0501.- A Song For Jeffrey - Jethro Tull

 

A Song For Jeffrey, Jethro Tull

     This Was es el álbum de estudio debut de la banda británica liderada por Ian Anderson, Jethro Tull. El material de disco es grabado entre el 13 de junio y el 28 de julio de 1968 bajo la producción de Terry Ellis y el propio grupo, y publicado bajo el sello discográfico Island Records en Reino Unido el 4 de octubre de 1968, y por el sello discográfico Reprise Records en Estados Unidos el 3 de febrero de 1969.

Este disco cuesta grabarlo a la banda unas 1200 libras esterlinas, y es el único disco donde aparece el guitarrista Mick Abrahams, quien resultó ser una influencia para el sonido y el estilo de la banda. Ian Anderson comparte tareas de composición con el citado guitarrista, y se incorporan sonidos e influencias de rhythm and blues, jazz fusión y blues rock. El rock progresivo por el que la banda se hizo conocida aparecerá más adelante en trabajos posteriores. 

Incluido en este álbum debut se encuentra el tema A Song For jeffrey, compuesta por Ian Anderson y publicada como segundo sencillo del disco en Reino Unido el 13 de septiembre de 1968. El tema comienza con un riif de bajo de Glenn Cornick seguido de la flauta de Ian Anderson, luego el tema se convierte en una melodía de blues psicodélico, con el guitarrista Mick Abrahams tocando la guitarra slide. 

Ian Anderson dedicó esta canción a Jeffrey Hammond, a quien conoció en la escuela primaria en Blackpool, donde se hicieron buenos amigos. Jeffrey fue la inspiración para dos de las primeras canciones de Jetrho Tull además de A song For Jeffrey, también Jeffrey Goes to Leicester Square (álbum Stand Up - 1969) y For Michael Collins, Jeffrey and Me (álbum Benefit - 1970). Jeffrey Hammond se convertiría más tarde en el bajista del grupo, en sustitución de Glenn Cornick, entre 1970 y 1975. Curiosamente Jeffrey no sabía tocar el bajo y Anderson tuvo que enseñarle. 

Ian Anderson explicó la historia de la canción: "No tiene una letra inteligente, pero en realidad se trata de Jeffrey, un muchacho un poco descarriado que no estaba muy seguro de que hacer con su vida. Sabía que le enca6ntaba la pintura, pero a veces parecía sin dirección y bastante solo. Así que pensé, bueno, escribiré una canción con su nombre". En 1975 Jeffrey Hammond dejó la banda y decidió dedicarse a la pintura, y sobre A Song For Jeffrey afirmaba: "Siempre pensé que la canción estaba pensada como un regalo o un dedicatoria encantadores, más como algo que tuviera que ver conmigo líricamente".

0500.- Hey Jude - The Beatles

¡Naaa, Naaa Naaa Nanananaaa, Nanananaaa,Hey Jude! ¿Quién no ha tarareado alguna vez el épico final de este histórico tema de The Beatles? El que fuera primer sencillo de la banda en su sello discográfico Apple Records nació inicialmente con el título de "Hey Jules", escrito por Paul McCartney para que Julian Lennon se sintiera mejor tras el divorcio de sus padres. Posteriormente, McCartney le cambió el nombre por el de Hey Jude, simplemente porque le sonaba mejor. Julian no descubrió que aquel tema, que ostentaba el record de ser el que más tiempo había logrado mantener la banda de su padre en el nº1 de las listas estadounidenses (9 semanas), estaba realmente dedicado a él, hasta casi veinte años después de su publicación. El propio Lennon pensó que su compañero la había escrito para él, y que "Jude" era en realidad "John", e incluso se especuló con la posibilidad de que "Jude" fuera en realidad el propio McCartney, dándose ánimos a sí mismo tras su propia ruptura con la actriz Jane Asher.

De los más de siete minutos de duración de este tema, que la convirtieron en su momento en la canción más larga de la historia en el top 10 de las listas británicas, cuatro minutos corresponden a la famosa coda final. Tras el tramo inicial en el que predominan la voz de McCartney y su piano, es en la coda final en la que todo explota, con la ayuda del resto de la banda y de una orquesta de 36 miembros, incluyendo un coro, dirigidos todos ellos por George Martin. Como ensayos previos a la inclusión de la orquesta, entre el 29 y 30 de julio de 1968 se grabaron hasta veinticinco tomas de la canción en los estudios de EMI, pero no fue hasta el 31 de julio de 1968 cuando, en los estudios Trident y con un equipo de ocho pistas (por las cuatro que tenían en EMI), que The Beatles grabaron la pista final. La canción se completó el 1 de agosto, con la inclusión de las partes orquestales y los coros, para los que The Beatles animaron a los miembros de la orquesta a participar. La idea les salió cara, porque solo uno de ellos se negó (enérgicamente) y los demás aceptaron a cambio del doble del salario pactado.

Esa no fue la única anécdota durante la accidentada grabación de la canción. Si prestamos atención, poco antes del tercer minuto se puede escuchar a McCartney decir "¡Maldita sea!" tras equivocarse con una tecla del piano. Lennon insistió en dejarlo, aunque enterrado en el sonido de la mezcla, porque "la mayor parte de la gente no se dará cuenta, pero nosotros sabremos que está ahí". También durante la grabación de la pista final, Ringo Starr estuvo a punto de no llegar a tiempo al momento en el que entraba la batería. Ringo se había ido al baño, y el resto de los Beatles no repararon en su ausencia y comenzaron la grabación. McCartney sintió como Ringo pasaba a su espalda, a toda prisa y de puntillas de camino a su instrumento, justo a tiempo de llegar y comenzar a tocar en el momento exacto.

El sencillo de Hey Jude, con la canción Revolution en la cara B, llegó al primer puesto de las listas inglesas solo una semana después de su publicación. En Estados Unidos hubo emisoras de radio que rechazaron la canción por su excesiva duración, por lo que se llegó a publicar una versión más corta. Entre una y otra versión, las ventas superaron los ocho millones de copias en todo el mundo, así que fuera quién fuera Jude, vino con un pan debajo del brazo. Más esquivos le fueron los premios en su primer año de andadura, ya que pese a estar nominada a varios premios Grammy en 1969, no terminó ganando ninguno. En 2004, la revista Rolling Stone la posicionó en el octavo lugar de su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. Después de tantos años y del enorme reconocimiento que sigue teniendo, parece que Jude siguió a rajatabla el consejo de la letra, y cogió esa canción triste, y la hizo mejor. Y la moraleja de este cuento es... Que no hay moraleja. Quién la necesita, si se puede terminar cantando a voz en grito, con una gran sonrisa y los ojos cerrados: ¡Naaa, Naaa Naaa Nanananaaa, Nanananaaa,Hey Jude!

Led Zeppelin - Houses of the Holy (Mes Led Zeppelin)

El quinto álbum de Led Zeppelin fue toda una ruptura con la trayectoria seguida en los discos anteriores, empezando por el título, que por primera vez no es homónimo. Tras Led Zeppelin I, II, III y esa obra maestra que todo el mundo bautizó como Led Zeppelin IV, Houses of the Holy tenía la difícil papeleta del ¿Y ahora qué? El reto era tan grande como la Calzada del Gigante que aparece en la portada del disco, diseñada por los genios de Hipgnosis, habituales diseñadores de las portadas de Pink Floyd, y el "ahora" de Led Zeppelin en 1973 consistió en un alejamiento consciente de las estructuras de blues, para abrirse a estilos tan variopintos como el reggae o el funk.

