1755.- Boys Keep Swinging - David Bowie

“Boys Keep Swinging”, pieza clave del disco "Lodger" (1979) de David Bowie, es un provocador ejercicio de glam rock, ironía y crítica social que desafió las marcadas normas de género y de identidad masculina de finales de los setenta. Escrita junto a Brian Eno y producida por Tony Visconti, se encuadra en sonido y experimentación en la llamada "trilogía de Berlín", aunque como el resto de "Lodger" fue grabada en Suiza y Estados Unidos, con el músico ya de vuelta del celebrado y prolífico exilio en Berlín.

Musicalmente, “Boys Keep Swinging” se caracteriza por un estilo de glam rock  y pop con tintes de garage rock. Fieles a la locura experimental que implicó la grabación de los discos de la trilogía, Bowie y Eno decidieron que en “Boys Keep Swinging” los músicos intercambiaran sus instrumentos habituales para tocar otros con los que estuvieran menos familiarizados y lograr así un sonido más crudo y espontáneo, y eso se refleja en la energía desordenada y juvenil que tiene la canción, que combina guitarras distorsionadas con un ritmo sencillo de batería.

La voz de Bowie suena firme y teatral, acompañando de manera brillante a la satírica letra de la canción, que pone de manifiesto los privilegios que la sociedad concede al género masculino ("El cielo te adora, las nubes se separan para darte paso, nada se interpone en tu camino, cuando eres un chico") enumerando las múltiples ventajas de ser hombre en un tono de himno marcial y de celebración que es en realidad una obra maestra del sarcasmo y la ironía que tiene aún más valor si tenemos en cuenta la época y la situación social y cultural en la que la canción fue lanzada.

Aunque no fue un éxito masivo en su momento, “Boys Keep Swinging” ha ganado reconocimiento como una de las obras más audaces, visionarias y reivindicativas de David Bowie, con un marcado tono experimental y una potente crítica social que la convierten en una pieza clave dentro de su aclamando repertorio. Mirando hacia atrás en el tiempo, estamos ante una canción que anticipó debates contemporáneos sobre género e identidad, y que reafirma la importancia de Bowie no solo como músico o cantante, sino como agente de cambio social e imprescindible referencia cultural.

1753.- DJ - David Bowie

“D.J.” es una de las canciones principales del disco "Lodger" que cerraba en 1979 la conocida como trilogía berlinesa de David Bowie, aunque en realidad se grabó a caballo entre Montreux y Nueva York, y era ya un disco que transitaba hacia la accesibilidad musical que supuso la siguiente etapa del camaleónico músico. Sin embargo, se sigue encuadrando a "Lodger" junto a los otros dos discos "berlineses" porque aun contenía algunas canciones que emparentaban directamente con el sonido vanguardista y experimental de esa época inmediatamente anterior, y "D.J" es una de ellas.

En la letra de "D.J", David Bowie juega con la crítica social a la superficialidad de la vida nocturna y el desmedido encumbramiento y culto a los discjockeys del momento, narrando en primera persona las desventuras de un cínico personaje que está tirado en casa porque ha perdido su trabajo y se encuentra mal, pero que se aferra a su rol nocturno de D.J ("Yo soy el D.J, yo soy lo que pincho") para evitar enfrentarse a la cruda realidad. En su interpretación vocal, Bowie imita deliberadamente el estilo vocal de David Byrne de Talking Heads, logrando un nivel superior de teatralidad y locura en el personaje.  

"D.J" destaca también poderosamente en lo musical, porque supone una nueva entrega de la experimentación sonora y vanguardista de sus dos obras anteriores ("Low" y "Heroes"), abordando un estilo new wave con una base rítmica marcada por el bajo y la batería, sintetizadores atmosféricos y un solo de guitarra distorsionado a cargo de Adrian Belew, construido en base a la mezcla de fragmentos de las diferentes tomas que el guitarrista grabó en el estudio, para lograr un efecto caótico y fragmentado que reflejara el estado mental del protagonista de la canción.

