sábado, 17 de diciembre de 2022

0716.- Travelin' Band - Creedence Clearwater Revival



Escrita por John Fogerty, la tercera canción de "Cosmo's Factory" (1970), el quinto disco de estudio de The Creedence Clearwater Revival, es una de las canciones clave de un álbum que se ha convertido en un clásico. Fogerty se inspiró en las estructuras musicales y vocales de los viejos temas de rock and roll de los años 50, y especialmente en algunos de los mayores éxitos de Little Richard, para crear un tema sobre una "banda itinerante", que le sirviera para relatar las aventuras y desventuras que vivía como músico en la carretera, cada vez que se marchaba de gira con la Creedance.

Tanto se inspiró Fogerty en canciones como "Good Golly, Miss Molly", que en 1972, dos años después de la publicación de "Cosmo's Factory" los representantes de los derechos de Little Richard le demandaron por plagio, por lo que consideraban excesivas similitudes entre esa misma canción y su "Travelin' Band". Como suele pasar en estos casos, la "banda itinerante" y la "señorita Molly" llegaron a un acuerdo fuera de los tribunales, yendo desde entonces cada una por su lado, y cosechando ambas el éxito y reconocimiento que aún tienen a día de hoy.

The Residents - Duck Stab/Buster & Glen #Píldora15

Podemos considerar este álbum como una gran introducción, aunque un poco incompleta, a una banda que desafía toda descripción, The Residents, el cuarteto anónimo de artistas y músicos de Louisiana, ha creado una variedad de música tan diversa a lo largo de su larga carrera que es muy difícil presentarlos a la gente con seriedad. Duck Stab fue originalmente un EP que luego se combinó con Buster Glenn. para formar un album, toma de Duck Stab las primeras siete pistas, el resto de Buster Glenn y juntos forman una lúcida pesadilla de canciones pegadizas. No estoy seguro si "Duck Stab" es el álbum más accesible en el catálogo de la banda, ya que lo que es "accesible" es subjetivo y todavía se vuelve mas extraño cuando hablamos de The Residents, lo que si puedo afirmar que es probablemente el álbum más convencional que hicieron durante los años 70, las pistas son bastante cortas, la más larga solo dura 3 minutos y medio.


“Constantinople” es uno de los temas que más te pueden abrir los ojos para disfrutar lo que nos espera, inicia el disco con distorsionados y metales acentuados que se complementan con panderetas y un extraño arpegio de sintetizador formando un ritmo pegadizo pero inquietante. Después del caos y la adrenalina del primer contacto, el disco se calma un poco con "Sinister Exaggerator", ofreciendo un ritmo mínimo que se desarrolla lentamente en un tentador plom, convirtiendose en algo casi psicodélico cion la forma en que cada nota se fusiona entre sí. Las voces, a pesar de ser más melódicas y ejecutadas en un tono de voz regular, aún suenan al borde de lo inhumano. "Blue Rosebuds", tiene un gancho cantarín que sirve para cerrar la pista como una canción de amor, pero tiene un verso en el medio que la transforma por completo, desde sus primeros momentos, el estribillo es muy directo y fácil de entender, pero la forma que tiene de sonar la música hace que no suene como la típica canción de amor. “Semolina” es uno de los grandes éxitos del álbum, con estos bajos sutiles pero hipnóticos que van muy bien con la suave melodía, también tiene uno de los estribillos más pegadizos de cualquier canción de Residents, lo que supongo que considerando la mayor parte de su repertorio no es decir mucho. "Birthday boy", trata sobre una persona que quiere que la dejen sola en su cumpleaños, pero nadie lo hace. Esto se comunica no solo en la letra, sino también en el instrumental que se siente como si estuviera hecho para sonar lo más desagradable posible con estos cables que suenan como si estuvieran saliendo de esas cosas que hacen ruido de fiesta y los sintetizadores deformados que yacen debajo de ellos.


Estamos ante un album qe todavía se mantiene como uno de los mejores ejemplos experimentales de los años 70, es un disco que pondrá a prueba tu paciencia. o incluso obligarte a pensar profundamente en ello para disfrutarlo pero a la vez resulta muy divertido con golpes pegadizos, melodías memorables y momentos que son tan extraños que probablemente se quedarán contigo mucho después de que los escuches. Es un punto de partida perfecto para adentrarse en la banda, o incluso en este tipo de música en general. En conclusión, The Residents son una banda con la que siento que siempre me dejara tocado, a veces, resultan demasiado raros, otras veces, traspasan los límites de la música y crean discos que respeto pero que no disfruto mucho. Sin embargo, álbumes como Duck Stab / Buster & Glen son extremadamente agradables incluso a través de todas las atmósferas extrañas, terroríficas y surrealistas que traen consigo.

viernes, 16 de diciembre de 2022

0715-. Ramble Tamble - Creedence Clearwater Revival

 

Ramble Tamble, Creedence Clearwater Revival


     Cosmo's Factory es el quinto álbum de estudio de la banda estadounidense Creedence Clearwater Revival. El disco fue grabado entre 1969 y 1970 en el Wally Heider's Studio de San Francisco, California, bajo la producción de John Fogerty, y publicado el 25 de julio de 1970 por el sello discográfico Fantasy Records. El disco se convirtió en el mayor éxito comercial de la banda tanto en Estados Unidos como fuera del país, llegando a alcanzar el puesto número 1 en las listas de ventas Billboard de Estados Unidos, colocando además tres singles entre los cinco primeros puestos: Lookin' Out My Back Door, Travelin' Band y Up Around the Bend. Fue un hecho sorprendente que el disco se colocara en la décima posición en la lista de soul de Billboard, conviriténdose en todo un hito para una banda de pop/rock. El títitulo del ábum procede de una casa en Berkeley donde el grupo solía ensayar, y John Fogerty era muy insistente a la hora de ensayar casi a diario, por lo que el batería Doug Clifford comenzó a refrirse al lugar como "la factoría".

Cosmo's Factory (1970), para muchos, es considerado como el mejor disco de la banda. Desde que el disco comienza con Ramble Tamble, un increible temazo con tintes folk rock de siete minutos, pasando por la genial versión del tema de Bob Diddley Before your Accuse, la marchosa Travelin' Band, versión del clásico de Roy Orbison, Ooby DoobyLookin' Out My back Door con un toque más clásico y folk, la espeluznante y brutal Run Throug the Jungle, el optimista Up around the Bend, la contagiosa My Baby Left Me, la hermosa y maravillosa Who'll Stop the Rain con toques country, la versión de I Heard It Through the Grapevine con ese solo improvisado que extiende el tema hasta los once minutos, hasta que termina con Long As I Can See the Light, un tema lento, nostálgico y conmovedor, sitúan este disco en lo más alto.

Como hemos comentado anteriormente, el disco abre con Ramble Tamble, una canción de siete minutos increíbles de folk rock de muchos quilates. La canción, compuesta por John Fogerty, fue construída a partir de un único riff de guitarra, con un toque rockabilly pero sin perder la propia esencia y característico sonido de la banda. Gran parte de los 7 minutos que dura el tema son una intensa y brillante sesión de impovisación. En este magnífico tema John nos relata los peligros de un gobierno que en vez de buscar el bienestar de la sociedad, promueve muchas restricciones a la sociedad. La canción fue desarrollada a partir de una anción anterior de la Creedence Clearwater Revival, llamada Commotion, una canción de rock sureño que contenía elementos de sonido rockabilly, de ahí que ese toque se mantenga en Ramble Tamble. Esta canción fue la única de Cosmo's Factory que no fue lazada previamente como sencillo.

