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viernes, 3 de febrero de 2023

0764 - I looked away - Derek and the Dominos

0764 - Derek and the Dominos - I looked away

I Looked Away es una canción escrita por Eric Clapton y Bobby Whitlock, y originalmente lanzada por la banda de blues rock Derek and the Dominos, como tema de apertura de su álbum debut de 1970, Layla and Other Assorted Love Songs.

Layla and Other Assorted Love Songs es el primer y único álbum de estudio del grupo Derek and the Dominos, publicado por las compañías discográficas Atco y Polydor Records en noviembre de 1970, I Looked Away sería la primera canción de ese álbum.

Tras su publicación, Layla and Other Assorted Love Songs obtuvo buenas críticas de la prensa musical y un éxito comercial moderado, I Looked Away, con el corazón en la mano, Eric Clapton abre con esta hermosa balada de amor, triste y sincera. Compartiendo el micrófono con el tecladista Whitlock y un solo muy simple

Daniel 
Instagram storyboy 

viernes, 6 de mayo de 2022

0491 - White Room - Cream


0491 - White Room - Cream

White Room es una canción de la banda británica Cream, lanzada como sencillo y siendo considerado uno de los mayor éxito de la banda, fue compuesta musicalmente por Jack Bruce y líricamente por el poeta Pete Brown.

Fue grabada entre diciembre de 1967 y junio de 1968, la canción aparece en su álbum Wheels of Fire, más tarde saldría en Estados Unidos como sencillo, con un cambio en el tercer verso de la canción, mientras que el sencillo de la misma canción salido en enero de 1969 para Reino Unido, tendría la duración completa del tema.

Esta canción se puede escuchar en la película Joker, cuándo el Joker es arrestado por la policía de Gotham, lo que producen disturbios en Gotham. Un alborotador acorrala a la familia Wayne en un callejón y asesina a Thomas y su esposa Martha, salvándose Bruce es cuando en los cómics es el inicio de la historia de quien será Batman. Unos alborotadores que conducen una ambulancia chocan contra el automóvil de la policía que transportaba a Arthur y lo liberan él baila con los vítores de la multitud sobre el capó del coche patrulla.

Daniel 
Instagram storyboy 

jueves, 5 de mayo de 2022

0490.- Crossroads - Cream

 

Crossroads, Cream


     En 1936 el mítico bluesman Robert Johnson escribió y grabó Crossroads, también conocido como Cross road Blues. Robert interpretó la pieza sólo y únicamente acompañado de su guitarra acústica tocada con slide. Durante los años se han realizado multitud de versiones de éste clásico, y una de las que más se recuerdan es quizás la realizada por el power trío británico Cream, compuesto por Jack Bruce, Ginger Baker y Eric Clapton.

A principios de 1966, y cuando todavía se encontraba con los John Mayall & the Bluesbreakers, Eric Clapton adaptó la canción para una sesión de grabación con un grupo de estudio que había conformado llamado Eric Clapton and the Powerhouse. Este proyecto estaba conformado por Steve Winwoood (voz), Jack Bruce (bajo), Paul Jones (armónica), Ben Palmer (piano), Pete York (batería) y Eric Clapton (batería). Este grupo grabó algunas canciones, concretamente cuatro, y una de ellas permaneció inédita y no se llegó a grabar. Los temas grabados fueron Corssroads (Robert Johnson), Steppin' Out (Magic Slim) y I Want to Know (S. Mcleod). El tema llamado Slow Blues es el que permanece inédito hasta la fecha. Estos tres temas fueron lanzados por el sello discográfico Elektra Records en un recopilatorio llamado What's Shakin', en junio de 1966, junto con canciones de lovin' Spoonful, Al Kooper, Tom Rush y Butterfield Blues Band. El productor de los temas, Joe Boyd, había estado revisando las posibles canciones para grabar junto a Clapton. Clapton quería grabar Crosscut Saw de Albert King, y Boyd quería adaptar un country blues más antiguo y propuso a Clapton grabar Crossroads de Robert Johnson, pero Clapton prefería Traveling Riverside Blues, también de Johnson. Para la grabación final de Crossroads, Clapton realizó un arreglo utilizando letras de ambas canciones con una adaptación de la línea de guitarra de Tavelling Riverside Blues.

Crossroads se convirtió en parte del repertorio de Cream cuando Clapton comenzó a actuar con Jack Bruce y Ginger Baker, ya bajo el nombre de Cream. La versión de Clapton presenta pesados riffs y sólos muy contundentes. Clapton tenía claro que la versión de Crossroads tenía que ser puramente rock, Johnson tocaba el tema con un riff muy definido y con el slide a todo volumen, y Clapton simplificó la línea de guitarra ajustándola a un ritmo más pesado y rockero, y también simplificó y estandarizó las líneas vocales de la canción  La guitarra de Clapton y el bajo de Bruce con sus pesados riffs dan un sonido muy contundente al tema. Además de las letras de apertura y cierre de las letras de la grabación original de Robert Johnson de la canción original, agregó dos veces la misma sección de la canción Traveling Riverside Blues. El tema tiene una pausa instrumental, enfocada claramente a las improvisaciones que el grupo realizaría en sus presentaciones en vivo. La canción fue grabada e incluida en el álbum doble Wheels of Fire, publicado en agosto de 1968 por el sello discográfico Polydor Records en el Reino Unido y por el sello Atco Records en Estados Unidos. Atco Records publicó posteriormente el tema como sencillo en enero de 1969, alcanzando el puesto 28 en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos.

lunes, 7 de febrero de 2022

0403.- Sunshine of Your Love - Cream

 




Sunshine of Your Love, Cream


     En 1967 la formación británica Cream publica su segundo álbum de estudio, Disraeli Gears. Un álbum donde la banda mezcla el blues con un sonido más psicodélico. La portada del álbum fue creada por Martin Sharp, un conocido artista, dibujante, compositor y cineasta australiano. Sharp además crearía posteriormente también la portada del álbum de la banda Wheels Of Fire, y co-escribió Tales Of Brave Ulysses junto con Eric Clapton. La portada del disco consiste en un collage psicodélico con el título centrado y el nombre del grupo a continuación, rodeado de un arreglo floral. Lo que Martin Sharp intentó fue captar el sonido de la música de la banda en la portada del disco, un sonido que definió como "sonido fluorescente clásico".

