como cantante de carnaval llega en 1954 con "The Parrot and the Monkey", y en 1955 realiza sus primeras grabaciones, las cuales son incluidas más tarde en un recopilatorio llamado Royalties Calypo Kyngdom. Entre 1955 y 1956 realiza también numerosas grabaciones para los sellos discográficos GEMS y Veejay Special. En 1956 se alza con sus primeros galardones de los carnavales Road March y Calypso King de Trinidad con la interpretación de su tema más famoso, Jean and Dinah. Sin embargo, su premio por ganar, $ 40, comparado con los $ 7.500 que obtiene la ganadora del concurso de belleza del llamado Carnival Queen, hace que Mighty escriba a modo de protesta la canción Carnival Boycott y organice y lidere todo un boicot, siendo seguido por la mitad de los cantantes de calipso. Mighty se niega a participar de forma oficial durante los tres siguientes años a modo de protesta, haciéndolo de forma no oficial. Gracias a esto se consiguen considerables mejoras para los musicos de calipso y las Steelpan, creándose además un Comité de Dearrollo del Carnaval.

Es en 1959 cuando Migthy consigue un contrato discográfico con RCA Records y graba con el sello discográfico entre 1960 y 1964 nada menos que once álbumes. Durante la década de los 50 Mighty había tenido algo de popularidad en otras partes del mundo, como Inglaterra o Estados Unidos. Entre la década de los 60 y 70 graba más de cuarenta álbumes, y sus mayores éxitos internacionales llegarán durante la década de los 70.

Pero Mighty no es ajeno al cambio que se está produciedo afinales de la década de los 70 y principios de los 80, cuando la música soca empiezar a ganar en popularidad en Trinidad al calipso. La soca es un género muical que se nutre y entremezcla la música calipso, ritmos africanos y tembién rtimos de las Indias Occidentales. Mighty se adentra en la soca y además empieza fusionar calipso, soul y chutney, un género musical indo-caribeño que se desarrolló al sur del caribe y que goza de gran popularidad en Trinidad y Tobago, Guyana, Surinam, Jamaica, Fiji, Islas Maurcio y Sudáfrica.

Las letras de las canciones de Mighty son conocidas por ser ingeniosas, irónicas y obscenas, si bien también suele tocar temáticas sociales y políticos, no en vano, uno de sus mayores éxitos internacionales, Dead or Alive (1979), abordaba la tiranía de gobernantes como el Sha de Irán Idi Amin, y otros líderes de la época. 

Mighty Sparrow es sin duda uno de los mayores artistas del país de Granada, con una carrera que abarca más de 60 años popularizando el calipso y la soca además de tocar otros géneros musicales. Una carrera que a día de hoy, y a sus 86 años todavía continúa, y fruto de ello fue la publicación de su álbum Fyaah and Fury en 2018.

0067: Don't let the sun catch you cryin' - Ray Charles

 

Para su séptimo álbum de estudio, Ray Charles optó por dar un giro en su carrera, alejándose de los esquemas clásicos de rhythm and blues en los que se había movido en sus discos anteriores, y encaminándose hacia una producción más elaborada y con el respaldo de una big band y una sección de cuerdas para sus nuevas canciones. La salvedad, en este caso, fue que ambos recursos de acompañamiento no acabaron mezclados en The Genius of Ray Charles (1959, Atlantic Records), sino que la primera cara albergó los temas grabados junto a la big band, mientras en la cara B encontraron su sitio las baladas con arreglos de cuerda y terciopelo.

Esta dualidad se reflejó también en los dos singles publicados, ya que Let the good times roll es un claro ejemplo del swing de la primera cara, mientras que Don't Let the Sun Catch You Cryin' fue la carta de presentación de la colección de baladas de piano y cuerda que poblaban la segunda cara. Ambas tenían en común que eran versiones de temas que Louis Jordan había grabado previamente, convirtiendo ambos singles en una especie de homenaje al saxofonista y líder de "Louis Jordan and his Tympany Five".

En una hipotética carrera para decidir cual de los dos singles era más brillante, ambas llegarían casi empatadas a la meta, pero nos decantamos por la elegancia de la voz y el piano de Ray Charles en las distancias cortas, y ahí es donde Don't let the sun catch you cryin' llega a romper la cinta antes en la "photo finish" con su sincera recomendación: "No dejes que el sol te pille llorando, frente a la puerta de mi casa". Paul McCartney hizo suyo este consejo durante sus conciertos de promoción del disco Flowers in the dirt, y su más que correcta versión de este tema formó parte de "Trippin' the live fantastic", el disco en directo que recopilaba los mejores momentos de aquella gira.

El disco de la semana 215: Skin & Bones - Susan Santos

 

Skin & Bones, Susan Santos

     Hoy, día 8 de marzo se celebra el Día Internacional de la Mujer, un día de carácter festivo que conmemora la lucha de la mujer por su papel y participación dentro de la sociedad, su emancipación y su desarrollo íntegro como persona. La reivindicación del papel de la mujer abarca todos los ámbitos, el de la música no podía ser menos, y en 7dias7notas lo tenemos muy presente. Para celebrarlo como se merece, en este día tan señalado os traemos nuestra siguiente propuesta con la intención de reivindicar el papel de la mujer dentro del maravilloso mundo de la música. No se nos ocurría mejor forma que hacerlo que con una guitarrista española que se ha ganado por méritos propios ser uno de las mayores referentes del blues en España, y que se ha ganado sobradamente el reconocimiento fuera de nuestras fronteras, llegando a ganar en el año 2018 el prestigioso galardón The Best Musician Perfomance dentro de los European Blues Awards, y siendo nominada en 2019 para los Texas Sound Music Awards.

En 1982 nacía en Badajoz una artista que se ha convertido por derecho propio en una de las puntas de lanza del blues de este país, Susan Santos. Nacida en el seno de una familia numerosa, la más pequeña de seis hermanos, quien le iba a decir que a las puertas de la mayoría de edad iba a sentir la llamada de la música. Su primera guitarra es acústica y se la costea ella misma con el dinero ganado en una fábrica. Luego llegaría su primera guitarra eléctrica con la inestimable ayuda de su madre y sin que su padre se enterase, pues temía que su hija se convirtiese en una heavy. Sin embargo más tarde sus padres comprenderían que Susan había elegido correctamente, pues a día de hoy lleva una significativa carrera y se ha ganado una gran reputación dentro del blues, y no sólo dentro del país.