Aunque “D.J.” no fue un gran éxito comercial, llegando solo al puesto 29 en las listas británicas, recibió críticas positivas por su audacia y su enfoque satírico, y hoy en día es una de las canciones más valoradas y reconocibles de su etapa más experimental, y una poderosa muestra del ingenio y el nivel de riesgo y de experimentación que Bowie tenía al afrontar tanto la composición como la interpretación de su trabajo, retorciéndose y reinventándose aprovechando las particularidades de la cultura que le rodeaba, sin perder por ello su esencia artística.

Disco de la semana 446: More - Pulp

Hay algunos grupos de los que siempre querríamos más. En el año en el que Oasis por fin han hecho caso a las miles de voces que les pedían un retorno, querríamos que este hubiera sido con un nuevo disco bajo el brazo y no solo en una gira de revisión de grandes éxitos. O, tras el brillante nuevo disco de Blur con "The Ballad of Darren" querríamos que ese retorno no fuera efímero y que no pasaran muchos años más antes de un nuevo trabajo de Albarn, Coxon y cía. Siempre queremos más. Y en esta suerte de retorno al britpop que estamos viviendo, los que de nuevo se han llevado la palma y nos han dado ese "más" que tanto demandábamos han sido Pulp, en el otro gran regreso que nos faltaba para quedar completamente saciados.

"More" ("Más") es el octavo álbum de estudio de Pulp, un disco inesperado tras 24 años de sequía desde aquel lejano "We Love Life" (2001). Por el camino, el grupo sufrió la pérdida del bajista Steve Mackey, fallecido en 2023, que aparece como co-autor en dos de los temas de "More", pero el resto de la banda siguen siendo los de siempre: Candida Doyle (teclados), Nick Banks (batería) y Mark Webber (guitarra), y con nuevas incorporaciones como Andrew McKinney (bajo) o Emma Smith (violín), todos ellos liderados por el icónico Jarvis Cocker (voz, guitarra y teclados), que en la revista Mondo Sonoro reconocía en una entrevista de promoción que "este disco nadie nos los estaba pidiendo, fue más bien espontáneo".

Nos viene bien esa espontaneidad, porque realmente hacía falta más. Mucho más. Y eso es algo que este disco le dará a todos los fans de Pulp que se lancen a escucharlo. No es mucho aventurarse el decir que dentro de una discografía interesante y muy notable, Different Class (1995) es el disco que brilla y destaca sobre el resto, su momento cumbre y su gran obra maestra, y son muchas las conexiones de "More" con ese disco, empezando directamente por la portada, diseñada por Julian House a partir de una foto tomada por el propio Jarvis Cocker en 2024 en Islandia, a la que House añadió imágenes de los miembros de Pulp, que a su vez son las que fueron añadidas en el montaje de la portada de "Different Class". No queda ahí la cosa, porque en el video de Spike Island, el primer single promocional y la canción con la que comienza el disco, reviven con la ayuda de la IA esas imágenes que salteaban el artwork del mítico disco de 1995.

¿Es entonces "More" una continuación de "Different Class"? No necesariamente, y no sería justo comparar este disco con aquel, pero si que es una vuelta de Pulp al sonido que les hizo grandes, tras los intentos deliberados de alejarse lo más posible del britpop que fueron "This is Harcore" y "We Love Life". Eso se nota ya desde el primer tema, el ya mencionado Spike Island, donde es más que evidente que Cocker y compañía no han perdido ni un ápice de la magia y la frescura del pasado, en un meritorio arranque de guitarras glam rock que homenajea el mítico concierto de los Stone Roses en 1990, con un estribillo que es a la vez pegadizo, elegante y con ese toque decadente que solo Pulp puede conseguir.

Le sigue Tina, tercer single que se publicó del disco, una joya musical que no habrá desmerecido como parte del mismísimo Different Class, que comparte además con alguna de las grandes canciones de aquel disco la recurrente temática de la obsesión juvenil por el sexo y las complicadas relaciones de pareja en la adolescencia, con una brillante estructura de estrofas recitadas que desembocan en otro de tantos estribillos gloriosos. El nivel se mantiene en Grown Ups, con nuevos recitados y arreglos de violines, y una melancólica letra sobre el paso del tiempo y el miedo a madurar, casi como si los personajes de Disco 2000 hubieran envejecido y reflexionaran irónicamente sobre su vida.

