0489.- Magic Bus - The Who

Magic Bus fue grabada por The Who en 1968, pero es una canción que data de unos años atrás (1965), y que fue escrita por Pete Townshend casi al mismo tiempo que My Generation. Una versión demo interpretada por Townshend circuló en 1966, y una banda llamada The Pudding lanzó al mercado una versión de la canción en 1967. Ni The Pudding ni su versión tuvieron mucho recorrido, mientras que la versión definitiva de The Who en 1968 se convirtió, nada más publicarse, en una de las canciones más populares de la banda.

​ La canción se estructura en un formato de dueto, con Roger Daltrey cantando las partes del "pasajero" que, cada día, sube al autobús mágico para ir a ver a su chica. El pasajero acaba haciendo al "conductor" (Townshend) una oferta para comprarle el autobús. El conductor se niega en un principio, pero finalmente acaba vendiéndole el autobús al pasajero, para que cumpla su promesa de conducirlo a diario hasta la casa de su novia.

La canción destaca por el uso de claves en la percusión, y por un característico ritmo "a lo Bo Diddley", pero también por una línea de bajo casi inexistente, por la que John Entwistle declaró que no soportaba interpretarla en directo, en lo que para el suponía estar tocando una sola nota hasta sentir náuseas. Publicada únicamente como sencillo, alcanzó el puesto 26 de las listas inglesas y el 25 en las de Estados Unidos, pero el recorrido del mágico autobús fue mucho más largo, convirtiéndose, mal que le pese a Entwistle, en pieza imprescindible de los conciertos de la banda.

Zeppelin - Led Zeppelin II (Mes Led Zeppelin)

 

Led Zeppelin II, Led Zeppelin

     Led Zepppelin había lanzado a principios de 1969 su primer álbum de estudio, de título homónimo, Led Zeppelin, llegando a alcanzar el puesto número 10 en la lista de ventas estadounidense Billboard 200, y el puesto número 6 en el Reino Unido. El disco, con potentes ritmos pesados, grandes riffs de guitarra, con toques de blues,  psicodelia y folk, fue catalogado por parte de los expertos como un "punto de inflexión significativo en la evolución del hard rock y el heavy metal". Hay quien fue más allá y catalogó directamente el álbum como heavy metal, algo con lo que Robert Plant, Jimmy Page, John Paul Jones y John Bonham nuunca estuvieron de acuerdo, ¿Cómo podían catalogar el trabajo de una banda como heavy metal si un tercio de su música era acústica?. La primera respuesta del público británico a este álbum debut no fue muy efusiva, lo que provocó que la banda decidiese no publicar ningún sencillo en Inglaterra, deteriorando la promoción del disco y de sus trabajos posteriores.

Durante el resto de 1969 la banda se las arregló para terminar las giras europea y americana que tenían por delante y además grabar su segundo álbum de estudio, Led Zeppelin II, el disco que los consagrará definitivamente. Debido a las giras en las que estuvieron inmersos, el disco fue grabado en diversas localidades del Reino Unido y de Estados Unidos entre enero y agosto de 1969. El disco fue producido enteramente por Jimmy Page y fue publicado el 22 de octubre de 1969 por el sello discográfico Atlantic Records. Fue el primer álbum de la banda en utilizar las técnicas del ingeniero de sonido y productor Eddie Kramer que en este disco trabajó como ingeniero de sonido y mezclador.

En este segundo álbum se produce una notable mejoría en la producción, se mejoran y perfeccionan los temas acústicos, se siguen utilizando sonidos blues y folk, y el sonido de la guitarra suena mucho más grave, lo que convertirá a este disco en uno de los más pesados de la banda. El disco alcanza un más que notable éxito, alcanzando el puesto número 1 en las listas de ventas de Reino Unido y Estados Unidos, y consiguiendo desbancar de esa posición nada menos que al Abbey Road de The Beatles, el cual llevaba acomodado en esa posición nada menos que once semanas. 

Como hemos comentado anteriormente, el álbum fue concebido durante un periodo muy agitado de la banda, pues durante ese año realizaron cuatro giras por Europa y tres por el continente americano. Esto hizo que cada canción fuera grabada, mezclada y producida en un sitio diferente. Robert Plant afirmaba al respecto que esa etapa fue una locura: "Estábamos escrbiendo los temas en las habitaciones del hotel, y luego debíamos ir a Londres a grabar la parte rítmica, añadir la voz en Nueva York, grabar la armónica en Vancouver y luego, para finalizar la mezcla, volver a Nueva York". Las sesiones de grabación se repartieron entre los estudios Olympic y Morgan de Londres, Inglaterra, los estudios A&M, Quantum, Sunset y Mystic de Los Ángeles, California, los Ardent Studios en Memphis, Tennessee, los estudios A&R Juggy Sound, Groove y Mayfair de Nueva York y en un estudio de Vancouver. 

La carátula del álbum fue diseñada sobre la base de un póster hecho por David Juniper, quien fue llamado por la banda para que creara algo interesante. Su diseño se basó en una vieja fotografía de la Undécima División Jasta de la Fuerza Aérea Alemana durante la Primera Guerra Mundial, el Circo Aéreo conducido por Mamfred Von Richthofen, más conocido como el Barón Rojo. Luego la fotografía fue coloreada y las caras de los cuatro miembros de la banda fueron pintadas con aerógrafo, así como las de su mánager Peter Grant y el mánager de giras, Richard Cole. La mujer que aparece en la portada es Glynis Johnson (actriz que interpretó a la madre de lo niños Banks en Mary Poppins) en un obvio juego de palabras del nombre del ingeniero de sonido Glyn Johns. Parte de la portada del álbum incluye un dirigible en un fondo marrón, esto haría que el álbum también fuera llamado  Brown Bomber. 

Entramos en materia y el primer tema que nos encontramos es Whole Lotta Love, todo un pelotazo que nos pone patas arriba con ese demoledor riff inicial. Este tema contiene algunas de las letras más lascivas de un Robert Plant que así hace saber a una chica que está preparado para darle todo su amor. El tema aparece acreditado a los cuatro componentes del grupo y a Willie Dixon. Partes de la letra fueron tomadas directamente del tema You Need Love, compuesto por Dixon y grabado por Muddy Waters, lo que llevó al grupo a ser demandado por plagio. todo se resolvería en un acuerdo extrajudicial. El arreglo también tiene semejanza con la canción de Small faces, You Need Loving. La pistas básicas fueron grabadas en la casa de Jimmy Page y la sección central de la canción contenía una variedad de instrumentos y voces sobregrabados que Page y Kramer mezclaron en vivo. Esta fue la última canción que el grupo interpretó en vivo con el baterista Bonham, el 7 de julio de 1980. La canción ha sido elogiada por la crítica y definida como una de las canciones heavy metal definitivas, aunque el grupo nunca consideró que este  tema encajára en este estilo específico. What Is and What Should Never Be es el tema que sigue a continuación después del trallazo de apertura, escrito por Plant. Es una canción muy dinámica que alterna versos silenciosos con un coro muy explosivo mientras Plant canta sobre llevar a una hermosa doncella al castillo. En cuanto a la producción se hace un uso liberal del estéreo mientras las guitarras van y vienen entre canales, y las voces se escalonaron durante la parte de los gritos de Robert Plant. The Lemong song, este tema nació y fue un arreglo de la canción Killing Floor de Chester Arthur Burnett, más conocido como Howlin' Wolf. The Lemong Song era tan similar a Killing Floor que finalmente se le acreditó a Howlin' Wolf también como compositor en el tema. Se incluyeron nuevas letras, incluida la frase "squeeze my lemon", que el grupo  tomó prstada de la canción Traveling Riverside Blues de Robert johnson. Thank You es el tema que cierra la cara A. Aceditado a Page y Plant, fue escrita por Plant como una declaración de amor a su esposa Maureen. Page tocó la guitarra de doce cuerdas y Jon Paul Jones el órgano Hammond en esta canción. Dos curiosidades: esta canción fue la primera donde Plant escribía toda la letra, y Plant realiza un sólo con la guitarra acústica, cosa que rara  vez hacía. 