Susan es zurda, aprende a tocar la guitarra de forma autodidacta y va forjando su propio estilo personal de entender e interpretar la música. Como hemos comentado anteriormente, su carrera no ha parado desde entonces y ha compartido su feeling con la guitarra en muchos clubes famosos, en festivales por toda Europa, Estados Unidos y México.

En 2010 Susan Santos lanza junto a The Papa's Red Band su primer trabajo, Take Me Home, y en 2011 también con ellos su segundo disco, Shuffle Woman. En 2014, tras abandonar su proyecto con The Papa's Red Band, publica Electric Love. La gran calidad que atesora y va demostrando Susan le lleva incluso a ser fichada para la televisión, concretamente para el programa televisivo Las Mañanas de TVE 1 durante un par de años.

Dos años después de su álbum Electric Love, con el que ya había llamado considerablemente la atención, se encierra en unos estudios de Madrid, y junto con Manuel Bagües al bajo y Ezequiel Navas a la batería graba Skin & Bones. El disco es producido por Juan De Dios Martín y mezclado por este en Los Ángeles. Susan cuenta en este álbum con la colaboración de músicos de la talla de Eduardo Molina, David Salvador y Pablo Martín entre otros. El disco es publicado en 2016 bajo el sello discográfico Paella Records. 

Skin & Bones se convertía en su mejor trabajo hasta la fecha, un disco apoyado en el característico y personal estilo de Susan de entender el blues y asomándose a estilos como el country o el sonido pantanoso del blues del Delta. El disco comienza con la potente Rattlesnake, todo un cañonazo donde Susan, acompañada de una gran base rítmica, ya nos ha puesto en pie con su guitarra. Le sigue el magnífico tema se toque country Goin' Down South, donde el banjo y el bajo nos trasladan hasta los mismísimos terrenos pantanosos del delta. Red Lips, tema donde la guitarra cobra el protagonismo de un tema que nos recuerda a los australianos AC/DC. Sunset's Glaze, un magnífico medio tiempo donde el protagonismo es para la calidez que transmite la voz de Susan, aspecto que cuida tanto como su instrumento, la guitarra. Le llega el turno a Dusty Road y su ritmo frenético. Para mí uno de los momentos cumbre del disco, donde podemos apreciar el uso de la Washboard (tabla) de la mano de Juan de Dios, usada antiguamente como elemento de percusión. Este es el típico tema que me gustaría estar escuchando si estuviera viajando a través de las típicas carreteras con sus eternas rectas y que cruzan el país originario del blues de punta a punta, como por ejemplo la Ruta 66. 

Let Your Light Shine, otro de los momentos más íntimos del disco, con esa guitarra acústica que por momentos nos recuerda a Eric Clapton. Skin & Bones, el tema que da título al álbum, puro rock & roll con sabor a la década de los años 50 que hará que los pies se nos muevan solos. Como antesala al cierre llega Stop Drivin' My Crazy, otro de lo grandes momentos del disco con esta magnífica balada, uno de esos temas que a uno le gustaría degustar en la mecedora del porche de la típica casa con vistas al delta. El final de este magnífico y más que recomendable disco llega de la mano de Right On Time, donde la guitarra de Susan está brillantemente acompañada por la calidez que da al tema el sonido del Hammond. 

0066: Ne me quitte pas - Jacques Brel

 

Primera incursión en lengua francesa en La historia de la música en canciones, cruzamos los Pirineos y de paso toda Francia para llegar a Bélgica, lugar de nacimiento del cantautor Jacques Brel, uno de los máximos representantes de la Chanson Française. El tema que nos ocupa es sin duda el más conocido del autor, cuya primera versión apareció el 11 de septiembre de 1959 en el disco La Valse à mille temps. En 1961, Brel grabó una versión en neerlandés Laat me niet alleen. Os ponemos en situación para contar la intrahistoria de esta canción, corría el año 1953, Brel tenía en su Bélgica natal esposa e hija, un trabajo gris y muchos sueños de cantautor que le llevan en 1953 a dejar Bruselas y marchar solo a París para hacer realidad sus sueños. Mientras sobrevivía dando clases de guitarra, iba componiendo canciones en un principio románticas que poco a poco van encontrado su público hasta que en 1954 actúa por primera vez en el Teatro Olympia y empieza a componer para otros. Dos años después alcanza su primer gran éxito con Quand on n'a que l'amour, pero sin duda la canción que le convirtió en leyenda es este Ne Me Quitte Pas, que al principio no tuvo demasiada repercusión pero que con el tiempo ha sido versionada por centenares de intérpretes en decenas de idiomas.

 

No mentimos cuando decimos que Ne me quitte pas es una de las canciones más bonitas de todos los tiempos. Pero ¿qué se esconde detrás de la triste y a la vez bonita letra de esta canción? Una historia dramática, sin duda. Jacques Brel conquistaba a la audiencia con su dramatización en el escenario, ya que era una especie de “Dandy”, que hacía suspirar a las mujeres con ese idioma tan sensual como es el francés. Pero en realidad en este tema encontramos la historia del propio cantautor una especie de autohumillación. Durante su etapa como artista en clubes conoce a una mujer llamada Suzanne Gabriello, actriz cómica, sensual e inteligente. El enamoramiento entre ambos no tardó en llegar, pero a la vez, ese sentimiento se traduce en detestable, él se entregará completamente a ella durante cinco años, repletos de desencuentros, intrigas y juego sucio, hasta que ella queda embarazada, pero Briel niega ser el padre y dice que no va a reconocerlo. Ese es el comienzo del fin para una historia realmente patética. Loca de ira, Zizou amenaza con denunciarlo en los tribunales y que toda la gente se entere del tipo de persona que es. Entones, él se va a Bruselas con su esposa legítima. En ese momento aprovecha para redactar la letra del tema “Ne me quitte pas”. Podría decirse que el mismo Brel odiaba esa canción, porque le traía muchos recuerdos de su amante Zizou, la palpable definición de lo que pasaba por su mente y por su corazón. Una especie de catarsis por sus pecados. En relación a la música, esta canción aprovecha la melodía de la “Rapsodia Húngara Número 6”, de Franz List (aunque él mismo lo niega). Disfruten de la que es sin duda una de las mejores canciones de amor/desamor de la historia.

