1153.- Jolene - Dolly Parton

"Jolene" es una icónica canción country escrita e interpretada por la legendaria artista Dolly Parton, lanzada en 1973 como el sencillo principal de su álbum del mismo nombre, "Jolene" se ha convertido en uno de los himnos más reconocidos del género y un hito en la carrera de Parton. Con su poderosa narrativa y su distintiva melodía, la canción ha perdurado a lo largo de los años, resonando en diversas generaciones y estableciéndose como un clásico de la música popular. La génesis de la canción se situa cuando Dolly Parton estaba promocionando su carrera en un programa de televisión de música country a fines de la década de 1960, solía firmar autógrafos todas las noches después de la transmisión. Una noche, al bajar del escenario y encontró a una niña de unos 8 años que tenía un bellísimo cabello rojo y unos enormes ojos verdes que estaba esperándola mientras la miraba fijamente, según se acercaba la niña le dijo “Dolly un autógrafo por favor”, Parton se acercó y le comento “eres la cosita más bonita que he visto en mi vida, ¿cómo te llamas?” Y ella dijo: “Jolene”. Y Dolly repitió seguidamente: “Jolene. Jolene. Jolene. Jolene”, penso 'Eso es bonito. Suena como una canción. Voy a escribir una canción sobre eso'". Hay otra versión menos romántica donde Parton asegura que obtuvo la historia de su canción de otra pelirroja en su vida: una cajera de banco que le estaba dando al nuevo marido de Parton un poco más de interés del que tenía por venir. "Ella se enamoró terriblemente de mi marido", dice Parton. "Y a él le encantaba ir al banco porque ella le prestaba mucha atención. Era como una broma entre nosotros, cuando yo decía. Cuando Parton lanzó "Jolene" en 1973, se convirtió en uno de sus primeros sencillos de éxito. La canción tiene sólo 200 palabras y muchas de ellas están repetidas. Pero Parton dice que esa misma simplicidad, junto con la inquietante melodía de la canción, es lo que hace que el personaje de "Jolene" sea memorable.

La letra de "Jolene" narra la angustiosa súplica de una mujer hacia otra, identificada como Jolene, quien posee una belleza deslumbrante que amenaza con robarle a su marido. Parton, en su interpretación, personifica la vulnerabilidad y el temor de perder a su pareja ante esta figura enigmática, la canción está impregnada de una profunda emotividad, con letras que expresan la agonía y el deseo de preservar el amor ante la amenaza de la seductora Jolene. Uno de los aspectos más destacados es su melodía inconfundible. Con un ritmo distintivo de guitarra y un patrón de acordes que evoca un sentido de urgencia, la canción cautiva desde los primeros compases. La voz de Parton, con su tono emotivo y penetrante, transmite a la perfección la intensidad emocional del conflicto narrado en la letra. La combinación de la instrumentación con la expresividad vocal de Parton crea una atmósfera única que atrapa al oyente y lo sumerge en la historia. Además de su impactante música, "Jolene" destaca por su capacidad para explorar temas universales como los celos, la autoestima y la inseguridad en las relaciones. A través de la historia de la protagonista que ruega a Jolene que no le robe a su amante, la canción aborda la complejidad de los sentimientos humanos y las luchas internas que surgen en el amor y la atracción, esta profundidad temática ha contribuido al duradero éxito de "Jolene" a través de los años, ya que sigue siendo relevante y conmovedora décadas después de su lanzamiento.