Disraeli Gears fue grabado en los Atlantic Studios deNueva York en el mes de mayo de 1967, ya que el sello discográfico de CreamATCO, no era más que una subsidiaria que pertenecía al poderoso sello Atlantic Records. De la producción del disco se encargaría Felix Pappalardi, quien luego se forjaría una brillante carrera como miembro del grupo Mountain junto con Leslie West. En cuanto al título del álbum, este fue concebido a partir de que el roadie de la banda Mike Turner pronunciara mal una palabra. El roadie al parecer, cuando se encontraba hablando de bicicletas, para referirse al cambio de las mismas, el cual se pronunciaba Di-rail-yer (un cambio que se usaba frecuentemente en las bicicletas de 10 velocidades que había por entonces), pronunció la palabra de la siguiente manera, Disraeli, y curiosamente Disraeli hacía referencia a un primer ministro británico del siglo XIX, Benjamin Disraeli. El grupo en ese instante tuvo claro cuál debía ser el título del álbum. El álbum fue publicado en noviembre de 1967 en Reino Unido y en diciembre de 1967 en Estados Unidos bajo el sello discográfico Atco Records.

Incluido en el este disco se encuentra Sunshine of Your Love, tema escrito por Eric Clapton, Jack Bruce y Pete Brown, éste último un poeta beat amigo de Ginger Baker y Jack Bruce . El sencillo se convirtió en la canción más comercial y más vendida del grupo y de la discográfica Atlantic Records a través de su sello Atco Records en aquel momento. Fue grabada en en mayo de 1967 y publicada como sencillo en enero de 1968. La famosa primera línea de la letra fue escrita por Pete Brown después de estar toda la noche trabajando con Jack Bruce en el tema al ver la salida del sol. La canción fue ideada después de que Jack Bruce y Eric Clapton asistieran a un concierto de Jimi Hendrix en el Saville Theatre de Londres. Jack Bruce al regresar a casa se le ocurrió el riff de guitarra el cual está basado en un riff de bajo, luego Pete Brown y Bruce escribieron la letra en una sola sesión que duró toda la noche, Bruce y Clapton se encargaron de la música y Clapton ideó y escribió el estribillo.

miércoles, 12 de mayo de 2021

0132: Skylark - Aretha Franklin

 


Laughing on the Outside no es ni mucho menos de los mejores discos de la gran diva Aretha Franklin, sin embargo una vez mas ralla a un nivel muy alto, el quinto disco de la artista, se publico nuevamente en Columbia, la discográfica dispuesta a no arriesgar y a crear unos albums muy agradables de escuchar sin reparar en el potencial artístico de Aretha, pero como no podía ser de otra manera el recital que da es sublime una mujer de 21 años estaba descolocando y retocando clásicos a su estilo voz con una claridad inaudita. Dentro de todo lo que nos regala, puedo destacar el tema Skylark, cancion de 1941 con letra de Johnny Mercer y música de Hoagy Carmichael, un tema con una dificultad vocal que salva perfectamente Lady Soul y es que durante los apenas tres minutos que dura la cancion las distintas tonalidades que le da a su voz te llevan del cero al infinito, y su voz se eleva hasta el cielo como el pájaro al que canta en la canción. Mucho nos tendría que dar a la música y a los amantes de la misma la cantante, pero nos resulta muy interesante detenernos en esas primeras obras, que si bien no tienen la fama y la admiración que sus trabajos más conocidos, sí que nos brindan la oportunidad de descubrir en sus años más jóvenes a una de las voces más importantes de la historia, tomar el vuelo con este Skylark y que no es detenga nadie en el cielo, la voz de Aretha es lo único que necesitamos para volar.


martes, 11 de mayo de 2021

0131: Blue Velvet - Bobby Vinton

 


Escrita y compuesta por Bernie Wayne y Lee Morris en 1950, "Blue Velvet” fue uno de los primeros éxitos de Tony Bennett que la interpreto en 1951. Desde entonces, la canción ha sido pieza de muchos intérpretes, despues de la versión de Tony Bennet, Blue Velvet fue grabada por los Clovers para su álbum del mismo nombre y publicada en 1955 a través de Atlantic Records pero nosotros nos vamos a detener en la versión de 1963 que hizo Bobby Vinton y que alcanzó el no. 1.

El nacimiento de la canción se produjo cuando en la visita a unos amigos en Richmond, Virginia, el compositor Bernie Wayne se hospedó en el Jefferson Hotel, y fue la visión de una mujer en una fiesta celebrada en el Jefferson lo que inspiró a Wayne a escribir la letra de "Blue Velvet".  Y llegamos a la interpretación más exitosa la publicada por Bobby Vinton en 1963, llegando al numero 1 en el  Billboard  Hot 100 donde se mantuvo durante las siguientes dos semanas. Stanley Robert "Bobby" Vinton, Jr. es un cantante y compositor estadounidense. En los círculos de la música pop, se hizo conocido como "El príncipe polaco de Poch", ya que su música rinde homenaje a su herencia polaca. Conocido por su voz angelical en las canciones de amor, la cancion "Blue Velvet", la interpret por casualidad, todo vino porque decidió grabar un álbum de canciones "Blue" ("Blue Moon", "Blue Hawaii", "Am I Blue", etc.). Mientras estaba comprando partituras en Nashville, Vinton recibió un regalo del editor Al Gallico. La canción encajaba muy bien con el proyecto de Vinton,