Pero tranquilos, que no estamos hablando de un cambio radical, sino de un enriquecimiento de su paleta de sonidos, y de una experimentación aplicada con tino y en su justa medida, sin perder en ningún momento su esencia como banda de rock. Como ya era habitual en los discos anteriores, todos los instrumentos y voces fueron grabados por los cuatro miembros del grupo. Y quizá es eso lo que más destaca en The Song Remains The Same, la manera tan engrasada de sonar como banda, en un arranque que mantiene sus credenciales rockeras y su potente base rítmica, con la batería de John Bonham y el bajo de John Paul Jones al servicio de los intensos riffs y la distorsión de la guitarra de Jimmy Page, y de la intensa voz de Robert Plant

The Rain Song tiene un marcado sabor acústico en las guitarras y en el piano interpretado por John Paul Jones. Estamos ante un tema más suave y melódico, aderezado por unos intensos arreglos de cuerda. Es un buen preámbulo para Over the hills and far away, uno de los temas estrella del disco. Comienza con la guitarra acústica de Page dándole un tono folkie, para mutar después y adentrarse en terrenos eléctricos, con uno de los riffs más característicos de la banda. Hasta aquí, el disco transita una línea cercana a lo que podíamos encontrar en los discos anteriores, pero con The Crunge rompen literalmente el molde, y la voz de Plant se mueve y serpentea sobre una base cercana al soul funk de James Brown. Ya sea como parodia, o como un intento real de abordar ese estilo, el resultado es una auténtica rareza en la discografía de la banda.

El pegadizo riff de Dancing Days nos devuelve en parte a la senda de la normalidad, y sin embargo no mejora al anterior tema. Jimmy Page vuelve a enchufar su guitarra y a llevarnos de regreso al rock. No es una de las canciones de Led Zeppelin que me llevaría a una isla desierta, o mejor dicho, a las fría costa de la Calzada del Gigante en Irlanda del Norte, pero cumple su labor "analgésica" entre las dos grandes experimentaciones del disco. El "¿Y ahora qué?" se convirtió para muchos en "Qué es esto?" en D'yer Maker, en la que el reggae se cuela en una pieza de rock. Pese al rechazo y la incomprensión inicial, es justo reconocer el gran trabajo de John Bonham en la batería, y el valor de la banda para arriesgarse y buscar nuevos horizontes en su música.

Cualquier debate al respecto queda apagado enseguida, con las primeras notas de piano de No Quarter, la auténtica joya de un álbum que brilla en conjunto a gran altura. Da igual si, hasta llegar a este punto del disco, has sido defensor del cambio o detractor del mismo, cuando suena el riff de Page y la voz distorsionada de Plant, sabes que la magia ha vuelto. No se había ido realmente, pero cuando aparece en esta forma es cuando más se les disfruta. Es tan épica y tan sinfónica que, para que negarlo, ésta sí que me la llevaría a la Calzada del Gigante, a pasear entre las majestuosas piedras inmortalizadas en la portada del disco. Y aún me quedaría un rato absorto ante semejante obra maestra de la naturaleza, escuchando como The Ocean pone el acertado y rockero punto final a otra gran obra, creada también por las manos de unos gigantes, a los que todos conocemos como Led Zeppelin.

0499.- Kentucky Woman - Deep Purple

 

Kentucky Woman, Deep Purple

     En diciembre de 1968, bajo el sello Tetragrammaton Records en estados Unidos,  en julio de 1969, bajo el sello Harvest/EMI en Reino Unido, y bajo el sello Polydor en Canadá y japón, el grupo publica su segundo álbum de estudio, The Book of Taliesyn. El disco es grabado en los De Lane Studios de Londres, entre los meses de agosto y octubre de 1968. El grupo no había asimilado ni asentado todavía su primer trabajo, cuando la compañía les presiona para sacar otro disco de estudio. El sonido, sin dejar el rock progresivo ni el psicodélico, se acercan en algunos temas a la música clásica y al hard rock, acercándose al mítico sonido que desarrollará más tarde la formación Mark II, que será la encargada de marcar su época dorada.

En este segundo álbum de estudio de la banda se incluyeron tres versiones, Kentucky Woman de Neil Diamond, Exposition/We Cant Work It Out, de los Beatles, y River Deep, Mountain High, popularizado por Ike & Tina Turner dos años atrás. El tema más exitoso del disco fue el single Kentucky Woman, tema en el que nos vamos a centrar. Esta canción fue escrita por Neil Diamond y grabada por él mismo en 1967. Deep Purple decidió incluir esta canción como parte de su política de darle su propio toque a canciones populares y exitosas, y a fé que lo consiguieron. Hay una parte de los entendidos en la materia que califican Kentucky Woman como la primera canción de heavy metal, un punto discutible, sobre todo si tenemos en cuenta que el propio grupo negó que esto fuera así. Neil Diamod escribió esta canción y la dio un toque country, nada que ver con el toque personal que Deep Puple le daría a la canción. Neil Diamond la escribió mientras se encontraba como parte de la gira organizada por la personalidad de radio y televisión y productor Dick Clark Caravan, y que recorría 32 ciudades de Estados Unidos. Según Diamond, el público que solían atraer en aquella gira era prácticamente chicas adolescentes de la escuela secundaria, por lo que generalmente los auditorios se llenaban de mujeres gritando noche tras noche. La canción fue escrita en la parte de atrás de una limusina cuando estaban llegando a a las afueras de la localidad de Paducah, Kentucky, de ahí el título. El sencillo de Kentucky Woman grabado por Deep Purple obtuvo el puesto número 38 en las listas de ventas de Estados Unidos. La popularidad de Deep Purple iba paulatinamente in crescendo en Estados Unidos y Canadá, pero curiosamente en casa, Reino Unido, siguen sin ser reconocidos y tanto The Book of Taliesyn como Kentucky Woman pasan de puntillas, casi inadvertidos.

0498 Feeling Alright? - Traffic

0498 Feeling Alright? - Traffic

Feelin' Alright?, también conocida como Feeling Alright, es una canción escrita por Dave Mason del grupo de rock inglés Traffic para su álbum homónimo de 1968, Traffic.

También fue lanzada como single, y no llegó a las listas de éxitos ni en el Reino Unido ni en EE.UU., pero sí alcanzó la posición #123 en el Billboard Hot 100. 

Joe Cocker interpretó la versión más popular de la canción que sí llegó a las listas de éxitos en EE.UU. Tanto la versión de Traffic como la de Cocker aparecen en la película de 2012 Flight. La canción también apareció en la película de 2000 Duets, cantada por Huey Lewis.

La versión de Joe Cocker la grabó para encabezar su álbum de su debut With a Little Help from My Friends en 1969. También modificó el hizo un cambio en el título original de la canción de llamarse "Feelin' Alright?" paso a ser  "Feeling Alright". Publicada como sencillo en 1969, alcanzó el número 69 en la lista de singles de EE.UU., y el número 49 en Canadá. 