Abre la cara B Heartbreaker, tema acreditado a toda la banda pero que fue escrito principalemente por Page para demostrar sus habilidades a la guitarra. Led Zeppelin a veces abría sus conciertos con este tema, y durante éstos, Jimmy Page solía estirar los sólos de guitarra e inorporaba frgamentos de otras canciones, como Greensleves, The 59th Street Bridge Song (Feelin' Groovy) y Bouree In C minor de Bach. Linving Loving Maid (She's Just a Woman) fue escrita sobre una groupie que la banda se encontró durante una gira por Estados Unidos. Al grupo no le gustaba mucho este tema, especialmente a Jimmy Page, que la odiaba y consideraba que este tema no estaba a la altura del resto del álbum. Como consecuencia este tema no fue ocado nunca en directo. Habría que esperar a 1990 para que Plant la interpretara en solitario dentro de su gira de quel año. El tema anterior, Heartbreaker, y éste solían ser reproducidos juntos por las estaciones de radio. Ramble On, acreditada a Page y Plant, las letras fueron escritas por este último, quien se inspiró en la obra de J. R. R. Tolkien, autor de El Señor de los Anillos. Las referencias son al personaje de este libro Frodo Bolsom, cuando va a las profundidades más oscuras de Mordor y se encuentra con Gollum. Robert Plant admitiría más tarde que en cierto modo se entia un poco avrgonzado por las referencias a Tolkien en este tema, ya que no tenía mucho sentido encontrarse una bella doncella en Mordor y Gollum no querría tener nada que ver con ella, pues su única preocupación era el precioso anillo. Moby Dick fue compuesto para lucimiento y escaparate de las grandes habilidades de John Bonham a la batería. Originalmente el tema se llamó Pat's Delight en honor a la esposa de Bonham. El tema presentaba una gran variedad de tambores e instrumentos de percusión que se tocaban con baquetas y con las manos a pelo. Fue compuesto para incluir también percusión adicional y batería electrónica. Era un tema que la banda solía tocar en directo y el sólo de batería de Bonham podía extenderse hasta los 20 minutos. Bring It On Home es el tema que tiene el honor de cerrar este disco. Este tema es una versión del tema del mismo nombre escrito por Willie Dixon y grabado por primera vez por Sonny Boy Williamson II en 1963, aunque no fue publicado hasta 1966. El grupo incluyó un sección central mucho más rápida que la estructura original. Como hemos comentado anteriormente, la banda grabó Led Zeppelin II entre gira y gira, y para ello se llevaron las cintas maestras del disco, por lo que se detenían cuando podían a grabar. Por eso la parte de la armónica de este tema fue grabdo en otro sitio, concretamente en Vancouver. 

0488 - That's It for the Other One - Grateful Dead

0488 - That's It for the Other One - Grateful Dead 

That's It for the Other One es una canción por la banda estadounidense Grateful Dead.​ La canción fue publicada como la canción de apertura del álbum de 1968, Anthem of the Sun.

Esta canción tiene varias versiones que se han lanzado, la primera versión que tenemos es una versión grabada en el Shrine Auditorium en Los Ángeles, California el 24 de agosto de 1968, fue publicada en el álbum de 1992, Two from the Vault.

Otra de las versiones es esta que fue una presentación grabada en el Fillmore West en San Francisco el 27 de febrero de 1969, fue publicada en los álbumes Fillmore West 1969, Fillmore West 1969: The Complete Recordings y Fillmore West 1969: February 27th.

Y por último tenemos la versión grabada en el Carousel Ballroom el 14 de febrero de 1968 fue publicado en el álbum de 2009, Road Trips Volume 2 Number 2.

Daniel 

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Grandes éxitos y tropiezos: The Police

Grandes éxitos y tropiezos: The Police

Vamos a conocer esos éxitos y tropiezos de una banda británica que fue éxito indiscutible en las décadas del 70 y 80, estamos hablando de The Police un trío británico de rock, que tuvo sus presencia durante los últimos años de la década de los '70 hasta mediados de la década de los '80, esta formación de super trio, formo parte de la cultura creciente de la música​ new wave británica, su estilo musical estuvo marcado por influencias del rock, pop, reggae, funk y jazz; quedando muy influenciados por la música jiennense. 

Se formó en 1976 en Londres, tocaron oficialmente hasta 1986, con una pausa entre marzo de 1984 hasta julio de 1986 y nunca emitieron un comunicado sobre su separación,​ la banda ha vendido casi 200 millones de copias por el mundo.

Y dentro de los álbumes que vale la pena tener de la banda, debemos destacar Reggatta de Blanc, que es el segundo álbum de estudio de la banda británica, y uno de los álbumes que destacan una de sus mejores canciones, que llevarían al éxito a The Police

De este álbum la banda editaría un impresionante sencillo que llegó al número uno en la lista británica Message In A Bottle. Otros temas que destacaron fueron Reggatta De Blanc que recibió el premio Grammy en 1981 a mejor interpretación instrumental.​ Deathwish emotiva canción New Wave, Bring On The Night, una canción que trata sobre la ejecución de Gary Gilmore. Así como, It's Alright For You que muestra plenamente la influencia punk en la música de The Police. Y por último, The Bed's Too Big Without You, impecable fusión de Reggae y gran aportación policiaca al mundo del Rock.

En cuanto a la estructura y composición de las canciones, es el disco de The Police en donde mejor participan sus tres integrantes de forma equitativa y brillante. Podemos escuchar a un Sting con gran voz y ejecución del bajo, a un Stewart Copeland con una batería mágica, fenomenal y bestial (su mejor trabajo de estudio con la banda) y a un Andy Summers con una guitarra creativa, atrevida y rockera, aún más que en el primer álbum Outlandos d' Amour.

Pero no nos debemos de olvidar de Outlandos d'Amour es el álbum debut de la banda The Police, este fue su primer álbum el cual fue lanzado en 1978, y es otro de los álbumes de la carrera de esta gran banda británica que no debes dejar de tener en cuenta.

La producción del álbum fue grabado con cintas usadas en consola de 16 canales, en los estudios Surrey Sound Studios. La mayor parte de las canciones que aparecen en este álbum habían sido ensayadas y presentadas en vivo con anterioridad, por tal razón, varias canciones se grabaron en una sola toma. De inmediato, Outlandos d'Amour se convirtió en todo un éxito de ventas, por ser un disco que mezcla estilos variados como reggae y rock, la esencia del sonido de The Police.

Este álbum contiene una de las canciones más aclamadas de la banda, Roxanne, canción inspirada en una prostituta que Sting habría visto de paso por Francia, además de otro éxitos como So Lonely, Can't Stand Losing You, Next To You, Hole In My Life y Truth Hits Everybody.

Hasta el día de hoy, del álbum Outlandos d'Amour se han vendido casi nueve millones de copias por todo el mundo, si no lo has escuchado aun no te lo tienes que perder.

The Police, tiene oficialmente cinco álbumes de estudio editados, ya hemos destacado dos de sus grandes éxitos donde para mi estan las mejores canciones de la banda, pero el trio perfecto para tener en casa, que puedes tener con esta banda de rock, es si sumarias a tu colección su cuarto álbum Ghost in the Machine Ghost in the Machine es el álbum de estudio con mejor grabación de sonido en la historia de The Police. Además, está claramente influenciado por la situación socio-política mundial en sus letras y es el más oscuro de los cinco editados en estudio por el trío británico.

Durante las sesiones fueron grabadas las canciones Flexible Strategies y Low Life, las cuales fueron incluidas como Lados-B de los sencillos Every Little Thing She Does Is Magic y Spirits in the Material World, Fue un éxito a ambos lados del Atlántico, además de que cuenta con varios éxitos de la banda.

Pero los rumores de pelea entre los integrantes de la banda, hacen que la banda separase, el último concierto oficial de The Police en su etapa original fue el 4 de marzo de 1984 en Australia en la última fecha de la gira del disco Synchronicity. Las tensiones y egos entre los distintos componentes provocaron la disolución del trío aunque nunca emitieron un comunicado sobre su disolución. Sting inició una carrera en solitario en 1985 llena de triunfos comerciales en donde había lugar para el pop con influencias jazz, soul.

The Police una de las mejores bandas británicas de los años '80 se vio atrapada en sus propios egos lo cual produjo su mayor tropiezo que llevo a la disolución de la banda, una banda que logro en tan pocos años una catarata de éxitos que hoy en día aun suenan. 

