Mostrando entradas con la etiqueta Jazz.. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Jazz.. Mostrar todas las entradas

martes, 30 de enero de 2024

1125.- Spain - Return to Forever, Chick Corea

 


Chick Corea, fue un pianista y teclista que desde los años 70 ha sido líder en casi todos los géneros de jazz moderno, nacido en Chelsea, Massachusetts, en 1941, Corea comenzó a estudiar música a los 4 años y consiguió su primer concierto profesional con el showman Cab Calloway a principios de los años 60. Siguió un importante trabajo como acompañante con el trompetista Blue Mitchell, el flautista Herbie Mann y el saxofonista Stan Getz, y en 1966 grabó su álbum debut como líder, Tones for Joan's Bones . Después de trabajar con Miles Davis en la década de 1970, sobre todo en el revolucionario álbum de fusión de Davis, Filles de Kilimanjaro , Corea pasó a formar su propia banda de fusión, Return To Forever, con Stanley Clarke al bajo acústico, Joe Farrell al saxo soprano y flauta, Airto Moreira a la batería y percusión y la esposa de Moreira, Flora Purim, a la voz. Se convertiría en uno de los conjuntos de fusión más influyentes del siglo XX y Light As A Feather en uno de sus buque insignia. Todos los grupos pioneros de Jazz Fusion de la época fueron fundados por músicos que de una forma u otra estaban conectados con Miles Davis, y por lo tanto, el sonido de cada grupo a menudo tiene sus raíces en un álbum particular de 'The Prince of Darkness'. La naturaleza temprana, atmosférica y abstracta de The Weather Report se deriva directamente de In A Silent Way . El estilo agresivo y rockero de la Mahavishnu Orchestra está obviamente inspirado en el lado más bullicioso de Bitches Brew . La música de Return To Forever, por otro lado, originalmente tomó su sonido de álbumes que reflejan el período de transición de Miles Davis del Post-bop al Jazz Fusion, como Miles In The Sky y Filles de Kilimanjaro , un estilo mucho más en sintonía con el Bebop que el rock. La actuación en Light As A Feather continúa exudando las elegantes armonías eufónicas de su predecesor, mientras ignora por completo el enfoque más experimental que estaban explorando otros actos de Jazz Fusion. Pero Light As A Feather es igual de elaborado en su musicalidad, aunque en lugar de ser artísticamente complejos, se nos trata con piezas que nos mantienen flotando a lo largo de nebulosas nubes de exquisitas melodías.


Nuestra canción del día, “Spain”, proviene del segundo álbum de Return to Forever, una oda impresionante a la maravillosa joya del Mediterráneo, "España" toma mucha influencia de la música tradicional española. En el arreglo de apertura de la canción, encontramos a Chick Corea imitando un estilo flamenco al tocar el piano, generando un ambiente dramático para crear el ambiente antes de florecer en un elegante toque melódico. Una vez más, cada músico se turna para ser el centro de atención para mostrar su destreza musical. La interpretación más suntuosa es quizás la de Joe Farrell, cuyas prominentes exhibiciones de flauta ejercen la mayor versatilidad entre los demás instrumentos. Opulentos e impresionantes, los solos de Joe Farrell siempre adornan la música con tanta elegancia, ya sea en el tema melódico general de la pieza o cuando se aventura por su cuenta. Pero para ser justos, cada sonido que emana de cada instrumento es igualmente importante, porque es su íntima fusión lo que hace de "España" una maravilla tan ilustre de brujería musical.


viernes, 19 de enero de 2024

1114.- Red Baron - Billy Cobham

 


En 1973, los conflictos comenzaban a aparecer en la máquina Mahavishnu, una agenda de giras agotadora e implacable combinada con el resentimiento de algun miembro por el control dictatorial de John McLaughlin sobre el grupo estaba causando que aumentaran las tensiones en la banda, ya que muchos de los otros miembros sentían que no tenían salida para sus propias composiciones. En medio de todo esto, el baterista Billy Cobham de alguna manera encontró su momento para grabar un álbum en solitario, el titulo “Spectrum” que sigue siendo el mejor y más interesante álbum en solitario hasta el día de hoy de Cobham, un álbum de fusión con una fuerte inclinación hacia el rock y el funk que elimina algunos de los excesos espirituales más floridos de la orquesta en favor de un sonido mucho más centrado en el groove pero con presagios del sonido que los jóvenes DJ hambrientos en busca de samples pronto explotarían. Cobham reunió una banda eléctrica pobr,  compuesta por el miembro de Mahavishnu Jan Hammer en los teclados, el bajista de sesión Leland Sklar y el héroe de la guitarra que podría haber sido un contendiente Tommy Bolin, quien estaba entre períodos reemplazando a Joe Walsh en James Gang o Ritchie Blackmore en Deep Purple.

