1542.- Paul Simon - Slip Slidin' Away

1545 - Paul Simon - Slip Slidin' Away

Paul Simon, uno de los más grandes narradores de la música popular, nos regaló en 1977 Slip Slidin' Away, una canción que encapsula la melancolía y la reflexión sobre la vida, el amor y las oportunidades perdidas. Aunque inicialmente no formaba parte de ningún álbum, la canción se convirtió en un éxito y fue incluida posteriormente en Greatest Hits, Etc.. Con su estilo característico, Paul Simon combina letras profundas con una melodía sencilla pero emotiva, creando una pieza que resuena en el alma del oyente.

La canción comienza con una suave guitarra acústica y un ritmo pausado que invita a la introspección. La voz de Paul Simon, cálida y cercana, nos guía a través de una serie de historias que exploran temas universales: el paso del tiempo, las decisiones que tomamos y cómo estas nos llevan por caminos inesperados. La frase "Slip slidin' away, slip slidin' away, you know the nearer your destination, the more you're slip slidin' away" funciona como un estribillo que resume la sensación de que, a veces, cuanto más nos acercamos a nuestros objetivos, más se nos escapan de las manos.

En las estrofas, Paul Simon nos presenta personajes que luchan con sus propias realidades. Un hombre que intenta comunicar su amor pero no encuentra las palabras adecuadas, otro que reflexiona sobre su vida y se da cuenta de que ha dejado atrás lo que realmente importaba, y una mujer que enfrenta las consecuencias de sus decisiones. Cada historia es un pequeño retrato de la condición humana, lleno de empatía y comprensión. Simon no juzga a sus personajes; simplemente los observa y nos invita a hacer lo mismo.

Musicalmente, la canción es un ejemplo de la maestría de Simon para crear atmósferas íntimas. El uso de instrumentos como el bajo, la guitarra y los coros sutiles en el fondo añaden capas de profundidad sin restarle protagonismo a la letra. La producción es limpia y minimalista, lo que permite que la narrativa sea el centro de atención.

Slip Slidin' Away es una de esas canciones que te acompañan en momentos de reflexión. No es una pieza alegre, pero tampoco abrumadoramente triste. Es realista, honesta y, en cierto modo, reconfortante. Nos recuerda que la vida está llena de altibajos, y que a veces, incluso cuando sentimos que todo se nos escapa, hay belleza en el proceso de intentar mantener el equilibrio.

Esta canción es un testimonio del talento de Paul Simon para contar historias que conectan con lo más profundo de nuestra humanidad. Es una obra maestra atemporal que sigue resonando con nuevas generaciones, demostrando que la buena música no tiene fecha de caducidad. Si aún no la has escuchado, es momento de darle una oportunidad y dejarte llevar por su poesía musical.

Daniel 

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1540.- Dancing in the Moonlight (It's Caught Me In Its Spotlight) - Thin Lizzy

 

Dancing in the Moonlight, Thin Lizzy

     Bad Reputation es el octavo álbum de estudio de la banda de rock irlandesa Thin Lizzy. Fue grabado entre mayo y junio de 1977 en los Toronto Sound and Sound Intercharge Studios de Toronto, Canadá, bajo la producción de Tony Visconti, y publicado el 2 de septiembre de 1977 bajo el sello discográfico Vertigo Records. Tal y como sugiere la portada, la mayoría de las canciones presentan solo tres cuartas partes de la banda, y el guitarrista Brian Robertson solo aparece acreditado en tres temas. Se perdió la mayor parte de su gira anterior debido a una lesión en la mano sufrida en una pelea. Quizá fue esa misma "mala reputación" de persona difícil y conflictiva la que alejó a Brian Robertson del resto de la banda, hasta el punto de ser expulsado y, posteriormente, readmitido para tocar en tan solo alguno que otro tema del disco. Con Robertson fuera de la ecuación, Lynott decidió que Scott Gorham asumiera la totalidad de las guitarras del álbum. Gorham no lo tenía tan claro, y dejó sin grabar los solos de guitarra de un par de canciones, antes de convencer a Lynott para que llamara de nuevo a su antiguo compañero y le dejara grabarlos.Robertson regresó temporalmente, grabando los solos de Opium Trail y Killer Without a Cause, y compartiendo la guitarra principal con Gorham en That Woman's Gonna Break Your Heart, pero Bad Reputation quedó para siempre identificado como el álbum de Thin Lizzy sin Brian Robertson.

Incluído en este álbum se encuentra Dancing in the Moonlight (It's Caught Me In Its Spotlight), un tema con un alegre ritmo y con un toque Boogie que estaba claramente influenciado por Van Morrison, de quien Phil Lynott era un gran admirador. El subtítulo de la canción fue agregado por la compañía discográfica estadounidense de la banda, Mercury Records, para distinguirla de la canción de King Harvest con el mismo título y que había sido lanzada cuatro años antes. Estamos ante una alegre y optimista canción de rock suave que nos invita a recodar nuestra juventud, a disfrutar de los buenos momentos bajo la luz de la luna, a dejarnos llevar y disfrutar el momento. Dancing in the Moonlight es toda una oda a la juventud, la libertad y la rebeldía.