1147.- Love Hurts - Gram Parsons

A Gram Parsons se le ha atribuido que fue la maxima influencia para el nacimiento del country rock de los 70 y el movimiento de country alternativo de comienzos de los 90. Sticky Fingers (The Rolling Stones) Sweet Heart of the Rodeo (Byrds) o The Gilded Palace of Sin (Flying Burrito Brothers) tuvieron participación directa o indirecta de Gram Parsons, y dejó su impronta en estos y en otros proyectos antes de lanzarse a su debut discográfico en solitario: GP (Reprise, 1973). Poco antes, Gram Parsons estaba completamente desahuciado, destrozado por el alcohol y las drogas, había abandonado o le habían hecho abandonar todas las bandas por las que había pasado: International Submarine Band, The Byrds, The Flying Burrito Brothers, además se había visto apartado del círculo íntimo de los Rolling Stones (había hecho amistad con Keith Richards) y contemplaba con cierta envidia el ascenso meteórico de los Eagles, que utilizaban algunos de los argumentos musicales que él había desarrollado. Gram Parsons era un niño de Florida con raíces en el sur de Georgia y, como muchos de sus compañeros musicales, el consumo crónico y excesivo de alcohol y drogas le provocó una muerte prematura.

'Love Hurts' de Gram Parsons y Emmylou Harris fue publicada en 1974 como parte del segundo álbum 'Grievous Angel' de Gram Parsons. La canción fue escrita y compuesta por el compositor estadounidense Boudleaux Bryant y grabada por primera vez por The Everly Brothers en julio de 1960. Quizás recuerdes que Roy Orbison también la versionó en 1961. Para la grabación de Grievous Angel, Gram Parsons convocó nuevamente a su compañera y amiga Emmylou Harris, a varios miembros de la "Hot Band" de Elvis Presley, entre ellos James Burton y Glen Hardin y algún invitado ocasional (como Bernie Leadon y Linda Ronstadt) con los que grabó su segundo Álbum en solitario para Reprise Records. La canción aunque ya la conocemos todos es sensacional, las voces del duo se compenetran de manera fantástica y gran parte del merito es de las maravillosas armonías vocales de Emmylou Harris también añaden mucho a la brillantez del álbum Era una cantante folk desconocida de Alabama hasta que Chris Hillman sugirió que la abuela debería grabar con ella. Cantar el primer álbum de Gram la atrajo a la música country y desde entonces ha sido una de las artistas más importantes del género. Las maravillosas armonías vocales de Emmylou Harris también añaden mucho a la brillantez del álbum. Era una cantante folk desconocida de Alabama hasta que Chris Hillman sugirió que Parsons debería grabar con ella. Cantar en el álbum de Gram la atrajo a la música country y desde entonces ha sido una de las artistas más importantes del género. Las maravillosas armonías vocales de Emmylou Harris también añaden mucho a la brillantez del álbum. Era una cantante folk desconocida de Alabama hasta que Chris Hillman sugirió que la abuela debería grabar con ella. Cantar el primer álbum de Gram la atrajo a la música country y desde entonces ha sido una de las artistas más importantes del género.

Después de la triste muerte de Gram por una sobredosis en 1973, Emmylou hizo de la canción un elemento básico de su repertorio y la ha incluido en sus listas de conciertos desde la década de 1970 hasta el presente. Desde entonces, ha regrabado la canción dos veces.

1078.- Honky Tonk Heroes - Waylon Jennings

Si eres fanático de la música country Outlaw y de Waylon Jennings, entonces probablemente conozcas la historia de su histórico álbum de 1973, Honky Tonk Heroes, con todas las canciones de Billy Joe Shaver excepto una, es uno de los álbumes definitorios de la era Outlaw, puso a Billy Joe Shaver en el mapa y sigue siendo tremendamente influyente incluso hoy en día siendo posiblemente uno de los álbumes country más importantes de todos los tiempos. Pero sin dar por sentado que algunos no conocen la historia, aquí hay un repaso rápido: Billy Joe Shaver estuvo en la reunión Dripping Springs de Willie Nelson en las afueras de Austin en 1972, también conocido como Hillbilly Woodstock, mientras pasan el rato detrás del escenario, Shaver interpreta “Willy the Wandering Gypsy and Me” y Waylon Jennings lo escucha, quedó tan impresionado que invita a Billy Joe a Nashville para escribir canciones juntos. Waylon Jennings pasó los siguientes seis meses esquivando al viejo Billy Joe Shaver, hasta que Billy Joe, que se empeñó tanto en mostrarle a Waylon sus canciones, lo aborda en el pasillo del estudio y le dijo a Waylon que si no escuchaba sus canciones, le patearía el trasero allí mismo, delante de Dios y de todos. Waylon intentó darle 100 dólares para que se fuera, pero Shaver persistió. Finalmente, después de que Shaver lo derribara, Waylon escuchó y decidió grabar un álbum completo de canciones de Billy Joe Shaver. Pero este no fue el final de la historia, Waylon Jennings acababa de ganar el control creativo de RCA Records después de años de estar bajo el control opresivo del productor Chet Atkins. Ahora que Waylon podía hacer lo que quisiera (que en ese momento era grabar un álbum de canciones de Billy Joe Shaver), pensaba que estaba libre de que la gente le dijera qué hacer. Pero Billy Joe Shaver tenía otras ideas.

