1433.- More Than a Feeling - Boston

 

More Than a Feeling, Boston

     El 25 de agosto de 1976, la Banda estadounidense Boston debutan con la publicación de su primer álbum de estudio de larga duración, de título homónimo, Boston. El líder de la banda, Tom Scholz, tenía formación clásica, había estudiado piano clásico en su infancia y se había involucrado en en la escena musical de Boston a finales de la década de los 60. Tom se dedicó a realizar demos de canciones grabadas en el sótano de su apartamento junto con el cantante Brad Delp, las cuales había mandado a principios de los 70 a numerosos sello discográficos, que las habían rechazado. En 1975 cayó un demo en manos de la discográfica CBS Records, y se interesó por ellos firmándoles un contrato con su compañía subsidiaria Epic Records.

Tom Scholz se había hecho un estudio en un sótano de Waterbown, Massachusetts, comprando los equipos con las ganancias de su trabajo como ingeniero de diseño de productos en Polaroid Corporation. La intención de Tom era grabar en su propio estudio, pero Epic no estaba por la labor y quería que el disco fuera grabado en Los Ángeles y a las ordenes de un productor discográfico. Para poder salirse con la suya, Tom puso en práctica un elaborado plan, contrató al productor discográfico John Boylan, y luego engañó al sello discográfico haciéndole creer que la banda estaba grabando tal y como Epic Records quería, cuando en realidad todos los instrumentos fueron grabados en el sótano de Tom en Massachusetts. Después hizo que Brad Delp  grabara las parte vocales en el estudio de Los Ángeles que Epic había preparado para tal efecto.

Incluido en el álbum se encuentra una de las canciones más exitosas de sus carrera, More Than A Feeling. La canción fue compuesta por Tom Scholz y tardó unos cinco años en tenerla completa. La canción nos habla del descontento del autor con el presente y su anhelo por un antiguo amor llamado Marianne. En un momento dado de la canción nuestro protagonista se despierta. Es entonces cuando pone algo de música y se vuelve a quedar dormido soñando con los días en los que anhelaba el amor de Marianne. Tom al parecer se inspiró para componer la letra sobre Marianne en una prima que tenía y que era mucho mayor que él. Cuando él tenía  unos 8 o 9 años pensaba que esa prima era la mujer más hermosa que había en el mundo y estaba secretamente enamorado de ella. El sólo de guitarra tiene la particularidad de incorporar elementos que se usaban en la música barroca, poniendo de manifiesto las influencias de Tom en su formación clásica.

1432.- On the Border - Al Stewart

 

On the Border, Al Stewart

     Al Stewart se hizo popular a principios y mediados de los años 70. Su año de mayor éxito en Estados Unidos fue 1976, tras el lanzamiento de su álbum Year of the Cat. Su lanzamiento anterior contenía material con un marcado sabor medieval. Al Stewart mostró afecto por el tema, pero con este álbum demostró una mayor comprensión del período histórico. Los álbumes posteriores volverían a temas históricos de diferentes períodos y mostrarían una técnica disciplinada de composición que se haría más evidente con el paso de los años. Este álbum incluye canciones de varias épocas diferentes, algunas quizás historias personales o ficticias influenciadas por eventos históricos, y otras que no están directamente relacionadas con ningún período histórico. Además, Al Stewart escribió algunas canciones de manera sencilla y pidió que se grabaran lo más fielmente posible a su visión original.

Year of the Cat fue grabado entre los Abbey Road Studios de Londres y los Davlen Sound Studios de Noth Hollywood, California, bajo la producción de Alan Parsons, y publicado e 22 de octubre de 1976 en Reino Unido. Supuso el séptimo álbum de estudio de Al Stewart , lanzado en 1976. Sus ventas fueron ayudadas por el exitoso sencillo Year of the Cat. El otro sencillo del álbum fue On the Border, precisamente en el que nos vamos a centrar en esta ocasión. 

En una entrevista con la BBC sobre esta canción, Stewart explicó: "La primera estrofa habla del movimiento separatista vasco y la segunda estrofa trata de lo que entonces era la crisis de Rodesia. Mugabe: 'La mano que incendia las granjas ha hecho correr la voz entre quienes esperan en la frontera'. Treinta años después de que escribiera la canción, Mugabe estaba prendiendo fuego a todas las granjas de los blancos".La guitarra española en esta canción fue cortesía de Peter White, quien fue contratado para tocar el piano en la sesión. "Es la primera vez que graba con una guitarra", dijo Stewart en la misma entrevista de la BBC. "La primera vez que estaba en un estudio. Lo contraté como pianista y Alan Parsons , por supuesto, produjo el disco y estábamos sentados en el estudio y él dijo: 'Puedo escuchar algo de guitarra española en esto'. Ninguno de nosotros sabía tocar la guiarra, y entonces Peter dijo: 'Bueno, puedo tocar la guitarra española', pero 'Espera eres pianista', a lo que él replicó: 'sí, pero puedo tocarla'. Al Stewart comentaba que tenía una guitarra española muy barata que le había costado unas 30 libras, se la dió a Peter, y este se sentó y se puso a tocarla. Al Stewart en ese momento le dijo: "Vaya, no sabía que pudieras hacer eso".