“Red Baron” abre con una digna línea de bajo funk de Bootsy-in-the-JB y una fuerte batería de Cobham mientras los teclados y la guitarra duplican el tema principal. La guitarra suena más blues que en el resto del album aquí, un tono menos crujiente pero aún punzante. Los teclados de Hammer también suenan más terrenales que en las otras pistas, e incluso cuando abusa del modulador en anillo, sigue siendo más funky de lo habitual. Mientras tanto, el bajo y la batería están tan encerrados como siempre, Cobham solo rompe el ritmo para agregar algunos redobles y rellenos y acentuar los pasajes al unísono. Una muy buena flauta , arreglos de saxo soprano y fliscorno completan la mezcla. Después de un final falso, la banda continúa con el ritmo antes de que la pista se desvanezca lentamente, llevando el álbum a un buen final.

Aunque Cobham escribió todas las pistas y fue el líder indiscutible de este álbum, siempre me sorprende la atención que brinda a los otros músicos, Cobham logra la hazaña de mostrarle al oyente lo genial que es como baterista sin que nunca sienta que está presumiendo. En cierto modo, este álbum es en realidad más un esfuerzo colaborativo que Mahavishnu, y una parte de mí no puede evitar preguntarse qué habría resultado si Cobham, Hammer, Sklar y Bolin hubieran decidido permanecer juntos. Pero claro, la historia del rock está llena de "¿Y si?", ¿no es así? Poco después del lanzamiento de “Spectrum”, la Orquesta Mahavishnu original se disolvió y Cobham comenzó una larga y variada carrera en solitario. A pesar de varios buenos momentos, ninguno de sus álbumes en solitario igualó la potente mezcla de actitud rockera, virtuosismo del jazz y puro groove de su debut que sólo un baterista podría aportar como líder de banda, y sigue siendo uno de los mejores álbumes de fusión de todos los tiempos, antes de que el alcahuete comercial ahogara el vida de un género que alguna vez fue prometedor.


jueves, 5 de octubre de 2023

1008.- Reelin' in The Years - Steely Dan

 

Reelin' In The Years


     En noviembre de 1972 la banda de rock estadounidense Steely Dan lanza su álbum debut, Can't Buy a Thrill. El disco es grabado en los estudios The Village Recorder de Los Angeles, California, bajo la producción de Gary Katz, y publicado en agosto de 1972 bajo el sello discográfico ABC Records. Está considerado uno de los discos más eclécticos de la banda, merced a su mezcla de sonidos que abarcan, soft rock, folk rock, jazz-rock y pop, y a unas letras muy filosóficas. El disco alcanzó un notable éxito comercial, llegando a alcanzar el puesto número 17 en las listas de ventas de Estados Unidos.

Este disco es el único que presenta a David Palmer como vocalista, ya que fue reclutado después de que Donald Fagen expresara su preocupación a la hora de cantar en directo. Fagen fue convencido posteriormente para que asumiera el papel de vocalista principal en los siguientes discos. Estamos ante un disco con aroma a suave rock en el que se entremezclan otros elementos como el mambo, el swing, el jazz y los elementos latinos. En cuanto al título del álbum, es una referencia a la primera línea de la canción de Bob Dylan It Takes a Lot to Laugh, It takes a Train to Cry. La portada del disco presenta un fotomontaje realizado por Robert Lockart que incluye una imagen de una fila de prostottas paradas en una zona de Rouen, Francia, esperando clientes. Esta portada fue prohibida en España y sustituida por una fotografía de la banda tocando en concierto. 

