El disco de la semana 344: Captain Beyond - Captain Beyond

 

Captain Bewyond

     Para la recomendación de esta semana traemos una formación estadounidense que a pesar de las contínuas disputas y los problemas internos, nos regalaron buenos momentos, como el disco recomendado para la ocasión.

Captain Beyond es un grupo estadounidense que se formó en Los Angeles allá por el año 1971. El grupo original estaba formado por el ex vocalista de Deep Purple Rod Evans, el ex baterista de Johnny Winter Bobby Caldwell, el ex guitarrista de Iron Butterfly Larry Reindhardt y el ex bajista también de Iron Butterfly Lee Dorman. El grupo fue capaz de desarrollar un estilo propio, muy ecléctico, uniendo elementos propios de hard rock, rock progresivo, jazz fusión y del llamado space rock. 

Ya desde sus inicios el grupo tenía problemas bastantes importantes, pues Evans, Reindhardt y Dorman arrastraban disputas legales con sus anteriores bandas, Deep Purple y Iron Butterfly, unido a una disputa sobre el estilo musical del fundado Captain Beyond, con su sello discográfico, Capricorn Records. Y por si esto fuera poco, hay que sumarle los constantes problemas entre los mismos miembros del grupo, Rod Evans estuvo entrando y saliendo varias veces, hasta que en 1973 acabó saliendo definitivamente de la banda después del lanzamiento de su segundo álbum de estudio. A estos cuatro componentes fundadores habría que sumar un quinto, el teclista Lewie Gold, que acabaría marchándose por motivos personales antes de grabar el primer disco de la banda.

Nos vamos a centrar en la recomendación, su álbum debut, de título homónimo, Captain Beyond, grabado durante 1972 en los Sunset Sound Recorders estudios de Hollywood, bajo la producción del grupo y publicado ese mismo año por el sello discográfico Capricorn Records, famoso por tener entre sus filas a los míticos The Allman Brothers Band. De hecho, el álbum estaba dedicado a la memoria de Duane Allman, con quien el baterista Bobby Caldwell, había tocado de manera informal. La portada del álbum fue diseñada por el artista e ilustrador Josh Garnett, y presentaba un diseño muy psicodélico con elementos abstractos. En Estados Unidos la portada incluía ilustraciones en 3-D. 

La mayor parte del álbum consta de tres bloques de canciones interconectadas entre sí. El rpimer bloque comienza con "Dancing Madly Blackwards (On a Sea Of Air)" y termina con "Myopic Void". El segundo bloque comienza con "Thousand Days Of Yesterdays (intro)" y termina con "Thousand Days Of Yesterdays (Time Since Come And Gone)". El tercer y último bloque comienza con "I Can't Feel Nothin' (part 1)" y termina con la última canción del disco, "I Can't Feel Nothin' (part 2)". Toda la composición del álbum es atribuida y acreditada a Rod Evans y Bobby Cladwell, aunque todas las canciones fueron escritas por todos los componentes, pero ni Reindhardt ni Dorman pudieron figurar en los créditos por razones legales derivadas de su paso por su anterior grupo.

Estamos ante un álbum diferente, pues es una rareza entre los discos de hard rock, ya que contiene una amplia gama de influencias, incluida la música latina, el jazz, o el space rock, y todo con el rock progresivo como hilo conductor. El disco va fluyendo incluso con varios tipos de compás dentro de una misma canción, al más puro estilo de The Moody Blues, y las canciones fluyen sin ningún espacio entre unas y otras. Líricamente, el álbum explora temas del mundo exterior y los significados de la existencia, haciendo referencias a la luna, el mar, el sol, la guerra o la muerte, lo que nos da la sensación de estar realizando un viaje por el espacio en un cohete con destino desconocido. El álbum, a medida que avanza, crece y crece, merced a unas letras de fantasía, unos compases salvajes y una interpretación muy compenetrada entre los componentes del grupo. La forma en la que las canciones están secuenciadas no nos deja tiempo para recobrar el aliento. 

Este disco debut es considerado todo un clásico del rock progresivo y del hard rock de la época gracias a la magistral fusión de estilos donde tienen cabida el rock progresivo, psicodélico, jazz o la música latina. Presenta unas composiciones musicales muy complejas y elaboradas que incluyen experimentación con el sonido, cambios de tempo, y unas estructuras inusuales. Los miembros del grupo eran muy talentosos y así lo demuestran a la hora de ejecutar los temas. 

Captain Beyond es un claro ejemplo de creatividad, donde las canciones brillan por los cambios de tempo, la fusión, las letras poéticas, la experimentación, y la mezcla de secciones suaves y melódicas con momentos más pesados y dinámicos. El grupo demuestra su gran versatilidad para crear piezas complejas y crear una atmósfera progresiva, logrando juntar todo para que funcione como una única obra cohesionada entre sí. Todo esto hace que el álbum debut de Captain Beyond sea considerado como un clásico atemporal, muy apreciado por los amantes del rock progresivo y del hard rock. 

Desafortunadamente, la formación original, debido a sus problemas internos, no duró mucho tiempo, y la banda experimentó varios cambios de miembros durante los años siguientes. A pesar de esto, lograron lanzar varios discos a lo largo e los años, pero ninguno como su debut, Captain Beyond, considerado por derecho propio como un disco de culto.

0994.- Rocky Mountain High - John Denver

 

Rocky Mountain High, John Denver

     Rocky Mounain High es el sexto álbum de estudio del cantautor estadounidense John Denver. Grabado en los RCA Studios de Nueva York bajo la producción de Milton Okun, fue publicado el 15 de septiembre de 1972 por el sello discográfico RCA Records. Este fue el primer disco del cantante en colarse en el Top 10 de ventas en Estados Unidos. La fotografía del álbum fue tomada en Slaughterhouse Falls, Rio Grande, Aspen, Colorado.

Incluido en este disco se encuentra la canción que da nombre al mismo, Rocky Mountain High, una canción de folk rock escrita por John Denver. Este tema se convirtió en una de las dos canciones oficiales del estado Colorado. La canción llegó a alcanzar el puesto número 9 en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos en 1973. 

Para escribir la canción, John Denver se inspiró en su traslado a la localidad de Aspen, en Colorado tres años antes de escribirlo. El cantautor se había enamorado del estado, de hecho esto queda patente en una de las estrofas, donde hace referencia a la destrucción de la belleza de las montañas debido al turismo comercial que había en la zona. La canción fue considerada como una pieza importante de la cultura pop de la década de los años 70, llegando a convertirse en una pieza tan importante, que se convirtió en un himno oficial del estado de Colorado. 

La canción no estuvo exenta de polémica, pues un fallo legal permitió a la Comisión Federal de Comunicaciones de Estados Unidos censurar la canción, ya que consideraban que promovía el abuso de las drogas. Muchas emisoras de radio se abstuvieron de pincharla  hasta que John Denver salió y explicó públicamente que la "euforia" era su descripción inocente de la sensación de paz que encontró en las Montañas Rocosas. En 1985 John Denver tuvo que testificar en 1985 ante el congreso en las audiencias del polémico PMRC (Parents Music Resource Center), sobre su experiencia con la canción: "Obviamente, esto fue hecho por personas que nunca habían visto o estado en las Montañas Rocosas, y tampoco habían experimentado la euforia, la celebración de la vida o la alegría de vivir que uno siente cuando observa algo tan maravilloso como la lluvia de meteoritos de las Perseidas en un cielo sin luna ...noche sin nubes, cuando hay tantas estrellas que tienes una sombra de luz de estrellas, y estás acampando con tus mejores amigos, y presentándoles uno de los espectáculos de luces más espectaculares de la naturaleza por primera vez."