Disco de la semana 306: It's Blitz - Yeah yeah Yeahs

 


Estamos ante un giro brusco de una de las bandas que nacieron a la vanguardia del renacimiento del garaje rock a principios de la década, es el momento de abrazar al synthpop por lo que no encontramos hasta la mitad del álbum apenas guitarras y los sencillos editados del álbum fueron los más próximo que habían creado a la estética pop. Mal presagio para el amante de los que piensan que el estilo ni se compra ni se cambia, imagino que si eras seguidor del grupo en aquellos momentos y como ha pasado en este mundial de Qatar, el estilo ni se cuestiona ni se cambia, este álbum probablemente fue una gran afrenta para ti y seguramente lo hayas aparcado e incluso olvidado. Sin embargo, si alguien cae si prejuicio sin duda puedes disfrutar de un disco con sus grandes momentos y como no deleitarse con el magnetismo y la presencia de Karen O.


 Nada más empezar el álbum te das cuenta que el grupo da un giro al electro, nos queda claro desde el primer tema, el single "Zero" donde con ritmos de batería de cuatro en el piso y un taladro neumático de un sintetizador principal que empuja la guitarra normalmente dominante a un segundo plano, un buen beat, la voz de Karen O, la carismática cantante, se ha calmado, y cada uno de sus grititos  parece calculado al milímetro, el enérgico Zero se coloca deliberadamente al comienzo para establecer el tono del álbum y sepamos en el momento que nos vamos a encontrar, oscura y satisfactoriamente diferente, es exactamente lo que esperarías de Yeah Yeah Yeahs y completamente diferente al mismo tiempo; una de esas pistas que, con grandes flechas de neón, señala exactamente lo que habíamos olvidado que nos habíamos perdido. Es imposible no disfrutar de en “Heads Will Roll”, de Karen O usando toda la energía de estrella de rock que había desarrollado durante la última década, para montar un maldito espectáculo como esta nueva especie de baile, es la canción que realmente da al disco un nivel más alto para mí fue su madurez y dolorosa vulnerabilidad. Contada desde el punto de vista de la Reina de Corazones de Alicia en el País de las Maravillas, Heads Will Roll está dirigida por el bramido de Karen O de "¡Que te corten la cabeza, baila hasta que estés muerto!" y las guitarras afiladas. Después de la introducción de dos canciones de baile aparece el lado mucho más suave de It's Blitz! que sale a la palestra con Soft Shock, que si bien tiene un núcleo electrónico, es el primero tema de una colección de pistas mucho más tranquilas a la que podemos juntar con Skeletons que utiliza una instrumentación muy sencilla para construir un paisaje sonoro atmosférico e íntimo que coincida con las letras pensativas, una pista realmente bella y probablemente la pieza musical más dócil que Yeah Yeah Yeahs ha hecho hasta la fecha, una balada, caracterizada por el alcance épico de su melodía y el tiempo que tarda en ponerse en marcha por completo, pero no entra en la misma categoría que las baladas a las que podrías estar acostumbrado de otros grupos de synthpop. E incluso podemos incluir en esta terna a "Dull Life", que aunque tiene más guitarra, esta suavizada. Además, la presencia de O es más dominante cuando está en este entorno que cuando formaba parte de un producto más directo, y la naturaleza más atractiva de su actuación hace que los momentos en los que se abre sea muy buena. Si tuviera que destacar una pista más floja, tendría que elegir "Shame and Fortune", que se atasca junto con un ritmo de fondo vagamente industrial y nunca llega a engancharte. 

“Runaway” se desarrolla lentamente hasta un clímax tormentoso, es una de mis canciones favoritas de Yeah Yeah Yeahs debido a lo serena y malhumorada que logra ser. Hemos repasado cuatro pistas que son mucho menos dinámicas que el resto del álbum, pero comparten y destaca el uso de sintetizadores y otros instrumentos electrónicos. “Dragon Queen” es una mezcla interesante de lo viejo y lo nuevo, sea lo que sea, los YYY lo hacen a su manera, con un ritmo bastante relajado, pero con suficiente brillo en las guitarras para que sea fácil imaginar la bola de discoteca reflejando patrones de luz en lo alto. En “Hysteric” descubrimos indicios de que la banda podría estar agotándose hacia el final del álbum en términos de la energía aplicada a sus canciones, este segundo intento de cerrar la brecha entre el material bailable y las baladas resulta un muy buen trabajo, con su ritmo ligero y galopante y sus letras románticas y nada cínicas, la banda tiene como objetivo crear la canción pop perfecta en sus propios términos, y lo logran en gran medida. Es un error que “Little Shadow” sea la canción final, puede ser una de las más flojas, con el punteo distante de una guitarra acústica y la voz lenta y tímida de Karen a la cabeza, y la canción retiene cualquier sensación de liberación hasta que un ritmo de batería lento irrumpe en medio. No me gustó este al principio, parecía más un ambiente que una canción real, y una forma un poco plana de cerrar el álbum, ya que este permanece sombrío en todo momento y no alcanza las alturas emocionales que "Skeletons".

 Hay pocas bandas que tienen un sonido tan único como Yeah Yeah Yeahs, que fusionan sin esfuerzo una mezcla eléctrica de riffs de guitarra arenosos, mezclas de géneros excéntricas y el chillido vocal inimitable de la líder Karen O, Yeah Yeah Yeahs crean música fresca y sin diluir que es capaz de no verse afectada por las tendencias musicales y estar a la moda atemporal. Dar todo el mérito a Karen O sería una tontería en extremo, el guitarrista Nick Zinner y ese baterista que nos recuerda a Igor de los Cazafantasmas Brian Chase crean plataformas que convierten sus estilos vocales distintivos en algo totalmente diferente. Aquí hay una porción coherente pero variada de brillantez absoluta que nos recuerda exactamente lo que sucede cuando una banda es capaz de desarrollarse en los márgenes de la corriente principal sin muchas de las expectativas constantes que la acompañan.

jueves, 15 de diciembre de 2022

0714 - Lee Marvin - Wand'rin Star


0714 - Lee Marvin - Wand'rin star

Wand'rin' Star es una canción que fue escrita originalmente por Alan J. Lerner y Frederick Loewe  para el musical Paint Your Wagon en 1951.

Wand'rin' Star fue un single número uno en el Reino Unido durante tres semanas y en Irlanda durante dos semanas con la version del artista Lee Marvin en marzo de 1970. La canción también alcanzó el puesto número 10 en Australia, tal éxito se podria decir que es doblemente destacado ya que Lee Marvin no pertenece a ninguna banda de música, ni tampoco es un solista, sino un actor de numerasas peliculas. 

Cuando se hizo la pelicula del musical en 1969, Lee Marvin asumió el papel del prospector Ben Rumson. Sin ser un cantante profesional, Lee Marvin, sin embargo, cantó todas sus canciones en la película, rechazando la idea de imitar la voz de otro cantante. A pesar de que la película fue un fracaso de taquilla, la banda sonora se convirtió en un éxito. Orquestada y arreglada por Nelson Riddle, la versión de Lee Marvin de la canción Wand'rin Star se convirtió en el single número 1 en Irlanda y el Reino Unido, manteniendo a The Beatles en el número 2 en el Reino Unido con su sencillo "Let It Be". Lee Marvin nunca lanzó un single de seguimiento, por lo que se lo considera una maravilla de un solo éxito.

Daniel
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miércoles, 14 de diciembre de 2022

0713.- Loose - The Stooges


El segundo disco de The Stooges tenía joyas de la talla de "Down on the street", "Dirt", "TV Eye" o "Loose", la canción que los miembros de la banda preferían como single de lanzamiento y como primera canción del disco, pero fue finalmente "Down on the street" la que se llevó el gato al agua.

Poco importaba esto en el fondo, porque en un disco tan arriesgado y experimental como "Fun House", ninguna canción queda ensombrecida por el resto, y el conjunto es una obra a la vez exquisita y cruda de rock y punk iniciático, en el que la dureza de las guitarras de canciones como "Loose" contrasta con el toque de jazz experimental del saxofón de Steve Mackay que salpica algunos temas, junto con la colaboración ocasional a los teclados del productor Don Gallucci, miembro por entonces de The Kingsmen.