Incluido en este álbum se encuentra Reelin' in the Years, que fue lanzada como segundo sencillo del disco. La canción llegó a alcanzar el puesto número 11 en la lista estadounidense Billboard Hot 100, y el puesto número 15 en las listas de Canadá. La canción nos habla sobre recordar momentos con una novia y también trata de una ruptura romántica. Curiosamente, este tema está dentro del estilo de canciones más populares de la banda, pero de las que menos gustaban a la banda, que la consideraban como una canción tonta pero eficaz. 

Steely Dan era conocido por su meticuloso trabajo con el sonido, cada nota debía ser perfecta. Esta canción a veces a sido criticada precisamente por eso, por incluir música convencional de los 70 demasiado pulida. El sólo de guitarra fue grabado por el músico de sesión Elliot Randall, que no era miembro del grupo y que había pasado por el estudio por invitación de Skunk Baxter mientras estaban grabando. Acabó tocando el solo de guitarra y fue grabado en una sola toma. La mezcla cuadrafónica de esta  canción tiene rellenos de guitarra solista adicionales de Elliot Randall que no se escucha en la versión estéreo de dos canales. En 1999, en la revista Classic Rock, el guitarrista Jimmy Page llegó a catologar el solo de Randall como su solo favorito de todos los tiempos.

miércoles, 4 de octubre de 2023

1007.- Dirty Work - Steely Dan



"Dirty Work", incluida en "Can't Buy a Thrill" (1972), el disco de debut de la banda de rock y jazz fusión Steely Dan, es una elegante y melodiosa canción que destaca por sus efectivas armonías vocales, sobre una melancólica base musical de guitarras acústicas y órgano.

La voz principal corre a cargo de David Palmer, vocalista invitado para la ocasión, que aporta a la canción la calidez y emoción necesarias. Liderados por Donald Fagen Walter BeckerSteely Dan siempre se caracterizaron por las armoniosas y suaves voces con las que arreglaban sus canciones, y "Dirty Work" no es una excepción a esa regla. 

Aunque a primera vista pueda parecer simplemente una balada suave, "Dirty Work" es una muestra de la capacidad de la banda de escribir canciones que son al mismo tiempo accesibles y emocionalmente profundas. Las letras hablan de un desengaño amoroso, y el protagonista se refiere a la traición de su pareja recordando los "trabajos sucios" que ha realizado a sus espaldas. El mensaje supura tristeza y desamor, pero la interpretación vocal y la melodía suavizan el conjunto y le dan un tono agridulce que se convertiría después en una seña de identidad en muchas otras canciones de Steely Dan.

sábado, 23 de septiembre de 2023

0996 - Miles Davis - On the corner

0996 - Miles Davis - On the corner

Miles Davis, un ícono indiscutible del jazz, sigue cautivando a oyentes de todas las generaciones con su innovadora obra "On the Corner". Lanzada en 1972 como parte del álbum homónimo, esta canción encarna la vanguardia y la audacia que caracterizaban a Miles Davis.

En "On the Corner", Miles Davis se aventura audazmente en terrenos desconocidos, fusionando el jazz con elementos del funk, rock y música electrónica, lo que en su momento generó controversia y desconcierto entre los puristas del jazz. La canción se caracteriza por su estructura en capas, donde se superponen grooves rítmicos y líneas melódicas que se entrecruzan de manera caótica y, sin embargo, cohesiva. La incorporación de sintetizadores y efectos electrónicos, considerados arriesgados en ese momento, aporta una textura única y una sensación futurista a la música.

La innovación de "On the Corner" radica en su enfoque repetitivo y hipnótico, que refleja la influencia de la música minimalista y las tendencias vanguardistas de la época. Esta elección estilística permite a Davis explorar las posibilidades de la improvisación, convirtiendo la canción en una plataforma para la expresión individual de los músicos. Los solos de trompeta de Davis son destellos de genialidad, donde su característico sonido melancólico se entrelaza con la frenética energía de la música de fondo.

La pieza evoca una atmósfera urbana y frenética, como si fuera una banda sonora de la vida en la ciudad. Los ritmos infecciosos y las capas de sonido en constante cambio reflejan la agitación y el ritmo acelerado de la vida moderna. Es como si Miles Davis hubiera capturado la esencia misma de la ciudad en su música, transformando los sonidos y el caos en una forma de arte sonora.

