El disco de la semana 313: Rockin' the Fillmore - Humble Pie

Rockin' the Fillmore, Humble Pie

     Para hablar de la recomendación de esta semana vamos a retroceder a finales de los años sesenta. Por aquellas fechas Steve Marriot (vocalista y guitarra) decide abandonar el famoso grupo The Small Faces y se junta con Peter Frampton (guitarrista) que provenía del grupo The Herd, con Greg Ridley (bajista) que provenía del grupo Spooky Tooth y con Jerry Shirley (batería) que había formado parte de Apostolic Intervention. Juntos forman Humble Pie y deciden alejarse del sonido psicodélico que imperaba a finales de los años 60 para hacer un sonido más basado en el rock, hard rock, blues rock y folk rock.

Fichan por el sello Immediate, sello en el que estaban los Small Faces, y editan su primer disco, As Safe as Yesterday en 1969, grabado enteramente en una casa rural perteneciente a Steve Marriot. Dicho álbum consiguió gran exito en Inglaterra, y fruto de ese éxito deciden ese mismo año editan su segundo trabajo, llamado Town and Country. Es entonces cuando el sello Immediate quiebra y el grupo cambia de discográfica, fichando por A&M Records. Para entonces Marriot ya se ha hecho con las riendas del grupo y empieza a meter un sonido más duro y pesado a los trabajos del la banda, sonido que se vería reflejado en sus siguientes trabajos, el tercer disco en estudio Humble Pie (1970) y el cuarto Rock On (1971), y también en su primer trabajo en directo, un dóble álbum en vivo llamado Rockin' the Fillmore (1971), este último el recomendado para esta semana.

En 1969, la crítica especializada, más concretamente la revista Circus ya había agrupado a Humble Pie junto a bandas como Black Sabbath, Deep Purple o incluso Cream dentro del creciente y novedoso movimiento que denominaron Heavy Metal, denominado así por la densidad y pesadez de su sonido. como curiosidad comentar que ese mismo año el famoso periodista, músico y crítico John Peel, de la BBC, cataloga a Humble Pie como la primera banda de Heavy Metal de la historia, y lo hace no basándose en su sonido, lo hace basándose a la cantidad de volumen utilizado de sonido por el grupo para sus interpretaciones.

Puede que Humble Pie fuera la primera banda de Heavy Metal de la historia, o puede que no, pues sobre este hecho podríamos debatir largo y tendido, pero hay dos hechos que están claros, el primero es que el grupo indudablemente fue de los primeros ue marcaron tendencia, y el segundo hecho es que Humble Pie si tiene el honor de tener el primer disco de la historia catalogado como Heavy Metal, pues en su disco Rockin' the Fillmore, álbum doble grabado en 1971, fue el primero en el que apareció en su contraportada una pequeña etiqueta dónde señalaba "Heavy Metal".

En noviembre de 1971 se publicaba Rockin' the Fillmore, el primer disco en directo del grupo Humble Pie, álbum que fue lanzado en formato doble y comprendía temas de la actuación del grupo en el famoso Fillmore East de la ciudad de Nueva York (Estados Unidos) los días 28 y 29 de mayo de 1971. La formación que graba este mítico y más que recomendable directo estaba compuesta por Steve Marriot (guitarra y voz), Peter Framptom (guitarra y voz), Greg Ridley (bajo) y Jerry Shirley (batería). El álbum fue grabado en directo por los Fedco Audio Labs, con Eddie Kramer como ingeniero de sonido y mezclado y rematado en los Electric Lady Studios de Nueva York. Si juntamos a la superbanda británica y le añadimos el equipo de producción que se hizo cargo de la grabación del doble álbum en directo, el resultado no podía ser otro que un éxito garantizado, contando con una gran recepción por parte de la audiencia y la crítica. El álbum alcanzó el puesto número 21 en la lista americana Billboard 200, el puesto número 32 en Canadá y consiguió meterse en el Top 40 en las listas del Reino Unido.

Este álbum sería el último en el que podemos disfrutar de Steve Marriot y Peter Framptom juntos, pues debido a las tensiones entre ambos y justo antes del lanzamiento de este directo Peter decide abandonar la formación. Para el recuerdo y la memoria nos quedará este directo que comienza con Four Day Creep, atribuida a la cantante y artista de blues y vodevil Ida Cox. La canción versionada por el grupo la verdad que no tiene ningún parecido ni en la melodía como en la parte lírica con la composición original. Le sigue I'm Ready, una versión de la mítica canción de blues escrita por el gran Willie Dixon, y que fue grabada por primera vez por Muddy Waters en 1954. Dixon se inspiró para componerla en un comentario de Muddy Waters antes de un concierto, cuando el armonicista Willie Foster fue a visitarle a su casa. Foster recuerda aquel momento: "Llamé a la puerta y él se estaba afeitando. Muddy me comentó: ¿Estás aquí? Te dije que vinieras mañana. Le dije: "Sí, pero hoy estoy aquí". Después de bormear sobre el hecho de que Foster llevara una maleta para el fín de semana le dijo: "¡Quiero decir que está listo! y Foster contestó: "¡Listo como cualquiera pueda estarlo!. Entonces Muddy se volvió hacia Willie Dixon, que se encontrbaba allí y dijo: ¿Estás pensando lo que yo estoy pensando? ¿Eso es un record, hombre!. De aquella situación Dixon sacaría provecho componiendo la canción. Cierra la cara 1 de las 4 caras que componen este directo Stone Col Fever, tema que fue grabado en estudio con el cuarto álbum de la banda, Rock On, lanzado unos meses antes, en marzo de 1971. 

La cara 2 es en exclusiva para los más de 23 minutos de la versión que se marcan del tema I Walk on Giled Splinters, escrita por el cantante y composior estadounidense Mac Rebennack, el cual usó el pseudónimo de Dr. John Creaux. Además de Humble Pie, la canción, con el paso del tiempo, ha sido versionada por artistas de la talla de Cher, Marsha Hunt, King Swamp, The Allman Brothers Band, Paul Weller o The Neville Brothers entro otros muchos. Dr. John se basó para componerla en una canción tradicional de la iglesia vudú. 

La cara 3 también está ocupada por un sólo tema, Rollin' Stone. De este tema escrito por Muddy Waters el grupo se marca una contundente versión de más de 16 minutos. El título proviene de un antiguo provervio que dice algo así como "Una piedra que rueda no recoge musgo". La piedra rodante, al igual que un hombre, elige estar siempre en movimiento, y vive así por elección, en lugar de establecerse para crear una familia. Deambula por el vecindario y visita a las damas cuando sus esposos no están en casa. 

La cara 4 cierra este mítico direco con dos temas, Hallelujah I Love Her So, una brillante versión del tema de Ray Charles. Esta Canción de Ray es un testimonio de la liberación gozosa del amor, y originalmente tenía unos grandes arreglos de trompeta y un memorable solo de saxo tenor; y I Don't Need no Doctor, para el que escribe, la canción más memorable del directo y que se encarga de cerrarlo en lo más alto. Este tema es una versión del tema que escribieron Nick Ashford y Valerie Simpson, que eran pareja y formaban un famoso equipo de composición y producción, junto con Jo Armstead, famosa cantante y compositora de soul. La primera vez que el tema aparece publicado es en agosto de 1966, siendo el propio Nick Ashford el que la graba. A ésta le seguirá en octubre de 1966 la versión de Ray Charles. Habría que esperar tres años, concretamente 1969 para que la banda de garaje rock The Chocolate Watchband la la grabe. Dos años depués sería rescatada por Humble Pie, con la particularidad que serían los primeros en grabarla en directo. Luego la versionaran bandas de estilos tan dispares como Newu Riders Of The Purple Sage, WASP, The Nomads, Styx, Beth Hart, The Sonics, Robben Ford ó Vixen entre otros. La que más exito ha logrado alcanzar hasta la fecha es la que nuestros amigos de Humble Pie se marcaron, no es para menos, pues la versión que Marriot, Framptom, Ridley y Shirley nos regalaron es brutal y forma parte de la historia del rock.

0764 - I looked away - Derek and the Dominos

0764 - Derek and the Dominos - I looked away

I Looked Away es una canción escrita por Eric Clapton y Bobby Whitlock, y originalmente lanzada por la banda de blues rock Derek and the Dominos, como tema de apertura de su álbum debut de 1970, Layla and Other Assorted Love Songs.

Layla and Other Assorted Love Songs es el primer y único álbum de estudio del grupo Derek and the Dominos, publicado por las compañías discográficas Atco y Polydor Records en noviembre de 1970, I Looked Away sería la primera canción de ese álbum.