1429.- TVC 15 - David Bowie

TVC 15, David Bowie

     Station to station es el décimo álbum de estudio de David Bowie. Fue grabado entre septiembre y noviembre de 1975 en  los Cherokee Studios de Hollywood y los Record Plant Studios de Los Angeles, y publicado el 23 de enero de 1976 por el sello discográfico RCA Records. Considerado como uno de sus trabajos más significativos, el álbum fue el vehículo para el personaje de Bowie en el escenario, The Thin White Duke. Coproducido por Bowie y Harry Maslin, fue grabado después de que Bowie terminara de filmar la película The Man Who Fell to Earth. Durante las sesiones, Bowie sufría varias adicciones a las drogas, la más prominente a la cocaína, y más tarde dijo que no recordaba casi nada de la producción.

El éxito comercial de su anterior lanzamiento, Young Americans (1975), le permitió a Bowie una mayor libertad cuando comenzó a grabar su siguiente álbum. Las sesiones establecieron la formación del guitarrista Carlos Alomar, el bajista George Murray y el baterista Dennis Davis que Bowie utilizaría durante el resto de la década, y también contó con contribuciones del guitarrista Earl Slick y el pianista Roy Bittan. Musicalmente, Station to Station fue un álbum de transición para Bowie, desarrollando el funk y el soul de Young Americans, al tiempo que presentaba una nueva dirección influenciada por el género musical alemán del krautrock, particularmente bandas como Neu! y Kraftwerk. Las letras reflejaban las preocupaciones de Bowie por Friedrich Nietzsche, Aleister Crowley, la mitología y la religión.

Incluido en este álbum se encuentra TVC 15 . RCA Records lanzaría más tarde como la canción como segundo sencillo del álbum el 30 de abril de 1976. La canción fue grabada a fines de 1975 en Cherokee Studios en Los Ángeles. La grabación contó con los guitarristas Carlos Alomar y Earl Slick , el bajista George Murray , el baterista Dennis Davis, el pianista Roy Bittan y Warren Peace en coros. La alegre canción es principalmente rock artístico interpretada en un estilo que recuerda a la década de 1950. Líricamente, la canción trata sobre la novia de un personaje que es devorada por un televisor. Bowie escribió esto después de enterarse de la alucinación inducida por drogas de Iggy Pop, en la que creyó que su novia estaba siendo consumida por su televisor. Los detalles de la historia son escasos, ya que Bowie recuerda poco sobre la grabación bajo el efecto de las drogas de su álbum Station To Station . El tecladista estadounidense Roy Bittan, más conocido como miembro de la E Street Band de Bruce Springsteen, tocó las teclas. Bittan recordaba sobre la grabción:  "Cuando grabé con él en Station to Station , lo primero que quería que tocara era 'TVC 15'. Me dijo: 'Oye, ¿puedes hacer algo como el Profesor Longhair (músico y cantante estadounidense de blues) en esta canción?'. Yo le dije: '¿Profesor Longhair? ¿Este británico me está preguntando por el Profesor Longhair?' "Me quedé realmente desconcertado"... "Lo curioso fue que, literalmente, tres semanas antes de esa sesión, habíamos estado en Houston y (el bajista de E Street) Garry Talent y yo habíamos visto en el periódico que el Profesor Longhair estaba tocando en un bar de carretera en las afueras de la ciudad. Así que fuimos a ese lugar y Longhair estaba sentado frente a un piano vertical y tocando en un pequeño club. Fue fantástico. Así que cuando David me pidió que lo hiciera, fue un momento muy fortuito y muy sorprendente".

Tras su lanzamiento como sencillo, TVC 15 alcanzó el puesto número 33 en la lista de sencillos del Reino Unido y el número 64 en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos. Su lanzamiento coincidió con la etapa europea de la gira Isolar . Las críticas iniciales elogiaron la canción como uno de los aspectos más destacados del álbum, aunque algunos críticos encontraron la letra difícil de comprender. Las críticas posteriores continúan elogiando la canción, y algunos la consideran una de las mejores de Bowie. Ha aparecido en varios álbumes recopilatorios y fue remezclada por Maslin en 2010 para las reediciones de Station to Station y remasterizada en 2016 para el box set Who Can I Be Now? (1974-1976) .

1428 - David Bowie - Station to Station

1428 - David Bowie - Station to Station

"Station to Station", lanzada en 1976 como parte del álbum del mismo nombre, es una obra maestra que encapsula la experimentación artística y musical de David Bowie durante una de las etapas más transformadoras de su carrera. La canción, que se extiende por más de diez minutos, es una odisea sonora que marca el puente entre su era del glam rock y la trilogía de Berlín, combinando elementos de funk, soul, krautrock y proto-electrónica.

La pieza se abre con un misterioso zumbido de tren, creando una atmósfera de expectativa. Esta introducción minimalista y cargada de tensión da paso a un ritmo lento y ceremonial, dominado por el sonido de la guitarra y el bajo, que refleja la desorientación y el dramatismo de su personaje The Thin White Duke. Bowie, sumido en el abuso de drogas durante esta época, encarnaba en esta figura un aristócrata frío, distante y obsesionado con lo oculto, y estas cualidades se reflejan en la música y las letras.