Extremoduro - Deltoya (Mes Extremoduro)

 

Deltoya, Extremoduro

Atrás queda ya el año 1987, año en el que un jovencísimo Robe Iniesta, oriundo de Plasencia, Cáceres, tras la ruptura de la banda Dosis Letal, de la que formaba parte, decide crear su propia formación de rock, Extremoduro. Así comenzaba la aventura de Robe (guitarra y voz), junto a Kaíto (bajo) y William (batería). Una formación que salvo Robe, líder y alma de la formación extremeña, irá sufriendo continuos cambios en sus filas. Atrás queda ya su primer viaje a Madrid, con la mochila cargada de sueños, donde Extremoduro graba su primera maqueta. Pudieron costear el precio de aquella maqueta vendiendo papeletas que equivalían a una copia de la maqueta cuando ésta estuviera grabada y editada. Así es, señores y señoras, hasta en ese invento del crowdfunding  el "Rey de Extremadura" fue pionero, aunque apenas llegaron a vender unos 250 boletos.

Atrás queda también la grabación de su primer disco, Tú en tu casa, nosotros en la hoguera (1989), disco que fue distribuido por la región extremeña, y que años después fue reeditado con un mejor sonido y bajo el título de Rock Transgresivo. Atrás queda también el año 1991, cuando fichan por la discográfica Avispa Music, que se había fijado en ellos, pero ante las escasas expectativas que el sello tiene para ellos deciden romper el contrato y fichar por el sello independiente Área Creativa de Pasión Cía. Discográfica, con la que publican su segundo disco, Somos unos animales. Sin embargo, el grupo decide romper también con Área Recreativa, por diferencias económicas motivadas por no haber cobrado los derechos de autor.

Nos encontramos en 1991, y Extremoduro, que en ese momento está formado por Robe (guitarra y voz), Salo (guitarra), Carlos "El Sucio" (bajo) y Luis "Von Fanta" (batería), consigue fichar por DRO (Discos Organizados Radiactivos), el sello de música independiente más importante del país. La gestación del fichaje comienza a raíz del contacto del bajista Carlos "El Sucio", con el cazatalentos de DRO José Antonio Gómez, al que conocía personalmente. Curiosamente, la gran calidad que el Robe compositor y escritor descarga en cada una de sus letras, no es la razón para fichar a los extremeños, sino la cantidad de gente que llevaban detrás y que arrastraban a los shows que montaban en los conciertos, motivo por el que las revistas heavys ya se habían empezado a fijar en ellos y en su música, alejada del típico rock standard que se hacía en la época.

Con un contrato discográfico en el bolsillo y con las garantías de un sello fuerte, el grupo se mete en los estudios Box de Madrid y graba el material que compondrá su tercer álbum. En junio de 1992 se publica Deltoya, que sentará las bases del despegue de la banda, y que la pondrá en la senda del éxito y reconocimiento absoluto como grupo de culto. Deltoya no consiguió inicialmente el reconocimiento que merecía, en parte por la escasa promoción del disco, y no por la falta de interés de DRO, sino porque el propio Robe se negaba a convertir al grupo y al disco en un producto, lo que da una idea de la gran personalidad del líder de la banda extremeña. 

El resultado es un doble álbum compuesto por doce temas, de los que muchos se han convertido ya en imprescindibles en la historia del rock español. Las condiciones del grupo han mejorado considerablemente, y esto hace que puedan centrarse única y exclusivamente en lo que mejor saben hacer, la música, y entonces el resultado salta a la vista. En Deltoya se da, además, la circunstancia de que el grupo, al sentarse a discutir que temas descartar, se dan cuenta de que no hay ningún tema que pueda considerarse de relleno, por lo que deciden apostar por todos, y la discogŕafica DRO, en un gesto de confianza hacia la banda, decide dejarles incluir los doce temas compuestos en forma de doble álbum.

El título del álbum, Deltoya, proviene de la contracción "del todo ya", y tenía un significado especial para la banda, pues por fin, habían podido grabar todas las canciones que tenían preparadas, con buen sonido y sin tener que elegir o sacrificar ninguna, por lo que decían que tenían un disco deltoya (del todo ya). El vinilo del disco tiene dos portadas, una creada por el artista de Trujillo (Cáceres), Chuty, quien era miembro de la asociación cultural Tope Ganso, y consiste en un dibujo en que un hombre de espaldas mira desde un balcón hacia la noche, bajo la atenta mirada de la luna. La otra portada es una ilustración de Carlos Azagra, un ilustre del mundo del cómic, responsable de personajes como Pedro Pico y Pico Vena de la publicación El Jueves. La ilustración muestra a una familia desnuda contemplando el mar desde una playa.

Para la grabación del disco, la banda cuenta con la colaboración de músicos adicionales, los que se encuentran Ariel Rot en el tema Volando solo, Salvador Domínguez (Banzai) en De acero y Relación convencional, o Rafa Kas (Los Toreros Muertos, Ilegales, Desperados) en Lucha contigo. El disco contiene una mayor complejidad que los dos álbumes anteriores, fruto de la constante evolución de Robe, quien pretendía que la gente se devanara los sesos y que le diera su propia interpretación a lo temas cuando los escuchara. El disco es un recorrido donde Robe, con sus letras, nos transporta y deleita con temazos como Volando solo, donde pone el grito en el cielo en defensa de la ecología y podemos disfrutar de la guitarra de Ariel Rot; Última generación, donde además de tocar la temática ecologista también lanza una llamada con toques anti-sistema, Ama, ama, ama y ensancha el alma, poema escrito por el poeta Manolo Chinato y al que Robe pone la música, toda una llamada a la fraternidad y el amor colectivo, Estado Policial, un potente rock and roll con el que cierran el disco; o la potente Deltoya, escrita por Robe basándose en un poema de Kiko Luna Creciente, artista de la asociación Tope Ganso de Trujillo.

Robe, siempre perfeccionista, no acabó del todo contento tras la publicación del disco, pues consideraba que a Deltoya le había faltado tiempo de cocción. Lo que si es cierto es que Deltoya significó un salto cualitativo para el grupo, que iba camino de convertirse en lo que es ahora, un grupo de culto. El cambio a una discográfica como DRO les permitió a Robe y a Extremoduro dejar de lado muchas preocupaciones adicionales, pues por fin no tenían que preocuparse de tener que hacerlo todo ellos, para centrarse "del to ya" en lo que mejor sabían hacer. Rock transgresivo lo llamaban, una efectiva receta a base de generosas dosis de pura música y poesía.