El 21 de febrero de 1973, Waylon Jennings estaba en el estudio grabando la canción principal de Honky Tonk Heroes . Billy Joe Shaver también estaba en el estudio y no estaba nada contento con lo que Waylon estaba haciendo con su canción, “Honky Tonk Heroes”, necesita un enfoque muy poco convencional del ritmo para una canción country, la canción comienza de manera bastante tradicional para una canción country, pero 90 segundos después, se lanza a un sonido de estilo rock más agresivo y eléctrico, al final, la canción desciende a un tiempo de medio tiempo. Ese ritmo del medio tiempo al final de “Honky Tonk Heroes” fue quizás una de las partes más históricas e influyentes de todo el álbum. Pero Billy Joe Shaver no quería saber nada de eso, se acercó y dijo: '¿Qué estás haciendo? Estás jodiendo mi canción. Las cosas no son así, Waylon y Billy Joe se ponen a gritase el uno al otro”. Billy Joe Shaver había consegudo que un importante artista country grabara un álbum completo con sus canciones, y corre el riesgo de arruinarlo "Billy Joe no entendía la forma en que lo estábamos armando..." explica Richie Albright.  Waylon Jennings en su autobiografía. “Así surgió el concepto de 'Honky Tonk Heroes'. Billy Joe hablaba como hablaría un vaquero moderno, si saliera del Oeste y viviera hoy. Dominaba la jerga de Texas, su mundo era tan realista y realista como el día era largo, y llevaba su estrella solitaria como una insignia”. Más tarde, a medida que avanzaba la sesión, Billy Joe Shaver finalmente vio la visión más amplia que tenían en mente, y quedó deslumbrado. La historia tanto de la canción “Honky Tonk Heroes” como del álbum ilustra cómo a veces a través del conflicto puede surgir una gran creatividad. Si Billy Joe Shaver nunca hubiera abordado a Waylon Jennings en ese pasillo, quién sabe qué pudo haber pasado con el movimiento Outlaw. Y si “Honky Tonk Heroes” nunca se hubiera grabado como lo fue con los inusuales cambios de hora, tal vez el álbum no habría sido tan bien recibido e influyente como finalmente lo fue y sigue siendo.

1036.- Tie a Yellow Ribbon Round the Ole Oak Tree - Tony Orlando

 

“Tie a Yellow Ribbon Round the Ole Oak Tree” de Tony Orlando estuvo 11 semanas en el número 1 de la lista Billboard durante 1973. La canción se convirtió en un fenómeno cultural, hasta el punto de que las emisoras de radio rogaban a los oyentes que dejaran de llamar para pedirla. La inspiración de la alegre melodía pop llegó más de cien años antes de que los compositores decidieran escribir esta canción a principios de los años 70. Sin embargo, todavía se hace referencia al símbolo titular gracias a la influencia de la canción.