El genio y la magia están también presentes a raudales en temas como Got to Have Love, publicada como segundo single, y entre el resto de canciones merece la pena reseñar también, dentro de una segunda parte del álbum más introspectiva y melódica, el tema Hymn of the North, que surgió durante una prueba de sonido durante la gira de 2023, y que se trabajó y se incluyó en el disco como homenaje al fallecido Steve Mackey. Es uno de los temas más elegantes y barrocos del disco, con grandes arreglos orquestales al más puro estilo Scott Walker. Y no menos destacable sería el cierre con A Sunset, con Richard Hawley a la guitarra acústica, y co-acreditada a The Earth, para que un porcentaje de los beneficios vaya a la organización caritativa "Earth Percent" impulsada por Brian Eno, que hace su aparición estelar junto a varios miembros de su familia en los coros.

"More" es, en conclusión, una nueva mirada nostálgica y una reflexión desde la edad adulta, pero aquellos tiempos ya pasaron. No está de "más" volver a ellos de cuando en cuando y recordar la belleza y la intensidad con las que fueron vividos. Por eso queremos siempre "más", aunque aceptemos que aquel baile ya terminó y que aunque tenemos muchas "más" arrugas, también tenemos "más" experiencia, la suficiente como para valorar un disco que, pese a su mirada hacia el pasado, es también un soplo de aire fresco, de novedad y de demostración del talento de uno de los mejores grupos británicos de los noventa. 

1555.- Heroes - David Bowie

"Heroes" es una de las canciones más emblemáticas de la discografía de David Bowie, y del mundo del rock en general. Lanzada en 1977 como parte del álbum del mismo nombre, se convirtió desde el primer momento en todo un himno generacional y, al mismo tiempo, en una canción mítica y atemporal. Escrita por el propio Bowie en colaboración con Brian Eno, y producida por Tony Visconti, destaca por su poderosa instrumentación y la emotiva interpretación vocal de Bowie.

La inspiración para la letra de "Heroes" le vino a Bowie mirando por la ventana del estudio de Berlín en el que estaba grabando, al ver a una pareja besándose junto al muro, y de ahí surgió la idea de los dos amantes que sueñan con ser "héroes solo por un día", abrazados a la esperanza y el sentimiento de resistencia ante la adversidad y la privación de libertad que el muro de Berlín significaba.

Musicalmente, "Heroes" es una obra maestra del rock experimental de finales de los años setenta, gracias a la innovadora producción de Tony Visconti, que grabó la voz de Bowie en tres micrófonos colocados a diferentes distancias, creando un singular efecto de eco y de profundidad, y combinó el gran riff de guitarra de Robert Fripp con los sintetizadores de Brian Eno e incluso con el sonido de un cenicero arañando la mesa al desplazarlo, creando una atmósfera intensa y futurista.

1493.- Always Crashing in the Same Car - David Bowie

 

"Always Crashing in the Same Car" ("Siempre chocando contra el mismo coche"), del disco Low (1977) de la mítica trilogía berlinesa de David Bowie, es un claro ejemplo del surrealismo y la metáfora llevados de manera brillante a la letra de una canción. En un tono de voz que transmite el hastío y la frustración del atribulado protagonista, Bowie relata en primera persona la historia de un hombre atrapado en un surrealista círculo vicioso, conduciendo un coche a alta velocidad alrededor del garaje de un hotel, y por más que lo intente, termina "siempre chocando contra el mismo coche".

La metáfora tiene una carga "visual" potente, y es casi imposible no imaginarse el garaje, con Bowie girando en círculos en el interior del coche, haciéndonos ver lo frustrante de esa sensación que todos hemos experimentado alguna vez, cuando por más que te esfuerzas, acabas cayendo una y otra vez en los mismos errores. Es particularmente curiosa e inquietante la mención a una chica llamada "Jasmine", que observa atentamente la escena, como si a la frustración de tropezar continuamente en la misma piedra, se le uniera el hecho de estar todo el tiempo bajo la atenta mirada del ojo público, una sensación que Bowie había vivido muchas veces y que fue una de las razones de su retiro berlinés.