Daniel

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0487.- Vuelvo a Granada - Miguel Ríos.

Aficionado a la música desde muy joven era un fanático de Buddy Holly, Johnny Hallyday, Elvis Presley y Cliff Richard. Después de trabajar en la sección de música de unos almacenes en su ciudad natal, Miguel Ríos inició su carrera musical a principios de los 60, Sus inicios en el mundo del espectáculo fueron presentándose en un programa de la emisora Radio Granada, más adelante grabó una cinta de demostración como cantante y viajó a Madrid en 1962 con mil quinientas pesetas en el bolsillo que le dejó su madre para realizar su primera producción discográfica, grabando sus primeros discos bajo el nombre artístico de Mike Ríos. De 1962 es El rey del twist, su primer tema en solitario, pese a que eran habituales sus actuaciones con grupos como la orquesta de Filippo Carletti y bandas como Los Sonors, Los Canarios y Los Relámpagos. De esos años, en que grabó ya numerosos temas, destaca la popularidad de la canción Oh, mi Señor (1964). Alcanzó su primer gran éxito con la adaptación del Himno a la alegría de Beethoven (1969) que se convirtió en un éxito internacional que le permitió entrar en contacto con las vanguardias musicales de la época. Una serie de tres conciertos celebrados en 1972 y desplegados con gran aparato audiovisual darían lugar al álbum De rock y amor, mientras que trabajos como La huerta atómica (1976) pusieron de manifiesto su interés por la ecología, tema que desarrollaría ampliamente.

Cantante de personalísima voz, en esta época aun no la había pulido suficiente pero ya se nota la gran calidad vocal que atesoraba y sobre todo el personalísimo carácter con el que se movía por el mundo música y que quedaría reflejado en un EP publicado en 1968 que contenía dos de sus grandes temas clasicos, "El rio" y "Vuelvo a Granada" dos temas luminosos cargados de fuerza, estilo y con aires psicodélicos con magistrales arreglos orquestales a cargo de Waldo de los Ríos y la participación de Rafael Trabuccheli en la producción y de Fernando Arbex firmando diversas canciones. Y es que hay que detenerse en la grandiosa "Vuelvo a Granada", un tema bien conocido de su repertorio que evoca el regreso en tren a la ciudad que le vio nacer y que se tiñe de añoranza por recobrar la paz de los lugares tranquilos

0486.- Hush - Deep Purple

 

Hush, Deep Purple

     La primera formación de Deep Purple, conocida también como Mark I, Publican en julio de 1968 bajo el sello discográfico Tetragrammaton Records en Estados Unidos, y en septiembre de 1968 bajo el sello Parlophone, su primer disco de estudio, Shades of Deep Purple, el cual es grabado en tan sólo tres días en los estudios Pye de Londres. La banda había grabado anteriormente una demo en los estudios Trident de Londres y la habían enviado al sello estadounidense Tetragrammaton Records que buscaba nuevas bandas británicas que descubrir. La banda, que no tiene mucho presupuesto, lo graba sólo en tres días, con todo lo que eso conlleva y apuesta por un sonido progresivo y psicodélico.

Incluido en este álbum debut se encuentra la versión que el grupo graba de Hush, tema escrito por el músico estadounidense Joe South y grabado por pimera vez un año antes por el cantante de country Billy Joe Royal. La versión grabada por Deep Purple obtiene una gran acogida en el mercado estadounidense alcanzando el puesto número 4 en la lista Billboard Hot 100. La canción se reprodujo en las radios de todo Estados Unidos, sobre todo en la costa oeste, por lo que la fama y el reconocimento de la banda creció considerablemente en el país. Sin embargo tanto el exitoso single como el disco pasaron sin pena ni gloria por su tierra, en el Reino Unido. 

Joe South fue un destacado músico de sesión y compositor que escribió otros éxitos de la época, como Games People Play, Rose Garden o Down in the Boondocks. La canción trata sobre un chico que está tan loco por su amor que lo dejará todo si ella lo llama por su nombre. El aire rockero y pesado que Deep Purple dió a Hush difiere mucho de la grabación country original que grabó Billy Joe Royal. En 1988, y para conmemorar la celebración del vigésimo aniversario de Deep Purple, la banda británica volvió a grabar la canción en vivo para su album Nobody's Perfect. Esta grabación de Hush fue lanzada como sencillo y alcanzó el  puesto número 62 en las listas de ventas del Reino Unido y el puesto 44 en la lista Hot Mainstream Rock de Estados Unidos.

Led Zeppelin - Led Zeppelin I (Mes Led Zeppelin)

Artista del mes: Led Zeppelin - Album Led Zeppelin I

Amigos del rock llegó el mes de mayo, y junto al buen clima, y sin olvidarnos del dicho "hasta el 40 de mayo no te quites el sayo", nos acompañará todo este mes una de las bandas Londinense que merece tener su mes, por ello abrimos este mes de mayo en reconocimiento de Led Zeppelin #MesLedZeppelin.

Y como toda buena historia arrancaremos con su primer álbum de estudio que llevó el mismo nombre de la banda, Led Zeppelin y fue editado y publicado en Reino Unido en marzo de 1969.

Led Zeppelin I es el primer álbum de estudio de la banda británica de hard rock, este álbum fue publicado el 12 de enero de 1969. Este fue un álbum de Led Zeppelin que introdujo un mundo de nuevos conceptos para el rock, creando una interpretación completamente nueva del género.

Led Zeppelin I el cual lleva el mismo nombre de la banda, que fue lanzado el 12 de enero de 1969 por Atlantic Records. En la formación de la banda de ese entonces se encontraba Jimmy Page en las guitarras y también quien produjo el álbum, John Paul Jones en el bajo, John Bonham encargado de la batería y percusiones y Robert Plant a la voz y harmónica, aunque debido a cláusulas de contrato con CBS Records, sus créditos no aparecen en el trabajo.

La portada del álbum es una imagen a alto contraste de la foto tomada por Sam Shere del incendio del dirigible Hindenburg en 1937. 

Por ello recordaremos las canciones de este álbum debut de la banda Británica, comenzaremos con Good Times Bad Times que fue lanzado cómo single junto con Communication Breakdown, la canción inicia con dos acordes acompañándose de los platillos y el cencerro de Bonham, hasta que el mismo hace un redoble que abre la canción para que toda la banda comience a sonar, es una canción corta, rítmica y que destaca por su coro y un solo impresionante.

La banda sigue luego con Babe I’m Gonna Leave You una canción más suave por su guitarra acústica y la voz susurrada de Robert Plant al inicio, con trozos donde interactúa la batería con redobles en los toms para dar dinamismo a una canción tan tranquila, que Plant y Page destacan en sus respectivos instrumentos para que la canción pase a un sonido más rockero el resta de la canción.

You Shook Me la tercer canción del álbum comienza con un fraseo de guitarra que se convierte en un blues en su mejor expresión, la guitarra sigue la voz de Plant en los versos y a continuación los solos toman su lugar, los teclados, la harmónica y la guitarra toman protagonismo, y termina con una conversación donde la voz y la guitarra se imitan concluyendo esta excelente canción.

Un bajo excepcional con una guitarra llena de efectos es la introducción de Dazed And Confused, donde lo que más destaca es el la voz de un Robert Plant, donde el blues es el centro de atención haciéndonos sentir increíblemente maravillados, un estilo que se volverá característico de Led Zeppelin. 

Vamos ahora con Your Time Is Gonna Come una canción donde la tranquilidad se apodera de nosotros gracias a la belleza que recae en los teclados, guitarras y un ritmo tan pegadizo. Pero Your Time Is Gonna Come se corta abruptamente y sigue inmediatamente esta Black Mountain Side, las guitarras acústicas y las percusiones nos llevan a un paisaje que pocas canciones pueden lograr, aunque corta, crea un perfecto contraste con la siguiente canción.

Communication Breakdow, la antítesis de los últimos 6 minutos que hemos vivido llega, con un riff veloz y ultra rockero abre el single del lado B, acá la agresividad se toma por estandarte y desemboca en un solo que inspirará generaciones y bandas posteriores.