El símbolo de la cinta amarilla se remonta al siglo XIX. Una historia de amor publicada en Reader's Digest sobre la época de la Guerra Civil es lo que impulsó por primera vez a los compositores L. Russell Brown e Irwin Levine a escribir esta canción. "Había un artículo... trataba sobre un soldado que regresaba a casa de la prisión de Andersonville durante la Guerra Civil y se dirigía a Pensilvania. Le dijo a su chica en una carta: "Lo entenderé si debo quedarme en la diligencia". Pero si no debería, ata un gran pañuelo amarillo en el gran roble en las afueras de la ciudad. Y entonces sabré que si está ahí, debería largarme, pero entenderé que encontraste a alguien más en los últimos tres años." La canción sigue una historia similar, la letra cuenta la historia de un hombre que pasó tres largos años en prisión y ahora intenta hacer un balance de su relación. Utiliza la cinta amarilla como señuelo para saber si es bienvenido o no a casa. A pesar de cualquier inquietud, el hombre se asoma por la ventana del autobús y ve 100 cintas atadas alrededor del árbol para darle un final conmovedor.

 El trabajo vocal de Tony Orlando es sólido como siempre, y me gustan mucho las flautas de Telma y Joyce, así como la hermana de Joyce, Pamela, como acompañamiento. Todo encaja muy bien en este tipo de narración. La música está bien, aunque no sea nada especial. Las cuerdas en el coro y ese pequeño riff (¿suena como si lo tocara algún tipo de órgano?) son realmente agradables. Sin embargo, todo es un poco ñoño debido a las voces.

0862.- Coat of Many Colors - Dolly Parton

Si bien a Dolly Parton se la reconoce como una de las artistas más icónicas de la música country, y de toda la música popular, como puede atestiguar su incorporación al Salón de la Fama del Rock & RollDolly Parton y que tuvo una serie de éxitos a finales de los años 60 como compañera de dúo de Porter Waggoner , pero el éxito en solitario no le llego hasta su álbum de 1971 Coat of Many Colors. La música está muy arraigada en su familia y aunque muchos jugaron un papel importante en el éxito de Dolly, ella le da casi todo el mérito a su tío Bill Owens por ayudarla a iniciarse en el negocio de la música. Ambos compositores lanzaron canciones en Nashville sin éxito y Parton comenzó a cantar en pequeños locales. A principios de 1965, tanto Parton como Owens finalmente encontraron trabajo cuando Fred Foster los contrató para Combine Music donde publicaron varios albums. Estos discos atrajeron la atención de la estrella del country Porter Waggoner, quien buscaba contratar a una nueva cantante para su programa de televisión, Parton aceptó la oferta y comenzó a aparecer en el programa el 5 de septiembre de 1967 aunque la audiencia de Waggoner tardó en simpatizar con Parton. RCA Records lanzó su primer sencillo a dúo con Porter Waggoner, una versión de la canción de Tom Paxton 'The Last Thing on My Mind', que se lanzó en 1967 y alcanzó el top ten del país a principios de 1968. Los siguientes seis años fueron testigos de una inquebrantable los diez mejores sencillos de esta asociación.

Coat Of Many Colors fue un sencillo Top Ten, y efectivamente se convirtió en su canción insignia, lanzada en septiembre de 1971 como el segundo sencillo y tema principal del álbum del mismo nombre, es un astuto ejemplo de percepción autobiográfica, contada desde una perspectiva personal mientras comparte lecciones que son universales en una extensión más amplia de emociones. De hecho, pocas canciones comparten sentimientos tan singulares y revelan tanto sobre el artista que las ofrece. La narración es simple pero directa, extraída de la educación rural de Parton como uno de los 12 niños criados en una cabaña de una habitación en las montañas del este de Tennessee. Como muchas familias de los Apalaches, los Parton eran personas empobrecidas que apenas tenían medios para sobrevivir, esos recuerdos de sus raíces rurales siguen siendo parte integral de su personalidad, que la define aún hoy. La canción en sí se inspiró en circunstancias de la vida real, su madre recibió una colección de trapos de varios colores y posteriormente los usó para coserle a su hija, Dolly, un abrigo multicolor mientras le contaba una historia bíblica sobre Jacob dándole a su hijo favorito José su propio abrigo de muchos colores. Parton estaba encantada, pero cuando se puso el abrigo en la escuela, sus compañeros de clase se burlaron de ella porque se enorgullecía tanto de un abrigo que consistía en harapos. Parton recordó cómo viajaba con su compañero Porter Waggoner en su autobús de gira, cuando de repente se le ocurrió la canción, sin nada en qué escribir, tomó un recibo de tintorería que encontró en uno de los elaborados trajes de escenario.