A nivel lírico, "Station to Station" es críptica y cargada de simbolismo. David Bowie hace referencias a la mística cabalística ("One magical movement from Kether to Malkuth") y a los trenes como metáfora de transición y cambio. La canción explora temas de alienación, espiritualidad y redención, reflejando las luchas internas del artista. Aunque la narrativa puede parecer fragmentada, su estructura sugiere un viaje tanto físico como espiritual, con estaciones que representan diferentes estados emocionales y mentales.

Musicalmente, la canción progresa de manera magistral, con una transición de su lenta introducción a un clímax frenético que incorpora elementos de funk y rock experimental. La segunda mitad, marcada por un cambio de tempo y un ritmo más acelerado, introduce un tono optimista y casi eufórico, como si el viajero finalmente encontrara una forma de liberación. La interpretación vocal de David Bowie es intensa y magnética, oscilando entre la melancolía y la exaltación.

"Station to Station" no solo es una de las canciones más ambiciosas de David Bowie, sino que también captura la complejidad de su arte y su vida personal durante este periodo turbulento. Es un testimonio de su capacidad para reinventarse y experimentar con nuevas formas de expresión musical, influyendo profundamente en el desarrollo del rock experimental y la música electrónica.

"Station to Station" es una obra monumental que no solo desafía las expectativas del oyente, sino que también ofrece una visión única del genio creativo de David Bowie. Es un viaje que sigue cautivando y fascinando a generaciones de oyentes.

Daniel 

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1426.- Amelia - Joni Mitchell

 

Amelia, Joni Mitchell

En el mundo del folk, el trabajo de Joni Mitchell se incluye en la narración de historias, y las versiones de su material se consideran activos preciados. Su interés por las afinaciones alternativas estimuló a algunos guitarristas a explorar más a fondo y crear sus propias piezas. Las melodías de Mitchell fueron seminales para aquellos que la estudiaron por su perspicacia compositiva, y su técnica de fingerstyle se ganó el respeto de sus compañeros. Sus atrevidas incursiones en el jazz atrajeron a los aficionados al jazz y a algunos músicos al ámbito del pop/rock. A finales de la década de 1960 y principios de la de 1970, Mitchell era una individualista, y era algo más, era su propia mujer, independiente y una superviviente. Todos estos atributos sugieren por qué Joni Mitchell es una artista muy admirada.

El 22 de noviembre de 1976, Joni Mitchell publica Hejira, su octavo álbum de estudio. Este trabajo es grabado en los A&M Studios de Hollywood, bajo la producción de Henry Lewy y de la propia Joni Mitchell, y publicado bajo el sello discográfico Asylum Records. Su material fue escrito durante un período de viajes frecuentes a finales de 1975 y principios de 1976, y refleja las experiencias de Mitchell en la carretera durante ese tiempo. Se caracteriza por canciones líricamente densas y extensas y el acompañamiento musical de varios instrumentistas orientados al jazz, entre los que destacan el bajista sin trastes Jaco Pastorius, el guitarrista Larry Carlton y el baterista John Guerin.

Según Mitchell, el álbum fue escrito durante o después de tres viajes que realizó a finales de 1975 y la primera mitad de 1976. El primero fue una temporada como miembro de la Rolling Thunder Revue de Bob Dylan a finales de 1975. Durante este período de tiempo, se convirtió en una consumidora frecuente de cocaína. En febrero de 1976, Mitchell tenía programado tocar unas seis semanas de conciertos en los Estados Unidos promocionando The Hissing of Summer Lawns. Sin embargo, la relación entre Mitchell y su novio John Guerin (que actuaba como su baterista en la serie de conciertos) se había agriado y surgieron tales tensiones que la gira tuvo que ser abandonada a mitad de camino El tercer viaje se produjo poco después, cuando Mitchell viajó a través de Estados Unidos. Este viaje inspiró seis de las canciones del álbum. Mitchell se reunió con el maestro budista tibetano Chogyam Trungpa en Colorado, atribuyendo a aquella visita la curación de su adicción a la cocaína, dejándola en un "estado despierto" desinteresado que duró tres días.

Incluido en este álbum se encuentra la canción Amelia, inspirada en la ruptura de Mitchell con John Guerin, y fue descrita por ella como un relato casi exacto de su experiencia en el desierto. La canción entreteje la historia de un viaje por el desierto con la famosa aviadora Amelia Earhart, quien desapareció misteriosamente durante un vuelo sobre el Océano Pacífico. En la canción, cada estrofa con la cual termina el estribillo "Amelia, fue solo una falsa alarma", cambia repetidamente entre dos tonalidades, lo que le da una sensación de inquietud constante. Mitchell confesaba sobre la canción: "Escribí el álbum mientras viajaba solo a través del país y hay una sensación de inquietud a lo largo de todo el tiempo... la dulce soledad del viaje solitario. En esta canción, estaba pensando en Amelia Earhart y la abordaba de un piloto en solitario a otro, una especie de reflexión sobre el costo de ser mujer y tener algo que debes hacer". Amelia Earhart fue una aviadora pionera que en 1932 se convirtió en la primera mujer en volar sola a través del Océano Atlántico.