Tras su publicación, Layla and Other Assorted Love Songs obtuvo buenas críticas de la prensa musical y un éxito comercial moderado, I Looked Away, con el corazón en la mano, Eric Clapton abre con esta hermosa balada de amor, triste y sincera. Compartiendo el micrófono con el tecladista Whitlock y un solo muy simple

Daniel 

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Björk - Debut (Mes Björk)

 

Debut es el comienzo perfecto para Bjork, el paso en el que pasa de ser una integrante de un grupo musical en el que pasa a pasear su nombre por el mundo entero y ser ella misma la única protagonista, un camino que se inicia en este 1993 y que lo hace dejándonos un reguero de autor y un talento incomparable que le serviría para ser amada, reverenciada y respetada internacionalmente. Lo principal de este álbum es que nos encontramos a Bjork simplemente como es ella, es su esencia, su música, su arte, desprovisto de cualquier ropaje, Post puede interpretarse como esta gran mezcla de estilos y maravillas que imita la amplitud de personalidad de Bjork, Debut simplemente muestra cuán expansiva se volvería con un álbum tan ruidoso y contundente como Debut, un debut descarado, ruidoso y maravillosamente divertido que revela complejidades que tienes que mirar de cerca para disfrutar del laberinto en el que estas a punto de sumergirte.

 Human behaviour, fue el primer y en ese momento inicio una carrera en solitario muy prometedora, es un tema que nos deja una fotografía perfecta de Bjork, donde la encontramos como un individuo único ubicada en algún lugar de las grandes masas de humanos confusos. La canción no es solo una crítica de la sociedad es más una mirada irónica a la personalidad especial de Bjork, ese rechazo a la lógica, y ese impulso continuo, presente en futuros temas como Isobel y Bachelorette, de centrarse en el instinto y el corazón. La percibimos como una gran canción de baile, con coros bien colocados y una guitarra eléctrica notablemente buena de fondo, instrumento que tardaría en aparecer en el trabajo de Bjork, por lo que es interesante ver aquí lo que nos muestra. Crying se basa en un ritmo de cuatro en la base, con pequeños pulsos de percusiones metálicas y una pista de acompañamiento de bajo de piano funky. Desde una perspectiva de sonido, una vez más, esta canción se basa en una percusión fuerte que se desarrolla a lo largo de la canción hasta la mejor parte: el puente. La instrumentación similar a un piano sintético también acompaña a Bjork en el clímax. Es una de esas canciones escritas desde el punto de vista de una persona tímida y, sin embargo, es extremadamente emotiva, la forma en que canta las primeras líneas del segundo verso es particularmente adorable. En la canción descubrimos a Bjork bastante vulnerable, describiendo la grandeza de la ciudad, y las diferencias entre su hogar y Londres, y como la aflige el deseo de una conexión de amor. Debut se destaca por mostrar la vida y el amor, y Crying combina bien esos temas. 

El ritmo de baile palpitante de Venus as a Boy es instantáneamente pegadizo, los tambores indios llamados tablas se suman a ese aura de baile, y las cuerdas grabadas en Mumbai crean una maravillosa fusión de Bollywood y Londres. La voz de Bjork está llena de humor irónico y amor claro, hay un idealismo en esto, terrenal y sexual, pero todavía soñador. Bjork canta en pulsos, permitiendo que las cuerdas y las campanas le den tiempo para respirar antes de que el pulso de la instrumentación la traiga de vuelta. Me gusta cómo Bjork añade algo tangible a su amor: un planeta, una diosa del amor, y compara su amor con él. There's more to life than this, en esta canción me encanta el ritmo del club, me encanta para el baile que es esta canción, y me encanta lo perversamente que escuchamos a Bjork. Ella gime a través de algunas de sus palabras, muy íntimamente, pero me encanta el sentimiento de vida, que no se puede definir. Pero es una canción divertida, y aunque algunas personas piensan que esta es la razón por la que Debut es demasiado convencional o algo peor, están equivocados, muestra cómo es Bjork. Los coros mantienen el ritmo en movimiento y los breves interludios instrumentales muestran la experimentación melódica, una canción rebosante de diversión perversa, complejidad de múltiples capas y verdades honestas, tenemos una canción de fiesta que en realidad es anti-fiesta si nos detenemos en su letra.

Like someone in love es la versión de una canción de 1944, Bjork ejecuta esta canción a la perfección, el arpa es una excelente elección, permitiéndole expandirse fuera del camino coral original, es un instrumento que vamos a encontrar frecuentemente en Bjork, y me encanta cómo es capaz de pasar de la delicadeza coral al rasgueo casi abrasivo. Esta canción está teñida de amor, al tiempo que evita las voces cliché que pueden aparecer en una versión. Después de cuatro canciones de ritmo de baile nos encontramos esto. He escuchado algunas otras versiones de esta canción y, sinceramente, esta es mi favorita. Tal vez soy parcial, pero me da igual, percibo que Björk hace un buen trabajo al no exagerar con las voces y al mismo tiempo ofrecer una actuación emocional, eso está en el espíritu de Debut, un álbum que parece lleno de emoción y deseo y para ser una canción 'acústica' ubicada entre enormes números dance-pop, funciona sorprendentemente bien. Big time sensuality un ritmo sintético aparece al comienzo y luego se ira repitiendo a lo largo de la canción, la verdad era mejorable, menos mal que la voz distorsionada de Bjork pone un poco de orden y se las arregla ingeniosamente para introducir un poco de percusión en esta canción de baile, y la parte donde combina "Big time sensuality" con murmullos y gritos tiene un tono deslumbrante. One Day es inusual, encontramos con percusión murmurante y la voz de un bebé balbuceando al comienzo de la canción. Bjork canta en un tono optimista y pegadiza, pero se vuelve un poco tediosa después de unos minutos. Me encanta el optimismo de esta pista, de hecho, todo el álbum, pero su ejecución en esta ocasión no está a la altura, parece la banda sonora de un documental sobre la selva amazónica que verías en la escuela secundaria. Aeroplane es quizás lo más experimental en Debut, es brillante la forma en que combina instrumentos, creando casi cuatro pistas separadas que corren paralelas entre sí, pero cada una mantiene su individualidad, y su creatividad melódica. Para ello combina acordes aumentados con mayor y menor simultáneamente, conbina diferentes tonos simultáneamente, ¡y hace que SUENE BIEN! Eso muestra tanto la habilidad del artista como el talento del álbum. Comienza con un dúo de saxofones con notas de swing y batiéndose en duelo entre ellos, luego entra el vibráfono, tocando en un tono diferente, cambiando la atmósfera de la canción al instante, momento en que Bjork lleva la canción en una dirección completamente diferente, simplemente viaja a través de diferentes partes, todo está conectado, pero se puede compartimentar estrechamente en decenas de pequeñas partes, algunas repetidas, otras únicas. En cuanto a la letra, es una canción sobre el amor, algo que no se puede separar ni por la distancia ni por el tiempo. Es algo con lo que creo que todos podemos relacionarnos: el poder del corazón.

Come to me es seductora, está llena de amor cálido, no de amor frío, te envuelve con amor, menos sexual o físico, más emocional, más familiar: amor incondicional, y Bjork lo representa muy bien, con pequeños interludios en lo que suena como un piano tratado. Su interpretación vocal es maravillosa, permaneciendo en el alto amoroso y cariñoso antes de elevarse hasta un registro de soprano jubiloso. Es una canción de amor sana, y cuando Bjork dice “sabes que te adoro”, esa certeza hace la canción. Cuando dio un giro a la izquierda con Homogenic, puedo imaginar la decepción de algunos fans por haber abandonado este tipo de canción a favor de un enfoque más conflictivo. Esta canción me recuerda a acurrucarme con alguien, y ¿a quién no le encanta acurrucarse con alguien? Violently happy abruma, demasiado club, demasiado baile, llevado al máximo. Comienza con un solo vocal deformado de Bjork, y piensas que la canción va a ir en cierta dirección. Luego cambia de rumbo, trayendo bongos pegadizos, platillos y percusión. Esa idea de felicidad violenta, de exceso de vida y sobre todo de amor, es al menos ingeniosa. Hay una instrumentación pulsante que continúa una y otra vez, y la voz de Bjork es muy horizontal, apuntando siempre hacia adelante, está hecho de una manera llena de vida y diversión. Pero hay demasiada felicidad y ahora es violenta, has tomado una sobredosis de vida: Conducir coches demasiado rápido con música exultante, emborracharse demasiado, desafiar a la gente a saltar de los tejados. The Anchor Song y la vuelta del dueto de saxofones, Bjork y ellos realizan una llamada y una respuesta, que creo que funciona relativamente bien. La habilidad lírica de Bjork se destaca de sobremanera, es ella soltando un ancla, flotando en las tranquilas aguas debajo de la superficie. Pero musicalmente no es agradable, al menos no en la forma en que lo hizo el arpa en Like Someone in Love, pero tal vez esa sea la intención. The Anchor Song trata sobre el suicidio, algo que no creo que se mencione mucho sobre todo porque Debut era un álbum que sonaba muy feliz hasta este punto.