1537 - Ian Dury - Sex and drugs and rock and roll

1543 - Ian Dury - Sex and drugs and rock and roll

Ian Dury, una de las figuras más icónicas y excéntricas del punk y el new wave británico, dejó un legado imborrable con su canción Sex & Drugs & Rock & Roll. Lanzada en 1977 como parte de su álbum debut New Boots and Panties!!, esta pieza se convirtió en un himno generacional que encapsulaba la esencia rebelde y hedonista de la música de la época. Con su estilo único, Ian Dury logró combinar letras ingeniosas, ritmos contagiosos y una actitud desafiante que resonó en una juventud ávida de romper con las convenciones.

La canción es una celebración irreverente de los tres pilares que, según Ian Dury, definían la vida de un rockero: el sexo, las drogas y el rock and roll. Aunque el título podría sugerir una glorificación superficial de estos temas, Ian Dury los aborda con un tono sarcástico y autocrítico. Las letras, cargadas de humor y dobles sentidos, reflejan tanto la fascinación como el desencanto hacia un estilo de vida que, aunque lleno de placeres momentáneos, también conlleva sus propias trampas y contradicciones. Ian Dury no solo canta sobre la diversión, sino que también insinúa los riesgos y la vacuidad que pueden acompañar a este tipo de existencia.

Musicalmente, Sex & Drugs & Rock & Roll es una obra maestra de la fusión de géneros. La base rítmica, impulsada por los Blockheads, la banda que acompañaba a Ian Dury, mezcla elementos del funk, el reggae y el rock, creando un sonido que es a la vez crudo y sofisticado. La voz distintiva de Dury, con su acento cockney y su entrega casi teatral, añade una capa de autenticidad y carisma que hace imposible ignorar la canción. Cada verso está impregnado de una energía contagiosa que invita al oyente a moverse, reír y reflexionar al mismo tiempo.

Uno de los aspectos más notables de la canción es su capacidad para trascender el tiempo. Aunque fue escrita en un contexto específico —la escena punk británica de finales de los 70—, su mensaje sigue siendo relevante hoy en día. El trío de temas que aborda (sexo, drogas y rock and roll) sigue siendo un símbolo de la cultura popular, y la forma en que Ian Dury los trata —con una mezcla de admiración y escepticismo— sigue resonando con audiencias de todas las edades.

Sex & Drugs & Rock & Roll no es solo una canción, sino una declaración de principios. Ian Ian Dury logró capturar el espíritu de una época mientras creaba una obra que, gracias a su ingenio y su energía, sigue siendo atemporal. Es un recordatorio de que la música no solo es un medio de entretenimiento, sino también una herramienta para cuestionar, provocar y celebrar la vida en todas sus facetas. Para cualquier amante del rock, esta canción es una parada obligatoria en el viaje musical. 

¿Qué opinas de este clásico? ¿Crees que el mensaje de Ian Dury sigue vigente? Déjanos tus comentarios y no olvides compartir esta reseña en tus redes sociales.

Daniel 

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1536 - Talking Heads - Psycho Killer

1542 - Talking Heads - Psycho Killer

En el panorama del rock post-punk de finales de los 70, pocas canciones han logrado capturar la esencia de la angustia moderna y la alienación urbana como "Psycho Killer" de Talking Heads. Lanzada en su álbum debut Talking Heads: 77, esta canción se ha convertido en un himno atemporal que combina una letra inquietante con una instrumentación minimalista pero efectiva, marcando el inicio de una carrera brillante para la banda liderada por David Byrne.

Desde el primer acorde, "Psycho Killer" te atrapa con su ritmo contagioso y su bajo pulsante, creado por Tina Weymouth. La guitarra de Byrne, aunque sencilla, es hipnótica, y los arreglos de percusión de Chris Frantz mantienen un tempo que oscila entre lo tenso y lo danzable. Sin embargo, lo que realmente destaca es la letra, que explora la mente de un asesino desde una perspectiva casi introspectiva. Byrne, inspirado en parte por la canción "Psycho" de Alice Cooper y en parte por su fascinación por las películas de terror, logra transmitir una sensación de incomodidad que es a la vez personal y universal.

La frase "I can't seem to face up to the facts / I'm tense and nervous and I can't relax" encapsula la ansiedad y la paranoia que muchos experimentan en la vida cotidiana, pero llevadas a un extremo perturbador. Byrne no solo habla de un asesino, sino que también parece cuestionar la naturaleza de la locura y la desconexión humana. El coro en francés, "Qu'est-ce que c'est?" (¿Qué es esto?), añade un toque de misterio y sofisticación, reflejando la influencia de la cultura europea en la banda y su deseo de romper con las convenciones del rock tradicional.

Uno de los aspectos más fascinantes de "Psycho Killer" es su capacidad para ser a la vez oscura y divertida. La canción no pretende ser una declaración seria sobre la violencia, sino más bien una exploración irónica y casi teatral de la mente humana. Byrne, con su voz característicamente nerviosa y entrecortada, logra transmitir una sensación de desesperación que es a la vez cómica y escalofriante. Es como si estuviera actuando el papel de un personaje sacado de una película de Hitchcock, pero con un toque de humor absurdo.

En términos de producción, la canción es un ejemplo perfecto del enfoque minimalista de Talking Heads. No hay excesos ni adornos innecesarios; cada elemento está ahí por una razón. Esto no solo refleja la filosofía de la banda en sus inicios, sino que también contribuye a la atmósfera claustrofóbica de la canción. La simplicidad de la instrumentación permite que la letra y la interpretación vocal brillen, creando una experiencia auditiva que es a la vez inquietante y adictiva.