1421 - Thelma Houston - Don't Leave Me This Way

1421 - Thelma Houston - Don't Leave Me This Way

Lanzada en 1976 como parte del álbum Any Way You Like It, "Don't Leave Me This Way" es una de las canciones de Thelma Houston, que no solo consolidó su estatus como una de las grandes voces del soul y disco, sino que también dejó una marca indeleble en la historia de la música dance. Aunque originalmente fue escrita por Kenneth Gamble, Leon Huff y Cary Gilbert para Harold Melvin & The Blue Notes, Thelma Houston transformó el tema en un himno disco vibrante y apasionado que rápidamente alcanzó el número uno en las listas de éxitos en 1977.

Desde los primeros acordes, la canción captura la atención con su energía dinámica. Un bajo pulsante y una percusión contundente crean un ritmo irresistible que invita a bailar. La introducción instrumental se construye lentamente, añadiendo capas de cuerdas exuberantes y un teclado efervescente que anticipan el desgarrador arranque vocal de Thelma Houston. Su interpretación es un despliegue magistral de emotividad y técnica: comienza con un tono íntimo y suplicante que se transforma en un clamor poderoso y apasionado mientras la canción avanza.

La letra de "Don't Leave Me This Way" es una súplica intensa por amor y conexión, con frases como "Don't leave me this way, I can't survive, I can't stay alive without your love" que transmiten una vulnerabilidad desgarradora. Sin embargo, la música —un brillante contraste de optimismo y energía— le da a la canción una dualidad única. Mientras el mensaje implora salvación emocional, el ritmo frenético y contagioso convierte la experiencia en un catalizador de liberación y euforia.

La producción, a cargo de Hal Davis, es un ejemplo perfecto del sonido disco de la época, que combina influencias del soul clásico con arreglos sofisticados y una intensidad emocional que invita tanto al baile como a la reflexión. El éxito de esta versión no solo le valió a Thelma Houston un Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Femenina de R&B, sino que también la aseguró como un ícono de la era disco.

Además, "Don't Leave Me This Way" tuvo un impacto cultural que trascendió su tiempo. La canción se convirtió en un himno de la comunidad LGBTQ+, especialmente en la era de la disco, y ha sido versionada y celebrada en múltiples contextos. Su energía catártica sigue siendo tan relevante como en los años 70, evocando una sensación de unidad, fuerza y liberación emocional.

"Don't Leave Me This Way" es más que una canción disco; es una obra maestra que combina emoción pura, técnica vocal y producción impecable, reafirmando el poder transformador de la música.

Daniel 

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1420 - Steve Miller Band - Serenade

1420 - Steve Miller Band - Serenade

"Serenade" es una de las canciones más destacadas de la banda de rock estadounidense Steve Miller Band, lanzada en su icónico álbum Fly Like an Eagle en 1976. Este álbum es conocido por mezclar elementos de rock, blues, y psicodelia, y "Serenade" no es la excepción, proporcionando una experiencia sonora envolvente y llena de misticismo.

La canción inicia con una introducción que evoca una atmósfera etérea, utilizando sintetizadores y efectos que de inmediato sumergen al oyente en un estado casi de trance. Esto sienta las bases para lo que es, en su núcleo, una especie de invitación a un viaje espiritual o una llamada hacia lo desconocido. La melodía principal, interpretada por la guitarra de Steve Miller, se despliega con suavidad pero con una fuerza subyacente, lo que refuerza la sensación de movimiento continuo a lo largo de la canción.

El enfoque lírico de "Serenade" refleja una búsqueda de iluminación o conocimiento trascendental. La letra habla de "volar a través del cielo", una imagen que parece representar la liberación de las ataduras terrenales y la conexión con algo más grande y misterioso. Miller canta sobre la serenata que el viento le hace a la noche, lo cual puede interpretarse como una metáfora de los mensajes ocultos que el universo nos entrega, si tan solo nos detenemos a escucharlos. Este tema de conexión cósmica es recurrente en el álbum, donde el grupo explora temas similares en otras canciones como "Fly Like an Eagle" o "Space Intro".

La interpretación vocal de Steve Miller en esta pista es suave y calmada, pero lleva consigo una cierta urgencia que se alinea con la temática mística de la canción. No busca imponer un mensaje, sino invitar al oyente a unirse en este viaje onírico. A lo largo de la canción, se percibe un deseo de trascendencia, pero también una sensación de aceptación frente a lo desconocido, lo que le da a la canción una cualidad casi meditativa.

Musicalmente, "Serenade" se beneficia de la producción expansiva y bien cuidada que caracteriza a muchas de las grabaciones de Steve Miller Band en esa época. La mezcla de rock con elementos electrónicos y ambientales hace que la canción se sienta moderna incluso décadas después de su lanzamiento. Las texturas sonoras que crea el uso de sintetizadores y efectos le añaden una dimensión adicional a la pieza, haciendo que suene tanto introspectiva como cósmica.