En una reedición de 1972, alcanzó un puesto aún más alto, el número 33 en la misma lista, y el número 35 en Canadá. Se incluyó una versión en directo en su álbum doble Mad Dogs & Englishmen de 1970. Cocker interpretó un 'dúo' de esta canción con John Belushi imitando a Cocker en el tercer episodio de la segunda temporada de Saturday Night Live, que se emitió el 2 de octubre de 1976. Cocker también interpretó la canción con Huey Lewis en el programa Jimmy Kimmel Live!, que se emitió el 19 de julio de 2012.

El disco de la semana 275: Twelve Nudes - Ezra Furman

Con el sugerente título de Twelve Nudes ("Doce desnudos"), tomado de las meditaciones de Anne Carson sobre "el intenso dolor con el que lidiamos a lo largo de la vida", llega al blog de 7dias7notas el quinto álbum de estudio de Ezra Furman, publicado en 2019 en el sello Bella Union. Furman se inspiró en la obra de Carson, y en la ira que le producían las decisiones que la administración estadounidense tomaba sobre temas de identidad transgénero y del colectivo LGTBI.

Esa ira es más que evidente en el registro vocal de Furman en temas como Calm Down aka I Should Not Be Alone, en el que su voz se desgarra a ritmo de afiladas guitarras de rock garajero, todo ello salteado con unos coros "Uhh-Uhh" que recuerdan al Simpathy for the devil de los Rolling Stones. No menos intensa es Evening Prayer aka Justice, brillante tema de glam rock con todo lo necesario para convertirse en un himno. Furman echa entonces el freno por un instante, y su voz cambia a registros más suaves en la melancólica y existencial Transition from Nowhere to Nowhere. No es solo un momento de calma, es también una de las mejores canciones del disco, al nivel de cualquiera de las dos anteriores.

Más insustancial resulta Rated R Crusaders, en la que las guitarras y la voz se acercan a terrenos de punk rock, mientras que Trauma es todo lo contrario a lo que su título indica, y se disfruta plenamente de su escucha sin riesgo alguno de padecer dolencia alguna. En cualquier caso, y para prevenir cualquier situación inesperada, contamos inmediatamente después con un Thermometer que sigue manteniendo el mercurio del disco en los niveles más altos, preparándonos para un nuevo giro musical en I wanna be yout girlfriend, delicada balada clásica de rock and roll que de nuevo supone uno de los picos creativos e interpretativos del disco.

Tras un tema tan redondo como el anterior, el escaso minuto de punk acelerado y ruidoso de Blown es en los "doce desnudos" de Furman como ese inoportuno sujetador cuyo cierre se atasca en el peor momento, rompiendo la atmósfera y el hechizo que se estaba creando con la hasta entonces acertada combinación de efectivas y urgentes canciones de garaje, glam, punk y rock. Tras ese pequeño traspiés, Furman retoma la omnipresente ira del disco, justificada en este caso por un intenso dolor  muelas (My Teeth Hurt).

El dolor de muelas (que no de oídos) se nos olvida rápidamente al escuchar ese gran tema de pop rock que lleva por título In America, y que es sin duda otro de los grandes momentos del disco, antes de cerrar con buen sabor de boca y actitud rockera con What Can You Do But Rock 'n' Roll (Qué puedes hacer salvo tocar rock and roll). No es poca cosa, y el rock and roll puede ser tan poderoso e impactante como doce desnudos delante de los que toman decisiones contra las libertades y los derechos fundamentales.

0497.- You Ain't Goin' Nowhere - The byrds

El sexto álbum de The Byrds se concibió inicialmente como una historia musical de la música popular estadounidense del siglo XX , que abarca ejemplos de música country, jazz y rythm and blues , entre otros géneros, sin embargo, impulsado por la pasión del poco conocido Parsons, que se había unido recientemente a los Byrds, este concepto propuesto fue abandonado desde el principio y el álbum se convirtió en un disco puramente country. La grabación del álbum se dividió entre sesiones en Nashville y Los Ángeles, con contribuciones de varios músicos de sesión notables , incluidos Lloyd Green , John Hartford ,Jay Dee Maness y Clarence White, fue una grabación bastante tensa entre Parsons y el resto de la banda, especialmente el guitarrista Roger McGuinn , y algunas de las voces de Parsons se volvieron a grabar cuando se lanzó el álbum en agosto. El alejamiento de The Byrds del rock y el pop hacia la música country provocó un gran enfado y hostilidad por parte de la élite ultraconservadora de la música country de Nashville, que veía a los Byrds como un grupo de músicos de pelo largo, hippies que intentan subvertir la música country. El album fue un fracaso comercial desde el día de su lanzamiento, demasiado country para los fanáticos del rock y simplemente demasiado rock para los fanáticos del country. Quizás esto resume mejor el lanzamiento, Sweetheart Of The Rodeo fue el producto de una nueva banda en busca de una dirección cuyos miembros no durarían seis meses juntos, un desvío devoto hacia las profundidades de la música country, en el que ni los fanáticos existentes de The Byrds ni los conocedores del país estaban dispuestos a acompañarlos. A corto plazo, fue un trampolín para el novato y principal instigador, Gram Parsons, para validar su visión del country-rock, mientras dejaba atrás a sus compañeros Byrds para recoger el piezas.

En este álbum encontramos una versión de una canción de Bob Dylan, "You Ain't Goin' Nowhere" ya que ambos compartían compañía discográfica y envio algunas demos de las sesiones recientes de Dylan en Woodstock,  "You Ain't Goin' Nowhere" fue uno de los dos temas que eligieron, y esta canción provocó una discusión entre la banda y Dylan, ya que en la original la canción contenía la letra, "Recoge tu dinero, empaca tu tienda", que fue alterada por error en la versión de los Byrds, por el guitarrista y cantante Roger McGuinn , a "Empaca tu dinero, recoge tu tienda”.

1 artista, 3 canciones: Adele

 Una nueva entrega de esta sección donde hablaremos brevemente la carrera de un artista y resaltaremos vuestros tres temas favoritos, la elección como casi siempre será a través de nuestras redes sociales, en el twitter de @7dias7notas donde cada domingo os solicitaremos que nos dejéis vuestras tres canciones del artista que la redacción propone.