0537.- Hot Burrito n° 1 - Flying Burrito Brothers

 

Hot Burrito n° 1, Flying Burrito Brothers

     Aparece en escena la banda estadounidense de country rock The Flying Burrito Brothers. La banda, formada en 1968, debuta con su primer álbum de estudio en 1969, llamado The Gilded Palace Of Sin. El disco fue grabado ente noviembre y diciembre de 1968 en los estudios A&M de Hollywood, bajo la producción del grupo y de Henry Lewy y Lary Marks, y publicado el 6 de febrero de 1969 bajo el sello discográfico A&M.

El disco no fue precisamente un gran éxito comercial, alcanzando únicamente el puesto 164 en la lista de ventas estadounidense Billboard 200, pero el trabajo del grupo, y especialmente de sus compositores principales, Gram Parsons y Chris Hillman, fusionando fuentes tradicionales folk y country con otros estilos como soul, gospel y rock psicodélico hizo que este disco fuera considerado como imprescindible en la era del rock de los años 70. Tanto es así que este álbum fue incluido por la prestigiosa revista Rolling Stone en el puesto 192 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos del año 2012, y el el puesto 462 en la lista elaborada por la misma revista en el año 2020. 

Incluido en este álbum se encuentra el tema Hot Burrito #1, compuesto por los componentes de la banda Chris Ethridge y Gram Parsons. Según Chris Hillman, Gram Parsons escribió esta canción basándose en la ruptura que sufrió con su por entonces novia, llamada Nancy, en 1968, y con quien había tenido una hija llamada Polly. aunque nunca se llegaron a casar, Nancy había tomado el apellido de Gram, Parsons. De ahí la letra, donde Gram deja claro que no puede soportar la idea de su chica en brazos de otro hombre. La canción fue escrita mientras la banda residía en la casa de Gram Parsons, ubicada en el valle de San Fernando, y conocida como Burrito Manor. A pesar de no tener mucho impacto en aquel momento tanto la canción como el álbum, el grupo pasó a convertirse rápidamente en un grupo de culto por quienes los escuchaban, incluyendo a artistas de la talla de Bob Dylan y The Rolling Stones entre otros.

0344.- I’m a lonesome fugitive - Merle Haggard

 
Merle Haggard, fue uno de los arquitectos del "Bakersfield Sound", llamado así por la ciudad de California en la que nació en 1937. Etiquetado como un "rebelde de sombrero negro", fue considerado el campeón de la música country de los desamparados. Comenzó su vida con su familia en un vagón de ferrocarril reconvertido en las afueras de Bakersfield, su padre consiguió un trabajo en el ferrocarril de Santa Fe, contribuyendo así a la obsesión de Haggard por los trenes de toda la vida. Le regalaron una guitarra a la edad de 12 años y aprendió a tocar escuchando discos de Bob Wills, Lefty Frizzell y Hank Williams. La devastadora muerte prematura de su padre cuando Haggard tenía 9 años ya lo había puesto en un camino que lo llevó a varios períodos en varios centros de detención de menores y cárceles locales, terminando en la prisión de San Quentin hasta 1960. Allí, comenzó a tocar en la banda country de la prisión. Dos acontecimientos marcaron de un tajo la vida Haggard: primero, la muerte de su padre a causa de un derrame cerebral, cuando Merle apenas tenía nueve años, lo que lo llevaría a alternar su afición por el violín con el robo, y a pasar su adolescencia entre la calle y reformatorios hasta ser condenado a 15 años de prisión por intentar robar, borracho, una cafetería cuando tenía 21. Y segundo, ser testigo de un concierto de Johnny Cash en la prisión de San Quintín, en 1958, donde cumplía condena, en 1960 salió libre bajo fianza convencido de lo que quería a hacer para siempre. Y eso hizo, Haggard regresó a Bakersfield y empezó a escribir canciones que narraban con una crudeza devastadora la vida de los reclusos, de los pobres, de los desdichados, incluso desde la nostalgia más tradicional. La temática y la sonoridad de sus canciones, en donde la Fender Telecaster alcanzaba protagonismo, eran la cara contraria a la exuberancia del sonido dulzón de Nashville, y eso llamó la atención de muchos. Entre 1966 y 1969, junto a su banda The Strangers, editó cuatro discos esenciales para la historia de la música popular del siglo XX: I’m a lonesome fugitive, Branded man, Sing me back home y Mama tried que, además de resultar exitosos comercialmente, le dieron forma a un nuevo estilo en el country que impactó de forma contundente en el rock.