0065: Shout - The Isley Brothers

 

Shout, Isley Brothers

     El 1 de noviembre de 1959 se publica Shout!, el álbum debut de los Isley Brothers, bajo la producción de los reputados productores discográficos Hugo Peretti y Luigi Creatore. El álbum es grabado en el Studio A de RCA Victor's Music Center of the World (Nueva York), y publicado por la discográfica RCA, propietaria de dichos estudios. Un disco donde podemos enontrar rhytm and blues, doo - woop, gospel ó rock and roll.

Incluido en éste disco se encuentra el tema Shout, que había sido lanzado como sencillo unos meses antes, concretamente en agosto de 1959, y que incluía Shout parte I en la cara A y Shout parte II en la cara B. El tema se acabaría convirtiendo en una influyente canción dentro del género rock and roll, siendo muy versionada a lo largo de la historia, y donde una de las más exiosas fue la versión de la cantante escocesa Lulu en 1964. 

El tema originalmente fue escrito por Rudolph Isley, aunque aparece acreditado también a los otros dos componentes, Ronald y O'Kelly Isley. En 1958 los hermanos solían terminar sus actuaciones interpretando una versión del tema Lonely Teardrops de Jackie Wilson. En una de esas actuaciones, cuando el trío se encontraba en el Uptown Theatre de Filadelfia, y mientras interpretaban este tema, en un momento dado a Ronald al ver al público de pie y gritando enfervorecido le dió por gritar algo así como "Wellllllll........sabe que me dan ganas de gritar!", y automáticamente Rudolph y O'Kelly se unieron a la improvisación. La gente se volvió loca.  

Los Isley Brothers en un principio no consideraron que éste tema tuvieran que grabarlo, pues para ellos se trataba simplemente de una improvisación que hacían en el escenario, pero el por entonces ejecutivo de RCA Records Howard Bloom lo tuvo muy claro y propuso que aquello había que publicarlo como sencillo. Este tema revolucionó el efecto de llamada y respuesta que tan bien conocían los hermanos, pues crecieron cantando en una iglesia. 

La música en el cine: You Could Be Mine (Guns & Roses) - Terminator 2: El Juicio Final

 

You Could Be Mine, Guns & Roses

     En julio de 1991 se estrenaba en Estados Unidos Terminator 2: el juicio final, película de acción escrita, producida y dirigida por el genial director canadiense James Cameron. Tras el éxito de la primera película de la saga, y aprovechando el tirón y popularidad que había alcanzado Arnold Schwarzenegger, James Cameron sacó está segunda parte repitiendo los esquemas de la primera producción. 

La película también tiene el honor de ser una de las primeras películas en las que se utilizaron imágenes generadas por ordenador. En su momento fue la producción más cara de la historia, con un costo aproximado de unos 100 millones de dólares, y se convirtió en la segunda película más taquillera de la historia, detrás de E.T., el extraterrestre, recaudando alrededor de unos 520 millones de dólares. 

Como olvidar el argumento de la famosa película, donde las máquinas, en su intento fallido de matar a la embarazada protagonista Sarah Connor, interpretada por Linda Hamilton, deciden continuar con su cometido, pero esta vez cambiando de objetivo, el adolescente John Connor, interpretado por Edward Furlong. Para este cometido, las máquinas envían al avanzado modelo T-1000, interpretado por Robert Patrick. Menos mal que John Connor recibirá la ayuda de un modelo T-800 CSM-101, interpretado por Arnold Schwarzenegger, que viene también del futuro para salvarlo.

Y como olvidar también un tema que aparece en la banda sonora de la película, y que siempre que lo escuchamos lo asociamos inmediatamente a ésta, nos referimos a You Could Be Mine, de nuestros amigos de Guns & Roses. Esta canción, escrita y compuesta por Izzy stradlin y Axl Rose, que supuso un auténtico pelotazo, está considerada como una de las mejores y más populares canciones del grupo californiano. El tema fue lanzado el 21 de junio de 1991 para promocionar el álbum donde aparecía editado, Use Your Ilusion II, que fue lanzado a su vez en septiembre de 1991 por la discográfica Geffen Records. El tema no fue ideado para la película, fue seleccionada por el propio James Cameron, quien organizó en su momento una cena con los miembros de la banda en su casa para negociar el acuerdo.

En realidad, el tema fue ideado con anterioridad a la grabación del álbum Appetite for Destruction, publicado en 1987, y no fue incluida en éste disco porque al parecer no fue terminada a tiempo. Slash siepre creyó que este tema tenía que haber sido incluido en Appetite for Destruction, ya que éste representaba el espíritu musical de la banda en aquel momento. De una forma u otra, el tema acabó convirtiéndose en uno de los grandes de Guns & Roses. La temática del tema se basó en una relación fallida entre Izzy Stradlin y su novia en aquel momento Angela Nicoletti.

Y como olvidar el vídeo musical de promoción del tema y de la película, donde podemos observar a Schwarzenegger en su rol de Terminator llegando a un concierto de Guns & Roses, ya que tiene órdenes de asesinar a los componentes de la banda. Al final del tema el Terminator evalúa a cada miembro de la banda, y al llegar a Axl Rose decide que matarlo sería un desperdicio de munición, y tras observarlo durante unos instantes se da la vuelta y se marcha. Las imágenes del concierto utilizadas para el vídeo fueron rodadas durante el que llevaron a cabo en el Ritz Club de Nueva York el 16 de mayo de 1991.

I'm a cold heartbreaker

Fit ta burn and I'll rip your heart in two

And I'll leave you lyin' on the bed

I'll be out the door before you wake

It's nuthin' new to you

'Cause I think we've seen that movie too

'Cause you could be mine

But you're way out of line

With your bitch slap rappin'

And your cocaine tongue

You get nuthin' done

I said you could be mine

Now holidays come and then they go

It's nothin' new today

Collect another memory

When I come home late at night

Don't ask me where I've been

Just count your stars I'm home again

'Cause you could be mine

But you're way out of line

With your bitch slap rappin'

And your cocaine tongue

You get nuthin' done

I said you could be mine

You could be mine

You could be mine

You could be mine

You could be mine

You could be mine, mine, mine, mine

You've gone sketchin' too many times

Why don't you give it a rest

Why

Must you find

Another reason to cry

While you're breakin' down my back n'

I been rackin' out my brain

It don't matter how we make it

'Cause it always ends the same

You can push it for more mileage

But your flaps are wearin' thin

And I could sleep on it 'til mornin'