"Psycho Killer" es una obra maestra del rock moderno que combina inteligencia, ironía y una ejecución musical impecable. No solo es una de las canciones más icónicas de Talking Heads, sino también un reflejo de la genialidad de David Byrne como compositor y performer. Más de cuatro décadas después de su lanzamiento, la canción sigue siendo tan relevante y fascinante como el primer día, demostrando que la verdadera genialidad no tiene fecha de caducidad. Si aún no la has escuchado, es hora de que te sumerjas en este clásico y descubras por qué sigue siendo una de las canciones más influyentes de su época.

Daniel 

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1535.- Love Gun - Kiss

 

Love Gun, Kiss

     Love Gun es el sexto álbum de estudio de la banda estadounidense Kiss. Fue grabado entre el 3 y el 28 de mayo de 1977 en los Record Plant Studios de Nueva York, bajo la producción de Edie Kramer y del propio grupo, y publicado el 30 de junio de 1977 bajo el sello discográfico Casablanca Records. El mismo día del lanzamiento el grupo vendió un millón de copias y se convirtió en el primer álbum de la banda en llegar al top 5 de las listas de ventas Billboard 200Estados Unidos. El álbum, además, es el primero de estudio que incluye la voz principal de Ace Frehley, lo que lo convierte en el primero en incluir las voces principales de los cuatro miembros de la banda. 

Incluido en el álbum se encuentra la canción que da título al mismo, Love Gun. La canción fue escrita por Paul stanley, quien además interpretaba la canción. Sobre la letra de la canción, Stanley afirmaba de que trataba la misma: "Un arma de amor es el arma con la que naces, que nunca te quitas encima", a buen entendedor pocas palabras. Según el libro editado en 2004, KISS: Behind the Mask, Stanley escribió la canción en un vuelo a Japón: "Lo tenía todo escrito en mi cabeza"... "Cuando aterrizamos, tuve que tocarla para asegurarme de que funcionara y que estuviera todo en su sitio. Creo que la mayoría de las veces, cuando escribes canciones geniales, lo sabes. Siempre pensé que 'Love Gun' era una canción genial, y hoy en día, sigo pensando que es una canción tremenda. Probablemente sea la canción que más disfruto interpretar. Para mí, 'Love Gun' es la quintaesencia de Kiss y probablemente una de las cinco canciones emblemáticas esenciales". La canción ha sido intepretada en todas las giras de Kiss desde su lanzamiento. Stanley la ha citado como la canción del grupo de la que se siente más orgulloso. Quizás tuviera que ver el hecho de que fue la primera canción que escribió, arregló y produjo en su totalidad.

1534.- Black Betty - Ram Jam

 

Black Betty, Ram Jam

     En la década de los años 60 hubo un grupo llamado The Lemon Pipers, grupo que se caracterizaba por hacer un sonido basado en el pop psicodélico. Entre los miembros de ese grupo se encontraba el guitarrista Bill Bartlett, y nos vamos a centrar en Bill, que una vez acabada la aventura de los Lemon Pipers decidió formar un grupo llamado Startruck.

Durante su aventura en Startruck, Bill cogió un tema llamado Black Betty, el cuál era una composición de Leadbelly (1888-1949), cantante y compositor americano de blues y folk, un tema que tenia una duración de unos 59" al cuál le hizo unos arreglos y compuso la música. El tema lo editan con el sello perteneciente a la banda Startruck, TruckStar Records, y tiene una buena acogida comercial a nivel regional. A partir del éxito cosechado con Black Betty varios productores le recomiendan a Bill Bartlett que forme un grupo para dar un salto cuantitativo a la vez que cualitativo. Es en ese momento cuándo Bill decide hacer caso a las recomendaciones y crea el grupo llamado Ram Jam, y lo primero que hace es reeditar el tema Black Betty. En la reedición de Black Betty con Ram Jam, Bill contó con los componentes de su antigua formación Startruck.

El single del tema se convierte a partir de su reedición en un exitazo para la formación, consiguiendo el puesto nº 18 en las listas de ventas en Estados Unidos, y el álbum homónimo de la banda donde se incluye dicho tema alcanza el puesto nº 40 en dichas listas. El tema también estuvo rodeado de cierta polémica, la letra del mismo habla sobre una mujer de étnia negra de Alabama que tiene un hijo salvaje, esto hizo que numerosos grupos en pro de los derechos civiles en Estados unidos consideraran que la letra del tema era racista pues faltaba el respeto a las mujeres negras.

News Of The World - (Mes Queen)

 

News Of The World, Queen

     En 1977, los grupos punk, encabezados por los Sex Pistols, provocaron una reacción masiva en contra de los artistas de rock conceptual, sinfónico y progresivo, entre los que se encontraba Queen. La respuesta de Queen fue la de simplificar su sonido sinfónico y orientarse hacia un hard rock más espontáneo. News of the World supuso el sexto álbum de estudio de la banda. Fue grabado en los Sarm East and Wessex Sound Studios de Londres, bajo la producción del propio grupo y de Mike Stone, quien también si hizo cargo de la ingeniería de sonido, y publicado el 28 de octubre de 1977 bajo el sello discográfico EMI Records en Reino Unido y Elektra Records en Estados Unidos. El álbum alcanzó el número 4 en la lista de álbumes del Reino Unido y el número 3 en la lista de los mejores álbumes de Estados Unidos, logrando también muy buenas cifras en todo el mundo. La reacción crítica a News of the World fue inicialmente mixta,a una parte de la crítica le gustó el cambio de estilo musical de la banda y otra parte no. Sin embargo, con el tiempo ha llegado a ser considerado como uno de los mejores álbumes de Queen, mientras que We Are the Champions y We Will Rock You se han convertido desde entonces en himnos del rock.