0763.- Layla - Derek and the Dominos

Derek and the Dominos fue uno de esos grupos "fantasma" surgidos de la colaboración de varios músicos, en este caso el guitarrista y cantante Eric Clapton ("Derek" era un pseudónimo con el que se le conocía habitualmente en algunos círculos de amigos), el tecladista Bobby Whitlock, el bajista Carl Radle y el baterista Jim Gordon. Como suele ocurrir con este tipo de grupos, la aventura de Derek y sus Dominos no tuvo un largo recorrido. Formados en 1970, lanzaron un único álbum de estudio, el aplaudido Layla and Other Assorted Love Songs, que incluso contó con el guitarrista Duane Allman de The Allman Brothers Band como artista invitado.

La idea general de Derek and the Dominos para el disco era reflejar en estado puro una banda de rock and roll, sin coros de chicas ni secciones de viento que recargaran los temas. Layla era la pieza más relevante de aquel impactante disco de blues rock, una canción de amor compuesta por Eric Clapton para Pattie Boyd, por entonces casada con George Harrison. Pese a que esta canción es, sin duda, uno de los momentos creativos más altos del aclamado guitarrista, en aquel momento no tuvo toda la repercusión que merecía, y no consiguió llegar al top ten de las listas de ventas hasta ya entrado el año 1972.

Layla fue grabada en dos sesiones de grabación separadas, la sección inicial de guitarra por un lado, y posteriormente la sección instrumental final en otra sesión diferente. Tras grabar la primera parte, Clapton echaba de menos un final mejor para Layla, y encontró la solución en una pieza de piano que había compuesto el baterista Jim Gordon para un proyecto en solitario. Al escucharla, Clapton le pidió incluirla como cierre, a lo que Gordon aceptó encantado, dándole a la canción ese cambio final tan espectacular sin el que la canción ya no sería la misma Layla.

0762.- The man who sold the world - David Bowie

The Man Who Sold the World fue compuesta por David Bowie y grabada para el disco del mismo título, publicado en noviembre de 1970 en Estados Unidos y en abril de 1971 en Reino Unido. El que fuera tercer álbum del cantante y músico británico estaba marcado por fuertes influencias del hard rock y el heavy en canciones basadas en setenteros riffs de guitarra, y fue la antesala del sonido que Bowie acabaría depurando para su obra maestra The rise and fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972).

Curiosamente, y además de en el disco al que daba título, la canción solo apareció inicialmente como cara B en los sencillos estadounidenses de Space Oddity (1972), Life on Mars (1973), y posteriormente en el single Strangers when we meet en 1995, en una versión regrabada y producida por Brian Eno. Hasta la actualidad, ha sido versionada por un gran número de artistas, sin duda embrujados por la inquietante historia sobre un hombre al que se le aparece un personaje extraño que parece ser su otro yo o un desdoblamiento de su propia personalidad, pero sobre todo, y más allá de la letra y la perfecta melodía, por el pegadizo riff de la canción.

El propio Bowie produjo y tocó el saxofón en la versión de la cantante escocesa Lulu de 1974, que fue un gran éxito de ventas, pero de todas las versiones, sin duda es la de Nirvana, grabada en directo para su Unplugged in New York (1993) la mejor y la más famosa de todas. Tal fue su repercusión, que hasta el propio Bowie la adaptó a la manera de Nirvana en sus interpretaciones en vivo, añadiendo una línea más dura de bajo y dándole un matiz aún más oscuro que el de su primera versión, no volviendo a la versión original hasta la década del 2000.

0761 - David Bowie - Black Country Rock

0761 - David Bowie - Black Country Rock

Black Country Rock es una canción del músico inglés David Bowie, incluida en su álbum del año 1970 The Man Who Sold the World. La canción se grabó en mayo de 1970, y las sesiones se llevaron a cabo en Trident y Advision Studios en Londres. 

La grabación contó con David Bowie en la voz principal, el guitarrista Mick Ronson, el bajista y productor Tony Visconti, el baterista Mick Woodmansey y Ralph Mace en el sintetizador Moog. La canción fue compuesta principalmente por Ronson y Visconti, quienes la desarrollaron utilizando un boceto básico de una canción de David Bowie. Editada bajo el título provisional Black Country Rock, David Bowie usó el título para escribir la letra hacia el final de las sesiones, lo que resultó en un verso y un coro repetidos de dos líneas. Un número de blues rock y hard rock, David Bowie imita a Marc Bolan de T. Rex en su interpretación vocal.

Desde su lanzamiento, Black Country Rock ha recibido críticas positivas de críticos musicales y biógrafos, quienes en su mayoría han elogiado la actuación de la banda. Algunas publicaciones la han catalogado como una de las mejores canciones de David Bowie. La canción, que también apareció como cara B del single "Holy Holy" en enero de 1971, se incluyó en la caja de Sound + Vision en 1989. 

La canción fue remasterizada en 2015 como parte de Five Years (1969-1973) box set y fue remezclado por Visconti en 2020 para celebrar su 50 aniversario.

Daniel 

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0760.- All the Madmen - David Bowie

All the Mamen, David Bowie

 

     Abril de 1969, por esas fechas David Bowie  contrae matrimonio con Angela Barnett, modelo, actriz y periodista que tuvo en el artista un gran impacto. Después de contraer matrimonio, Bowie da un golpe de timón y deja a su manager Ken Pitt, con el que tendrá un largo litigio, y contrata a Tony Defries. También es consciente de que una de las carencias de los discos anteriores era la de no disponer de una banda permanente, y reúne para la ocasión a un grupo de músicos a tiempo completo: Hablamos del baterista John Cambridge, Tony Visconti al bajo y Mick Ronson a la guitarra.

La banda finalmente decide autodenominarse Hype, y al igual que Bowie, que suele disfrazarse en el escenario y crear personajes, también ellos crean su estética y sus propios personajes,  diseñando los glamourosos trajes de las pretenciosas Arañas de Marte. Sin embargo, después de un concierto francamente desastroso, la banda vuelve al segundo plano de toda banda de acompañamiento, aunque las arañas ya habían llegado para quedarse y, poco después, el 17 de abril de 1970, Bowie y los demás comienzan, a caballo entre los estudios Trident y los estudios Advision de Londres, a trabajar en el tercer álbum de estudio del artista. Durante la grabación, surjen problemas entre el cantante y el baterista Cambridge, cuyo estilo no es del agrado de un Bowie exigente, que le acusa de estar estropeando su trabajo. Cambridge acabará dejando la banda, siendo sustituido por Mick Woodmansey.

Finalmente, el 22 de mayo Bowie, acompañado de Ronson, Visconti y Woodmasey, con la colaboración de Ralph Mace con los sintetizadores, y bajo la producción de Tony Visconti, finaliza la grabación de The Man Who Sold The World, publicado por la discográfica Mercury Records en noviembre de 1970 en Estados Unidos, y en abril de 1971 en Reino Unido. El resultado es un disco que, si bien sigue la línea de sonido folk y acústico de sus anteriores discos, empieza a sumergirse en el blues rock y el hard rock. En cuanto a las letras, son más oscuras y explora temáticas como la esquizofrenia, la paranoia, la locura, la religión, la tecnología o la guerra.

El disco empleó dos portadas diferentes en Estados Unidos y en Reino Unido. La original fue lanzada en Estados Unidos y era obra de Michael J. Weller, y se basaba en una imagen de John Wayne, pero a Bowie no le gustó demasiado y reclutó al dibujante Keith MacMillan, quien diseñó una portada donde David Bowie posa con un vestido azul diseñado por el diseñador de moda Michael Fish. En cuanto a la recepción del disco, aunque recibe mejores críticas en Estados Unidos que en Reino Unido, resulta ser un fracaso comercial en ambos países. Posteriormente el disco ha sido reconocido por la crítica tanto por el sonido de la banda como por la naturaleza de la música y las letras, considerando éste disco como el comienzo del periodo clásico de Bowie.

Incluido en este magnífico álbum se encuentra All The Madmen, tema inspirado y escrito por Bowie para su hermanastro Terry Burns, diagnosticado de esquizofrenia e internado en el Hospital Cane Hill de Londres. El tema habla de la locura y hace referencias a la lobotomía, a los tranquilizantes y a la terapia del electro-shock. El trabajo de Ralph Mace con los sintetizadores unido al de Mick Ronson a la guitarra le acaba dando un toque desgarrador al tema. La canción abre únicamente con voz y guitarra acústica, ya en el segundo verso se van incorporando platillos y grabadora creando una premeditada atmósfera de demencia para luego pasar a transformarse en todo un tema rockero con la guitarra distorsionada tocada por Mick Ronson y el sintetizador Moog tocado por Ralph Mace. La canción pasa por una parte más melódica para acabar otra vez con los esos pesados y riffs contundentes de guitarra hasta acabar la canción, lo que hace que Bowie nos contagie de esa locura premeditada en la canción. 