La canción apareció en la banda sonora de Blue Velvet, película dirigida por David Lynch, que si bien constaba de una banda sonora instrumental realizada por Angelo Badalamenti que crea un ambiente totalmente oscuro, aunque también aparecen canciones de los años 60 entre las que se incluyen este Blue Velvet o In dreams de Roy Orbison. Cuando rodaba en 1986 'Blue velvet', a Lynch se le puso en las narices que quería la canción de Vinton en la banda sonora. "Demasiado caro", le dijo Dino de Laurentiis. Bueno, pues para eso tenía Lynch a Angelo Badalamenti, que se marcó una cuasicopia instrumental. Luego se invitó a Bobby al estudio para regrabar las voces, y adiós a los leoninos derechos de autor. Problema: resultó que Vinton, ya cincuentón, era incapaz de llegar a los agudos, así que Baladamenti tuvo que bajar todo un par de tonos. Se repitieron y repitieron tomas, pero entonces Lynch empezó a torcer el morro: aquel no era el terciopelo azul que él quería (y lo quería para envolver la noche). De Laurentiis no dudó. Se imaginó una nueva catarata de neuras del director y cortó por lo sano: aflojó la pasta por la versión original y a correr.

Así fue como quedaron indisolublemente unidos uno de los cantantes más inocentes de los 60 y uno de los cineastas más culpables de la Historia: culpable de trastornarnos a todos con sus insoportables sueños, culpable de crear un increíble y penetrante universo onírico, culpable de inventarse un cine abstracto -por algo empezó pintando- que lo mismo atrae que cabrea.

lunes, 10 de mayo de 2021

0130: Busted - Ray Charles

 

Busted, Ray Charles


     En julio de 1963 Ray Charles publicaba el disco Ingredients In A Recipe Of Soul. El material que componía el álbum fue grabado entre febrero de 1960 y abril de 1963, y publicado por el sello discográfico ABC. El disco fue producido por el productor, director de orquesta y arreglista estadounidense Sid Feller, que colaboró durante su carrera en cientos de canciones de Ray Charles, incuida Georgia On My Mind. Ray Charles sabía de la importancia de Sid del que llegó a afirmar. "Si a mí me llaman genio, entonces Sid Feller es Einstein".

Incluido en este álbum se encuentra el tema Busted, el cual fue escrito por el prolífico y legendario compositor estadounidense Harlan Howard, que cuenta con una carrera que comprende más de seis décadas principalmente centrada en la música country. De hecho, este tema fue grabado también ese mismo años por Johnny Cash. La versión de Cash alcanzó un notable éxito, pero sería la de Ray Charles la que alcanzara cotas más altas realiando una versión soul de este tema. 

El tema nos habla desde la perspectiva de un granjero que se encuetra en apuros económicos y necesita dinero para seguir saliendo a flote. Trata de pedir dinero prestado pero nadie puede dárselo, pues están en la misma situación que él. Incluso se dirige a pedirle ayuda a su hermano, pero éste iba a acudir a él también para pedirle ayuda, pues está en la misma situación que él. Al final, el granjero, resignado, asume que se mudará con su familia a otro lugar en busca de una vida mejor. El tema gano un premio Grammy en 1963 a la mejor canción de R&B.

domingo, 9 de mayo de 2021

0129: Master Of War - Bob Dylan

 

Master Of War, Bb Dylan


     En el segundo álbum de estudio de Bob Dylan, The Freewheelin'n Bob Dylan, publicado en mayo de 1963, se encuentra el tema Master of War, un tema antibelicista que aabaría acarreando más de un disgusto al genial artista estadounidense.

Master of War es un alegato antibelicista donde refleja el inconformismo y la preocupación de los jóvenes estadounidenses de la época por el desarme nuclear. La canción fue grabada en las sesiones del 23 de abril de 1963 en el Studio A de los Columbia Studio Recordings de Nueva York bajo la producción de John H. Hammond.

El tema, del género folk-protesta, es una adaptación de la canción folk tradicional estadounidense Nottamun Town, que cuenta con los arreglos y la melodía de la cantante Jean Ritchie, y a la que Dylan pondría la letra. Dylan quiso que Ritchie fuera incluida en los créditos de la autoría del tema, sin embargo los abogados de Dylan arreglaron el asunto pagandole la cantidad de 5000 $ para saldar posibles reclamaciones futuras. 

El tema es una canción protesta donde Dylan criticaba a los líderes políticos estadounidenses, donde señalaba amargamente con el dedo a los "maestros" ocultos que fabriaban guerras para obtener ganacias y beneficios. Según Dylan, no era una canción contra la guerra, más bien era una crítica de a quien iba dirigida la guerra y el por qué dicha guerra se había convertido en un acto inútil en vez de en un eficaz medio de defensa. También afirmaba que hasta ese momento, nunca había escrito algo así, no cantaba canciones donde la gente falleciera, pero no pudo evitar hacerlo con ésta. 

sábado, 8 de mayo de 2021

0128: Girl From The North Country - Bob Dylan

 

The Freewheelin', Bob Dylan

     El 27 de mayo de 1963 aparecía publicado el segundo álbum de estudio de Bob Dylan, The Freewheelin' Bob Dylan, bajo el sello discográfio Columbia Records. El discso fue grabado en el Studio A de los Columbia Studio Recordings de Nueva York, ente el 24 de abril de 1862 y el 24 de abril de 1963. El disco incluía canciones con temáticas que incuían temas sociopolíticos, sobre los derechos civiles ó sobre la guerra nuclear. Obtuvo un gran reconocimiento por parte de la escena folk de Nueva York, le ayudó de consolidar su carrera y lo llevó a ser nombrado como Portavoz de su generación, una etiqueta que el músico siempre rechazó públicamente.

Incluido en este segundo álbum se ecuentra el tema Girl From the North Country, grabado por Dylan entre julio de 1962 y abril de 1963. En este tema, Dylan canta sobre un amor perdido que era de North Country. Sobre la persona a la que el artista se refiere en el tema hay quien defiende que se refiere y es un homenaje a Echo Helstrom, una antigua novia que tenia antes de marcharse de Minnesota a Nueva York, o incluso a Bonnie Beecher, otra novia que tuvo en aquella etapa en Minnesota. 