Aunque inicialmente incomprendida, "On the Corner" ha resistido el paso del tiempo y ha ganado reconocimiento como una obra maestra de la experimentación musical. Su influencia se extiende a lo largo de géneros y generaciones, inspirando a músicos de diversas disciplinas a abrazar la exploración y la innovación en su propio trabajo.

En conclusión, "On the Corner" es un testimonio del genio creativo de Miles Davis y su disposición a desafiar las convenciones artísticas. La canción sigue siendo un monumento al poder de la experimentación y la audacia en la música, y una ventana a la mente de un músico legendario que nunca temió explorar lo desconocido.

Daniel 
Instagram storyboy 

domingo, 28 de mayo de 2023

0878.- You Know, You Know - Mahavishnu Orchestra

 

You Know, You Know, Mahavishnu Orchestra


     Reunámos a 5 auténticos virtuosos de 5 países diferentes y juntémoslos en un estudio, el resultado no puede ser otro que la agrupación Mahavishnu Orchestra con su magnífico e influyente álbum debut The Inner Mounting Flame. Este disco, una gran obra de jazz fusión, fue grabada en agosto de 1971 por John McLaughlin a la guitarra (quien ya había tocado con Miles Davis y Tony Williams), el violinista Jerry Goodman, el tecladista Jan Hammer, el bajista Rick Laird y el baterista Billy Cobham, en los CBS Studios de Nueva York, bajo la producción de John McLaughlin, y publicado ese mismo año por el sello discográfico Columbia Records. Estamos ante un disco con un sonido innovador que combina con maestría elementos de jazz, rock y música clásica, y que además del gran álbum Bitches Brew de Miles Davis, ayudó a definir la fusión del jazz con el rock. El disco combina composiciones originales y arreglos de canciones tradicionales indias y occidentales.

Incluido en este álbum se encuentra You Know, Yow Know, tema instrumental acreditado a McLaughlin y que se caracteriza por su gran complejidad en la estructura musical. La canción comienza con un rabioso riff de guitarra que se convierte en la base y eje principal de la canción, y sobre ese riff la batería de Cobham y el bajo de Laird construyen un magnífico groove rítmico (Muy popular en el jazz, se llama así a la sensación y sentido del swing creado por la interpretación de la música interpretada por la sección rítmica de una banda: bajo eléctrico o contrabajo, guitarra y teclados).Durante la canción experimentamos varios cambios de tempo y ritmo, y presenta partes con solos de guitarra de McLaughlin espectaculares, donde deja muestras de su gran capacidad y habilidad técnica. No en vano, este tema se ha convertido en una de las canciones más icónicas de Mahavishmu Orchestra y de John McLaughlin, y en un claro ejemplo de la influencia de esta banda dentro de la música fusión.

miércoles, 2 de febrero de 2022

0398.- What a wonderful world - Louis Armstrong


Escrita por Bob Thiele y George David Weiss, y ofrecida sin éxito a varios artistas, fue grabada finalmente por primera vez por Louis Armstrong en 1967, surgió como una proclama contra el racismo, que planteaba la necesidad de valorar de manera positiva las cosas simples de cada día, como camino hacia la convivencia y el bienestar. La versión de Armstrong no tuvo éxito en Estados Unidos en el momento del lanzamiento del sencillo, pero alcanzó el nº1 en las listas del Reino Unido.

Veinte años después, y tras ser incluida en la banda sonora de la película Good Morning, Vietnam, se convirtió en un éxito a nivel mundial, con una influencia que perdura hasta hoy, especialmente en lo que al celuloide se refiere, apareciendo en películas de la talla de Doce monos, ¿Conoces a Joe Black?, Madagascar o el documental Bowling for Columbine.

Otras versiones relevantes fueron las de Natalie Cole en 1995 (con Plácido Domingo y José Carreras), Tony Bennett (2002), Joey Ramone (2002), B.B. King (2003), Rod Stewart y Stevie Wonder (2004),  Keane (2007), Katie Melua con Eva Cassidy (2008), o la versión que se interpretó en directo durante la ceremonia de clausura de los Juegos Paralímpicos de Tokio 2020.

martes, 3 de agosto de 2021

0215: Harlem Nocturne - The Viscounts


Harlem Nocturne es un clásico del jazz que data realmente de 1939. El tema original fue escrito por Earle Hagen y Dick Rogers para su orquesta Ray Noble. Desde entonces, son incontables los artistas y grupos que la han versionado. Los propios Viscounts hicieron dos versiones, una primera interpretación del tema en 1959, y la posterior versión que protagoniza estas líneas, que incluso llegó a superar en las listas de ventas las posiciones a las que había llegado su antecesora.