But this nightmare never ends

Don't forget to call my lawyers

With ridiculous demands

An you can take the pity so far

But it's more than I can stand

'Cause this couchtrip's gettin' older

Tell me how long has it been

'Cause five years is forever

And you haven't grown up yet

You could be mine

But you're way out of line

With your bitch slap rappin'

And your cocaine tongue

You get nuthin' done

I said you could be

You should be

You could be mine

You could be mine

You could be mine

You could be mine

You could be mine

You could be mine

You could be mine

You could be mine

You could be mine

0064: Money (That's what I want) - Barrett Strong

 

Barrett Strong nació en Mississippi en 1941. Fue uno de los primeros artistas contratados por Berry Gordy para la empresa Gordy's Motown Records. Aunque Barrett Strong tiene el cartel de "One hit wonder” la realidad es que tuvo una carrera larga y distinguida en Motown Records ya que se asoció con su colaborador Norman Whitfield para escribir y producir varios éxitos icónicos de Motown. La canción por los que todos conocemos a Barrett es Money (That's What I Want) tema que Anna Records se encargó de lanzar a nivel nacional en 1959. La canción alcanzó el número 2 en las listas de Hot R&B y el número 23 en el Billboard Hot 100 y se ha convertido en una canción icónica que ha sido versionada por al menos 100 grupos. Os dejamos unos ejemplos: los Rolling Stones, The Doors, The Beatles y Led Zeppelin.

 

"Money", fue grabada en 1959 y fue el primer éxito nacional para la Motown lo que le proporciono una credibilidad y una vital inyección de dinero. Money se lanzó inicialmente en Tamla Records (en ese momento, el sello Motown aún no existía) sin embargo, la canción fue luego transferida a Anna Records, un sello que lleva el nombre de la hermana de Berry Gordy. La letra de Money es extremadamente simple y directa, el cantante relata varias cualidades, y declara que todas ellas carecen de importancia, en comparación con el dinero contante y sonante. La melodía Money tiene más una sensación de "banda de garaje" que los discos clásicos de "sonido de Motown" que incluían a la banda de acompañamiento The Funk Brothers. El tema es extremadamente cruda y directa, comienza con Barrett Strong al piano, luego acompañado de una pandereta a la que se unen la guitarra, el bajo y la batería, antes de que Strong abra con su voz áspera. Barrett también está acompañado durante el coro de un grupo de chicas, que se unen al estribillo de ‘That´s what I want’.

 

Este tema también arrastra una polémica que paso a relatar, Money (That's What I Want) se le atribuye a Berry Gordy y Janie Bradford, Barrett Strong siempre ha mantenido que fue cocreador de la canción. En un principio Strong figuraba como creador de la misma, sin embargo, su nombre fue posteriormente eliminado del registro de derechos de autor, dejando a Gordy y Bradford como los únicos creadores registrados. Berry Gordy afirma que Strong fue incluido inicialmente como coguionista por un error administrativo, y siempre ha sostenido que a él se le ocurrió la música, todo el primer verso y el coro, se lo enseñó a Janie Bradford, quien sugirió un par de líneas para el segundo verso que le dejo encantando por lo que le dio el 50% de la creación, a continuación llegó Barrett Strong, se sentó con ellos, y sin ser invitado comenzó a cantar, pero no contribuyó en nada a la escritura de la canción. Sea cual sea la realidad, el caso es que podemos disfrutar de una canción enorme.

0063: Put Your Head on My Shoulder - Paul Anka

 

 “Put Your Head on My Shoulder” es una de las canciones de amor más apreciadas de todos los tiempos. Paul Anka la escribió y grabó en 1959, en el apogeo de su fama, convertiendose en el cantante adolescente más exitoso de los años 50 que escribiera su propia canción. Había conocido el éxito en 1957 con su canción "Diana". Al igual que sus éxitos anteriores, “Put Your Head on My Shoulder” capturó la tímida ternura de la cultura popular adolescente de la década de 1950. La inspiración de Anka vino de sus fans, al fijarse en ellas durante sus actuaciones.  "Fui consciente del ambiente, mis conciertos estaban llenos de adolescentes y cuando tocaba una balada todos se abrazaban, y yo estaba allí arriba cantando mientras veia sus cabezas sobre los hombros del otro ”, dijo Anka. "Fue algo importante en los años 50, una época de inocencia y romance, nunca había escuchado una canción que expresara tal sentimiento, así que una noche volví a mi habitación de hotel y escribí Put Your Head on My Shoulder”, Pon tu cabeza sobre mi hombro. Sostenme en tus brazos, cariño. Aprietame oh-tan-fuerte. Muéstrame que tú también me amas. Pon tus labios junto a los míos, querida. ¿No me besarás una vez? Solo un beso de buenas noches, tal vez tú y yo nos enamoremos”, dice la canción, bastante explicito y atrevido para la época.

“Put Your Head on My Shoulder” alcanzó el número 2 en la lista Hot 100 de Billboard. Nueve años más tarde, la canción volvió a ser popular en el puesto 44 de las listas con la versión de 1968 de The Lettermen. El cantante canadiense Michael Bublé, que comenzó como el protegido de Anka, también hizo una versión de “Put Your Head on My Shoulder” en su exitoso álbum debut homónimo en 2003.

Pero nadie lo hace mejor que Paul Anka. La leyenda de la música comenzó a ser uno de los mayores ídolos adolescentes de finales de los 50. En 1961, cuando la locura de los ídolos adolescentes comenzó a enfriarse, Anka podía presumir de las más de 125 composiciones en su haber, así como de su propio sello discográfico llamado Spanka, en lugar de dormirse en los laureles, Anka pasó a la esfera adulta y se convirtió en un exitoso intérprete, compositor, artista de grabación y empresario musical que se mantuvo tan bien entrado el nuevo milenio.

Un país, un artista: Francia - Phoenix

 

El cuarteto francés, Phoenix se ha ganado un espacio muy importante dentro de la escena alternativa mundial. Vamos a hablar de sus primeros cuatro albums de estudio, donde encotnramos un sonido elegante y bailable a la vez, la banda envuelve a los melómanos de todo el mundo en una fantasía pop, con melodías electrónicas. Los guitarristas Laurent Brancowitz y Christian Malazzai, el bajista Deck D’Arcy y el vocalista Thomas Mars componen Phoenix. La banda se formó en 1999 en el barrio parisino de Versalles, dentro del mismo movimiento que vio nacer a Air y Daft Punk a finales de los 90, con el tiempo, y cada uno en su estilo, estos tres nombres han ido conformado la Santísima Trinidad de la música francesa de los últimos quince años. La relación entre Phoenix y Daft Punk son muy cercanas ya que Laurent Brancowitz, guitarrista de Phoenix, tuvo un grupo con Guy-Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter , llamado Darlin. La relación entre estas dos grandes bandas es tan estrecha que durante una presentación de Phoenix en el Madison Square Garden en 2010, Daft Punk hizo su aparición en el escenario haciendo un mash up entre algunos de sus éxitos y la canción 1901 de Phoenix. 