Durante las grabaciones de este nuevo trabajo el grupo redujo la complejidad de sus arreglos y se centró en un sonido más "raíz" (como dijo Brian May). Sin embargo todavía se puede apreciar, aunque mucho menos y de una forma muy sutil, en este disco el sonido característico de Queen basado en armonías multipistas y orquestaciones de guitarra .El grupo había recibido críticas que defendían que su primer álbum completamente autoproducido, A Day at the Races , era un álbum "aburrido". Por este hecho el grupo decidió cambiar su enfoque musical hacia el mainstream pero permanecer como productores del próximo álbum .La crítica consideraba que A Days at the Races que era demasiado similar a A Night at the Opera, algo que los propios miembros de la banda reconocieron. Si a esto le sumamos el hecho de la llegada del punk rock, liderado por los Sex Pistols, se puede entender el cambio de dirección que el grupo decidió dar a su sonido. Brian May declaró en una entrevista que "ya habíamos tomado la decisión de que... [después de] A Night at the Opera y A Day at the Races , queríamos volver a lo básico para News of the World . Pero era muy oportuno porque el mundo estaba mirando al punk y las cosas como algo muy simple. Así que en cierto sentido éramos conscientes, pero era parte de nuestra evolución de todos modos".

A diferencia de A Day at the Races, que había tardado cinco meses en grabarse, solo se reservaron dos meses para grabar en Sarm East y Wessex Sound Studios de Londres. La mayoría de las sesiones de grabación se llevaron a cabo en Wessex Studios, que también fue donde los Sex Pistols estaban ocupados grabando Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols. Como tal, los dos grupos tuvieron varias interacciones, incluida la famosa reunión entre Mercury y Sid Vicious. Vicious, al tropezar con el estudio de grabación de Queen, preguntó "¿Ya has logrado llevar el ballet a las masas?" en respuesta a un comentario que el cantante había hecho en una entrevista con NME, a lo que Mercury lo llamó "Simon Ferocious" (una referencia juguetona al nombre artístico de Vicious) y respondió "Estamos haciendo lo mejor que podemos, querido". Johnny Rotten también expresó su deseo de reunirse con Mercury. Según Bill Price, el ingeniero de sonido de Never Mind the Bollocks, Rotten se arrastró a cuatro patas por el estudio de Queen hasta Mercury, que estaba tocando el piano, y le dijo "Hola Freddie" antes de irse. La historia de Queen con los Sex Pistols se remonta a diciembre de 1976, cuando Queen iba a aparecer en el programa Today de Bill Grundy. Sin embargo, Mercury tenía dolor de muelas y se vio obligado a programar una cita con el dentista el mismo día, su primera en 15 años. Como reemplazo, EMI ofreció a los Sex Pistols, lo que llevó a su ahora famosa aparición en el programa Today.  Si su álbum anterior, Day at the Races, era un álbum elegante y estilizado, su sucesor, News of the World, era su polo opuesto, una explosión de estilos que no parecían apegarse a ningún núcleo en particular. 

Entramos en materia y la canción que abre el álbum es ni más ni menos que uno de sus temas más aclamados, We Will Rock You, el cántico que se ha convertido en todo un himno y que podemos escuhar prácticamente en cualquier estadio deportivo del mundo. Brian May quera crear una canción quería crear una canción en la que el público pudiera participar. El guitarista afima que recordó un concierto en el que la multitud coreó el himno del Liverpool Football Club, "You'll Never Walk Alone", mientras la banda salía del escenario. "Me fui a la cama pensando: '¿Qué les podrías pedir que hicieran?' Están todos apretados allí, pero pueden aplaudir, pueden patear el suelo y pueden cantar", señaló. "Por la mañana, me desperté y tenía la idea de 'We Will Rock You' en mi cabeza". La idea de May era hacer una canción simple ycon un aire himno "(pisar, pisar, aplaudir, pausa" por compás de 4/4), para que su público en vivo pudiera involucrarse más directamente en el espectáculo. En el vídeo de esta canción May utilizó una copia de su legendaria guitarra, pues temía que debido a las inclemencias del timpo pudiera dañarse. A este himno le sigue otro, quién no ha cantado alguna vez We Are the Champions. Freddie Mercury escribió esta canción. Mercury afirmó: "Estaba pensando en el fútbol cuando la escribí. Quería una canción participativa, algo con lo que los fans pudieran engancharse. Por supuesto, le he dado una sutileza más teatral que un canto de fútbol normal. Supongo que también podría interpretarse como mi versión de ' I Did It My Way '. Lo hemos logrado, y ciertamente no fue fácil. No es un lecho de rosas como dice la canción. Y sigue sin ser fácil". Según Freddie Mercury esta canción ya había sido escrita en 1975, pero no fue grabada hasta 1977. Estos dos himnos vienen seguidos del feroz Sheer Heart Attack, un rock frenético que resuena muy contundente. El baterista Roger Taylor escribió esta canción, que trata sobre una chica de 17 años que puede provocar un paro cardíaco en muchos hombres. La primera línea, "Bueno, solo tienes 17 años", es un guiño al éxito de los Beatles "I Saw Her Standing There", que comienza con "Bueno, ella solo tenía 17 años". También se puede considerar una especie de tributo al punk rock, el cual se encontraba en pleno apogeo. La canción estaba pensada para el tercer álbum, llamado Sheer Heart Attack (1974), pero no apareció hasta tres años después en este disco. Roger Taylor consideraba que la canción estab adelanta a su tiempo: "Comencé la canción cuando estábamos haciendo el álbum Sheer Heart Attack, pero no llegué a terminarlo. Para cuando lo hice, el punk ya había llegado. Pero la canción llegó antes del punk". Taylor cantó la voz principal en el demo, pero para la versión final la banda decidió que Mercury debía cantar la voz principal, con Taylor cantando el coro. Llevamos Tres canciones, tres cambios rápidos de humor, pero ese no es el final, pues a estos le sigue la lenta y armónica All Dead, All Dead, escrita y cantada por May, quien también tocaba el piano con Mercury en los coros. sobre la canción, May confirmó los rumores de que la canción está inspirada en parte por la muerte de su gato de la infancia. Spread Your Wings es una de las aportaciones del bajista John Deacon en este álbum.  El vídeo musical se filmó en el jardín del baterista Roger Taylor en Surrey, Inglaterra. El suelo estaba cubierto de nieve y hielo, y la banda se sentía visiblemente incómoda. Brian May comenta durante la grabación del vídeo: "Mirando atrás, no se podía hacer allí, ¡no se podía hacer eso!". Durante el rodaje, el hielo y la nieve en el suelo complicaron las cosas, tanto que aquí May también usó una copia de su guitarra Red Special para que no resultara dañada. Cierra esta primera cara Fight from the Inside, una canción con aires disco. Fue escrita y cantada por Taylor, que además de la batería, también toca la guitarra rítmica y el bajo; para este último, tomó prestado el instrumento de Deacon. También es una de las pocas canciones en la discografía de la banda grabada casi en su totalidad por un solo miembro. Como curiosidad: El guitarrista Slash ha citado el riff de guitarra de esta canción como uno de sus riffs favoritos de todos los tiempos. 