Todo vuelve a la calma con I Can’t Quit You Baby un sexy blues de los 50’s revive para dejarnos esta gran canción, los licks en guitarra son simplemente majestuosos y llenos de sentimiento, y si a eso le sumamos un bajo que se acompaña de maravilla con los ritmos sincopados de la batería, el saldo es una canción increíble.

El álbum cierra con How Many More Times, el más largo de todo el trabajo, una canción donde el espíritu rockero es casi palpable, cabe destacar la gran labor de todos los integrantes de la banda en la canción y en todo el álbum en general, 

Este disco marcó un antes y un después en la música, definitivamente es uno de los álbumes más importantes de la historia del rock. Es el inicio de la que sería una de las bandas más legendarias del rock, por todo ello el mes de mayo será su mes #MesLedZeppelin

Daniel 

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0485 - Five to One - The Doors

0458 - Five to One - The Doors

"Five to One" es una canción de la banda de rock estadounidense The Doors, de su álbum de 1968 Waiting for the Sun. La letra de la canción fue escrita por Jim Morrison, aunque los créditos de la canción, fue dado a cada uno de los miembros de la banda The Doors como compositores.

La interpretación más famosa de la canción fue en el concierto de Miami de 1969 en el Dinner Key Auditorium. Hacia el final de la actuación, Jim Morrison borracho grito a la audiencia "idiotas" y "esclavos". El concierto terminaría con Jim Morrison acusado de "intentar incitar un motín" entre los asistentes al concierto, lo que resultó en su arresto y posterior condena por exposición indecente.

Durante la reunión de la formación original de The Doors sin Jim Morrison en VH1 Storytellers, Scott Weiland de Stone Temple Pilots asumió la voz. Antes de la actuación, John Densmore dijo que Weiland era uno de los pocos líderes que podía "llenar los pantalones de cuero de Jim". Scott dijo que "Five to One" fue lo que lo inspiró a comenzar una carrera en la música rock.

Daniel 

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0484.- Not to touch the Earth - The Doors

Not to Touch the Earth, tema incluido en Waiting for the sun, el tercer disco de estudio de The Doors, es en realidad una de las partes del mítico poema "Celebration of the Lizard" (La celebración del lagarto) de Jim Morrison. Muchas de las canciones de The Doors se basaban en musicar algunos de los poemas que previamente Morrison había escrito, y no fue diferente en el caso de "Celebration of the Lizard". Durante las sesiones para Waiting for the sun, se intentó una grabación del extenso poema, que muchos años después se incluyó como tema extra en una reedición especial del disco, pero en el momento de la grabación se descartó finalmente por considerarlo demasiado largo y denso, y no encajar con el resto de temas del disco.

La parte que tenía una estructura de canción más clara y potente era el tramo conocido como Not to Touch the Earth, y sobrevivió a la quema para acabar formando parte del álbum. El primer y segundo versos (No toques la tierra, No mires al Sol) son los títulos de dos partes de "Between Heaven and Earth (Entre el Cielo y la Tierra), un capítulo de la novela The Golden Bough (La rama dorada) de James Frazer, cuya obra fue una gran influencia en las composiciones de Morrison.

Como poema, es una críptica declaración del llamado "Rey Lagarto", una especie de sacerdote o dios animal al que seguir en un rito iniciático, y está plagada de misticismo y referencias a tabúes y supersticiones ancestrales. Como canción es, junto a Hello I love you y Five to one, una de las tres canciones más agresivas de un disco, por lo general, marcado por la melancolía de los teclados y las melodías vocales. En Not to touch the Earth el ritmo es asfixiante e intenso, y solo en los momentos en los que Morrison repite "Run with me" ("Corre conmigo"), los teclados parecen cobrar vida para describir la epopeya de un viaje del que es difícil imaginar un destino.

El disco de la semana 273: To Bring You My Love - PJ Harvey

 

To Bring Yu My Love, PJ Harvey

     Para  la recomendación de esta semana traemos bajo el brazo a la  gran PJ Harvey. Polly Jean Harvey, más conocida como PJ harvey, es una cantante, compositora, escritora y poeta inglesa nacida en Yeovil, Somerset (Inglaterra) en 1969. Aunque es conocida durante su carrera como cantante y guitarrista, ha demostrado ser una hábil multi-instrumentista, destacando en el uso del saxofón, piano o el autoarpa entre otros.

PJ Harvey creció en la granja de su familia en Corscombe, y desde su infancia acudió a la escuela en la localidad cercana de Beaminster, donde recibió clases de guitarra del cantautor Steve Knightley. sus padres eran unos grandes amantes de la música y a menudo organizaban pequeñas reuniones y conciertos. La música que sus padres escuchan, entre los que se encuentran Captain Beefheart, Bob Dylan y el blues entre otros, influirá posteriormente en su trabajo. En la adolescencia comienza a aprender a tocar el saxofón y forma parte como guitarrista del dúo folk The polekats, con quien ya escribe algunos de sus primeros temas. Una vez finalizada su formación en la escuela asiste a un curso de artes visuales.

En 1988 se convierte en miembro de Automatic Dlamini, banda formada por John Parish en 1983. La alineación de esta banda rotaba constantemente. En 1991 Harvey abandona la formación de John Parish y recluta a sus ex compañeros de grupo Rob Ellis e Ian Oliver, con los que inicia la aventura de  PJ Harvey Trío. En 1992 publica Dry, su álbum debut, un trabajo que llama la atención inmediatamente de los medios especializados. Este éxito le permite fichar por Island Records y graba su segundo álbum de estudio, Ride of Me, alcanzando buenas cifras tanto en el mercado del Reino Unido como en Estados Unidos. En 1994 PJ Harvey decide lanzar su carrera ya como solista y se encierra entre septiembre y octubre de 1994 en los Townhouse Studios de Londres donde graba el material que dará como resultado To Bring You My Love, su tercer disco de estudio y el recomendado para la ocasión. 

To Bring Yo My Love es producido por la misma PJ Harvey junto a Flood y John Parish, y publicado en febrero de 1995 por el sello discográfico Island Records. Este trabajo se diferencia de sus anteriores discos por estar fuertemente influenciado por el blues estadounidense. La música del álbum es interpretada en gran parte por Harvey y Parish, y cuenta con la colaboración de un numeroso elenco de experimentados músicos entre los que se encentran Joe Gore (guitarras), Mick Harvey (bajo, órgano) y Jean Marc Butty (batería, percusión). 

Si el estilo musical difiere de los anteriores trabajos de Harvey, la temática no va a ser menos. En To Bring You My Love Harvey nos habla de anhelo, pérdida, amor, sexo, pero con unas letras menos contestatarias, agresivas y contundentes que en sus anteriores discos. Como ejemplo: Down By the Water, con una amenazante melodía, trata sobre una mujer que ahoga a su hija y regresa a la escena del crimen. La pimera parte del estribillo fue tomada del estándard de blues de Lead Belly Salty Dog Blues. También encontramos numerosas referencias del grupo Captain Beefheart, una de sus grandes influencias, entre las que se encuentran la primera frase del disco: "I was born in the desert", es la también la primera línea del álbum debut de Captain Beefheart, Safe As Milk (1967), o en la segunda canción, Meet Ze Monsta, toma prestada parte de la letra de una canción del álbum  Shiny Beast (Bat Chain Puller) (1978). Sin abandonar el rock alternativo, PJ Harvey se cerca más al blues, Las guitarras, el teclado y el órgano cobran mucha presencia en este álbum. 

El álbum contiene diez canciones con un toque oscuro donde Harvey realiza una mirada íntima del artista, y hace gala de una gran introspección. La cantante británica nos regala un álbum lleno de sensaciones, emociones y lleno de expresividad, un trabajo que con el tiempo se convertirá en la pierda angular de su discografía. To Bring You My Love es un recomendable viaje a un mundo de sensaciones por el que nos guiará PJ Harvey con su maravillosa, honesta y desgarradora voz. 