0759.- The Width Of A Circle - David Bowie

The Width Of A Circle es la canción de apertura del tercer álbum de David Bowie, The Man Who Sold The World,  y fue su primer salto creativo en la década de 1970: Basándose en elementos de folk tradicional para su sección de apertura e imbuyéndolos con una sensación de rock más duro, la letra muestra a Bowie conversando con un monstruo (que es él mismo), disfrutando de un brumoso encuentro sexual por el cual su reputación queda en cuestión. Como si esto no fuera suficiente, la melodía luego se rompe en un trote insistente y nada menos que el mismo Dios aparece e intenta atraer a Bowie a una experiencia homoerótica entre pozos de fuego y serpientes venenosas. El riff de introducción es excelente, que continúa muy bien en la parte principal de la canción donde disfrutamos de un bajo y una percusión realmente geniales, acentuados aún más durante la sección donde hay simultáneamente un solo de bajo y guitarra. Para cimentar aún más esta canción como uno de los innumerables momentos increíbles en la carrera de Bowie, la canción cambia en el punto medio y se convierte en una versión más lenta y emocional del riff de introducción, esta vez con voces, antes de explotar en algo extremadamente divertido. Una de las canciones más polémicas de cualquiera de sus álbumes, ya que no solo trató los temas altamente controvertidos de la homosexualidad y la confusión religiosa.

En 1971, durante su primer viaje a Estados Unidos, Bowie concedió una entrevista a la revista Zygote, la publicación cerró antes de que se pudiera usar la entrevista, y esa conversación finalmente surgió a la luz en 2016 después de la muerte de Bowie. En él habló sobre el varias de sus canciones. “The Width Of A Circle cubre un período desde que tenía unos 17 años hasta justo antes de grabar este álbum, mi próximo álbum va a ser totalmente diferente a cualquiera de estos dos”. Bowie originalmente tenía la intención de que The Man Who Sold The World fuera mitad eléctrico, mitad acústico, al estilo de Bringing It All Back Home de Bob Dylan, aunque la idea la abandonó rápidamente, se sabe que 'The Width Of A Circle' es una de las tres canciones traídas a las sesiones que fueron escritas para guitarra acústica. El magnífico trabajo de Mick Ronson y la sección rítmica es quizás más evidente en el arreglo de ocho minutos, una verdadera actuación de conjunto que fue más larga que la interpretada por Bowie en los meses anteriores y contó con varias partes: la apertura de hard rock, con el solo de guitarra extendido de Ronson; una segunda sección más lenta respaldada por una guitarra acústica rasgueada; la parte 'Date la vuelta, vuelve' en tiempo triple; y finalmente una repetición de la segunda sección. Bowie ya había escrito la mayor parte de la canción, antes de entrar al estudio, era una de las pocas canciones que estaba casi completa cuando empezaron a grabar. La segunda parte de la canción no existía hasta que se les ocurrió improvisando en el estudio, Bowie agregó una melodía y voces a esa parte más tarde.

David Bowie grabó 'The Width Of A Circle' en dos ocasiones para la radio de la BBC, ambas anteriores a la grabación de estudio de The Man Who Sold The World, la primera fue para una edición de The Sunday Show, grabada el 5 de febrero de 1970 y transmitida tres días después. Bowie estaba respaldado por Mick Ronson a la guitarra, Tony Visconti al bajo y John Cambridge a la batería. Esta fue la primera aparición de Ronson como guitarrista de Bowie, aunque anteriormente había contribuido con la guitarra y las palmas en 'Wild Eyed Boy From Freecloud' en el verano de 1969. La primera grabación de la BBC de 'The Width Of A Circle' fue la más corta de todas las versiones lanzadas oficialmente de Bowie, con una duración de solo 4:42. 

Chaos And Creation In The Backyard - Paul McCartney #MesPaulMcCartney

 

Mientras innumerables fanáticos y críticos continúan adorando en el altar al deificado John Lennon, quien tuvo la “fortuna” dentro de la cultura pop de ser asesinado joven, McCartney ha estado sacando nuevos discos constantemente, por supuesto, no todos merecen elogios: es bastante difícil olvidar el doloroso y recauchutado Give My Regards To Broadstreet, pero igualmente difícil negar la potencia estética de la psicodelia caprichosa y sin disculpas de Ram o Flaming Pie, folk teñido de nostalgia, el album Chaos And Creation In The Backyard , lo prepara para obtener el respeto que se merece. Fácilmente es su mejor álbum en décadas, ¿Por qué? Todos los instrumentos en el álbum son de McCartney. Su banda principal de los últimos quince años (por cierto, fácilmente la mejor desde The Beatles, ya que Wings es una banda en el sentido más amplio posible) está presente, pero está claro que este es principalmente un álbum de Paul y todo este esfuerzo realmente ha valido la pena y no es solo porque se entregue a la nostalgia de los viejos tiempos, simplemente deja que la música fluya libre y natural con la ayuda del apreciado músico Jason Falkner y el productor de Radiohead Nigel Godrich. Este excelente álbum debería haber ganado el Grammy por álbum del año o al menos como mejor álbum pop masculino, al menos obtuvo un éxito crítico casi unánime y fue un éxito comercial interesante, alcanzando el puesto 6 en la lista de álbumes de Billboard y el 10 en el Reino Unido llegando llegó al top 5 en varios otros países. A los 63 años, McCartney sigue disfrutando de su música, del estudio, siendo creativo y haciendo que cada álbum sea totalmente diferente al anterior ayudado por el productor Nigel Goodrich, quien reprende con buen gusto y desafía a McCartney, obteniendo como resultado algunos momentos realmente profundos.

Comenzamos con Fine Line, una cancioncilla divertida tiene una melodía especial (como Paul siempre es capaz de hacer) nos ofrece una apertura de lo más optimista, divertida y estilística con su impecable trabajo de piano, su explosión de violín y su género pegadizo. Cambiamos y disfrutamos de How Kind of You, una buena canción "roquera" de Paul, que a diferencia de muchos de los momentos en solitario de Rocker Paul no es forzada, sino natural. El sonido y la influencia de Nigel realmente destacan en esta canción que es melódica y a la vez un poco más oscura que sus melodías sobresalientes habituales, destacando su parte instrumental. Jenny Wren contiene ese Paul que sabe trabajar con sus dedos, una hermosa joya acústica que ha sido la presentación en vivo más destacada de este disco, sus estilos acústicos están en la línea de BLACKBIRD. Esta canción fue el segundo sencillo y alcanzó el puesto 22 en el Reino Unido y es, con mucho, una de sus mejores canciones en el álbum. At the Mercy es una continuación de la producción de Nigels que se combina muy bien con la maestría musical de McCartney. El puente y los pequeños y agradables rellenos de guitarra son geniales. Friends to Go, ha sido descrito como una sugerencia estilística del difunto George Harrison. suena como una canción al estilo de Harrison, incluso como una cara B perdida de los Beatles. Es una canción pop breve, pegadiza y profunda con fantásticos coros y maestría musical. English Tea, suena súper británico, lo que en realidad es extraño en Paul McCartney, vale no es del todo inusual, pero es algo que realmente no explota lo suficiente, suena agradable al estilo antiguo que suena similar a For No One. Algunas personas odian esta canción, pero tiene encanto y es posible que te encante.

 

Too much rain, es una canción sobre las trampas de la depresión y la importancia de la esperanza y la fe en que se puede aliviar la mayoría del sufrimiento. Suena casi como una canción de Coldplay, solo que mucho mejor, esta canción ha sido destacada como una de las mejores. A continuación, se lanza un sabor latino acústico con A certain Softness, que es una hermosa serenata con Paul mirando hacia atrás antes de los Beatles a una época en la que la música era atemporal y encantadora. Paul entra en territorio extranjero en Riding to Vanity Fair, una canción oscura e inquietante que se suma al estado de ánimo sorprendentemente oscuro que acecha este álbum de vez en cuando. La siguiente es una animada canción pop Follow me con mucha magia en el medio. Esta fue la primera canción interpretada de este álbum mucho antes de su lanzamiento. El ritmo se acelera con la siguiente canción Promise to you girl, que comienza con un buen piano, luego se activan algunas armonías al estilo Beatle/Queen, resalta su piano optimista que inicia esta canción alegre y pegadiza que sería un sencillo neto. Es la canción mejor construida del álbum con muchos cambios de tiempo, pasajes instrumentales, pausas de guitarra, armonías y cambios de humor. Es como si tuviera un comienzo, un medio y un final. Dos baladas notables cierran este álbum This Never Happened Before que es ampliamente promocionada como un futuro sencillo y es una reminiscencia de sus primeras baladas de piano WINGS, es una gran canción de amor. Anyway se está convirtiendo rápidamente en quizás su mejor balada en 15 años, termina el álbum con una vibra positiva. Espera que esto no ha terminado, Paul ha añadido 3 improvisaciones instrumentales que son ingeniosas y, a veces, psicodélicas, incluso sucias.