Gallucci consiguió reproducir en el estudio el potente sonido primario y caótico de la banda en directo, y le añadió las dosis justas de "avant-garde rock" y psicodelia, a través de las sobregrabaciones de teclado y saxofón, consiguiendo con temas como "Loose" que el álbum, en un principio ignorado por el público, se convirtiera con el tiempo en lo que, para muchos, es una de las cimas del hard rock experimental. Dicen que ningún otro disco suena tan profundo, ni tan vivo, y a la vez tan áspero y rudo como "Fun house".

Artista del mes: Álbum Nimrod - Green Day (#MesGreenDay)

Artista del mes: Álbum Nimrod - Green Day (#MesGreenDay)

Vamos a conocer un poco más de la discografia de Green Day, y esta vez toca Nimrod que es el quinto álbum de estudio de la banda de rock estadounidense Green Day, este álbum fue lanzado en el mes de octubre de 1997.

La banda lanzo este álbum a raíz de la cancelación de una gira por europea tras haber lanzado su álbum Insomniac. Grabado en Conway Recording Studios en Los Ángeles, el álbum fue escrito con la intención de crear un conjunto de canciones independientes. Nimrod se destaca por su diversidad musical y experimentación, que contiene elementos de folk, hardcore, surf rock y ska, y demustran la madurez de la banda.

El álbum alcanzó el puesto número diez en las listas de Billboard de EE. UU. y fue certificado doble platino por la Recording Industry Association of America. El álbum también fue certificado triple platino en Australia y doble platino en Canadá, estos son algunos de los éxitos que la banda obtuvo con Nimrod.

Tras su lanzamiento, Nimrod recibió críticas generalmente positivas de los críticos, quienes elogiaron la composición de Billie Joe Armstrong. Del álbum se desprendio el single acústico "Good Riddance (Time of Your Life)", que apareció en numerosos eventos de cultura popular, incluido el penúltimo episodio de la comedia de situación Seinfeld. Para promocionar el álbum, Green Day se embarcó en un extenso programa de giras. El álbum también se reeditó en vinilo en el año 2009, así como para los lanzamientos de ediciones de lujo y aniversario en 2012 y 2017. Las canciones "Nice Guys Finish Last", "Hitchin 'a Ride" y "Good Riddance (Time of Your Life)" aparecen en el videojuego Green Day: Rock Band.

Nimrod es musicalmente el más variado que los álbumes anteriores de Green Day. el propio Billie Joe Armstrong ha declarado que con este álbum, Green Day tomó diferentes caminos, y agregó que cada canción tiene su propio carácter e identidad, queriendo resaltar eso tanto como fuera posible. Resaltando la canción "Nice Guys Finish Last" que ha sido considerada una canción que "facilita la transición" entre los álbumes de Insomniac a Nimrod

Nimrod estar junto a American Idiot, como uno de los mejores álbumes de Green Day. Contiene canciones como, Nice Guys Finish Last que ya hemos mencionado con un riff poderoso y un estribillo demoledores, Hitchin’ A Ride puede perder algo de fuerza, pero desborda efectividad por todos los acordes. No en vano fue uno de los singles. Seguimos con el riff de The Grouch y aquí empiezas a entenderlo todo un poco mejor, la fórmula que Green Day había puesta en Dookie sigue aquí, son los mismos tocando, pero suena incluso más fuertes que en aquel primer éxito. 

En Redundant se bajan un poco las revoluciones, en la que es una de las caciones más elaboradas del álbum, la velocidad vuelve con Scattered, que termina siendo una de las más pegadizas. Increíble cómo parece que la canción entera se une en un solo estribillo. All The Time puede parecer dura, pero no será nada en comparación con lo que vendrá después. En Worry Rock las revoluciones aumentan progresivamente para dar como resultado una excelente combinación entre madurez y rabia punk. Sí, es una de las grandes canciones del álbum, y una de las que anuncia que el grupo no va a estar toda la vida grabando Dookies y Kerplunks. Platypus (I Hate You) es probablemente la canción más dura que Green Day haya grabado jamás, con una furia casi trash que resume precisamente odio desde el primer segundo. Se quedará cerca de igualarla más tarde Take Back, cantada en el estribillo a lo death metal, pero que se termina haciendo corta en su minuto de duración. Canciones como Jinx no hacen más que confirmar el buen momento que estaban experimentando en este álbum la banda. El enlace tan natural con Haushinka da la sencación canciones siamesas, con estribillos rompedores que invitan a ser coreados hasta el final.

La recta final del álbum nos deja los dos temas más conocidos del disco, King For A Day por un lado, y Good Riddance (Time Of Your Life) por otro. Respecto a la primera, es una canción festiva pensada para bailar un rato y hay que tomarla como tal, en cuanto a la segunda, es otra de las que anuncia nuevos sonidos para la banda, que nunca había grabado una balada hasta ese momento. Es una buena canción, quizá algo trillada, pero cumple con su cometido de ofrecer unos minutos de calma en un álbum que es continuamente una perfecta tempestad. 

Un muy buen álbum donde la banda demuestra que tiene mucho para dar.

Daniel
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martes, 13 de diciembre de 2022

0712 -. Dirt - The Stooges

 

Dirt, The Stooges


     Fun House es el segundo álbum de estudio de la banda estadounidense The Stooges, formado Iggy Pop, Ron Asheton, Dave Alexander y Scott Asheton. El disco fue grabado entre el 11 y el 25 de mayo de 1970 en los Elektra Sound Recorders estudios de Los Angeles bajo la producción de Don Gallucci, y publicado el 7 de julio de 1970 por el sello discográfio Elektra Records. El disco es considerado como la piedra angular del llamado proto-punk (como se conocía a ese grupo de bandas innovadoras e inclasificables que surgieron a partir de la primera mitad de la década de los 60 y que fueron precursores del punk), y fundamental para el desarrollo del punk rock.

Inicialmente Fun House no tuvo mucho éxito comercial, pero con el tiempo se ha convertido como un disco indispensable, siendo citado como uno de los discos favoritos y más influyentes para artistas como Joey Ramone, Mar E. smith, jack White, Nick Cave, Buzz Osborne o Steve Albini entre otros muchos.

Fun House se mueve entre la impovisación y el hard rock o el punk jazz, y tiene un sonido más apocalíptico y abrasivo que su disco debut. Y una buena muestra de ello es Dirt, la pieza más sorprendente del disco, y que cierra además la primera cara de ese apocalíptico disco. Dirt es un tema que te va envolviendo y abrasando poco a poco hasta que la inflamación recorre todo tu cuerpo, no te deja indiferente. El tema es una especie de hardcore blues, y es que una de las grandes influencias de Iggy Pop fue el gran bluesman Howlin' Wolf, algo que estuvo muy presente durante las sesiones de grabación de Fun House, y sobre todo en Dirt. Los acordes de blues no salen de la guitarra, nacen del bajo de Dave Alexander, quien por momentos convierte los acordes de blues en funk, dotando de un electrizante y vigoroso sonido a esta especie de oscuro y abrasivo blues.

lunes, 12 de diciembre de 2022

0711.- Down on the street - The Stooges



"Down on the street" ("Abajo en la calle") es la canción con la que arranca el excelso "Fun House" (1970), el segundo disco de The Stooges. Aunque inicialmente no tuvo éxito, "Fun House" acabaría convirtiéndose en una obra de culto, al igual que ocurriría con 1969, el disco de debut de The Stooges y de su carismático frontman Iggy Pop. Ambos discos son documentos imprescindibles de lo que se conoce como proto-punk, el embrión (con varios años de adelanto) de lo que después se conocería como música punk.

Don Gallucci, por entonces responsable de los teclados en The Kingsmen, fue el encargado de la producción de "Fun House", en un claro intento de encontrar una fórmula más efectiva, tras la escasa repercusión de "1969".Gallucci había visto a la banda actuar en directo, y creía que la energía de la banda en los conciertos no había quedado plasmada en el sonido de estudio de aquel primer álbum. 