 

Phoenix empezó haciendo un remix del sencillo "Kelly Watch the Stars" de Air. Se volvieron rápidamente un éxito "underground" gracias al sonido loungy/mellow y sin pretensiones que implementaron en su álbum del 2000 United. Potentes líneas de bajo, elegantes guitarras rítmicas y teclados que, junto a la personal voz de Thomas Mars deslizándose entre los instrumentos, convencían a la primera escucha. La aparición del tema “Too Young” en la película Lost in Translation, (En 2011, el vocalista de Phoenix, Thomas Mars, se casó con la prestigiosa directora de cine Sofia Coppola) contribuyó a propulsar su álbum debut con la suficiente fuerza para lograr un contrato para un segundo disco en 2004. De título "Alphabetical", el álbum trajo a la banda un éxito comercial moderado, con sencillos como "Everything Is Everything" y "Run Run Run" en buenas posiciones en las listas de popularidad. Para presentar "Alphabetical", Phoenix se embarcaron en una larga gira mundial, que quedó plasmada en el álbum "Live! Thirty Days Ago".

“It's Never Been Like That” (2006) constituyó la tercera entrega de estudio de los parisinos, un trabajo autoproducido con el que Mars y compañía se acercaron a sonidos más directos y contundentes, logrando con ello el aplauso de la crítica. Al disco siguió de nuevo una gira masiva a lo largo de Estados Unidos y Europa. La música y la moda convergen en este disco ya que en esta ocasión con el exitoso diseñador de Dior, Hedi Slimane, diseño la portada del álbum «Alphabetical» y utilizó la canción «Victim of crime» para mostrar una de sus colecciones para la casa de moda.

La banda celebró sus diez años de trayectoria con la edición de “Wolfgang Amadeus Phoenix” (2009), cuarto disco de estudio en el que contaron con la acertada producción de Philippe Zdar (Cassius). Con esta nueva obra llegan de nuevo las melodías inspiradas y los ritmos bailables que recuerdan a las grandes canciones incluidas en su ópera prima “United”. Con motivo de gira la banda estrenó un documental de 52 minutos, dirigido por Antoine Wagner, (quien dirigió también el video de «Lisztomania») llamado From the mess to the masses, en el que se narra la historia de la banda y su ascenso al éxito. En el documental se ven imágenes que Wagner capturó durante más de un año de gira en la que Phoenix, presentó su cuarta producción, llamada Wolfgang Amadeus Phoenix. El tour que grabó el director por Berlín, Estados Unidos y otras ciudades de Europa, comenzó el 20 de mayo del 2009.

Conocer su discografía es algo que les invitamos a hacer de manera personal y sin presiones, basta con escuchar alguna canción y deleitarse con estos sonidos, analizarlos y concluir lo que cada uno produce en el cuerpo y en la mente, porque al fin y al cabo eso es lo que la música de estos franceses consigue: tocar los sentidos, otorgarles emociones y hacerlos explotar en reacciones.

0062: So What, Miles Davis

No sabemos que "tipo de tristeza" es la que puede generar la publicación de la que muchos consideran la obra maestra del jazz, pero a veces la tristeza, como el llanto, pueden ser reconfortantes. Así es Kind of Blue ("Una especie de tristeza"), el disco que el genial trompetista grabó en tan solo dos sesiones de estudio repartidas en dos días diferentes (el 2 de marzo y el 22 de abril de 1959) en el estudio de Columbia Records en Nueva York. De las improvisaciones de aquellas dos sesiones históricas, en las que se rodeó de un equipo deslumbrante de músicos de la talla de John Coltrane o Julian "Cannonball" Adderley, entre otros, salieron los cinco temas que componen Kind of Blue. 

El 2 de marzo se completaron los temas que compusieron la primera cara del disco, que abría con So What ("¿Y qué?"), uno de sus temas más emblemáticos del trompetista, y un claro ejemplo de "jazz modal", el tipo de música con el que Miles Davis estaba entonces experimentando. Comienza con unas líneas del piano de Bill Evans y el contrabajo de Paul Chambers, que junto a la batería de Jimmy Cobb componen el leve colchón rítmico sobre el que se van sucediendo las improvisaciones de Davis, Coltrane y "Cannonball" Adderley. Músicos de primer nivel, siguiendo una consigna de Davis tan sencilla como innegociable. Ninguno de ellos debía ensayar antes de llegar al estudio, y tan solo dispondrían de unos leves bocetos sobre la estructura básica sobre la que giraba la canción.

¿Y entonces, qué? Pues que todos dieron lo mejor de sí mismos, registrando uno de los momentos más brillantes de la historia del jazz, en un tema y un disco que han tenido una enorme influencia en las estructuras y los planteamientos de muchas obras de jazz posteriores. Y, desde luego, si esto es una "especie de tristeza", no hay que perder tiempo en acercar la aguja al disco y comprobar que la tristeza puede ser también una forma impresionante de hacer música.

Extremoduro - Rock transgresivo (Mes Extremoduro)

Extramoduro - Rock transgresivo #MesExtremoduro

Todos tenemos un comienzo, y el comienzo de esta banda, que marcara el mes de Marzo, no es más ni menos que su primer álbum, una joya en bruto que fue creciendo de una simple maqueta que la banda, realizo en 1989, a publicar como primer disco de estudio con el nombre de  "Tú en tu casa, nosotros en la hoguera", y finalmente re editado nuevamente en 1994 nuevamente recuperando su nombre original de "Rock Transgresivo". 

Un disco de este calibre no pasa desapercibido en su historia, y anécdotas no faltan, junto al empeño de una banda que ha crecido muchísimo en la escena musical Española, quien puede negar que Extremoduro no sea un referente, y este referente de la música tuvo en sus inicios, más de un desafío como toda banda de rock, logra sacar su primera maqueta gracias al apoyo en sus fans, pre vendiendo la maqueta por 1.000 pesetas, el apoyo de sus fans les permite pre vender 250 y juntar el dinero necesario para su edición. 