Si os pasa lo que a mí, seguramente conocéis Harlem Nocturne aunque el nombre de la canción os sugiera lo contrario. Los menos jóvenes del lugar, la reconoceréis en la versión que, con Bud Shank al saxo, sonaba como tema principal de Mike Hammer, la mítica serie sobre un detective de Nueva York, dotado de un tremendo gancho con las mujeres, a las que rechazaba con un seductor y elegante: "¿De veras? Tomaré nota". La ironía del destino hacía que la única mujer que realmente le fascinaba, y que aparecía sólo un instante en cada episodio, era la que se le acababa siempre escapando.

Para que no os pase lo que al bueno de Mike Hammer, os recomiendo encarecidamente que, entre tantas versiones de este tema, apuntéis en vuestra lista de canciones para el recuerdo la genial versión de The Viscounts. Y claro está, me entristecería que pasarais olímpicamente de mi recomendación, pero tendría su gracia que lo hicierais con un oportuno: "¿De veras? Tomaré nota".

viernes, 4 de junio de 2021

0155: Hello, Dolly! - Louis Armstrong


"Hello, Dolly!" fue compuesta por Jerry Herman en 1964, alcanzando ese mismo año la fama y el número 1 del Billboard Hot 100 de la mano de la interpretación de Louis Armstrong, cosechando además los premios Grammy a la mejor interpretación vocal y a la mejor canción del año. Este tema fue el mayor éxito en single de toda la carrera de Armstrong, convirtiéndose en la flor más preciada del jardín musical del cantante y trompetista, intérprete de temas como What a wonderful world o When the Saints go marchin' in.

Una bella flor que, sin embargo, no se libró de la polémica por las acusaciones de plagio que alegaban que, anteriormente, había sido un "girasol". El también compositor Mack David demandó a Jerry Herman por los derechos de autor de la canción, alegando que los primeros compases de Hello, Dolly! eran iguales que el estribillo de su canción de 1948 "Sunflower" ("Girasol"). Aunque Herman defendió hasta el final que nunca había escuchado esa canción con anterioridad a la composición de Hello, Dolly!, aceptó llegar a un acuerdo para evitarse todo el ruido mediático que habría supuesto un juicio, y no perjudicar así el devenir comercial de la canción.

miércoles, 14 de abril de 2021

0104: Stan Getz / Charlie Byrd - Desafinado

 

Desafinado, Stan Getz / Charlie Byrd


     En 1962 el saxofonista de jazz estadounidense Stan Getz se asocia con el también guitarrista de jazz estadoundense Charlie Byrd, y juntos publican el álbum Jazz Samba, un disco que marcaría el comienzo de la moda de la bossa nova en Estados Unidos. Stan Getz fue el solista destacado del álbum, y Charlie, quien se sintió atraído por primera vez por la bossa nova durante una gira a Brasil en 1961, le acompañó y se encargó  de los arreglos de los temas.

Stan Getz y Charlie Byrd estuvieron acompañados para la grabación del álbum por los bajistas Keter Betts y Joe Byrd (hermano de Charlie), y los bateristas Buddy Deppenschmidt y Bill Reichebach. El disco fue grabado en los estudios Pierce Hall, de Iglesia Unitaria All Souls, en Washington DC (Estados Unidos) en una sesión el 13 de feberero de 1962, y publicado posteriormente ese mismo año por el sello discográfico MGM / Verve.

Incluido en Jazz samba se encuentra el tema Desafinado, una canción estándard de bossa nova y jazz compuesta por el compositor, pianista, arreglista y cantante brasileño Antônio Carlos Jobim, con letra del músico, compositor y letrista también brasileño Newton Mendonça. Esta versión de Getz y Byrd obtuvo un gran éxito, alcanzando muy buenas cifras en las litas Billboard estadounidenses y el puesto número 11 en las listas del Reino Unido. 