ADELE

Adele Laurie Blue Adkins nació el 5 de mayo de 1988 en Tottenham, Londres, Inglaterra con una voz muy particular se ha convertido en una de las artistas más vendidas de nuestro tiempo, a la edad de 14 años, Adele descubrió la colección de Etta James y Ella Fitzgerald en su tienda de música local y quedó fascinada con su música. Tras ver a 'Pink' en un concierto tuvo claro que su ambicion era convertirse en cantante, e matriculó en la Escuela BRIT de Artes Escénicas y Tecnología en Croydon. Mientras estudiaba, escribió y compuso canciones, y luego las publicaba en su página de MySpace. Después de graduarse en 2006, grabó una maqueta con tres canciones para un proyecto de clase que impresionó a los ejecutivos de XL Recording. Posteriormente, la empresa se puso en contacto con ella y firmó un contrato de grabación., al año siguiente recibió el premio Brit Awards "Critics' Choice" y ganó el BBC Sound de 2008 con su álbum debut, 19, que obtuvo un gran éxito comercial y crítico llegando a alcanzar los cuatro disco de platino en el Reino Unido y doble platino en los Estados Unidos. En los premios Grammy de 2009, Adele recibió los premios a Mejor Artista Nuevo y Mejor Interpretación Vocal Pop Femenina. Adele lanzó su segundo álbum, 21, a principios de 2011. El álbum fue bien recibido por la crítica y superó el éxito de su debut, 21 ayudó a Adele a ganar seis premios Grammy en 2012, incluido Álbum del año, igualando el récord de más premios Grammy ganados por una artista femenina en una noche. El álbum también la ayudó a recibir muchos otros premios, incluidos dos Brit Awards y tres American Music Awards. El álbum ha sido certificado 16 veces platino en el Reino Unido. El éxito de 21 le valió a Adele numerosas menciones en el Libro Guinness de los récords mundiales, es la primera artista en vender más de 3 millones de copias de un álbum en un año en el Reino Unido. Con sus dos álbumes y los dos primeros sencillos de 21, "Rolling in the Deep" y "Someone Like You", Adele se convirtió en la primera artista viva en lograr la hazaña de tener dos éxitos entre los cinco primeros tanto en el UK Official Singles Chart como en el Lista de álbumes oficiales simultáneamente desde los Beatles en 1964. Con su tercer lanzamiento del álbum, "Set Fire to the Rain", convirtiéndose en su tercer sencillo número uno en los EE. UU., Adele se convirtió en la primera artista en la historia en liderar el Billboard 200 al mismo tiempo que tres Billboard Hot 100 número uno. El 22 de octubre de 2015, Adele anunció que lanzaría su tercer álbum, 25, en noviembre. Publicó la portada de 25 en Instagram y dijo sobre su primer proyecto de estudio de larga duración en varios años: "Mi último disco fue un disco de ruptura, y si tuviera que etiquetar este, lo llamaría un disco de maquillaje". . Recuperar el tiempo perdido. Compensar todo lo que hice y nunca hice. 25 se trata de saber en quién me he convertido sin darme cuenta. Y lamento que haya tardado tanto, pero, ya sabes, la vida pasó”.

 

VOTACIONES

1.- Rolling in the deep: Puedes sentir cada gota de emoción vertida cuando escuchas esta canción: La tristeza, el vacío, la soledad y la disparidad son temas comunes que se repiten en la música soul. "Rolling in the Deep" no es una excepción. Lo que diferencia tanto a esta canción de otras como esta es la forma en que Adele transmite el tema. La voz de Adele fusiona esta canción en un vacío negro sin fin lleno de torrentes de olas colosales que lo envuelven todo. Esta interpretación genuina y sincera se encuentra en la cúspide de la música soul contemporánea.

 

2.- Someone Like You: Destaca como la canción de ruptura más auténtica que encabezó las listas en la primera mitad de la década de 2010. Si bien la progresión de acordes puede ser simbólica y la línea de piano arpegiada algo trillada, la excelente musicalidad de la canción supera sus limitaciones compositivas. Esto por no hablar de las letras de Adele aquí tenemos un poderoso desenlace al final de 21 el único punto de completo abatimiento romántico después de un álbum que expresa virulencia y amargura. La voluntad de la canción de reducir las emociones a algo más quejumbroso es genuinamente conmovedora, y la moderación de Adele es realmente admirable, es un trabajo melancólico cuyo aguijón dura mucho después de que el piano desaparezca.

 

3.- Set Fire to the Rain: Sin duda es una canción que requiere escucharse con auriculares y asu poder escuchar todos los pequeños detalles que interviene en el sonido de la canción. Ya que todos esos detalles que tan bien funcionan son los elementos claves para hacer de "Set Fire to the Rain" una canción pop verdaderamente clásica. La canción es buena ya solo con su melodía estándar y su poética verdaderamente agradable, la imagen de gotas de fuego derramándose por el rostro de un enamorado, representando la transformación del luto en ira, es absolutamente espectacular.

0496.- Those Were the Days - Mary Hopkin

 

Mary Hopkin tenía apenas 18 años cuando firmó con el incipiente sello discográfico de los Beatles en 1968 aunque esta no fue su primera experiencia como artista, anteriormente había grabado un EP de canciones en el idioma nativo de su país de origen, Gales. Cuando la escenógrafa/modelo Twiggy vio a Hopkin actuar en el programa de televisión Opportunity Knocks , un predecesor de los años 60 de programas del siglo XXI como The Voice y America's Got Talent , recomendó a Hopkin a Paul McCartney, quien rápidamente firmó un contrato discográfico con el adolescente. McCartney llevó a Hopkin al estudio en julio de 1968 para grabar una canción de Gene Raskin llamada "Those Were the Days". Lanzado a fines de agosto, el sencillo subió al puesto número uno en 17 países de todo el mundo. En febrero de 1969, Hopkin lanzó su álbum debut de larga duración, Post Card, fue el séptimo álbum lanzado por Apple, y solo el tercero que no se acredita a los Beatles o a uno de sus miembros (James Taylor y Modern Jazz Quartet fueron los dos primeros que no pertenecen a los Beatles en lanzar Apple LP). El sencillo fue lanzado simultáneamente con "Hey Jude" de los Beatles, mientras que "Hey Jude" fue el número 1 durante nueve semanas en los EE. UU., "Those Were the Days" fue el número 2 durante cuatro de ellas y saco a los Beatles del número 1 en las listas del Reino Unido.

 

La historia de la canción se traslada 40 años antes, en la década de 1920, era una canción-poema rusa escrita por Boris Fomin, Gene Raskin luego escribió la letra en inglés, y la canción traducida impresionó completamente a McCartney. Durante años, trató de que los grupos lo grabaran con poco éxito, por lo que aprovechó la oportunidad de que Hopkin lo cantara. Y esi fue como creo un clásico tiene muchos elementos buenos: la voz de Hopkin se adapta bien a las letras melancólicas y anhelantes que también evocan esos sentimientos demasiado familiares de idealismo juvenil y la triste pérdida de todo. La instrumentación tiene toda esta sensación rusa que funciona bastante bien también, aunque quizás se vuelve un poco agotador. La transición lenta-rápida-lenta del verso al estribillo y viceversa es genial la primera vez, pero supongo que no se siente como si hubiera suficiente recompensa para seguir repitiéndola.

0495 - Piece of My Heart - Janis Joplin

0495 - Piece of My Heart - Janis Joplin

Piece of My Heart es una canción romántica de amor funk/soul escrita por Jerry Ragovoy y Bert Berns, grabada originalmente por Erma Franklin en 1967.

Pero la canción recibió mayor atención cuando Big Brother and the Holding Company junto a Janis Joplin como voz principal de la banda, versionaron la canción en 1968 y obtuvo un éxito mucho mayor que la versión original de la canción.

Desde entonces, la canción ha sido versionada por varios cantantes, como Dusty Springfield también en 1968, Faith Hill en 1994 y la versión a dúo de Melissa Etheridge y Joss Stone en 2005.

En 2004, Big Brother and the Holding Company ocupó el puesto 353 en la lista de Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. La canción también está incluida entre las 500 canciones que dieron forma al rock and roll del Salón de la Fama del Rock and Roll.

La canción se convirtió en un éxito pop mayor cuando fue grabada por Big Brother and the Holding Company en 1968 con la cantante principal Janis Joplin. La canción se extrajo del álbum Cheap Thrills del grupo, grabado en 1968 y publicado por Columbia Records. 