Y así sale a la luz en 1989 bajo el nombre de "Tú en tu casa, nosotros en la hoguera", Extremoduro logra en un mismo año tener su maqueta y un primer disco de estudio, la maqueta se edita con 7 temas, y la banda en su disco de estudio agrega una canción más. Ambos discos conviven en las tiendas y es muy bien recibido por los fans. 

Extremoduro ira por más y decide en 1994 volver a re editar este primer álbum, una banda ya consolidada y reconocimiento internacional, agregar en esta re edición de "Rock Transgresivo" dos nuevos canciones, y no se quedan atrás en el año 2011, redoblan la apuesta y vuelven con un "Rock Transgresivo" recargado con 15 canciones de la banda. 

Así que Extremoduro un clásico en la escena del Rock Español, que se merece este reconocimiento por toda su trayectoria y un disco con historia.

Daniel 

Instagram Storyboy 

0061: What'd I Say - Ray Charles

 

What'd I say, Ray Charles

     En octube de 1959 Ray Charles lanza bajo el sello discográfico Atlantic Records, What'd I Say en 1959, el sexto álbum de estudio del genial artista. El disco alcanza la certificación de disco de oro, en parte gracias al tema que da nombre al disco, What'd I Say, el cuá supuso para el artista todo un pelotazo. 

What'd I Say es grabada en el estudio el 18 de febrero de 1959, y lanzada como single dividido en dos partes, I y II, en julio de 1959, adelantándose al lanzamiento del disco. Este tema está considerado como uno de los primeros de la música soul. Entre 1954 y 1960, Ray Charles solía realizar unas 300 actuaciones al año con una orquesta de siete miembros. Además charles formó un trío femenino para que le hiciera los coros al que bautizó como Raelettes, y que anteriomente era conocido como The cookies. Es precisamente en 1954 cuando Charles empieza a fusionar sonidos y elementos de la música gospel con letras que abordaban temas más mundanales. Su primer intento fue el tema I Got a Woman, siendo con What'd I Say con el que alcanzaría mayor repercusión.

Las influencias de gospel, mezclados con rumba y con una letra con insinuaciones de caracter sexual convierten a What'd I Say en un tema muy controvertido a la vez que popular tanto entre el público blanco como el público negro. Para el estilo del tema de llamada y respuesta, Ray Charles se inspiró en la iglesia en la que creció, donde el predicador preguntaba algo y los feligreses respondían algo así como "What'd I Say". El tema se gestó en 1958 en un club de Brownsville, Pensylania, durante una actuación de Ray Charles, que había tocado ya todos los temas de su repertorio y le sobraban todavía 12 minutos que tenía que rellenar. Así que se le ocurrió decirle a su grupo de coristas, las Raelettes que le siguieran y únicamente repitieran lo que el dijera, y a su la banda le dijo que no sabía como acabaría aquello y que simplemente le siguieran. Cuenta la leyenda que al final todos los asistentes a aquella actuación se arremolinaron alrededor del artista para preguntarle el título de aquel temazo que acababan de escuchar para poder comprar el disco.

La música en historias: Black Sabbath, Gillan y el circuito de carreras

 

Born Again, Balck Sabbath

     Black Sabbath publica en 1983 su undécimo disco de estudio, Born Again, en agosto en el Reino Unido, y en octubre en Estados Unidos. Este fue el primer y único disco que cuenta con Ian Gillan como vocalista de la banda. en un principio Gillan no quería ser computado como miembro de la banda, por lo que propone una colaboración en este disco, un proyecto que iba a ser conocido como Gillan/Iommi/Butler, pero la discográfica, Vertigo Rerords se negó a publicar cualquier cosa que no llevara el nombre de Black Sabbath. Al final la discográfica se salió con la suya. 

Born Again recibió principalmente críticas negativas, sin embargo el disco resulto ser un éxito comercial, llegando al Top 5 en Reino Unido. Incluido en este undécimo trabajo de la banda se encuentra el tema Trashed, que a la larga se convertiría en el tema mas exitoso del disco, y que cuya letra fue compuesta por Ian Gillan basándose en una anécdota que sufrió mientras se encontraba con el resto de la banda grabando dicho álbum en The Manor Studio de Oxfordshire, Inglaterra.

En los terrenos donde se encontraba el estudio The Manor, donde la banda estaba grabando Born Again, había una pequeño circuito de carreras y una piscina. Una noche, Ian Gillan se emborracho en un pub cercano a los estudios de grabación, y al coger el coche en un absoluto y contundente estado de ebriedad, se le ocurrió la brillante idea de dar una vuelta al circuito de carreras que había en las cercanías. La idea no salíó como esperaba, pues acabó volcando el vehículo quedando éste boca abajo muy cerca de la piscina. Afortunadamente Gillan salió ileso, pero el coche no tanto pues quedó destrozado. Al día siguiente, Gillan se enteró de que el coche que habia destrozado no era precisamente el suyo, era el del baterista Bill Ward. La gerencia de la banda había tenido a bien comprar un coche a cada miembro de la banda durante aquellas sesiones para que pudieran desplazarse, y Gillan en aquel estado, completamente ebrio, se equivocó de coche. Ese mismo día, el siguiente al día del suceso, Gillan escribió la letra del tema, la cual grabó sobre una pista que había sido grabada por sus compañeros de banda por aquel entonces, Tony Iommi, Gerard Butler y Bill Ward. 

It really was a meeting

The bottle took a beating

The ladies of the manor

Watched me climb into my car and

I was going down the track about a hundred and five

They had the stop-watch rolling

I had the headlights blazing I was really alive

And yet my mind was blowing

I drank a bottle of tequila and I feel real good

I had the tape deck roaring

But on the twenty-fifth lap at the canal turn

I went of exploring

I knew I wouldn't make it the car just wouldn't make it

I was turning tires burning

The ground was in my sky

I was laughing the bitch was trashed

And death was in my eye

I had started pretty good and I was feeling my way

I had the wheels in motion

There was Peter and the Green fly laughing like drains

Inebriation

The crowd was roaring I was at Brands Hatch

In my imagination

But at the canal turn I hit an only patch

Inebriation

Ooh Mr. Miracle you saved me from some pain

I thank you Mr. Miracle I won't get trashed again

Ooh can you hear my lies

Don't you bother with this fool just laugh into my eyes

So we went back to the bar and hit the bottle again

But there was no tequila

Then we started on the whiskey just to steady our brains

'Cause there was no tequila

And as we drank a little faster at the top of our hill

We began to roll

And as we get trashed we were laughing still

Well bless my soul

0060: Johnny Cash - I Got Stripes

 

I Got Stripes, Johnny Cash

     El 12 de marzo de 1959 Johnny Cash graba I Got Stripes, tema que es lanzado por el sello discográfico Columbia Records como single en julio de ese año junto con el tema Five Feet High And Rising en la cara B, el cual tamién fue grabado en esa misma sesión. El tema fue escrito por Johnny Cash y por Charlie Williams, un amigo suyo que trabajaba como DJ en Los Ángeles.