También hay otra teoría que defiende que el tema se refiere a Suze Rotolo, artista estadounidense y novia por entonces de Dylan, a la que conoció en Nueva York. Dylan fue de Inglaterra a Italia para buscar a Suze, quien por entonces era su novia, pero ella y sin saberlo el cantante regresó a Estados Unidos al mismo tiempo que él llegaba a Italia. Fue en aquel momento cuando Dylan terminó esta maravillosa canción sobre el amor perdido, convencido por el aparente final de su relación con Suze.

A su regreso a Nueva York, Dylan convenció a Suze para para que volvieran a estar juntos, y ella regresó a su apartamento situado en 4th Street de la ciudad neoyorkina. De heho, la mujer que figura en la calle Jones de Nueva York abrazada a Dylan en la portada de este segundo álbum de estudio del artista, es Suze. Durante su visita en 1962 a Inglaterra, Dylan había conocido en Londres a muchos artistas folclóricos locales, incluido Martin Carthy, de quien aprendió mucho y quien le enseñó un gran reperterio de baladas tradicionales inglesas. De hecho, fue la versión del tema tradicional inglés Scarborough Fair, de Carthy, en el que se inspiró para hacer la melodía de Girl From the North Country

Bob Dylan volvería a grabar este tema más adelante junto a Johnny Cash, el cual sería incluido en su noveno álbum de estudio, Nashville Skyline (1969).

viernes, 7 de mayo de 2021

0127: Blowin' in the wind - Bob Dylan


¿Cuántos caminos debe recorrer un hombre antes de que lo llames hombre?
Ese primer verso de Blowin' in the wind es la gran pregunta con la que conseguir la respuesta definitiva en "La guía del autoestopista galáctico", la película de 2005 basada en la novela de Douglas Adams del mismo nombre, publicada en 1979. Todos somos, de alguna manera, autoestopistas en la vida, y tenemos que afrontar muchas experiencias hasta llegar al estado de madurez que nos defina como "hombres" y "mujeres".

Le pasó también a Bob Dylan y su evolución como músico. Hasta Blowin' in the Wind era un cantautor folk entre otros muchos, pero a partir de la publicación de este tema acústico e intimista, dentro de su segundo álbum, The Freewheelin' Bob Dylan (1963), le convirtió en una especie de profeta, un icono de la canción protesta y uno de los máximos abanderados de la lucha por los derechos civiles en los años sesenta.

Blowin' in the wind sigue una estructura de versos basados en preguntas retóricas sobre la paz y la guerra, y la libertad y su ausencia, que en el estribillo reciben una respuesta misteriosa y ambigua: "La respuesta, amigo mío, está soplando en el viento", que podría interpretarse como que la respuesta es tan intangible como la brisa, o tal vez tan simple y cercana como el viento que agita los cabellos de un autoestopista, empeñado en encontrar respuestas a los enigmas de la vida, mientras sigue su camino hacia alguna parte.

jueves, 6 de mayo de 2021

0126: A Hard Rain's a-Gonna Fall - Bob Dylan

 


Incluida en su segundo álbum, The Freewheelin' Bob Dylan y publicado por la compañía discográfica Columbia Records en mayo de 1963, tras empezar su carrera versionando y adaptando temas tradicionales de su país, The Freewheelin' Bob Dylan supuso el comienzo de la carrera compositiva de Dylan al presentar once composiciones propias, esta de la que hablamos fue una de las tres canciones de protesta social que Dylan grabó para este álbum, las otras son " Blowin 'In The Wind " y " Masters Of War ".

Escuchando esta canción nos damos cuenta de que estamos ante una visión apocalíptica de Estados Unidos. Pero también es una visión esperanzadora de los momentos por los que estaba pasando el país. Desde que salió por primera vez publicada "Hard Rain is A-Gonna Fall" se ha convertido como una balada de injusticia inquietantemente contemporánea. Dylan compuso esta canción en septiembre de 1962, vaticinando que la situación global podía llegar a ponerse fea. Menos de un mes después, John Fitzgerald anunció el descubrimiento de misiles soviéticos en Cuba, lo que agitó aún más las aguas entre ambas partes involucradas. Se venían tiempos tormentosos, y Bob ya lo había anticipado. Dylan evoca en este tema tanto la destrucción global (“una docena de océanos muertos”) como el caos metafórico (“diez mil conversadores con la lengua rota”) en una serie de imágenes viscerales que culminan en la comprensión del narrador de que la crisis —el sentimiento de apocalipsis inminente— requiere fortaleza y paciencia. En resumen, la capacidad de mirar al ojo de la tormenta y permanecer firme en su conexión a tierra. 

Dylan compuso "Hard Rain is A-Gonna Fall" a partir de una balada folclórica británica, "Lord Randall", Child Ballad No. 12, de finales del siglo XIX, en la que una madre cuestiona repetidamente a su hijo, comenzando con "¿Dónde has estado?" como la balada revela más tarde que el hijo ha sido envenenado y muere. “A Hard Rain's a-Gonna Fall” de Dylan abarca un amplio mensaje con temas e imágenes relevantes a la injusticia, el sufrimiento, la contaminación y la guerra, una canción muy adecuada para su época y más allá, aunque el autor ha comentado en alguna ocasión que no tenemos que tratar de buscar una representación única en su mensaje, simplemente es solo una lluvia fuerte, no lluvia nuclear o lluvia ácida o algo por el estilo, solo una lluvia fuerte. La lluvia tiene imágenes tan poderosas en culturas de todo el mundo (no es sorprendente, por supuesto) y, a menudo, connota limpieza y restauración en un aspecto y angustia y separación en otro. De vez en cuando puede representar a ambos, como en esta canción. El narrador no está derrotado por su experiencia, en realidad está fortalecido por ella para pararse en el océano, reflexionar desde las montañas y cantar su canción con confianza. Hizo el viaje, vio y asumió el coste, y salió más fuerte. La lluvia le da nueva vida. Pero la lluvia también marca el final de su inocencia, el límite entre la niñez y la edad adulta, y el muro entre los que han visto la guerra y los que no. La lluvia lava el pasado y permite que crezca el futuro. La lluvia es también las lágrimas de todos los que perdieron o sufrieron en la guerra, y el resto de sus vidas; es un mundo de llanto y el narrador sabe que las lágrimas son buenas.