Para la grabación, se reservaron varias sesiones en los estudios Elektra Sound de Los Angeles, del 11 al 25 de Mayo de 1970, y las canciones se grabaron en directo y en varias tomas, para seleccionar después las que formarían parte del álbum. Para que el resultado fuera lo más crudo y parecido al directo, Gallucci y The Stooges sacaron todo lo que no fuera necesario, desnudando el estudio para que la grabación tuviera la resonancia de una actuación en vivo, y colocándose todos como si estuvieran tocando realmente en un escenario "Abajo, en la calle", con la batería detrás, el micrófono de Iggy en el centro y los amplificadores para el bajo y la guitarra a los lados.

A decisión del sello Elektra, "Down on the street" fue el primer single promocional del disco y la primera canción que suena en el álbum, en contra del criterio inicial de The Stooges, que querían abrir el fuego con la no menos intensa "Loose". La versión en single era diferente a la que daba comienzo al álbum, con la inclusión de un órgano al más puro estilo de The Doors, sobregrabado por el propio Gallucci, y tuvo mejor recorrido comercial que el disco. Muchos años después, Rage Against the Machine la versionaron en su disco de covers "Renegades" (2000), poniendo de nuevo en el mapa esta canción de los Stooges, unos auténticos "renegados" que nos enseñaron como crear, a base de improvisación y al máximo volumen, auténticos himnos punk.

domingo, 11 de diciembre de 2022

0710.- Empty Pages - Traffic


Posiblemente la obra maestra de Traffic, el grupo de Birmingham capitaneado por por Steve Winwood fue John Barleycorn Must Die, con tan solo tres años de existencia, Traffic hizo una serie de transiciones en su sonido y todas salieron bien, nació con una banda de psyche rock (como podemos comprobar en su debut, Mr. Fantasy ) y empezaron su travesía cameleonica en su segundo álbum Traffic presenta una gran variedad de géneros, incluidos folk, blues y psyche rock, sin embargo, cuando llegó el cambio de década, Traffic se había sumergido en el rock progresivo, un género que todavía estaba algo en sus inicios en ese momento (el definitorio de género In the Court of the Crimson King ni estaba publicado en el momento del lanzamiento de John Barleycorn ). Si bien este álbum contiene algunos restos del sonido folk de su álbum homónimo, John Barleycorn Must Die se basa en gran medida en la complejidad musical y la influencia del jazz del arquetipo progresivo, Steve Winwood sigue siendo un talento casi increíble en la escritura, la interpretación de instrumentos y el canto, y otros miembros como Chris Wood y Jim Capaldi son otros talentos musicales críticos con su viento de madera y percusión, respectivamente. Es complejo, entretenido, diverso y una escucha muy divertida, como hemos mencionado este es posiblemente el punto más álgido de Traffic.


Quizás la canción más destacada del álbum es “Empty Pages” y lo que destaca es la presencia de un bajo retumbante, manejado de manera competente por el Sr. Winwood, la floritura de apertura presenta la estructura que se utilizará en el coro, otra decisión compositiva realmente acertada, el pasaje instrumental extendido es una delicia absoluta, con algunos riffs fuertes de Winwood en el piano eléctrico, el apoyo sólido del órgano de Chris Wood y una interpretación hábil y diversa de Capaldi en el kit. Pero también vamos a destacar la voz de Winwood que es, por supuesto, brillante y la letra, sin ser lo más brillante sin duda es buena porque simplemente te hacen sentir mejor, mientras Winwood canta sobre cómo las cosas mejorarán pronto. Una canción optimista. Es una especie de historia sobre un hombre cuya vida ha sido prácticamente un desperdicio, pero espera días mejores, pero vamos a incidir en lo más brillante ese piano eléctrico proporciona un gran ritmo de jazz, mientras que un órgano resonante acompaña al coro momento en el que Winwood hace un increíble solo de piano eléctrico. Este solo es lo más destacado del álbum para mí, es simplemente genial, no tiene otro calificiativo, ese solo que continúa durante aproximadamente un minuto y medio antes de que vuelva el coro.


El álbum recibió críticas desiguales en su lanzamiento inicial, pero se vendió bien y el grupo, tal vez respaldado por esta buena fortuna, continuó durante varios años más antes de que Winwood abandonara definitivamente en 1976. John Barleycorn Must Die parece haber ganado prestigio con el paso de los años, convirtiéndolo en uno de los álbumes más queridos y populares de Traffic.


Insomniac - #MesGreenDay

 

Insomniac, Green Day


     Tras el gran éxito de Dookie, y antes de publicar su siguiente álbum de estudio, Green Day editó el sencillo J.A.R. para la película Angus de 1995. Las letras del sencillo se refieren a Jason Andrew Relva, un amigo de la infancia de Mike Dirnt que murió en un desafortunado accidente de tráfico a los 19 años de edad. Dirnt  escribió la canción haciendo referencia a lo inmortal que se cree uno cuando es joven, y del golpe psicológico y la forma de ver la vida al ver a un joven amigo morir.



Tras este exitoso sencillo, Green Day publica Insomniac. El disco es grabado entre mayo y julio de 1995 bajo la producción del mismo grupo y de Rob Cavallo, y publicado el 10 de octubre de 1995 por el sello discográfico Reprise Records. El disco obtuvo buenas cifras y bastante éxito, pero no se acercó ni de lejos a su antecesor, Dookie. No obstante, con Insomniac el grupo ganó los premios a artista favorito, artista favorito de hard rock y artista alternativo favorito en los premios American Music Awards de 1996, obteniendo además, gracias al tema Walking Contradiction, una nominación a los premios Grammy en el apartado de mejor vídeo, y otra nominación a los mejores efectos especiales en los MTV Video Music Awards. Green Day había cancelado la gira que iba a hacer por Europa para centrarse en la preparación del material que iba a integrar Insomniac, lo que avivó los rumores de  separación del grupo. Nada más lejos de la realidad, lo que tenían muy claro era que este disco tenía que ser diferente a sus anteriores trabajos. A pesar de no llegar a tener el éxito de Dookie, este último trabajo llegó  vender mas de 5'800.000 copias en todo el mundo, convirtiéndose en uno de los discos más exitosos de la carrera de Green Day, sólo superado en ventas por Dookie y American Idiot

El collage que aparece en la portada del álbum fue creado por Winston Smith, y se titula "God Told Me to skin You Alive", toda una referencia a la canción "I Kill Children" de Dead Kennedys. La portada, además de contener la imagen de un dentista que apareció en el collage de la portada interior del álbum de Dead Kennedys "Plastic Surgery", contiene tres cráneos, uno por cada miembro de la banda, y varias imágenes ocultas, como una mujer desnuda, tres hadas y varios rostros fantasmales en llamas.

Estamos ante un disco oscuro y pesimista, pero con un sonido sucio, muy potente y distorsionado, y con unas letras muy explícitas que fueron duramente criticadas por la prensa. Esa rabia y oscuridad vertidas en el disco son fruto de la situación personal de los miembros de la banda. Apenas habían digerido el rotundo éxito mundial de Dookie, de hecho tenían problemas personales derivados de tan rotundo éxito, sumado al cansancio y desgaste de la extensa gira que siguió al disco. Tampoco ayudó el hecho de que hubo un sector de fieles seguidores del grupo que no entendieran Dookie como un auténtico álbum de punk, y con Insomniac lo que pretendieron fue quizá recuperar esos fieles seguidores y recuperar un prestigio que habían perdido al ser vetados por cierto sector, además de ser también vetados por el entorno del club que les vió crecer, The Gilman