Para la composición de I Got Stripes se basan en la canción On a Monday (1943), de Lead belly. A su vez, para la composición de On a Monday Lead belly también se basó en un tema suyo de 1939, Yallow Women's. Lead Belly fue un músico y compositor estadounidense de blues y folk que destacó por sus claras y poderosas interpretaciones, de las cuales muchas se han convertiso en clásicas, y por el virtuosismo con que tocaba la guitarra de 12 cuerdas, si bien dominaba también piano, violín, acordeón y armónica.

I Got Stripes se apoya en una atractiva melodía donde predomina la guitarra en primer plano, mientras Johnny nos narra la amarga experiencia de ser arrestado y las limitaciones a las que está sometido mientras se encuentra en la carcel. La letra se basa en un sencillo patrón que se repite durante todo el tema, "El lunes me arrestaron... / El martes me encerraron en la carcel / El miércoles se celebró mi juicio / El jueves me declararon culplabe...". El tema no acabó de despegar todo lo que se esperaba en las listas de ventas, alcanzando el puesto número 43 en la lista estadounidense Billboard Hot 100, y el puesto número 4 en la lista Billboard Hot Country Songs.

Extremoduro - Iros todos a... (Mes Extremoduro)

Empezar estas líneas diciendo "Iros todos a tomar por culo" es, probablemente, la peor manera de empezar una reseña y un mes dedicado a un nuevo artista. Pero todo cambia si el mes en cuestión es el #MesExtremoduro. Ahí, todo cobra de repente sentido, porque es el título del primer álbum en directo de la banda del genial Robe Iniesta, el único letrista español capaz de alternar momentos de excelsa lírica con golpes de incontinencia verbal tan directos como el del título de este disco, y conseguir que en el conjunto de sus letras todo encaje siempre a la perfección, convirtiendo ese modo de escritura bipolar e imprevisible en poco menos que la marca Extremoduro. Poco importa que sus ataques de ira carguen "Contra todo" y contra todos, nos gusta tanto que nos damos por satisfechos en lugar de darnos por aludidos. Cuenta el propio Robe que, en una rueda de prensa de promoción de "Iros todos a tomar por culo" (1997), un periodista le preguntó a quién iba dirigido realmente ese mensaje, a lo que el músico respondió: "Yo creí que el mensaje era suficientemente claro, iros todos a tomar por culo".​

El disco recoge los mejores momentos de los últimos conciertos de una gira conjunta de Extremoduro y Platero, la otra banda del guitarrista Iñaki Uoho, que pasaría a ser "cien por cien Extremo" cuando los Platero decidieron apearse definitivamente del burro. Era también la gira en la que hacían promoción de Agila (1996), el disco que elevó su carrera y su status a la categoría de grandes estrellas de la música rock patria, un trono del que ya nunca se han bajado. Grabado durante las últimas actuaciones de la gira, y producido por el propio Uoho, es todo un compendio de los mejores momentos de  la discografía del grupo.

Comienza con Amor Castúo (de Rock Transgresivo) y Buscando una Luna (de Agila), grabados en el Auditorio de la Cartuja de Sevilla, para saltar después a los temas grabados en la Sala Cuattro de Avilés (De acero, del disco Deltoya, y Correcaminos, estate al loro, de Agila). La Hoguera, de Rock Transgresivo, es el único tema registrado en la Sala Gares de Puente de la Reina (Navarra), y a partir de ahí, el disco corresponde en su totalidad a grabaciones de las dos noches que actuaron en el madrileño Palacio de los Deportes (ahora Wizink). La descarga continuada de decibelios de esta "sedentaria" segunda parte del disco incluye éxitos del nivel de Jesucristo García (de Rock Transgresivo), Bri, bri, bli, bli (de ¿Dónde están mis amigos?) o Ama, Ama, Ama y ensancha el alma (de Deltoya), entre otros grandes temas de la banda.

No hemos mencionado todas las que están en el disco, al igual que no podremos reseñar todos los discos de la banda, pero en el #MesExtremoduro intentaremos dar un amplio repaso a lo mejor de una banda considerada por muchos como la mejor banda de rock en español de la historia. Disfrutadlo, tanto los que estéis de acuerdo como los que no lo estéis tanto, y pasaros a mirar los que andeis dudosos, pero, por favor, que nadie se nos vaya a ningún sitio. Comienza el #MesExtremoduro.

0059: Maybellene - Chuck Berry

En los años 50 y 60, el formato single predominaba sobre el álbum, y era la mejor baza de los artistas para entrar en las listas de ventas y en las programaciones de las radio-fórmulas. En ese escenario, los discos eran, en su mayor parte, meras recopilaciones de los últimos singles de éxito, completados con material de relleno y versiones de temas de otros intérpretes. En esa categoría podríamos incluir a "Chuck Berry Is On Top", publicado en julio de 1959 en Chess Records, y compuesto casi en su totalidad de singles que Chuck Berry había publicado previamente (la única canción nueva era "Blues for Hawaiians").

Uno de esos singles era precisamente Maybellene, su primer sencillo y su primer número uno en las listas de ventas, considerado como uno de los primeros temas de "Rock and Roll" de la historia. La canción fue escrita por el propio Chuck Berry, que se basó en una melodía de violín de un tema western y swing llamado "Ida Red".

Las temáticas habituales dentro del género del Rock and Roll están ya presentes en la letra de este pionero tema, en el que las chicas y los coches tienen un lugar predominante. Un hombre persigue, preso de los celos, a su chica infiel por la autopista, y una carrera tan desenfrenada como esa no podía ser contada bajo los esquemas musicales clásicos del momento. Muy al contrario, requería lo que Chuck Berry le dio, una manera de tocar la guitarra que alumbraría un nuevo género. Larga vida al Rock and Roll.