Turno para la cara B, que abre con Get Down, Make Love, un tema con un rollo muy funk. Escrita por Mercury, es una de las canciones más sexuales del catálogo de Queen. La canción tiene un clima muy funk que por momentos cambia y le da un aire psicodélico que imita los gemidos sexuales. La canción fue introducida en el show en vivo de la banda inmediatamente después de su lanzamiento, y permaneció como un elemento básico de sus giras hasta el final del Hot Space Tour de 1982. En el Hot Space Tour, la canción fue reducida al primer verso/estribillo solamente como una forma de conducir al solo de guitarra de May. Sleeping on the Sidewalk, escrita y cantada por May, es la excursión al blues que el grupo se marca en este trabajo. Es la única canción en su discografía que se grabó (a excepción de las voces) en una sola toma. Líricamente, trata sobre la carrera de un aspirante a trompetista. May canta con acento estadounidense y mide el éxito del trompetista mencionado anteriormente en "bucks" (dólares), en lugar de libras o "quid". Si prestamos atención, se puede escuchar a Deacon tocando las notas incorrectas en algunas partes de bajo, y también se puede escuchar a May riendo al final de la canción. También es una de las pocas canciones de Queen que no presenta ninguna voz de Mercury, aunque interpretó la voz principal en presentaciones en vivo. Who Needs You es una alegre canción con ritmos latinos. Fue escrita por Deacon, quien, junto con May, toca la guitarra española. La voz principal de Mercury está completamente enfocada en el canal de audio derecho, mientras que la guitarra principal está en el canal izquierdo. May también toca maracas y Mercury toca un cencerro. La canción ha llegado a ser descrita como un "homenaje tentativo al reggae ", aunque con "guitarras españolas en lugar de jamaicanas". Tuno para el majestuoso y rockero It's Late. La canción fue idea de May de tratar una canción como una obra de teatro de tres actos, de hecho, los versos se llaman "actos" en la hoja de letras. May hace uso de la técnica del tapping unos meses antes de que fuera usada por parte de Eddie Van Halen en el álbum Van Halen. May le dijo a la revista Guitar Player que su uso de la técnica del tapping se inspiró en el guitarrista texano Rocky Athas, después de ver una de sus actuaciones en Mother Blues, un club de Dallas. En cuanto a la letra, Mercury nos describe una historia de amor que está a punto de terminar. Cierra la cara B, y por tanto el álbum, My Melancholy Blues, compuesta por Mercury, es un blues lento que sirve como cierre y colofón. En la canción no hay coros ni guitarras. Deacon solía tocar el bajo sin trastes en esta canción, pero en el disco utilizó un bajo con trastes normal.

1531 - Rayuela - La casa del hombre

1531 - Rayuela - La casa del hombre

Rayuela, una banda argentina que ha dejado una huella imborrable en el rock latinoamericano, nos regaló en 1995 una joya musical que trasciende el tiempo: La casa del hombre. Esta canción, incluida en su álbum homónimo, es mucho más que una pieza de rock; es una reflexión profunda sobre la condición humana, la soledad y la búsqueda de sentido en un mundo que a menudo parece carecer de él.

Desde el primer acorde, La casa del hombre nos envuelve en una atmósfera melancólica pero esperanzadora. La guitarra de Alejandro De Michele, delicada y emotiva, teje un paisaje sonoro que invita a la introspección. La voz de De Michele, cargada de matices y emociones, actúa como un guía que nos lleva a través de un viaje lírico y espiritual. Las letras, poéticas y filosóficas, exploran temas universales como la fragilidad humana, la conexión con los demás y la necesidad de encontrar un refugio en medio del caos.