La banda descarga toda esa rabia y frustración en catorce canciones que comienan con Armatage Shanks, escrita por Billie Joe antes de que saliera Dookie. En aquella época había roto con su por entonces novia, la cual no aprobaba que estuviera en un sello discográfico importante, y él se encontraba pensando en el suicidio en plan "Es tan fácil suicidarse, pero tan difícil mantenerse con vida". Se rumorea que el título lo tomó de una marca británica de inodoros y que modificó la ortografía para evitar problemas judiciales. Brat, canción que escribió Billie Joe sobre esperar que tus padres mueran para cobrar la herencia. También podría tratarse sobre niños malcriados que obtienen todo sin dar un palo al agua. Stuck With Me, la cual trata el hecho de ser demasiado débil como para defenderse. Refleja el ascenso de Green Day de los pequeños clubs punk hasta las listas de éxitos pop como la MTV con su disco Dookie. Sentían que no encajaban en aquel entorno. Geek Stink Breath, trata sobre el consumo de anfetaminas y metanfetaminas. Billie escribió esta canción desde su experiencia, pero no lo hizo para emitir una opinión sobre tal hecho, lo hizo tal cual, sin emitir juicio alguno, como quien escribe sobre estar sentado o aburrido por ejemplo. No Pride, escrita sobre un chico que no tiene orgullo y que es tonto por simple hecho de que no puede defenderse. Bab's Uvula Who?, nos habla, con un ritmo demoledor, sobre la ira, encarnada en un personaje al que todo le sale mal y tiene el don de arruinar todo, y como su cuerpo exterioriza los síntomas, como la desesperación, tensión, pánico o la presión. 86 se refiere a la violenta reacción que sufrió Green Day por parte de la comunidad punk rock de California, y más concretamente del club que les vió nacer, el 924 Gilman Street, una vez que alcanzaron el estrellato. Dicha comunidad vetó al grupo y amenazó con atacarlo si alguna vez se presentaban en el lugar. 86'd significaba ser expulsado del local. La Comunidad no perdonaba al grupo que se hubieran convertido en una banda comercial. Con Insomniac la banda volvería sus raíces y regresaría para tocar en The Gilman con el beneplácito de la comunidad californiana.



Panic song
, co-escrita por Dirnt y Armstrong, la canción explota a los casi dos  minuto después de una introducción instrumental donde comienza el bajo, al que se van sumando gradualmente la guitarra y la batería. Una canción que nos habla como dice el título del pánico, cuando este te invade. Stuart ant the Ave, con un interesante bajo y con un ritmo muy pagadizo es quizás una de las canciones más flojas del disco. Brain stew, Billie Joe había sido padre en febrero de 1995, y por entonces se encontraba muy delgado y no dormía porque su pequeño hijo Joey (llamado así en honor de Joey Ramone) no le dejaba, por lo que se encontraba tenso, paranóico, y tenía el cerebro revuelto, o como dice la canción Brain Stew (guiso de cerebro), que es de lo que trata la canción. Los últimos 90 segundos de la canción son en realidad la canción siguiente, la cual a menudo es confundida como una única pieza junto con Brain Stew. Esta corta canción es Jaded, que con un ritmo muy rápido y cañero, nos habla de los efectos de las drogas. Westbound Sing, la letra de la canción se sale de la dinámica oscura y frutrante del disco. Billie Joe escribió esta canción sobre su esposa Adrienne cuando se mudó de su hogar en Minnesota para vivir en el oeste de California con él. Es de largo la canción más esperanzadora de este oscuro álbum. Tight Wad Hill, canción que iba a dar nombre al disco, pero al final no sucedió. Green Day tuvo gran éxito en Berkeley, Califoria, y TightWad Hill es e apodo de Charter Hill, una gran colina donde los estudiante universitarios se subían para ver los partido de fútbol en la Universidad de California y así no pagar entrada. y Walking Contradiction, el tema que cierra el disco y que trata sobre las constantes contradicciones de la sociedad. Se suponía que las bandas de punk no eran populares, lo cual se convirtió en una gran contradicción para Green Day cuando firmaron por un gran sello como Reprise Records, y más todavía cuando dieron el gran pelotazo comercial con el lanzamiento de su álbum Dookie.

Después de haber alcanzado la cima con Dookie, parecía que con Insomniac la banda había comenzado el lento y pulatino descenso hacia los infiernos y el olvido. Cuán equivocados estábamos, pues casi diez años después, seguían en la brecha, nos iban a regalar su gran obra maestra y nos iban a recordar que Green Day no eran fruto de un único éxito o disco. además iban a convertirse en una de las bandas más influyentes del género en las décadas de los 90 y 2000, pero eso es otra historia...



sábado, 10 de diciembre de 2022

0709 - Frijid Poink - House of the rising sun

0709 - Frijid Poink - House of the rising sun

Todos conocerán House of the Rising Sun pero no vamos hablar de la versión de la banda The Animal, sino que en 1969, la banda de la ciudad de Detroit Frijid Poink grabó una versión psicodélica de House of the Rising Sun, que se convirtió en un éxito internacional en 1970.

La grabación de Frijid Pink de House of the Rising Sun se hizo improvisadamente cuando sobraba tiempo en una sesión de grabación reservada para el grupo en Tera Shirma Recording Studios. Más tarde, el director musical de la principal estación de radio de rock de Detroit, WKNR. 

House of the Rising Sun de Frijid Pink debutó en el número 29 en la lista de éxitos de WKNR con fecha del 6 de enero de 1970 y se difundió a nivel nacional después de unas siete semanas, durante las cuales la pista se retransmitió en radios tres veces al día, con un debut en el número 73. en el Hot 100 en Billboard con fecha del 27 de febrero de 1970, con un ascenso posterior de tres semanas al top 30 en camino a un Hot 100 alcanzando el número siete el 4 de abril de 1970. 

El sencillo de Frijid Pink de House of the Rising Sun le daría a la canción su éxito internacional.

Daniel 
Instagram storyboy 

Johnny Cash – At San Quentin #Píldora 14



Cualquiera que tenga un poco de conocimiento sobre la música y la personalidad de Johnny Cash sabe que el Hombre de Negro se sentía demasiado cerca de los presos y de aquellos que habían tenido problemas con la justicia, se relacionó con ellos casi como si tuvieran un parentesco. Y quizas por esa complicidad el mejor álbum en vivo de Johnny Cash es una actuación en una prisión, no es muy diferente de su anterior álbum en vivo, At Folsom Prison, si quereemos compararlos quizas en este album las canciones son más rápidas y animadas. El publico formado por prisioneros la actuación de Johnny Cash y él está más que dispuesto a seguirle el juego, creando momentos cómicos.  Además de eso, hay incluso más canciones y momentos inolvidables en este álbum que en Folsom Prison, nos regala un complemento perfecto para At Folsom Prison, sin duda At San Quentin es uno de mis álbumes en vivo favoritos.

Empezamos por destacar la versión de 'I Walk The Line' aquí es mejor que la grabación original de estudio, la autenticidad de esos gritos de alegría de los reclusos crea una atmósfera diferente a cualquier otra grabación en vivo que haya escuchado en mi vida, es su verdadera magia, también cabe destacar el dueto con su esposa June Carter Cash en 'Darling Companion', siempre es algo especial cuando los dos toman el micrófono juntos. "A Boy Named Sue", escrita por Shel Silverstein, es maravillosa, supongo que la mayoría de los lectores han escuchado esta canción, por lo que no hay necesidad de discutir más sobre su letra cómica, también disfruto de "Peace in the Valley", es algo único ya que rara vez me gusta la música espiritual/góspel.


Johnny Cash era tan rudo, en serio, recorriendo prisiones vestido de negro como un predicador caído, hablando de que no le importa la autoridad, cantando sobre matar gente, ir a la cárcel y finalmente dando una serie de canciones espirituales para amansar a las fieros, esos convictos endurecidos lo amaban, él era el artículo genuino. At XSan Quentin es una prueba de humildad hecha historia, chillarle al Hombre de negro y reírle sus chistes, sus provocaciones y sus órdagos a la administración de la prisión los llevo mas lejos de lo que nadie pudo imaginar. Y así se quedó, con el tupé, la chaqueta tejana, la guitarra acústica y el repertorio mohoso de tanto pasearlo por la intemperie oclusa de esas paredes demasiado altas para ser trepadas. Si solo desea tener dos álbumes de Cash en su colección, entonces 'Live at Folsom Prison' y 'Live at San Quentin' son todo lo que realmente necesita. Son mejores que las grabaciones de estudio porque realmente tienes la oportunidad de escuchar a Cash.


viernes, 9 de diciembre de 2022

Disco de la semana 305: American Caesar - Iggy Pop



Una mañana de un sábado cualquiera de 1993, o puede que incluso fuera ya 1994, dando una vuelta hacia el centro de Getafe, me topé con una tienda de alquiler de cd's de música. Lo creáis o no, ese fue un negocio que, breve y esporádicamente, algunos emprendedores acometieron en aquella época, pensando que podría llegar a ser tan lucrativo como lo habían sido los videoclubs. Aquella tienda no duró mucho, y al cabo de apenas unos meses me topé con una floristería, en el lugar dónde antes se alquilaban cd's de Nick Cave, The Rolling Stones o AC/DC, por poner algún ejemplo. Puede que en total no alquilara más que dos o tres cd's, y de todos ellos me he olvidado. De todos menos de uno, el que alquilé ese primer día: El "American Caesar" de Iggy Pop.