Funkadelic - Standing On The Verge Of Getting It On (Mes Funkadelic)

 

Standing On The verge If Getting On, Funkadelic

     Corre el año 1974, Y Funkadelic viene de tener algún que otro problema provocado en su mayoría por el abuso de las drogas. El guitarrista Tawl Ross había dejado la banda debido a una mala experiencia con el LSD. El baterista Ramon "Tiki" Fulwood al igual que el gran guitarrista Eddie Hazel consumían drogas, por lo que George Clinton había decidido suspender sus salarios para que no se gastaran el dinero consumiéndolas. El bajista Billy Bass Nelson y Eddie Hazel habían abandonado Funkadelic a finales de 1971 por disputas financieras con George Clinton, aunque Hazel siguió contribuyendo de forma esporádica en los álbumes American Eats Its Young (1972) y Cosmic Slop (1973), y en canciones de Parliament entre 1970 y 1973.

En ese ambiente nace Standing on the Verge of Getting It On, el sexto álbum de estudio de Funkadelic, disco donde regresará Eddie Hazel, quien tendrá un mayor peso en la fase creativa y composición del disco. Para esta aventura el grupo cuenta nada menos que con 15 músicos.  El disco, producido por George Clinton, es publicado el 19 de julio de 1974 por el sello discográfico Westbound Records. La portada del disco, que presenta una provocativa imagen, también contribuyó a que el álbum fuera notorio tanto por fuera como por su contenido, donde siguen con ese único y característico sonido de musica funk fusionada con soul, rock y música psicodélica.

Hay momentos, mientras escuchamos el disco, donde todo parece caótico, extravagante y psicodélico. Hace tiempo leí una reseña donde se afirmaba este disco como un desastre loco, y no puedo estar más de acuerdo, pero Clinton y los suyos lo hacen todo entro de un orden, "loco" pero con mucho sentido. Ahí radica la grandeza de un álbum que sigue combinando con una facilidad y exquisitez extraordinarias estilos musicales, y donde nos regalan algunas muy buenas jam sesions de funk rock. 

Todo este magnífico "Desastre" comienza con uno de los mejores temas del disco, Red Hot Mama, acreditado a Bernie Worrel, George Clinton y Eddie Hazel. Es todo un enérgico trallazo de funk rock que presenta unas guitarras distorsionadas y un ritmo que se nos pega al instante. La voz de Clinton lidera la canción mientas Hazel nos demuestra por qué es uno de los guitarristas más influyentes del funk. Alice in My Fantasies, acreditada a George Clinton y Eddie Hazel, es otro de los momentos más brillantes del álbum, una pista psicodélica que juega con multitud de efectos de sonidos mezclados con unas letras surrealistas. Es uno de los temas más experimentales del disco, todo un ejemplo de lo bien que puede encajar algo que por momentos parece psicótico y extravagante. I'll stay (George Clinton, Eddie Hazel), es tranquilo y agradable momento entre tanta locura y desorden lo que nos regalan los quince músicos, una conmovedora balada soul que nos demuestra la gran versatilidad de estos músicos. Sexy Ways (George Clinton, Eddie Hazel), es otra pista de funk llena de groove y sensualidad. La sección de viento y los coros cobran un gran protagonismo en esta canción. Esta canción se encarga de cerrar la cara A del disco. 

Abre la cara B Standing on the Verge of Getting It On (George Clinton, Eddie Hazel), la canción que da nombre al álbum. Una mezcla de funk crudo con unas guitarras muy funky y unas letras muy provocativas. Este tema, junto con Red Hot Mama y Alice in My Fantasies es otro de los grandes momentos del álbum. Atentos a la guitarra de un Eddie Hazel descomunal. En Jimmy's Got a Little Bit of Bitch in Him (George Clinton, Eddie hazel) dan un sorprendente pero efectivo giro. Esta es una canción en clave de humor y con toques de hip hop que nos habla de un amigo Gay. Una canción que por aquel entonces se salía de la norma, pues en aquellos años la homofobia era reinante y mayoritaria en la música. Cierra la cara B y por tanto el disco Good Toughts, Bad Toughts (George Clinton, Eddie Hazel), Una épica y reflexiva canción con unas letras filosóficas rodeada en un ambiente psicodélico. Una experiencia auditiva única para cerrar el disco. Una curiosidad: En todas las canciones excepto en la primera, Red Hot Mama, Eddie Hazel figura en los créditos de composición con el nombre de su madre, Grace Cook. 

Stading on the Verge Of Getting It On es un caótico y psicodélico viaje musical a través de varios géneros, desde el funk más crudo, hasta la psicodelia, el rock, el hip hop o el soul entre otros. El disco tiene ese distintivo y exclusivo toque experimental que solo Funkadelic era capaz de aportar en sus trabajos, mezclar tantos estilos, darle un toque experimental, y que además todo encajara y sonara bien es algo que Funkadelic sabía hacer como pocos, y en este disco lo consiguen. El sonido P-Funk seguía evolucionando y en plena forma.

0988.- Close To The Edge - Yes

 

Close To The Edge, Yes

     Close to the Edge es el quinto álbum de estudio de la banda inglesa de rock progresivo Yes. Fue grabado entre mayo y junio de 1972 en los Advision Studios de Londres bajo la producción de Eddy Offord y de la propia banda, y publicado el 8 de septiembre de 1972 por el sello discográfico Atlantic Records. Este sería el último disco de la década en el que colabora el baterista original Bill Bruford, quien encontró el disco demasiado laborioso de hacer, lo que hizo que dejara la banda y se incorporara a King Crimson. Este disco se convirtió en el mayor éxito comercial del grupo en el momento de su lanzamiento, llegando a ocupar el puesto número 4 en las listas de ventas del Reino Unido y el número 3 en la lista estadounidense Billboard 200. 

Nos vamos a centrar en la canción principal del disco, Close to the Edge, de unos 18 minutos de duración y con letras inspiradas en la novela Siddhartha de Hermann Hesse. Acreditada tanto la letra como la música a los miembros Jon Anderson y Steve Howe, se convirtió en la pieza más larga escrita del grupo en aquel momento. Anderson tuvo la inspiración inicial en su habitación de hotel mientras estaban con la gira de Fragile, su anterior álbum, mientras estaba leyendo El Señor de los Anillos de JRR Tolkien y escuchaba las Sinfonías números 6 y 7 de Jean Sibelius. 