Hay quién dice que Bowie se basó en un episodio real, ocurrido en lo más alto de su adicción a la cocaína, cuando conduciendo su coche, vio a un traficante de drogas que le había estafado, y como venganza, embistió en repetidas ocasiones al coche del camello. En esta teoría, Jasmine sería en realidad su amigo Iggy Pop, que al parecer viajaba en el asiento del acompañante, y la canción podría estar relacionada de alguna manera con "The Passenger", el pasajero que observa a través del cristal de la ventana del coche en el disco de Iggy de ese mismo período berlinés.

Musicalmente, "Always Crashing in the Same Car" es una de las piezas más trabajadas de Low. El productor Brian Eno tenía un órgano Farfisa como el que Pink Floyd había usado en "Matilda Mother", y lo utilizó para la canción, entrelazado con varios sintetizadores y con el añadido de un solo de guitarra eléctrica distorsionada, creando una pieza intensa y futurista en la que destaca el contraste y a la vez el encaje con la voz decaída y pausada del Delgado Duque Blanco, lamentando que hiciera lo que hiciera, todo acababa en un mismo e inevitable final. Quizá por eso Bowie nunca dejó de inventarse, y dando vueltas y más vueltas alrededor de un garaje imaginario, tratando de huir de un ineludible destino, acabó regalándonos tantas y tan buenas canciones.

1319 - Brian Eno - I'll Come Running

1324 - Brian Eno - I'll Come Running

Brian Eno es una figura prominente en la música, conocido por su papel como pionero de la música ambient y por sus contribuciones innovadoras al rock experimental y la producción musical. Una de sus canciones destacadas es "I'll Come Running", que pertenece a su álbum "Another Green World", lanzado en 1975. Esta obra, que es un reflejo del talento multifacético de Brian Eno, combina elementos del pop y la experimentación sonora para crear una pieza única y envolvente.

"I'll Come Running" se caracteriza por su melodía accesible y su estructura pop, algo que podría parecer atípico en comparación con el resto de las composiciones de Brian Eno, conocidas por su complejidad y naturaleza experimental. La canción comienza con un ritmo marcado y una línea de bajo constante, creando una base sólida sobre la cual se desarrollan capas de guitarra y sintetizadores. La producción es cristalina y muestra la habilidad de Brian Eno para tejer sonidos diversos en un tapiz cohesivo y envolvente.

La letra de "I'll Come Running" es sencilla pero emotiva, transmitiendo un mensaje de devoción y disposición incondicional. "I'll come running to tie your shoe" (vendré corriendo para atar tu zapato) es una imagen simple pero poderosa, que encapsula la esencia de la dedicación y el amor incondicional. Este tema lírico resuena con la audiencia debido a su sinceridad y calidez, proporcionando un contraste interesante con las texturas sonoras más abstractas de la música.

La voz de Brian Eno, suave y casi etérea, flota sobre los instrumentos, añadiendo una capa adicional de profundidad y emotividad a la canción. Su entrega vocal, sin ser técnicamente impresionante, es efectiva y adecuada para la atmósfera que crea la música. Eno tiene la habilidad de hacer que incluso las frases más simples adquieran un peso significativo a través de su interpretación.

"I'll Come Running" destaca también por su innovación en la producción. Brian Eno utiliza técnicas de estudio avanzadas para su época, incluyendo la manipulación de cintas y el uso creativo de efectos de sonido. Esto le permite crear paisajes sonoros que son a la vez accesibles y llenos de matices, invitando al oyente a descubrir nuevos detalles con cada escucha.

El contexto del álbum "Another Green World" es fundamental para entender la importancia de esta canción. Este disco marcó un punto de inflexión en la carrera de Brian Eno, alejándose de las estructuras tradicionales del rock para explorar territorios más abstractos y ambientales. En medio de esta exploración, "I'll Come Running" sirve como un ancla melódica y emocional, ofreciendo un respiro accesible dentro del viaje sonoro más amplio del álbum.