Esta versión de cuatro minutos y 15 segundos llegó al número 12 de la lista de éxitos del Billboard Hot 100 de Estados Unidos. Billboard la calificó de "dinamita", afirmando que "este estridente tratamiento de baile hará temblar el Hot 100." 

Cash Box dijo que se trata de una "actuación explosiva" con una "potente voz de Janis Joplin" y también elogió a la banda de acompañamiento.  El lanzamiento del álbum fue la culminación de un año de gran éxito para Joplin, con actuaciones aclamadas en el Monterey Pop Festival, el Anderson Theater de Nueva York, el Wake For Martin Luther King Jr., con Jimi Hendrix en Nueva York y en el programa de televisión de máxima audiencia The Dick Cavett Show.

Daniel
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Grandes exitos y tropiezos: Rosendo

 

Con Grandes éxitos y tropiezos iniciamos una nueva sección en 7días7notas, en las que os ayudaremos a elegir los mejores discos de los grupos y artistas más relevantes de la historia de la música, casi como si os estuviéramos acompañando en una de esas viejas tiendas de discos de segunda mano, esas pequeñas y escondidas anomalías que aún pueden encontrarse dentro del Matrix en el que se está convirtiendo este mundo en el que vivimos. Y nos vamos a detener en uno de los grandes iconos del rock en nuestro país, Rosendo Mercado. Después de nuestros #MesRosendo en el blog queremos dedicarle otro pequeño artículo, si quereos deteneros más en los discos podéis pasaros por el blog, pero a modo de resumen os dejamos nuestras elecciones si el dinero solo te da para un álbum o dos Rosendo (Madrid, 1954) empezó en esto de la música en Fresa tocando la guitarra es una de esas bandas que van y vienen, que tocan versiones de grupos conocidos, que sus integrantes van cambiando cada poco tiempo y sin posibilidad aparente de echar raíces, allí conoce a José Carlos Molina, con el que deciden darle un nuevo aire a la banda y forman Ñu, que se mira en el espejo de Jethro. Pero Rosendo necesitaba algo más, su admiración a otro estilo de música y su tensa relación con Molina hace que abandone el grupo y forma Leño del que sin duda nos queda ese mítico “Maneras de vivir” que refleja a la perfección la forma de Rosendo de ver el mundo y esa misma forma de ver el mundo hizo que iniciara su carrera en solitario:

 

Estás tardando en comprarlo:

Sin duda alguna hay que quedarse con “Loco por incordiar” el debut de Rosendo en solitario tras disolver Leño. Un discazo sin una sola mala canción, a pesar de que Callejones fuese coescrita con Ramoncín, el único defecto es que se nos queda corto, necesitaríamos más material del genio de Rosendo, pero si encontramos en el álbum Agradecido, quizá la canción más versionada del rock español, una de las básicas de Rosendo y por supuesto una de mis preferidas del disco, pero también encontramos Pan de Higo, Crucifixión a la que tengo en un pedestal o Buenas noches una instrumental sin pretensiones que ni ayuda ni molesta. Este álbum es la prolongación natural de lo mucho bueno que Rosendo había fabricado con Leño, quizás con un toque algo más pop pero con la misma intensidad de siempre, un disco con el que dejo boquiabierto a aquellos que solo querían derribarle, y base de lo que iba a ser su sonido durante unas cuantas décadas.

 

Si te queda pasta, llévate también:

Tenemos que seguir su senda y si quieres repetir compra pilla la continuación de su apabullante estreno, “Fuera de lugar” con el que mantiene el nivel de la entrega anterior. De nuevo Rosendo se las apaña para no soltar el acelerador y aprieta los dientes para armar otra gran colección de temazos. Incluso diría que el sonido mejora, no sé si sería la incorporación de Chiqui Mariscal al bajo, antiguo compañero de batallas en Leño, la cuestión es que el sonido tan puramente ochentero que lastraba un poco al disco anterior queda aquí mucho más diluido. Si olvidamos, por supuesto, esos teclados que hunden cosas que podían haber sido maravillosas como "Aguanta el tipo".  Son sólo treinta minutos pero muy intensos, en ellos se apelotonan un puñado de canciones que se iban a convertir en auténticos clásicos por derecho. Quizás falten los himnos imperecederos de su predecesor pero la calidad y la pegada no se resienten en absoluto…. "Fuera de lugar", "El ganador", "Entonces duerme" o "Navegando" son top del Rock en España.

 

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Era el fin de una época, Listos para la reconversión es un buen álbum, pero el proyecto estaba dando señales de agotamiento, llámenlo modas, y había que cambiar, pero no solo en la música, la política en España también iba a girar y Rosendo nos preparaba para lo que se avecinaba. Este álbum supuso un punto de inflexión en su carrera, él sabía que no iba a ninguna parte con este sonido y buscó un cambio radical que funcionó para algunos y fue un fracaso para otros, pero esa es ya otra historia. El caso es que estamos ante un álbum muy flojo con un trabajo vocal que intenta ser diferente, lo peor es el sonido de la batería, parece de juguete, así de claro. Se deja de teclados y es que le dejó su teclista italiano con el que estuvo un par de años, y se transforma en un pop rock durante muchos momentos, con unos coros flojos y endebles y un trabajo de guitarra muy discreto. El disco supuso el fin de una etapa en la carrera de Rosendo, le seguirían un cambio radical en el sonido y la composición de su banda, pero para eso habría que esperar un poco.

 

Si lo que buscas son canciones sueltas:

Estas son las cinco canciones top que no pueden faltar en tu colección o en tu playlist:

1.- Agradecido

2.- Flojos de pantalón

3.- Navegando

4.- Pan de Higo

5.- Majete

0494.- Summertime - Janis Joplin

Summertime ya era antes de la versión de Janis Joplin una maravilla del jazz, firmada por el gran compositor y pianista George Gershwin en 1935, con letra basada en un poema de DuBose Heyward y creada como una de las partes de su ópera jazz "Porgy and Bess".

Muchos han sido los artistas que se lanzaron a hacer versiones de este mítico tema, desde los cantantes más cercanos al género como Nina Simone, Sam Cooke o el dúo formado por Ella Fitzgerald y Louis Armstrong, pasando por las revisiones instrumentales de grandes del jazz como Charlie Parker o Miles Davis, y terminando por versiones más sorprendentes como las de Peter Gabriel, James Brown, Paul McCartney o la propia Janis Joplin que, en mi opinión, entrega en 1968 la versión más intensa y conmovedora.

La suave instrumentación que acompaña a la voz de Joplin es sorprendentemente excelsa, y uno de los momentos más afinados de una Big Brother & The Holding Company no habituada a las texturas del jazz, pero son las cuerdas vocales de la señora Joplin las que disparan la canción hasta el infinito y más allá de cualquier etiqueta o calificativo que queramos ponerle. La manera en la que su voz va pasando del melancólico susurro al grito desgarrador te pone literalmente "los pelos como escarpias", y dota a la pieza de Gershwin de una intensidad y dramatismo a los que ni la original ni las sucesivas versiones habían llegado.