 

La canción de Dylan tuvo un impacto en los principales pensadores y líderes culturales de esa época. La primera vez que el poeta Beatnick Allen Ginsburg escuchó "Hard Rain" de Dylan, la marcó como un cambio de guardia en el movimiento de protesta social, creyendo que la antorcha se había pasado a otra generación desde la iluminación y el auto-empoderamiento anteriores de Beat todo un descubrimiento en aquellos años esenta, pero es que a día de hoy, a Bob Dylan se le sigue escuchando y reproduciendo a lo largo de todo el mundo. "Hard Rain is A-Gonna Fall ", tiene más de dos docenas de versiones, entre las que podemos destacar las de Pete Seeger, Joan Baez, Leon Russell, Bryan Ferry, Robert Plant, Jimmy Cliff y otros. Como compositor y músico, Dylan ha recibido numerosos premios a lo largo de los años, incluidos Grammy, Golden Globe y premios de la Academia; también ha sido incluido en el Salón de la Fama de los Compositores, el Salón de la Fama del Rock and Roll y el Salón de la Fama de los Compositores de Nashville.

martes, 4 de mayo de 2021

0124: Lost someone - James Brown

 


James Brown, conocido como el 'Padrino del Soul', necesita poca presentación. Es raro que un artista de soul sea más conocido por sus actuaciones en vivo que por sus álbumes de estudio, pero la presencia escénica de James Brown le valió la reputación de ser uno de los artistas más fascinantes y carismáticos de su generación. Prueba de ellos es su álbum en vivo, Live At The Apollo, un trabajo que ha pasado a la historia como uno de los mejores y que ha representado al artista mejor que cualquier otro trabajo que haya grabado en el estudio. Lanzado en 1962, pasó más de un año en la lista de álbumes de American Billboard y se convirtió en uno de los álbumes más vendidos de la larga carrera de Brown. Dentro de esta joya encontramos la interpretación de "Lost Someone" la canción que se iba a convertir en la pieza central del álbum. Con casi 11 minutos de duración abarcaba dos pistas del lanzamiento original del LP (el final de la cara 1 y el comienzo de la cara 2), y es ampliamente considerada como el punto culminante del álbum y como una de las mejores interpretaciones en directo que hayan registrado. El crítico Peter Guralnick escribió sobre la grabación:

 

Aquí, en una sola pista de múltiples capas ... has encarnado toda la historia de la música soul, la enseñanza, la predicación, la interminable variedad de efectos gospel, sobre todo el ritmo que estaba en el núcleo de la música. "No vayas con extraños", suplica James en su forma abrasivamente vulnerable. "Ven a casa conmigo ... Caramba, te amo ... Soy tan débil ..." Una y otra vez repite las frases simples, insiste "Te amaré mañana" hasta que la música se balancea con un pulso constante, hasta que la música te atrapa en la boca del estómago y James sabe que te tiene. Luego trabaja con el público mientras trabaja la canción, provocando, tentando, acercándose, bailando, hasta que finalmente, al final del Lado I, esa voz se abre paso entre el ruido de la multitud y disipa la tensión mientras grita: "James, tú".

 

Las actuaciones largas y prolongadas de "Lost Someone" continuaron siendo una característica de los espectáculos en vivo de Brown hasta 1966, cuando " It's a Man's Man's Man's World " la suplantó en gran medida en su repertorio de conciertos. Brown a veces interpolaba partes de "Lost Someone" en su nuevo tema, a resaltar una actuación de 1967 que quedó documentada en Live at the Apollo, Volume II. “Lost Someone” fue escrita por James Brown junto a su colaborador Bobby Byrd y otro miembro de su grupo Famous Flames, "Baby Lloyd" Stallworth. Cargado de cuernos furtivos, la guitarra de Les Buie, el órgano de Byrd y la siempre apasionada voz principal de James Brown hacen de esta pieza algo sublime.

lunes, 3 de mayo de 2021

0123: Night Train (Live at the Apollo) - James Brown

 

Live at the Apollo, James Brown


     Night Train es un clásico tema de R&B que fue grabado por primera vez en 1940 por Johnny Hodges, saxofonista que solía acompañar a Duke Ellington, bajo el título That's the Blues, Old Man. Posteriormente Duke Ellington utilizaría el mismo riff como tema de apertura y cierre de una composición más larga, Happy-Go-Lucky Local, que a su vez era una de las cuatro partes que formaban parte de su famosa Deep South Suite.

Una de las versiones más famosas de Night Train es la que hizo Jimmy Forrest en 1952, saxofonista que formaba parte de la banda de Duke Ellington la primera vez que la interpretó. Posteriormente, al dejar la banda de Ellington, Forrest grabó el tema con la compañía discográfica United Records. El tema conservaba la esencia de las composiciones originales a la vez que se dotaba al tema de un sabor a R&B. La versión de Forrest se convirtió en un auténtico éxito, y Night Train rápidamente se convirtió en un tema básico en los repertorios de las bandas de R&B.

En cuanto a la composición del tema, era puramente instrumental y se le atribuye la composición de la letra a Lewis P. Simpkins, copropietario de United Records, y al guitarrista Oscar Washington. La composición es un blues de doce compases, un típico lamento de blues de un hombre que se lamenta por haber tratado mal a su mujer, y ahora ella le ha dejado. 

James Brown no era ajeno a este temazo, y en 1961 grabó una versión de Night Train con su banda. James Brown reemplazó la letra original de la canción por una lista de ciudades que formaban parte de su itinerario de gira por la Costa Este de Estados Unidos, alternando con muchas repeticiones del título del tema, Night Train. El tema fue lanzado como sencillo en 1962 y alcanzó un gran éxito, ocupando el puesto número 5 el las listas de ventas de R&B del país.