Close to the Edge ocupa toda la cara A y se compone de cuatro movimientos. Abre The Solid Time of Change (El tiempo sólido del cambio), que transcurre bajo sonidos de agua corriente, campanillas de viento y el canto de los pájaros, sonidos que son superposiciones de cintas ambientales recopiladas en su mayoría por Jon Anderson. Estos sonidos avanzan in crescendo para desembocar en una amenazadora melodía de guitarra, la cual cambia tras un repentino cambio hacia una melodía más tradicional. El segundo movimiento, Total Mass Retain (Retención de masa total), continúa con la misma melodía y estilo, aunque la parte del bajo cambia significativamente. El coro cambia a un ritmo más rápido para luego ir disminuyendo al final de la sección. Esta es la sección más corta de las cuatro que componen la canción. En I Get Up, Get Down (Me levanto, me bajo), ralentizan significativamente el tempo y disminuyen el volumen. Esta parte consta de dos conjuntos de voces: la voz principal, cantada por Anderson, y los coros, cantados por los miembros Chris Squire y Steve Howe. Finaliza la canción con el cuarto movimiento, Seasons of Man (Estaciones del hombre), donde vuelven a un ritmo rápido con una estructura lírica y musical muy similar al primer movimiento, The Solid Time of Change, pero con unos acordes exclusivamente mayores. Las partes del órgano de Rick Wakeman son muy complejas, pues crea un efecto politonal general con la parte de guitarra en un tono diferente al del teclado. El coro se canta por última vez antes de que las voces lleguen al climax de la canción en la que se reproducen los tres temas de los movimientos anteriores.

0985 - Nino Bravo - Libre

0988 - Nino Bravo - Libre

Nino Bravo, un icónico cantante español de la década de 1970, dejó una huella imborrable en la música hispana con su emotiva interpretación de la canción "Libre". Esta emblemática pieza musical, lanzada en 1972 como parte de su álbum del mismo nombre, captura la esencia de la libertad y el anhelo de un futuro prometedor.

"Libre" se destaca por la emotividad de la voz de Nino Bravo y su habilidad para transmitir sentimientos profundos. La canción comienza de manera suave y apacible, pero rápidamente cobra fuerza a medida que Nino Bravo va plasmando su pasión y compromiso en cada verso. La letra, escrita por José Luis Armenteros y música compuesta por José Luis Navarro, se convierte en una oda a la libertad personal y la superación de obstáculos.

La canción aborda temas universales como el deseo de escapar de las limitaciones y las cadenas que nos atan. La voz apasionada de Nino Bravo canta sobre romper barreras y perseguir sueños, evocando una sensación de empoderamiento en quienes la escuchan. La lírica trasciende las barreras del tiempo y del idioma, resonando con personas de diferentes generaciones y culturas.

El legado de "Libre" va más allá de su éxito en las listas de éxitos. La canción se ha convertido en un himno de inspiración y valentía, recordándonos que cada uno tiene el poder de forjar su propio destino. El estilo distintivo de Nino Bravo, que combina pasión y melancolía, infunde a la canción una autenticidad que sigue siendo conmovedora décadas después de su lanzamiento.

Trágicamente, la carrera de Nino Bravo fue interrumpida por su prematura muerte en un accidente automovilístico en 1973. Sin embargo, su legado perdura en sus canciones, especialmente en "Libre", que continúa tocando los corazones y las almas de quienes la escuchan. La canción ha sido versionada por numerosos artistas a lo largo de los años, lo que atestigua su impacto duradero en la música popular.

En resumen, "Libre" de Nino Bravo es mucho más que una simple canción; es un himno intemporal a la libertad y la determinación. La emotiva interpretación de Nino Bravo y la profundidad de la letra hacen que la canción sea una pieza inolvidable en la historia de la música en español, y su mensaje resuena en cada nota, recordándonos la importancia de perseguir nuestros sueños con pasión y coraje.

Daniel 

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0983.- Whiskey In The Jar - Thin Lizzy

 

Whiskey In The Jar, Thin Lizzy

     Whisky in the Jar es una canción tradicional irlandesa ambientada en las montañas del sur de Irlanda, la cual menciona además específicamente los condados de Cork y Kerry. Esta canción tradicional relata la historia de un bandolero que después de robar a un funcionario militar es traicionado por una mujer, la cual no queda claro si es su novia o su esposa. Versiones posteriores de la canción sitúan la acción en otros condados además de los citados kerry y Cork. También hay quien ha situado el relato en el sur de Estados Unidos, en las montañas Ozarks o en los Apalaches, probablemente debido al asentamiento de irlandeses que existían en ambos lugares. Los nombres de los protagonistas de la versión también son cambiantes, así como los detalles de la traición.

La canción cobró mucha importancia cuando la banda irlandesa de folk The Dubliners la interpretó por primera vez, llegando a grabarla en tres álbumes en la década de los años 60. En Estados Unidos sería el grupo The Highwaymen quien la graba por primera vez, concretamente en 1962. Muy famosas son las versiones que realizarían más tarde The Pogues en 1990, Brian Adms en 2019, o Metallica en 1998, cuya versión les llevó a conseguir un premio Grammy en el año 2000.

De todas estas versiones destaca quizás una por encima de las demás, la realizada en 1973 por el grupo irlandés Thin Lizzy, liderado por Phil Lynott. La importancia de la versión de este grupo radica en que la matoría de las versiones posteriores son realizadas bajo los estándares empleados por el grupo de Phil Lynott. 

En 1973 Thin Lizzy saca su tercer álbum de estudio, Vagabonds of the Western World, disco que supone el último grabado por Eric Bell, y cuya portada es la primera elaborada por el artista irlandés Jim Fitzpatrick, quien realizará pra el grupo unas cuantas más posteriormente. Curiosamente en este disco no aparece incluida Whiskey in the Jar, la cual fue incluida en la reedición posterior de este disco para formato CD del año 1991. 

La explicación de que no aparezca este gran éxito del grupo en ningún álbum en aquel momento es muy simple. La canción era un tema que el grupo solía tocar entre bastidores durante las giras de conciertos, por lo que son animados para que la graben, algo con lo que la banda no estaba muy de acuerdo, pues Phil Lynott consideraba Thin Lizzy una banda de rock, no de folk. Originalmente esta canción estaba destinada a salir como single ocupando la cara B, pues para la cara A habían grabado Black Boys On The Corner, la cual aparece en el segundo álbum de estudio del grupo, Shades of a Blue Orphanage. Incluyeron Whiskey in the Jar en el sencillo porque en realidad no tenían nada más que ofrecer en aquel momento. Serán los responsables de la compañía discográfica, Decca Records, quienes inviertan el orden de caras en el single, poniendo en la cara A Whiskey in the Jar, Pensaban que esta canción podría ser un potencial sencillo, no se equivocaban.

Phil Lynott no era el único miembro del grupo al que no le gustaba en demasía este tema, según Brian Downey, baterista del grupo: "En cierto modo, fue algo malo para la banda, porque nos encasilló como un grupo de folk - rock. Dimos unos pocos conciertos en el norte de Inglaterra y todo el mundo acudió esperando escuchar algo de música folk. Y claro, cuando se dieron cuenta de que éramos una banda de rock directo y conciso, muchos de ellos se acabaron marchando"... "Así que este hit nos hizo dar unos cuantos pasos atrás. También es cierto que tampoco ayudaba que tanto Phil Lynott como Eric Bell (los otros do miembros de la banda en aquel momento) estuvieran dando conciertos por su cuenta en clubs de folk irlandeses. Eso, añadido a la creencia de que Thin Lizzy tocaba música folk, nos dejo en una mala situación". 

Esta es la explicación de por qué Phil Lynott renegaba de su primer gran éxito, pues consideraba que esta canción no representaba para nada la esencia musical de la banda ni la suya propia.