 

I’m a lonesome fugitive fue escrita por Liz Anderson y Casey Anderson (padres de la cantante de música country Lynn Anderson ) . Fue lanzada como el primer sencillo y canción principal del álbum I'm a Lonesome Fugitive y le otorgo el primer número uno de Haggard and The Strangers en la lista de sencillos country de EE. UU. Los Anderson escribieron la canción y habiendo estado en la cárcel en numerosas ocasiones, Haggard sintió una conexión instantánea con la canción. Recitando la letra, Haggard se mete en los zapatos de un convicto fugitivo, un papel que había desempeñado en la vida real varias veces. Dividido entre la libertad y el deseo de establecerse, Haggard estaba 'resignado a vivir una vida solitaria en la carretera como una "piedra rodante". Esta fue su primera canción sobre presos, un tema que volvería a visitar muchas veces durante los próximos 40 años. La canción se creo inspirada en la popular serie de televisión "The Fugitive" donde no se revela si el antagonista es culpable o injustamente acusado, lo que contrasta con las últimas canciones de prisión de Haggard, en las que el narrador suele ser culpable y arrepentido. Con este tema Haggard consolidó su imagen como un chico malo arrepentido, atrapado entre un ángel y un diablo que tiene posado en cada hombro.

 

0122: Ring of fire - Johnny Cash

 

Lanzado el 19 de abril de 1963, "Ring of Fire" fue uno de los mayores éxitos de Cash y apareció en el álbum Ring of Fire: The Best of Johnny Cash. La canción fue coescrita por la futura esposa de Cash, June Carter, y la compositora y productora Merle Kilgore. A Carter supuestamente se le ocurrió la idea de "Ring of Fire" mientras conducía una noche, pensando en el hecho de que se sentía atraída por este hombre peligroso, a pesar de su estilo de vida salvaje y confuso. Ella no pudo resistirse a él. Carter, que se casaría con Cash cinco años después, supuestamente tomo el título de la canción de un libro de poesía isabelina que pertenecía a su tío. Sin embargo, no escribió la canción con la intención de que fuera para su futuro esposo, sino para su hermana, Anita Carter, quien grabó una versión de la canción bajo el título “(Love's) Ring of Fire”. Cuando la escucho a Cash le gustó la canción y quiso hacer su propia versión. Le dijo a Anita que le daría a su versión seis meses y que si no se convertía en un éxito, la grabaría a su manera.

 

Así fue que el 25 de marzo de 1963, Johhny Cash entró en el estudio con el legendario productor de country Don Law para grabar su versión de "Ring of Fire", la estructura musical e instrumental de la interpretación más famosa de dicha canción nació en un sueño de Cash, quién cuenta que escucho la canción acompañada de trompetas mexicanas y procedio a hacerla realidad en su version de "Ring Of Fire" en colaboración con su banda Tennessee Three, que contaba con Luther Perkins a la guitarra. Perkins, quien murió trágicamente en 1968 después de quedarse dormido con un cigarrillo encendido, jugó un papel decisivo en la innovación del sonido característico de Cash, “boom-chicka-boom”. Miembro fundador de la banda original de Cash, Tennessee Two, el guitarrista tocó en todas las primeras grabaciones de Cash, incluidas "Folsom Prison Blues", "I Walk the Line" y, por supuesto, "Ring of Fire". Hijo de un predicador bautista, Perkins tenía un estilo de guitarra vibrante y se adaptaba perfectamente a la calidad de tren desbocado de las primeras grabaciones de country con rockabilly de Cash.