James Brown grabaría una memorable versión en vivo de Night Train en 1963 en su mítica actuación en el Teatro Apollo de Harlem. Brown, al darse cuenta del tirón y éxito que tenía en sus conciertos, le propuso la idea de grabar un álbum en directo a Syd Nathan, director de su sello discográfico, King Records. Syd Nathan se negó, pero Brown no se detuvo y grabó el concierto que dió en el teatro el 24 de octubre de 1962, asumiendo él de su propio bolsillo todos los costes de aquella grabación, que ascendieron a $ 5700. Para sorpresa de syd Nathan, el álbum se vendió increíblemente rápido y paso 66 semanas en la lista estadounidense Billboard Top Albums, llegando a alcanzar el puesto número 2. 

miércoles, 28 de abril de 2021

0118: Love Me Do - The Beatles

 

Love Me Do, The Beatles


     Nos encontramos a finales de 1962, el año en el que aparece publicada la primera grabación en forma de sencillo de Los BeatlesPaul MacCartney y John Lennon compusieron Love Me Do cuando tenían 16 y 17 años respectivamente, en uno de eso días en los que se solían saltar las clases para componer canciones. Paul McCartney escribió la letra de la canción inspirándose en la que era su novia en aquel momento, Iris CaldwellJoh Lennon contribuyó en la composición del puente musical.

Love Me Do fue un tema que Los Beatles grabaron hasta en tres ocasiones, la pimera fue grabada el 6 de junio de 1962 con Pete Best a la batería, como parte de la audición que hicieron para los EMI Studios de Londres. La segunda vez que grabaron el tema fue el 4 de septiembre de 1962, ya que al productor del grupo, George Martin no le habia convencido la interpretación a la batería de Best en la anterior grabación, por lo que en esta segunda ocasión fue Ringo Starr el que se ocupo de la batería. 

La tercera grabción que existe de Love Me Do, fue realizada el 11 de septiembre en los EMI Studios. En dicha sesión ya habían grabado también P.S. I Love You y el grupo estaba entusiasmado con el resultado, por lo que llegaron a valorar la posibilidad de utilizarlo como cara A. Dicho entusiasmo no fue el mismo que mostró George Martin, consideró que estaba bastante bien pero sugirió que intentaran otra vez la grabación de Love Me Do, pero esta vez con el baterista de sesión Andy White, que ya se había ocupado de la percusión tambien en P.S. I Love, quedando Ringo Starr relegado en ese tema al uso de unas maracas. En Love Me Do White volvería a hacerse cargo de la percusión y a Ringo en esta ocasión le pidieron que se uniera a la grabción del tema usando una pandereta.

La grabación de Love Me Do con Ringo Starr a la batería se convirtió en el primer sencillo de la banda, publicado por la discográfica Parlophone el 5 de octubre de 1962, siendo acompañado en la cara B por P.S. I Love You. La versión grabada con Andy White aparecería publicada en el prime álbum de estudio de la banda, Please Please Me, publicado el 22 de marzo de 1963. La primera versión del tema con Pete Best a la batería permaneció inédita hasta el año 1995, cuando es incluido en la recopilación del grupo llamada Anthology I

sábado, 24 de abril de 2021

0114: Rhythm of the rain - The cascades

 



Una de esas bandas cuya música se incrustó en los corazones y las memorias de la generación de los 60 y que los jóvenes posteriores heredaron de sus padres fue The Cascades. Formada en 1960, en San Diego, California, The Cascades comenzó como una banda instrumental orientada al estilo de Surf Rock, muy probablemente influenciada por gente como The Ventures (“Walk, Don't Run”). Sin embargo, al descubrir la música de los entonces también incipientes The Beach Boys ("Surfin 'Safari"), cuyas coloridas armonías atrayeron instantáneamente su imaginación, The Cascades pronto se convirtió en un grupo de Sunshine Pop.

Rhythm of the Rain fue publicada en Valiant Records y capturó el sonido de la exuberancia juvenil, los horizontes soleados y brillantes y los cortes de cabello de aspecto limpio de principios de los años 60. La musica adornada con celestas, que estuvo dos semanas en la lista de audiencias de Estados Unidos en el momento de su lanzamiento y que hasta el día de hoy sigue ocupando un lugar destacado en varias listas de las mejores canciones pop de los 60. Fue escrita por el líder de The Cascades, John Gummoe, que en 2008 se referia a esta cancion en estos terminos: "Escribí 'Rhythm of the Rain' mientras servía en la Marina de los EE. UU. A bordo del USS Jason AR8. Estaba de pie a media guardia en el puente mientras navegábamos hacia Japón. Navegábamos hacia el Pacífico norte, llovía mucho y el mar se agitaba, me gustaba observar el 'anillo' que formaba la lluvia al caer y la forma en que fluía, y esa noche escribí la mayor parte de la letra, era como si la lluvia hablara. Fue más tarde que me senté en un piano y estaba jugando con las teclas negras y comencé a tocar una secuencia de Mi bemol hasta F sostenido, bueno, si lo haces verás que es la melodía que ahora está pegada las cabezas de millones de personas en todo el mundo. Más tarde, cuando hicimos una demostración de la canción, surgió ese pequeño ding ding que dice FC-FC, DA, DA. El gran arreglista Perry Botkin Jr. realzó ese pequeño gancho y fue el productor Barry De Vorzon a quien se le ocurrió la idea de abrir la canción con ese famoso estallido de trueno ".