"Serenade" es una obra que logra capturar la esencia del rock experimental de los años 70 mientras entrega una experiencia profundamente emocional y reflexiva. La combinación de letras sugerentes, una melodía hipnótica y una producción detallada hace de esta canción una pieza destacada en el catálogo de Steve Miller Band, invitando al oyente a explorar lo desconocido a través de su sonido envolvente y su mensaje espiritual.

Daniel 

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1410 - The Isley Brothers - Easy

1414 - The Isley Brothers - Easy

“Easy” de The Isley Brothers es una de esas canciones que captura la esencia del soul y el funk de los años 70, mezclando a la perfección elementos de ambos géneros para crear un sonido distintivo y atemporal. Lanzada en su álbum Grand Slam de 1981, esta canción refleja la capacidad de la banda para evolucionar con los tiempos sin perder su esencia.

La pieza se caracteriza por un ritmo suave pero profundamente groovy, con una base de bajo que se entrelaza con guitarras delicadas y una batería relajada, generando una atmósfera envolvente. Los arreglos de instrumentos son refinados, algo típico del estilo de los Isley Brothers, quienes a lo largo de su carrera demostraron ser maestros en la fusión de géneros como el soul, el funk y el R&B. Esta canción no es la excepción, ya que presenta un equilibrio perfecto entre la sutileza y la energía, atrapando al oyente desde el primer acorde.

Las voces son, como es de esperar de los Isley Brothers, una de las mayores fortalezas de la canción. Ronald Isley, con su tono característico suave y seductor, entrega una interpretación vocal llena de sentimiento y emoción. Su capacidad para expresar vulnerabilidad y confianza en igual medida se evidencia a lo largo de la canción, haciendo que la letra cobre vida. La lírica de “Easy” habla sobre una relación que fluye sin esfuerzo, donde el amor y la conexión entre dos personas se siente natural y sin complicaciones. Esta temática resuena profundamente, ya que muchos buscan ese tipo de relación que no requiere esfuerzo ni luchas, sino que simplemente “es”.

El uso de armonías vocales es otra característica destacada de la canción. Los coros, ejecutados por los propios miembros de la banda, añaden capas de profundidad a la melodía, mientras que los interludios instrumentales, particularmente los solos de guitarra, aportan un toque de intensidad. Estos solos, tocados con precisión y sensibilidad, muestran la habilidad de los hermanos para no sobrecargar la canción, sino realzarla con los matices correctos.

En términos de producción, “Easy” tiene un sonido cálido y limpio, típico de las grabaciones de los Isley Brothers en esa época. La mezcla es equilibrada, lo que permite que cada instrumento y voz se escuche claramente, sin que uno domine sobre los demás. Este nivel de detalle en la producción refleja la experiencia de la banda, que para ese momento ya tenía más de dos décadas de carrera.

“Easy” es una canción que encapsula lo mejor de The Isley Brothers: una mezcla perfecta de soul, funk y R&B, con una producción impecable y voces emocionantes. Es una canción que, aunque no sea tan conocida como algunos de sus éxitos más grandes, merece un lugar destacado en su extenso catálogo por su musicalidad y emotividad.

Daniel 

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1409 - The Runaways - Cherry Boom

1409 - The Runaways  - Cherry Boom

Lanzada en 1976, "Cherry Bomb" es, sin duda, la canción más emblemática de The Runaways, la banda femenina pionera del punk rock y hard rock. Conformada por jóvenes rebeldes y talentosas, entre ellas Joan Jett y Cherie Currie, The Runaways rompió con las convenciones musicales de su tiempo, irrumpiendo en una industria predominantemente masculina. "Cherry Bomb" capturó la esencia de esa transgresión y libertad, convirtiéndose en un himno para una generación de mujeres jóvenes que buscaban romper los moldes de lo establecido.

La canción comienza con un explosivo riff de guitarra que de inmediato define el tono de lo que está por venir: una tormenta de energía pura y actitud desafiante. La voz agresiva y provocadora de Cherie Currie es el alma de la canción. Su interpretación vocal es cruda, directa y carente de filtros, lo que la convierte en la representación perfecta de la juventud rebelde. Con apenas 16 años, Currie encarna a la perfección el arquetipo de la adolescente indomable, y su entrega vocal le otorga a la canción una autenticidad arrolladora.

La letra de "Cherry Bomb" es igualmente poderosa. A lo largo de la canción, Currie se presenta como una chica desafiando las normas sociales: "Hello, world, I'm your wild girl" ("Hola, mundo, soy tu chica salvaje") se escucha en el estribillo, una declaración de autonomía que resuena con cualquiera que alguna vez haya sentido la necesidad de desafiar las expectativas impuestas. Este mensaje de empoderamiento, aunque se expresa a través de una actitud casi nihilista, tiene un trasfondo más profundo: el rechazo a conformarse y el derecho a decidir por uno mismo.

Musicalmente, la canción no solo es memorable por su energía desbordante, sino también por su estructura simple pero efectiva. Con menos de tres minutos de duración, "Cherry Bomb" es un ejemplo claro de cómo una canción corta y directa puede causar un impacto duradero. Las guitarras eléctricas rugen con fuerza, con un estilo que fusiona el punk y el hard rock, y la percusión, a cargo de la baterista Sandy West, mantiene un ritmo sólido que impulsa la canción hacia adelante sin pausa.