Este es un disco puro de Paul... parece que lo hizo para sí mismo, en lugar de satisfacer los caprichos rabiosos de Macca-ites, y bueno, creo que es mucho más gratificante escucharlo. Unos envejecen, otros maduran... Y McCartney con Chaos and Creation in the Backyard y sus últimos trabajos prueban que aparentemente pertenece a los pocos de la segunda categoría. Tranquilo, tranquilo, relajado y sin la intención obvia de tratar de vender álbumes, sino solo de grabar algo que lo complazca a él mismo en primer lugar.

Boogie Down Productions - Criminal Minded (Píldora #20)

 

A mediados de los 80, el hip-hop estaba saliendo de su infancia y entrando en su adolescencia, casi al mismo tiempo del auge del género, Nueva York estaba en medio de una epidemia de crack que vio un gran aumento en el crimen. Sin embargo, la música que producían los artistas antes mencionados no reflejaba el estado de las calles, sino el mundo materialista en el que vivían los artistas. Este es el momento en el que Lawrence Parker empuña una pistola y varias granadas en la portada de su álbum debut, junto a él, Scott Sterling, más conocido como Scott La Rock aparece también con un arma en la mano. Es una elección que revolucionará el hip hop, nadie en el que será considerado el género musical más violento se había atrevido a tanto. Este gesto y algunos versos de "9mm Goes Bang" suelen llevar a afirmar que el álbum facilitó el nacimiento del gangsta rap, especialmente en la Costa Este, donde estaba casi ausente. Parker y Sterling se criaron en el Bronx, pero no son mafiosos, Sterling es hijo de divorciado, criado por su madre, brillante estudiante y brillante deportista, licenciado, pero cuando deja de lado sus sueños de gloria decide invertir tiempo y energía en la música en el papel de disc jockey de hip hop en clubes locales. Y trabaja, como trabajador social en una institución para personas sin hogar y entra en contacto con Lawrence Parker, un joven que ya había demostrado habilidades en la escritura, los dos deciden formar un grupo de hip hop, Boogie Down Production.

Aunque es cierto hasta cierto punto, la reputación que tiene Criminal Minded es muy exagerada, sí, habla de desafiar a sus rivales y sus encuentros con azadas de crack, pero eso son solo dos canciones. Supongo que eso plantó semillas de algunos de los temas de los que los raperos gangsta hablarían más tarde. Pero déjame aclarar el concepto erróneo; la mayor parte de Criminal Minded es rap de batalla. Incluso en algunos de los raps de batalla, escuchas a KRS-One "enseñando" un poco. Temas como "South Bronx" (que se lanzó como sencillo un año antes) y "The Bridge is Over" se encuentran entre algunos de los temas disidentes más famosos en la historia del hip hop.

Sterling tuvo una violenta y prematura muerte en 1987. Su amigo y compañero en BDP Derek “D-Nice” Jones había sido asaltado varias veces por algunos pandilleros locales y le pidió a Sterling que intentara calmar un poco la situación. Al día siguiente, Sterling y un grupo de amigos conducían un Jeep Cherokee rojo con capota de fibra de vidrio cuando llegaron a la cuesta en la que vivían los pandilleros, en la Avenida Morris de South Bronx. La intención de Sterling y sus amigos era la de intentar calmar la situación con los pandilleros, pero uno de éstos sacó una pistola y empezó a disparar sin sentido.

0758 - Spirit - Nature's way

0758 - Spirit - Nature's way

Spirit fue una banda de rock estadounidense, formada en 1967 en Los Ángeles, California. Tras una larga y azarosa historia, el grupo dejó de existir como tal debido a la muerte de su líder Randy California en 1997. Pero nos ha dejado esta canción que no morirá. 

Nature's way es una reflexión sobre la mortalidad, y también un lamento por el destino de la Tierra, ya que la naturaleza nos está diciendo que algo anda mal. La canción fue escrita mucho antes de que el cambio climático se convirtiera en un tema candente, pero incluso en 1970, algunos compositores de mentalidad ecológica estaban preocupados por la Madre Tierra.

Fue escrita por el guitarrista de Spirit, Randy California. Era una canción muy personal, y en cierto modo, su máxima canción escrita por el autor. 

La canción trata de cómo te guía la naturaleza, y eso es justo lo que hizo a lo largo de su carrera. Spirit alcanzó el puesto 25 en EE. UU. en 1969 con "I Got A Line On You", una canción de su segundo álbum, pero el grupo se mantuvo al margen del gran éxito, en parte porque rechazaron una invitación para tocar en Woodstock.

Randy California se metió mucho en el LSD. En 1970, estaba montando a caballo en las calles de Topanga Canyon cuando se cayó y se fracturó el cráneo. El mismo año, escribió "Nature's Way", que se incluyó en el cuarto álbum de Spirit, Twelve Dreams of Dr. Sardonicus. Randy California dejó el grupo en 1972 y la banda se separó poco después. El álbum Sardonicus encontró seguidores y finalmente vendió más de un millón de copias, lo que provocó una desafortunada reunión de la banda en 1976. Randy California murió en 1997 a los 45 años cuando se ahogó en Hawai.

Daniel 

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0757.- Truckin' - Grateful Dead

Truckin' se presentó por primera vez el 18 de agosto de 1970 en el Fillmore West, fue la primera canción, otras primicias de esa noche incluyeron "Ripple", "Brokedown Palace" y "Operator". Es una canción semiautobiografia, estamos ante una canción autobiográfica en la que el estribillo decía "qué viaje tan largo y extraño ha sido", en referencia a las giras de conciertos que estaban desarrollando, lo más curioso es que fue 5 años después de que el grupo hiciera su primera actuación en vivo, si les parecía mucho tiempo después de cinco años, ¿cómo debe haber parecido después de 10, 20, 25…? ¿Comenzó a parecer que toda esta vida era solo un sueño? La letra fue escrita bajo presión, en el estudio, durante la grabación de American Beauty, con Hunter corriendo de un lado a otro con versos escritos apresuradamente, como autoría está acreditada a Jerry García, Bob Weir y Phil Lesh. Hunter obtiene el crédito por la letra. Y Hunter tomó el esbozo básico de algunas de las aventuras y desventuras de la banda y las desarrolló con características memorables, destacando sus viajes por el país con referencias específicas a lugares y sucesos. En el proceso, se le ocurrió un estribillo que constaba de un par de frases que ahora están, eternamente, en la psique cultural: “A veces la luz está brillando sobre mí / Otras veces apenas puedo ver. Últimamente se me ocurre / Qué viaje tan largo y extraño ha sido.” En el camino, la banda se encuentra con la realidad de la vida en el camino, donde todas las ciudades se mezclan en una sola ciudad: "todas son la misma calle". Se mantienen unidos, más o menos en fila, mientras hacen lo que les gusta con determinación: llevar su música a todos los rincones del país, sean bienvenidos o no. Se encuentran con la hostilidad en Nueva Orleans, con su famoso arresto. Lesh señala, al hablar de la canción, que sus primeros días de gira son anteriores a la "burbuja del rock and roll", en la que las principales bandas de rock obtenían una especie de pase libre por infracciones, pasan tiempo en habitaciones de hotel, pero todo resulta agotador y aburrido, ¿tal vez es hora de quedarse en un sitio? Pero saben que cuando todo haya terminado, y finalmente estén en casa, lamiéndose las heridas y remendándose los huesos, pensaran que es hora de comenzar todo el proceso de nuevo.

Pero más allá de la curiosidad autobiográfica de la canción y las historias que cuenta o insinúa, varios de los miembros de la banda también comentan que la canción atrajo a los oyentes de la banda de una manera especial. (Lesh señala que fue lo más cerca que estuvieron de un éxito en American Beauty), captura los altibajos que todos sentimos a medida que nos abrimos paso en la vida: "lleva tiempo: eliges un lugar para ir y simplemente sigues adelante", con la luz brillando sobre ti a veces y a veces eligiendo tu camino en la oscuridad. Esta es la canción de la propia historia de la banda. Otras bandas han escrito sus propias canciones de historias a lo largo de los años, pero no puedo pensar en ninguna que realmente capture el sentimiento de aventura, valentía, añoranza por el hogar y reconocimiento de los ciclos de nuestra existencia de la misma manera que Truckin'. La canción se interpretó 520 veces, colocándola en el número 8 en la lista de canciones más tocadas.

El disco de la semana 312: Parte de la religión - Charly Garcia

El disco de la semana 312: Parte de la religión - Charly Garcia

Hemos llegado a la semana 312 proponiendo álbumes de artistas, reconocidos y no tanto, novedades y glorias de rock, y si hablamos de glorias del rock, estas son las que no deberíamos olvidarnos nunca y diría más, las que tenemos la obligación de enseñar a las nuevas generaciones. Muchachos el rock se pierde si no lo pasamos a las nuevas generaciones.