0493.- Ball And Chain -Big Brother & The Holding Company

Ball and Chain

     En 1966 Janis Joplin decide entonces mudarse a San Francisco con Chet Helms. Chet era el productor de una banda llamada Big Brother & The Holding Company, y le invita a unirse a la banda, quedando esta conformada por Peter Albin (bajo), Sam Andrew (guitarra, voces), James Gurley (guitarra), David Getz (piano, batería) y la propia Janis (vocalista). Con la Big Brother Janis graba en diciembre de 1966 el primer álbum de la banda y empieza a actuar junto con otros grupos psicodélicos como Jefferson Airplane, The Grateful Dead y Quicksilver Messenger Service en los famosos locales Avalon Ballroom, Filmore East y Filmore West, y en festivales al aire libre como el Golden Gate Park ó en Hight-Ashbury. En junio de 1967 Janis y la Big Brother actúan en el famoso Fetival de Monterey, compartiendo cartel con artistas de la talla de Jimi Hendrix, The who y Jefferson Airplane entre otros. Sería allí, en aquel festival donde Janis deja a toda la audiencia asombrada con la versión que se marca del tema de Big Mama Thornton Ball And Chain. Producto del éxito de la banda en Monterey deciden publicar aquel primer álbum de la banda grabado en 1966, viendo éste la luz en septiembre de 1967. Han llamado la atención de mucha gente, y uno de ellos es Albert Grossman, productor por entonces de Bob Dylan quien los contrata, además la banda consigue un contrato con la discográfica Columbia Records.

En agosto de 1968 la banda estadounidense Big Brother and the Holding Company, con Janis Joplin como vocalista y miembro de la banda, publica Cheap Thrills. Este sería el último disco del grupo donde Janis participaría. El disco, bajo la producción de John Simon, es publicado por el sello discográfico Columbia Records, llegando a alcanzar un modesto puesto número 60 en las listas de ventas de Estados Unidos. Incluido en este disco se encuentra el referido Ball And Chain, con el que Janis había encandilado a la audiencia un par de años antes. El tema fue Compuesto por la gran cantante de blues y rhythm & blues Big Mama Thornton, una de las grandes influencias Janis. La cantante se encarga de elevar esta versión a cotas increíbles, no en vano se convirtió en uno de sus temas más emblemáticos. En cuanto a la temática de la canción, la imagen de la bola (ball) y la cadena (chain) suele estar asociada a los prisioneros, a los que se les solía poner una bola pesada atada a una cadena al tobillo para evitar que escaparan. Big Mama Thorton también relacionaba y hacía alusión en la canción a esta imagen con la de su pareja, la cual le estaba deprimiendo.

0492.- I Heard It Through The Grapevine - Marvin Gaye

 "I Heard It Through The Grapevine" se erige como una de las grandes canciones de The Motown, asi resulta curioso pensar que la composicon de Norman Whitfield/Barrett Strong fue rechazada por dos veces y una vez publicada comprobaron como esa primera versión fue eclipsada solo un año después por la interpretación de Marvin Gaye que todos conocemos como un clásico mundial. La canción había sido grabada por primera vez en Motown, en el verano de 1966, por los Miracles, pero su versión ni siquiera fue lanzada. A principios del año nuevo, Gaye grabó un nuevo arreglo, pero nuevamente, se quedó en las bóvedas de Hitsville. El productor Whitfield luego recurrió a Gladys Knight and the Pips, con cierto éxito, La interpretación uptempo , infundida como siempre con la vigorizante entrega de gospel y soul de Gladys, llegó a las listas de éxitos en octubre de 1967, llegando al número 1 en la lista de R&B y al número 2 en el Hot 100. Otras versiones, incluidas la de Temptations y Bobby Taylor, también cortaron la cancion, pero Whitfield estaba decidido a convertirla en un éxito para Gaye. En el verano de 1968, ahora que era una canción conocida y Marvin buscaba material para su nuevo disco In The Groove , un nuevo intento de hacer una versión de “Grapevine” cobraba sentido y colaboraron en una versión intensa y melancólica, sin embargo, Berry Gordy lo odiaba y se negó a dejar que se publicara hasta que algunos miembros del personal de Motown lo filtraron y cuando la emisora de radio WVON en Chicago comenzó a reproducirla como una pista del álbum, los teléfonos se volvieron locos. Se convenció a Berry Gordy para que lo lanzara como single, y se escribió la historia de “I Heard It Through The Grapevine”, lanzado el 30 de octubre, solo tres semanas después, se convirtió en el número 1 y estaba en camino de convertirse en el sencillo más vendido de Motown hasta ese momento.

Entre las innumerables  versiones de "I Heard It Through The Grapevine" que han enfatizado la duracion de la canción, la versión épica de 11 minutos de Creedence Clearwater Revival, en su álbum de 1970 Cosmo’s Factory me encanta, pero la de Gaye sigue siendo superior, una melodía oscura, vulnerable y paranoica mientras Gaye canta sobre las emociones de descubrir la infidelidad de un amante, su interpretación vocal es ejemplar, transmite una profunda sensación de dolor cuando expresa su consternación, perfectamente complementada por los coros, proporcionando un mayor contraste con sus tonos más bajos.. ¿Es el mejor sencillo de Motown? Casi seguro. De hecho, hay momentos en los que creo que probablemente podrías nombrarlo como el mejor sencillo, ya sea de The Motown o del año.

El disco de la semana 274: War Eternal - Arch Enemy

 

War Eternal, Arch Enemy

     Para la recomendación de este semana nos vamos a la localidad sueca de Halmstad, donde se formó allá por 1995 la banda de death metal melódico Arch Enemy. Sus primeros componentes provenían de contrastadas bandas como Carcass, Armageddon, Carnage, Mercyful Fate, Spiritual Beggars, The Agonist, Nevermore y Eucharist. El grupo fue fundado por el por entonces guitarrista de Carcass Michael Amott junto con Johan Liiva, que asumirá las tareas de vocalista de Arch Enemy. durante su historia, la banda ha sufrido numerosos cambios en su formación, como la de su vocalista, pues Johan Liiva sería sustituido por la cantante Angela Gossow, que permanecería en la banda hasta marzo de 2014, siendo reemplazada por la cantante canadiense Alissa White-Gluz.

En 2014 Arch Enemy, que en ese momento está conformado por Michael Amott (guitarra), Nick Cordle (guitarra, teclados), Sharlee D'Angelo (bajo), Daniel Erlandsson (batería, teclados) y la recién llegada Alissa White-Gluz (vocalista), publican su noveno álbum de estudio, War Eternal. Alissa llegaba a la banda para sustituir a Angela Gossow, quien había renunciado a sus funciones como vocalista para convertirse en la mánager de la banda. La baja de Angela podría haber supuesto un duro golpe para la banda, pero lejos de montar un drama, el grupo se puso manos a la obra y siguiendo la recomendación de la propia Angela terminaron audicionando a Alissa, que acabaría conectando con la banda de inmediato.

El álbum es grabado entre 2013 y 2014 en varios estudios, los Fascination Street Studios (Varberg, suecia), los West Coast Songs y Sweetspot Satellite (Halmstad, Suecia) y los Riksmixingsverket (Estocolmo, Suecia) bajo la producción de la misma banda, y publicado el 6 de junio de 2014 bajo el sello discográfico Century Media. La portada del álbum fue diseñada por el artista rumano Costin Choireanu, quien según Michael Amott, líder de la banda, fue capaz de captar la visión que tenía sobre lo que debía ser la portada del disco. Las temáticas del grupo suelen las que vienen desarrollando durante su carrera, letras donde nos hablan de rebelión, críticas a la sociedad y a la religión, en concreto la cristiana. 