0483.- Love Street - The Doors

 

Love Street, The Doors

     El 3 de julio de 1968 se publica bajo el sello discográfico Elektra Records el tercer álbum de estudio de la banda de Los Ángeles The Doors, titulado Waiting for the Sun. El disco es grabado entre febrero y mayo de 1968 en los TTG Studios de San Diego, bajo la producción de Paul A. Rothchild. Este tercer trabajo fue criticado por la suavidad de su sonido, el cual contrastaba con la fuerza de las letras y ese sonido tenso y denso que había hecho famoso a la banda. Sin embargo fue el primero en alcanzar el puesto número uno en las listas de ventas de Estados Unidos, consiguiendo también el éxito en Reino Unido, llegando a colocarse en el puesto 16 en sus listas de ventas. A pesar de las criticas por su sonido, el disco contiene clásicos como Hello, I Love You, Not to Touch the Earth, Spanish Caravan, el himno antibélico The Unknow Soldier o Love Street, este último tema en el que nos vamos a centrar.

Love Street fue escrita por Jim Morrison, y publicada como sencillo en junio de 1968. La canción se desvía del habitual sonido psicodélico de la banda para incluir sonidos acústicos y convertirla en una balada casi convencional. Este tema, al igual que algunos otros, es un tema que Jim Morrison dedicó a su novia Pamela Courson. La canción trata sobre Laurel Canyon, California, donde Jim Morrison vivía con su novia Pamela, más concretamente en el 1812 de la calle Rothdell Trail. Dicha calle era conocida por los dos amantes como Love Street, porque solían pasar largos ratos sentados en el balcón de la casa viendo pasar a los hippies. La canción también hace referencia a la tienda que Pamela tenía en la misma calle. Jim había comprado una pequeña boutique de moda a Pamela en esa mima calle, su intención era que estuviera distraída y mantenerla fuera de las giras, pero la tienda terminó cerrando al entrar en quiebra.  Este tema rara vez fue tocado en directo, aunque se llegó a capturar una grabación en directo en Estocolmo, Suecia, durante la gira europea del grupo en 1968.

1 artista, 3 canciones: John Lennon

Una nueva entrega de esta sección donde hablaremos brevemente la carrera de un artista y resaltaremos vuestros tres temas favoritos, la elección como casi siempre será a través de nuestras redes sociales, en el twitter de @7dias7notas donde cada domingo os solicitaremos que nos dejéis vuestras tres canciones del artista que la redacción propone.

JOHN LENNON

Músico, poeta y compositor, John Winston Lennon nació el 9 de octubre de 1940 en Liverpool, su padre, Alf Lennon, era un marinero, que abandonó a su esposa Julia y a su hijo pequeño. Más de veinte años después, cuando Alf Lennon intentó volver a entrar en la vida de su famoso hijo, Lennon no le dio la bienvenida. Al no poder criar sola a Lennon, Julia le pidió a su hermana y cuñado, Mimi y George Smith, que cuidaran de su hijo. Trágicamente, un oficial de policía fuera de servicio atropelló y mató a la madre de Lennon en 1958. Inspirado por el rock 'n' roll de Elvis Presley y Chuck Berry a mediados de la década de 1950, Lennon comenzó a aprender a tocar la guitarra. 

Su madre le había enseñado a tocar el banjo, e inicialmente tocaba la guitarra como un banjo con la sexta cuerda floja y formó su primer grupo, The Quarrymen, en 1956. Ese año conoció a Paul McCartney, con quien finalmente colaboró ​​en la escritura de más de 150 canciones. En 1959, George Harrison se había unido al nuevo grupo, que para entonces había pasado a llamarse Johnny and the Moondogs. El grupo no encontraba el éxito y aún esperándolo, se convirtieron en los Silver Beatles en 1960. Durante los dos años siguientes tocaron en conciertos locales en Liverpool, con mayor frecuencia en el Cavern Club, donde numerosos grupos ingleses obtuvieron su éxito inicial. Los Beatles aparecieron por primera vez en Alemania en 1960 e hicieron su primera grabación profesional. Mientras tocaban en The Cavern, llamaron la atención de Brian Epstein, quien los escuchó y les preguntó si necesitaban un representante. En 1962 Ringo Starr se unió al grupo. El éxito de The Beatles fue insuperable, pero eso será carne de otro articulo, en 1970 desaparecieron, antes de dejar la banda conoció a Yoko Ono y tras el ultimo album de The Beatles. Lennon inicio su carrera como solista con el álbum John Lennon/Plastic Ono Band (1970), fue recibido con gran aclamación. Con el siguiente álbum, Imagine (1971), la respuesta de la crítica fue mas fria, sin embargo la ​canción que da título al álbum se convertiría en un himno para los movimientos contra la guerra,​ mientras que «How Do You Sleep?» era un ataque musical hacia McCartney en respuesta a las letras del álbum Ram que Lennon sentía, y que McCartney confirmó más tarde​ iban dirigidas a él y Ono. Lennon y Ono se mudaron a Nueva York en agosto de 1971, y en diciembre lanzaron «Happy Xmas (War Is Over)». El siguiente año, la administración de Richard Nixon realizó una «contraofensiva estratégica» hacia la propaganda de Lennon en contra de la guerra y de Nixon, embarcándose en un intento de cuatro años para intentar deportarlo. Grabado en colaboración de Ono y con el acompañamiento de la banda neoyorquina Elephant's Memory. 

Some Time in New York City fue lanzado en 1972, incluía canciones que hablaban sobre los derechos de las mujeres, las relaciones raciales, el papel del Reino Unido en Irlanda del Norte o los problemas de Lennon para obtener una Green Card, el álbum fue recibido negativamente. Mientras Lennon grababa Mind Games (1973), él y Ono decidieron separarse, estuvieron separados durante un periodo de dieciocho meses y al que más tarde llamó su «fin de semana perdido» (en referencia a la novela homónima de Charles R. Jackson), ese tiempo lo pasó en Los Ángeles y Nueva York en compañía de May Pang. Mind Games, acreditado a «The Plastic U.F.Ono Band», fue lanzado en noviembre de 1973, Lennon había perdido el camino, siempre se le encontraba en constante estado de embriaguez y sus borracheras con Harry Nilsson eran titulares de periódicos. Asentado de nuevo en Nueva York, Lennon grabó Walls and Bridges, publicado en octubre de 1974, incluyó «Whatever Gets You Thru the Night», que contaba con la participación de Elton John en los coros y piano, y se convirtió en el único sencillo número uno de Lennon en solitario que pudo ver en vida. Tras el nacimiento de su segundo hijo Sean en octubre de 1975, Lennon asumió el papel de amo de casa, comenzando lo que sería un retiro de cinco años de la industria musical durante el cual dedicó toda su atención a su familia se dedicó completamente a Sean, levantándose a las seis de la mañana todos los días para planear y preparar sus comidas y pasar todo el tiempo con él. 

Regresó a la escena musical en octubre de 1980 con el sencillo «(Just Like) Starting Over», seguido el mes siguiente por el álbum Double Fantasy, que contiene canciones escritas por Lennon durante un viaje que había realizado en velero a las Bermudas el mes de junio anterior, y las cuales reflejan la estabilidad y el éxito de su nueva vida familiar.​ Durante las sesiones del álbum, Lennon y Ono grabaron material adicional suficiente para un futuro álbum, el cual se convertiría en Milk and Honey (lanzado póstumamente en 1984), Double Fantasy fue mal recibido por la crítica, 

El 8 de diciembre de 1980, Mark David Chapman, un fan trastornado, asesinó a Lennon en las afueras del Dakota en Manhattan. La muerte de Lennon devolvió su música a la prominencia mundial e impulsó la canción "Starting Over" al número 1 en los Estados Unidos y otros países. Para un hombre que había vivido una vida extraordinaria, sus esperanzas para el futuro eran modestas. Le dijo a Wenner: "Espero que seamos una buena pareja de ancianos viviendo en la costa de Irlanda o algo así, mirando nuestro álbum de recortes de locura".

VOTACIONES

1.- Imagine: Estamos ante una de esas canciones inmortales, un himno para muchos por su letra sobre la paz, unión y solidaridad, fruto de las tendencias políticas de Lennon que se exacerbaron aún más tras la ruptura de los Beatles, aunque en este tema, ese mensaje aparece totalmente "endulzado" para que lleguese a todo el mundo. Es sin duda, el tema post-Beatles más famoso y recordado de las discografías de sus cuatro integrantes, su melodía dulce y serena, la suave progresión de acordes y ese tono intimista, con el trasfondo de su historia de amor con Yoko Ono, la han convertido en una canción eterna que es reconocida por todo el mundo y que, por derecho propio, siempre ocupa los primeros puestos en las listas de mejores canciones de la historia.