Es posible que The Cascades no haya sido tan prolífico ni tan influyente como muchos de sus contemporáneos, como The Beach Boys, The Hollies o The Monkees, pero la melodía, la nostalgia lírica y la atemporalidad de las canciones son los rasgos que continúan haciendo que la banda y su música sigan siendo queridos para muchas generaciones en las últimas décadas. ¿Puedes oír el sonido de la lluvia que cae? Creo que puedes ... pero solo si te tomas el tiempo para sentarte y relajarte junto al alféizar de la ventana en tu estado de ánimo más descansado y reflexivo, cierras suavemente los ojos y respiras profundamente unas cuantas veces la neblina fresca de la mañana, dibujas una sonrisa juvenil y vuelva a imaginar la puesta de sol de su vida, mientras escucha de Rhythm of the Rain.

viernes, 23 de abril de 2021

0113: Maria (West Side Story) - Leonard Bernstein

 


La canción de hoy nos lleva de nuevo al cine, concretamente a uno de los grandes musicales de la historia de este arte, nos estamos refiriendo a “West Side Story” estrenada en el año 1961. La película está ambientada en la ciudad de Nueva York en los años 50 y está basada en una obra de Broadway con el mismo nombre e inspirada en la obra de Shakespeare “Romeo y Julieta” pero en vez de enfrentarse las familias Montesco y Capuleto, los protagonistas son dos bandas callejeras: los Sharks, inmigrantes puertorriqueños y donde está nuestra Julieta latina, María y los Jets, estadounidenses de origen irlandés con nuestro Romeo, Tony. Si bien es cierto que el punto de partido es el de la obra de Shakespeare el posterior desarrollo difiere bastante del original. Los protagonistas del film Tony (Richard Beymer) y Maria (Natalie Wood) no sabían ni cantar ni bailar, por ello se utilizó el playback y no los veremos casi bailar en el film ni sus voces son las que suenan cuando cantan, el papel de Tony en principio iba a ser interpretado por Elvis Presley, pero su manager no acepto, más tarde comentaría que fue uno de los grandes errores en su carrera como manager. Tampoco Natalie Wood era la candidata inicial para el papel de Maria. Este debía ser interpretado por Audrey Hepburn pero la actriz, embarazada de su esposo, el también actor Mel Ferrer, se vio obligada a rechazar la oferta.

Leonard Bernstein fue el encargado de componer las canciones (que no dirigir: para la película se contó con Johnny Green y años más tarde el propio Bernstein grabaría sus propias canciones) y contó con la participación de Stephen Sondheim que fue el encargado de poner letra a la música. La banda sonora contiene un total de 19 canciones en las que se mezcla el jazz con ritmos más latinos. La creación de esta banda sonora en aquél momento supuso todo un reto para sus productores: se necesita un total de treinta músicos para orquestar toda la partitura concebida por Bernstein, debido a la utilización de un gran número de instrumentos de cuerda, viento y percusión imprescindibles para conseguir esa inimitable atmósfera. Es escuchar las primeras notas del "Prologue" y sabemos que estamos ante algo fuera de lo común. Música grandilocuente propia de grandes orquestas, que no obstante se contiene para no mostrar tan pronto de todo lo que es capaz o para dejarnos, muchas veces, en vilo (esos grandes silencios o cortes inesperados que quitan la respiración, correspondientes al descubrimiento de un secreto, a la aparición de los "enemigos"... ¿quién puede olvidar el inquietante chasquido de dedos, tan característico para la presentación de los Jets y los Sharks?), dejando que el espectador descubra poco a poco la fuerza de cada nota, de cada instrumento, y, por ende, de cada fotograma que es acompañado por la sintonía. Porque West Side Story es un claro ejemplo de cuándo la música es tan importante como una buena actuación o coreografía. Es una banda sonora que hay que disfrutar entera, como muestra os dejamos a modo de anzuelo María, una de las canciones más románticas del musical.

jueves, 22 de abril de 2021

0112: Boom Boom - John Lee Hooker

 

Boom Boom, John Lee Hooker


     El 1 de mayo de 1962 se publica como sencillo el tema de John Lee Hooker Boom boom. El tema es publicado bajo la discográfica Vee Jay Records, y consigue posicionarse en el puesto número 1 de las listas de ventas del Reino Unidos y en el número 60 de las listas Billboard de Estados Unidos.

En 1948 comenzaba la carrera musical de Hooker con la consecución de su primer éxito, Boogie Chillen. Hooker solía tocar sólo o como mucho acompañado de un segundo guitarrista. En la década de los 50 grabó con varios nombres diferentes antes de hacerlo con el que sería conocido más adelante, John Lee Hooker, entre los que podemos encontrar Delta John o Birmingham Sam entre otros. Esto cambiaría en 1955 cuando acaba contrato con el sello discográfico Modern Records y ficha por el sello Vee-Jay Records de Chicago. Esta compañía disponía de los recursos necesarios tales como músicos de sesión que ponía a disposición de los artistas de su sello para que estos pudieran grabar. Así se gesta la grabación de Boom Boom, un tema que compuso el mismo John Lee Hooker.

John Lee Hooker solía tocar en un bar de Detroit llamado Apex Bar, y siempre solía llegar tarde, cosa que la banda de acompañamiento que llevaba siempre le recriminaba. En aquel bar trabajaba una camarera llamada Luilla (hay quien mantiene que se llamaba Willa) que siempre que veía aparecer llegando tarde a Hooker le decía: "Boom boom, llegas tarde otra vez". Hooker empezó a dar vueltas a aquello que siempre le decía la camarera y pensó que podía ser el título de un tema, pues tenía gancho. Una noche, mientras regresaba a casa se puso a darle vueltas al asunto en cuestión, y al día siguiente se puso a escribirla. Una vez que la tuvo compuesta se la mostró a cierta gente, y ésta alucinó, por lo que lo siguiente que hizo fue enviarla a Washington DC y registrar los derechos de autor. Una vez registrado como autor del tema ya podía tocarla en el bar y mostrársela a Luilla, que en cierto modo y sin saberlo le había inspirado para la composición de uno de los grandes clásicos del blues.

miércoles, 21 de abril de 2021

0111: Surfin' Safari - The Beach Boys

 

Surfin' Safari, The Beach Boys


     Entre octubre de 1961 y septiembre de 1962 el grupo estadounidense Beach Boys graba entre los Capitol Studios y los Hite Morgan Studios de California el material que se incluirá en su álbum debut, Surfin' Safari. El disco es publicado el 1 de octubre de 1962 bajo el sello discográfico Capitol, alcanzando el puesto número 32 en las listas de ventas del país, y se le atribuye tanto a este primer álbum como al grupo la creación del llamado género musical California Sound, un género que giraba en torno a la juventud y la cultura del surf. Un género que muchos críticos pensaban que sería pasajero, no podían estar más equivocados.