 

"Ring of Fire" es una canción perfecta, universalmente identificable, contiene ese acento de la música country, pero también ese ambiente de rock and roll, y también podría ser una visión divina de la relación entre dos íconos de la música (Cash y Carter) que vivieron vidas complicadas, fascinantes y edificantes tanto separados como juntos. Clasificada en el puesto 87 en "Las 500 mejores canciones de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone y en el número 4 en "Las 100 mejores canciones de música country" de CMT, "Ring of Fire" ha inspirado a una legión de versiones de todo el mundo, y se ha convertido en una de las canciones más emblemáticas de la historia de la música y unas de las que más han sido versionadas en otros repertorios, haciéndola suya entre otros Eric Burdon and The Animals, Wall Of Voodoo, Social Distortion, Frank Zappa, Coldplay y muchos artistas más.

0094: Crazy - Patsy Cline

 

Crazy, Patsy Cline

     El 16 de cotubre de 1961, Patsy Cline publica bajo el sello discográfico Decca Records, Crazy, tema que rápidamente se convierte en otro éxito para la cantante estaounidense, considerada como una de las cantantes más influyentes del siglo XX. El tema es grabado el 21 de agosto de 1961 en los Bradley Film and Recording Studio de Nashville, Tennessee (Estados Unidos), bajo la producción de Owen Bradley.

Para la grabación del tema, Patsy cuenta con la colaboración de Harold Bradley al bajo de seis cuerdas, Owen Bradley al órgano, Floyd Cramer al piano, Buddy Harman a la batería, Walter hayners, Randy Hughes y Grady Martin a las guitarras, Bob Moore al bajo, y del grupo The Jordanaires a los coros. El tema había sido compuesto por un deconocido todavía Willie Nelson.

Wilie Nelson, quien por entonces era conocido como Hugh Nelson, por aquel entonces era un compositor en apuros que solía frecuentar el famoso local de música country Tootsie's Orchid Lounge de Nashville, junto con sus amigos Kris Kristofferson y Roger Miller, también desconocidos por entonces. Una noche Nelson conoció al marido de Patsy Cline, Charlie Dick, y decidió mostrarle el tema Crazy  aquella misma noche. Dick esa misma noche se la mostró a su esposa Patsy, quien la descartó automáticamente por no adaptarse a su estilo. Pero a quien si le gustó el tema fue al  porductor Owen Bradley, que cogió el tema y lo adaptó arreglándólo en forma de balada para que Patsy la pudiera interpretar. 

La temática del tema nos habla de una mujer abatida después de perder a su amor quien se ha marcado con otra mujer. En el fondo ella siempre supo que aquello nunca funcionaría, y aún así le cuesta superarlo. Willie Nelson había llamado en un pincipio al tema Stupid, pero lo descartó después de ver la reacción del público al interpretarlo la primera vez. Willie Nelson grabaría posteriormente su propia versión, que se incluiría en su álbum debut, And Then I Wrote (1962).

Dos meses ante de grabarla, Patsy Cline había sufrido un accidente de coche, atravesando el parabrisas del mismo. En la primera sesión de grabación del tema no pudo grabr las notas altas, pues todavía padecía las secuelas de alguna que otra costilla rota. Entonces se decidió que los músicos grabaran sus partes de la canción, y dos semanas después Patsy volvió al estudio y grabó las parte vocales, de píes sujeta por una muletas.