2.- Jealouse Guy: Es sin duda una de las canciones destacadas del Imagine de 1971, si bien apareció por primera vez durante las sesiones del "White Album", bajo el título "Child of Nature". El origen de esta canción tiene sus raíces en la India, The Beatles, en su visita a la India, habían asistido a una conferencia de Maharishi Mahesh Yogi, la conferencia inspiró tanto a Lennon como a McCartney, y ambos compusieron dos canciones diferentes basadas en las mismas ideas. Los Beatles no aceptaron la versión de la canción de John Lennon es cierto que esa versión carecía de la grandeza orquestal que tienen en la versión final publicada por Lennon en solitario, la belleza de la melodía que eventualmente se convertiría en “Jealous Guy” es innegable. La emoción cruda que había mostrado en Plastic Ono Band de 1970 sería arrastrada en direcciones opuestas en Imagine, y la vulnerabilidad que se muestra aquí la convierte en una de las canciones más convincentes y reveladoras de Lennon.

3.- (Just like) Starting Over: Escuchar ese tema es volver al sonido de una melodía pop con blues de los años cincuenta, aunque con una producción bastante moderna. Con una de las mejores letras románticas de Lennon donde reflexiona sobre la hermosa simplicidad de su relación con Yoko y cómo cada día es como si fuera el primero. La voz de Lennon lo refleja a la perfección y suena como si le estuviera dando una serenata a su esposa. Instrumentalmente es muy buena ya que cuena con grandes talentos como el del guitarrista Earl Slick y Tony Levin en el bajo. Todo se une en una melodía muy melódica, especialmente gracias a los coros que proporcionan un coro angelical de fondo

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0482.- Spanish Caravan - The Doors

Después de dos notables álbumes lanzados en 1967, The Doors regresaron al año siguiente con un nuevo trabajo, 'Waiting for the Sun', y los resultados en general no fueron los que esperaban, no consiguió el brillo de sus primeros dos albums. Aún así, tenemos delante un disco enorme,  un disco de rock bastante variado, y del que vamos a disfrutar sin duda. Si bien la canción que mas conocida de Waiting for the sun e 'Hello, I Love You', reconozco que es un tema memorable donde se muestra a la banda tocando en un modo obviamente 'pop', que aunque no era uno de sus fuertes si saben hacerlo de forma magnifica, sin embargo para mi la mejor canción del álbum es la exótica 'Spanish Caravan', ya que es algo inusual en su carrera y sabe darle ese toque personal inconfundible.

Spanish Caravan destaca por su atrevida intro de guitarra flamenca dejando uno de los momentos más virtuosos de Krieger. La canción se basa en la famosa pieza clásica de Isaac Albéniz “Asturias (Leyenda)” y demuestra las influencias flamencas de la banda en general. Tras la guitarra, la canción avanza hacia un órgano conducido por la oscuridad, convirtiéndose en una jam de rock progresivo. Una canción estructurada en dos partes: una sección romántica donde predomina la guitarra flamenca y una parte más áspera, con teclado y guitarra eléctrica cada una por separado es magnífica, las combinas y tienes una canción realmente fascinante y cautivadora con un sello muy particular. Lo que hace tan especial esta canción es que comienza como folk español acústico con solo percusión y luego se electrifica y con un tempo más rápido (esto de mezclar música clásica y folk en el álbum me hace pensar en los byrds).

La letra fue compuesta íntegramente por Jim Morrison, y se caracteriza por sus simbolismos y alegorías. Aunque Morrison nunca dio pistas de ello, Spanish Caravan la podemos interpretar como tema romántico sobre la búsqueda de tierras bellas y ricas, una temática que parecía mucho en la obra del poeta Lord Byron y que pudo servir de inspiración a Jim Morrion ya que en la canción se menciona que viaja en una caravana a Portugal y Andalucía en España, donde "un tesoro le está esperando" (a treasure is waiting). Esos medios de transportes tan típicos de la época del poeta Byron pueden dar una pista de que algo de la obra de Byron tenga además el sujeto misterioso quiere ser "enviado" de vuelta a Europa a través de un desierto africano, pero ya sabemos que nada es fácil en la poesía de Morrison, y también está mencionado 'galleons lost in the sea' (galeones perdidos en el mar). Por supuesto, el tesoro podría ser una simbolización de otra cosa o concepto, no especificada con claridad sino como metáfora, algo habitual en muchas de las composiciones de Jim Morrison y sus compañeros.

Álbum: How to Dismantle an Atomic Bomb #mesU2

Álbum: How to Dismantle an Atomic Bomb #mesU2

Esta finalizando el mes de abril, un mes donde lo hemos dedicado a una de las banda que se a ganado a pulso cada uno de sus logros y a demostrado ser unas de las grandes bandas de rock, por ello queremos cerrar el #mesU2 con su álbum How to Dismantle an Atomic Bomb que es el undécimo álbum de estudio de la banda de rock irlandesa U2.

Fue lanzado el mes noviembre de 2004 en el Reino Unido por Island Records y un día después en los Estados Unidos por Interscope Records. Al igual que su álbum anterior All That You Can't Leave Behind (2000), el disco exhibe un sonido de rock más convencional después de que la banda experimentara con el rock alternativo y la música dance en la década de los 90. Fue producido por Steve Lillywhite, con producción adicional de Chris Thomas, Jacknife Lee, Nellee Hooper, Flood, Daniel Lanois, Brian Eno y Carl Glanville.

El vocalista Bono explicó que tuvo que hacerse algunas preguntas difíciles antes de seguir grabando: "Quería comprobar dónde estaba y dónde estoy. Así que volví a escuchar toda la música que me hizo querer estar en una banda, desde los Buzzcocks, Siouxsie and the Banshees, Echo & The Bunnymen, todo eso. Y lo interesante es que eso es lo que mucha gente en las bandas ahora está escuchando de todos modos. Así que, en cierto modo, nos hizo completamente contemporáneos".

Buscando un sonido rockero más contundente que el de su anterior disco, All That You Can't Leave Behind, U2 comenzó a grabar How to Dismantle an Atomic Bomb en febrero de 2003 con el productor Chris Thomas. 

Tras nueve meses de trabajo, la banda había completado un álbum de canciones. En octubre, se reunieron en Dublín para revisar su trabajo. Bono y el guitarrista The Edge creyeron que era lo suficientemente bueno como para lanzarlo, Bono dijo: "Todo lo que necesitábamos era el asentimiento del politburó y el disco habría salido para Navidad". Sin embargo, el bajista Adam Clayton y el batería Larry Mullen Jr. no estaban de acuerdo con sus compañeros de banda y votaron en contra de publicar el disco. Mullen dijo que las canciones "no tenían magia", mientras que Clayton afirmó: "Cuando se trata de firmar un proyecto, te haces preguntas como: '¿Tenemos un primer single para abrir la campaña? Francamente, nos faltaba algo más que un primer single" Clayton y Mullen también tenían la molesta sensación de que All That You Can't Leave Behind había sido alabado en exceso cuando sólo produjo un éxito: "Beautiful Day". Clayton pensaba que si el objetivo de U2 era seguir siendo la banda más grande del mundo, necesitaban tres o cuatro éxitos de su álbum que pudieran atraer a nuevos fans. 

El grupo recurrió a su productor de toda la vida, Steve Lillywhite, para mediar en el desacuerdo. Después de que le pusieran el disco, Lillywhite valoró que parecía que "tenía el peso del mundo sobre sus hombros. Desde luego, no era nada divertido". Tras largas discusiones, Bono y The Edge se convencieron de que el álbum necesitaba más trabajo. Bono pensaba que las canciones eran buenas, pero admitía que "lo bueno no te hace llorar ni te hace querer salir de casa y hacer una gira durante un año" El grupo despidió entonces a Thomas y contrató a Lillywhite como productor del álbum en Dublín en enero de 2004. Lillywhite, junto con su ayudante Jacknife Lee, pasó seis meses con la banda retocando las canciones y animando a mejorar las interpretaciones Otros productores recibieron créditos en el álbum, como Daniel Lanois, Brian Eno, Flood, Carl Glanville y Nellee Hooper, Bono reconoció que la participación de múltiples productores afectó a la "cohesión sónica" del disco.