"I'll Come Running" de Brian Eno es una joya dentro de su discografía, que combina la accesibilidad del pop con la innovación y experimentación que caracterizan su trabajo. La canción es un testimonio del talento de Eno para crear música que es a la vez simple y profunda, ofreciendo una experiencia auditiva rica y gratificante.

Daniel 

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0762.- The man who sold the world - David Bowie

The Man Who Sold the World fue compuesta por David Bowie y grabada para el disco del mismo título, publicado en noviembre de 1970 en Estados Unidos y en abril de 1971 en Reino Unido. El que fuera tercer álbum del cantante y músico británico estaba marcado por fuertes influencias del hard rock y el heavy en canciones basadas en setenteros riffs de guitarra, y fue la antesala del sonido que Bowie acabaría depurando para su obra maestra The rise and fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972).

Curiosamente, y además de en el disco al que daba título, la canción solo apareció inicialmente como cara B en los sencillos estadounidenses de Space Oddity (1972), Life on Mars (1973), y posteriormente en el single Strangers when we meet en 1995, en una versión regrabada y producida por Brian Eno. Hasta la actualidad, ha sido versionada por un gran número de artistas, sin duda embrujados por la inquietante historia sobre un hombre al que se le aparece un personaje extraño que parece ser su otro yo o un desdoblamiento de su propia personalidad, pero sobre todo, y más allá de la letra y la perfecta melodía, por el pegadizo riff de la canción.

El propio Bowie produjo y tocó el saxofón en la versión de la cantante escocesa Lulu de 1974, que fue un gran éxito de ventas, pero de todas las versiones, sin duda es la de Nirvana, grabada en directo para su Unplugged in New York (1993) la mejor y la más famosa de todas. Tal fue su repercusión, que hasta el propio Bowie la adaptó a la manera de Nirvana en sus interpretaciones en vivo, añadiendo una línea más dura de bajo y dándole un matiz aún más oscuro que el de su primera versión, no volviendo a la versión original hasta la década del 2000.

#MesU2: All that you can't leave behind

El décimo álbum de U2 empezó con buen pie ya incluso desde la elección del título. All That You Can't Leave Behind (Todo aquello que no puedes dejar atrás) es una nueva huida hacia adelante, en la que los irlandeses vuelven a replantearse su camino como grupo, dejando atrás la experimentación electrónica y la oscuridad lírica de esa gran trilogía alternativa que conformaron los discos Achtung Baby, Zooropa y Pop. Las malas críticas que recibió este último les impulsaron a un nuevo retorno al rock convencional de guitarra, bajo y batería, y se pusieron manos a la obra en el estudio con el habitual Daniel Lanois en la producción y la inestimable coproducción del ya por entonces asiduo Brian Eno.

¿Y qué cosas son las que no pudieron dejar atrás? La primera es el talento y la capacidad de entregar grandes discos que Bono y compañía han tenido siempre de serie. Y eso, a pesar de que las primeras sesiones de grabación no fueron demasiado fructíferas, y tan solo lograron sacar en claro el tema Kite, una canción en la que la voz de Bono volvía a brillar y a sorprender después de haber arrastrado problemas durante la anterior gira de la banda. El resultado obtenido con esta canción volvió a llenar el depósito de la ilusión hasta el tope, y decidieron enfocar las siguientes grabaciones hacia la simplicidad de una banda tocando juntos en una habitación, despojando a los nuevos temas de la instrumentación y la electrónica del pasado reciente.

​El disco fue un éxito de crítica y ventas en todo el mundo, llegando la puesto 3 del Billboard estadounidense. Consiguió nada menos que siete Premios Grammy, convirtiéndose en el único álbum en la historia con dos canciones ganadoras del Premio Grammy a la Mejor Grabación del Año (Beautiful Day en 2001 y Walk On en 2002) y la revista Rolling Stone lo posicionó en el puesto 139 de su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Aunque fue promocionado como un retorno al sonido tradicional de la banda, y pese a que esa vuelta a los orígenes se imponga en canciones como Beautiful Day (la potente apertura del disco y single de enorme éxito, en la que la guitarra de The Edge tiene un tono similar al habitual en las grabaciones de discos como War en la década de los ochenta) muchos de los temas del álbum contienen todavía altas dosis de la experimentación y la complejidad de sus obras de los noventa.​