Funkadelic - America Eats Its Young (Mes Funkadelic)

El artista del mes Funkadelic y su álbum America Eats Its Young #mesFunkadelic

El álbum "America Eats Its Young" de Funkadelic es una obra maestra musical que encapsula la creatividad, la diversidad y la audacia de la banda en su máxima expresión. Lanzado en 1972, este álbum doble es un viaje emocionante a través de una variedad de géneros y temas, ofreciendo una visión única de la América de la época y desafiando las convenciones musicales establecidas.

Desde su apertura con "You Hit the Nail on the Head", el álbum establece de inmediato su tono enérgico y festivo. Esta pista presenta una mezcla electrizante de funk y rock, con guitarras ardientes y ritmos contagiosos. La voz líder y las armonías respaldadas por coros brindan un dinamismo vocal distintivo que se convierte en una característica recurrente a lo largo del álbum.

A medida que avanza, el álbum se sumerge en una variedad de temas, desde cuestiones sociales y políticas hasta exploraciones psicodélicas y experimentales. Canciones como "Biological Speculation" y "Philmore" llevan a los oyentes a un territorio sonoro más abstracto, utilizando efectos y capas de sonido para crear paisajes atmosféricos. 

Una de las joyas del álbum es "Babies Makin' Babies", que aborda temas de relación y reproducción con un ritmo contagioso y letras ingeniosas. La fusión de los elementos funk y soul en esta canción muestra la habilidad de Funkadelic para crear música que invita a moverse mientras mantiene una profundidad lírica. 

"Pussy" destaca por su atmósfera hipnótica y sus elementos electrónicos. Esta pista se adentra en un territorio más psicodélico, con efectos de sonido que evocan imágenes surreales. La voz de George Clinton guía al oyente a través de esta experiencia alucinante, donde la música y la narrativa se fusionan de manera intrigante.

En "America Eats Its Young", Funkadelic también aborda temas más serios y reflexivos. "March to the Witch's Castle" y "Miss Lucifer's Love" son ejemplos de canciones que exploran la oscuridad y la ambigüedad de la sociedad. Las letras provocativas y a veces crípticas invitan a los oyentes a interpretar y reflexionar sobre el contenido.

La diversidad instrumental es un punto fuerte en todo el álbum. Desde los impresionantes solos de guitarra hasta los interludios instrumentales, Funkadelic demuestra su destreza musical y su capacidad para fusionar una variedad de influencias. La incorporación de sintetizadores y efectos electrónicos agrega una dimensión futurista y experimental a la música, mostrando cómo la banda estaba dispuesta a ir más allá de los límites convencionales.

En última instancia, "America Eats Its Young" es un testimonio atemporal de la creatividad y la innovación de Funkadelic. A través de su mezcla única de géneros, su enfoque audaz en la experimentación y su voluntad de abordar temas sociales y políticos, la banda creó un álbum que sigue siendo relevante en la actualidad. Esta obra maestra musical refleja la América de su época y establece un estándar elevado para la música que trasciende generaciones. Con su diversidad de canciones y su riqueza artística, el álbum sigue siendo un monumento perdurable a la influencia duradera de Funkadelic en la historia de la música.

Daniel 

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0979.- It Never Rains In Southern California - Albert Hammond

 

It Never Rins In Southern California, Albert Hammond

It Never Rains In Southern Califonia fue el álbum debut del cantante, compositor y productor discográfico británico Albert Hammond. Este disco fue producido por el mismo artista y por Don Altfeld, contó con arreglos del cantautor, arreglista, teclista y productor estadounidense Michael Ormatian, y fue publicado el 21 de octubre de 1972 bajo el sello discográfico Mums Records. Este trabajo llegó a alcanzar un meritorio lugar en las listas de ventas estadounidenses, concretamente el número 77 en la lista Billboard 200.

Incluido en este álbum e encuentra la canción que da título al mismo, It Never Rains In Southern California, escrita y compuesta por el cantautor y compositor británico Mike Hazlewood y por el propio Albert Hammond. La canción fue publicada como sencillo de promoción del álbum ocupando la cara A, siendo acompañada en la cara B por Anyone Here in the Audience, también incluida en el álbum.

La canción cuenta en primera persona la lucha de un aspirante a actor que llega a Los ángeles en busca del éxito y la fama, y acaba enfrentándose solo a la dura realidad de la industria del entretenimiento. Hammond nos relata la historia con el clima soleado y aparentemente perfecto del sur de California de fondo, y nos acaba sugiriendo que en ese lugar tan aparentemente perfecto la vida no es tan fácil como parece. 

El acompañamiento instrumental en la grabación de Hammond corrió a cargo de músicos de sesión del famoso colectivo musical de la década de los 60 y 70 Wrecking Crew. El sencillo llegó a alcanzar el puesto número 5 en la lista de ventas estadounidense Billboard Hot 100, y el puesto número 51 en la lista de sencillos del Reino Unido. Sobre esta canción Albert Hammond decía: "Una de mis canciones más importantes no sólo porque creo que es una gran canción y me encanta y creo que cuenta la historia de mi vida de alguna manera, sino porque también yo era el artista, el productor, el escritor...".

0978.- The Ballad of El Godoo

 

The Ballad of El Goodo, Big Star

     #1 Record es el álbum debut de la bnda estadounidense Big star. El grupo estaba formado por aquel entonces por Chris Bell (guitarra y voz), Alex Chilton (guitarra y voz), Andy Hummel (bajo y voz) y Jody Stephens (batería). Este disco, con sabor a power pop y hard rock, es grabado entre mayo de 1971 y febrero de 1972 en los Ardent Studios de Memphis, bajo la producción de John Fry, y publicado el 24 de abril de 1972 por el sello discográfico Ardent Records. Todos los temas de este álbum están acreditados al dúo Alex Chilton y Chris Bell, y el brillante y pulido sonido, en contraste con los sonidos más crudos de trabajos posteriores del grupo, es atribuido según el productor John Fry a la presencia de Bell, quien ya no figurará en ningún trabajo posterior de la  banda. Según Fry: "Cuando Bell todavía estaba en la banda, se interesó más que nadie en la producción y la tecnología. Tenía una buena mente de producción... la razón por la cual el segundo álbum es más tosco, con menos armonías, e debe  la ausencia de Bell en el estudio".

Gran parte de la crítica elogió las armonías vocales y las canciones del disco, pero a la vez este sufrió una mala distribución y vendió menos de 10.000 copias en su lanzamiento inicial. A pesar de este contratiempo, #1 Record ganó la atención a finales de la década de los años 70 en el Reino Unido cuando el sello discográfico EMI lo reeditó con su segundo álbum de estudio, Radio City (1974) como un paquete de doble LP debido a la creciente demanda en aquel momento. 

Incluido en este disco se encuentra The Ballad of El Goodo, canción conocida por su sonido suave y su pegajosa melodía, y por su gran armonización vocal y unas letras introspectivas que nos hablan sobre la esperanza y la perseverancia a pesar de los desafíos. Siempre se ha especulado que la letra de este tema de Bell y Chilton alude más concretamente a la Guerra de Vietnam. La Guerra de Vietnam fue muy importante para Chilton, de hecho, tras la muerte de Alex Chilton, John "Bucky" Wilkin, cantante y compositor del grupo de surf rock de lo años 60 Ronny & the Daytonas, llegó a afirmar que Vietnam fue la guerra con la que ambos más se indentificaron.