Poco sabía por entonces de quién era Iggy Pop, o de su brillante pasado con los Stooges. En esa época, dedicaba mi tiempo y mis esfuerzos a escuchar a Guns and Roses, y a mis grupos favoritos del incipiente brit pop: Oasis, Blur y Pulp, pero al entrar en aquella tienda, y ver a aquel tipo sin camisa y mirando amenazante desde la portada, supe que ese era un disco que no debía pasar por alto. Para no saltar al vacío directamente, y sin salvavidas, me permití al menos girar el cd antes de decidirme, para ver los títulos de las canciones, y me sorprendió que estuvieran ordenadas por números romanos, llevando la metáfora política e histórica del título un paso más allá. Pero lo que realmente me decidió a dar por fin aquel salto a ciegas fueron los títulos de algunas canciones: "América Salvaje", "Envidia", "Odio", "Jodidamente solo", "Enfermedad" o la propia "César" me dieron la seguridad de estar ante un álbum violento y diferente.

Al llegar a casa, y ponerlo en el reproductor de cd's, en poco más de un minuto di por bien empleado el precio del alquiler de aquel cd, y el temor a haberme equivocado con aquel salto al vacío desapareció como si acabara de tirar de la anilla del paracaídas, y éste se hubiera abierto al instante. Tras el minuto y siete segundos de Character, un primer tema instrumental basado apenas en unas leves notas de guitarra y un murmullo de fondo, las guitarras eléctricas explotan en el riff de Wild America, una canción tan salvaje como la América de carretera y marihuana que describe, el oscuro imperio de éste particular César americano.

La crítica social y política está presente en muchos temas, como en Mixin' the colors, en la que Iggy celebra la diversidad racial y cultural que ya, por aquel entonces, veía florecer en las ciudades norteamericanas. "Es lo que a Hitler no le gustaba..." comenta sobre el colorido collage interracial en el que se están convirtiendo las grandes ciudades del imperio estadounidense: "Por todas partes están mezclándose los colores, a algunos no les gusta pero a mí me da igual". De un sentimiento de satisfacción y de alegría (y color) pasa después al blanco y negro de Jealousy, en la que con su impresionante faceta de cantante de voz grabe y gutural nos confiesa la "envidia" que siente hacia un compañero de profesión que tiene "grandes éxitos y una limusina, dinero a espuertas y una novia que sale en Vogue". Para que negarlo, es imposible no sospechar que se esté refiriendo a David Bowie, y sentir que este tono oscuro y negativo le pega mucho más al disco y al amenazante César de la portada.   
Como lo hace también Hate, mostrando el "odio" que siente el enloquecido personaje, aunque la escucha de este tema, que instrumentalmente tiene momentos que recuerdan a los largos pasajes con los que The Doors nos adentraban en la espesa selva de The End, se me haya hecho siempre demasiado larga. It´s our love, que ostenta el título de ser la única balada pura del disco, descarga un poco de la tensión emocional de esta obra, mostrándonos a un César americano capaz de enamorarse y compartir noches de motel con su amada, mientras la "intermitente luz de un semáforo" se cuela por la ventana. Es solo una pequeña parada en un placentero oasis en el que dejar que los caballos puedan abrevar, porque al instante todo vuelve a explotar con el punk rock urgente y algo paródico de Plastic and Concrete.

Los mejores momentos del disco se reparten a partes iguales entre la introspección, la road movie y la descarga de decibelios. En el lado introspectivo, es imposible no destacar la genialidad y el lenguaje directo de Fuckin' Alone, en la que Iggy, acompañado de una guitarra acústica, nos confiesa lo cansado que está de sentirse solo, incluso en los momentos en los que está rodeado de una multitud de individuos de variado pelaje. De ahí vuelve a saltar a la carretera y al tono paródico en la pegadiza Highway song, con cierto tono a canción de cowboy taciturno. Tras esta cuidada broma, el décimo álbum de estudio de "La Iguana" pisa el acelerador y pone toda la carne en el asador. Cuentan que cuando presentó American Caesar a la discográfica, los directivos de Virgin Records se quejaron de la falta de singles potenciales. La respuesta de Iggy fue grabar dos temas más. La primera fue Beside you, una falsa balada firmada a dúo con Steve Jones (Sex Pistols), y aderezada con el contrapunto femenino de Lisa Germano en los coros (logrando lo que para los nostálgicos era lo más parecido a "Candy" que Iggy estaba dispuesto a darles).

La segunda, y no menos relevante, fue una versión del clásico Louie Louie, original de The Kingsmen, que ya fuera parte importante del repertorio de The Stooges. Para la ocasión, Iggy cambió la letra, haciéndola más actual y política, y con la ayuda de la banda de apoyo de American Caesar la hizo también musicalmente más áspera y rotunda. Pero entre una canción y otra, Iggy descarga toda la adrenalina del disco en tres brutales trallazos de punk garajero (Sickness, Boogie Boy y Perforation Problems) y una nueva entrega de oscura envidia imperial (Social Life), en uno de los tramos más impactantes del disco. Louie Louie suena a gran colofón del disco, pero tras la tormenta eléctrica, algunos cables siguen soltando chispas como base rítmica de Caesar, un ácido y divertido recitado del gran César, que no entiende esa nueva religión que traen los cristianos, mandando que les arrojen a los leones, mientras repetidamente ignora las voces que le advierten de la llegada de los "Idus de Marzo".

Ese es el auténtico y apoteósico final de American Caesar, pese a la errónea decisión de incluir una canción más, o de haberlo hecho en otra posición del disco. Girls of N.Y no es un mal tema, y está emparentado con Mixin' the colours, por su letra basada en la enumeración de las nacionalidades de todas las chicas que le gustaban a Iggy, pero poco aporta al conjunto a esas alturas de un disco imperial que, con las palabras finales del gran César, ya había dejado dicho todo lo que había que decir. En mi caso, aún me queda por decir que, muy a mi pesar, tuve que devolver aquel cd en los tiempos establecidos, pero lo hice justo antes de dirigirme a la estación de tren, para irme a Madrid a entonar el "Ave, César, los que van a comprar te saludan" en una tienda de discos del centro, de la que volví con mi propio ejemplar de American Caesar, que aún sigue mirándome amenazante desde la estantería.

0708.- Jewel Eyed Judy - Fleetwood Mac


Kiln House fue el primer álbum que lanzó Fleetwood Mac después de la partida de Green, el artífice de lo que fue en esos primero años Fleetwood Mac y su ausencia aparentemente creó un vacío que la banda no pudo o no quiso llenar, por eso optaron por modificar su sonido, una evolución que sería solo el primero de varios cambios a medida que el grupo avanzaba durante la década de 1970. El grupo parecía haber quemado gran parte de su influencia del blues para forjar un sonido de rock and roll más convencional, cuyo camino fue un enamoramiento de Buddy Holly.