El tema fue compuesto como una respuesta a los críticos que afirmaban que la bossa nova era un género para cantantes que no sabían cantar. Por esta versión de Desafinado, Stan Getz ganaría el premio Grammy a la Mejor Interpretación de Jazz en 1963.

miércoles, 3 de marzo de 2021

0062: So What, Miles Davis

No sabemos que "tipo de tristeza" es la que puede generar la publicación de la que muchos consideran la obra maestra del jazz, pero a veces la tristeza, como el llanto, pueden ser reconfortantes. Así es Kind of Blue ("Una especie de tristeza"), el disco que el genial trompetista grabó en tan solo dos sesiones de estudio repartidas en dos días diferentes (el 2 de marzo y el 22 de abril de 1959) en el estudio de Columbia Records en Nueva York. De las improvisaciones de aquellas dos sesiones históricas, en las que se rodeó de un equipo deslumbrante de músicos de la talla de John Coltrane o Julian "Cannonball" Adderley, entre otros, salieron los cinco temas que componen Kind of Blue

El 2 de marzo se completaron los temas que compusieron la primera cara del disco, que abría con So What ("¿Y qué?"), uno de sus temas más emblemáticos del trompetista, y un claro ejemplo de "jazz modal", el tipo de música con el que Miles Davis estaba entonces experimentando. Comienza con unas líneas del piano de Bill Evans y el contrabajo de Paul Chambers, que junto a la batería de Jimmy Cobb componen el leve colchón rítmico sobre el que se van sucediendo las improvisaciones de Davis, Coltrane y "Cannonball" Adderley. Músicos de primer nivel, siguiendo una consigna de Davis tan sencilla como innegociable. Ninguno de ellos debía ensayar antes de llegar al estudio, y tan solo dispondrían de unos leves bocetos sobre la estructura básica sobre la que giraba la canción.

¿Y entonces, qué? Pues que todos dieron lo mejor de sí mismos, registrando uno de los momentos más brillantes de la historia del jazz, en un tema y un disco que han tenido una enorme influencia en las estructuras y los planteamientos de muchas obras de jazz posteriores. Y, desde luego, si esto es una "especie de tristeza", no hay que perder tiempo en acercar la aguja al disco y comprobar que la tristeza puede ser también una forma impresionante de hacer música.




sábado, 13 de febrero de 2021

0044: You've Changed - Billie Holiday


You've Changed es un tema del disco Lady in Satin, el último disco publicado en vida por Billie Holiday, que salió al mercado en 1958 a través de la discográfica Columbia Records. Su última grabación fue el disco Last Recording que ya vio la luz en 1959, poco después de su muerte, pero fue Lady in Satin su última obra maestra y el mejor de sus últimos discos. Tras una docena de discos para otras discográficas, no estaba del todo contenta con el sonido que había desarrollado en su carrera, y recurrió al productor Irvin Townsend y a la banda de acompañamiento de Ray Ellis para lograr su objetivo de realizar un álbum de sonido bello y delicado, en el que su voz estuviera arropada por una banda de peso y solvencia. 

Holiday lo vivió como un nuevo comienzo para su carrera, y para Ellis fue un honor que una estrella de su categoría conociera a su banda y la eligiera para la grabación del disco. Ambos se volcaron en el proyecto, y Ellis cumplió el deseo de Holiday de sentirse arropada, adaptando los arreglos de las canciones elegidas a la por entonces ya áspera voz de Holiday, dañada tras años de excesos de alcohol y drogas, y nutriendo su orquesta con con hasta cuarenta músicos, incluyendo trompas, cuerdas y una sección de coros para darle al conjunto el empaque que la ocasión requería.

Todo esto puede escucharse, y sentirse, en You've Changed, una canción escrita por Bill Carey con música de Carl Fischer en 1942. La versión de Holiday tiene la intensidad de la voz y el sentimiento de la venerada cantante, y la banda de Ray Ellis la envuelve en ese satén al que hace referencia el título del disco, meciéndola en un suave lecho orquestal, diseñado para hacer especial esta versión de un clásico que ha sido tantas y tantas veces re-interpretado.