Una de las dudas de este álbum era sí Alissa encajaría en la dinámica del grupo y si sería capaz de sustituir a Angela. Alissa quizá no tenga ese punto de agresividad que Angela tiene, pero lo suple con creces con una capacidad de moverse por registros mucho más variados que Angela, siendo capaz de pasar de voces guturales a voces nítidas y limpias con una facilidad pasmosa. El grupo liderado por Michael Amott sigue fiel a su estilo dentro del death metal melódico y después de un par de trabajos bastante discretos, The Root of All Evil (2009)  y Khaos Legions (2011), nos regalan un gran trabajo, a la altura de discos como Heartwork, Burning Bridges, Stigmata o Wages Of Sin. Michael Amott parece recuperar la inspiración en un disco donde comparte tareas de composición con Alissa White-Gluz. La banda se atreve, y con muy buen criterio y resultados, a incorporar elementos orquestales en temas como You Will Know My Name, Avalanche o Time Is Black. Tampoco faltan temas llenos de fuerza y velocidad como Tempore Nihil Sanat (Prelude In F Minor), No More Regrets, o Stolen Life, melódicos como War Eternal, Ass The pages Burn o You Will Know My Name, acústicos, como Graveyard Of Dreams o instrumentales, como el tema que además cierra este notable trabajo, Not Long For This World. 

War Eternal volvía a colocar al grupo liderado por Michael Amott en el lugar que le corresponde. La vuelta de la inspiración de Amott, junto con la llegada de Alissa White-Gluz que además compone, sacaban al grupo del estancamiento en el que estaban inmersos para regalarnos un gran álbum de death metal melódico.

0491 - White Room - Cream

0491 - White Room - Cream

White Room es una canción de la banda británica Cream, lanzada como sencillo y siendo considerado uno de los mayor éxito de la banda, fue compuesta musicalmente por Jack Bruce y líricamente por el poeta Pete Brown.

Fue grabada entre diciembre de 1967 y junio de 1968, la canción aparece en su álbum Wheels of Fire, más tarde saldría en Estados Unidos como sencillo, con un cambio en el tercer verso de la canción, mientras que el sencillo de la misma canción salido en enero de 1969 para Reino Unido, tendría la duración completa del tema.

Esta canción se puede escuchar en la película Joker, cuándo el Joker es arrestado por la policía de Gotham, lo que producen disturbios en Gotham. Un alborotador acorrala a la familia Wayne en un callejón y asesina a Thomas y su esposa Martha, salvándose Bruce es cuando en los cómics es el inicio de la historia de quien será Batman. Unos alborotadores que conducen una ambulancia chocan contra el automóvil de la policía que transportaba a Arthur y lo liberan él baila con los vítores de la multitud sobre el capó del coche patrulla.

Daniel 

Instagram storyboy 

0490.- Crossroads - Cream

 

Crossroads, Cream

     En 1936 el mítico bluesman Robert Johnson escribió y grabó Crossroads, también conocido como Cross road Blues. Robert interpretó la pieza sólo y únicamente acompañado de su guitarra acústica tocada con slide. Durante los años se han realizado multitud de versiones de éste clásico, y una de las que más se recuerdan es quizás la realizada por el power trío británico Cream, compuesto por Jack Bruce, Ginger Baker y Eric Clapton.

A principios de 1966, y cuando todavía se encontraba con los John Mayall & the Bluesbreakers, Eric Clapton adaptó la canción para una sesión de grabación con un grupo de estudio que había conformado llamado Eric Clapton and the Powerhouse. Este proyecto estaba conformado por Steve Winwoood (voz), Jack Bruce (bajo), Paul Jones (armónica), Ben Palmer (piano), Pete York (batería) y Eric Clapton (batería). Este grupo grabó algunas canciones, concretamente cuatro, y una de ellas permaneció inédita y no se llegó a grabar. Los temas grabados fueron Corssroads (Robert Johnson), Steppin' Out (Magic Slim) y I Want to Know (S. Mcleod). El tema llamado Slow Blues es el que permanece inédito hasta la fecha. Estos tres temas fueron lanzados por el sello discográfico Elektra Records en un recopilatorio llamado What's Shakin', en junio de 1966, junto con canciones de lovin' Spoonful, Al Kooper, Tom Rush y Butterfield Blues Band. El productor de los temas, Joe Boyd, había estado revisando las posibles canciones para grabar junto a Clapton. Clapton quería grabar Crosscut Saw de Albert King, y Boyd quería adaptar un country blues más antiguo y propuso a Clapton grabar Crossroads de Robert Johnson, pero Clapton prefería Traveling Riverside Blues, también de Johnson. Para la grabación final de Crossroads, Clapton realizó un arreglo utilizando letras de ambas canciones con una adaptación de la línea de guitarra de Tavelling Riverside Blues.

Crossroads se convirtió en parte del repertorio de Cream cuando Clapton comenzó a actuar con Jack Bruce y Ginger Baker, ya bajo el nombre de Cream. La versión de Clapton presenta pesados riffs y sólos muy contundentes. Clapton tenía claro que la versión de Crossroads tenía que ser puramente rock, Johnson tocaba el tema con un riff muy definido y con el slide a todo volumen, y Clapton simplificó la línea de guitarra ajustándola a un ritmo más pesado y rockero, y también simplificó y estandarizó las líneas vocales de la canción  La guitarra de Clapton y el bajo de Bruce con sus pesados riffs dan un sonido muy contundente al tema. Además de las letras de apertura y cierre de las letras de la grabación original de Robert Johnson de la canción original, agregó dos veces la misma sección de la canción Traveling Riverside Blues. El tema tiene una pausa instrumental, enfocada claramente a las improvisaciones que el grupo realizaría en sus presentaciones en vivo. La canción fue grabada e incluida en el álbum doble Wheels of Fire, publicado en agosto de 1968 por el sello discográfico Polydor Records en el Reino Unido y por el sello Atco Records en Estados Unidos. Atco Records publicó posteriormente el tema como sencillo en enero de 1969, alcanzando el puesto 28 en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos.

1 artista, 3 canciones: Blur

Una nueva entrega de esta sección donde hablaremos brevemente la carrera de un artista y resaltaremos vuestros tres temas favoritos, la elección como casi siempre será a través de nuestras redes sociales, en el twitter de @7dias7notas donde cada domingo os solicitaremos que nos dejéis vuestras tres canciones del artista que la redacción propone.

BLUR

Aunque la aclamación comercial y crítica inicial cayó sobre la banda de pop británica Blur a principios de la década de 1990, no fue hasta el lanzamiento de Parklife en 1994 que el cuarteto alcanzó el estatus de Top 40 en los Estados Unidos. El disco logró tres hazañas: lanzó a Blur a lo largo del mundo, anunció el regreso del "Britpop" a ambos lados del Atlántico; y encendió una feroz rivalidad entre Blur y sus compañeros ingleses Oasis. Aunque Oasis finalmente llegó a la cima en términos de ventas de discos, Blur ha seguido creciendo con cada álbum lanzado, experimentando con diferentes géneros y manteniendo un sonido musical único.