Y hablando de glorias del rock, les voy a recomendar un disco de Charly Garcia, para los que no lo conocen Charly es uno de los mejores artistas argentino si hablamos de Rock Argentino, no quisiera exagerar, aunque me parece que si lo voy hacer, Charly esta desde el inicio del Rock Argentino, creando, cantando y haciendo lo mejor que sabe hacer Rock.

Por ello sin más señores y señoras, hoy les traigo Parte de la religión un álbum cargado de éxitos de este artista. Parte de la Religión es el cuarto álbum de estudio que editará como solista Charly García. Fue producido por el mismo junto a Joe Blaney y fue lanzado al mercado en 1987 por las empresas discográficas Columbia y Sony Music. Y es considerado por la crítica especializada como uno de los discos más prolijos y compactos en la carrera del músico, desde la tapa hasta el contenido de las letras, vamos que nos encontramos con uno de sus mayores éxitos.

En este álbum se encuentran algunas de las canciones más reconocidas y escuchadas de Charly García, como Rezo por vos y Buscando un símbolo de paz. Junto a otros de sus singles donde se destacan las canciones Rap de las hormigas, No voy en tren y La ruta del tentempié.

En las presentaciones en vivo del álbum Parte de la Religión, estarían acompañada por una nueva banda de músicos que acompañarían a Charly García en sus giras, entre ellos estaban Carlos García "El Negro" López en guitarra, Fernando Lupano en bajo, Fernando Samalea en batería, Fabián "Zorrito" Von Quintiero en teclados, Alfi Martins en teclados y Fabiana Cantilo en coros, algunos de ellos incluso formaron parte de los artistas que grabaron el álbum.

En Parte de la Religión, Charly García toca casi todos los instrumentos, excepto la batería. En Rap de las hormigas lo acompaña la banda brasileña Os Paralamas do Sucesso en batería, bajo y guitarra y en Buscando un símbolo de paz, su gran amigo David Lebón realiza un solo de guitarra eléctrica. La canción El karma de vivir al sur está dedicado a Migue, su hijo, que por esos años se había mudado con él. Charly García.

Como hemos dicho, donde Charly Garcia editaría los siguientes singles, No voy en tren, Rezo por vos, La ruta del tentempié, Buscando un símbolo de paz, el Rap de las hormigas entre otros, unas verdaderas joyas del rock argentino y de este artista. Una curiosidad la canción Necesito tu amor seria la encargada de abrir siempre los conciertos de la gira de Parte de la Religión. Así que amigos del rock no se pierdan esta joya del Rock Argentino que hoy les recomiendo para tener en cuenta.

Daniel
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0756.- Ripple - Grateful Dead

 

Ripple, Grateful Dead

     El 1 de noviembre de 1970 la banda de rock estadounidense Grateful Dead publica su quinto álbum de estudio, American Beauty. El disco es grabado en los Wally Heider Studios de San Francisco bajo la producción del propio grupo y del productor e ingeniero discográfico estadounidense Steve Barncard, y publicado por el sello discográfico Warner Bros. Records. El disco daba continuidad al estilo de folk rock y música country de su anterior trabajo, Workingman's Dead, publicado a comienzos de 1970.

El disco, tras su lanzamiento, consiguió entrar en la lista estadounidense Billboard 200, consiguiendo escalar hasta el puesto número 30 durante las diecinueve semanas que estuvo en dicha lista. En julio de 1974 fue certificado como disco de Oro por la Recording Industry Association of America, consiguiendo la de Platino y Doble Platino en 1986 y 2001 respectivamente. En 2003 la revista Rolling Stone situó American Beauty en el puesto 258 dela lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, en el puesto 261 en 2015 y en el puesto 215 en 2020.  

La asociación de Jerry García y Robert Hunter (este último había producido dos álbumes de estudio de la banda en un año) consiguió grandes resultados, traducidos en este disco. La única diferencia con las anteriores asociaciones de la pareja es que esta vez el resto de miembros de la banda pudieron aportar cosas a las composiciones. 

Incluido en este álbum se encuentra Ripple, una canción grabada en estilo country-folk. Las letras de Hunter, como pasa en este tema tambén, a menudo eran muy poéticas y estaban sujetas a la interpretación de cada uno. La canción nos anima a seguir cada uno nuestro propio camino. La música fue compuesta por Jerry García y tiene una melodía similar al himno del evangelio Because He Live (Porque él vive), que fue publicado un año después. Ambos temas además son similares a Any Dream Will Do, del musical Tim Rice Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat de Adrew Lloy Webber, aunque se especula que es poco probable que Jerry hubiera escuchado el tema y lo conociera, pues no se lanzó ninguna grabación hasta 1970. Hay quien ha afirmado que entre Ripple y el Salmo 23 del Antiguo Testamento existen múltiples conexiones. Así por ejemplo, el arpa mencionada al principio sugiere el instrumento musical que tradicionalmente acompañaba a los salmos. También el agua quieta, la taza, el camino por la noche y otras numerosas piezas hacen que este sector sugiera dicha conexión. Otra curiosidad del tema es que los miembros del grupo trajeron a unas 30 personas, entre amigos y vecinos, todos cantantes sin formación, para cantar el coro final, como si de un servicio religioso cualquiera se tratara.

0755 - Grateful dead - Friend of the devil

0755 - Grateful dead - Friend of the devil

Friend of the Devil es una canción grabada por Grateful Dead. La música fue creada por Jerry García y John Dawson y la letra es de Robert Hunter. Y se encuentra en su segunda álbum American Beauty de Dead de 1970, en el segundo lugar de las canciones que tiene el álbum. 

La canción es en gran parte acústica, como la mayoría de American Beauty.  Es conocido por el riff de guitarra que García toca en el registro de bajo.  

La canción se encuentra entre las canciones más versionadas escritas por Grateful Dead;  Hunter declaró más tarde, "eso fue lo más cerca que hemos estado de lo que puede ser una canción clásica".

La canción se presentó en un concierto el 20 de marzo de 1970 en el Teatro Capitol en Port Chester, Nueva York.  Después de la pausa de gira del grupo de octubre de 1974 a junio de 1976, la canción se interpretó en un arreglo significativamente más lento con solos de guitarra y teclado extendidos. 

Loggins y Messina, cuya versión de la canción fue ralentizada, podrían haber inspirado a Grateful Dead a hacer lo mismo.  En la historia más reciente, Phil Lesh and Friends han realizado una versión más animada similar a la original.

Hunter toca una versión ligeramente diferente en su álbum (lanzado solo en formato LP) Jack O'Roses.  Agrega un verso final:

"Puedes pedir prestado al Diablo / Puedes pedir prestado a un amigo / Pero el Diablo te dará veinte / Cuando tu amigo solo recibió diez"

Entre los cover hechos de Grateful Dead se encuentra el de Bob Dylan y Tom Petty que también han versionado la canción en un concierto, incluida la interpretación de Petty de 1997 de la pista disponible en su álbum The Live Anthology y su actuación en vivo en el Festival Hangout de 2013. Se lanzó una versión en vivo de Dylan en Stolen Roses (Songs Of The Grateful Dead).

Daniel 

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Run Devil Run - #MesPaulMcCartney

Run Devil Run, Paul McCartney

En 1997 Paul McCartney publica su décimo álbum de estudio, Flaming Pie, y a finales de ese mismo año publica también su segundo trabajo de música clásica, Standing Stone, pero la intensa actividad de Paul se ve frenada por la muerte de su esposa Linda McCartney, a causa de un cáncer, en abril de 1998. Es entonces cuando Paul decide retirarse temporalmente de la música.

Tras estar un año retirado decide grabar un álbum, su intención es hacerlo lo más rápido posible para mantener la frescura y hacerlo como lo solía hacer con The Beatles en sus primeros años, por lo que decide contratar a Chris Thomas como productor, el cual ya había trabajado con él anteriormente, como ingeniero de The Beatles y luego como productor del disco Wings Back to the Egg!. Para dicha tarea decide grabar en los Abbey Road Studios de Londres. Así nace Run Devil Run, un proyecto que Paul había estado planeando durante años con su mujer Linda. El disco es grabado en tan sólo una semana y está compuesto por versiones de temas de rock and roll de los años 50, una de las pasiones de Paul, y por tres temas nuevos del artista. 

Paul quiere trabajar en este nuevo proyecto lo más a gusto posible, y con esa esperanza se lanza a la búsqueda de músicos fiables y con empatía. Decide llamar entonces al guitarrista de Pink Floyd David Gilmour, al guitarrista Mike Green, quien había trabajado en su anterior proyecto Choba B CCCP, a los teclistas Pete Wingfield y Geraint Watkins, y a los baterías Ian Paice y Dave Mattacks. Todos estos músicos, de gran calidad contrastada, acuden a su llamada.