El legado de "Cherry Bomb" trasciende las décadas. Aunque en su tiempo The Runaways no alcanzó el reconocimiento comercial masivo en su país natal, la canción ha sido revalorada con el tiempo, en parte gracias al éxito posterior de Joan Jett. A día de hoy, "Cherry Bomb" sigue siendo un himno del rock feminista, inspirando a nuevas generaciones de mujeres en la música.

"Cherry Bomb" no es solo una canción; es una declaración de principios, un grito de independencia que encapsula la esencia misma del rock. The Runaways, con esta pista, dejaron una marca imborrable en la historia del rock y allanaron el camino para futuras bandas femeninas.

Daniel 

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1408.- A Light in the Black - Rainbow

 

A Light in the Black - Rainbow

     Rainbow fue esencialmente la continuación de lo que Ritchie Blackmore había estado haciendo en Deep Purple. Excelente guitarrista, decidió diversificarse, tocar diferentes temas y utilizar diferentes talentos. En Rainbow era menos mecánico, menos pesado y tenía más potencial comercial. Hay muchas bandas de heavy metal, pero pocas con la musicalidad que mostró Blackmore en Rainbow. Con Rainbow ganó aún más impulso. Un álbum y un set en vivo habían sido grabados y lanzados. La banda se embarcó en una extensa gira que la llevó a muchas ciudades importantes. Tenían un público diverso, atraído por una música que tenía un gran atractivo. Deep Purple proporcionó la base del conjunto, pero había rastros distintivos del pasado de Blackmore en el trabajo, como por ejemplo su amor por la música medieval.

Nuevas canciones como A Light in the Black, le dieron a la banda la oportunidad de mostrar su diversidad musical. Ronnie James Dio fue en gran medida el catalizador, el hombre que le dio confianza a la banda y marcó el ritmo, el complemento que a Blackmore le faltaba. Incluida en el segundo álbum de estudio del grupo, Rising (1976), se encuentra precisamente A Light in the Black,  pieza de más de 8 minutos que instrumentalmente sabe mucho a Deep Purple, cosa que no le resta ni un ápice de mérito pues la descarga es brutal. El tema originalmente se llamaba Comin' Home, pero era igual al título de un tema que Deep Purple había sacado el año anterior en su disco Come Taste The Band, así que decidieron cambiarlo por A Light In The Black.

1407.- Stargazer - Rainbow

 

Stargazer, Rainbow

     Corre el año 1975, Ritchie Blackmore estaba cansado del cambo de sonido que Deep Purple estaba dando desde la llegada de David Coverdale y Glenn Hughes, el grupo se estaba acercando a un sonido más funk y soul, esto hacía que Blackmore no se sintiera cómodo pues pensaba que se le estaba escapando el control del grupo, por todo esto Ritchie decide abandonar Deep Purple. Ritchie Blackmore se había dado cuenta de la calidad que ELF tenía, ya que habían sido teloneros de Deep Purple en Europa y Estados Unidos y Canadá. Así que decide contar con todo el grupo y los ficha (a todos menos al guitarrista) para un proyecto en solitario que tiene, y así en 1975 Blackmore junto a ELF publica su primer trabajo bajo el título Ritchie Balckmore's Rainbow, un disco que consiguió cierto éxito en las listas de ventas con el tema Man on the Silver Mountain, y que a la postre nos dejaría clásicos de la talla del citado tema y Temple of the King ó Catch the Rainbow. En este disco todas las composiciones excepto dos (Black Sheep of the Family y Still I'm Sad) son escritas por Dio y Blackmore, los dos se entienden muy bien a la hora de componer. 

Para su siguiente trabajo, Ritchie Blackmore ya tiene claro su siguiente paso, se queda con Dio y despide a todos los demás, y los sustituye por Cozy Powell a la batería, Jimmy Bain al bajo y Tony Carey a los teclados. Blackmore decide llamar al grupo Rainbow, y en 1976 el grupo saca a la luz Rising, un disco donde Blackmore y Dio componen la música y Dio la letra. Un álbum que contiene sólo 6 temas, pero que acabaría convirtiéndose en uno de los mejores y más influyentes discos de rock de la historia. Fue producido por Martin Birch (conocido por sus trabajos con grupos de la talla de Iron Maiden ó Deep Purple) y grabado en los Musicland Studios de Munich (Alemania) en menos de un mes. Incluido en este álbum se encuentra Stargazer, un tema de más de 8 minutos donde colaboró la Orquesta Filarmónica de Munich tocando a la par con el grupo. El comienzo con el solo de batería de Cozy es demoledor, te hipnotiza y te deja enganchado para lo que se avecina, la letra es una historia de moralidad vista desde el punto de vista de un esclavo en tiempos egipcios, un mago le ha esclavizado a él y a más personas y les obliga a construir una torre de piedra para él, y mientras construyen la torre tanto él como los demás esclavos esperan el día en que su miserias y pesares acaben . También se especuló en que la letra de este tema tiene un significado encubierto y hace referencia a una advertencia a no creer en falsos mesías.