Kiln House , como su antecesor Then Play On, es una mezcla ecléctica de estilos y géneros, las notas ligeras de ritmo y blues aparecen en pistas como "Blood on the Floor", el rockabilly domina "Buddy's Song" (un tributo mediocre al mismísimo Buddy Holly), y retrocesos como el instrumental "Earl Grey" que intenta mantener la naturaleza expresiva. de sus primeros cortes de blues rock (sin éxito), es uno álbum cuyo objetivo parace ser un doloroso recordatorio de una banda de blues rock moribunda y de una escena de blues moribunda en general. Kirwan y Spencer aportan lo que pueden en guitarras y voces, pero el fallo principal radica en sus esfuerzos combinados de composición que no logran impresionar en ningún momento, penalizados por ese recorrido que hacen sin saber con qué género comprometerse, estas pistas suenan dispersas, desconectadas y mal ensambladas. Fleetwood Mac hace muchas cosas en Kiln House, pero nada de lo que hacen es magistral y ese es el principal inconveniente del disco ya que resulta a menudo aburrido y nunca consiguen encontrar la emocion. Cada uno de los álbumes anteriores de Fleetwood Mac tiene algo especial, algo único, en cambio este álbum no lo hace y suena suave, conservador y vacilante. Este trabajo es un gran paso atrás para el grupo, un disco corto, bastante desordenado y lo suficientemente brumoso casi por descuido como para emitir su propio olor a cannabis, pero es un álbum agradable, y excelente para relajarse sin convertirse en simple música de fondo, un disco de 'marcar el tiempo', un momento breve, extraño, pero musicalmente documentado en la carrera de Fleetwood Mac.


Me gustaría destacar un tema, porque de esto va esta sección de canciones, y después de un par de escuchas Station Man me ha impresionado pero sin duda me quedo con Jewel Eyed Judy que comienza como una canción suave típicamente kirwanesca antes de transformarse en un estribillo extrañamente violento, que me encanta, quizás es la canción más cercana que se acerca al sonido de blues del clásico Fleetwood Mac, pero no es tanto un escaparate de pirotecnia de guitarra como lo era el material verde de antaño, aquí es mucho más sutil lo que lo convierte en una pista que tal vez no impacta tanto  como lo mejor de Green, pero sin duda es una escucha muy apetecible.


jueves, 8 de diciembre de 2022

0707-. 25 or 6 to 4 - Chicago

 

26 or 6 to 4, Chicago


     Chicago, también conocido como Chicago II, es el segundo álbum de la banda de rock estadounidense Chicago. Al igual que su primer disco, éste también fue concebido con un formato doble. Fue también el primer trabajo en llevar Chicago como nombre del grupo, pues anteriormente la banda se llamaba Chicago Transit Authority, pero debido a las presiones y amenazas de la empresa de transporte público de chicago, que llevaba el mismo nombre, decidieron cambiarlo y acortarlo.

El disco, que se mueve entre el jazz fusión y el rock progresivo, fue grabado durante el mes de agosto de 1969, entre los CBS 30th Street estudios de Nueva York y los CBS estudios de Hollywood, bajo la producción de James William Guercio, quien fue el productor del grupo durante sus primeros once discos, y publicado el 26 de enero de 1970 bajo el sello discográfico Columbia Records

Chicago es considerado como el álbum revolucionario del grupo y el que marco el punto de inflexión en el mismo, con tres sencillos que alcanzaron el topo ten en la famosa lista estadounidense Billboard Hot 100, Make Me Smile, Colour My World y 25 or 6 to 4. 

Incluido en el álbum se encuentra el referido tema 25 or 6 to 4, escrito y compuesto por el miembro fundador de la banda Robert Lamm. La canción, según el propio Robert, fue compuesta con una guitarra de doce cuerdas a la que le faltaban dos cuerdas, y fue escrita en un sólo día. Robert comentaba que la canción trataba sobre el intento de escribir una canción en medio de la noche, y el título de la canción establecía el momento de la misma, 25 o 26 minutos antes de las 4 de la mañana. Robet también comentaba que vivía en aquel momento con un grupo de hippies en la parte alta de Sunset Strip, y una de las ventajas de la casa donde estba era que estaba en Hollywood Hills, distrito de Los Ángeles, California, y desde allí se podía contemplar la ciudad a altas horas de la noche, y quería tratar de describir el porceso de escribir la canción que estaba escribiendo, de como estuvo esperando al amanecer buscando algo que decir. Esta canción se convirtió rápidamente en toda una canción de exhición para la sección de metales del grupo, la cual aparecería en muchos de los éxtos del grupo de finales de los años 60 y los 70. Sobre la canción siempre ha corrido un rumor sobre el significado de la letra, dicho rumor se basa en que popularmente, 6 to 4 era el apodo para el LSD, porque si tomabas ácido a las 6 de la tarde, los efectos de la droga permanecían hasta las 4 de la mañana, unas 10 horas después. La canción fue cantada por Peter Cetera, quien tenía por aquel entonces la mandíbula cerradapor cables debido a un incidente seguido de una pelea que le envió a cuidados intensivos con la mandíbula rota. Cuando llegó el momento de grabar la canción, su mandíbula todavía estaba cerrada y fijada con alambre, por lo que tuvo que modificar su forma de cantar.

miércoles, 7 de diciembre de 2022

0706-. Country Comfort - Rod Stewart

 

Country Comfort, Rod Stewart


     Después de lanzar su álbum debut, con Rod Stewart como vocalista, a principios de 1970, el grupo The Faces empieza a tener un buena acogida en Estados Unidos, aunque es mejor la recibida en casa, Reino Unido. El grupo rápidamente empieza a tener muchos seguidores y adeptos, gracias al estilo y sonido del grupo, muy similar al de los Rolling Stones. En junio de 1970 Rod Stewart, que lleva una agenda vertiginosa, lanza su segundo álbum de estudio, ya que lleva su carrera en solitario paralelamente a la The Faces. Dicho álbum, llamado Gasoline Alley, fue muy similar en cuanto a estilo y sonido al de su primer álbum en solitario, An Old Raincoat Won't Ever Let You Down, introduciendo además como novedad la mandolina en el sonido del disco.

El disco fue grabado entre febrero y abril de 1970 en los Morgan estudios de Londres, y publicado el 12 de junio de 1970 por el sello discográfico Vertigo Records en Reino Unido y por Mercury Records en Estados Unidos. Gasoline Alley se nutría de composiciones propias de Stewart y de versiones de artistas como Bobby Womack, Small Faces, Bob Dylan o Elton John entre otros, y contó además con importantes contribuciones musicales de los otros miembros de la banda que integraba el cantante, The Faces.

Incluido en estesegundo disco se encuentra Country Comfort, una composición de Elton John y Bernie Taupin que publicaría el propio Elton en su tercer álbum de estudio, Tumbleweed Connection, en octubre de 1970, curiosamene unos meses más tarde que la versión de Rod Stewart, que fue publicada en junio de 1970. para este gran tema interpretado por Rod Stewart, Elton John y el letrista y pianista Bernie Taupin, sus autores, se inspiraron en la música country western y en una delicada mezcla de otras corriente musicales como el blues, folk y gospel, lo que en su conjunto podríamos definir como Roots rock (música de raíces o americana).

Dookie- #MesGreenDay

 

Dookie, Green Day


     Nos encontramos en el ciclo dedicado a Green Day, y en esta ocasión vamos a desgranar el álbum que inspiró a la generación del nuevo milenio. Un disco que sirvió además para catapultar la carrera del grupo, gracias tanto a las excelentes críticas, como a lo que vendió en su momento y sigue vendiendo a día de hoy. Junto con bandas como The Offspring y Rancid, consiguieron el renacimiento y popularización del punk rock en Estados Unidos, y con su álbum Dookie, su primer trabajo grabado con una multinacional, darían el salto definitivo al estrellato internacional.

Estamos de acuerdo en que Green Day realizó con Dookie uno de los mejores discos que se hayan publicado de lo que podríamos llamar punk rok y punk pop. La influencia de este disco fue tan grande que surgieron tras de sí un gran número de bandas imitando el sonido logrado por Green Day, un sonido basado en guitarras distorsionadas y melodías muy pegadizas. 