Una versión demo del álbum (la copia del guitarrista The Edge) fue robada mientras la banda se fotografiaba para una revista en Francia en julio de 2004. La banda anunció públicamente que si esas canciones se filtraban en Internet, lanzarían el álbum inmediatamente a través de iTunes Store Varios meses después, el álbum terminado se filtró en Internet, pero la banda no lo lanzó antes, a pesar de los comentarios anteriores.

A finales de 2004, "Mercy", un tema inédito extraído de las sesiones de How to Dismantle an Atomic Bomb, apareció en Internet a través de un fan que había recibido una copia del álbum con el tema extra. La pista tiene una calidad de audio inferior a la estándar, pero se ha convertido en una de las favoritas de los sitios web de los fans. Se eliminó de la versión final, pero Blender la describió como "una efusión de seis minutos y medio de U2 en su forma más desinhibida" La letra de la canción se encuentra en el folleto de la edición especial limitada. Una versión significativamente revisada de la canción se interpretó durante la etapa europea de la gira U2 360° Tour; hizo su debut en directo el 12 de septiembre de 2010 durante el segundo concierto de Zúrich, y se publicó oficialmente como tema de apertura en el EP en directo de la banda Wide Awake in Europe, sólo en vinilo, ese mismo mes de noviembre.

Nos encanta esta sección donde mes a mes, reconocemos los éxitos de las mejores bandas de rock, y U2 a pasado por estas páginas donde nos ha encantado recordar cada uno de los éxitos y nos ha gustado hacerlo. 

Daniel 

Instagram storyboy 

0481.- Hello, I love you - The Doors

Hello, I Love You es uno de los mayores éxitos comerciales grabados por The Doors. Una canción pegadiza y rotunda que, como le ocurrió a otras composiciones de la banda, fue escrita en 1965 durante los comienzos del grupo, pero no vio la luz hasta que fue grabada para ser el tema de arranque del tercer disco Waiting for the Sun de 1968.

La letra de Morrison se inspira en una bella mujer afroamericana que vio pasear por la playa de Venice, en California. Al verla, se le ocurrió esa frase tan directa que es la base de toda la canción: "Hola, te quiero, me dices tu nombre?" Ignoramos cual fue su respuesta, pero si cual fue la del público y los fans del grupo. Pese a que muchos consideraron que el impactante zumbido de guitarras del tema lo convertía en una rareza y no era el sonido característico del grupo, las ventas del single de Hello, I Love You se dispararon hasta catapultarlo al primer puesto de las listas de Estados Unidos y Canadá.

Su publicación no estuvo exenta de polémica, ya que el grupo británico The Kinks interpuso una demanda aduciendo que el ritmo y el riff de la canción eran demasiado parecidos a los de su canción All Day & All of The Night. El guitarrista Robbie Krieger negó haberse inspirado en la canción de The Kinks, reconociendo por contra que sí que había influencias del Sunshine of your love de Cream en el ritmo de batería. Morrison y Manzarek acabarían admitiendo que el parecido entre ambos riffs era muy grande pero al final, y no se sabe si gracias a un acuerdo extrajudicial entre las dos bandas, la demanda no llegó a buen puerto. 

Grandes éxitos y tropiezos: Creedence Clearwater Revival

 

Creedence Clearwater Revival

     Para la siguiente entrega de la sección de Grandes éxitos y tropiezos traemos a una de las bandas considerada como una de las mejores, más populares y más influyentes de la historia, Creedence Clearwater Revival. Un grupo que supo combinar como nadie el blues de raíces con el blues pantanoso, el blues-eyed-soul (música soul interpretada por blancos) y el rock psicodélico, un estilo que les hizo tener un sonido único y peculiar. El grupo está considerado como uno de los precursores del Grunge que surgió a finales de los años 80. Estuvieron en activo entre 1967 y 1972, y durante esos años publicaron 7 álbumes de estudio. En esta sección recomendamos por que discos empezar, por cuales seguir y cuales desechar de la banda en cuestión, aunque ya avisamos que el caso de la Creedence Clearwater Revival es un tanto especial, pues lo que se dice, disco malo no tiene, aún así te puede resultar muy útil si te quieres iniciar en la escucha de la banda y así saber por cual empezar y cuales dejar para el final:

Estás tardando en comprarlo:

Sin dudarlo puedes comenzar por Cosmo's Factory (1970), para algunos, entre los que nos encontramos nosotros, considerado como el mejor disco de la banda. Desde que el disco comienza con Ramble Tamble, un increible temazo con tintes folk rock de siete minutos, pasando por la genial versión del tema de Bob Diddley Before your Accuse , la marchosa Travelin' Band, versión del clásico de Roy Orbison Ooby Dooby, Lookin' Out My back Door con un toque más clásico y folk, la espeluznante y brutal Run Throug the Jungle, el optimista Up around the Bend, la contagiosa My Baby Left Me, la hermosa y maravillosa Who'll Stop the Rain con toques country, la versión de I Heard It Through the Grapevine con ese solo improvisado que extiende el tema hasta los once minutos, hasta que termina Long As I Can See the Light, un tema lento, nostálgico y conmovedor, el nivel es increíble, se mantiene en lo más alto. Willy And The Poor Boys (1969), considerado por otros tantos como el mejor disco de la historia de la banda, y razón no les falta, pues podría serlo perfectamente por temas como Down On the Corner, Fortunate Son, la versión de Cotton Fields de Lead Belly o la gran Midnight Special. John Fogerty estaba "on fire" y lo demostraba escribiendo éxito tras éxito, y con el tiempo todos esos éxitos se convertían en clásicos. Green River (1969) es el disco que comenzaba la exitosa trilogía de grandes álbumes donde al menos tres temas incluidos en los mismos alcanzarían la gloria. Temazos como el que da nombre al disco Green River, Lodi Y Bad Moon Rising no hacen más que refrendar este hecho y dan lugar a otro discazo de los hermanos Fogerty, John y Tom y Stu Cook y Doug Clifford.

Si te queda pasta, llévate pasta llévate también: 

Bayou Country (1969), el segundo de estudio de la banda y que significó el punto de inflexión de la misma. El grupo necesitaba sacar otro buen disco que se reflejara en las ventas y se jugaba su continuidad, y el resultado no pudo ser mejor. John Fogerty se saca de la manga unas omposiciones que son el resultado de la fusión de sus influencias con el rock, el blues y el rock sureño. Un disco donde el grupo encontraba su estilo y ese sonido tan característico que les acompañaría durante toda su influyente carrera. Creedence Clearwater Revival (1968), el álbum debut, y que debut. Nos encontraremos temazos como la versión de Suzie Q de Dale Hawkins y quee Fogerty se llevó a su terreno dándole su toque y estilo y nos regala este temazo de más de ocho minutos, la maravillosa versión de I Put a spell On You de Screamin' Jay Hawkins, o The Workin Man, temazo que John Fogerty se saca de la manga, una canción al más puro estilo del mítico sello Stax Records.

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Aclarar primero y como comentamos al iniciar esta reseña, que en el caso de esta banda no es porque en absoluto estos álbumes sean malos, así que vamos a mirarlo desde el prisma de que te has quedado sin pasta y alguno/os tienes que dejar ya que no puedes llevártelos todos. Pendulum (1970), un buen álbum en el que además todos sus temas están compuestos por John Fogerty y no contiene ningún cover. La banda venía de una época gloriosa y aunque se marcan temazos como Hey Tonight, y Have Your Ever Seen The Rain, en su conjunto está un escalón por debajo de sus anteriores discos. No obstante es un disco de escucha agradable. Mardi Gras (1972), el último disco de una banda donde se habían quedado en tres componentes, Doug Clifford, Stu Cook y John Fogerty, ya que Tom Fogerty abandonaría la banda tras la grabación de su penúltimo álbum, Pendulum. Tiene una curiosidad, cada componente de la banda compuso tres canciones que además serían cantadas por su compositor original. No es un mal álbum, pero si tenemos en cuenta todos los anteriores álbumes de la banda y el nivel que la banda venía desarrollando, que era espectacularmente alto, este álbum es de largo el que menos calidad atesora de los siete.