1405.- Starstruck - Rainbow

 

Starstruck, Rainbow

     Rising (también conocido como Rainbow Rising)  es el segundo álbum de estudio de la banda de rock británico-estadounidense Rainbow. Fue lanzado el 17 de mayo de 1976. El líder de la banda, Ritchie Blackmore, retuvo solo al cantante Ronnie James Dio de la alineación del álbum anterior, y reclutó al baterista Cozy Powell, al bajista Jimmy Bain y al tecladista Tony Carey para completar la nueva alineación. Grabado en Múnich en menos de un mes, el álbum fue supervisado por el productor de rock e ingeniero Martin Birch. La banda fue originalmente anunciada como Ritchie Blackmore's Rainbow en los Estados Unidos, se tituló simplemente Rainbow en este lanzamiento. En 1996, Cozy Powell afirmó a la revista Record Collector que gran parte del álbum se grabó en una o dos tomas, con algunas sobregrabaciones posteriores, lo que explica por qué no existen versiones alternativas o demos, solo las mezclas originales o en bruto.

El lanzamiento original de vinilo era una funda plegable, que contenía una foto de la banda en el interior, con una funda interior genérica del sello discográfico Polydor Records. Rising alcanzó el número 48 en la lista Billboard Pop Albums.  En el Reino Unido alcanzó el número 11. La primera edición en CD tenía una mezcla ligeramente diferente a la del LP original, incluyendo un retraso más largo antes de que la banda entrara después del solo de apertura de Carey en Tarot Woman, y una reproducción más larga en Run with the Wolf. La pista Stargazer tenía las voces mezcladas sin el retraso, el sintetizador adicional eliminado y algunos de los sonidos en fase eliminados. Cuando se remasterizó en 1999, se restauró la mezcla original de vinilo

Incluido en este álbum se encuentra Starstruck, tema que está dedicada a una fan francesa que estuvo siguiendo a Blackmore durante una de las giras europeas en las que estuvo, un día encontrándose Blackmore en casa observó cómo los arbustos de fuera se movían, era la fan y había encontrado su casa, así que decidió soltar sus perros los cuales fueron a recibirla alegremente pues no eran agresivos, más bien todo lo contrario, empezaron a lamerle la cara pero ella salió huyendo asustada del lugar.

1404.- T.N.T. - AC/DC

 

T.N.T., AC/DC

     T.N.T es un verdadero petardazo, de esos que nos suben la adrenalina y hace que el pulso se nos acelere como si el mismísimo demonio hubiera venido a visitarnos. AC/DC se crea en 1973 de la mano de los hermanos Young, y ya en en 1975 publican su primer disco de larga duración, de título High Voltage, un disco que graban en tan sólo diez días y que básicamente se trata de diez temas dónde la composición de la letra corrió a cargo de Angus y Malcolm Young, y la letra a cargo de Bon Scott. A finales de 1975, la formación, que está compuesta por Malcolm y Angus Young a las guitarras, Bon Scott como vocalista, Mark Evans al bajo y Phil Rudd a la batería, publican el que sería su segundo LP, T.N.T., publicado también sólo en Australia. Más tarde, a comienzos de 1976, bajo el sello Atlantic Records, publican el álbum High Voltage para el resto del mundo, dicho disco eran temas escogidos de sus dos primeros discos editados sólo en Australia.

Tanto en la edición australiana del álbum T.N.T. cómo en la edición internacional del disco High Voltage aparece el tema T.N.T, un tema que fue compuesto por los hermanos Young y por Bon Scott, y la letra hace alusión al típico chico malo, el cuál es puro "T.N.T" (trinitrotolueno), el terror de todos los hombres e irresistible para todas las mujeres. La edición internacional de High Voltage tuvo muy buena acogida en Europa, pero no tanto en Estados Unidos donde se encontró con más dificultades. La revista Rolling Stone llegó a realizar una voraz crítica de éste álbum, algo que en ese momento mucho no ayudó. La grabación del disco es AC/DC en estado puro, con un sonido muy crudo, directo y enérgico, el cuál fue suavizado en la producción por el famoso dúo de productores Harry Vanda y George Young (hermano de Angus y Malcolm), los cuáles eran en ese momento miembros del famoso grupo The Easybeats.

1403.- It's a Long Way to the Top (If You Wanna Rock 'N' Roll) - AC/DC

 

 It's a Long Way to the Top (If You Wanna Rock 'N' Roll)

     AC/DC llevaba desde 1973, el año de su formación, peleando muy duro por hacerse un hueco en el difícil mundo de la música, y ese año tanto trabajo duro daría sus frutos en forma de su primer disco de estudio, High Voltage, lanzado por el sello Albert Productions, y sólo para el mercado australiano. Unos meses después, concretamente el 1 de diciembre de 1975 veía la luz el segundo disco del grupo, también sólo para el mercado australiano, T.N.T.. Cuando el grupo graba y publica T.N.T., está compuesto por Bon Scott (vocalista), Angus Young (guitarra solista), Malcolm Young (guitarra rítmica y coros), Mark Evans (bajo), y Phil Rudd (batería). En los temas High Voltage, y la versión de Chuck Berry de School Days, el bajo es tocado por el hermano de mayor de los Young, George, y la batería es tocada por Toni Currrenti. El grupo repetía la misma formula que en el disco debut, High Voltage, contando con la producción de Harry Vanda y George Young. Este disco también marcaría la dirección del grupo a la hora de los roles de interpretación, quedando definido que Angus se encargaría sólo de la guitarra solista, Malcolm de la rítmica.