Los orígenes de Blur en realidad se encuentran en la última ola menor de bandas británicas que dejaron una huella en la escena de la música pop/alternativa, la breve erupción de 1989-1990 del sonido de Manchester, Blur se formó a raíz del éxito disfrutado entonces por grupos como Happy Mondays, Stone Roses y Charlatans, sin embargo, a diferencia de los miembros de las bandas del norte de Inglaterra, los tres fundadores de Blur provienen de Colchester, un suburbio de Londres. El grupo, originalmente conocido como Seymour, se unió oficialmente cuando Damon Albarn conoció a Graham Coxon y Dave Rowntree en la escuela de arte de Londres. Alex James, natural de Londres, fue reclutado cuando necesitaban un bajista. La banda firmó con Food Records en 1990 después de tocar solo unos pocos conciertos, la discográfica estaba respaldada por el gigante de la industria EMI,

En 1990 se lanzó el primer sencillo de la banda en 1990, "She's So High" alcanzó el número dos en las listas independientes británicas, y el álbum posterior Leisure, "con su melancólica tanda de pop psicodélico inglés pero pesado", como Rob O. 'Connor de Rolling Stone lo caracterizó: alcanzó el número siete en las listas británicas el día de su lanzamiento. Blur se mantuvo dentro del top en Inglaterra con el álbum Modern Life Is Rubbish en 1992, un disco con un sonido ligeramente renovado que hizo una ruptura con el estado de ánimo lacónico y tintineante al estilo de Manchester. La banda, como explicó Steven Daly de Rolling Stone, "se quitó la ropa holgada para revelar... una inclinación por el pop de guitarra melódico y bien resuelto". Con su tercer álbum, Parklife, dio el salto alrededor del mundo, después de vender casi un millón de copias en el Reino Unido, los fanáticos de la música alternativa estaban listos para lo que venía, y más tras el pegadizo sencillo "Girls & Boys", descrito por los escritores de Billboard Craig Rosen y Dominic Pride como "un pastiche de Eurodisco sin sentido. Gran parte de Parklife se escribió después de que Albarn leyera la visión apocalíptica de la Inglaterra futura del novelista británico Martin Amis, London Fields. El año 1995 fue especialmente embriagador para Blur. En febrero se convirtieron en el primer acto en ganar cuatro Brit Awards, el equivalente británico del Grammy. En junio cambiaron su sello estadounidense de SBK a Virgin, una compañía mejor equipada para comercializar el sonido accesiblemente alternativo de la banda. En ese momento, los tabloides británicos estaban haciendo una crónica de cada movimiento de la banda, y especialmente del cantante Albarn. Además, se habló mucho de la animosidad entre Blur y Oasis, una rivalidad que había alcanzado un punto frenético a finales de año. La competencia por la posición en las listas de éxitos entre Blur y Oasis se intensificó cuando Blur lanzó The Great Escape en septiembre de 1995, justo cuando Oasis también estaba lanzando material nuevo, el primer sencillo de Blur fue "Country House". The Great Escape fue elogiado por la crítica y el perfil de Blur se elevó en ambos lados del Atlántico. Sin embargo, a pesar de que el primer sencillo del álbum, "Country House", entró en las listas de éxitos antes del lanzamiento de un sencillo de Oasis al mismo tiempo, Oasis finalmente se ganó a la audiencia con su lanzamiento megapopular, (What's the Story) Morning Glory? Blur se tomó un año libre tras las ventas relativamente decepcionantes de The Great Escape.

En lugar de separarse, Blur usó su año libre para reevaluar su enfoque de la música, y finalmente decidió seguir el ejemplo del indie rock estadounidense y emplear un estilo de composición de canciones de baja fidelidad e impulsado por la guitarra. Esta vez, su éxito fue al revés: su quinto álbum, Blur, fue más popular en los Estados Unidos que sus álbumes anteriores, pero el público británico lo recibió con frialdad. Frustrados, la banda regresó al estudio con otro enfoque en mente. El siguiente álbum del grupo, 13 fue teñido de música electrónica, lanzado en 1999, tuvo una mala recepción. Algunos criticaron a la banda por dejar su estilo pesado de guitarras del pasado por los ritmos hechos a máquina de 13, y señalaron que la edad dorada de la electrónica ya había ido y venido. Su lanzamiento de 2003, Think Tank, fue un paso más en el ámbito electrónico, aunque detrás del pulso electrónico, se identificó "una belleza discreta y atmosférica que a veces recuerda la belleza penetrante de la banda escocesa Belle and Sebastian". Tras la ruptura y la carrera en solitario de Damon Albarn, tardarían 12 años en publicar un nuevo álbum, The magic whip podríamos pensar que es un refrito descafeinadamente nostálgico, doce años son muchos, y las tormentas que amenazaban la banda se han convertido en tranquilas olas de madurez y claridad respecto unos mismos, no es una obra maestra, pero sí es muy digno, con altibajos constantes, pero también ápices de excelencia repartidos por momentos.

VOTACIONES

1.- Song 2: Este te,a también se conoce como "Whoo-Hooo", que es el coro que sale durante la cancion, el título no se menciona en la letra ni tiene mucho sentido en la tematica, ya que el nombre "Canción 2" era originalmente solo un título provisional,  Blur lo presentó de esa manera durante las presentaciones en vivo y los fans pronto identificaron "Canción 2" y el título se quedó así. Con guitarras ruidosas y letras crípticas, la banda escribió esto para burlarse de la música grunge que era popular en Estados Unidos en ese momento y terminaria siendo el mayor éxito de Blur en los Estados Unidos. 

2.- Girl & Boys: Esta canción trata sobre los roles sexuales y la libertad de preferencia sexual. Gran parte es una parodia de la cultura de club hedonista de los años 90, el soniquete puede que te pueda provocar el mayor odio que puedas expresar hacia una cancion, ya que toda la banda suena como niños saltando en una cama, y eso es lo convierte en el himno apasionante y rebosante de alegría que es, y difícilmente sería lo mismo sin esa leve maldad natural de la banda.

3.- Beetlebum: Es considerada una de sus mejores canciones, donde la ambigüedad juega por varios frentes, pero donde claramente el tema de la relación con esta chica, su caída junta a ella en las drogas- la heroína- recaló fuerte, y no tan sólo en él, sino que casi se llevó a la banda consigo, en un momento en que por primera vez se tuvo que enfrentar a la otra gran parte de esto: al guitarrista Graham Coxon, debido al tema de las drogas y cómo estaba afectando a la banda. “BeetleBum” es un híbrido de guiño a la banda de Lennon


y McCartney, y habla de un arrepentido drogadicto que coquetea con los juegos de palabras sobre el término “persiguiendo el escarabajo” (Chasing the beetle), que es una variación de “perseguir el dragón” (Chasing the dragon), término coloquial que describe la inhalación de los vapores de la heroína o el opio calentado sobre papel de aluminio. 

OTRAS CANCIONES:

Charmless man 4

The Universal         3

Country house         3

Park life                 2

Tender                 2

Sweet song         2

Music is my radar 1

There´s no other way 1

Under the west way 1

On your own         1   

To the end         1

End of the century 1

Good song         1

Battery in your leg 1

Crazy beat         1

Swamp song         1