0977 - Big Star - Thirteen

0977 - Big Star - Thirteen

"Thirteen" de la banda Big Star es una joya atemporal que captura la esencia de la adolescencia y la nostalgia en una dulce y melancólica melodía. Lanzada en su álbum debut "No. 1 Record" en 1972, la canción destila la sensación de inocencia y los sentimientos incipientes del primer amor de una manera que resuena con oyentes de todas las edades.

Con una simple instrumentación que incluye guitarras acústicas y una voz suave y emotiva, "Thirteen" transporta a los oyentes a través del tiempo, evocando recuerdos y emociones universales. La canción está imbuida de una pureza y sinceridad que refleja la juventud y la ingenuidad. Sus letras pintan una imagen vívida de la transición hacia la madurez, capturando momentos íntimos compartidos entre dos jóvenes enamorados.

A medida que la voz principal canta versos como "Won't you let me walk you home from school? / Won't you let me meet you at the pool?" ("¿No me dejarás acompañarte a casa desde la escuela? / ¿No me dejarás encontrarte en la piscina?"), se crea una sensación de vulnerabilidad y un deseo inocente de la cercanía. La canción captura la intensidad de las emociones adolescentes con una simplicidad lírica que resuena profundamente.

La producción minimalista y la ejecución sincera de "Thirteen" permiten que las letras y la melodía brillen con claridad. La canción ha sido versionada y reinterpretada por numerosos artistas a lo largo de los años, lo que demuestra su impacto perdurable en la música popular. Su influencia se extiende a través de generaciones, conectando a oyentes jóvenes y adultos en su aprecio por la experiencia humana compartida.

En resumen, "Thirteen" de Big Star es una canción intemporal que captura la belleza y la complejidad de la juventud y el amor incipiente. Su simplicidad y sinceridad la convierten en un tesoro musical que sigue siendo conmovedor incluso después de décadas de su lanzamiento. A través de sus letras y melodía, la canción nos invita a reflexionar sobre nuestras propias experiencias y recuerdos, creando un lazo emocional que perdura mucho después de que termine la última nota.

Daniel 

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Funkadelic - Funkadelic (Mes Funkadelic)

 

Funkadelic

     Mommy, What's a Funkadelic? (Mama, qué es Funkadelic?). Con esta pregunta que servía de título para la primera canción de su primer álbum, arrancaba la andadura de Funkadelic. Esta banda, junto con su banda hermana Parliament, serán de uno de los grupos que marcarán una nueva era dentro del Funk, Rock y música psicodélica al mezclar estos estilos con absoluta brillantez y marcar la era del llamado sonido P-Funk, cuyo padre no es otro que Geroge Clinton, el creador de ambas bandas. Parliament se movía en un sonido funk más tradicional mientras que Funkadelic era la encargada de experimentar con sonidos como el rock o la música psicodélica y mezclarlos con gran maestría con el funk. Y este mes de septiembre nos vamos a centrar en la rama más experimental del sonido P-Funk, e intentar durante este mes, a través de una selección de sus discos, explicar que es Funkadelic y que significa el sonido P-Funk.

Para hablar de Funkadelic inevitablemente tenemos que hablar de su fundador, George Clinton. George nace en 1941 en Kannapolis, Carolina del Norte (Estados Unidos). A finales de los años 50 George que era copropietario de una barbería en New Jersey, decide fundar en la parte de atrás de la misma un grupo de música para entretener a los clientes, en la parte de atrás de esa barbería nacería The Parliaments. Al principio hacían un sonido doo-woop (género que nació mezclando básicamente los géneros R&B y góspel), pero durante la década de los 60 van evolucionando en su forma de enender y hacer música hasta acabar desarrollando un sonido único basado en el soul y el funk. Además de hacer un sonido único, también se empiezan a inclinar por unas letras más ocuras.

Durante los 60, George encuentra empleo en la potente discográfica Motown records, empleo que compatibiliza con el grupo The parliaments. En 1967, con el sello discográfico Revilot Records graba su primer éxito con The parliaments, llamado (I Wanna) Testify, tema con el que consiguen una gran acogida en las listas de ventas. Con motivo del éxito del single George decide iniciar una gira, para la cuál se lleva a The Parliaments y además crea una banda de acompañamiento para que respalde al grupo durante dichas gira. Sin embargo justo en ese momento, cuando empieza a despegar George, se ve envuelto en una batalla contractual con Revilot Records y pierde los derechos del grupo. Lejos de desanimarse y para poder seguir en la brecha George cambia el nombre a toda aquella formación (The parliaments y la formación de apoyo) que había fichado para la gira y la llama Funkadelic.

Y así nace Funkadelic, una banda que además se aleja del sonido doo-woop, que se inspira en Jimi Hendrix y Sly & the Family Stone entre otros, y mezclan en sus composiciones soul, funk, rock psicodélico e incluso hard rock. Posteriormente refundaría a los extintos The parliaments llamándolos Parliament, y así George grabaría y haría innumerables giras cons sus grupos parliament y su banda hermana Funkadelic. Todo esto daría lugar al denominado sonido P-funk, un sonido bailable a la vez que psicodélico y con tintes rockeros. 

En este contexto nace Funkadelic, el álbum debut de la banda estadounidense. El disco es grabado entre 1968 y 1969 en los Tera Shirma Sound Studios de Detroit, Michigan, bajo la producción de George Clinton y publicado el 24 de febrero de 1970 por el sello discográfico Westbound Records. En los créditos del disco figuran como Funkadelic el propio George Clinton junto a Mickey Akins (órgano hammond), Tiki Fulwood (batería), Eddie Hazel (guitarra), Billy "Bass" Nelson (bajo) y Tawl Ross (guitarra rítmica). También se incluyó en los créditos al resto de vocalistas que habían formado parte de The Parliaments, Clarence "Fuzzy" Haskins, Calvin Simon, Ray Davis y Grady Thomas, así como varios músicos de sesión que por entonces eran empleados del sello Motown. 

Este disco debut es para mí uno de los mejores álbumes del grupo de principios de la década de los 70. En aquel momento  había muchos grupos que habían apostado por sonidos soul y funk más psicodélicos, sin embargo ningún grupo había sido capaz de conseguir un equilibrio entre los sonidos más suaves y melódicos del soul y los potentes riff de guitarras rockeras hasta que llegó Funkadelic con esos ritmos y densos arreglos de coros y voces, pero con unas guitarras ruidosas y saturadas. En este disco la banda conseguirá sentar las bases de sus sonido marcado por sus raíces del soul de los 60 entremezclándolo con el funk de los 70 y todo aderezado con altas dosis de rock y psicodelia a partes iguales.  

La edición original de Funkadelic contiene 7 canciones, Mommy, What's a Funkadelic?, uno de sus temas más icónicos. La canción comienza con una cómica introducción para irse transformando en todo un trallazo lleno de un potente ritmo funk. I'll Bet You es otra de las canciones más brillantes del álbum. Bajo una prominente línea de bajo y un ritmo pegajoso, mezcla con gran destreza elementos del rock y el funk. Music My Mother es otra rítmica y animada pieza con una mezcla de voces y coros que resaltan el sonido funk. En I Got a Thing, You Got a Thing, Everybody's Got a Thing  las guitarras con el efecto wah wah y el órgano Hammond marcan el paso mientras suenan unos grandes coros que por momentos tienen toques de gospel. En Good Old Music George Clinton vuelve a capturar con maestría la esencia del soul y el funk. La sensación rítmica con el groove que se marcan aquí es espectacular. Qualify and Satisfy es una de las canciones más tranquilas del disco, una mezcla entre elementos R&B y funk donde destacan las excelentes voces y armonías. What Is Soul cierra este brillante álbum, una introspectiva canción donde George Clinton explora en la esencia, el alma y el significado de las letras de la música soul.