Incluido en T.N.T. y abriendo además el disco, encontramos I'ts A Long Way To The Top (If You Wanna Rock 'N' Roll), tema compuesto por Bon Scott y los dos hermanos Young. Es un tema autobiográfico que nos describe las dificultades que tuvo que pasar la banda, tocando en locales cutres y de mala muerte noche tras noche hasta que la banda despegó y empezó a tocar ante audiencias más numerosas. A este respecto Angus Young comentaba que fue precisamente ese duro trabajo noche tras noche el que les permitió irse labrando una reputación y conseguir grabar en el estudio.
Este tema fue el mejor colocado en las listas de ventas hasta la fecha, consiguiendo alcanzar el puesto número 5 en las listas australianas. Si nos fijamos en el tema vamos a encontrar algo bastante inusual para el grupo y cualquier banda de rock que se precie, en vez de un sólo de guitarra, el grupo introduce la guitarra de Angus, la cual va interactuando con el sonido de una gaita que es tocada por Bon Scott.
La idea de introducir gaitas en el tema fue del productor George Young, que además sugirió que fueran tocadas por Bon Scott. Curiosamente el instrumento que dominaba Bon era la batería y no la gaita, pero como era un chico hábil aprendió rápidamente, y no sólo la tocó para la grabación de este disco, seguiría tocando la gaita y también la flauta posteriormente en sus actuaciones en vivo.

     La banda grabó un video para promocionar tanto el sencillo cómo el álbum. Un vídeo que sería grabado el 23 de febrero de 1976, y que consistía en la banda aupada en un camión descubierto atravesando el centro de Melbourne. En 2004, una de las calles de Melbourne,  la Corporation Lane, cerca de donde se grabó el video promocional del tema, pasaría a llamarse AC/DC Lane. En 1976 se publicaría otro disco, esta vez para ser vendido fuera de las fronteras australianas, llamado exactamente igual que el primero editado para el mercado australiano, High Voltage, y se trataba ni más ni menos que un compendio de los dos discos anteriores del grupo, y que habían publicado sólo para el mercado australiano, High Voltage y T.N.T., este último el que incluía también este tema.

1402 - Chicago - If You Leave Me Now

1402 - Chicago - If You Leave Me Now

“If You Leave Me Now”, lanzada en 1976, es una de las baladas más emblemáticas de la banda estadounidense Chicago, caracterizada por su estilo suave y sentimental. La canción, que forma parte del álbum Chicago X, fue un éxito rotundo, llegando al primer lugar en las listas de Billboard y consolidando a Chicago como una de las bandas más importantes de la década. Compuesta por el bajista Peter Cetera, esta balada romántica es un testimonio de su habilidad para escribir letras conmovedoras y crear una atmósfera emotiva a través de su voz cálida y aguda.

Uno de los aspectos más destacados de “If You Leave Me Now” es su sonido distintivo, que se aleja de las raíces más rockeras y experimentales de Chicago. En esta ocasión, la banda apuesta por un estilo más cercano al soft rock, con una instrumentación rica en cuerdas y una producción pulida que resalta la melancolía de la letra. La sección de vientos, usualmente una de las marcas registradas de Chicago, tiene un rol más sutil en esta canción, permitiendo que la melodía se centre en las cuerdas y en la interpretación vocal de Cetera. Este enfoque más minimalista fue clave para el éxito de la canción, ya que logró una conexión emocional profunda con el público.

La letra de la canción habla de la desesperación de un amante que ruega a su pareja que no lo abandone. Cetera logra capturar la vulnerabilidad y la tristeza de alguien que siente que, si su relación se termina, no será capaz de seguir adelante. Frases como “If you leave me now, you'll take away the biggest part of me” (Si me dejas ahora, te llevarás la parte más grande de mí) expresan la dependencia emocional y el miedo al abandono, temas universales que resonaron con oyentes de todo el mundo. La sencillez y honestidad de la letra permiten que la audiencia conecte con sus propios sentimientos de pérdida y desamor.

En términos de producción, “If You Leave Me Now” es un ejemplo excelente de cómo una balada puede mantener una estructura musical sencilla pero efectiva. La melodía, apoyada por una orquesta de cuerdas y una suave percusión, fluye con naturalidad, permitiendo que la canción se sienta orgánica y emocionalmente resonante. La elección de Cetera como la voz principal fue crucial, ya que su tono agudo y emotivo encapsula perfectamente la tristeza de la letra.

“If You Leave Me Now” es un clásico atemporal que marcó un antes y un después en la carrera de Chicago. Con su delicada instrumentación, su emotiva interpretación vocal y su letra sencilla pero poderosa, la canción sigue siendo una de las baladas más queridas de la música popular, un testamento a la habilidad de la banda para crear música que toca el corazón.

Daniel 

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