PULSA PARA ESCUCHAR EN SPOTIFY

viernes, 5 de febrero de 2021

0036: John Coltrane: Blue Train

 


Seguimos saliéndonos del rock, pero es que la ocasión merece la pena, estamos ante uno de los grandes discos de John Coltrane, quizás el mejor saxofonista tenor que ha dado el Jazz, nacido el 23 de septiembre de 1926 en un poblado llamado Hamlet en Carolina del Norte, su padre fue un sastre que lo motivó a tocar el clarinete. Su madre también tocaba el piano en casa, por lo que siempre estuvo rodeado de música. En 1947 John Coltrane conoció a Miles Davis y tocaron junto a Sonny Rollins en Manhattan. Luego tomaron caminos separados y Coltrane tuvo la oportunidad de tocar con uno de sus ídolos y colega de “Bird” Parker, Dizzy Gillespie. Fue en 1955 cuando volvió a reunirse con Davis hasta que la adicción de Coltrane a la heroína interfirió en su carrera. En ese periodo difícil, John hizo equipo con el pianista Thelonious Monk, a quien se refería como un “arquitecto musical de primer orden”. Sin embargo, Monk, que dirigía su propio grupo de jazz, terminó acoplándose al sonido de Coltrane. Con 32 años de edad, John Coltrane se rehabilitó en su casa, según le gustaba decir 1957 le trajo “por la gracia de Dios” un despertar espiritual que le guiaría a una vida más rica, completa y productiva cuyo primer episodio fue Blue Train que no es sólo uno de los grandes discos de Coltrane, sino uno de los más destacados del jazz de los 50 y, sin exagerar, de toda la historia del género.

 

El disco se abre con el tema que le da el título, una de las composiciones más recordadas y celebradas de John Coltrane, en la que, partiendo de una melodía de blues, desarrolla una asombrosa improvisación con sus inimitables “sheets of sound” pero, también, con Charlie Parker como principal influencia presente. En este tema participa el sexteto al completo, el trompetista Lee Morgan, el trombonista Curtis Fuller, el pianista Kenny Drew, el tono bop de Lee Morgan (que incluso tocaba con una trompeta deformada hacia arriba, como Dizzy Gillespie) y unos soberbios riffs de Paul Chambers. La música que nos ofrecen es puro jazz, con un sonido duro, pero a la vez amable al oído. Una muestra del mejor hard bop. Sus melodías ricamente líricas son instantáneamente identificables por los oyentes veteranos, así como por los aspirantes a estudiantes de saxofón. Pero las canciones del álbum también provocan vagos recuerdos incluso de aquellos no iniciados en el mundo del jazz. La icónica pista principal, uno de los temas más pegadizos de todos los tiempos de Coltrane, podría fácilmente pasar por música de fondo reconfortante en una fiesta ruidosa o servir como un acompañante de jazz para cenar en tonos tranquilos que no alterará las conversaciones a la luz de las velas.

viernes, 22 de enero de 2021

0022: Venus de Milo - Miles Davis




Venus de Milo es una de las canciones más destacables del disco Birth of The Cool de Miles Davis, publicado en 1957 en el sello Capitol. La historia de la canción se remonta a finales de los años cuarenta, una época en la que el apartamento de Gil Evans en la calle 55 de Nueva York era un lugar frecuentado por muchos músicos de jazz, que siempre encontraban la puerta abierta para pasar el rato improvisando con sus instrumentos. Varios de aquellos músicos (John Carisi, George Russell, John Lewis, Johnny Mandel y Gerry Mulligan) decidieron formar un grupo, y pensaron en Miles Davis como trompetista principal. Gerry Mulligan compuso la mayor parte del material para aquel grupo, incluyendo una canción llamada Venus de Milo, que acabaría formando parte del disco Classics in Jazz: Miles Davis, una primera versión, de solamente ocho temas, de lo que después sería Birth of the Cool. 

Venus de Milo es una grabación particularmente compleja, debido a la inclusión de una trompa y una tuba, instrumentos que tienen prestaciones más lentas que las del saxofón o la trompeta, por lo que fueron necesarios muchos ensayos y varias tomas para lograr ajustar toda la sección de vientos y lograr la ligereza en el ritmo que Mulligan había imaginado para la canción. Formó parte tanto de la primera versión del disco, como de la versión definitiva de 1957, ya bajo el título de Birth of the Cool, y con los once temas que se grabaron para el disco, entre los años 1949 y 1950 en los estudios WMGM de Nueva York.