Run Devil Run es grabado entre el 1 de marzo y el 5 de mayo de 1999 (las primeras sesiones tuvieron lugar durante una semana en marzo, seguidas de otras pocas sesiones entre abril y mayo) en los Abbey Studios de Londres, bajo la producción de Chris Thomas y el propio Paul, y publicado el 4 de octubre de 1999 bajo el sello discográfico Parlophone. Paul se presenta con una lista de canciones que quiere tocar, procedentes de clásicos del rock and roll de su infancia, siente que tiene que volver a sus raíces musicales. El 14 de diciembre de 1999 Paul McCartney regresa al Cavern Club, el local donde saltó a la fama con The Beatles, para promocionar este álbum.

Run Devil Run consiste en tres temas originales de Paul McCartney: la propia Run Devil Run, tema escrito al estilo de Chuck Berry y que fue titulado así por una marca de sales de baño y aceite llamada Run Devil Run, Try Not To Cry y What It Is, esta última escrita unos meses antes de la muerte de Linda; y doce versiones que incluyen Blue Jean Bop, el mítico rock and roll escrito por Gene Vincent y Hal Levy y grabado por el propio Vincent con su banda de acompañamiento His Blue Caps; She Said Yeah, escrita y grabada originalmente por el músico estadounidense Larry Williams; la mítica All Shook Up, escrita por Otis Blackwell y Elvis Presley y popularizada por este último; No Other Baby, escrita por Dickie Bishop y Bob Watson. Esta canción había sido grabada originalmente por el grupo de Skiffle (música originada por  los trabajadores negros en Estados Unidos en la década de los años 20) The Vipers. Dicha versión había sido producida por George Martin, quien posteriormente se daría a conocer con The Beatles.

Lonesome Town, escrita por Baker Night y grabada originalmente por Ricky Nelson con el acompañamiento en los coros del cuarteto vocal The Jordanaires; Movie Magg, escrita y grabada por Carl perkins. Perkins había escrito esta canción contando con tan sólo trece años, y se basó en una historia real junto a su novia Maggie y sus salidas con ella los  fines de semana al cine. El cantante no tenía coche para llevarla al cine por lo que iban en una mula llamada Becky; Brown Eyed Handsome Man, un enérgico rock and roll escrito y grabado por el gran Chuck Berry. Chuck escribió la canción durante su estancia en California debido a una sere de giras que allí estaba dando Fue donde tuvo una mala experiencia al ver a un hombre hispano ser arrestado por un policía y como una mujer se acercaba a la policía gritando que le dejara marchar; Coquette, escrita por Johnny Green, Carmen Lombardo y Gus Kahn. La canción fue grabada oiginalmente por Guy Lombardo en 1928 consiguiendo un notable éxito. La canción aparecería posteriormente en la película de 1934 Cockeyed Cavaliers (Caballeros Torcidos); I Got Stung, escrita por David Hill y Aaron Schroeder, un pegadizo y divertido rock and roll popularizado por Elvis Presley; Honey Hush, un R&B original escrito por el cantante de blues, R&B y rock and roll Big Joe Turner; Shake a Hand, acreditada al trompetista y director de orquesta Joe Morris y grabada originalmente por la cantante de R&B Faye Adams en 1953, aunque la versión más conocida es quizás la de Little Richard hecha en 1959; y Party, brillante y enérgico rock and roll que se encarga de cerrar este magnifico álbum. La canción fue escrita e 1957 por Jessie Mae Robinson con el título de Let's Have a Party, y grabada por Elvis Presley para la Película Loving You de ese mismo año. La canción fue lanzada como sencillo en Reino Unido bajo el título Party. 

Run Devil Run es un magnífico disco de versiones de grandes temas del rock and roll, y Paul McCartney consigue conservar la frescura y dotar este magnífico tributo a su esposa y al rock and roll de los 50 de un sonido enérgico, actual y de gran calidad, apoyado de unos grandes músicos de primer nivel, y desde la elección de los temas hasta la grabación y la producción es acertada (ya sabemos como le gusta a Paul cuidar todos los aspectos que incluyen el proceso de grabación de un álbum, desde la composición de los temas hasta la publicación del disco). Un disco imprescindible si te gusta Paul McCartney y el rock and roll. 

 

0754.- The man in me - Bob Dylan

The Man in Me es una rara avis en la discografía de Bob Dylan. "Semi oculta" como décima canción de un disco que no está entre los más reconocidos del cantautor (New Morning, 1970), sorprende por ser una de las canciones más alegres y positivas de Dylan, dentro de un cancionero habitualmente más agudo, profundo y melancólico. Pese a esa particularidad tan evidente y diferenciadora, la revista Rolling Stone la incluyó en el nº 84, dentro de las "100 grandes canciones de Bob Dylan de todos los tiempos".

La canción tiene un toque bohemio y de exaltación, como si el protagonista fuera un borrachín eufórico que describe su estado de ánimo en ese momento, y sus aparentemente etílicos "la, la, las" contrastan con el tono góspel y de algún modo paródico de los coros. La instrumentación es también parsimoniosa y divertida, y con esos ingredientes, no extraña que fuera elegida por los hermanos Cohen para una de las escenas más oníricas e hilarantes de "El Gran Lebowski" (1998).

Desde entonces, me resulta imposible escucharla sin que vengan a la cabeza imágenes del "Nota", alucinando con que vuela por el cielo entre imágenes kitch relacionadas con su afición a los bolos, tras ser golpeado y privado de su bien más precioso: su alfombra del salón. La verdad, no se me ocurre mejor escena que esta, para reflejar el feeling que transmite The man in me, ni canción más diferente y curiosa en el cancionero de Dylan, una especie de "patito feo" que de repente echa a volar con una sonrisa en el pico, demostrando que, efectivamente, la respuesta estaba "soplando en el viento", pero que eso no implicaba que ese vuelo sin motor tuviera que ser triste.

0753.- Ride a White Swan - T. Rex

 

Ride a White Swan, T. Rex

Ride a White Swan es una canción de la banda inglesa T. Rex que fue lanzada como sencillo independiente. Dicho tema fue compuesto por el cantante, guitarrista y fundador del grupo Marc Bolan, grabado por el grupo el 1 de julio de 1970 bajo la producción del gran Tony Visconti y publicado el 9 de octubre de 1970 por el sello discográfico Fly. La canción sería posteriormente incluida en la versión estadounidense del álbum T. Rex (1970).

Esta canción se convertiría en el primer éxito de la banda, siendo considerada además por gran parte de la crítica especializada como el anuncio y nacimiento del movimiento glam rock, y eso que Bolan no llegó a utilizar la típica ropa de escenario. Lo de la ropa no llegaría hasta la promoción del sencillo Hot Love. Tal fue la importancia de este tema tanto para el movimiento como para la carrera de Marc Bolan, que tras su  fallecimiento en un accidente automovilístico en 1977, la gerencia de T. Rex rindió homenaje al artista colocando un gran cisne blanco hecho de flores entre los tributos florales exhibidos en el crematorio de Golders Green, en el norte de Londres, donde se llevó a cabo su funeral. Ride a White Swan, además de un gran éxito, fue el tema que convirtió en estrella a Bolan y le impulsó hacia la fama.

En primavera de 1969, después de tres discos acústicos de Tyrannosaurus Rex, y de tres sencillos lanzados con escaso atractivo y éxito, Bolan empezó a hacer la transición de basar el sonido de su banda en una guitarra eléctrica en vez de una acústica. En ese contexto nació su cuarto álbum de estudio, A Bear of Stars, con el nombre del grupo acortado a T. Rex,  publicado en marzo de 1970. En julio de ese año graba Ride a White Swan, un tema con una letra simple de cuatro estrofas, con la segunda repetida como la cuarta. El tema fue escrito en la casa que Bolan compartía con su mujer June en el oeste de Londres. Marc Bolan llegó sugerir en 1976 que escribió la canción después de que le dieran LSD. La canción está llena de referencias mitológicas, en un principio duraba menos de dos minutos y tenía cuatro pistas de guitarra en capas, con Bolan tocando un bajo Fender de Tony Visconti. Incluía también una pequeña sección de cuerdas pero sin batería, y el tempo se mantenía con una pandereta sincronizada y un aplauso grabado enun baño de los Trident Studios de Londres, elegido por el eco ambiental de aquella habitación. Para extender la canción a los aproximadamente dos minutos y cuarto que dura, Tony Visconti hizo un bucle de línea vocal "da da dee dee dah" de Marc Bolan al final de la canción, el cual se repite seis veces.