Nuestro TOP 5: 

1.- Fortunate son

2.- Proud Mary

3.- Green River

4.- Run Through To The Jungle

5.- Down On The Corner

0480.- The weight - The Band

 

'The Weight' fue el único single del álbum debut de The Band, que se tituló 'Music from Big Pink' publicado en 1968, y es una de las canciones mas estimadas del grupo canadiense al punto que fue interpretada en la histórica reunión de Woodstock el 17 de agosto de 1969. El escritor y guitarrista de la canción, Robbie Robertson , recuerda exactamente cómo surgió. “Escribí la canción en Woodstock, en una casa que tenía allí en un lugar llamado Larson Lane, donde tenía una mesa y una guitarra, y era como mi pequeño taller… Y cuando me senté a tratar de pensar en algo, me di cuenta de que no tenía nada en mente. Pensé, '¡Oh, mierda!' porque unos días viene y otros no. Senté la guitarra en mi regazo y estaba un poco inclinado sobre ella y miré dentro del orificio de sonido de la guitarra y decía 'Nazareth, Pennsylvania' [donde se fabrican las guitarras Martin]. Pensé, 'Está bien, déjame ver', y escribí la primera línea de esa canción ['Me detuve en Nazareth / Me sentía medio muerta'] y diría, probablemente en 45 minutos, había escrito el esqueleto de toda la canción”.

La canción cuenta la historia de un chico que visita Nazaret, y su amiga Fanny le pide que visite a varios de sus amigos. "El peso" que es su carga son todas estas personas extrañas que prometió que controlaría. Robbie Robertson, afirma que esto fue influenciado por el trabajo de Luis Buñuel, un director español que hizo algunas de las primeras películas que tratan sobre el surrealismo. Robertson estaba intrigado por los personajes de sus películas, que a menudo eran buenas personas que hacían cosas malas. Su composición lírica es emocionante en sí misma, ya que está ambientada en un lugar llamado Nazaret, donde el cantante se encuentra con una serie de personajes coloridos en su búsqueda por encontrar básicamente un lugar para dormir, Nazaret , como todos sabemos, es el nombre de una antigua ciudad donde Jesús residió una vez. Hay varias referencias que se leen como si fueran de naturaleza bíblica y, como tales, tienen un significado más profundo que lo que se presenta en la superficie. Pero en realidad, en realidad apuntan a aspectos de la vida actual de los artistas (en el momento del lanzamiento de la pista), incluida una serie de agradecimientos a personas y lugares con los que están familiarizados, nada que ver con la religión aunque esparció referencias bíblicas indirectas en todas partes para que suene más profundo, como para darle más atractivo, pero según confeso los personajes de la canción, Crazy Chester, Luke, Anna Lee, están basados ​​en amigos de la banda 'Carmen y el diablo', 'Miss Moses' y 'Fanny', un nombre que parecía encajar con el tema. "The Weight", una astuta combinación de música estadounidense y gospel del sur profundo, se convirtió en un éxito Top 40 tanto en Canadá como en el Reino Unido. Aunque la pista se estancó en el puesto 63 en las listas de Billboard, eventualmente se ubicaría tres veces más en los EE. UU. durante el próximo año cuando Aretha Franklin, Jackie DeShannon y las Supremes la interpretaran. Ninguno capturó del todo el sentido seminal de la maravilla de tonos oscuros presentado por Helm, y luego Rick Danko (quien pasa al frente en el cuarto verso, luego proporciona matices clave para el quinto) en el original de The Band. Esa interacción vocal, compartida pero no al unísono, entre Helm, Danko y Manuel (quien agrega una armonía alta dolorosa y sin palabras) debe gran parte de su estilo a los Staple Singers, colaboradores posteriores en el proyecto Last Waltz dirigido por Martin Scorsese .

#MesU2: All that you can't leave behind

El décimo álbum de U2 empezó con buen pie ya incluso desde la elección del título. All That You Can't Leave Behind (Todo aquello que no puedes dejar atrás) es una nueva huida hacia adelante, en la que los irlandeses vuelven a replantearse su camino como grupo, dejando atrás la experimentación electrónica y la oscuridad lírica de esa gran trilogía alternativa que conformaron los discos Achtung Baby, Zooropa y Pop. Las malas críticas que recibió este último les impulsaron a un nuevo retorno al rock convencional de guitarra, bajo y batería, y se pusieron manos a la obra en el estudio con el habitual Daniel Lanois en la producción y la inestimable coproducción del ya por entonces asiduo Brian Eno.

¿Y qué cosas son las que no pudieron dejar atrás? La primera es el talento y la capacidad de entregar grandes discos que Bono y compañía han tenido siempre de serie. Y eso, a pesar de que las primeras sesiones de grabación no fueron demasiado fructíferas, y tan solo lograron sacar en claro el tema Kite, una canción en la que la voz de Bono volvía a brillar y a sorprender después de haber arrastrado problemas durante la anterior gira de la banda. El resultado obtenido con esta canción volvió a llenar el depósito de la ilusión hasta el tope, y decidieron enfocar las siguientes grabaciones hacia la simplicidad de una banda tocando juntos en una habitación, despojando a los nuevos temas de la instrumentación y la electrónica del pasado reciente.

​El disco fue un éxito de crítica y ventas en todo el mundo, llegando la puesto 3 del Billboard estadounidense. Consiguió nada menos que siete Premios Grammy, convirtiéndose en el único álbum en la historia con dos canciones ganadoras del Premio Grammy a la Mejor Grabación del Año (Beautiful Day en 2001 y Walk On en 2002) y la revista Rolling Stone lo posicionó en el puesto 139 de su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Aunque fue promocionado como un retorno al sonido tradicional de la banda, y pese a que esa vuelta a los orígenes se imponga en canciones como Beautiful Day (la potente apertura del disco y single de enorme éxito, en la que la guitarra de The Edge tiene un tono similar al habitual en las grabaciones de discos como War en la década de los ochenta) muchos de los temas del álbum contienen todavía altas dosis de la experimentación y la complejidad de sus obras de los noventa.​

Es el caso, por ejemplo, de Stuck in a moment you Can't Get Out Of, un tema que recuerda al excelso Stay (Faraway, so close) de Zooropa, y cuya letra está dedicada a Michael Hutchence (INXS) que se suicidó en 1997. Se convirtió en otro de los grandes singles del disco, junto a la enérgica y rockera Elevation (incluida en la banda sonora de la película Lara Croft: Tomb Raider, con la explosiva colaboración de Angelina Jolie en el video promocional) y la gran pieza central del disco, Walk on, que en su tramo final enumera, en un planteamiento similar al del tema Eclipse de Pink Floyd, las cosas que uno puede y debe dejar atrás para crecer y mirar hacia el futuro:

Déjalo atrás.
Tienes que dejarlo atrás.
Todo lo que creas,
Todo lo que haces,
Todo lo que construyes,
Todo lo que rompes,
Todo lo que mides,
Todo lo que robas,
Todo esto puedes dejarlo atrás...

Dedicada al activista birmano de derechos humanos Aung San Suu Kyi, es el clímax emocional y creativo del disco. Hasta este momento, podríamos estar probablemente ante el disco que completaría el trío de obras maestras del grupo, tras los impecables The Joshua Tree y Achtung Baby. Sin embargo, en la segunda parte del disco, y a pesar de contener canciones destacables como la mencionada Kite, In a Little While o Peace on Earth, la sensación de que la llama, aunque aún encendida, ha perdido intensidad, empieza a rondar la escucha a la altura de When I look at the World y New York.

El disco cierra a buen nivel con Grace, aunque queda una leve sensación de que un disco de estas dimensiones habría merecido un final de mayor impacto, y probablemente ese final tendría que haber sido Walk on, aunque eso habría hecho que la comparativa con el final del Dark Side of the Moon hubiera sido más evidente. Nos consolamos con la acertada decisión de repescar uno de los temas de un proyecto paralelo de Bono, Daniel Lanois y Hal Wilner para la banda sonora de la película Million Dollar Hotel. Incluida como último tema del disco con la etiqueta de "bonus track", la intensa y atmosférica The Ground beneath her feet aporta el toque de gracia que echábamos en falta para cerrar un disco excelente. Demasiado buena para dejarla atrás, ni siquiera a cambio de un hotel de un millón de dólares.