0009 La musica en canciones : I walk the line - Johnny Cash.

Johnny Cash nace en una granja de Arkansas en 1932. Son los años de la Gran Depresión y su infancia fue lugar de penalidades, trabajo duro, la muerte de su hermano mayor en un accidente laboral en un molino le marcaría profundamente. Empezó en la música merced a su madre que le enseña a tocar la guitarra y a aficionarse al góspel

I walk the line fue grabada el 2 de abril de 1956, en un principio Cash soñaba con una balada lenta, pero el productor Sam Phillips le convenció de que hiciera un tema más rápido y fue un acierto absoluto, el single fue número uno durante seis semanas en la lista de música country y llegó a encaramarse al puesto 19 en las listas de pop. La guitarra marcando el “Freight Train” (un ritmo de tren de carga), el juego de bajos, y esa imperturbable y característica voz grave con ese zumbido gutural de Cash eran ingredientes suficientes para el éxito, pero nadie pensaba que iba a llegar tan alta. El tema habla de lo que le supuso al cantante llevar sus días al límite, atrapado en una profunda adicción al alcohol y las anfetaminas, un infierno de donde logró salir gracias al cariño y apoyo incondicional de June Carter, que fue quien recogió los pedazos de su vida y en cierta manera le hizo resucitar, y juntos pasarían el resto de sus vidas y Cash en su autobiografía mencionaría que “….June era mis señales del camino, me hacía alzarme cuando estaba débil, me animaba cuando me desanimaba, y me amaba cuando estaba solo y me sentía desamparado. Es la mujer más grande que jamás he conocido. Nadie más, excepto mi madre, se le acerca….”

 

Estamos ante una canción excelsa, que cuenta con cerca de 160 versiones y regaló a Cash su primer número uno, pero, por encima de esto, fue una de las bases sobre las que Cash asentaría su estilo, unas canciones nacidas del country y con tendencia marcadamente rockabilly. Tal fue el impacto que solo en su año de lanzamiento ya se habían grabado dos versiones, las de Carole Bennett y la de Benny Barnes.

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0003: Katie Dear - The Louvin Brothers.

 

Tragic Songs Of Life

     En esta ocasión nos acercamos al country y al gospel de la mano de The Louvin Brothers, los hermanos Ira y Charlie Louvin, quienes comenzaron su carrera en la década de los 40 interpretando música gospel. Ira tocaba la mandolina y era la voz principal, mientras que Charlie tocaba la guitarra y hacía los coros en un tono más bajo, una fórmula con la que contribuyeron a popularizar dentro del género country la técnica vocal llamada "close harmony" (armonía vocal).

En la década de los 50 su popularidad crece hasta el punto de ser fichados en 1955 por el famoso programa radiofónico de musica country de Nashville Grand Ole Opry, que además era el más antiguo de Estados Unidos. Un año después, y tras una larga lista de sencillos publicados con éxito les llega la oportunidad de grabar su primer disco de larga duración, The Louvin Brothers (1956). 

Ese mismo año publican su segundo álbum de estudio, Tragic Songs Of Life, uno de los mejores discos sin duda de este dúo de hermanos. El disco es el primero que publican con la discográfica Capitol Records, y es un álbum conceptual donde la temática del disco es la tragedia, el desamor, el pecado, la debilidad o el asesinato. Un disco donde encontraremos temazos como Katy Dear, un tema tradicional estadounidense. 

Katy Dear es una balada popular estadounidense y sus orígenes, según los expertos, se encuentran en Gran Bretaña. Este tema tiene una gran cantidad de variaciones bajo títulos diferentes y las letras pueden mostrar variaciones, algunos de los más conocidos son Silver Dagger, Molly Dear o Awake, Awake, Ye Drowsy Sleepers, o la citada Katy Dear. La temática no es otra que una triste historia de desamor con un triste y fatal desenlace. El tema sería grabado por Charlie Louvin para su álbum Sings Murder Ballads & Disater songs, publicado en 2008 bajo el sello discográfico Tompkins Square Records. 

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