Es el caso, por ejemplo, de Stuck in a moment you Can't Get Out Of, un tema que recuerda al excelso Stay (Faraway, so close) de Zooropa, y cuya letra está dedicada a Michael Hutchence (INXS) que se suicidó en 1997. Se convirtió en otro de los grandes singles del disco, junto a la enérgica y rockera Elevation (incluida en la banda sonora de la película Lara Croft: Tomb Raider, con la explosiva colaboración de Angelina Jolie en el video promocional) y la gran pieza central del disco, Walk on, que en su tramo final enumera, en un planteamiento similar al del tema Eclipse de Pink Floyd, las cosas que uno puede y debe dejar atrás para crecer y mirar hacia el futuro:

Déjalo atrás.
Tienes que dejarlo atrás.
Todo lo que creas,
Todo lo que haces,
Todo lo que construyes,
Todo lo que rompes,
Todo lo que mides,
Todo lo que robas,
Todo esto puedes dejarlo atrás...

Dedicada al activista birmano de derechos humanos Aung San Suu Kyi, es el clímax emocional y creativo del disco. Hasta este momento, podríamos estar probablemente ante el disco que completaría el trío de obras maestras del grupo, tras los impecables The Joshua Tree y Achtung Baby. Sin embargo, en la segunda parte del disco, y a pesar de contener canciones destacables como la mencionada Kite, In a Little While o Peace on Earth, la sensación de que la llama, aunque aún encendida, ha perdido intensidad, empieza a rondar la escucha a la altura de When I look at the World y New York.

El disco cierra a buen nivel con Grace, aunque queda una leve sensación de que un disco de estas dimensiones habría merecido un final de mayor impacto, y probablemente ese final tendría que haber sido Walk on, aunque eso habría hecho que la comparativa con el final del Dark Side of the Moon hubiera sido más evidente. Nos consolamos con la acertada decisión de repescar uno de los temas de un proyecto paralelo de Bono, Daniel Lanois y Hal Wilner para la banda sonora de la película Million Dollar Hotel. Incluida como último tema del disco con la etiqueta de "bonus track", la intensa y atmosférica The Ground beneath her feet aporta el toque de gracia que echábamos en falta para cerrar un disco excelente. Demasiado buena para dejarla atrás, ni siquiera a cambio de un hotel de un millón de dólares.

#MesU2: Achtung Baby - U2

En 1991, los chavales de Getafe sentíamos un gran orgullo de pertenencia a la autoproclamada "Capital del Sur", pero paradójicamente, al mismo tiempo teníamos una actitud bastante "fronteriza" y separatista entre los que nos considerábamos normales (aunque desde el otro bando nos tildaran de "frikis") y aquellos a los que despreciábamos por ser "pijos". En esa particular situación de antagonismo entre los dos bandos, era inevitable sentirse identificados con los protagonistas de películas como West Side Story o Quadrophenia, y asignar a los despreciables "pijos" el merecido papel de "villanos", por jurar como juraban siempre por Snoopy, por no perderse un solo capítulo de Friends, por llevarse siempre a las mejores chicas y, sobre todo, por cantando con los brazos en alto y los ojos cerrados cada vez que el disc-jockey ponía una canción de Hombres G o, incomprensiblemente, de U2...

Esa, amigos, es la absurda, y a la vez más que justificada, razón por la que, aún hoy en día, no he escuchado ninguno de los álbumes de U2 anteriores a The Joshua Tree. Bajar la guardia y cantar con los ojos cerrados "Pride" o "Sunday Bloody Sunday" podía agenciarte el rechazo y la sospecha entre tus iguales. La cosa se puso aún más difícil con temas tan buenos como I still haven't found what I'm looking for, Where the streets have no name o With or without you, y aunque hasta los propios pijos empezaron a renegar y a mirar de soslayo el Rattle and hum, no hubo ninguna señal de aviso que nos preparara para el brutal cambio de acera de Achtung Baby, hasta la publicación del álbum y su adecuado título: Achtung significa "Atención" o "Cuidado", la palabra con la que en alemán se recuerda a los viandantes que deben tener precaución en los cruces y pasos de cebra. Así que el título de "Cuidado, chica" era todo un toque de atención sobre el cambio que el disco ofrecía.