Con un sonido diferente, Green Day fue uno de esos grupos que nació en el famoso club 924 Gilman Street, un club de música organizado de forma colectiva y sin ánimo de lucro. El club, conocido como The Gilman, se encuentra situado en la zona oeste de Berkeley, California. Las primeras publicaciones del grupo fueron realizadas a través del sello discográfico independiente Lookout, y gracias al éxito conseguido con estos primeros trabajos, el grupo consigue un contrato con la discográfica Reprise Records, con el que lanzarán Dookie, disco que hasta la fecha lleva vendidas la nada despreciable cantidad de más de treinta millones de copias en todo el  mundo.

Una vez firmado el contrato con Reprise Records, fue elegido como productor del álbum el reputado productor musical Rob Cavallo, mientras que el productor Jerry Finn fue escogido para la mezcla del disco, quien tiene una amplia experiencia de trabajo con bandas de punk rock, pop punk y rock alternativo, tales como AFDI, Blink 182, Rancid, Alkaline Trio y Morrissey entre otros. Green Day había entregado una demo a Cavallo, quien tras escucharla inmeditamente supo que había "tropezado con algo grande". Las sesiones de grabación duraron unas tres semanas, entre septiembre y octubre de 1993, y el disco fue remezclado dos veces, ya que la primera mezcla no fue del agrado del grupo. Según Armstrong, el grupo quería crear un sonido seco similar al disco de los Sex Pistols o los primeros de Black Sabbath.



El nombre del álbum hace referencia a la diarrea que solían sufrir los componentes del grupo, a la que se referían como "liquid dookie" (caca líquida), tras haber consumido alimentos en mal estado mientras se encontraban de gira. En un principio iban a titular el disco así, pero al final lo dejaron en "Dookie" a secas, ya que podían ser tachados de demasiado groseros. En cuanto a la portada, fue diseñada por Richie Bucher, quien realizó una ilustración que describía bombas lanzadas sobre personas y edificios, y en el centro de lsa portada había una explosión con el nombre del grupo. La contraportada del álbum de las primeras ediciones en CD contenía una imagen de un juguete de Epi, de Barrio Sésamo, la cual sería retirada más tarde para evitar problemas judiciales.

Dookie fue publicado el 1 de febrero de 1994 por Reprise Records, y rápidamente se convirtió en todo un éxito en todo el mundo, consiguiendo alcanzar el puesto número 2 en el Billboard estadounidense, y alcanzando muy buenas cifras en países como Reino Unido, Suecia, Nueva Zelanda, Austria, Finlandia y Suiza. Este disco es además el único del grupo que hasta la fecha ha conseguido la certificación de Álbum de Diamante. También fue uno de los trabajos de rock alternativo más exitosos de la década, únicamente superado por Nevermind de Nirvana, y Blood Sugar Sex Magik de Red Hot Chili Peppers. Green Day sería ese año el conjunto más aclamado en el festival de Woodstock '94, y también en el festival de Lollapalooza.

Todas las letras menos en Emenius Sleepus, que fue escrita por Mike Dirnt. fueron escritas por Billie Joe Armstrong, y están basadas en experiencias de los miembros de la banda, tales como la ansiedad, ataques de pánico, la masturbación, las orientaciones sexuales, el aburrimiento o las antiguas novias. No hay que olvidar que en el momento de la grabación ninguno de sus componentes superaban los 22 años de edad.



Una vez iniciado este enérgico y electrizante el álbum, las descargas se van sucediendo desde el primer tema, Burnout, un trallazo donde el peso recae en la caña que imprime Tré Cool a los mandos de la batería; pasando por Having a Blast, una canción muy personal donde Billie Joe Armstrong expresaba sus ansiedades y su estado depresivo. El la definía como "una canción sobre querer explotar porque estás pasando por algún tipo de tormento".; Chump, escrita por Armstrong sobre el novio de una chica que le gustaba. Curiosamente el músico nunca conoció al referido novio.  Esta canción tiene un estridente final que acaba en una especie de desvanecimiento que fue hecho a propósito para que los acordes finales fluyeran hacia la siguiente pista, Longview, que trata sobre estar aburrido y sentirse solo y como un completo perdedor. La canción también hace alguna referencia sobre la masturbación como medio de escape. el canatante describía tales hábitos en su caso como crónicos; Welcome to Paradise, escrita por Armstrong y Mike Dirnt sobre un barrio marginal de Oakland. Compartieron vivencias en su adolescencia en ese barrio y tuvieron una banda llamada Sweet Children. Esta canción fue lanzada originalmente en su álbum Kerplunk, y posteriormente sería regrabada para
lanzarla en este álbum.; Pulling Teeth, una visión irónica sobre una relación abusiva. Billie escribió esta canción a raíz de una broma interna de la banda, después de que el bajista Mike Dirnt acabara en urgencias a causa de una guerra de almohadas con su por entonces novia.; Basket Case, una de las canciones por excelencia de toda la carrera discográfica del grupo. Este tema que vuelve a tratar los ataques de ansiedad y la sensación de volverse loco. Armstorng sufrió en su adolescencia, mientras crecía, ataques de pánico, y lo que solía hacer para calmarse era caminar por el vecindario. Una canción, como él mismo decía, "catártica y personal" que estereotipaba y asemejaba la paranoia con el hecho de estar drogado.;



She
, una canción que Billie escribió para una antigua novia, al parecer una estudiante de la Universidad de California llamada Amanda. ambos se conocieron en el famoso The Gilman, y Amanda era una activista feminista que cautivó al cantante. Según el artista, él era entonces sólo un niño tonto que había abandonado la escuela secundaria y ella le marcó profundamente.; Sassafras Roots,  canción que trata sobre perder el tiempo en una relación en la que ninguno de los dos está muy entusiasmado.; When I Come Around, canción que el cantante escribió en su momento reflejando sus sentimientos al estar lejos de su novia Adrienne, y sus frustraciones al estar lejos de ella cuando se encontraba de gira. El artista conoció a Adrienne en 1990 mientras actuaba con su grupo en Minnesota, donde ella vivía, y le resultó muy difícil mantener una relación a distancia con ella. En la canción Billie aseguraba que cuando volviera a verla se lo compensaría todo. En julio de 1994 se casarían, manteniendo una relación que perdura a día de hoy; Coming Clean, donde el cantante profundiza sobre sus pensamientos sobre temas como la heterosexualidad y la homosexualidad, y sobre salir del armario. En 1995 llegó a declarar, en una edición de la publicación The Advocate: "Creo que siempre he sido bisexual", "Creo que principalmente se hamantenido en mi cabeza. Realmente nunca he tenido una relación con otro hombre. Pero es algo que surge como una lucha en mí. Surgió cuando tenía alrededor de 16 o 17 años. En la escuela secundaria la gente piensa que tienes que ser muy macho, y hay quien es atacado sólo por insinuar algo sobre su sexualidad. Creo que eso es espantoso"; Smenius Sleepus, uno de los únicos temas que no fue escrito por Billie, ya que fue coescrita entre éste y el bajista Mike Dirnt; In the End, canción que Billie Joe escribía sobre su madre y el novio de ésta. Hay quien especuló sobre la canción, afirmando que trataba sobre una chica, él se encargo de aclarar que no trataba sobre ninguna chica, trataba sobre el marido de su madre y ella misma; hasta llegar al tema final, F.O.D., donde el cantante muestra su odio al sentirse apuñalado por la espalda por alguien. Las siglas del título provienen de "Fuck Off and Die", lo que viene a significar algo así como "Que te den y muérete". Pero el disco no acaba aquí, ya que contiene una pista oculta que se reproduce 1 minuto y 17 segundos después de acabar la última canción. El tema sorpresa se titula All By Myself y fue compuesta por el baterista de la banda, Tré Cool.

Con Dookie, Green Day hacían resurgir el punk rock, alcanzaban el estatus de supergrupo y ponían los cimientos para ser considerados como una de las bandas más grandes del género de las décadas de los 90 y los 2000.