La crítica trató bien a ambas versiones del disco, considerando la obra final como una de las referencias clave del jazz, creada por un Miles Davis inquieto y veinteañero, que se rodeó de solventes músicos de la efervescente escena jazz neoyorkina, para plasmar en el disco sus pioneras ideas sobre la improvisación, aplicando ese particular tratamiento a temas como Move, Jero, Budo o la ya mencionada Venus de Milo.

PULSA PARA ESCUCHAR E SPOTIFY

lunes, 18 de enero de 2021

0018: Brilliant Corners - Thelonious Monk




Brilliant Corners es la canción que da título al tercer álbum del músico de jazz Thelonious Monk. Publicado por Riverside Records en 1957, fue el primero en el que este reconocido músico de jazz incluyó composiciones propias. Para la interpretación de la canción, tanto el perfeccionismo del artista como la complejidad que quiso darle al tema principal del disco, desembocaron en largas sesiones que dieron como fruto una gran cantidad de tomas previas, cuando para el resto del álbum  se destinaron solamente algunas sesiones adicionales. Sólo para la melodía, se realizaron 25 tomas incompletas, y la versión final de la misma se construyó mezclando varias de esas tomas.

La canción se basa en una melodía de 22 compases extraordinariamente compleja, con una estructura bastante alejada de los arquetipos de las composiciones de jazz o de blues de la época. El esfuerzo acabo mereciendo la pena, porque Brilliant Corners fue aclamado por la crítica especializada, que lo consideró como la cima creativa de su carrera hasta ese momento. Thelonious Monk se labraría desde entonces una merecida fama de músico de jazz arriesgado, y que aportaba un registro muy diferente a todo lo que se hacía por entonces.

El resto de canciones del álbum tampoco desmerecían en términos de calidad, con temas también destacables como Pannonica, Bemsha Swing o la elegante versión de I surrender dear, esta última con Monk en solitario al piano. Y como prueba de su relevancia, cabe mencionar que fue incluido en el Salón de la Fama de los Grammy en 1999, y que forma también parte de los "1001 discos que hay que escuchar antes de morir" de Robert Dimery. En definitiva, estamos ante una canción y un disco que, vistos desde cualquiera de sus múltiples "vértices" o "esquinas" musicales, resultan siempre igual de brillantes.

PULSA PARA ESCUCHAR EN SPOTIFY

jueves, 14 de enero de 2021

0014: Cheek to Cheek - Ella Fitzgerald and Louis Armstrong



"En el el cielo, estoy en el cielo",
escuchando a Ella Fitzgerald y Louis Armstrong en "Ella and Louis", uno de los varios discos que realizaron juntos la genial cantante y el virtuoso trompetista en la década de los cincuenta para Verve Records, y que tiene en el tema Cheek to Cheek su pieza más representativa y más conocida. La habéis escuchado en multitud de películas y anuncios televisivos, y en cada una de sus escuchas, la característica voz rota de Louis Armstrong y la aterciopelada garganta de Ella Fitzgerald nos siguen transportando a ese cielo idealizado, que el autor de la canción sintió al bailar "mejilla con mejilla" con su anónimo amor.

Para grabar las canciones que componen el disco, en su mayoría duetos en los que siempre había además espacio para los solos de trompeta de Armstrong, se rodearon del cuarteto de Oscar Peterson, formado por Ray Brown al contrabajo, Herb Ellis a la guitarra, Buddy Rich a la batería y el propio Peterson al piano. Temas como Can't we be friends, Moonlight in Vermont, Tenderly o April in Paris son igualmente destacables, pero fue Cheek to Cheek la que trascendió más allá de las fronteras de una obra conjunta que fue grabada con la delicadeza y virtuosismo de dos monstruos del jazz vocal en estado de gracia.

Para crear la base del disco, Norman Granz (fundador de Verve Records) seleccionó las once piezas, principalmente baladas, para que Fitzgerald y Armstrong añadieran su genial interpretación. El éxito del disco fue tal, que generó hasta dos secuelas posteriores: Ella and Louis again y Porgy and Bess, y las tres obras fueron publicadas posteriormente en conjunto, para hacer las delicias de los seguidores de estos dos grandes intérpretes y de la saga de sus discos a dúo, prolongando al máximo el efecto "cielo" que producía bailar "mejilla con mejilla" mecidos por su música.

PULSA PARA ESCUCHAR EN SPOTIFY