La canción comienza con una pregunta que resuena como un eco en el alma: "¿Dónde está la casa del hombre?". Esta interrogante no busca una respuesta literal, sino que invita al oyente a reflexionar sobre su propio lugar en el mundo. ¿Dónde encontramos nuestro hogar? ¿En un espacio físico, en las relaciones que construimos o dentro de nosotros mismos? Rayuela no ofrece respuestas fáciles, pero sí nos acompaña en la búsqueda.

A medida que avanza la canción, la instrumentación se vuelve más intensa, reflejando la complejidad de las emociones humanas. La batería y el bajo, sutiles pero firmes, sostienen la estructura musical mientras la guitarra y los teclados crean un diálogo que parece hablar directamente al corazón. El clímax de la canción llega con un solo de guitarra que es pura poesía sonora, un grito desgarrador pero hermoso que encapsula la esencia de la canción.

Uno de los aspectos más destacables de La casa del hombre es su capacidad para conectar con el oyente a un nivel profundamente personal. Cada verso, cada nota, parece estar diseñado para resonar en nuestras propias experiencias y emociones. Es una canción que nos recuerda que, a pesar de nuestras diferencias, todos compartimos la misma búsqueda de significado y pertenencia.

En un mundo donde la música a menudo se consume de manera rápida y superficial, La casa del hombre nos invita a detenernos, a escuchar con atención y a reflexionar. Es una obra maestra que trasciende géneros y épocas, y que sigue siendo relevante casi tres décadas después de su lanzamiento. Rayuela nos dejó un legado musical invaluable, y esta canción es, sin duda, una de sus mayores contribuciones al rock en español.

La casa del hombre es mucho más que una canción; es una experiencia que nos confronta con nuestras propias preguntas existenciales y nos recuerda que, en medio de la incertidumbre, siempre hay espacio para la esperanza y la conexión humana. Una pieza imprescindible para cualquier amante de la música con alma.

Daniel 

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1530.- You and Me - Alice Cooper

 

You and Me, Alice Cooper

     El 29 de abril de 1977 se publica Lace and Whiskey, el tercer álbum de estudio en solitario del cantante Alice Cooper. Es grabado en los estudios Soundsgate de Toronto, Cherokee de Hollywood, Record Plant de Nueva York, y RCA  y Producer's Workshop de Los Angeles, bajo la producción publicado el 29 de abril de 1977 por el sello discográfico Warner Bros. Records. Tras llevar proyectando durante muchos años una siniestra personalidad el cantante decidió probar algo nuevo, y para ello adoptó la personalidad de un detective privado alcohólico llamado Maurice Scargot. Si musicalmente el disco estaba basado en el rock, estilíticamente se basó en el amor de Cooper por las películas y la música de los años 40 y 50. El disco apenas llegó a alcanzar el puesto número 42 en las listas de ventas de Estados Unidos y el puesto número 33 en las del Reino Unido. 

Incluído en este álbum se encuentra You an Me, una suave y romántica canción, la típica canción de amor de un hombre que celebra compartir los placeres cotidianos e la vida junto a su amada pareja. Esta canción fue la última de una trilogía de baladas que grabó Cooper, después de "Only Women Bleed" y "I Never Cry". El cantante llegó a describir esta canción dentro de un género llamado como "rock de ama de casa de heavy metal". Sobre esta canción y las otras dos que componían su trilogía de baladas, el cantante comentaba que las había hecho por despecho. La canción fue escrita por Cooper y por el guitarrista y compositor Dick Wagner. Wagner, durante su carrera musical, había tocado la guitarra y escrito canciones para muchas bandas y artistas de renombre, entre los que se ecuentran Kiss, Lou Reed, Peter Gabrie, Tori Amos,  Sinatra, Meat Loaf, Etta james, Ringo Starr, Guns N' Roses, Rod Stewart o Tina Turner entre otros muchos. Wagner también colaboró en la escritura y composición de las otras dos baladas que componen la trilogía. 

1529 - Bob Marley - One Love

1529 - Bob Marley - One Love

"One Love" es una de las canciones más icónicas y perdurables de Bob Marley, un himno que trasciende generaciones y fronteras. Lanzada originalmente en 1965 con The Wailers y posteriormente reinterpretada en el álbum Exodus (1977), la canción se ha convertido en un símbolo universal de paz, unidad y amor. Con su mensaje sencillo pero profundo, "One Love" encapsula la esencia del reggae y la filosofía de Bob Marley, arraigada en el movimiento rastafari y en la creencia de que la humanidad puede unirse en armonía.

La letra de la canción es un llamado a la reconciliación y a la fraternidad. Frases como "One love, one heart, let's get together and feel all right" resuenan con una energía positiva que invita a superar las diferencias y a encontrar la paz interior y colectiva. Bob Marley no solo habla de amor romántico, sino de un amor más amplio y espiritual, un amor que puede sanar las divisiones sociales, raciales y políticas. En un mundo marcado por conflictos y desigualdades, su mensaje sigue siendo relevante y necesario.