Funkadelic, a través de su particular enfoque a la hora de experimentar y fusionar géneros en este primer disco, sentó las bases para la evolución de su sonido en sus trabajos posteriores. George Clinton y Funkadelic en este álbum son capaces de plasmar su capacidad y visión única para crear música innovadora y llena de ritmo y energía.

0972.- Pusherman - Curtis Mayfield

 

Pusherman, Curtis Mayfield

     Super Fly es el tercer álbum de estudio del músico de soul y funk estadounidense Curtis Mayfield. Dicho trabajo fue grabado entre diciembre de 1971 y mayo de 1972 en los estudios RCA de Chicago y los Bell Bell Sound de Nueva York, bajo la producción del propio músico, y publicado el 11 de julio de 1972 por el propio sello discográfico de Curtis Mayfield, Curtom Records. Este disco fue lanzado como banda sonora de la película del género Blaxplotation del mismo nombre, Super Fly. El disco se convirtió rápidamente en un absoluto éxito, siendo considerado como un clásico de la música soul y funk de los años 70.

Super Fly fue junto a What's Going On (1971) de Marvin Gaye, uno de los discos conceptuales de soul pioneros, con unas letras socialmente comprometidas que nos hablas de temas como la pobreza o el problema del abuso de las drogas. Gracias al éxito de este disco como banda sonora, Curtis fuel elegido para realizar varias bandas sonoras más a lo largo de la década. Mayfield había contribuido anteriormente con dos canciones en la película de 1968 Krakatoa, East of Java, la cual fue todo un fracaso comercial. Más tarde, sería el director de cine Gordon Park Jr., quien estaba trabajando en una película llamada Super Fly, quien pide a Curtis y su banda que realicen un cameo en una escena en una discoteca, y que para ello tienen que tocar una canción completa. Este cameo es lo que lleva al director a pedir a Curtis que se encargue de la banda sonora completa. Esta banda sonora es una de las pocas que fue capaz de superar a la película a la que iba ligada.

Incluido en este disco se encuentra Pusherman, escrita por Curtis y grabada en las sesiones en los estudios Bell Sound de Nueva York. Esta canción y prácticamente todo el álbum fue escrita desde en un sótano en Chicago donde Curtis vivía mientras atravesaba un proceso de separación matrimonial de su esposa. El músico uso cada canción del disco para abordar diferentes problemas, y con Pusherman abordó el problema del tráfico de drogas. Normalmente se solía ver al traficante de drogas callejero como un hombre de negocios tratando de ganarse la vida y mejorar su situación, y en Pusherman Curtis nos da a entender que Pusherman es tanto héroe como villano, una extraña víctima más devorada por las demandas y circunstancias del gueto. 

0971 - King Harvest - Dancing in the moonlight

0972 - King Harvest - Dancing in the moonlight

Algunas canciones destacan por su capacidad de perdurar a lo largo del tiempo, atrapando los corazones de generaciones sucesivas. "Dancing in the Moonlight" de King Harvest es uno de esos éxitos que ha dejado una huella indeleble en el mundo de la música. Con su ritmo contagioso y letras alegres, esta canción ha resonado con oyentes de todas las edades desde su lanzamiento en la década de 1970. En esta reseña, exploraremos los aspectos más destacados de esta joya musical que sigue iluminando las noches de fiesta.

"Dancing in the Moonlight" es una canción del género pop rock, lanzada por primera vez en 1970 por la banda de Nueva York, King Harvest. Escrita por Sherman Kelly, el tema destaca por su optimismo y ritmo contagioso que invita a mover los pies al compás de la música.

Desde los primeros acordes, "Dancing in the Moonlight" captura la esencia del verano, evocando imágenes de cálidas noches estivales y romances efímeros. El gancho distintivo de su pegajoso estribillo es el elemento que atrapa a los oyentes y los invita a cantar junto con la banda. La combinación de guitarras suaves y ritmos de piano animados crea una fusión musical inolvidable, que se complementa con una sección de vientos alegre y enérgica.

La voz principal, llena de encanto y emotividad, es el vehículo perfecto para transmitir la sensación de despreocupación y alegría que caracteriza a la canción. A medida que avanza, "Dancing in the Moonlight" construye una atmósfera festiva que se mantiene hasta el último acorde, dejando a los oyentes con una sonrisa en el rostro y las ganas de bailar bajo la luz de la luna.

La letra, sencilla pero efectiva, refleja la libertad y la felicidad de vivir el momento presente. Con versos como "Todos estamos encendidos y no hay lugar para estar / Y no te preocupa mucho si no tienes dinero", la canción resalta la importancia de disfrutar de la vida sin preocuparse por el mañana. Esta actitud positiva y desenfadada ha hecho que "Dancing in the Moonlight" se convierta en un himno para escapar de las preocupaciones diarias y dejarse llevar por la música y la compañía de buenos amigos.

"Dancing in the Moonlight" de King Harvest es una canción atemporal que ha trascendido las barreras del tiempo y del género musical. Su ritmo pegadizo y letras esperanzadoras han hecho que perdure en la memoria de varias generaciones. Esta pieza musical, llena de vitalidad y positividad, es un recordatorio de que en la simplicidad de los placeres cotidianos podemos encontrar momentos mágicos.

Sin lugar a dudas, "Dancing in the Moonlight" es una adición esencial a cualquier lista de reproducción veraniega o fiesta, ya que enciende la alegría en el corazón de quienes la escuchan. Es una canción que nos recuerda que la música puede ser un poderoso catalizador para la creación de recuerdos inolvidables. ¡Así que no dudes en darle al play y sumergirte en esta cautivadora y encantadora melodía mientras bailas bajo la luz de la luna!

Daniel
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0970 - Van Morrison - Saint Dominic's Preview

0970 - Van Morrison - Saint Dominic's Preview

"Saint Dominic's Preview" es una cautivadora y enigmática canción del cantante y compositor norirlandés Van Morrison. Lanzada en 1972 como la pista principal de su álbum homónimo, la canción se ha convertido en un ícono del género del rock y ha dejado una huella significativa en la música contemporánea.

La canción se distingue por su intrincada mezcla de estilos musicales, fusionando elementos del rock, blues y jazz, todo ello respaldado por la distintiva voz de Van Morrison. La interpretación apasionada y emotiva del artista agrega una capa adicional de profundidad a la pista, logrando transmitir una amplia gama de emociones a lo largo de sus más de seis minutos de duración.

La lírica de "Saint Dominic's Preview" es notablemente poética y evocadora, característica típica de las composiciones de Van Morrison. El tema de la canción parece girar en torno a una exploración introspectiva y mística, con referencias crípticas a diversos aspectos de la vida y la espiritualidad. La narrativa se desarrolla con un sentido elusivo, lo que permite a los oyentes interpretar y conectar con la canción de manera personal, a medida que se sumergen en sus enigmas líricos.

Musicalmente, la canción se despliega en una serie de cambios de tempo y dinámicas, lo que aporta una sensación de viaje sonoro a lo largo de su ejecución. Los músicos acompañantes de Van Morrison aportan su destreza en la instrumentación, contribuyendo a la atmósfera enigmática y atractiva de la pista.