Incluido en el álbum se encuentra el tema que da título al mismo, Surfin' Safari, compuesto por el vocalista, bajista y tecladista Brian Wilson y el vocalista Mike Love. El tema fue publicado antes del lanzamiento del disco, concretamente en junio de 1962 por el sello Capitol

La banda había realizado una primera grabación del tema el 8 de febrero de 1962 en los World Pacific Studios, durante una de las primeras sesiones de grabación en la historia de los Beach Boys. Sin embargo, esta grabación y las acaecidas en aquellas sesiones, permanecerían inéditas. Posteriormente se realiza el 19 de abril de 1962 otra sesión de grabación de este tema que se convertirá en el oficial. Dichas sesiones se realizan en Western Recorders con Carl Wilson a la guitarra, Brian Wilson al bajo, Dennis Wilson a la batería, y Mike Love a la voz principal, mientras que los coros son obra de Carl Wilson y el resto de la banda.

Surfin' Safari era el segundo sencillo lanzado en la corta vida de la banda, y el primero lanzado con la compañía Capitol. El sencillo alcanzó el puesto número 14 en las listas Billboard de Estados Unidos, y el puesto número 1 en países como Suecia o Canadá, sin embargo el tema fracasó en las listas de ventas del Reino Unido. En Alemania se editó y publicó la primera versión grabada en los World Pacific Studios en lugar de la oficial. 

Como muchas de las canciones del grupo, Surfin' Safari trataba la temática del surf, concretamente era un diario de viaje por algunos de los lugares más populares de California donde se practicaba el surf, tales como Huntington, Malibu, Dohny State Beach, Rincon y Laguna Beach, aunque también hacen referencia a Cerro Azul, ubicada en Perú. Esta fue la primera canción de los Beach Boys donde se mostraba las distintas armonías de contrapunto pos las que el grupo acabaría haciendose famoso. 

Mike Love, el cantante de la banda, también acreditaba como padre del característico sonido de guitarra de este tema a Murry Wilson, quien era el productor del sencillo además de ser el padre de Brian, Carl y Dennis Wilson. Cuando Brian dejaba la sala de control para grabar sus partes de bajo, Murry se dedicaba a cambiar los sonidos de las guitarras hasta dejarlo en un sonido agudo a su gusto. Mike Love creía que ese particular sonido de guitarra influyó en gran medida y ayudó a que Surfin' Safari se vendiera tan bien. 

martes, 20 de abril de 2021

0110: Return to Sender - Elvis Presley


Return to Sender ("Devolver al remitente") es una canción escrita por Winfield Scott y Otis Blackwell, y grabada y publicada por Elvis Presley en 1962, como sencillo promocional de la película Girls!Girls!Girls! en la que la interpretaba. Fue uno de los muchos éxitos del cantante de Memphis, pero tiene como curiosidad, o factor de interés añadido, la particular temática "epistolar" de la letra, en la que un hombre envía una carta a su novia después de que hayan tenido una discusión de pareja.

Las esperanzas de reconciliación del hombre se van desvaneciendo cada vez más, porque ella devuelve continuamente la carta, indicando que se debía "Devolver al remitente". El sigue enviando la carta de nuevo, negándose a asumir que todo haya terminado, pero ella la sigue devolviendo, al tiempo que da a entender que está "desapareciendo" de su vida, con mensajes de respuesta como "dirección desconocida" o "persona desconocida".

La curiosidad de la letra no quedó ahí, ya que la cantante y actriz Gerri Granger grabó el tema "Don't Want Your Letters" ("No quiero tus cartas"), que era la respuesta femenina a la carta del personaje de la canción de Elvis Presley. Fue publicada también como sencillo a finales de 1962, momento en el que quedó sellado, y con acuse de recibo, el final definitivo de la historia de amor entre los dos ficticios personajes.

lunes, 19 de abril de 2021

0109: Fingertips - Stevie Wonder

 


Fingertips, Stevie Wonder


     Nos encontramos en el año 1962, año en el que un jovencísimo Stevie Wonder con 12 añitos graba un tema que le catapultará al año siguiente, con la grabación de una segunda parte, hacia uno de sus primeros éxitos, Fingertips.

Fingertips fue compuesto originalmente por el compositor, productor y cantante Clarence Paul y por el compositor, arreglista, productor  y músico Henry Crosby. El tema fue grabado originalmente como un instrumental de jazz para el primer álbum de estudio de Stevie Wonder, The Jazz Soul Of Little Stevie, quien en aquel momento debido a su edad era conocido como Little Stevie Wonder. El disco fue lanzado en septiembre de 1962 por el sello discográfico Tamla Records, y ya nos da muestras del enorme talento musical de aquel chiquillo que con tan sólo 12 años ya componía y tocaba la percusión, la armónica y los teclados.

Sería un año más tarde, en 1963, cuando Fingertips se convierte en un éxito tras la grabación de una versión en vivo compuesta por dos partes, la primera parte, la original que es instrumental, y la segunda parte donde Stevie Wonder alienta al público cantando unas pocas estrofas mediante el conocido método musical de preguntas y respuestas

La edición de ese poterior sencillo compuesto por Fingertips part I en la cara A, y Fingertips part II en la cara B, fue publiado en mayo de 1963 por Tamla Records, y recoge la versión que hizo Little Stevie durante un concierto en el Regal Theatre  de Chicago en junio de 1962. La segunda pate empieza cuando Stevie grita: "Everybody Say 'Yeah", inciando un intercembio con el público de llamadas y respuestas. Sería esta edición lanzada en 1963 de aquel concierto de 1962 la que asomaría al artista por primera vez a las famosas listas Billboard de éxitos de Estados Unidos.