Musicalmente, "One Love" es una obra maestra del reggae. El ritmo relajado pero contagioso, característico del género, se combina con una melodía pegajosa que invita al baile y a la reflexión. La guitarra rítmica, el bajo prominente y los sutiles toques de percusión crean una base sólida para la voz cálida y emotiva de Bob Marley. Su interpretación es sencilla pero poderosa, transmitiendo una sensación de esperanza y optimismo.

La producción de la versión de Exodus, a cargo de Chris Blackwell, añade un brillo adicional a la canción. Los arreglos son más pulidos, con coros que refuerzan el mensaje de unidad y una instrumentación que equilibra lo acústico y lo eléctrico. Esta versión ayudó a consolidar a Bob Marley como una figura global y a llevar el reggae a audiencias internacionales.

El impacto cultural de "One Love" es incalculable. La canción ha sido utilizada en innumerables campañas por la paz y la justicia social, y su estribillo es reconocido en todo el mundo. Además, ha sido versionada por múltiples artistas, lo que demuestra su atemporalidad y su capacidad para inspirar a nuevas generaciones.

"One Love" es mucho más que una canción; es un manifiesto de amor y unidad que refleja el legado de Bob Marley como músico y activista. Su mensaje de esperanza y su ritmo inconfundible la convierten en una obra maestra que sigue resonando en un mundo que, ahora más que nunca, necesita escuchar su llamado a la unión. Bob Marley no solo nos dejó una canción, sino un mantra para vivir en armonía.

Daniel 

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Disco de la semana 420: Fragile - Yes

 

Fragile, Yes

     El 12 de noviembre de 1971 la banda inglesa de rock progresivo Yes publica su cuarto álbum de estudio, Fragile. Dicho trabajo es grabado en los estudios Advision del distrito de Fitzrovia en Londres, bajo la producción del productor discográfico e ingeniero inglés Eddy Offord y del propio grupo, y publicado por el sello discográfico Atlantic Records. Fragile supuso el primer disco de la banda que grabaría el tecladista Rick Wakeman reemplazando a Tony Kaye. Cuando la banda entra a grabar en el estudio para grabar surge un problema, Tony kaye se niega a grabar tocando teclados electrónicos, lo que provoca su salida del grupo y su rápida sustitución por Rick Wakeman, quien rápidamente deja claras sus habilidades compositivas y su virtuosismo y experiencia con el piano eléctrico, el mellotrón y el sintetizador Moog. Gracias a esto la banda puede ampliar sus prestaciones y sus sonido. Otro problema que el grupo se encuentra es la limitación de presupuesto, por lo que no les queda otra solución que realizar varias composiciones grupales, concretamente cuatro, y las cinco restantes son piezas cortas en solitario de cada miembro de la banda.

Fragile marcará el comienzo de una larga asociación de la banda con el artista inglés Roger Dean, quien diseñaría muchas de las portadas de sus futuros álbumes, su logotipo y escenarios en vivo. En 1971, Dean presentó un portafolio con su trabajo a Phil Carson, quien era por aquel entonces gerente general europeo de Atlantic Records. Carson le comentó que le llamaría para diseñar cuando una de sus bandas necesitara un artista de portada. En esta ocasión resultó ser Yes quien necesitaba una portada. Antes de comenzar con la portada, Dean había ideado una narrativa dsobre un mito, en este caso de la creación sobre una niña que soñó que vivía en un planeta que comenzaba a desintegrarse, por lo que construyeron un "arca espacial" para encontrar otro planeta en el que vivir mientras arrastraban las piezas rotas con ellos. Dean era consciente de que el título del álbum describía "la psique" del grupo en ese momento, lo que influyó en su diseño "muy literal" de un frágil mundo que iba a romperse. La banda quería que apareciera una imagen de una pieza de porcelana fracturada, pero Dean terminó dividiendo el planeta en dos pedazos como un compromiso. El artista produjo tres versiones de la portada con el planeta en verde, rojo y azul, en un intento de "conseguir el aspecto adecuado". Bruford pensaba que Dean había "aprovechado brillantemente esa idea [una de Frágil] hasta la imagen profética del frágil planeta Tierra, con implicaciones de un ecosistema delicado y rompible". El folleto que acompaña al LP contiene dos pinturas adicionales de Dean; La portada muestra a cinco criaturas acurrucadas bajo un batiburrillo de raíces, y la parte trasera representa a una persona trepando por una gran roca. El interior presenta varias fotografías de la banda con una página dedicada a cada miembro, con ilustraciones más pequeñas y fotografías de sus esposas e hijos. La página de Anderson contiene un breve poema, y la de Wakeman incluye una lista de agradecimientos, incluyendo a Mozart, el pub The White Bear en Hounslow y el equipo del fútbol Brentford F.C.