"Saint Dominic's Preview" ha sido aclamada por la crítica y es considerada como una de las obras maestras de la carrera de Van Morrison. Su capacidad para fusionar géneros y su profundidad lírica han dejado una impresión duradera en la música contemporánea y en la audiencia que sigue descubriendo su obra.

En conclusión, "Saint Dominic's Preview" es una canción fascinante que encapsula la destreza artística de Van Morrison y su habilidad para trascender géneros musicales. Su lírica enigmática y emotiva interpretación hacen que esta pista siga siendo relevante y disfrutable incluso décadas después de su lanzamiento, lo que demuestra el impacto perdurable de la obra de este legendario músico.

Daniel
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0969 - Van Morrison - Jackie Wilson Said (I'm in Heaven When You Smile)

0969 - Van Morrison - Jackie Wilson Said (I'm in Heaven When You Smile)

En la historia de la música, hay canciones que perduran en el tiempo y siguen deleitando a generaciones. "Jackie Wilson Said (I'm in Heaven When You Smile)" es una joya atemporal del legendario cantante y compositor norirlandés Van Morrison. Lanzada en 1972 como parte de su álbum "Saint Dominic's Preview", esta canción ha dejado una huella indeleble en el mundo musical gracias a su mezcla distintiva de ritmos, suavidad vocal y letras encantadoras. En esta reseña, exploraremos los aspectos destacados de este himno musical y su influencia duradera en la industria.

"Jackie Wilson Said" se inicia con una melodía contagiosa y alegre que, desde el primer acorde, invita al oyente a unirse a este viaje musical. La habilidad de Van Morrison para fusionar elementos del jazz, R&B y rock and roll se hace evidente en esta canción, creando una fusión única y atractiva de estilos. El ritmo animado y el ritmo pegajoso invitan a la gente a moverse y cantar al unísono, haciendo de esta pieza un clásico inolvidable en el repertorio de Van Morrison.

La voz distintiva de Van Morrison es el ingrediente clave que hace que esta canción sea tan especial. Su entrega suave y emotiva transmite una sensación de calidez y felicidad, lo que concuerda perfectamente con el título de la canción. La manera en que Van Morrison expresa la lírica es encantadora, transmitiendo un sentimiento genuino de amor y alegría. Su estilo vocal único ha sido una influencia significativa para muchos artistas posteriores, y es un aspecto que ha dejado un impacto duradero en la música popular.

La composición lírica de "Jackie Wilson Said" también merece mención. La canción está inspirada en el famoso cantante de soul Jackie Wilson, y en sus letras, Van Morrison celebra el poder del amor verdadero para elevar el espíritu humano y ofrecer un estado de felicidad divina. La analogía de estar en el cielo cuando el ser amado sonríe crea una imagen emotiva y romántica, lo que la convierte en una canción atemporal para enamorados y soñadores por igual.

El legado de "Jackie Wilson Said" es innegable. A lo largo de los años, esta canción ha sido versionada por numerosos artistas de diferentes géneros, lo que demuestra su relevancia continua en el panorama musical. Además, ha sido incluida en diversas bandas sonoras de películas y programas de televisión, reafirmando su estatus como un clásico imperecedero.

"Jackie Wilson Said (I'm in Heaven When You Smile)" de Van Morrison es una obra maestra musical que ha resistido el paso del tiempo. Su encantadora combinación de ritmos, la voz distintiva de Van Morrison y su emotiva lírica hacen de esta canción un tesoro para la música en general. Con su poder para levantar el ánimo y transmitir un mensaje de amor y felicidad, esta pieza continúa resonando con oyentes de todas las generaciones. Van Morrison ha dejado un legado imborrable con "Jackie Wilson Said", y su influencia en la música sigue siendo admirada por artistas y seguidores en todo el mundo.

Daniel
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0968.- I Won't Last A Day Without You - The Carpenters

 

I Won't Last A Day Without You, The Carpesnters

     A Song For You es el cuarto álbum de la banda estadounidense The Carpenters. Dicho álbum fue grabado en los A&M Studios de Hollywood, bajo la producción de Jack Daugherty, y publicado el 13 de junio de 1972 por el sello discográfico A&M Records. Según Richard Carpenter, este disco estaba destinado a ser algo así como un álbum conceptual con la melodía del título abriendo y cerrando el mismo. De A Song For You se lanzaron seis sencillos: Hurting Each Other, Its Going to Take Some Time, Goodbye to Love, Top of the World, Bless the Beast and Children y I Won't Last a Day Without You. Todos los sencillos menos Bless the Beast and Children ocuparon los primeros puestos en la lista estadounidense Adult Contemporary.

Nos vamos a centrar en I Won't Last a Day Witthout You, cuya música fue compuesta por el multi instrumentista y compositor estadounidense Roger Nichols, mientras que la letra fue escrita por el compositor, cantante y actor estadounidense Paul Williams. Dicho tema fue lanzado bastante tarde como sencillo, concretamente en 1974, y llegó a alcanzar el puesto número uno en las listas de Estados Unidos. En 1972 Richard Carpenter tiene conocimiento de que Nichols y Williams, quienes ya habían escrito anteriormente para The Carpenters los temas We've Only Just Begin y Rainy Days and Mondays, están trabajando en una nueva canción, por lo que deciden utilizarla e introducirla en el álbum Song For You. El grupo se encontraba con un apretado calendario de giras, lo que le impedía trabajar y dedicar el tiempo suficiente en componer material nuevo, por lo que deciden utilizar varios temas de otros compositores, entre los que se encuentra este bello y delicado tema.

0961.- Starman - David Bowie

 

Starman, David Bowie

     En 1972 vería la luz el icónico álbum de David Bowie, The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, también conocido como Ziggy Stardust. Este es el quinto álbum de estudio del artista y es grabado entre julio y noviembre de 1971 y febrero de 1972 en los Trident Studios de Londres, bajo la producción de Kenn Scott y el propio Bowie, y publicado el 16 de junio de 1972 por el sello discográfico RCA Records. Para la grabción del disco Bowie contó con su banda de acompañamiento, Spiders from Mars, compuesta por Mick Ronson, Trevor Bolder y Mick Woodmansey.  Este disco ha sido catalogado por la crítica como un álbum conceptual y una ópera rock. En él, Bowie trata sobre su alter ego, Ziggy Stardust, una estrella de rock ficticia andrógina y bisexual que es enviada a la Tierra como salvadora ante un desastre apocalíptico que se avecina. La mayor parte conceptual del álbum se desarrolló después de que se grabaran las canciones. El glam rock y el proto-punk están muy presentes, y fueron influenciados por bandas como Iggy Pop, The Velvet Underground y Marc Bolan. Las letras nos hablan desde la artificialidad de la música rock, pasando por temas políticos, el consumo de drogas, la sexualidad o el estrellato. 