Evidentemente, ni Bono ni el resto de miembros de U2 sabían nada de la profunda y verdadera razón por la que sus discos no se vendían bien en los barrios de Las Margaritas o La Alhóndiga, pero sí que estaban molestos por las críticas recibidas a nivel mundial por el álbum Rattle and Hum, y decidieron dar un giro a su música, alejándose de los himnos comerciales de los ochenta y dejándose llevar por las influencias del rock alternativo y de la música industrial y electrónica. El cambio se trasladó también a la temática de las composiciones, en un álbum mucho más oscuro e introspectivo. Dónde antaño aparecían grandilocuentes slogans políticos y sociales con los que parecían querer salvar al mundo, ahora su paleta narrativa se adentraba en temas más realistas y profundos sobre las relaciones humanas, el amor, la sexualidad, la soledad o el desengaño. 

Grabado e ideado en su mayor parte entre el Berlín del recién derribado muro y su Dublín natal, con Achtung Baby fue como si los irlandeses hubieran hecho un corte de mangas a Chandler y Rachel, mientras María rechazaba a su novio Jet para liarse con un friki, y el más famoso de los rockers se compraba una parca verde y una vespa para ir de peregrinación a Brighton. De repente, los U2 molaban y eran muy frikis, con un brillante y recién estrenado disco que no era apto para ser cantado en un bar con los ojos cerrados, sino para degustarlo en la soledad de tu cuarto, con unos buenos auriculares, y no perderte el más mínimo detalle de aquella impactante transformación sonora y narrativa.

La ruptura con lo que hasta entonces había sido el otro lado de su particular "muro" sonoro es evidente ya desde el arranque del disco. Las primeras notas distorsionadas de Zoo Station buscan conscientemente que el oyente habitual (el "pijo" en nuestra realidad local) creyera que el disco estaba defectuoso o que por error le hubieran vendido un disco de un grupo de música electrónica. El cambio de temática y estilo es aquí especialmente marcado, en la distorsión de las abruptas y crudas guitarras, como si este primer tema (que se barajó como posible título del disco) tuviera que cumplir de manera agresiva y cortante el rol de primera y directa declaración de intenciones.

Dentro del tono oscuro general del disco, en Even better than the real thing se cuelan algunos de los mensajes más luminosos del disco, en la que es la canción más sexual y positiva, y The Edge combina su particular estilo de tocar la guitarra con la incorporación de efectos y sonidos de marcada influencia electrónica, que hacen que la canción suene mucho más adelantada al sonido de canciones similares del pasado reciente. Un pasado con el que querían romper, pero no les fue fácil encontrar la fórmula correcta para hacerlo. Para lograrlo, decidieron alejarse de la rutina y de los lazos familiares, y eligieron el Berlín del gran cambio socio-político del momento como fuente de inspiración, trasladando su campamento base a los estudios Hansa en los que se habían grabado discos como "Low" y "Heroes" de David Bowie o "The Idiot" de Iggy Pop, pero tras varias sesiones infructuosas, la moral y las relaciones en el seno del grupo se fueron poco a poco deteriorando, al no ponerse de acuerdo en la dirección a seguir.

Durante la grabación de Mysterious Ways, un complicado tema que combina ritmos bailables, inspirados en una breve estancia en Marruecos, con un riff de guitarra de corte sorprendentemente funky, la frustración llegó a su punto álgido, y la amenaza de la separación de la banda llegó a sobrevolar el ambiente. La llegada de Brian Eno para ayudar en la producción, demostrándoles que el trabajo que habían realizado era mejor de lo que pensaban, y el descubrimiento accidental de los acordes de One en una improvisación de The Edge, salvaron los muebles y recondujeron la complicada situación, convenciéndoles de que podían aunar a la vez canciones con capacidad comercial y nuevas y arriesgadas tendencias sonoras. One se convirtió en una de las canciones más relevantes de la historia de la banda, y una de las mejores canciones de todos los tiempos. Bono volcó en ella los sentimientos producidos por las difíciles relaciones en el seno de la banda y las incomodidades de la estancia en Berlín.​