En cuanto a las canciones, el disco comienza con Roundabout, que se acabaría convirtiendo en una canción popular e icónica de la banda. La canción fue lanzada como sencillo en Estados Unidos en enero de 1972 con la pista Fragile en la cara B, y llegó a alcanzar el puesto número 13 en la lista Billboard Hot 100 y el número 10 en las listas de sencillos Cash Box Top 100 de dicho país. La canción tuvo origen en marzo de 1971 cuando la banda estaba de gira promocionando su álbum The Yes Album, mientras viajaban de Aberdeen a Glasgow después de dar un concierto en la localidad de Aviemore, Escocia. Durante aquel trayecto encontraron muchas rotondas, según Anderson 40 más o menos, lo que inspiró a él y a Howe a escribir una canción sobre el viaje mientras estaban sentados en la parte trasera de las camioneta en la que viajaban. Anderson afirmaba que aquel día había fumado Cannabis durante el viaje, y que todo sucedió de forma muy mística, "Era un día nublado, no podíamos ver la cima de las montañas, sólo podíamos ver las nubes porque estaba muy empinado", fue cuando se le ocurrió la letra "Las montañas salen del cielo y se paran allí". Así surgiría Roundabout, una historia sobre la vida en el campo con una visión psicodélica y con alusiones a la conducción. Howe afrimaba que originalmente era "una suite instrumental de guitarra... Escribo una especie de canción sin canción. Todos los ingredientes están ahí, lo único que falta es la canción. "Rotonda" era un poco así; Había una estructura, una melodía y unas pocas líneas". La introducción fue creada por dos acordes de piano tocados al revés, y Howe grabó la parte de guitarra acústica en el pasillo del estudio ya que la sala de grabación la hacía "sonar demasiado muerta". El solo de órgano Hammond de Wakeman fue grabado en una sola toma, y le da crédito a Bruford, quien le aconsejó que se contuviera en su actuación durante los repasos de la canción, pero que "fuera a por ello" al grabar. Cans and Brahms es una pieza instrumental, y es la adaptación de Wakeman de un fragmento del tercer movimiento de la Sinfonía n.º 4 en mi menor de Johannes Brahms, con un piano eléctrico utilizado para la sección de cuerdas, un piano de cola para los vientos, un órgano para los metales, un clavicémbalo eléctrico para las cañas y un sintetizador como contrafagot. Wakeman dijo que la pieza tardó aproximadamente 15 horas en crearse en el estudio, y dijo que lo más probable es que fuera Bruford quien inspiró su título al ver a Wakeman tocando cada sección mientras usaba sus auriculares. We Have Heaven fue escrita por Jon Anderson, y la describió como "una idea rodante de voces y cosas". La canción termina con el sonido de una puerta que se cierra, seguido de pasos corriendo, que pasan a la introducción atmosférica de la siguiente pista, South Side of the Sky, Wakeman contribuyó con interludios de piano a la canción y también en la canción Heart of the Sunrise, pero no recibió crédito debido a disputas editoriales con sus contratos. Aunque los ejecutivos de Atlantic Records le prometieron dinero, afirma que nunca lo recibió y evitó hacer un escándalo porque estaba ansioso por ser parte del proyecto del grupo.

Comienza la cara B con Five per Cent for Nothing, compuesta por Bruford. La canción, de apenas 35 segundos de duración, fue su primer intento de composición. El grupo interpretó la canción en vivo en 2014 y 2016 en giras que incluyeron a Fragile en su totalidad. Howe dijo que el secreto para tocarla con éxito era terminar juntos. Durante los ensayos, mantenía un seguimiento cercano del conteo de ritmos y le indicaba al resto de la banda que lo hiciera dejando caer el clavijero de su guitarra. Incluso con eso, se necesitó una práctica considerable para que todos los músicos terminaran con el mismo ritmo. La letra de Long Distance Runaround aborda "la locura de la religión" y cómo a la gente se le "enseña que el cristianismo es el único camino", definiendo aquello como una "doctrina estúpida". La letra de la segunda estrofa se inspiró en los tiroteos de la Universidad Estatal de Kent en 1970 y en la represión del gobierno de Estados Unidos contra los jóvenes por criticar la Guerra de Vietnam. The Fish (Schindleria Praematurus) surgió después después de que Howe tocara una guitarra con un efecto de retardo Echoplex (unidad de efectos de retardo en cinta).   El título surgió una noche, en los estudios Advision, después de que  Anderson llamara a Michael Tait y le pidiera lo siguiente: "Quiero el nombre de un pez prehistórico en ocho sílabas. Llámame dentro de media hora'". Posteriormente, Tait encontró Schindleria praematurus, una especie de pez marino, en una copia del Libro Guinness de los Récords. Mood for a Day fue compuesta por Howe, y fue su segundo solo de guitarra acústica en un álbum de Yes, después de "Clap". Tocaba una guitarra flamenca, pero considera que la versión del álbum es inferior a la que aprendió a tocar en el escenario años después. Cierra el álbum Heart of the Sunrise. Nació como una canción de amor que Anderson escribió para su entonces esposa Jennifer. En esta pista es donde entra en juego la formación clásica de Wakeman; Introdujo a la banda a la recapitulación (una de las secciones de un movimiento escrito en forma sonata), un concepto musical en el que se revisitan segmentos anteriores de una pieza. Bruford la considera como la pieza más importante del grupo en términos de originalidad: "Tenía el drama y el aplomo y el tipo de letras feas y pastorales en inglés al principio, donde la música da paso a una voz ligeramente femenina". Varios segundos después de la canción, se escucha el sonido de una puerta que se abre antes de que se reproduzca una repetición de "We Have Heaven", que actúa como una pista oculta.

Fragile fue el álbum revelación de Yes. Además de marcar un punto de inflexión en su música, los elementos de ciencia ficción y fantasía que habían impulsado las canciones más exitosas de su disco anterior, The Yes Album (1971), resonaron mucho más fuerte aquí, formando el disco perfecto junto con otro elemento imprescindible de este sensacional trabajo: el trabajo de portada del del álbum. La portada diseñada por Roger Dean era en sí misma una creación fascinante que parecía relacionarse con la música y llamó la atención del comprador de una manera como pocos discos lo hicieron desde el apogeo de la era psicodélica.