En esta obra maestra podemos disfrutar del tema Starman, el cual resume a la perfección la temática espacial del álbum. Esta canción fue añadida en el último momento gracias a su potencial comercial como sencillo. En él, Bowie nos habla de la necesidad de preservar la Tierra y no destrozarla a través de un mensajero extraterrestre que nos avisa de las malas noticias que están por llegar sino rectificamos a tiempo. Gran culpa de que esta canción aparezca en el disco es de la compañía discográfica RCA, que había solicitado un sencillo para las emisoras de radio. Así fue concebida Starman, que acabaría reemplazando una versión del tema Roun and Round de Chuck Berry. Una última curiosidad, el coro de la canción está inspirado en la canción Over the Rainbow, que había interpretado Judy Garland, mientras que podemos apreciar otros guiños e influencias de bandas como T. Rex y The Supremes.

0960 - Caetano Veloso - Bahia Triste

0962 - Caetano Veloso - Bahia Triste

"Bahia Triste" es una emotiva canción del reconocido músico y compositor brasileño Caetano Veloso. Esta canción captura la esencia melancólica y nostálgica de la tierra natal de Veloso, Bahía, con una combinación de letras conmovedoras y una melodía envolvente.

Desde los primeros acordes, "Bahia Triste" crea una atmósfera evocadora y contemplativa. La voz distintiva de Caetano Veloso, llena de calidez y expresividad, se funde perfectamente con los arreglos musicales, que incluyen delicadas cuerdas, suaves percusiones y sutiles acordes de guitarra. El ritmo lento y cadencioso de la canción añade una sensación de melancolía y tristeza a la pieza.

Las letras de "Bahia Triste" exploran la añoranza por un lugar amado que ya no es lo que solía ser. Caetano Veloso utiliza metáforas poéticas para transmitir su profunda conexión con Bahía y su dolor por los cambios que ha experimentado. A través de sus palabras, evoca imágenes de una Bahía desgastada y cambiante, donde los recuerdos se mezclan con la tristeza de una realidad presente.

La canción se desenvuelve con una sutileza y una ternura que solo un artista consumado como Caetano Veloso puede lograr. Su voz transmite una gama de emociones, desde la nostalgia hasta la resignación, y su habilidad para comunicar sentimientos complejos es evidente en cada nota.

"Bahia Triste" es una composición que toca el corazón y deja una huella duradera en el oyente. A través de su letra evocadora y su melodía cautivadora, Caetano Veloso nos invita a reflexionar sobre la fragilidad del tiempo y la importancia de nuestras raíces. Es una pieza musical que trasciende barreras lingüísticas y culturales, conectando con cualquier persona que haya experimentado la pérdida y el anhelo.

"Bahia Triste" es una hermosa canción que captura la esencia de la melancolía y la nostalgia de Caetano Veloso por su amada Bahía. Su interpretación emotiva y la composición musical exquisita hacen de esta canción una experiencia auditiva conmovedora y memorable.

Daniel
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0958.- Amazing Grace - Aretha Frankiln

 

Amazing Grace, Arethe Franklin

     En 1972 Aretha Franklin regresaba a la música gospel con la grabación de dos actuaciones de noche en vivo que darían lugar al álbum en vivo Amazing Grace. Dicho álbum fue grabado el 13 y 14 de enero de 1972 en la Iglesia Bautista Misionera New Temple de Los Angeles, bajo la producción de Jerry Wexler, Arif Mardin y la propia Aretha, y publicado en junio de 1972 bajo el sello discográfico Atlantic Records. Aretha grabó en dicha iglesia junto al reverendo James Cleveland y el Coro de la Comunidad del Sur de California, quienes acompañaron a la artista durante la actuación. El disco fue todo un éxito comercial y de crítica, vendiendo más de dos millones de copias solo en Estados Unidos, obteniendo además la certificación de doble platino. Aretha ganó por  este trabajo el premio Grammy en 1973 a la mejor interpretación de soul gospel. Amazing Grace se conviertió en el álbum de música gospel más vendido de todos los tiempos y en el más vendido también de toda la carrera artística de Aretha.

Incluido en este disco se encuentra una versión de más de 10 minutos del tema que da título al mismo, Amazing Grace. Esta canción es un himno cristiano escrito en 1772 por el clérigo y poeta John Newton, y publicado en 1779. Estamos ante un himno inmensamente popular sobre todo en Estados Unidos, donde es usado tanto para propósitos religiosos como seculares. Newton escribió este himno a partir de una experiencia personal, creció sin ninguna convicción religiosa en particular, pero el camino de su vida estuvo formado por una serie de vivencias y coincidencias que le llevarían al camino de la fe. Conocido por su insubordinación recalcitrante, prestó servicio en la Royal Navy, y después de dejar el servicio se involucró en el comercio de esclavos en el Atlántico. En 1748 una tormenta azotó su barco frente a la costa del condado de Donegal, Irlanda, tan fuertemente que rogó a Dios misericordia. Continuó unos 6 o 7 años con el comercio de esclavos, pero después comenzó a estudiar teología cristiana y acabó convirtiéndose en abolicionista.

0956 - Joan Manuel Serrat - Nanas de la cebolla

0957 - Joan Manuel Serrat - Nanas de la cebolla

"Nanas de la cebolla" es una canción icónica del reconocido cantautor español Joan Manuel Serrat, que ha cautivado a oyentes de diferentes generaciones desde su lanzamiento en 1969. Esta emotiva melodía, basada en el poema homónimo del poeta y dramaturgo Miguel Hernández, no solo destaca por su belleza musical, sino también por la profundidad y la carga emotiva que encierra.

La canción comienza con unos acordes de guitarra suaves y melancólicos, que establecen una atmósfera nostálgica desde el primer momento. La voz de Joan Manuel Serrat se desliza por las estrofas con delicadeza y pasión, transmitiendo la angustia y el sufrimiento que impregnan las letras del poema original. Su interpretación es sencilla pero llena de intensidad, permitiendo que la poesía y el mensaje se conviertan en los protagonistas indiscutibles de la canción.

"Nanas de la cebolla" aborda la realidad dolorosa de una madre que llora la pérdida de su hijo debido a la miseria y la opresión social. Las metáforas poéticas utilizadas por Miguel Hernández para describir esta situación se entrelazan con maestría en la composición de Joan Manuel Serrat, generando un impacto emocional profundo en quienes escuchan la canción. Cada verso es una bofetada de realidad que nos hace reflexionar sobre las injusticias y las desigualdades sociales que aún persisten en nuestro mundo.

La habilidad de Serrat para capturar la esencia de la poesía de Hernández y transformarla en música es admirable. La melodía fluye con elegancia, respetando el ritmo y la cadencia de las palabras, y otorgando a la canción una fuerza adicional. Los arreglos musicales son sutiles, permitiendo que la voz de Joan Manuel Serrat brille y que el mensaje llegue directamente al corazón de quienes escuchan.

"Nanas de la cebolla" es una obra maestra que trasciende el tiempo y las fronteras. Su mensaje sobre la injusticia social y el sufrimiento humano sigue siendo relevante en la actualidad. A través de esta canción, Joan Manuel Serrat y Hernández nos invitan a reflexionar sobre la importancia de la empatía y la lucha por un mundo más justo.

"Nanas de la cebolla" es una joya musical que nos conmueve y nos invita a la reflexión. La combinación de la poesía de Miguel Hernández con la sensibilidad interpretativa de Joan Manuel Serrat crea una experiencia artística inolvidable. Esta canción demuestra el poder de la música y la poesía para transmitir emociones y despertar conciencias. "Nanas de la cebolla" es una obra atemporal que merece ser escuchada y apreciada por todos aquellos que valoran la belleza y la profundidad en la música.

Daniel
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