752.- If Not For You - Bob Dylan

Segundo album de Bob Dylan en el año 1970, pero en esta ocasión estamos ante un álbum mucho más serio que el anterior, Selfportrait, y también mucho más corto, Bob reduce el formato y vuelve al principio del disco 'ultracorto' que se mantendría durante la mayor parte de su 'período country'. En cuanto a la estilística, no es del todo de otro género ni nada por el estilo, todavía está trabajando en el estilo country tranquilo y despojado patentado. Sin embargo, ahora confía mucho más en el piano que en cualquier otra cosa, basando canción tras canción en secuencias de acordes vagas, acuosas, incoherentes y sin tener en cuenta riffs cuidadosamente estructurados. Y esto en ningún momento supone un problema: por caótico que parezca este disco, de alguna manera se las arregla para ser increíblemente pegadizo.

No estoy exactamente seguro de si te gusta o si odias Selfportrait, pero si eres de los que no lo odias, realmente encontrarás New Morning como un punto culminante importante en su carrera. Pegadizo, tranquilo e introspectivo, y también humilde y filosófico, esta vez encuentra a Bob en un estado de ánimo algo melancólico. Pero bueno, ese era probablemente el estado de ánimo real en el que estaba en ese momento, y todo sobre el álbum se siente absolutamente sincero y conmovedor. El álbum también muestra una actitud religiosa evidente, por primera vez en la carrera de Bob, se podría decir que, en cierto modo, New Morning predice el período de 'renacimiento' de Bob, aunque solo sus lados fuertes y ninguno de sus puntos débiles. Me refiero principalmente a los últimos tres minutos del álbum: 'Three Angels' es una pieza solemne, espeluznante basada en el órgano, con Bob recitando un cierto tipo de visión apocalíptica que me da escalofríos; y 'Father Of Night' es solo una cancioncita muy corta, pegadiza, simplista e infantil para completar el disco. Inimaginable en cualquier álbum anterior, pero nunca estropeando la imagen.

Pero vamos a destacar la pieza que abre New Morning se trata del clásico “If Not For You” que fue versionado por George Harrison en su emblemático All Things Must Pass publicado apenas tres semanas después de nuestro homenajeado disco. Fue versionado también por Olivia Newton-John y que da título a su primer LP, Dylan nos dice en la canción que “Si por ti no fuera, la puerta nunca hallaría, ni el suelo jamás vería, estaría triste, si por ti no fuera”. Además de ser el único “single” del disco, es una sencilla pero cautivadora canción de amor de básicamente unos cinco acordes pero de gran calidez, tanto en la original como en la versión de Harrison.

Flaming Pie - #mesPaulMcCartney

Una noche de sábado de 1997, saliendo con los amigos por Getafe, en la céntrica calle Madrid nos topamos con un vendedor de cassettes piratas. Eran los últimos años de un formato que, aunque peor en prestaciones que el vinilo, era tan fácil de piratear como después lo sería el cd. Recuerdo perfectamente que José María Hernández, mi amigo y compañero en 7días7notas, estaba conmigo en aquel momento, pero he olvidado cuáles fueron los cassettes que se compró. Yo me llevé a casa el "Filthly lucre tour" de unos recién reunidos Sex Pistols, y el Flaming Pie de Paul McCartney.

McCartney venía de un largo silencio tras el irregular Off the Ground (1993), silencio en parte motivado por una obligación contractual con la discográfica, que le pidió que no publicara ningún trabajo durante los dos años que duró el proyecto de The Beatles Anthology, para no entrar en competencia consigo mismo, o más bien con su antiguo yo, ese que maravilló al mundo entero junto a los otros tres magníficos de The Beatles. Durante ese tiempo, McCartney limó asperezas con George Harrison y Ringo Starr, y el trabajo tanto de grabación de temas inéditos (Free as a bird y Real Love, coproducidos por George Martin y Jeff Lynne) como de revisión de las múltiples versiones y rarezas que formaron aquella antología, despertaron en él el gusto por la forma de tocar y de grabar de aquellos tiempos pasados. Todo ello, en mayor o menor medida, acabó contagiando el espíritu y el tono de Flaming Pie, uno de sus mejores trabajos en solitario.

Una de las conexiones más evidentes con aquella revisión de su pasado con The Beatles, junto a la presencia de Ringo Starr en varios temas o la producción de Jeff Lynne, es el título que McCartney decidió para el álbum, una clara referencia a una historia que Lennon contó en el diario Mersey Beat en 1961, sobre cómo habían escogido el nombre del grupo. Lennon dijo que un tipo que había salido de una "tarta en llamas" se lo había sugerido en un sueño. Y eso siempre fue para mí lo peor de este disco, porque un álbum tan personal y acertado habría merecido un título más centrado en todo lo bueno que Macca estaba ofreciendo, en lugar de volver a mirar hacia el pasado. Así que, para qué os lo voy a negar, el título me generó aquel día muchas dudas sobre lo acertado de mi compra, y le di bastantes vueltas en el camino a casa.

A la mañana siguiente, lo primero que hice al despertarme fue poner el cassette de McCartney, y todas las dudas se disiparon al escuchar The Song We Were Singing, una canción que tiene también una mirada nostálgica hacia "las canciones que cantábamos en cualquier momento determinado" y a los buenos ratos con Lennon escribiendo canciones en Forthlin Road,​ pero esa mirada es alegre y renovada, y es un energizante comienzo de disco junto a The World Tonight, uno de los sencillos del disco (el único publicado en los Estados Unidos) e If You Wanna, la primera de las tres colaboraciones con Steve Miller que se incluyen en el disco. McCartney y Miller habían colaborado anteriormente en el tema My Dark Hour (1969),​ y cuando reparó en que su hijo James era un gran seguidor de su música, le llamó para que colaborara en el disco.

Somedays es la primera balada del disco, compuesta mientras acompañaba a su mujer Linda a una sesión de fotos. Una pieza delicada y melancólica, y reforzada por los arreglos orquestales de George Martin. Tras este breve y agradable respiro, el tándem McCartney-Miller regresa con Young Boy, grabado con Steve Miller en 1995 en un estudio de Idaho en 1995. Por esa época, y hasta ya entrado 1997, se grabaron la mayor parte de los temas de Flaming Pie, y solo dos temas del disco son anteriores a ese período. Uno de ellas es Calico Skies, escrita en Long Island en 1991, en la época en que fue asolada por el huracán Bob​, y grabada en 1992, antes incluso de las sesiones de Off the Ground (1993).

Hasta aquí el disco es brillante y sin fisuras, pero la segunda parte del disco alterna buenos temas con canciones que se quedan en correcto relleno. A medio camino entre ambas categorías estaría precisamente Flaming Pie, una de esas canciones animadas y algo paródicas de Macca, que reafirma que elegirla como título del disco no fue una buena decisión, porque no encaja con la atmósfera de un disco en el que tanto McCartney como Lynne habían buscado crear una producción seria y no demasiado elaborada. En el capítulo de aciertos estaría Heaven on a Sunday, compuesta por Macca durante unas vacaciones en Estados Unidos, y que cuenta con su hijo James McCartney a la guitarra y con Linda McCartney en los coros. Por contra, Used to be bad, la tercera y última colaboración con Steve Miller, es un tema de corte blues sin demasiado gancho, y al que se le nota demasiado que proviene de una instrumentación en el estudio, más que de un trabajo compositivo específico. 

Tras un par de baladas en la que McCartney vuelve a demostrar la facilidad con la que factura melodías delicadas (Souvenir) y sentidos homenajes (Little Willow, compuesta para el hijo de Ringo Starr, tras la muerte de su madre, el disco transita por un tramo en el que la colaboración con el mítico batería se hace notar en Really Love You (compuesta por los dos ex Beatles y con Ringo en la batería) y, sobre todo, en Beautiful Night, uno de los mejores temas del álbum, una canción compuesta una década antes, en la que Ringo colabora también en las voces, y que contó también con el refuerzo de las orquestaciones de George Martin, añadidas en Abbey Road. Fue uno de los singles publicados del disco, y habría sido el final perfecto, pero Macca optó por incluir también la canción Great Day, el otro tema del disco que fue grabado en 1992, que contrasta con el tema anterior no solo por su título antagónico, sino por la sencillez de su estructura. Una canción con un simbolismo especial, pues incluye de nuevo a Linda McCartney en los coros, para acabar cerrando el que sería el último trabajo discográfico de McCartney junto a su esposa, que fallecería el año siguiente a la publicación de Flaming Pie.

Sólo una cosa me quitó más el sueño que el desafortunado título de Flaming Pie, y es que le impidiera llegar al número uno del Billboard estadounidense y de las listas de Reino Unido el disco Spice de las Spice Girls. Sin duda, un presagio de lo que le iba a pasar a la música en décadas posteriores. El picante pudo con la tarta, y hoy en día, de las llamas que gente como Lennon o McCartney una vez prendieron, solo parecen quedar las brasas.​ Menos mal que, por si aprieta el frío o me apetece un dulce, aún guardo aquel cassette de Flaming Pie, para acabar volviendo siempre que quiera a "las canciones que cantábamos en cualquier momento determinado".