Con las energías renovadas por la sensación de haber encontrado por fin el camino correcto, la creatividad y la determinación se dispararon y los nuevos temas siguieron rompiendo las barreras con las que habían limitado su capacidad musical y la temática de sus textos. En Until the End of the World profundizan en temáticas religiosas y apocalípticas, a través de una conversación entre Jesucristo y Judas Iscariote. Fue publicada como single, como también lo fue Who's Gonna Ride Your Wild Horses, el quinto y último sencillo extraído del álbum, una descripción de los problemas de pareja con melancólicas texturas musicales que de nuevo desafían las viejas fórmulas.

El tono melancólico sigue presente en So Cruel, un tema de atmósfera intimista en el que destaca la calidez de la voz de Bono, que en varias de las canciones de Achtung Baby trabaja en registros más bajos, logrando dar una mayor profundidad a las composiciones. El tono es de nuevo sombrío y derrotista, con referencias al amor no correspondido y la obsesión que esto puede generar en el desdichado enamorado. 

The Fly fue el primer single que se lanzó del disco, y una de las canciones más representativas del Mr. Hyde en el que se estaba convirtiendo la banda, dejando atrás la aburrida y previsible vida del (pijo) Dr. Jekyll para embarcarse en aventuras sonoras mucho más intrigantes. Mientras escribía la canción, Bono creó el alter ego de The Fly, un personaje ególatra vestido de cuero negro y oscuras gafas de sol, una especie de Elvis del lado oscuro, que se presenta en sociedad a través de la voz distorsionada de Bono en temas como éste o Zoo Station. Construida sobre una base hip hop y ritmos electrónicos combinados con oscuras y distorsionadas guitarras, The Fly surgió en las sesiones de Dublín, tras la fallida experiencia en Alemania, como parte de una larga suite que incluía también lo que posteriormente serían Zoo Station y Ultraviolet (Light My Way), esta última más emparentada narrativamente con los temas del tramo final del disco, que rozan lo conceptual en sus referencias a una mujer (la Luna) que seduce a un hombre (The Fly) llevándole al lado oscuro de la noche y la perdición amorosa.​

En Tryin 'to Throw Your Arms Around the World ese hombre vaga en estado de embriaguez, sin encontrar la salida a una relación tempestuosa, descrita también en Ultraviolet (Light My Way), mientras en Acrobat los problemas de pareja se entremezclan con una vuelta a las referencias religiosas que ya aparecieron en Until the end of the world,  y el lamento por el amor fallido de So Cruel es aún más desgarrador y sombrío en Love is Blindness, que nos revela que la historia de amor de este disco no tiene un final feliz.

El recorrido del disco sí que lo tuvo, a tenor de los 18 millones de copias vendidas, el Grammy al mejor álbum de rock, y la larga lista de premios que recibió por parte de la crítica especializada, que lo sigue considerando uno de los mejores álbumes de la historia. Achtung Baby está incluido en el libro "1001 álbumes que debes escuchar antes de morir", y la revista Rolling Stone lo posicionó en el puesto 63 de "Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos"), pero el gran mérito de este disco siempre será habernos dado a los "frikis" el único momento de gloria en nuestra desigual lucha contra los "pijos" cuando por primera vez empezó a sonar The Fly en los bares del centro de Getafe. Cuando estaban a punto de cerrar los ojos y levantar los brazos al cielo, notaron que algo no funcionaba. Aquellas guitarras distorsionadas les desconcertaban, y al mirar a su alrededor, vieron a un grupo de frikis rasgar al aire sus imaginarias guitarras. Algo había cambiado. Ellos seguían teniendo la ropa de diseño y las gafas de marca, pero el muro había caído, y de repente U2 era nuestro. Nos duró solo un par de discos más (Zooropa y Pop) pero nos supo a batalla ganada.